발레

1. 개요

발레는 15세기 이탈리아 르네상스 시대 궁정에서 시작된 춤의 한 형태로, 프랑스 루이 14세 시대에 전성기를 맞았다. 발레는 17세기 이후 극장으로 옮겨져 전문 무용수의 춤으로 발전했으며, 18세기에는 발레 다크시옹의 등장으로 오페라에서 독립하여 무언극 형태로 자리 잡았다. 19세기 낭만주의 시대를 거치며 기교와 의상에 많은 변화를 겪었고, 러시아 발레의 황금기를 통해 고전 발레가 완성되었다. 20세기에는 현대 무용의 영향을 받아 모던 발레가 등장했으며, 다양한 발레 스타일과 기법이 발전했다. 발레는 훈련 방식에 따라 프랑스, 바가노바, 체케티, 부르농빌, 왕립 무용학교, 발란신 기법 등으로 나뉘며, 발레리나와 당쇠르, 코르 드 발레 등 무용수들의 계급이 존재한다. 발레는 건강 문제와 성 불평등 문제에 대한 비판도 존재한다.

2. 역사

발레는 15세기와 16세기 이탈리아 르네상스 궁정에서 시작되어 카트린 드 메디시 여왕의 영향으로 프랑스에 전파되어 발전하였다. 초기 궁정 발레 무용수들은 주로 귀족 아마추어들이었으며, 화려한 의상은 관객의 시선을 끌었지만 무용수의 움직임을 제한했다. 1618년 프로시니엄 아치가 도입되면서 무용수와 관객 사이의 거리가 멀어졌고, 관객들은 전문 무용수들의 기술을 더 잘 감상할 수 있게 되었다.

루이 14세 통치하에 프랑스 궁정 발레는 전성기를 맞았다. 루이 14세는 1661년 왕립 무용 아카데미를 설립하여 무용 강사를 인증하고 표준을 수립했다. 1672년 루이 14세는 장-바티스트 륄리를 왕립 음악 아카데미(파리 오페라)의 감독으로 임명했고, 여기서 최초의 전문 발레단인 파리 오페라 발레가 탄생했다. 피에르 보샹은 륄리의 발레 마스터로서 발끝의 다섯 가지 주요 포지션을 창안하여 발레 발전에 큰 영향을 미쳤다. 1681년에는 아카데미에서 훈련을 마친 최초의 "발레리나"들이 무대에 올랐다.

1830년 이후 프랑스에서 발레는 쇠퇴했지만, 덴마크, 이탈리아, 러시아에서는 계속 발전했다. 세르게이 디아길레프가 이끄는 러시아 발레단이 제1차 세계 대전 직전 유럽에 진출하면서 발레에 대한 관심이 다시 살아나 현대 발레 시대가 시작되었다. 20세기에 발레는 현대 무용 도입 등 다양한 변화를 겪으며 다른 무용 장르에 큰 영향을 미쳤다. 안나 파블로바, 갈리나 울라노바, 루돌프 누레예프 등 유명한 무용수들이 20세기에 활동했다.

2.1. 발레의 기원과 발전

발레는 15세기와 16세기 이탈리아 르네상스 시대의 궁정에서 시작되었다. 르네상스는 인문주의를 바탕으로 그리스와 로마의 고전, 고대 문화의 부흥을 지향한 문화 운동인데, 15세기부터 16세기에 걸쳐 온 유럽을 휩쓰는 기세를 보였다. 발레는 그 문예부흥의 일환으로서 이탈리아에서 탄생했다.

1463년, 그리엘모 에브레오의 『舞踏芸術論』에서 발레토(Balletto)라는 단어가 처음 사용되었다.

1496년에는 레오나르도 다 빈치가 의상과 무대 장치를 담당한 「낙원」이 초연되었다.

16세기, 조반니 자코모 가스토르디에 의해 세속 합창곡이 유행하면서, 그 노래에 춤을 더한 발레토(Balletto)가 탄생하고, 점차 발레티(Balletti)라고 불리게 되었다. 도메니코 다 피아첸차 등 무곡 작곡가와, 도메니코 다 페라라(페라라 후작에게 봉직한) 등의 무도 교사가 등장하여, 이탈리아 귀족들이 활발하게 무도회를 개최했던 것을 알 수 있다.

1489년에는 이탈리아 밀라노의 갈레츠오 공과 아라공의 이사벨라 공주와의 결혼식에 있었던 막간희극의 스펙터클은 초창기의 발레에 획기적인 한 시기를 이룬 것이라고 하겠다. 이것은 토르토나의 베르곤치오 디 보타가 고안한 것으로 요리가 나오는 그 사이에 그 요리에서 연유된 무용을 추게 하였고 그리스 신화의 여러 신을 등장시켜 그 호화로움은 대단한 이야기 거리가 되었다. 이것이 기록에 남아 있는 최초의 발레의 원형이다.

1533년, 이탈리아 피렌체의 메디치가 출신으로 프랑스 왕실에 시집온 카트린 드 메디시스에 의해 발레티가 프랑스로 전래되어 발레(Ballet)라 불리게 되었다. 그녀는 매우 무용을 애호했으며 또 무용의 명수이기도 했다. 그녀는 후에 병약했던 아들인 세 명의 국왕을 대신하여 섭정 왕후의 지위에 올라 권력을 마음껏 누림과 동시에 발레의 발전에도 기여했다.

1573년 「폴란드인의 발레」(연출·안무: 발타자르 드 보르주와)가 처음으로 발레(Ballet)라고 명명되었다.

1581년의 「왕후의 발레 코믹」(연출·안무: 발타자르 드 보르주와)는 완벽하게 기록으로 남아있는 최초의 발레 작품이다. 이들을 시작으로 발레는 궁정에서 활발하게 공연되게 되었고, 16세기 말부터 17세기 초 20년간 약 800편의 발레가 상연되었다고 한다. 작곡가는 1555년에 이탈리아에서 초청된 벨지오이조이다. 그는 이 무렵에 프랑스에 귀화하여 발타자르 드 보조아이유라고 개명했었으며 그러한 그의 고안으로 무용·음악·가창·낭독 등을 하나로 조화시켜 통일된 그리스 신화의 세르세 이야기를 무용화하였는데 이는 매우 호화롭고 독창적인 것으로 근세 발레의 시조라고도 일컬어진다.

1643년, 루이 14세가 4세의 나이로 프랑스 국왕에 즉위했을 때는 수 시간에 달하는 호화로운 발레가 개최되었고, 루이 14세 자신이 출연했다. 루이 14세는 발레에 열중하여, 1653년 15세 때 『밤의 발레』의 아폴론 역으로 본격적으로 무대 데뷔를 했다. 발레의 질을 더욱 높이기 위해 1661년에 왕립무용학교를 설립했다. 루이 14세는 앞서 말한 보샹 이외의 보캉과 페쿠르 등 뛰어난 안무가, 작곡가인 륄리(1632-87)를 이탈리아로부터 초청해 몰리에르가 대본을, 브랭이 의상을, 그리고 비가라니가 무대 장치를 맡는 등 모든 재능을 기울여 발레의 향상에 노력했다.

루이 14세의 무용 교사 피에르 보샹에 의해 포지션이 정해지고, 무용 기호가 확립되는 등 발레가 춤으로서 체계화된 것도 이 무렵이다.

2.2. 프랑스 혁명과 낭만 발레

프랑스 혁명 시기에는 장 조르주 노베르 등 뛰어난 무용가와 이론가들이 등장하여 발레를 개혁하고 발전시켰다. 프랑스 대혁명은 발레 의상에 큰 변화를 가져왔는데, 궁정 스타일에서 벗어나 튜닉이나 가운을 본뜬 자유로운 형태로 바뀌었다. 옷감은 가볍고 속살이 비치는 듯하여 육체의 아름다움을 드러냈다. 그러나 발레 자체의 발전은 한동안 정체되었는데, 왕, 신, 영웅 대신 일반 시민이나 마을 사람들이 등장하는 발레가 상연되기도 했다.

프랑스 혁명으로 발레 발전이 주춤한 사이, 발레의 주도권은 이탈리아로 옮겨갔다. 살바토레 비가노와 카를로 블라시스는 노베르의 의상을 발전시키고 무용 교수법과 연습법을 확립했다. 공포 시대를 피해 프랑스의 우수한 무용가들이 밀라노로 모여들면서 19세기 초 밀라노는 발레의 중심지가 되었다.

19세기에는 낭만주의 운동의 영향으로 발레도 기교와 의상 면에서 개혁을 맞이했다. 《라 실피드》와 《지젤》 등이 대표적인 낭만 발레 작품이다.

낭만 발레는 시간이 지나면서 쇠퇴했는데, 오페라의 등장과 발레 자체가 몽환적인 볼거리만을 추구하며 틀에 박혔기 때문이다. 발레리나 중심주의로 남성 무용수를 경시한 것도 쇠퇴의 원인이었다. 프랑스 발레는 오페라에서 겨우 명맥을 유지했으며, 아돌프 아당의 《해적》, 레오 들리브의 《코펠리아》, 《실비아》 등이 이 시기 대표작으로 남아있다.

18세기 후반 프랑스 혁명으로 낭만주의가 유럽을 휩쓸면서 낭만적 발레(로만티크 발레)가 탄생했다. 「라 실피드」, 「지젤」이 대표작이며, 요정이나 악마가 등장하는 환상적인 작품과 이국적인 풍물을 다룬 작품이 많았다. 발목까지 내려오는 튜튜를 입은 여성 무용수의 포앵트(발끝) 기법을 통한 가벼운 움직임이 특징이다. 낭만적 발레에서 사용되는 튜튜는 특히 낭만적 튜튜라고 불린다.

낭만적 발레는 현재 공연되는 발레 중 가장 오래된 형식이며, 낭만적 발레를 통해 발레는 현재와 거의 같은 모습으로 완성되었다. 발레 다쿠시옹의 제창도 있었고, 이후 탄생하는 클래식 발레보다 춤을 통해 이야기를 표현하는 연극적 요소가 강하다.

에드가 드가가 발레 무용수를 그리던 시대에는 발레 무용수가 낮은 지위의 사람들이 생계를 위해 하는 직업이었기에 멸시받았다. 주역이 아닌 무용수들은 박봉으로 생활했으며, 남성 후원자들은 여성 무용수들을 매춘부처럼 취급했다고 전해진다. 이로 인해 프랑스 발레계에서 남성 무용수들이 사라지고, 프랑스 발레는 저속화되었다.

1832년 「라 실피드」에서 마리 탈리오니가 포앵트로 춤을 추어 오페라 극장에서 큰 성공을 거두었다. 이 작품을 통해 낭만적 발레가 확립되었다고 여겨진다. 유럽 전역에서 인기를 얻었지만, 프랑스 발레의 저속화와 낭만주의의 쇠퇴와 함께 낭만적 발레도 쇠퇴하여, 1870년의 「코펠리아」를 마지막으로 프랑스에서는 발레 자체가 공연되지 않게 된다.

2.3. 러시아 발레의 황금기

러시아에서는 프랑스의 궁정 발레가 전해졌고, 1730년경 프랑스의 Jean-Baptiste Landé^영어에 의해 상트페테르부르크에 발레학교가 설립되었다. 프랑스에서 낭만주의가 쇠퇴한 19세기 후반, 러시아에서는 낭만 발레가 계속 공연되었고, 이후 독자적으로 발전했다. 드라마 중심의 낭만 발레에 이야기와는 무관한 춤 장면을 도입한 것을 클래식 발레(고전주의 발레)라고 부른다.


클래식 발레에서는 기법이 점점 복잡해지면서, 움직이기 쉽도록 길이가 짧은 튜튜가 고안되었다. 이것을 클래식 튜튜라고 부른다. 낭만 발레에서는 한 바퀴 도는 것조차 힘들었지만, 32회의 푸에떼(연속 회전)까지 가능해졌다. 2명이 함께 추는 그랑 파 드 되 등의 양식도 확립되었다. 춤(디베르티스망)과 판토마임이 분리되어 공연되기 시작하면서, 현재 발레의 구성이 완성되었다.


1888년, 상트페테르부르크 마린스키 극장의 감독인 우세빌로주스키는 프랑스에서 초청한 안무가 마리우스 프티파의 안무 아래, 표트르 차이콥스키에게 「잠자는 숲속의 미녀」의 작곡을 의뢰했다. 이 작품이 1890년에 상연되어 대성공을 거두자, 이어 「호두까기 인형」(1892년, 안무: 레프 이바노프, 대본: 마리우스 프티파), 「백조의 호수」(1895년, 안무: 레프 이바노프, 마리우스 프티파)가 상연되었다. 이들은 3대 발레로 불린다. 차이콥스키의 3대 발레일 뿐만 아니라 (그는 이 3개밖에 발레 음악을 쓰지 않았지만), 상연 및 연주 인기 면에서 모든 발레를 통틀어 3대 발레이기도 하다.

2.4. 20세기 이후의 발레

20세기에 발레는 다른 무용 장르에 광범위한 영향을 미쳤다. 특히 20세기에는 고전 발레와는 다른 방향으로 나아가 현대 무용이 도입되었고, 여러 국가에서 모더니스트 운동으로 이어졌다.

20세기의 유명한 발레 무용수로는 안나 파블로바, 갈리나 울라노바, 루돌프 누레예프, 마야 플리세츠카야, 마고 폰테인, 로젤라 하이타워, 마리아 톨 치프, 에릭 브룬, 미하일 바리시니코프, 수잔 페럴, 겔시 커클랜드, 나탈리아 마카로바, 아서 미첼, 잔느 드버로 등이 있다.

신고전주의 발레는 일반적으로 추상적이며, 명확한 줄거리, 의상, 무대 장치가 없는 것이 특징이다. 음악은 이고르 스트라빈스키, 알베르 루셀과 같은 신고전주의 음악을 포함하여 다양하게 선택할 수 있다. 팀 숄은 조지 발란신의 1928년 작품 아폴론(Apollo)을 최초의 신고전주의 발레로 간주하는데, 이는 세르게이 디아길레프의 추상 발레에 대한 반응으로 형식으로의 복귀를 나타낸 것이다. 발란신은 마사 그레이엄과 같은 현대 무용 안무가와 함께 작업했으며, 1959년 발란신의 에피소드(Episodes)에 출연한 폴 테일러와 같은 현대 무용수들을 자신의 단체에 영입하기도 했다.

컨템퍼러리 발레는 현대무용과 밀접하게 관련되어 있는데, 바닥 동작과 다리 안쪽으로의 회전 등 많은 컨템퍼러리 발레 개념이 20세기 현대무용의 아이디어와 혁신에서 비롯되었기 때문이다. 그러나 컨템퍼러리 발레를 공연하려면 발레 테크닉이 필수적이라는 점에서 현대무용과 차이가 있다.

조지 발란신은 컨템퍼러리 발레의 선구자로 여겨진다. 트와일라 타프는 1976년 아메리칸 발레 시어터를 위해 "Push Comes To Shove"를, 1986년에는 자신의 회사를 위해 "In The Upper Room"을 안무했는데, 이 두 작품은 현대적인 움직임과 덧신 사용, 클래식 훈련을 받은 무용수들의 사용을 융합하여 혁신적인 것으로 평가받았다.

오늘날 LINES 발레(알론조 킹), 뉴 어드벤처스(매슈 본), 콤플렉션 컨템퍼러리 발레, 콤파니아 나시오날 데 단사(나초 두아토), 더 포사이스 컴퍼니(윌리엄 포사이스), 네덜란드 댄스 시어터(지리 킬리안) 등 많은 컨템퍼러리 발레 단체와 안무가들이 활동하고 있다. 마린스키(키로프) 발레단과 파리 오페라 발레단과 같은 전통적인 "클래식" 발레단들도 정기적으로 컨템퍼러리 작품을 공연한다.

모던 발레는 마리우스 프티파에 의해 확립된 클래식 발레에 불만을 품은 미하일 포킨이 아이사도라 던컨(모던 댄스의 창시자)에게 영향을 받아 탄생했다. 포킨은 클래식 발레에 없던 새로운 스텝과 민속 무용을 도입하여 혁신적인 안무를 선보였다.

1907년, 포킨은 세르게이 디아길레프에게 발탁되어 발레의 발상지인 파리에서 공연을 펼치며 발레 붐을 일으켰다. 안나 파블로바, 바츨라프 니진스키, 타마라 카르사비나 등 유명 무용수들이 인기를 얻었고, 디아길레프는 러시안 발레단(Ballets Russes)을 결성했다.

1912년 러시안 발레단 공연에서 바츨라프 니진스키가 「목신의 오후」(L'après-midi d'un faune)로 안무가로 데뷔하면서 모던 발레는 결정적인 전환점을 맞이했다. 이전의 아름다운 발레와는 다른 독자적인 표현은 큰 충격을 주었으며, 이고르 스트라빈스키 작곡의 「봄의 제전」(Le Sacre du printemps)은 경찰이 개입할 정도로 논쟁을 불러일으켰다.

모던 발레 확립 이후에도 드라마틱 발레, 앱스트랙트 발레 등 혁신적인 발레가 탄생했다. 이러한 발레는 모던 댄스, 포스트모던 댄스, 컨템퍼러리 댄스, 컨택트 임프로비제이션 등과 경계가 모호해지기도 했다. 20세기 이후에는 현대적인 발레와 고전적인 발레가 함께 공연되고 있다. 모리스 베자르, 로랑 푸티, 윌리엄 포사이스, 이리 키리안 등이 현대적인 발레의 대표적인 안무가이다. 피겨스케이팅, 리듬체조, 아티스틱 수영 선수들도 발레 훈련을 받는 경우가 많으며, 타카라즈카 음악학교를 비롯한 무대 배우 양성 기관에서는 발레가 필수 과목으로 취급된다.

2.5. 한국 발레의 역사

1912년 이탈리아인 지도자가 일본제국극장 가극부 발레 마스터로 임명된 것이 일본 발레의 시작이다. 러시아 혁명으로 일본에 망명한 엘리나 파브로바가 1927년 가마쿠라에 스튜디오를 개설한 것이 일본 최초의 발레 학교이다.

3. 발레의 기법

발레 기법은 크게 파(움직임)와 포즈(정지 상태)로 나눌 수 있으며, 다리와 인체의 포지션이 기초가 된다. 발레를 가르치고 배우는 데는 국제적으로 인정받는 여섯 가지 방법이 있다. 프랑스 학파, 바가노바 메소드, 체케티 메소드, 부르농빌 메소드, 왕립무용학교 메소드(영국 스타일), 발란신 메소드(미국 스타일)이다.

프랑스식 방법은 루이 14세가 1661년 왕립 무용 아카데미를 설립하면서 체계화되었다. 1980년대 루돌프 누레예프 아래에서 부흥기를 맞았으며, 기술적 정확성, 유연성, 우아함, 깨끗한 선이 특징이다.

바가노바 메소드는 러시아 발레에서 유래한 발레 훈련 방식으로, 아그리피나 바가노바가 창안하였다. 고전 프랑스 스타일과 이탈리아 방법의 운동성, 러시아 발레의 열정이 융합된 특징을 지닌다. 근력, 유연성, 지구력 향상을 강조하며, 팔과 다리의 동등한 중요성을 강조한다.

체케티 메소드는 엔리코 체케티(1850–1928)가 개발한 방법으로, 해부학적 이해에 크게 의존한다. 균형, 도약, 발롱, 자세, 힘을 강조하며, 신체 모든 부분이 함께 움직여 아름다운 선을 만들어내는 것을 중요하게 여긴다.

부르농빌 기법은 덴마크의 안무가 오귀스트 부르농빌이 고안한 기법이다. 초기 프랑스 발레 기법의 영향을 받았으며, 대각선 에폴망(épaulement) 사용, 기본적인 팔 동작, 낮은 데벨로페(développé) 자세에서 쉬르 썽드(seconde)로의 피루엣(pirouette) 등이 특징이다.

왕립무용학교 방식은 영국식 발레 스타일로, 1920년 설립되었다. 기본 발레 테크닉을 느린 속도로 가르치며, 난이도 향상이 다른 방식보다 느리다.

발란신 메소드는 조지 발란신이 뉴욕시티발레에서 개발한 방법이다. 러시아에서의 훈련에 크게 의존하며, 극도의 속도, 라인 강조, 깊은 플리에(plié)가 특징이다.

3.1. 포지션

발레에서 포지션(position)은 발레 기법의 기초가 되는 다리나 인체의 위치를 가리킨다. 포앵트로 서지 않고 발을 무대에 대고 서는 자세는 여섯 가지로 분류되며, 안무에서는 특별한 설명 없이 포지션 이름으로 부른다.

* 앙드르아: 두 발을 바깥쪽으로 벌리는 것으로, 발레의 포즈와 동작의 기본이다.

3.2. 발레 용어

발레는 프랑스에서 발달했기 때문에 발레의 안무 용어는 기본적으로 프랑스어이다. 근대 발레의 특징은 춤을 출 때 발끝으로 서는 동작을 많이 사용하는 것이다. 이것을 포앵트(fr. pointe) 또는 영어의 토(en. toe)라고 한다. 이를 위해 신는 특수한 신발이 토슈즈(fr. chaussons à pointes)이다. 발목이 뻣뻣하면 발레에 매우 부적합하므로 토슈즈를 신고 발끝으로 서는 동작은 신체의 유연성이 매우 중요하다. 또한, 발끝으로 서는 동작을 자주 하기 때문에 발끝을 다치는 경우가 많으며, 일상생활에 영향을 미칠 정도로 심각해져 발레 무용수로서 활동을 할 수 없게 되는 경우도 적지 않다.

발끝으로 서는 동작을 많이 사용하기 때문에 마찰이 너무 작으면 넘어지지만, 너무 크면 회전을 할 수 없으므로 발레 스튜디오와 무대 바닥에는 적절한 마찰력을 가진 리놀륨이 사용된다.

포앵트로 서지 않고 발을 무대에 대고 서는 자세는 여섯 가지로 분류된다. 이것을 포지션(fr. position)이라고 부른다. 안무에서는 특별히 자세히 설명하지 않고 포지션 이름으로 부른다.

발레 무용의 중요한 기법으로는 도약과 회전이 있다. 이것도 프랑스어로 부르는데, 예를 들어 한쪽 다리를 앞으로 뻗어 그 방향으로 도약하는 것을 제떼(fr. jeté)라고 부르며, 공중에서의 다리 위치와 도약의 크기에 따라 제떼는 세분화된다. 한편, 이야기 전개상의 감정을 표현하는 데에는 마임을 사용한다. 마임이 과도하게 많은 작품은 종종 "발레답지 않다"라는 비판을 받는 것으로 미루어 보아 발레가 무용 예술임을 알 수 있다.

* 앙드르아：두 발을 바깥쪽으로 벌리는 것. 발레의 포즈와 동작의 기본이다.
* 포즈：아라베스크, 아티튜드
* 플리에：무릎을 구부리는 동작.
* 르르베(발끝으로 서기)：아떼르(발뒤꿈치를 붙인 상태)에서 드미 포앵트를 거쳐 포앵트(토)로 올라가는 것.
* 회전：피루엣, 페테, 셰네, 피케, 수뉘
* 그랑 파 드 샤：한 발로 뛰어오르고 공중에서 두 발을 앞뒤로 벌려 도약하는 동작.
* 앙트르샤：두 발로 뛰어오르고 공중에서 다리를 교차시켜 서로 부딪히는 동작. 횟수에 따라 앙트르샤 카트르, 앙트르샤 시스 등으로 부른다.
* 리프트

4. 발레 작품

발레에는 여러 저명한 작품들이 있으며, 대표적인 작품들은 Category:발레 작품에서 찾아볼 수 있다.

4.1. 주요 작품

저명한 발레 작품으로는 다음과 같은 것들이 있다. 자세한 내용은 Category:발레 작품도 참조 바람.

5. 발레단

발레단은 복잡한 구성을 가지고 있다. 발레단에는 통솔자가 필요하며, 경영을 겸하는 경우도 있고 별도의 경영자가 있기도 하다. 20세기 이전에는 국가나 왕실이 경영을 맡았다. 파리 오페라 극장, 러시아의 마린스키 극장, 볼쇼이 극장 등이 그 예이다. 20세기에 디아길레프가 발레 뤼스(러시아 발레단)를 조직하여 경영자와 프로듀서를 겸하면서 민간 발레단이 등장하기 시작했다.

발레단은 경영자나 통솔자 아래 다수의 무용수를 거느리며, 무용수들은 엄격한 계급으로 나뉜다. 종합 무대예술인 발레는 안무가, 오케스트라, 무대미술, 조명 등 다양한 전문가들의 협업이 필요하다. 따라서 발레단을 운영하고 공연을 올리는 데는 많은 비용이 들기 때문에, 발레의 본고장에서는 국가가 발레단을 운영하는 경우가 많다. 민간 발레단은 다양한 방법으로 자금을 조달하며, 유명 발레단은 많은 기부금을 통해 운영되기도 한다.

5.1. 세계 주요 발레단

발레단의 운영은 많은 비용이 들기 때문에, 국가에서 운영하거나 유명 발레단의 경우 많은 기부금을 통해 운영하는 경우가 많다.

발레의 본고장인 러시아와 프랑스의 주요 발레단은 다음과 같다.

러시아에서는 발레 공연이 없어도 무용수에게 고정 급여를 지급하고, 35세부터 발레 연금을 지급한다. 발레 공연 입장료는 일본의 10분의 1 수준이며, 발레 전용 극장은 무용수의 발밑이 잘 보이도록 무대 바닥이 객석 쪽으로 비스듬하게 설계되어 있다.

독일은 200여 개에 가까운 극장을 보유하고 있으며, 오페라 극장에 발레단이 부속된 형태가 많다. 발레 전용 극장은 프랑크푸르트가 유일하다. 한때 '발레 없는 나라'라고 불렸지만, 현재는 러시아와 함께 세계적인 발레 강국으로 꼽힌다.

5.2. 한국의 발레단

1912년 이탈리아인 지도자가 일본제국극장 가극부 발레 마스터로 임명된 것이 일본 발레의 시작이다. 러시아 혁명으로 일본에 망명한 엘리나 파브로바가 1927년 가마쿠라에 스튜디오를 개설한 것이 일본 최초의 발레 학교이다.

일본에서 자체 발레단을 가진 극장으로는 도쿄 시부야구 하쓰다이에 위치한 신국립극장이 있으며, 발레 연수소도 병설되어 있다. 신국립극장 외에 일본 국내에서 발레 공연이 이루어지는 주요 극장은 다음과 같다.

* 도쿄문화회관(다이토구 우에노공원)
* 도쿄예술극장(토시마구 니시이케부쿠로)
* 분쿠라마 오차드홀(시부야구 쇼토)
* 아이치현예술극장(나고야시 히가시구 히가시자쿠라)
* 그랑큐브오사카 / 오사카부립국제회의장(오사카시 키타구 나카노시마)
* 페스티벌홀(오사카시 키타구 나카노시마)

일본 국내 주요 발레단은 다음과 같다.

6. 발레 무용수

발레 무용수는 발레를 전문적으로 하는 사람들을 말한다. 고전 발레단에서는 엄격한 계급 체계가 존재하며, 무용수들은 자신의 기량과 역할에 따라 다양한 명칭으로 불린다.

무용수의 계급은 엄격하게 지켜지며, 차례를 따라 올라가는 것이 원칙이다. 예를들어 '코리페'가 갑자기 '제1무용수'로 승진하는 일은 없다. 발레단에 따라서는 수업 중인 연구생이나 생도를 '코르 드 발레'의 단역으로 쓰기도 하는데, 이들을 '엘레브'라고 부른다.

발레 무용수는 계급 외에 맡은 역할에 따라 타입이 다르다. 즉 무용수의 기능이나 연기 범위에 따라 적역(適役)이 정해지며, 육체 조건이나 개성에 따라서도 타입이 결정된다.

여성 무용수는 크게 세 가지 타입으로 나뉜다.

* 발레리나: 순수하고 고전적인 무용수로, 주로 공주 역할을 맡는다. 뛰어난 기량과 우아함, 기품을 갖춰야 한다.
* 더미 카락테르: '카락테르'는 영어의 캐릭터(character, 성격)에 해당한다. 발레리나보다 폭넓은 역할을 소화하며, 성격 배우와 같은 역할을 한다. 발레리나의 역할도 소화할 수 있다.
* 카락테르: 완전한 성격 무용수로, 민족 무용이나 특정 연기가 많은 역할, 희극적인 역할을 주로 맡는다. 조연이지만 주역을 돋보이게 하는 역할을 한다.

남성 무용수도 여성 무용수와 마찬가지로 세 가지 타입으로 나뉜다.

* 당쇠르 노블: 여성의 발레리나에 해당하며, 발레리나와 같은 조건을 갖춘다.
* 카락테르와 더미 카락테르 역시 여성과 같지만, 남성 무용수의 경우 각각 당쇠르 드 카락테르, 당쇠르 드 더미 카락테르의 약어이다.

코르 드 발레 이상의 여성 무용수는 모두 그 어느 타입에 속하여, 자신에게 적역인 역할을 추게 되나, 그 가운데에는 어떠한 타입도 충분히 소화하는 만능 무용수도 있다.

발레를 직업으로 하는 여성 무용수를 발레리나라고 한다. 러시아에서는 발레리나는 공무원이다.

역대 주요 발레리나/발레리노

전문 무용수들은 일반적으로 급여가 좋지 않으며, 일반 근로자보다 적은 돈을 벌고 있다. 2020년 기준, 미국 무용수들(발레와 기타 무용 형태 포함)의 시간당 평균 임금은 19USD였으며, 공연자보다 강사의 급여가 다소 더 높았다.

직업 전망은 밝지 않으며, 일자리를 얻기 위한 경쟁이 치열하여 지원자 수가 일자리 수를 훨씬 초과한다. 대부분의 일자리는 사립 무용학원에서의 강의를 포함한다.

안무가들은 무용수들보다 급여가 더 높다. 음악가와 가수들은 무용수나 안무가보다 시간당 급여가 더 높아 약 30USD이지만, 음악가의 경우 정규직 일자리는 드물다.

6.1. 발레 무용수의 계급

고전 발레단에서 무용수의 가장 높은 계급은 제1무용수이다. 제1무용수는 남녀 한 쌍으로 구성되며, 코르 드 발레에 둘러싸여 무대 중앙에서 화려하게 솔로(파 드 되)를 추는 발레단의 스타이다. 이들은 완벽한 기법을 습득하고 최대의 효과를 낼 수 있는 자격을 갖춘다. 남녀 제1무용수 중에서도 특히 기술이 뛰어나고 소속 발레단에서 최고의 스타라는 영예를 누리는 자에게는 '에트왈'이라는 명칭이 부여된다. 이는 파리 오페라 극장에서 사용된 것이 기원이다.

제1무용수 아래에는 '쉬제'라는 계급이 있다. 일부 발레단에서는 '쉬제'를 대소 두 계급으로 나누기도 한다. '대(大)쉬제'는 보통 3~6명으로 그룹을 이루어 춤추고, '소(小)쉬제'는 8~12명 정도의 그룹으로 춤추는 경우가 많다. 이들은 제1무용수가 되기 직전 단계라고 할 수 있다. '쉬제'는 파리 오페라 극장에서 사용되었으나 러시아에는 없었다. 대신 일부 발레단에서는 '제1무용수'와 '쉬제' 사이에 솔리스트라는 계급을 두기도 한다. 솔리스트는 주역은 아니지만 파 스르(솔로)를 추는 경우가 있다. 예를 들어 <백조의 호수>에서의 파 드 트르와나 두 마리의 백조 등이 있다.

'쉬제' 또는 '솔리스트' 아래는 '코리페'이다. 러시아에서는 '쉬제' 대신 '코리페'라고 부른다. '코리페'는 군무, 즉 코르 드 발레를 추는 계급이며, 같은 코르 드 발레라도 그 아래 계급인 '카드뤼'와는 달리 리더로서 춤을 춘다. '카드뤼'도 두 계급으로 나누는 경우가 있는데, 상위 클래스를 '제1카드뤼', 하위 클래스를 '제2카드뤼'라고 부른다.

많은 인원으로 춤을 추는 무용수들 중 '코리페'와 '카드뤼'를 총칭하여 코르 드 발레라고도 한다. 이들은 혼자 추는 일은 없으며 반드시 그룹이나 군무에 등장한다.

여성 제1무용수를 발레리나라고 부르기도 한다. '발레리나'는 원래 이탈리아어로 여성 무용수의 계급명이며, 정식으로는 '프리마 발레리나'라고 불러야 한다. 이는 오페라의 프리마 돈나에 해당한다.

이러한 무용수의 계급은 엄격하게 지켜지며, 차례를 따라 올라가는 것이 원칙이다. 예를 들어 '코리페'가 갑자기 '제1무용수'로 승진하는 일은 없다. 발레단에 따라서는 수업 중인 연구생이나 생도를 '코르 드 발레'의 단역으로 쓰기도 하는데, 이들을 '엘레브'라고 부른다.

발레단마다 무용수 계급에 대한 고유한 명칭이 있다. 주역급으로는 에투알(étoile), 수석무용수(프린시펄)(principaux), 프리마 발레리나(발레리나)(ballerina), 준주역급으로는 솔리스트(soliste), 코르 드 발레(군무)(corps de ballet)를 추는 카드리유(quadrille), 아티스트(artiste) 등이 있다. 발레단에 입단하더라도 에투알을 정점으로 하는 발레 무용수, 프리마 발레리나를 지원하는 발레단의 조직 운영이지만, 새로운 무용수가 계급을 올라감으로써 조직의 신진대사를 도모한다.

각 발레단별 주요 계급은 다음과 같다.

6.2. 세계적인 한국 발레 무용수

주어진 원본 소스에는 세계적인 한국 발레 무용수에 대한 내용이 없습니다.

7. 발레 콩쿠르

국제적인 발레 콩쿠르는 전문가를 대상으로 한 대회가 많지만, 재능 있는 청소년을 발굴하는 콩쿠르도 있다.

일본 국내에는 다음과 같은 콩쿠르들이 있다.

7.1. 주요 국제 발레 콩쿠르

국제적인 발레 콩쿠르는 전문가를 대상으로 한 대회가 많지만, 재능 있는 청소년을 발굴하는 콩쿠르도 있으며, 일본에서는 후자 쪽이 더 잘 알려져 있다. 유명한 발레 콩쿠르에는 다음과 같은 것들이 있다.

* 로잔느 국제 발레 콩쿠르
* 바르나 국제 발레 콩쿠르
* 잭슨 국제 발레 콩쿠르 - 4년에 한 번 미국미시시피주잭슨에서 개최.
* 파리 국제 무용 콩쿠르
* 모스크바 국제 발레 콩쿠르

7.2. 한국의 발레 콩쿠르

주어진 원본 소스에는 한국의 발레 콩쿠르에 대한 정보가 없으므로, 섹션 내용을 작성할 수 없다.

8. 비판적 관점

대부분의 발레 안무는 비교적 젊은 무용수만이 공연할 수 있도록 구성되어 있다. 주로 남성 안무가나 연출가가 여성의 신체를 사용하여 자신의 예술적 비전을 표현하는 발레의 구조는 여성에게 해롭다는 비판을 받기도 한다.

8.1. 건강 문제

전문 무용수들은 일반적으로 급여가 좋지 않으며, 일반 근로자보다 적은 돈을 벌고 있다. 2020년 기준, 미국 무용수들(발레와 기타 무용 형태 포함)의 시간당 평균 임금은 19USD였으며, 공연자보다 강사의 급여가 다소 더 높았다.

직업 전망은 밝지 않으며, 일자리를 얻기 위한 경쟁이 치열하여 지원자 수가 일자리 수를 훨씬 초과한다. 대부분의 일자리는 사립 무용학원에서의 강의를 포함한다.

안무가들은 무용수들보다 급여가 더 높다. 음악가와 가수들은 무용수나 안무가보다 시간당 급여가 더 높아 약 30USD이지만, 음악가의 경우 정규직 일자리는 드물다.

십대 발레리나들은 첫 번째 갈비뼈에 스트레스 골절이 생기기 쉽다. 후방 발목 충돌 증후군(PAIS)은 발레리나처럼 반복적인 족저 굴곡을 하는 사람들에게 가장 흔하게 발생한다. 섭식 장애가 흔한 것으로 여겨지며, 2014년 메타 분석에 따르면 발레 무용수는 일반인보다 여러 종류의 섭식 장애 위험이 더 높다는 연구 결과가 있다. 또한 일부 연구자들은 발레의 집중적인 훈련이 팔의 골밀도를 낮추는 결과를 가져온다는 점을 지적했다.

8.2. 성 불평등 문제

전문 무용수들은 일반적으로 급여가 좋지 않아 일반 근로자보다 적은 돈을 벌고 있다. 2020년 기준, 미국 무용수(발레와 기타 무용 형태 포함)의 시간당 평균 임금은 19USD였으며, 공연자보다 강사의 급여가 다소 더 높았다.

직업 전망은 밝지 않으며, 일자리를 얻기 위한 경쟁이 치열하여 지원자 수가 일자리 수를 훨씬 초과한다. 대부분의 일자리는 사립 무용학원에서의 강의를 포함한다.

안무가들은 무용수들보다 급여가 더 높다. 음악가와 가수들은 무용수나 안무가보다 시간당 급여가 더 높아 약 30USD이지만, 음악가의 경우 정규직 일자리는 드물다.

대부분의 발레 안무는 비교적 젊은 무용수만이 공연할 수 있도록 구성되어 있다. 발레의 구조 – (주로) 남성 안무가 또는 연출가가 (대부분) 여성의 신체를 사용하여 자신의 예술적 비전을 표현하는 구조 – 는 여성에게 해롭다는 비판을 받고 있다.