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뮤지컬

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목차

1. 개요

뮤지컬은 노래, 춤, 연기가 통합된 공연 예술의 한 장르이다. 영국에서 파생된 뮤지컬은 미국에서 독자적인 형태로 발전하여, 1920년대 이후 대중 예술로 자리 잡았다. 뮤지컬은 오페라와 달리 대중음악을 사용하고, 배우가 관객과 소통하며, 마이크를 통해 감정을 전달하는 특징을 갖는다. 뮤지컬의 구성 요소는 서곡, 오프닝 넘버, 제시, 프로덕션 넘버, 반복 연주, 쇼 스토퍼, 아리아, 커튼 콜 등으로 이루어져 있으며, 2막으로 구성되어 2시간에서 3시간가량 공연된다. 세계 4대 뮤지컬로는 캣츠, 레미제라블, 미스 사이공, 오페라의 유령이 있으며, 한국에서는 EMK 뮤지컬컴퍼니, KCMI, 신시컴퍼니 등 다양한 제작사들이 뮤지컬을 제작하고 있다. 뮤지컬은 대극장, 중/소극장에서 공연되며, 사운드 오브 뮤직, 맘마 미아! 등 뮤지컬 영화로도 제작된다.

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뮤지컬
장르
특징
관련 용어
다른 명칭
문화어가무이야기
영어musical

2. 역사

영국을 제외한 유럽 각국에서는 상류층이 즐기는 오페라와 대중이 즐기는 오페레타가 발전했다. 그러나 영국은 오페라 전통이 없어 이탈리아, 프랑스, 독일의 오페라, 오페레타 등을 수입했다. 19세기 말, 경제적, 정치적으로 부강해진 영국은 오락물을 급조했는데, 이것이 뮤지컬 파스(Musical farce)였다. 이후 ‘뮤지컬 코미디’라는 명칭으로 희극, 춤, 노래, 미녀들을 동원한 무대로 성공을 거두었고, 미국으로 건너가 본격적인 양식으로 형성되었다.

미국 뮤지컬은 프랑스의 오페라 부프, 영국의 코믹 오페라, 독일어권의 비인 오페레타에 연원을 두고 있다. 1800년대 미국에는 노래, 춤, 코러스 걸의 군무가 있는 연예가 정착되어 있었고, 유럽 출신 이민 예술인들이 미국적 연예 양식과 비인 오페레타를 연결시켜 뮤지컬을 만들었다. 따라서 뮤지컬의 발전은 미국의 시대적 배경 및 문화 상황과 밀접하게 관련되어 있다.

제1차 세계대전 후 대공황 시기에 대중은 낙천적이고 유쾌한 오락 문화를 갈망했고, 이러한 정서에 맞는 뮤지컬이 대중 예술로 뿌리내렸다. 1920년대 말에는 쇼적인 구성을 벗어나 연극적 플롯과 등장인물의 성격을 강조하게 되었다. 제롬 컨의 쇼 보트(1928)를 시작으로 음악, 노래, 춤이 이야기 구성과 등장인물의 발전에 통합되면서 상업적으로 성공했다. 1931년 《너를 노래한다》가 퓰리처상을 수상하며 정식 연극 장르로 인정받았고, 1943년 《오클라호마》는 2000회가 넘는 장기 공연에 성공하며 국민적 장르로 자리매김했다. 제2차 세계대전 이후 《아가씨와 건달들》, 《왕과 나》 등은 브로드웨이 뮤지컬을 세계적 예술로 격상시켰다. 1980년대 이후 영국 웨스트엔드의 걸작 뮤지컬들이 브로드웨이에서 동시 공연되고, 전 세계에서 공연되며 뮤지컬 시대를 맞이했다.

뮤지컬의 발전사는 1930년대 뮤지컬 황금기(제1기), 1950년대부터 1960년대 전반까지의 뮤지컬 발전기(제2기), 1960년대부터 1970년대까지의 뮤지컬 전환기(제3기), 그리고 첨단 메커니즘을 사용한 무대 예술에 치중하는 오늘날의 뮤지컬(제4기)로 구분된다. 제2기에는 전쟁의 상흔 등 부정적 시대 현실을 낙천적 세계와 긍정적인 미래의 꿈으로 바꾸고자 했으며, 예술성 높은 작품을 위해 작가, 작곡가, 안무가들의 공동 작업에 치중했다. 로저스와 해머스타인의 작업이 대표적이며, 《사운드 오브 뮤직》(1959)이 대표작이다. 제3기에는 사회적 주제와 사실적 내용의 진지한 뮤지컬들이 창작되었다. 문학성, 예술성 높은 작품이 선호되고 춤이 강화되었으며, 낙천적이고 낭만적인 것보다는 호소력이 강한 작품들이 발표되었다. 비틀즈나 앨비스 프레슬리 풍의 전자 사운드 음악이 주를 이루었다. 대표작으로는 《헤어》,《코러스 라인》,《지붕위의 바이올린》 등이 있다.

파리에서 공연되던 오페라 코믹을 시초로, 『지옥의 오르페(천국과 지옥)』를 작곡한 자크 오펜바흐의 영향을 받은 요한 슈트라우스 2세가 빈에서 오페레타(빈 오페레타)를 근대화했다. 이후 허버트, 프림을, 롬베르크 등이 미국에 가져와 뉴올리언스에서 행해지던 쇼 형태로 발전하면서 뮤지컬이 탄생했다고 여겨진다. 제1차 세계 대전 이후 오페레타 작품과 뮤지컬을 엄격하게 구분하는 것은 어렵지만, 전자의 오페라 발성의 가수, 클래식 편성의 관현악단, 발레리나의 무용, 독일어 가사 등의 요소가 후자의 자연스러운 목소리의 자유로운 노래와 하나가 된 춤(가수와 무용수를 따로 분담하지 않음), 타악기를 많이 사용한 자유로운 밴드 편성, 영어 가사 등의 형태로 바뀌어 갔다. 베를린 오페레타나 롬베르크의 뮤지컬 등, 과도기적인 형태의 것도 적지 않고, 현대에도 독일어 뮤지컬의 제작은 활발하며, 양자의 구분은 항상 유동적이다. 또한, 부다페스트 오페레타 극장처럼 자연스러운 목소리로 클래식 오페레타를 상연하는 단체도 존재한다. 레너드 번스타인은 노래에 의해 드라마가 진행되는 것이 오페라이고, 드라마 속에서 고조된 감정을 노래에 맡기는 것이 뮤지컬이라고 정의했지만, 이것도 하나의 견해일 뿐이다. 음악의 비중이 높은 것이 오페라, 오페레타라는 구분도 미묘하다. 확실히 오페라나 오페레타에서 대사가 절반 이상인 것은 없고 많아야 3할 정도의 비율이지만, 뮤지컬은 몇 곡 정도만 노래가 있는 것부터 전편이 노래로 대사가 없는 것까지 매우 폭이 넓다.

2. 1. 서양 뮤지컬의 역사

영국을 제외한 유럽 각국에서는 상류층이 즐기는 오페라와 대중이 즐기는 오페레타가 발전했다. 그러나 영국은 오페라 전통이 없어 이탈리아, 프랑스, 독일의 오페라, 오페레타 등을 수입했다. 19세기 말, 경제적, 정치적으로 부강해진 영국은 오락물을 급조했는데, 이것이 뮤지컬 파스(Musical farce)였다. 이후 ‘뮤지컬 코미디’라는 명칭으로 희극, 춤, 노래, 미녀들을 동원한 무대로 성공을 거두었고, 미국으로 건너가 본격적인 양식으로 형성되었다.[21][22]

미국 뮤지컬은 프랑스의 오페라 부프, 영국의 코믹 오페라, 독일어권의 비인 오페레타에 연원을 두고 있다. 1800년대 미국에는 노래, 춤, 코러스 걸의 군무가 있는 연예가 정착되어 있었고, 유럽 출신 이민 예술인들이 미국적 연예 양식과 비인 오페레타를 연결시켜 뮤지컬을 만들었다. 따라서 뮤지컬의 발전은 미국의 시대적 배경 및 문화 상황과 밀접하게 관련되어 있다.

제1차 세계대전 후 대공황 시기에 대중은 낙천적이고 유쾌한 오락 문화를 갈망했고, 이러한 정서에 맞는 뮤지컬이 대중 예술로 뿌리내렸다. 1920년대 말에는 쇼적인 구성을 벗어나 연극적 플롯과 등장인물의 성격을 강조하게 되었다. 제롬 컨의 쇼 보트(1928)를 시작으로 음악, 노래, 춤이 이야기 구성과 등장인물의 발전에 통합되면서 상업적으로 성공했다. 1931년 《너를 노래한다》가 퓰리처상을 수상하며 정식 연극 장르로 인정받았고, 1943년 《오클라호마》는 2000회가 넘는 장기 공연에 성공하며 국민적 장르로 자리매김했다. 제2차 세계대전 이후 《아가씨와 건달들》, 《왕과 나》 등은 브로드웨이 뮤지컬을 세계적 예술로 격상시켰다. 1980년대 이후 영국 웨스트엔드의 걸작 뮤지컬들이 브로드웨이에서 동시 공연되고, 전 세계에서 공연되며 뮤지컬 시대를 맞이했다.

뮤지컬의 발전사는 1930년대 뮤지컬 황금기(제1기), 1950년대부터 1960년대 전반까지의 뮤지컬 발전기(제2기), 1960년대부터 1970년대까지의 뮤지컬 전환기(제3기), 그리고 첨단 메커니즘을 사용한 무대 예술에 치중하는 오늘날의 뮤지컬(제4기)로 구분된다. 제2기에는 전쟁의 상흔 등 부정적 시대 현실을 낙천적 세계와 긍정적인 미래의 꿈으로 바꾸고자 했으며, 예술성 높은 작품을 위해 작가, 작곡가, 안무가들의 공동 작업에 치중했다. 로저스와 해머스타인의 작업이 대표적이며, 《사운드 오브 뮤직》(1959)이 대표작이다. 제3기에는 사회적 주제와 사실적 내용의 진지한 뮤지컬들이 창작되었다. 문학성, 예술성 높은 작품이 선호되고 춤이 강화되었으며, 낙천적이고 낭만적인 것보다는 호소력이 강한 작품들이 발표되었다. 비틀즈나 앨비스 프레슬리 풍의 전자 사운드 음악이 주를 이루었다. 대표작으로는 《헤어》,《코러스 라인》,《지붕위의 바이올린》 등이 있다.

유럽 뮤지컬의 기원은 기원전 5세기, 고대 그리스 극장까지 거슬러 올라간다.[23] 하지만 고대 형식의 음악은 사라졌고, 이후 뮤지컬 발전에 거의 영향을 미치지 않았다.[24] 12세기와 13세기에는 종교극이 예배 의식을 가르쳤다.[25] 유럽 르네상스 시대에는 코메디아 델라르테(commedia dell'arte)와 오페라 부파(opera buffa)가 발전했다.[26] 영국에서는 엘리자베스 시대와 제임스 1세 시대의 연극에 음악이 자주 포함되었고,[27] 짧은 음악극이 저녁의 극적 오락에 포함되기 시작했다.[28] 튜더 시대에는 궁정 마스크(masque)가 발전했는데, 이것은 영국 오페라로 인식되는 노래극으로 발전했다. 첫 번째 작품은 《로도스 공방전》(1656)으로 여겨진다.[29] 한편 프랑스에서는 몰리에르(Molière)가 17세기 후반에 자신의 여러 익살극을 음악 오락으로 바꾸었다.[30] 이것은 존 블로우(John Blow)[31]와 헨리 퍼셀(Henry Purcell)과 같은 작곡가들의 짧은 영국 오페라 시대에 영향을 미쳤다.[30]

존 웹(건축가)(John Webb (architect))이 그린 로도스(Rhodes) 전경.
1656년 《로도스 공방전(The Siege of Rhodes)》 초연 당시 배경막으로 사용되었다.


18세기부터 영국에서 가장 인기 있는 뮤지컬 형식은 존 게이(John Gay)의 《거지 오페라(The Beggar's Opera)》와 같은 발라드 오페라(ballad opera)였다.[32] 유럽 대륙에서는 징슈필(singspiel), 코메디 앙 보드빌(comédie en vaudeville), 오페라 코믹(opéra comique), 사르수엘라(zarzuela) 등이 등장했다. 《거지 오페라》는 최초로 기록된 장기 상연 작품으로, 1728년 62회 연속 공연을 기록했다.[33] 19세기 영국에서는 뮤직홀(music hall), 멜로드라마(melodrama), 버레타(burletta) 등이 발전했다.[34]

식민지 시대 미국에는 1752년까지 상당한 극장이 없었다.[35] 1753년 뉴욕에서 《거지 오페라》와 같은 발라드 오페라와 발라드-파스(ballad-farce)를 공연했다.[35] 1840년대까지 P. T. 바넘(P. T. Barnum)은 로어 맨해튼에 오락 단지를 운영했다.[36] 미국의 다른 초기 뮤지컬은 버레타와 판토마임과 같은 영국 형식이었다.[37] 뉴욕의 극장은 1850년경부터 점차 다운타운에서 미드타운으로 이동했고, 타임스퀘어 지역에는 1920년대와 1930년대까지 도착하지 않았다. 로라 키니(Laura Keene)의 《칠 자매(The Seven Sisters)》(1860)는 253회 공연으로 이전 뉴욕 뮤지컬 기록을 경신했다.[38]

포스터, 1879년경


1850년경, 프랑스 작곡가 에르베는 오페레타라는 코믹한 뮤지컬 극장 형식을 실험했다.[39] 가장 잘 알려진 오페레타 작곡가는 자크 오펜바흐와 요한 슈트라우스 2세였다.[40] 오펜바흐의 풍부한 선율과 작가들의 재치 있는 풍자는 이후의 뮤지컬 극장의 모델이 되었다.[41]

미국에서는 19세기 중반 뮤지컬 극장의 오락으로는 조악한 버라이어티 리뷰, 보드빌, 민스트럴 쇼, 빅토리아 시대 버레스크 등이 있었다.[42] 1866년 뉴욕에서 초연된 《검은 망토(The Black Crook)》는 춤과 이야기를 전달하는 데 도움이 되는 독창적인 음악을 결합하여 474회라는 기록적인 공연을 기록했다.[43] 같은 해, ''검은 도미노/너와 나 그리고 우편(The Black Domino/Between You, Me and the Post)''은 자신을 "뮤지컬 코미디"라고 부른 최초의 쇼였다. 1874년, 에드워드 E. 라이스와 J. 치버 구드윈의 ''에반젤린 또는 아르카디아의 미녀(Evangeline or The Belle of Arcadia)''가 성공을 거두었다.[44] 코미디언 에드워드 해리건과 토니 하트는 1878년부터 1885년까지 브로드웨이에서 뮤지컬을 제작하고 출연했다. 1879년, 네이트 샐즈베리의 ''브룩(The Brook)''은 또 다른 전국적인 성공작이었다.[44]

교통이 개선되고 런던과 뉴욕의 빈곤이 줄어들고 가로등이 밤에도 안전한 이동을 가능하게 함에 따라, 극장 후원자 수가 증가했다. 500회 이상의 연속 공연을 기록한 최초의 뮤지컬 작품은 1878년 프랑스 오페레타 ''노르망디의 종소리(The Chimes of Normandy)''였다.[45] 영국의 코믹 오페라는 유럽 오페레타의 많은 성공적인 아이디어를 채택했는데, 그중에서도 길버트 앤 설리번 코믹 오페라 시리즈가 대표적이다. 여기에는 ''H.M.S. 피나포어''(1878)와 ''미카도''(1885)가 포함된다.[46] 이들은 대서양 양쪽과 호주에서 큰 인기를 끌었다.[47] 19세기 뮤지컬 작품 중 ''미카도''의 공연 기록을 넘어선 작품은 몇 안 되는데, 그중 1886년에 개봉하여 931회 공연이라는 새로운 기록을 세운 ''도로시''가 있다. 길버트 앤 설리번의 후대 뮤지컬 극장에 대한 영향은 지대했으며, 가사와 대사가 일관된 이야기를 진행하는 방법을 보여주는 사례를 만들었다.[48][49] 그들의 작품은 영국[50][51]과 미국의 초기 뮤지컬 작가와 작곡가들에 의해 칭찬받고 모방되었다.[52][53]

''차이나타운으로의 여행(A Trip to Chinatown)''(1891)은 1919년 ''아이린(Irene)''이 나오기 전까지 브로드웨이 최장기 공연 기록을 세웠다(657회 공연). 길버트와 설리번은 뉴욕에서 광범위하게 표절되었고, 레지널드 드 코번(Reginald De Koven)의 ''로빈 후드(Robin Hood)''(1891)과 존 필립 수사(John Philip Sousa)의 ''엘 카피탄(El Capitan)''(1896)과 같은 작품들에서 모방되기도 했다. ''쿤타운으로의 여행(A Trip to Coontown)''(1898)은 브로드웨이에서 아프리카계 미국인이 전적으로 제작하고 공연한 최초의 뮤지컬 코미디였다. 1890년대와 20세기 초 브로드웨이에서는 수백 편의 뮤지컬 코미디가 공연되었는데, 이는 뉴욕의 틴 팬 알리(Tin Pan Alley)에서 작곡된 곡들로 구성되었다. 가장 성공적인 뉴욕 쇼들은 종종 광범위한 전국 순회공연으로 이어졌다.[54]

한편, 뮤지컬은 황금기(Gay Nineties)에 런던 무대를 장악했는데, 그 선두에는 제작자 조지 에드워즈(George Edwardes)가 있었다. 그는 게이어티 극장(Gaiety Theatre, London)과 그의 다른 극장에서 현대 의상의 가족 친화적인 뮤지컬 극장 스타일을 실험했다. 이 중 첫 번째 작품인 ''인 타운(In Town)''(1892)과 ''게이어티 걸(A Gaiety Girl)''(1893)의 성공은 향후 30년간의 스타일을 설정했다. 줄거리는 일반적으로 가볍고 로맨틱한 "가난한 처녀가 귀족을 사랑하고 모든 역경을 극복하고 그를 얻는다"는 쇼였으며, 음악은 아이반 캐릴(Ivan Caryll), 시드니 존스(Sidney Jones), 그리고 라이오넬 몽크턴(Lionel Monckton)이 작곡했다. 이러한 쇼들은 즉시 미국에서 광범위하게 복제되었고, 에드워디안 뮤지컬 코미디(Edwardian musical comedy)는 이전의 코믹 오페라와 오페레타 형식을 몰아냈다. ''게이샤(The Geisha)''(1896)는 1890년대 가장 성공적인 작품 중 하나였다.

''뉴욕의 미녀(The Belle of New York)''(1898)는 런던에서 1년 이상 공연된 최초의 미국 뮤지컬이 되었다. 영국 뮤지컬 코미디 ''플로로도라(Florodora)''(1899)는 대서양 양쪽에서 인기 있는 성공을 거두었고, ''중국 신혼여행(A Chinese Honeymoon)''(1901) 역시 런던에서 1,074회, 뉴욕에서 376회라는 기록적인 공연을 기록했다.[55] 20세기 초반 이후, 시모어 힉스(Seymour Hicks)는 에드워즈와 미국 제작자 찰스 프로만(Charles Frohman)과 힘을 합쳐 또 다른 10년 동안 인기 있는 쇼들을 만들었다. 다른 오래 지속된 에드워디안 뮤지컬 코미디 히트작으로는 ''아르카디언스(The Arcadians)''(1909)와 ''퀘이커 걸(The Quaker Girl)''(1910)이 있다.[56]

빅터 허버트(Victor Herbert)


오페레타는 1907년 ''즐거운 미망인(The Merry Widow)''으로 런던과 브로드웨이에 복귀했고, 유럽 대륙 오페레타의 각색 작품들은 뮤지컬과 직접 경쟁하게 되었다. 프란츠 레하르(Franz Lehár)와 오스카 슈트라우스(Oscar Straus (composer))는 제1차 세계 대전까지 영어권에서 인기를 끌었던 새로운 오페레타들을 작곡했다.[57] 미국에서는 빅터 허버트(Victor Herbert)가 ''점쟁이(The Fortune Teller (operetta))'' (1898), ''장난감 나라의 아이들(Babes in Toyland (operetta))'' (1903) 등 여러 편의 오랫동안 사랑받는 오페레타들을 제작했다.

1910년대에는 P. G. 우드하우스(P. G. Wodehouse), 가이 볼턴(Guy Bolton), 제롬 컨(Jerome Kern) 팀이 "뉴욕 프린세스 극장(Princess Theatre, New York City) 쇼"를 만들어 뮤지컬이 가볍고 대중적인 오락과 이야기와 노래의 연속성을 결합할 수 있음을 보여주었다.[58]

제1차 세계 대전의 암울한 시대에 극장 관객들은 현실 도피적인 오락을 필요로 했고, 극장으로 몰려들었다. 1919년 대히트 뮤지컬 ''아이린(Irene (musical))''은 670회 공연을 기록했다.[59] 영국 극장 관객들은 ''산의 아가씨(The Maid of the Mountains)''(1,352회 공연)과 ''추 친 차우(Chu Chin Chow)''(2,238회)와 같은 훨씬 더 긴 공연을 지지했다.[60] ''거지 오페라(The Beggar's Opera)''의 부활 공연도 1,463회의 공연을 기록했다.[61] 영국의 ''빙 보이스 아 히어(The Bing Boys Are Here)''와 같은 리뷰도 인기가 있었다.[62]

1920년작 ''샐리(Sally (musical))''의 악보


격동의 20년대(Roaring Twenties)의 뮤지컬은 보드빌, 뮤직홀(music hall) 및 기타 가벼운 오락에서 차용하여 줄거리보다 큰 춤과 인기 노래를 강조하는 경향이 있었다. 이 시대를 대표하는 작품으로는 ''샐리(Sally (musical))'', ''레이디, 비 굿(Lady, Be Good (musical))'', ''노, 노, 나네트(No, No, Nanette)'' 등이 있다. 이러한 뮤지컬은 마릴린 밀러(Marilyn Miller)와 프레드 아스테어(Fred Astaire)와 같은 스타들을 등장시켰고, 컨(Kern), 조지 거슈윈(George Gershwin) 등이 만든 인기 노래들을 만들어냈다. 많은 쇼는 리뷰(revue)였다.[63] 아프리카계 미국인만 출연하는 쇼인 ''셔플 얼롱(Shuffle Along)''(1921)은 브로드웨이에서 히트를 쳤다.[64] 루돌프 프리믈(Rudolf Friml)과 지그문트 롬버그(Sigmund Romberg)와 같은 새로운 세대의 오페레타 작곡가들이 등장했다.[65]

런던에서는 아이버 노벨로(Ivor Novello)와 노엘 코워드(Noël Coward)와 같은 작가 겸 배우들이 인기를 얻었지만, 제1차 세계 대전 이후 미국식 혁신으로 점차 대체되었다.

''쇼 보트''(1927)는 극본과 음악의 통합이 더욱 완벽하게 이루어진 작품으로, 음악, 대사, 무대, 동작을 통해 극적인 주제를 전달했다. 이는 커른의 서정적인 음악과 오스카 해머스타인 2세의 능숙한 대본이 결합됨으로써 가능해졌다.[66]

|left|thumb|로저스 앤 하트]]

''쇼 보트''의 브로드웨이 공연 후 대공황이 시작되자 대중은 가볍고 탈선적인 노래와 춤 공연으로 눈을 돌렸다.[67] 레뷔 ''밴드 웨건''(1931)은 프레드 아스테어와 그의 누이 아델이 주연을 맡았고, 포터의 ''애니씽 고즈''(1934)는 에델 머먼을 뮤지컬 극장의 퍼스트 레이디로 확정 지었다. 코워드와 노벨로는 구식의 감상적인 뮤지컬을 계속 선보였고, 로저스와 하트는 할리우드에서 돌아와 성공적인 브로드웨이 쇼를 만들었다. 포터는 ''듀 배리 워즈 어 레이디''(1939)를 추가했다. 1930년대 미국에서 가장 오래 상영된 뮤지컬 극장 작품은 ''헬자포핀''(1938)으로, 1,404회 공연을 기록했다.[68] 영국에서는 ''미 앤 마이 걸''이 1,646회 공연되었다.[69]

몇몇 창작팀은 ''쇼 보트''의 혁신을 바탕으로 발전하기 시작했다. 거슈인 형제의 정치 풍자극 ''오프 디 아이 싱''(1931)은 퓰리처상을 수상한 최초의 뮤지컬이었다.[70] 어빙 벌린과 모스 하트가 만든 레뷔 ''애즈 싸우전즈 치어''(1933)는 흑인 배우인 에델 워터스가 백인 배우들과 함께 주연을 맡은 최초의 브로드웨이 쇼였다.[71] 거슈인 형제의 ''포기와 베스''(1935)는 전원 흑인 출연진으로 오페라, 민요, 재즈의 특징을 결합했다. 오슨 웰스가 연출한 ''더 크래들 윌 록''(1937)은 매우 정치적인 친노동조합 작품이었다.[72] 로저스와 하트의 ''아이드 래더 비 라이트''(1937)는 조지 엠 코핸이 프랭클린 D. 루즈벨트 대통령으로 출연한 정치 풍자극이었고, 쿠르트 바일의 ''니커보커 홀리데이''는 뉴욕시의 초기 역사를 묘사했다.

영화가 무대에 도전장을 내밀었다. "토키" 영화는 1930년대 초 보드빌을 사실상 사라지게 만들었다.[73] 1930년대의 경제적 어려움과 영화와의 경쟁에도 불구하고 뮤지컬은 살아남았다.

1948년 세인트 제임스 극장에서 로저스 앤 해머스타인(좌우)과 어빙 벌린(중앙)


1940년대는 포터, 어빙 벌린(Irving Berlin), 로저스와 하트(Rodgers and Hart), 바일(Weill)과 거슈윈(Gershwin)의 흥행작들이 이어졌다. 로저스와 해머스타인(Rodgers and Hammerstein)의 《오클라호마!》(Oklahoma!, 1943)는 《쇼보트》(Show Boat)가 시작한 혁명을 완성했다.[74] 로저스와 해머스타인은 발레 안무가 애그니스 드 밀(Agnes de Mille)을 고용했는데, 그녀는 등장인물들이 자신의 생각을 표현하는 데 일상적인 동작을 사용했다. 총 2,212회 공연되며 브로드웨이 최초의 "블록버스터" 쇼가 되었고, 큰 성공을 거둔 영화로도 제작되었다. 윌리엄 A. 에버렛(William A. Everett)과 폴 R. 레어드(Paul R. Laird)는 이 작품이 《쇼보트》처럼 획기적인 작품이 되었다고 썼다.[75]

Portrait of a woman in her mid-thirties, with long curly hair and wearing an old-fashioned blouse with string tie
메리 마틴(Mary Martin)은 이 시대의 여러 브로드웨이 히트작에 출연했다


"《오클라호마!》 이후로 로저스와 해머스타인은 뮤지컬극 형식에 가장 중요한 공헌자였다.[76] 두 공동 창작자는 뮤지컬 역사상 가장 사랑받고 오래도록 남는 고전 작품들을 만들어냈는데, 여기에는 《캐러셀》(Carousel, 1945), 《사우스 퍼시픽》(South Pacific, 1949) 등이 포함된다.

이 작품의 창의성은 로저스와 해머스타인의 동시대인들에게 자극을 주었고, 미국 뮤지컬의 "황금기"를 열었다.[77] 전시 기간의 쇼들이 등장하기 시작하면서 "황금기" 동안 브로드웨이에서는 미국적인 정서가 보여졌다. 이것의 한 예로 베티 코멘(Betty Comden)과 애돌프 그린(Adolph Green)이 집필하고 레너드 번스타인(Leonard Bernstein)이 작곡하며 제롬 로빈스(Jerome Robbins)가 안무를 맡은 《온 더 타운》(On the Town, 1944)이 있다. 어빙 벌린(Irving Berlin)은 《애니 겟 유어 건》(Annie Get Your Gun, 1946)을 만들었고, 버튼 레인(Burton Lane)은 《피니언스 레인보우》(Finian's Rainbow, 1947)를 만들었다. 콜 포터(Cole Porter)는 《키스 미, 케이트》(Kiss Me, Kate, 1948)를 만들었다. 미국 뮤지컬들은 구식 영국 코워드(Coward)/노벨로(Novello) 스타일 쇼들을 압도했는데, 그 마지막 큰 성공작 중 하나는 노벨로의 《퍼햅스 투 드림》(Perchance to Dream, 1945)이었다.[78]

《카멜롯》(1960)의 줄리 앤드루스와 리처드 버튼


1950년대는 미국 뮤지컬의 발전에 있어 매우 중요한 시기였다.[79] 데이먼 러니언(Damon Runyon)의 다채로운 등장인물들은 프랭크 로저스(Frank Loesser)와 에이브 버로스(Abe Burrows)의 《가이즈 앤 돌스》(1950)의 중심이었다. 앨런 제이 런너(Alan Jay Lerner)와 프레더릭 로우(Frederick Loewe)는 《페인트 유어 왜건》(1951)을 제작하였고, 조지 버나드 쇼(George Bernard Shaw)의 《피그말리온》(Pygmalion)을 각색한 《마이 페어 레이디》(1956)를 제작하였다. 이러한 뮤지컬들은 모두 인기 있는 할리우드 영화로 제작되었다. 이 시대 영국 작가들의 두 작품인 《더 보이 프렌드》(1954)와 《샐러드 데이스》(1954)는 영국 최장기 공연 기록을 경신했다.[80]

또 다른 기록은 《서푼짜리 오페라》(The Threepenny Opera)가 세웠는데, 2,707회 공연을 기록했다.[81]

레너드 번스타인(Leonard Bernstein), 1971


《웨스트 사이드 스토리》(1957)는 《로미오와 줄리엣》을 현대 뉴욕으로 옮겼다. 이 작품은 음악과 안무의 혁신으로 비평가들의 찬사를 받았다.[82] 《웨스트 사이드 스토리》는 1961년 영화로 제작되어 비평적, 상업적 성공을 거두었다.[83] 로렌츠와 손드하임은 《집시》(1959)에서 다시 한번 협력했다.

19세기 이후로 연출가와 안무가는 뮤지컬 극장 스타일을 크게 변화시켰지만,[84] 조지 애벗(George Abbott)과 그의 동료 및 후계자들은 황금기 뮤지컬 극장 작품에 움직임과 춤을 완전히 통합하는 데 중심적인 역할을 했다.[85] 애벗은 1936년 《온 유어 투스》(On Your Toes)에서 발레를 이야기 전달 장치로 도입했고, 이어서 애그니스 드 밀(Agnes de Mille)이 《오클라호마!》(Oklahoma!)에서 발레와 안무를 담당했다.[86] 애벗이 제롬 로빈스(Jerome Robbins)와 여러 작품에서 협력한 후, 로빈스는 연출가와 안무가 역할을 맡아 춤의 이야기 전달 능력을 강조했다. 밥 포시(Bob Fosse)는 《파자마 게임》(The Pajama Game)(1956)과 《댐드 양키스》(Damn Yankees)(1957)에서 애벗과 협력했다. 그는 후에 연출가 겸 안무가를 맡았다. 다른 주목할 만한 연출가 겸 안무가로는 고워 챔피언(Gower Champion) 등이 있다. 저명한 연출가로는 할 프린스(Hal Prince)[85]와 트레버 넌(Trevor Nunn)[87]가 있다.

황금기 동안 자동차 회사와 다른 대기업들은 브로드웨이 인재들을 고용하여 사내 뮤지컬(corporate musicals)을 제작하기 시작했다.[88] 1950년대는 로저스와 해머스타인(Rodgers and Hammerstein)의 마지막 히트작인 《사운드 오브 뮤직》으로 마무리되었으며, 이 작품 또한 메리 마틴(Mary Martin)에게 큰 성공을 안겨주었다.

1960년, 오프브로드웨이에서 처음으로 ''판타스틱스(The Fantasticks)''가 공연되었다. 이 친밀하고 우화적인 쇼는 역사상 가장 오랫동안 공연된 뮤지컬이 되었다. 이 작품의 작가들은 1960년대에 다른 혁신적인 작품들을 제작했다. 1960년대에는 ''지붕 위의 바이올린''(1964), ''헬로, 돌리!''(1964)과 같은 많은 블록버스터 작품들과 ''카바레''와 같은 다소 선정적인 작품들이 공연되었고, 록 뮤지컬의 등장으로 막을 내렸다. 영국에서는 ''올리버!''(1960)이 공연되었지만, 이 시대의 장기 공연 챔피언은 ''흑백 광대 쇼(The Black and White Minstrel Show)''(1962)이었다.[89] 스티븐 손드하임과 제리 허먼이 이 시대부터 뮤지컬 역사에 상당한 영향을 미쳤다.

|thumb|upright|버나뎃 피터스(2008년 사진)는 손드하임의 뮤지컬 다섯 편에 출연했다.

손드하임이 음악과 가사를 모두 작곡한 첫 번째 프로젝트는 ''포럼에서 일어난 재미있는 일(A Funny Thing Happened on the Way to the Forum)''(1962)이었다. 손드하임은 이전 시대의 전형적인 로맨틱한 줄거리에 집중하는 뮤지컬을 넘어섰다. 그의 작품은 더 어둡고, 현재와 과거의 삶의 거친 면을 탐구하는 경향이 있었다. 초기 손드하임 작품에는 ''누구든 휘파람을 불 수 있다(Anyone Can Whistle)''(1964)와 성공적인 ''컴퍼니''(1970), ''폴리스''(1971), ''어 리틀 나잇 뮤직''(1973)이 포함된다. 나중에 손드하임은 예상치 못한 출처에서 영감을 얻었다.

일부 비평가들은 손드하임의 뮤지컬 중 일부가 상업적 매력이 부족하다고 주장하는 반면, 다른 비평가들은 그의 쇼에서 가사의 세련됨과 음악의 복잡성, 그리고 가사와 음악의 상호 작용을 칭찬했다.

제리 허먼은 미국 뮤지컬 극장에서 중요한 역할을 수행했다. 가사와 음악을 모두 작곡한 허먼의 많은 쇼 튜닝은 인기 있는 표준이 되었다.

뮤지컬은 1950년대의 비교적 좁은 범위에서 벗어나기 시작했다. 록 음악은 ''헤어''를 시작으로 여러 브로드웨이 뮤지컬에서 사용되었다.[90]

1970년대에는 록 뮤지컬이 크게 유행했는데, 지저스 크라이스트 슈퍼스타, 갓스펠 등이 대표적인 작품이다. 이 중 일부는 먼저 "컨셉 앨범"으로 제작된 후 무대에 올려졌다. 다른 작품들은 대사가 없거나 오페라를 연상시키는 드라마틱하고 감정적인 주제를 다루었으며, 록 오페라로 불리기도 했다. ''레이즌'', ''드림걸즈''와 같은 작품들은 브로드웨이에 아프리카계 미국인의 영향을 상당히 가져왔다. 브로드웨이와 특히 오프 브로드웨이에서는 다양한 음악 장르와 스타일이 뮤지컬에 통합되었다. 같은 시기에, 스티븐 손드하임 또한 그의 몇몇 뮤지컬로 성공을 거두었다.

조셉 파프의 퍼블릭 시어터가 브로드웨이로 가져온 55개의 작품 중 하나인 코러스 라인


1975년, 댄스 뮤지컬 코러스 라인이 등장했다. 이 작품은 마이클 베넷이 브로드웨이 배우들과 진행한 집단 치료 형식의 녹음 세션에서 시작되었다. 제임스 커크우드 주니어와 닉 단테는 뮤지컬 오디션에 관한 이야기를 만들었고, 마빈 햄리쉬의

2. 2. 한국 뮤지컬의 역사

일본에서는 뮤지컬 공연이 극단 형식과 제작회사에 의한 프로듀스 방식이 혼재되어 있다. 시키극단(劇団四季), 타카라즈카 가극단(宝塚歌劇団), 도호(東宝) 등이 대표적이다.[154] 극장 계약은 주 단위 또는 월 단위인 경우가 많아 레퍼토리 상연이 주를 이루며, 전용 극장을 가진 시키극단을 제외하고는 롱런 상연 방식을 채택하고 있지 않다.[154]

일본에서는 잘 만들어진 뮤지컬 작품이 높은 수익을 지속적으로 창출하기 어려운 구조를 가지고 있다. 인지도가 높은 스타를 중심으로 한 주연 배우 중심의 연극이나 브로드웨이 또는 웨스트엔드 작품이 주를 이루는 경향이 있다.[154] 번역·각색 작품은 미국·영국에서의 본 공연 때문에 관객 동원력이 떨어지는 문제도 있다. 또한, 일본어 가사의 특성상 중창 시 가사 전달력이 떨어지고, 동음이의어가 많아 정보량이 적어지는 문제도 뮤지컬 스토리 이해를 어렵게 만든다.[154]

최근에는 만화(漫画)를 원작으로 한 「2.5차원 뮤지컬(2.5次元ミュージカル)」이 인기를 얻고 있다.[154] 『베르사이유의 장미(ベルサイユのばら)』(타카라즈카 가극단), 『테니스의 왕자(ミュージカル・テニスの王子様)』(일명 테니뮤) 등이 대표적이다. 일본 2.5차원 뮤지컬 협회(日本2.5次元ミュージカル協会)에 따르면 2015년도 말 집계 기준 연간 제작 편수 100편, 관객 동원 수 145만 명을 넘는 급성장을 보이고 있다.[154]

일본의 커튼콜(カーテンコール)은 서구에 비해 긴 편이다. 존 케어드(ジョン・ケアード)는 "일본에서는 커튼콜이 5회, 10회, 20회도" 이어진다고 언급했다.[154] 이는 서구의 야간 공연이 늦게 시작하여 종연도 늦어지는 반면, 일본에서는 상대적으로 이른 시간에 공연이 종료되기 때문으로 보인다.

3. 특성

뮤지컬의 특성은 5가지로 요약할 수 있다. 비사실적 로맨스 극, 총체극 (Total Theatre), 제시주의적 연극 (Presentational Theatre), 대중연극, 특수한 무대약속을 사용하는 연극이 그것이다.[2][3]

''가이어티 걸'' (1893)은 최초의 히트 뮤지컬 중 하나였다.


20세기 이후 "북 뮤지컬(book musical)"은 노래와 춤이 잘 만들어진 이야기 속에 완전히 통합되어, 웃음뿐 아니라 진정한 감정을 불러일으킬 수 있는 진지한 극적인 목표를 가진 뮤지컬 연극으로 정의된다. 북 뮤지컬의 세 가지 주요 구성 요소는 ''음악'', ''가사'', ''대본''이다. 뮤지컬의 대본 또는 각본은 이야기, 등장인물 개발, 극적인 구조(대사와 무대 연출 포함)를 의미하지만, 때로는 ''대본(libretto)''(이탈리아어로 "작은 책"이라는 뜻)이라고도 하는 대사와 가사를 함께 가리키기도 한다. 음악과 가사는 함께 뮤지컬의 ''음악 점수''를 형성하며, 노래, 삽입곡, "음악에 맞춰 연출된 연극적 순서로, 종종 노래와 대사를 결합하는" 뮤지컬 장면을 포함한다.[4] 뮤지컬의 해석은 감독, 음악 감독, 안무가, 오케스트레이터를 포함한 창작진의 책임이다. 뮤지컬 제작은 무대 디자인, 의상, 무대 소품, 무대 조명, 음향 증폭과 같은 기술적인 측면으로도 창의적으로 특징지어진다.

뮤지컬의 길이는 정해진 바가 없지만, 대부분 1시간 30분에서 3시간 사이이며, 보통 두 막으로 구성되고 짧은 인터미션을 갖는다. 첫 번째 막은 거의 모든 등장인물과 대부분의 음악을 소개하고 극적인 갈등을 소개하며, 두 번째 막은 몇 곡의 새로운 노래를 소개하기도 하지만 일반적으로 중요한 음악적 주제를 반복하고 갈등을 해결한다. 북 뮤지컬은 4~6개의 주요 테마 곡을 중심으로 구성되지만, ''지저스 크라이스트 슈퍼스타'', ''팔세토스'', ''레 미제라블'', ''에비타'', ''해밀턴''과 같은 "통음악극" 뮤지컬에서는 "노래로 하는 대사" 또는 레치타티보가 사용되기도 한다.

북 뮤지컬에서 가장 극적인 순간은 종종 노래로 표현된다. 벤 브랜틀리는 ''집시'' 부활 공연 평론에서 "노래와 등장인물 사이에는 전혀 분리가 없다"고 묘사했다.[6] 뮤지컬은 대사보다 음악에 더 많은 시간을 할애하므로, 작가들은 압축된 성격 안에서 등장인물과 줄거리를 발전시켜야 한다.

뮤지컬은 독창적인 내용일 수도 있고, 소설(''위키드''), 연극(''헬로, 돌리!''), 고전 전설(''캐멀롯''), 역사적 사건(''에비타'', ''해밀턴'') 또는 영화(''프로듀서스'')에서 각색될 수도 있다. 성공적인 많은 뮤지컬은 뮤지컬 영화로 각색되기도 했다.

쇼 보트(Show Boat)와 포기와 베스(Porgy and Bess) 이후, 미국 등지에서 소수 민족의 시민권 운동이 진행됨에 따라, 초기 황금기 작품인 피니언스 레인보우(Finian's Rainbow)와 사우스 패시픽(South Pacific)처럼 인종적 관용을 다룬 작품이 나왔다. 황금기 후반에는 유대인 관련 주제를 다룬 작품도 등장했다. 웨스트 사이드 스토리는 원래 유대인과 이탈리아계 가톨릭 신자의 갈등을 다루려 했으나, 푸에르토리코인과의 갈등으로 변경되었다.[83]

뮤지컬에서 관용은 중요한 주제로, 1960년대 말부터는 인종 통합이 이루어졌다.[84] ''헤어(Hair)''를 시작으로 동성애도 다루어졌으며, ''퍼레이드(Parade)''는 반유대주의와 미국의 인종차별을, ''래그타임(Ragtime)''은 이민자와 소수 민족의 경험을 탐구한다.

뮤지컬은 보통 15분 정도의 휴식 시간을 포함한 2막 구성이며, 상연 시간은 2시간에서 3시간 정도이다. 드물게 1막 구성 작품도 있다. 출연자는 소규모 작품에서는 1명에서 4명, 대규모 작품에서는 40명에서 50명이 되기도 한다. 비용 절감을 위해 1명이 여러 역할을 맡는 경우가 있다. 레미제라블』 해외 공연에서는 27명의 배우가 100개 이상의 역할을 연기했다.[157] 음악은 오케스트라나 밴드에 의해 생음악으로 연주되지만, 일본에서는 녹음된 음악으로 연주되는 경우도 많다.

4. 구성 요소

뮤지컬은 일반적으로 15분 정도의 휴식 시간을 포함한 2막 구성이며, 상연 시간은 2시간에서 3시간 정도이다.[157] 드물게 1막 구성의 작품도 있다. 출연자는 소규모 작품에서는 1명에서 4명 정도이지만, 대규모 작품이 되면 40명에서 50명이 되기도 한다. 비용 절감을 위해 1명이 여러 역할을 맡는 앙상블 또는 노보디(nobody)라고 불리는 배우가 많은 경우가 있다. 예를 들어, 『레미제라블』 해외 공연에서는 27명의 배우가 100개 이상의 역할을 연기했다.[157]

음악은 기본적으로 오케스트라나 밴드에 의해 생음악으로 연주되지만, 일본에서는 흥행적인 문제 등으로 인해 시키(劇団四季)와 같이 녹음된 음악으로 연주되는 경우가 많다. 일반적으로 무대 아래 또는 무대 앞에 설치된 오케스트라 피트에서 연주되지만, 연출에 따라 무대 위에 설치되거나, 배우들과 섞여 연기의 일부로서 연주되기도 한다.

뮤지컬의 구성 요소는 다음과 같다.[161]


  • '''서곡 (Overture)''' : 극이 시작하기 전에 오케스트라가 연주하는 것으로 극의 분위기나 내용을 암시해 관객으로 하여금 음악에 미리 익숙하게 하고 또한 극의 분위기를 조성하여 감정을 정돈하는 역할을 한다.
  • '''오프닝 넘버 (Opening Number)''' : 오프닝 코러스 (Opening Chorus)라고도 하며 서곡이 끝난 후 연주되는 곡, 혹은 코러스들의 합창을 일컫는다. 관객의 관심 집중, 분위기 안정, 상황 설명 등이며 대부분 힘차고 활력 있는 게 특징이다.
  • '''제시 (Exposition)''' : 앞으로 진행할 극중 상황 이전에 어떤 배경과 상황의 전개를 설명해주는 것이다. 주로 노래를 통해서 전달된다. 배우들의 정확한 가사 전달과 분명한 발음이 요구된다.
  • '''프로덕션 넘버 (Production Number)''' : 대체로 1막의 중간 부분이나 1막의 끝에 나오는 곡이다. 한 작품에 2 회 정도 소개된다. 뮤지컬의 각 요소들이 모두 동원되는 부분으로 화려하고 대담하며 유쾌하다. 뮤지컬의 하이라이트라고 할 수 있다.
  • '''반복 연주 (Reprise)''' : 중요한 극적 순간에 앞의 노래가 다시 연주되는 것을 말한다. 그러나 반드시 같은 선율이 되풀이되는 것은 아니다. 대부분 변주로 이루어지며 극적 상황이 변하였음을 암시하는 것이다. 특히 이 요소는 한 작품의 음악적인 특색을 담고 있는 것으로 작품의 음악적인 특징을 고스란히 드러낸다.
  • '''쇼 스토퍼 (Show Stopper)''' : 뮤지컬에서 재치 있는 노래나 연기를 삽입시켜 일종의 전환의 역할을 하는 부분이다. 관객의 박수나 환호로 인하여 극의 진행이 끊어지게 되는 경우를 일컫는다. (극의 내용과 직접적인 연관이 없는 내용이나 노랫말로 이루어진 경우가 대부분이다.)
  • '''아리아 (Aria)''' : 뮤지컬의 백미로 일컬어지며 흔히 남녀 주인공의 사랑의 환희나 사랑의 비극, 작품의 주제를 담고 있는 클라이막스 부분에서 연주된다. 한마디로 이 부분을 위해 하나의 뮤지컬이 존재한다고 해도 과언이 아니다. 대부분 이중창으로 진행된다.
  • '''커튼 콜 (Curtain Call)''' : 공연이 모두 끝난 뒤 배우들이 관객들의 환호에 답하는 의미에서 막을 내리는 것이다. 공연된 극중의 중요 멜로디나 아리아 합창곡 등을 편집하여 연주하고 배우들의 노래와 춤을 보여주며 화려하게 막을 내린다.

5. 오페라와의 차이점

뮤지컬은 오페레타에서 출발하여 오페라의 형식을 많이 닮았지만, 몇 가지 차이점을 보인다. 오페라는 고전적인 문학 스토리를 중심으로 고전주의 음악에 기반한 아리아, 중창, 합창 등으로 구성되며, 오페라의 창법이라는 독특한 발성법으로 노래하며 마이크 없이 공연한다.[9] 항상 오케스트라와 함께 공연한다.

그러나 뮤지컬은 '프리젠테이셔널극 (Presentational Theatre)'으로, 배우가 관객을 의식하며 공연하고 관객과 상호작용한다. 또한 '대중극 (Popular Theatre)'으로서 오락적인 요소를 추구하며, 이는 상업성 및 사회 윤리와 관련된다.

뮤지컬은 특수한 '약속 (Convention)'이 필요한 극이다. 예를 들어, 《웨스트 사이드 스토리》에서 갱들이 싸우는 순간에도 배우들이 노래하는 장면은 뮤지컬만의 특성이며, 이러한 극중 노래들을 뮤지컬 넘버라고 한다. 뮤지컬 넘버는 극의 흐름과 배우의 감정을 담아내며, 마이크를 사용하여 작은 목소리 떨림까지 표현하여 감정을 극대화한다.

오페라는 노래와 언어를 중요시하여 원어 공연이 많은 반면, 뮤지컬은 연기를 중요시하여 번역되거나 개사되어 공연된다.

조지 거슈윈(George Gershwin)

조지 거슈윈(George Gershwin)


뮤지컬은 일반적으로 대사의 비중이 더 크고,[7] 춤을 더 많이 포함하며, 다양한 장르의 대중음악을 사용한다.[8] 또한, 뮤지컬은 거의 항상 관객의 언어로 공연되며, 배우는 가수, 배우, 무용수 모두 능숙해야 한다. 뮤지컬 극장에서는 배우의 노래를 증폭하기 위해 음향 증폭 시스템을 사용한다.[9]

조지 거슈윈(George Gershwin), 레너드 번스타인(Leonard Bernstein), 스티븐 손드하임(Stephen Sondheim)의 작품처럼 뮤지컬과 오페라 양쪽으로 제작되는 경우도 있고,[10][11] 길버트 앤 설리번(Gilbert and Sullivan)의 펜잔스의 해적(The Pirates of Penzance)처럼 오페레타가 뮤지컬로 각색되기도 한다. 어떤 작품은 연출 스타일에 따라 장르가 결정되기도 한다.[12] 손드하임은 "브로드웨이에서 공연되면 뮤지컬이고, 오페라하우스에서 공연되면 오페라"라고 말했다.[13]

뮤지컬의 노래는 오케스트라 피트의 연주단에 의해 반주되며, 록 뮤지컬은 소규모 록 악기 그룹을 사용하기도 하고,[15] 일부 뮤지컬은 피아노 한두 대만 사용하기도 한다.[16] 뮤지컬 음악은 오페레타, 고전 기법, 민속 음악, 재즈 등 다양한 스타일을 사용한다.[4] 뮤지컬은 서곡으로 시작하여 유명한 멜로디를 엮어 연주하기도 한다.[17]

6. 주요 작품

6. 1. 세계 4대 뮤지컬 (Big Four)

한국을 비롯한 일부 국가에서 세계 4대 뮤지컬로 알려져 있으나 이는 오역으로서, 영국 웨스트엔드 유명 제작자인 카메론 매킨토시(Cameron Mackintosh)에 의해 제작된 1980년대 주류인 Mega Musical중 가장 성공한 네 작품을 일컫는 말로, Cameron Mackintosh's Big Four라고 하는 것이 알맞다.

  • '''캣츠''': 시적 상상력을 바탕으로 고양이로 변한 배우들이 인간 구원이라는 주제를 표현한 작품이다. 은은한 달빛 아래 창녀 고양이가 자신의 추억을 들려주는 뮤지컬 곡 ‘메모리’로 유명하다.
  • '''레미제라블''': 빅토르 위고의 소설을 뮤지컬화한 작품으로, 나폴레옹 제국 시대 이후 동맹국이 프랑스 왕으로 추대한 샤를 10세의 시대가 멸망하기까지의 이야기이다. 프랑스인 작곡가 알랭 부빌과 클로드 미셸 숀버그가 지저스 크라이스트 슈퍼스타를 보고 영감을 받아 제작하였다. 1987년 토니상에서 작품상, 남우조연상, 여우조연상, 연출상, 극본상, 작사, 작곡상을 비롯한 8개 부문을 수상하였다.
  • '''미스 사이공''': 클로드 미셸 숀버그가 작곡하고, 니콜라스 아리트너가 연출한 작품으로, 푸치니의 오페라 나비부인을 모티브로 하였다. 베트남 전쟁 당시 미군을 상대로 하는 환락가의 베트남 여성과 미군 장교의 사랑 이야기를 다루고 있다.
  • '''오페라의 유령''': 프랑스의 작가 가스통 르루의 원작 소설을 찰스 하트가 뮤지컬 극본으로 만들고 앤드루 로이드 웨버가 작곡하였다. 1988년 토니상에서 작품상을 비롯하여 남우주연상, 여우주연상, 연출상, 장치상, 조명상 등을 수상했다.

6. 2. 기타 주요 작품

7. 한국의 제작사

국내 뮤지컬 시장에는 브로드웨이와 웨스트엔드 뮤지컬이 성행하였으나, EMK 뮤지컬컴퍼니는 정통 유럽 뮤지컬을 선보였다. 모차르트!, 엘리자벳, 레베카, 황태자 루돌프, 마리 앙투아네트, 팬텀, 마타하리, 엑스칼리버, 베토벤, 웃는남자등이 대표작이다.

KCMI는 세계적인 뮤지컬 제작자 카메론 매킨토시가 운영하는 영국 CML의 한국 파트너사이다. 캣츠, 미스 사이공, 레 미제라블등이 대표작이다.

신시컴퍼니는 빌리 엘리어트, 시카고, 마틸다, 렌트, 맘마 미아!등을 제작했다. 오디컴퍼니는 지킬 앤드 하이드, 그리스, 맨 오브 라만차등을 제작했다. 설앤컴퍼니는 드림걸즈, 닥터 지바고, 드라큘라등을 제작했다. 에이콤은 타이타닉, 스팸어랏등을 제작했다. 데스노트는 쇼노트에서 제작했다.

8. 뮤지컬 극장

8. 1. 대극장

8. 2. 중/소극장

9. 뮤지컬 영화

뮤지컬을 영화로 표현한 작품이다.

사운드 오브 뮤직은 대표적인 뮤지컬 영화이다. 맘마 미아!, 레 미제라블, 시카고, 드림걸즈, 위대한 쇼맨, 미녀와 야수, 라라랜드, 알라딘, 캣츠 등이 있다.

9. 1. 대표적인 작품

사운드 오브 뮤직은 대표적인 뮤지컬 영화이다. 맘마 미아!, 레 미제라블, 시카고, 드림걸즈, 위대한 쇼맨, 미녀와 야수, 라라랜드, 알라딘, 캣츠 등이 있다.

10. 관련 용어

대한민국의 뮤지컬은 연극과 마찬가지로 보통 월요일에 쉰다. 다만, 뮤지컬에 따라서는 다른 요일에 휴극하는 경우도 있다.

참조

[1] 서적 Morley
[2] 서적 Everett and Laird
[3] 서적 Rubin and Solórzano
[4] 서적 Continuum Encyclopedia of Popular Music of the World Volume 8: Genres: North America https://books.google[...] A&C Black
[5] 웹사이트 The American Musical, Part 2 https://www.pbs.org/[...] 2007-05-24
[6] 웹사이트 Curtain Up! It's Patti's Turn at Gypsy http://theater2.nyti[...] 2008-03-28
[7] 서적 Cohen and Sherman
[8] 웹사이트 Opera? Musical? Please Respect the Difference https://www.nytimes.[...] 2011-07-07
[9] 웹사이트 Broadway Turns Up the Volume https://www.wsj.com/[...] 2009-10-23
[10] 웹사이트 Porgy and Bess: That old black magic https://www.independ[...] 2006-10-27
[11] 웹사이트 The Royal Opera opens a window on Sondheim https://www.independ[...] 2003-04-05
[12] 웹사이트 Sweeney Todd http://www.nea.gov/n[...]
[13] 웹사이트 Something for the weekend, sir? https://www.independ[...] 2003-12-15
[14] 간행물 Theorizing the Golden Age Musical: Genre, Structure, Syntax http://trace.tenness[...]
[15] 문서 악기 목록
[16] 웹사이트 Show index with links to orchestration information http://www.mtishows.[...]
[17] 뉴스 Off the Stage, What's Behind the Music https://www.nytimes.[...] 2008-08-17
[18] 서적 Gokulsing
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