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존 케이지

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1. 개요

존 케이지(John Cage, 1912-1992)는 미국의 작곡가, 음악 이론가, 작가, 예술가로, 20세기 음악과 예술에 큰 영향을 미쳤다. 그는 실험 음악의 선구자로서, 우연성 음악과 불확정성 음악을 창시했으며, 소리와 침묵에 대한 새로운 관점을 제시했다. 그의 대표적인 작품으로는 소리의 조직화를 탐구한 《4′33″》가 있으며, 프리페어드 피아노를 활용한 작품, 주역을 기반으로 한 우연성 음악, 그리고 다양한 시각 예술 작품을 제작했다. 케이지는 동양 사상, 특히 선불교의 영향을 받아 자신의 음악 철학을 발전시켰으며, 기존의 음악적 틀을 깨는 파격적인 시도로 논란을 일으키기도 했지만, 현대 음악과 예술의 지평을 넓히는 데 크게 기여했다. 그는 또한 아마추어 균류학자로서 버섯 연구에도 열정적이었다.

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존 케이지 - [인물]에 관한 문서
기본 정보
1988년의 케이지
1988년의 존 케이지
본명존 밀턴 케이지 주니어
직업작곡가
음악 이론가
예술가
철학자
활동 기간해당 정보 없음
장르실험 음악 (전위 음악)
현대 음악
학력포모나 칼리지 중퇴
배우자제니아 안드레예브나 카셰바로프 (1935년 결혼, 1945년 이혼)
파트너머스 커닝햄
영향해당 정보 없음
관련 인물데이비드 튜더 외
웹사이트John Cage Trust (영어)
대표 악기프리페어드 피아노
사망미국 뉴욕주 뉴욕
출생지캘리포니아주 로스앤젤레스

2. 생애

존 케이지는 1912년 로스앤젤레스에서 발명가 아버지와 로스앤젤레스 타임스 기자 어머니 사이에서 태어났다.[7][8] 그의 가문은 조지 워싱턴을 도운 조상을 언급할 정도로 뿌리 깊은 미국인이었다.[9] 케이지는 어린 시절 개인 피아노 교사들과 친척들을 통해 음악을 접했고,[97] 로스앤젤레스 고등학교를 수석으로 졸업한 후 포모나 칼리지에 입학했다.[12] 그는 대학에서 마르셀 뒤샹, 제임스 조이스 등의 작품을 접했지만,[97] 작가가 되기 위해 중퇴하고 유럽으로 떠났다.[13]

약 18개월간의 유럽 체류 중 케이지는 건축, 그림, 시, 음악 등 다양한 예술을 접했다.[13] 라자르 레비의 격려로 이고르 스트라빈스키 등 동시대 작곡가들의 음악을 알게 되었고,[14] 마요르카에서 처음으로 작곡을 시도했지만 결과에 만족하지 못했다.[15][16]

1931년 미국으로 돌아온 케이지는 리처드 뷰리그에게 음악을 배우기 시작했고,[15][17] 헨리 카웰의 제안으로 아놀드 쇤베르크에게 배우기 위해 아돌프 바이스에게 예비 레슨을 받았다.[17] 1933년 뉴욕시에서 바이스와 카웰에게 공부했고,[17] 쇤베르크에게 무료로 가르침을 받으며 2년간 그와 함께 공부했다.[21] 케이지는 쇤베르크를 존경했지만, 그의 작곡 방식에 한계를 느껴 결국 그만두었다.[22] 1934년에서 1935년 사이, 케이지는 제니아 안드레예브나 카셰바로프를 만나 1935년 결혼했다.[25]

1937년, 케이지는 캘리포니아 대학교 로스앤젤레스(UCLA)에서 무용 반주자로 일하며 현대 무용과 관련된 음악 작업을 시작했다.[29] 1938년 루 해리슨과 협력 관계를 시작했고, 1940년에는 프리페어드 피아노를 고안했다.[29] 1942년 뉴욕으로 이주하여 머스 커닝햄을 만나 평생의 동반자이자 예술적 협력자가 되었다.[29] 1940년대 중반, 케이지는 선불교를 비롯한 동양 사상에 심취했다.[29]

1950년대 초, 케이지는 주역을 이용한 "찬스 오퍼레이션"을 통해 우연성 음악을 작곡하기 시작했다.[34][35] 1951년 하버드 대학교의 무향실 체험은 그의 작품에 큰 영향을 미쳤고, 1952년 《4분 33초》를 발표하여 논란을 일으켰다. 1950년대에는 《상상의 풍경 제5번》, 《라디오 뮤직》, 《피아노와 오케스트라를 위한 콘서트》 등을 작곡했고, 1954년부터는 균류학을 공부했다.

1960년대에 케이지는 마셜 맥루언과 R. 벅민스터 풀러의 영향을 받아 사회적으로 유토피아적인 작품들을 선보였다. 레이자렌 힐러와 협력한 대규모 멀티미디어 작품 ''HPSCHD''(1969)는 1969년 일리노이 대학교에서 초연되었다.[41] 1969년, 케이지는 에릭 사티의 ''소크라테스''를 우연의 방식으로 재작업한 피아노곡 ''Cheap Imitation''을 작곡했다.[42] 1960년부터 관절염을 앓아온 케이지는 1970년대 초 공연을 포기해야 했다.[44]

1970년대에도 케이지는 ''Child of Tree''(1975)와 같은 작품에서 즉흥 연주를 시도하는 등 새로운 접근 방식을 보여주었다.[44] 음악 외에도 케이지는 산문과 시(메소스틱)를 담은 책을 계속 집필했고, ''M''(1973), ''Empty Words''(1979) 등이 출판되었다. 1978년부터는 판화 제작에도 참여하여 시각 예술 분야에서도 많은 작품을 남겼다.

1987년, 케이지는 플루트와 피아노를 위한 곡인 ''Two''를 완성했고, 이후 약 40곡의 넘버 피스를 썼다. 1987년에 시작된 또 다른 새로운 방향은 오페라였으며, 케이지는 1987년부터 1991년까지 다섯 편의 오페라 ''Europera''를 제작했다. 이 작품들은 당시 오페라계에 큰 반향을 일으켰다.[45]

존 케이지 (왼쪽)와 미하엘 바흐, 1992년 이탈리아 아시시에서


1980년대에 케이지의 건강은 점차 악화되어 관절염, 좌골 신경통, 동맥경화증으로 고통받았다.[46] 1992년 8월 11일, 케이지는 뇌졸중으로 쓰러져 다음 날 세인트 빈센트 병원 (맨해튼)에서 사망했다.[46][47] 그의 유해는 화장되어 라마포 산맥에 뿌려졌다.[40]

2. 1. 유년 시절 (1912-1931)

존 케이지는 1912년 9월 5일 로스앤젤레스 시내에 있는 굿 사마리탄 병원에서 태어났다.[7] 그의 아버지 존 밀턴 케이지 시니어(1886–1964)는 발명가였고, 어머니 루크레시아("크레테") 하비(1881–1968)는 로스앤젤레스 타임스 기자였다.[8] 케이지 가문은 뿌리 깊은 미국인이었는데, 케이지는 조지 워싱턴이 존 케이지라는 조상의 도움을 받았다고 언급했다.[9] 케이지는 그의 어머니를 "사교성"을 가진, "결코 행복하지 않은" 여성으로 묘사했고,[10] 그의 아버지는 때로는 이상주의적인 발명품으로 가장 잘 특징지을 수 있을 것이다.[8] 존 케이지 시니어는 아들에게 "누군가가 '할 수 없다'고 말하면, 그것이 무엇을 해야 할지 보여주는 것이다."라고 가르쳤다. 1944–45년에 케이지는 부모님을 위한 두 개의 작은 성격 소품을 썼는데, 각각 ''크레테''와 ''아버지''였다.[11]

케이지가 처음으로 음악을 접한 것은 그레이터 로스앤젤레스 지역의 개인 피아노 교사들과 여러 친척들, 특히 19세기의 피아노 음악을 소개한 그의 고모 피비 하비 제임스를 통해서였다. 그는 학교에서 4학년 때 처음으로 피아노 레슨을 받았지만, 음악을 좋아했음에도 불구하고, 피아노 기교를 개발하는 것보다 시창에 더 많은 관심을 보였고, 작곡을 생각하지 않았던 것으로 보인다. 고등학교 시절, 그의 음악 교사 중 한 명은 파니 찰스 딜론이었다.[97] 1928년, 케이지는 로스앤젤레스 고등학교를 수석 졸업생으로 졸업했다.[12]

케이지는 1928년 클레어몬트에 있는 포모나 칼리지에 입학했다. 그는 마르셀 뒤샹, 제임스 조이스, 아난다 쿠마라스와미, 헨리 카웰의 작품을 접했다.[97] 1930년, 그는 "대학은 작가에게 아무 쓸모가 없다"고 믿게 되어 중퇴했다.[13] 케이지는 부모님을 설득하여 유럽 여행을 갔다. 그는 히치하이킹으로 갤버스턴으로 가서 르아브르로 항해했고, 그곳에서 기차를 타고 파리로 갔다.[14] 약 18개월 동안 유럽에 머물면서 다양한 형태의 예술에 도전했다. 고딕 건축과 그리스 건축을 공부했지만, 건축에 그의 삶을 바칠 만큼 충분한 관심을 갖고 있지 않다고 결정했다.[13] 그는 그림, 시, 음악을 시작했다. 그의 스승 라자르 레비의 격려를 받아[14] 동시대 작곡가들(이고르 스트라빈스키, 파울 힌데미트)과 요한 제바스티안 바흐의 음악을 알게 되었다.

월트 휘트먼의 ''풀잎''을 읽고 미국의 열정을 되살렸다. 그는 즉시 돌아가고 싶었지만, 부모님은 그에게 좀 더 오래 유럽에 머물면서 유럽 대륙을 탐험하도록 설득했다.[15] 케이지는 프랑스, 독일, 스페인의 여러 곳뿐만 아니라 카프리와 마요르카를 방문했는데, 그곳에서 작곡을 시작했다.[16] 그의 첫 번째 작곡은 밀도 높은 수학 공식을 사용하여 만들어졌지만, 케이지는 그 결과에 만족하지 못했고 떠날 때 완성된 작품을 남겨두었다.[15]

2. 2. 수학 시기 (1931-1936)

1931년 미국으로 돌아온 케이지는 리처드 뷰리그에게 음악을 배우기 시작했다.[15][17] 헨리 카웰은 케이지에게 아놀드 쇤베르크에게 배울 것을 제안했고, 쇤베르크를 만나기 전 아돌프 바이스에게 예비 레슨을 받으라고 조언했다.

카웰의 조언에 따라 1933년 뉴욕시로 가서 바이스와 공부를 시작했고, 더 뉴 스쿨에서 카웰에게 직접 레슨을 받았다.[17] 케이지는 쇤베르크의 수업료를 낼 수 없었다. 쇤베르크는 케이지에게 음악에 헌신할 것인지 물었고, 케이지가 그렇게 하겠다고 대답하자 쇤베르크는 무료로 가르쳐주겠다고 제안했다.[21]

케이지는 캘리포니아주에서 쇤베르크와 공부했는데, 처음에는 서던캘리포니아 대학교에서, 그 다음에는 캘리포니아 대학교 로스앤젤레스에서 개인적으로 공부했다.[17] 케이지는 쇤베르크를 "말 그대로 숭배"했으며,[22] 쇤베르크는 케이지에게 가장 큰 영향을 미친 인물 중 한 명이 되었다. 케이지가 음악에 인생을 바치겠다고 맹세한 것은 약 40년 후에도 여전히 중요했으며, "작곡이 필요하지 않았을" 때에도 자신이 했던 약속 때문에 작곡을 계속했다.[23]

케이지는 2년 동안 쇤베르크와 공부했지만, 스승을 존경했음에도 불구하고 쇤베르크가 학생들에게 음악을 쓰는 것을 불가능하게 만들려고 한다고 말한 후 그만두기로 결정했다. 쇤베르크는 케이지의 작곡 능력에 감명받지 못했지만, 나중 인터뷰에서 케이지에 대해 "물론 그는 작곡가는 아니지만 천재적인 발명가입니다."라고 말했다.[22]

1934년~1935년 무렵, 케이지는 제니아 안드레예브나 카셰바로프를 만났다. 케이지와 카셰바로프는 1935년 6월 7일 애리조나주 유마의 사막에서 결혼했다.[25]

2. 3. 현대 무용과 동양 사상의 영향 (1937-1949)

1937년, 케이지는 캘리포니아 대학교 로스앤젤레스(UCLA)에서 무용 반주자로 일하면서 현대 무용과 관련된 음악 작업을 시작했다. 1938년에는 루 해리슨을 만나 타악기와 춤에 대한 관심을 공유하며 협력 관계를 시작했고, 1940년에는 피아노 현에 여러 물체를 삽입하여 음색을 변화시키는 프리페어드 피아노를 고안했다. 1942년 뉴욕으로 이주하여 머스 커닝햄과 만나 평생의 동반자이자 예술적 협력자가 되었다.[29]

1940년대 중반, 케이지는 음악이 소통 수단으로서 한계가 있다고 생각하여 동양 사상, 특히 선불교에 심취했다.[29]

2. 4. 우연성 음악의 발견 (1950년대)

1950년대 초, 케이지는 주역을 사용하여 작곡 과정에 우연성을 도입하는 "찬스 오퍼레이션"을 시작했다.[34][35] 1951년, 하버드 대학교의 무향실 체험을 통해 침묵이 불가능하다는 것을 깨달았고, 이는 그의 작품에 큰 영향을 미쳤다. 1952년, 연주자가 4분 33초 동안 아무것도 연주하지 않는 《4분 33초》를 발표하여 논란을 일으켰다.

1950년대에는 임의의 42장의 레코드를 테이프에 녹음한 《상상의 풍경 제5번》, 라디오를 악기로 사용한 《라디오 뮤직》, 독창적인 도형 악보를 사용한 《피아노와 오케스트라를 위한 콘서트》 등을 작곡했다. 1954년부터는 균류학을 공부하기 시작했다.

2. 5. 명성과 새로운 시도 (1960-1987)

1960년대에 케이지는 마셜 맥루언과 R. 벅민스터 풀러의 영향을 받아 사회적으로 유토피아적인 작품들을 선보였다. 레이자렌 힐러와 협력한 대규모 멀티미디어 작품 ''HPSCHD''(1969)는 7대의 하프시코드, 52개의 컴퓨터 생성 사운드 테이프, 6,400개의 슬라이드, 40편의 영화를 통합한 작품이었다.[41] 이 작품은 1969년 일리노이 대학교에서 초연되었는데, 관객들은 공연 도중 자유롭게 이동하며 감상했다.[41]

1969년, 케이지는 에릭 사티의 ''소크라테스''를 우연의 방식으로 재작업한 피아노곡 ''Cheap Imitation''을 작곡했다.[42] 케이지는 이 작품을 매우 좋아하여 직접 녹음하기도 했다.[43] ''Cheap Imitation''은 케이지가 직접 공연한 마지막 작품이 되었다. 1960년부터 관절염을 앓아온 케이지는 1970년대 초 손이 심하게 부어 결국 공연을 포기해야 했다.[44]

1970년대에도 케이지는 ''Child of Tree''(1975)와 같은 작품에서 즉흥 연주를 시도하는 등 새로운 접근 방식을 보여주었다.[44] 악보 작성에도 어려움을 겪어 조수의 도움을 받아야 했다. 데이비드 튜더가 공연을 중단하면서 케이지는 그레테 술탄, 폴 주코프스키, 마가렛 렝 탄 등 다른 연주자들에게 의존해야 했다. 음악 외에도 케이지는 산문과 시(메소스틱)를 담은 책을 계속 집필했다. ''M''(1973), ''Empty Words''(1979) 등이 웨슬리안 대학교 출판사에서 출판되었다. 1978년부터는 캐탄 브라운의 초대로 판화 제작에도 참여하여, 후기 수채화와 함께 시각 예술 분야에서도 많은 작품을 남겼다.

2. 6. 말년 (1987-1992)

1987년, 케이지는 플루트와 피아노를 위한 곡인 ''Two''를 완성했는데, 이는 연주자 로베르토 파브리치아니와 카를로 네리에게 헌정되었다. 이 제목은 필요한 연주자의 수를 의미하며, 이 음악은 지정된 시간 제약 내에서 어떤 템포로든 연주할 수 있는 짧은 악보 단편들로 구성되었다. 케이지는 이후 약 40곡의 넘버 피스를 썼는데, 마지막 작품 중 하나는 ''Eighty'' (1992, 2011년 10월 28일 뮌헨에서 초연)이며, 일반적으로 동일한 기법의 변형을 사용했다. 많은 후기 넘버 피스에서 작곡 과정은 우연 절차를 사용하여 음정 범위와 해당 범위 내의 음정을 간단하게 선택하는 것이었다.[17] 이 음악은 케이지의 무정부주의적 성향과 연관되어 왔다. ''One11'' (즉, 한 명의 연주자를 위한 11번째 곡)는 1992년 초에 완성되었으며, 케이지가 영화에 처음이자 마지막으로 참여한 작품이었다. 케이지는 미하엘 바흐 바흐티스차와 함께 자신의 마지막 음악 작품을 구상했다. 그것은 곡궁과 세 개의 스피커를 위한 첼로곡 "ONE13"으로, 수년 후에 출판되었다.

1987년에 시작된 또 다른 새로운 방향은 오페라였다. 케이지는 1987년부터 1991년까지 같은 제목의 다섯 편의 오페라 ''Europera''를 제작했다. ''Europeras I''와 ''II''는 실내 규모의 ''III'', ''IV'' 및 ''V''보다 더 많은 인력을 필요로 한다. 이 작품들은 그의 75세 생일을 기념하기 위해 프랑크푸르트 오페라에서 의뢰되었으며, 음악 평론가 마크 스웨드에 따르면, 작곡가에게 "두 명의 전담 조수와 밤낮으로 윙윙거리는 두 대의 컴퓨터가 필요한 엄청난 노력"이 필요했다고 한다.[45] 이 작품들은 무대 연출과 시퀀싱에 대한 기존의 틀을 벗어난 방식으로 당시 오페라계에 큰 반향을 일으켰다. 많은 표준적인 오페라 레퍼토리가 사용되었지만, 미리 정해진 순서가 아니라, 우연에 의해 선택되었고, 이는 두 번의 공연이 정확히 같을 수 없음을 의미했다. 이 공연에 참여할 예정이었던 많은 사람들이 케이지가 요구하는 것이 불가능하다는 이유로 참여를 거부했다. 유로페라 1 & 2가 초연되기 며칠 전, 프랑크푸르트 오페라 하우스에 화재가 발생했고, 이는 극적인 상황으로 이어졌으며, 반응이 엇갈렸고, 케이지는 자신의 작품에 대한 해석을 비판하는 편지를 음악가들에게 썼다.[45]

1980년대에 케이지의 건강은 점차 악화되었다. 그는 관절염뿐만 아니라 좌골 신경통과 동맥경화증으로 고통받았다. 뇌졸중으로 왼쪽 다리의 움직임이 제한되었고, 1985년에는 팔이 부러졌다. 이 기간 동안 케이지는 매크로바이오틱 식단을 따랐다. 그럼에도 불구하고, 관절염으로 고통받기 시작한 이후, 작곡가는 자신의 나이를 인식하고 있었고, 전기 작가 데이비드 레빌이 관찰한 바와 같이, "1985년에 그가 자신의 시각 작품에 포함시키기 시작한 불은 그가 오랫동안 제쳐두었던 불, 즉 열정의 불일 뿐만 아니라 덧없음과 연약함으로서의 불이기도 하다." 1992년 8월 11일, 케이지는 커닝햄을 위해 저녁 차를 준비하던 중 또 다른 뇌졸중을 겪었다. 그는 맨해튼의 세인트 빈센트 병원 (맨해튼)으로 이송되었고, 그곳에서 8월 12일 아침에 사망했다.[46] 그는 79세였다.[47]

케이지의 유언에 따라 그의 시신은 화장되었고, 그의 유해는 그의 부모의 유해를 뿌렸던 곳과 같은 뉴욕 스토니 포인트 근처의 라마포 산맥에 뿌려졌다.[40] 작곡가의 죽음은 작곡가 발터 치머만과 음악학자 스테판 셰들러가 프랑크푸르트에서 조직한 그의 80세 생일 축하 행사 불과 몇 주 전에 일어났다.[47] 이 행사는 계획대로 진행되었으며, 데이비드 튜더와 앙상블 모던의 ''피아노와 오케스트라를 위한 협주곡'' 공연을 포함했다. 머스 커닝햄은 2009년 7월 자연사했다.[48]

3. 주요 작품

존 케이지의 주요 작품은 다음과 같다.


  • 클라리넷을 위한 소나타 (1933)
  • 6개의 짧은 인벤션 (1934)
  • (1937)
  • 바카날 (1938)
  • (1939)
  • 거실의 음악 (1940)
  • 더블 뮤직 (1940) - 루 해리슨과의 공동 작품
  • 마을은 소프트 모자를 쓰고 있다 (1941) - 케네스 패천과의 공동 작품
  • 18번째 봄을 맞이한 쾌활한 미망인 (1942) - 제임스 조이스의 소설 피네건의 경야 가사 차용
  • 소나타와 인터루드 (1948)
  • 토이 피아노를 위한 소나타 (1948)
  • 주역의 음악 (1951)
  • 하이쿠 (1951)
  • 4분 33초 (1952)
  • 피아노와 오케스트라를 위한 콘서트 (1957-1958)
  • 라디오 뮤직 (1958)
  • (1958-1978)
  • 아리아 (1958)
  • 카트리지 뮤직 (1960)
  • 0분 00초 (1962)
  • 로차르트 믹스 (1965)
  • 뮤지 서커스 (1967)
  • HPSCHD (1969)
  • (1969)
  • (1970)
  • (1975)
  • 렌가 (1975-1976)
  • (1976)
  • 프리먼 에튀드 (1977-1990)
  • 료안지 (1983-1985)[123]
  • (1985-1991)
  • 오르간²/ASLSP (1987)
  • 하이카이 (1990)
  • 워터 골 (1934)
  • 프리페어드 피아노 (1938)
  • 《표면》 (1980)
  • 《시리즈》 (1988)
  • 《뉴 리버 수채화》 (1990)
  • 《먹을 수 있는 드로잉》 (1990)
  • ''Composition as Process'' 『프로세스로서의 작곡』 (1958) - 다름슈타트 국제 현대 음악 강습 강연
  • ''Roaratorio'' 『로라토리오』 (1979) - 제임스 조이스의 『피네건즈 웨이크』 바탕 라디오 극
  • ''Mushrooms et Variations'' 『버섯의 변주곡』 (1985) - 라디오 극
  • ''Rolywholyover A Circus'' 「롤리홀리오버 서커스」 (1993-)


케이지는 저술 활동도 활발하게 하였는데, 대표적인 저서로는 다음과 같다.

  • 《침묵》 (Silence: Lectures and Writings영어, 1961)
  • 《월요일로부터의 1년》 (A Year from Monday영어, 1968)
  • 《존 케이지, 새들을 위하여》 (John Cage, Pour les oiseaux프랑스어), 다니엘 샤를 공저, 2003년.
  • 《텅 빈 단어들》 (Empty Words영어, 1979)

3. 1. 음악

케이지는 1930년대 초반 클라리넷을 위한 소나타(1933)와 같은 대부분의 작품에서 매우 반음계적이며 대위법에 대한 관심을 드러냈다.[49] 같은 시기에 25음 음렬을 가진 음렬 기법을 개발했고,[50] 쇤베르크에게 사사받은 후에는 음렬을 짧은 동기로 나누고, 규칙에 따라 반복하고 조옮김하는 또 다른 음렬 기법을 개발했다.

타악기 음악과 현대 무용을 위한 음악을 쓰기 시작한 직후, 작품의 리듬 구조를 전면에 내세우는 기법을 사용하기 시작했다. 상상의 풍경 1번(1939)은 16, 17, 18, 19마디로 이루어진 4개의 큰 섹션으로 구성되며, 각 섹션은 4개의 하위 섹션으로 나뉜다.[49] 금속을 이용한 첫 번째 구성(1939)은 4, 3, 2, 3, 4 단위의 5개 섹션으로 구성되며, 각 단위는 16마디를 포함하고 동일한 방식으로 나뉜다.[49] 케이지가 "중첩된 비례"라고 부른 이 기법은 1940년대 그의 음악의 특징이 되었으며, 소나타와 인터루드 (1946–48)와 같은 후기 작품에서 매우 복잡해졌다.[49]

1940년대 후반, 케이지는 전통적인 화성에서 벗어나는 새로운 방법을 개발했다. ''4악장의 현악 사중주'' (1950)에서 고정된 악기 편성을 가진 일련의 ''감마''를 작곡하고, 한 ''감마''에서 다른 ''감마''로 진행하는 방식으로 작곡했다.[17] ''준비된 피아노를 위한 협주곡'' (1950–51)은 지속 시간, 다이내믹, 멜로디 등의 차트 시스템을 사용했고,[17] 마지막 악장은 우연성 기법을 사용하는 단계였다.[50]

차트 시스템은 《변화의 음악》(1951)에도 사용되었는데, 여기서는 《주역》을 사용하여 차트에서 자료를 선택했다. 1951년 이후 케이지의 모든 음악은 우연의 절차, 가장 흔하게는 《주역》을 사용하여 작곡되었다. 《피아노를 위한 음악》은 종이 결함에 기반했고,[51] 《황도대》(1961–62), 《오스트랄 연습곡》(1974–75), 《프리먼 연습곡》(1977–90), 《보레알 연습곡》(1978) 등은 별자리 차트에 《주역》과 같은 우연의 조작을 적용하여 만들었다.[51] 케이지의 연습곡들은 연주하기 매우 어려운데, 이는 그의 사회적, 정치적 견해에 따른 특징이다.[52] 케이지는 자신을 무정부주의자라고 묘사했다.[53]

《저렴한 모방》(1969; 에릭 사티), 《"메인 화음"의 일부》(1978; 벨처), 《찬송가와 변주곡》(1979) 등은 다른 작곡가들의 기존 음악에 우연의 절차를 적용했다.[51] 소위 《넘버 피스》는 작곡가의 마지막 5년 동안 완성되었으며 《시간 괄호》를 사용한다.[51]

케이지의 《주역》 사용은 단순한 무작위화와는 달랐다. 《저렴한 모방》의 경우 《주역》에 묻는 질문은 다음과 같았다.[51]

# 흰 음에서 시작하여 흰 음에 머무르는 일곱 개의 음계 중 어떤 것을 사용하는가?

# 가능한 열두 개의 반음계 전조 중 어떤 것을 사용하는가?

# 이 모드의 이 전조가 적용될 이 구절에 대해, 사티가 쓴 음을 모방하기 위해 일곱 개의 음 중 어떤 음을 사용하고 있는가?[51]

《오스트랄 연습곡》에서는 별자리 차트에 투명한 스트립을 놓고, 차트에서 음높이를 식별하고, 종이에 옮긴 다음, 《주역》에게 어떤 음높이가 단독으로 유지되어야 하고 어떤 것이 화음의 일부가 되어야 하는지 물었다.[51]

1960년대 작품들은 완전히 표기된 음악이 아닌 연주자에게 지시 사항을 제공한다. 《변주 I》(1958)의 악보는 다양한 크기의 점이 있는 투명한 사각형 6개와 교차하는 선이 있는 5개의 사각형을 제시한다.[51] 《피아노와 오케스트라를 위한 협주곡》, 《폰타나 믹스》 (둘 다 1958) 등은 그래픽 악보를 사용한다. 《0′00″》(1962; 《4′33″ No. 2》)는 "최대 증폭이 제공된 상황에서 절제된 행동을 수행하라."라는 문장으로 구성된다.[51]

《뮤직서커스》(1967)는 연주자들이 모여 함께 연주하도록 초청한다. 첫 번째 《뮤직서커스》는 특정 기간에 시작하고 중단하는 여러 연주자와 그룹이 있는 넓은 공간을 특징으로 했다.[54] 이 서커스 개념은 케이지의 생애 동안 중요하게 남아 있었고, 《

우연 절차는 작곡가와 연주자의 호불호를 제거하기 위해 사용되었기에, 케이지는 즉흥 연주를 싫어했다. 1970년대부터 Child of Tree (1975), Branches (1976) 등에서 연주자들은 선인장과 같은 특정 식물 종을 악기로 사용하도록 요청받았다.[51] Inlets (1977)에서 연주자들은 물이 가득 찬 소라 껍질을 연주하며, 껍질을 기울이면 거품이 형성되어 소리가 난다.[51]

3. 2. 악기

1938년 보니 버드의 안무를 위한 코니쉬 예술 대학 무용 공연을 위해 프리페어드 피아노를 발명했다.[26] 이는 타악기 앙상블을 위한 공간이 부족했기 때문에 나온 아이디어였다. 피아노 현 사이에 여러 물체를 배치하여 피아노의 음색을 변화시키는 방식으로, 타악기 소리를 구현했다.[26]

3. 3. 미술

케이지는 젊은 시절 그림을 그리기 시작했지만, 음악에 집중하기 위해 그만두었다. 1969년에 시작된 그의 첫 번째 성숙한 시각 예술 프로젝트는 ''마르셀에 대해 아무 말도 하고 싶지 않다(Not Wanting to Say Anything About Marcel)''였다. 이 작품은 두 개의 석판화와 케이지가 "플렉시그램"이라고 부르는 것들, 즉 플렉시글라스 패널에 실크 스크린 인쇄를 한 것으로 구성되었다. 패널과 석판화는 모두 다양한 서체의 단어 조각들로 구성되었으며, 모두 우연의 작용에 의해 결정되었다.[57]

1978년부터 사망할 때까지 케이지는 Crown Point Press에서 매년 판화 연작을 제작했다. 그곳에서 완성된 가장 초기의 프로젝트는 헨리 데이비드 소로우의 다양한 드로잉 조합을 기반으로 한 에칭 ''파트 없는 악보(Score Without Parts)'' (1978)였다. 같은 해에 케이지가 눈을 감고 그린 ''7일간의 일기(Seven Day Diary)''가 제작되었는데, 이는 우연의 작용을 사용하여 개발된 엄격한 구조를 따랐다. 소로우의 드로잉은 1978년에 제작된 마지막 작품인 ''신호(Signals)''에도 영향을 미쳤다.[57]

1979년과 1982년 사이에 케이지는 ''변화와 사라짐(Changes and Disappearances)'' (1979–80), ''표면에서(On the Surface)'' (1980–82), ''데로(Déreau)'' (1982) 등 여러 개의 대형 판화 연작을 제작했다. 이 작품들은 그가 조각을 사용한 마지막 작품들이었다.[57] 1983년에는 면 솜, 폼 등 다양한 비전통적 재료를 사용하기 시작했고, 이후 돌과 불을 사용하여 시각 작품을 만들었다(''Eninka'', ''Variations'', ''료안지'' 등).[57] 1988년부터 1990년까지 그는 마운틴 레이크 워크숍(Mountain Lake Workshop)에서 수채화를 제작했다.

3. 4. 저술


  • 《침묵》 (Silence: Lectures and Writings영어, 1961) - 홍성원 옮김, 문학과지성사, 1998년.
  • 《월요일로부터의 1년》 (A Year from Monday영어, 1968)
  • M (John Cage book)|M영어, 1973
  • 《존 케이지, 새들을 위하여》 (John Cage, Pour les oiseaux프랑스어), 다니엘 샤를 공저, 김용환 옮김, 이화여자대학교 출판문화원, 2003년. - 연보 수록
  • 《텅 빈 단어들》 (Empty Words영어, 1979)


케이지는 강연자이자 작가로서 활발하게 활동했다. 그의 강연 중 일부는 《침묵: 강연 및 저술》을 비롯한 여러 책에 포함되었다. 《침묵》에는 단순한 강연뿐만 아니라 실험적인 레이아웃으로 제작된 텍스트와 리듬 구조로 구성된 《무에 대한 강연》(1949)과 같은 작품도 포함되어 있었다. 후속 저서들 또한 음악에 관한 강연에서 케이지의 메소스틱 시에 이르기까지 다양한 유형의 콘텐츠를 다루었다.

4. 음악 사상

케이지는 소리, 침묵, 우연성, 불확정성 등의 개념을 탐구하며 기존 음악의 틀을 벗어난 실험적인 음악을 추구했다. 그는 작곡가, 연주자, 청중의 경계를 허물고, 소리를 통해 서로 소통하고 교감하는 새로운 음악적 경험을 제시하고자 했다.

케이지는 음악에서 작곡가와 연주자의 호불호를 제거하기 위해 우연성 절차를 사용했지만, 연주자의 선호도와 연결되는 즉흥 연주라는 개념은 싫어했다. 그러나 1970년대부터 그는 즉흥 연주를 통합하는 방법을 찾기 시작했다. 예를 들어, Child of Tree(1975)와 Branches(1976)에서 연주자들은 선인장과 같은 특정 식물 종을 악기로 사용하도록 요청받았고, 작품의 구조는 그들의 선택에 의해, 음악적 결과는 순수한 우연에 의해 결정되었다. Inlets(1977)에서 연주자들은 물이 가득 찬 큰 소라 껍질을 기울여 소리를 냈는데, 언제 소리가 날지 예측할 수 없었기 때문에 연주는 순수한 우연에 의해 결정되었다.[113]

케이지는 자신의 작품이 연주자에 따라 크게 달라진다고 생각했다. 그는 연주자가 작곡가가 되고, 청중이 연주자가 되고, 작곡가가 청중이 되어 소리를 통해 서로 영향을 주고받는다고 보았다.[113]

케이지는 레코드를 사용한 작품을 발표하기도 했지만, 자신의 작품을 레코드에 녹음하는 것에는 적극적이지 않았다. 그는 레코드를 "경치를 망쳐버리는 엽서"라고 불렀다.[114] 그러나 CD 시대에는 생각이 바뀌어, moderecords의 케이지 전집 초기 릴리스는 자신이 직접 감수했다.[115]

4. 1. 소리와 침묵

케이지는 모든 소리가 음악이 될 수 있다고 믿었다. 심지어 침묵조차도 단순히 소리가 없는 것이 아니라, 또 다른 형태의 소리라고 생각했다. 그는 무향실 체험을 통해 침묵이란 불가능하다는 것을 깨달았다. 무향실은 외부의 소음을 완전히 차단하고 내부의 소리도 반사되지 않도록 설계된 특수한 방이다. 케이지는 이 방에서 자신의 심장 박동 소리와 혈액이 흐르는 소리를 들을 수 있었다. 이를 통해 그는 진정한 침묵은 존재하지 않으며, 소리는 항상 우리 주변에 있다는 것을 깨달았다.

케이지는 이러한 깨달음을 바탕으로 소리를 있는 그대로 받아들이고 경험하는 것이 중요하다고 강조했다. 그는 "음악이라고 부르는 것을 들으면, 누군가 이야기하는 것 같습니다. [...] 하지만 예를 들어, 6번가에서 들려오는 교통 소리, 교통 소리를 들으면, 누군가 이야기하고 있다는 느낌이 들지 않습니다. 소리가 작용하고 있다는 느낌이 들죠. 그리고 저는 소리의 활동을 좋아합니다... 소리가 저에게 말을 걸 필요는 없습니다."[29]라고 말했다. 이는 소리를 특정한 의미나 감정을 전달하는 수단으로만 생각하는 전통적인 관점에서 벗어나, 소리 자체의 아름다움과 가치를 인정해야 한다는 것을 의미한다.

케이지는 음악을 "소리의 조직화"라는 표현으로 바꾸자고 제안했다. 그는 "음악"이라는 표현이 18세기부터 19세기에 걸쳐 완성된 악기를 사용한 것에 너무 많이 사용되고 있다고 생각했다.[112]

4. 2. 우연성과 불확정성

케이지는 주역과 같은 동양 사상에서 영감을 받아 우연성 음악을 창시했다. 1951년 초, 크리스티안 볼프는 케이지에게 중국 고전인 ''I Ching''[30]을 선물했는데, 이는 우연한 사건에서 질서를 식별하는 기호 체계를 설명하는 책이었다. 케이지는 이를 점술뿐 아니라 우연성을 사용하여 작곡하는 도구로 활용했다.[31] 그는 ''주역''에 질문을 던져 음악 작품을 작곡하는 "찬스 오퍼레이션" 기법을 사용했는데, 이는 "작동 방식에서 자연을 모방하는 것"을 의미했다.[32]

이러한 접근 방식의 첫 결과는 12개의 라디오 수신기를 위한 ''상상의 풍경 4번''과 피아노를 위한 ''변화의 음악''이었다. 케이지는 ''주역''을 표준 작곡 도구로 삼아 1951년 이후 거의 모든 작품에 사용했으며, 나중에는 ''주역''에서 동전을 던지는 것과 유사한 방식으로 숫자를 계산하는 컴퓨터 알고리즘을 사용했다.[34]

또한, 케이지는 연주 과정에 우연성이 개입되는 불확정성 음악을 통해 연주자와 청중에게 새로운 자유와 창의성을 부여했다. 1952년에는 그의 가장 유명하고 논란이 많은 작품인 ''4′33″''를 작곡했는데, 이 곡은 연주자가 4분 33초 동안 악기를 연주하지 않고, 청중이 듣는 환경의 소리로 구성되도록 의도되었다.[35]

5. 균류학 연구

케이지는 버섯 아마추어 연구가로서 1962년 뉴욕 균류학회 창립에 참여했다.[116] 버섯을 좋아한 이유 중 하나는 사전에서 "music" 바로 앞이 "mushroom"이었기 때문이라고 한다.[117] 케이지는 버섯에서 창작과 사상의 착상을 얻었으며, 자신의 음악론과 버섯의 관계에 대해 이야기하고, 버섯의 생태가 내는 소리에 대해 상상했으며, 에릭 사티의 음악을 버섯에 비유했다. 버섯의 매력으로 다함이 없는 점을 들며, 알면 알수록 식별하는 자신감이 옅어진다고 말했다. 평소에는 익혀 먹는 독버섯을 산책 중에 발견해서 먹고 중독된 적이 있다. 케이지는 버섯을 마약으로 사용하려는 생각을 한 적이 없는지 질문받았을 때, 마약에는 관심이 없고 한 번도 생각해 본 적이 없다고 답했다.[118]

또한, 버섯의 성(性)이 다양하다는 점에서 착안하여 인간의 암수의 개념은 본래 복잡한 상태를 단순화한 것이 아닌가 생각하여 성의 다양화를 제창했다.[119] 1958년 이탈리아 체류 시에는 텔레비전 퀴즈 프로그램 "라시아 오 라도피아?(Lascia o Raddoppia?)"Lascia o Raddoppia?]에 출연, 균류학에 대해 답변하여 상금 와 "가장 호감을 주는 경쟁자상"을 받았다.[120] 미야케 하루나는 뉴욕의 케이지 집에 갔을 때 새까만 버섯 스튜를 대접받았다고 한다.[121]

6. 사상

케이지는 소유와 생산성 대신 유용성을 중시하는 삶을 옹호했다. 그는 스스로를 아나키스트로 여겼으며, 정치는 지배하는 것이고 정치, 정부, 관료주의는 불필요하다고 말했다.[41]

그는 R. 벅민스터 풀러, 스즈키 다이세츠, 마셜 맥루언, 헨리 데이비드 소로, 노먼 브라운, 마이스터 에크하르트, 아난다 쿠마라스와미, 장자 등 동서양의 다양한 사상가들에게 영향을 받았다.[41] 케이지는 자신의 사상에 대해 저서 『존 케이지, 새들을 위해』에서 자세히 언급하고 있다.

7. 영향

존 케이지는 20세기 현대 음악과 예술에 지대한 영향을 미쳤다. 특히 그의 실험적인 음악과 사상은 수많은 예술가들에게 영감을 주었으며, 현대 예술의 지평을 넓히는 데 기여했다.[65]

케이지의 우연성 이전 작품, 특히 1940년대 후반의 《소나타와 간주곡》은 비평가들의 찬사를 받았으며, 1949년 카네기 홀에서 연주되었다. 그러나 1951년 케이지가 우연성 기법을 채택하면서, 여러 우정을 잃게 되었고 동료 작곡가들로부터 수많은 비판을 받았다.[59] 음렬주의 지지자들인 피에르 불레즈와 카를하인츠 슈톡하우젠은 불확정성 음악을 일축했다. 불레즈는 케이지를 "작곡 기술의 근본적인 약점을 가리는 오리엔탈리즘적 색채가 묻어나는 철학을 채택"했다고 비판했다.[59] 야니스 크세나키스와 같은 음렬주의 비평가들 역시 케이지에게 적대적이었으며, 크세나키스는 우연성을 음악에 도입하는 것을 "언어의 남용이며... 작곡가의 기능을 포기하는 것"이라고 비판했다.[60]

케이지의 작품 대부분은 논란의 여지가 있지만,[63][64] 수많은 작곡가, 예술가, 작가에게 미친 그의 영향은 주목할 만하다.[65] 케이지가 우연성 기법을 도입한 후, 불레즈, 슈톡하우젠, 크세나키스는 비판적인 입장을 유지했지만, 모두 자신의 작품에서 우연성 기법을 (훨씬 더 제한적인 방식으로) 채택했다. 슈톡하우젠의 후기 《클라비어슈튀케》 피아노 작법은 케이지의 《변화의 음악》과 데이비드 튜더의 영향을 받았다.[66] 비톨트 루토스와프스키,[67] 마우리시오 카겔[68] 등도 우연성 기법을 자신의 작품에 활용했다. 피에르 불레즈는 작곡 및/또는 연주의 일부가 우연에 맡겨진 음악을 '알레아토리 음악'이라는 용어로 대중화시켰다. 헬무트 라헨만의 작품은 확장 기법을 사용한 케이지 작품의 영향을 받았다.[69]

케이지의 리듬 구조 실험과 소리에 대한 관심은 얼 브라운, 모턴 펠드먼, 크리스찬 울프, 라 몬테 영, 테리 라일리, 스티브 라이히, 필립 글래스 등 여러 미국 작곡가들에게 영향을 주었다.[70][71][72] 마이클 파슨스, 크리스토퍼 홉스, 존 화이트,[74] 개빈 브라이어스,[75] 하워드 스켑턴[76] 등 영국 실험 음악 학교 작곡가들도 케이지의 영향을 인정한다. 일본 작곡가 다케미쓰 토루 또한 케이지의 영향을 언급했다.[77]

소닉 유스 (넘버 피스 중 일부를 연주함)[82], 스테레오랩 (케이지의 이름을 딴 노래를 작곡함)[83], 프랭크 자파[84], 다양한 노이즈 음악 아티스트와 밴드 등 록 밴드들도 케이지의 영향을 인정했다. 음악학자 폴 헤거티는 노이즈 음악의 기원을 《4′33″》로 거슬러 올라갔다.[85] 브라이언 이노의 레이블 옵스큐어 레코드는 1970년대 중반 케이지의 작품을 발매하며 전자 음악 발전에 영향을 주었다.[86] 케이지가 대중화시킨 프리페어드 피아노는 아펙스 트윈의 2001년 앨범 《드럭스》에 많이 등장한다.[87] 케이지는 에릭 사티의 음악을 대중화하고,[88][89] 추상 표현주의 예술가 로버트 라우센버그와의 친분을 통해 시각 예술에 자신의 아이디어를 도입했다. 아카데미 상을 수상한 사운드 디자이너 게리 라이드스트롬은 케이지의 작품을 주요 영향으로 언급하며, 케이지의 아이디어가 사운드 디자인에도 영향을 미쳤음을 보여준다.[90] 라디오헤드는 2003년 커닝햄의 무용단과 협업했는데, 이는 리더 톰 요크가 케이지를 "역대 최고의 예술 영웅" 중 한 명으로 여겼기 때문이다.[91]

백남준은 케이지에게 큰 영향을 받았으며, 1960년 10월 메리 바우마이스터의 쾰른 스튜디오에서 케이지와 백남준의 합동 콘서트가 열리기도 했다.[39] 초기 일본인 제자로는 이치야나기 도시가 있으며, 그는 전통적인 형식의 교향곡도 작곡했다.

에릭 사티 연구로 알려진 평론가 아키야마 구니하루는 1952년부터 케이지와 교류했으며, 독일에서 열린 케이지 70세 기념 프로그램에서 《서운계시송》을 작곡했다.

아키야마 구니하루의 부인이자 피아니스트인 다카하시 아키는 만년의 케이지와 친교가 있었으며, 헌정받은 《가구의 음악 에트 세트라》를 연주했다.

8. 비판

존 케이지의 작품은 파격적이고 실험적인 성격으로 인해 많은 논란을 불러일으켰다. 특히 1951년 케이지가 우연성 기법을 채택한 이후, 음렬주의 작곡가들로부터 많은 비판을 받았다. 피에르 불레즈는 케이지가 "작곡 기술의 근본적인 약점을 가리는 오리엔탈리즘적 색채가 묻어나는 철학을 채택"했다고 비판했으며,[59] 야니스 크세나키스는 우연성을 음악에 도입하는 것을 "언어의 남용이며... 작곡가의 기능을 포기하는 것"이라고 비판했다.[60]

비평가 마이클 스타인버그는 그의 글 '전통과 책임'에서 아방가르드 음악 전반을 비판하며, 케이지의 《4′33″》과 같은 작품이 예술가의 권한을 완전히 포기한 것이라고 지적했다.[61] 작가이자 평론가인 더글러스 칸은 케이지가 문화에 미친 영향을 인정하면서도, "케이지의 일련의 침묵 기법의 주요 효과 중 하나는 사회를 침묵시키는 것이었다"고 비판했다.[62]

이러한 비판에도 불구하고, 케이지는 수많은 작곡가, 예술가, 작가에게 큰 영향을 미쳤다.[65] 비판적인 입장을 유지했던 불레즈, 카를하인츠 슈톡하우젠, 크세나키스조차도 자신의 작품에서 우연성 기법을 채택했다.[66]

참조

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