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엘스워스 켈리

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목차

1. 개요

엘스워스 켈리는 미국의 화가, 조각가, 판화가로, 추상적이고 미니멀한 작품으로 유명하다. 그는 1923년 뉴욕에서 태어나 제2차 세계 대전 중 군 복무를 했으며, 전후에는 보스턴과 파리에서 미술 교육을 받았다. 파리에서 그는 장 아르프, 콘스탄틴 브랑쿠시 등에게 영향을 받았고, 하드 에지 페인팅의 선구자로 평가받는다. 켈리는 1950년대부터 캔버스, 조각, 판화 등 다양한 매체를 통해 기하학적 형태와 단색을 활용한 작품을 선보였다. 2015년 사망했으며, 그의 작품은 시카고 미술관, 뉴욕 현대미술관 등 주요 미술관에 소장되어 있다. 그는 브랜다이스 창작 예술상, 프랑스 예술 문화 훈장 등을 수상했으며, 2019년에는 미국 우정청에서 그의 작품을 기리는 우표를 발행했다.

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엘스워스 켈리 - [인물]에 관한 문서
기본 정보
레드 카펫에서 웃고 있는 켈리
2008년 2월 9일 로스앤젤레스의 브로드 현대 미술관 LACMA 갈라 오프닝에 도착한 엘즈워스 켈리
본명엘즈워스 켈리
출생일1923년 5월 31일
출생지뉴욕주뉴버그
사망일2015년 12월 27일 ()
사망지뉴욕주스펜서타운
국적미국
직업화가
조각가
판화가
교육프랫 인스티튜트
에콜 데 보자르
보스턴 미술관 학교
영향앙리 마티스
파블로 피카소
로마네스크 미술 및 비잔틴 미술
초현실주의
신조형주의
수상프레미움 임페리알레
경력
사조하드 에지
영향 받은 사람파슨스

2. 생애

엘스워스 켈리는 1923년 뉴욕주 뉴버그에서 태어나 2015년 뉴욕주 스펜서타운에서 사망했다.[93] 공립학교에서 미술 교육을 받았으며, 프랫 인스티튜트, 보스턴 미술관 학교, 파리의 파리 국립 고등 미술 학교에서 공부했다. 제2차 세계 대전 중에는 고스트 아미라는 위장 부대에서 복무했다.[88]

전후 G.I. 빌을 이용하여 보스턴 미술관 학교에서 공부를 계속하였고 파리의 파리 국립 고등 미술 학교에서 수학하였다. 파리에서 장 아르프, 콘스탄틴 브랑쿠시 등 유명 예술가들을 만나 영향을 받았다.[91] 1954년 미국으로 돌아와 뉴욕에서 활동하며 여러 전시회를 열었다.[92] 1970년 뉴욕 스펜서타운으로 이주하여 작업 활동을 이어갔다.

2. 1. 어린 시절과 교육

켈리는 뉴욕 시에서 북쪽으로 약 96.56km 떨어진 뉴버그에서 보험 회사 임원인 앨런 호우 켈리와 전직 교사인 플로렌스 로즈 엘리자베스 (기센스) 켈리의 세 아들 중 둘째로 태어났다.[1] 아버지는 스코틀랜드-아일랜드와 독일계 혈통이었고, 어머니는 웨일스 및 펜실베이니아 독일계 혈통이었다. 가족은 뉴버그에서 인구 약 7,500명의 도시인 오라델, 뉴저지로 이사했고, 오라델 저수지 근처에 살았다. 그곳에서 할머니는 그가 여덟 살이나 아홉 살 때 조류학을 접하게 해주었다.

그곳에서 그는 형태와 색깔에 대한 열정을 키웠다. 존 제임스 오듀본은 켈리의 경력 전반에 걸쳐 그의 작품에 특히 강한 영향을 미쳤다. 작가 유진 구센은 켈리가 매우 잘 알려진 2색 및 3색 회화 (예: ''세 개의 패널: 빨강 노랑 파랑, I'' 1963)가 어릴 때 자주 보았던 2색 및 3색의 새를 관찰하고 연구한 것에서 기인한다고 추측했다. 켈리는 어린 시절에 종종 혼자였고 어느 정도 "외톨이"가 되었다고 말했으며, 십 대까지 지속된 약간의 말더듬이가 있었다.[1]

켈리는 공립학교에 다녔는데, 그곳의 미술 수업은 재료를 강조하고 "예술적 상상력"을 키우는 데 중점을 두었다. 이 교육 과정은 컬럼비아 대학교의 사범대학에서 옹호된 진보주의 교육 이론에서 비롯된 더 폭넓은 학교 교육의 전형적인 흐름이었다. 이 사범대학에서 미국 모더니스트 화가 아서 웨슬리 도우가 가르쳤다.[1] 부모님은 켈리의 미술 교육을 지원하는 것을 꺼렸지만, 학교 선생님인 도로시 랑 오프수트가 그에게 더 나아갈 것을 격려했다.[2] 부모님은 기술 교육에만 비용을 지불했기 때문에 켈리는 1941년부터 1943년 새해에 육군에 입대할 때까지 브루클린에 있는 프랫 인스티튜트에서 먼저 공부했다.[3]

제2차 세계 대전 중에는 다른 미술가들, 디자이너들과 함께 고스트 아미라는 부대에서 1943년부터 유럽 전쟁이 끝나는 시점까지 군 복무를 했다. 전후에는 G.I. 빌을 이용하여 1946~48년부터 School of the Museum of Fine Arts at Tufts에서 공부하였으며 그곳에서 박물관의 수집품들을 활용하였다. 이후 파리의 파리 에콜데보자르에서 공부했다. 보스턴에 거주하면서 보리스 미르스키 갤러리에서 자신의 첫 그룹 쇼에서 전시를 하였으며 록스버리의 노포크 하우스 센터(Norfolk House Center)에서 수업을 가르쳤다.[88] 파리에 있는 동안 켈리는 그의 미학을 확립하였다.[89] 1948년 폴 세잔의 막스 베크만의 수업을 청강했으며 그 해 파리로 이사했다.[90] 그곳에서 미국인 동료 존 케이지와 머스 커닝햄을 만나 각각 음악과 춤을 실험하였다. 프랑스의 현실주의자 예술가 장 아르프와 추상조각가 콘스탄틴 브랑쿠시의 자연 형태의 단순화는 그에게 큰 영향을 주었다.[91]

2. 2. 군 복무

제2차 세계 대전 동안 켈리는 다른 미술가 및 디자이너들과 함께 고스트 아미라는 부대에서 1943년부터 유럽 전쟁이 끝나는 시점까지 군 복무를 했다.[88] 1943년 미국 군대에 입대한 켈리는 많은 예술가들을 모집했던 제603 공병 위장 대대에 배속되기를 요청했다. 그는 뉴저지주 포트 딕스에서 입대하여 콜로라도주 캠프 헤일로 보내졌고, 그곳에서 산악 스키 부대 훈련을 받았다. 그는 이전에 스키를 타본 적이 없었다. 6~8주 후 그는 메릴랜드주 포트 미드로 전출되었다.[1] 제2차 세계 대전 동안 그는 다른 예술가 및 디자이너들과 함께 유령 부대에서 복무했는데, 이 부대는 연합군의 방향과 배치를 추축국 군대에 오도하기 위해 공기 주입식 탱크, 트럭 및 기타 속임수 요소를 사용한 미국 육군 기만 부대였다.[4] 켈리는 1943년부터 전쟁의 유럽 전역이 끝날 때까지 부대에서 복무했다. 그가 복무하는 동안 군사 위장에 노출된 것은 그의 기본적인 미술 훈련의 일부가 되었다.[1] 유령 부대는 2024년 3월 21일 미국 국회의사당 방문자 센터 내 해방 홀에서 열린 행사에서 의회 금메달을 받았다.[5]

2. 3. 전후 교육과 유럽 생활

켈리는 프래트 인스티튜트에서 1941년부터 1943년 1월 1일 군 입대 전까지 공부하였다.[87] 제2차 세계 대전 중에는 고스트 아미라는 부대에서 1943년부터 유럽 전쟁이 끝나는 시점까지 복무하였다.

전후, 켈리는 G.I. 빌을 이용하여 1946~48년부터 School of the Museum of Fine Arts at Tufts에서 공부하였으며, 그곳에서 박물관 소장품들을 활용하였다. 이후 파리의 파리 에콜데보자르에서 공부하였다. 보스턴에 거주하면서 보리스 미르스키 갤러리에서 자신의 첫 그룹 전시를 하였으며 록스버리의 노포크 하우스 센터(Norfolk House Center)에서 수업을 가르쳤다.[88] 파리에 있는 동안 켈리는 자신의 미학을 확립하였다.[89] 1948년 막스 베크만이 폴 세잔에 대해 강의하는 것을 듣고 그해 파리로 이주했다.[90] 그곳에서 미국인 동료 존 케이지와 머스 커닝햄을 만나 각각 음악과 춤을 실험하였고, 프랑스 초현실주의 예술가 장 아르프와 추상 조각가 콘스탄틴 브랑쿠시의 자연 형태 단순화는 그에게 큰 영향을 주었다.[91]

2. 4. 미국에서의 활동과 사망

제2차 세계 대전 이후, 켈리는 G.I. 빌을 이용하여 1946년부터 1948년까지 보스턴의 School of the Museum of Fine Arts at Tufts에서 공부하였으며, 그곳의 박물관 소장품들을 활용하였다. 이후 파리의 파리 에콜데보자르에서 공부하였다. 보스턴에 거주하면서 보리스 미르스키 갤러리에서 자신의 첫 그룹 쇼에 참여하였고, 록스버리의 노포크 하우스 센터(Norfolk House Center)에서 수업을 가르쳤다.[88] 파리에 있는 동안 켈리는 자신의 미학을 확립하였다.[89]

해외에서 6년을 보냈지만, 켈리의 프랑스어 실력은 여전히 좋지 않았고, 그림은 한 점밖에 팔지 못했다. 1953년 스튜디오에서 퇴거당한 후, 이듬해 미국으로 돌아왔다.[92] 아드 라인하르트의 전시회 평론을 읽고 그의 작품에 관심을 가지게 되었으며, 자신의 작품이 라인하르트의 작품과 관련이 있다고 느꼈다. 뉴욕으로 돌아온 그는 미술계가 "매우 힘들다"는 것을 알게 되었다. 많은 사람들이 켈리의 예술과 당시 지배적인 스타일 경향 사이의 연관성을 찾기 어려워했지만, 켈리는 현재 미국 미술 운동의 필수적인 혁신가이자 기여자로 여겨진다.

1956년 5월, 켈리는 베티 파슨스 갤러리에서 자신의 첫 뉴욕 전시회를 열었다. 그의 미술은 당시 뉴욕에서 유행하던 것보다 더 유럽적이라고 여겨졌다. 1957년 가을, 그는 같은 갤러리에서 다시 전시회를 열었다. 그의 작품 중 ''대서양'', ''바'', ''세 개의 패널로 된 그림'' 세 점이 휘트니 미술관의 "영 아메리카 1957" 전시회에 선정되어 전시되었다. 당시 비평가들은 ''세 개의 패널로 된 그림''처럼 세 개의 캔버스로 작품을 만든 것에 의문을 제기하기도 했다.

켈리는 1970년 뉴욕을 떠나 스펜서타운으로 이사했고, 1984년에는 그의 파트너인 사진작가 잭 시어가 합류했다. 2001년부터 사망할 때까지 켈리는 리처드 글럭먼(Gluckman Mayner Architects)이 재구성하고 확장한 스펜서타운의 약 1858.06m2 규모의 작업실에서 작업했다. 켈리와 시어는 2005년 화가가 사망할 때까지 1815년경에 지어진 나무로 덮인 콜로니얼 양식의 주택에서 함께 살았다. 시어는 엘스워스 켈리 재단의 이사로 활동하고 있다.

2015년 켈리는 오스틴에 있는 텍사스 대학교 블래턴 미술관에 명상을 위한 건물 디자인 콘셉트를 기증했다. ''오스틴 (건물)''이라는 제목의 약 252.23m2 규모의 석조 건물은 색유리 창문, 토템 나무 조각, 흑백 대리석 패널을 특징으로 하며, 켈리가 설계한 유일한 건물이자 그의 가장 기념비적인 작품이다. 켈리가 30년 전에 디자인한 ''오스틴''은 2018년 2월에 문을 열었다.

켈리는 2015년 12월 27일, 뉴욕주 스펜서타운에서 92세의 나이로 사망했다.[93]

3. 작품 세계

엘스워스 켈리는 회화, 조각, 판화 등 다양한 분야에서 추상 미술의 발전에 중요한 역할을 한 예술가이다. 그의 작품은 단순한 형태, 밝은 색상, 그리고 캔버스와 공간의 관계에 대한 탐구를 특징으로 한다.

켈리는 1940년대 후반부터 식물과 꽃을 주제로 한 드로잉을 시작했으며,[29] 1949년 파리에서 앙리 마티스와 장 아르프의 영향을 받아 단순한 식물과 해초 형태를 그리기 시작했다.[31]

윌리엄 루빈은 켈리의 발전이 단호하고 내향적이며, 추상표현주의에 대한 반작용이나 동시대 사람들과의 대화의 결과가 아니라고 평가했다.[42] 켈리는 군 복무 시절 위장에 노출된 경험을 통해 형태와 그림자, 가시적인 것의 구성과 해체에 대한 관심을 갖게 되었고, 이는 초기 예술 교육의 기초가 되었다.[1] 또한, 친구 랄프 코번으로부터 자동 드로잉 기법을 배우면서 드로잉 스타일을 자유롭게 확장했다.[1]

켈리는 앙리 마티스, 파블로 피카소, 피에트 몬드리안 등에게서 영감을 받았으며,[7] 로마네스크 미술과 비잔틴 미술에도 영향을 받았다.[7] 초현실주의와 신조형주의는 그의 작품에 영향을 주어 기하학적 형태의 추상화를 실험하게 했다.[7]

1996년 인터뷰에서 켈리는 "예술에서 원하는 것은 고정된 감각, 일상생활의 혼돈에 저항하는 감각"이라며, "포착하려는 것은 유동성의 현실이며, 예술을 열린, 불완전한 상황으로 유지하고, 보는 황홀경을 얻는 것"이라고 말했다.[28] 그는 "그림을 구성하고 싶지 않고 찾고 싶었다. 시야가 세상 밖의 것들을 선택하고 제시한다고 느꼈다. 지각에 대한 탐구는 가장 큰 관심사였다."라고 덧붙였다.[28]

3. 1. 회화

파리에 있는 동안 켈리는 계속 인물화를 그렸지만, 1949년 5월까지 그는 첫 추상화를 그렸다.[2] 물 표면에 빛이 분산되는 것을 관찰하고 우연히 배열된 흑백 사각형으로 만들어진 "센 강"(1950)을 그렸다. 1951년 "우연히 배열된 스펙트럼 색상 I ~ VIII"이라는 제목의 8개의 콜라주 연작을 시작했다. 번호가 매겨진 종이 조각을 사용하여 만들었으며, 각각은 40인치 x 40인치 그리드에 배치할 18가지 색상 중 하나를 나타냈다. 8개의 콜라주 각각은 다른 프로세스를 사용했다.[20]

thumb.

켈리는 1940년대와 1950년대 하드 에지 페인팅의 선구자였다.]]

1952년 켈리가 모네의 만년 작품을 발견한 것은 그에게 새로운 회화적 표현의 자유를 불어넣었다. 극도로 큰 형식으로 작업하기 시작했고, 연작의 개념과 단색 회화를 탐구했다.[21] 화가로서 그 이후로 전적으로 추상적인 방식으로 작업했다. 1950년대 후반에는 그의 회화가 형태와 평면 덩어리를 강조했다(종종 비직선 형식을 취함). 이 시기의 그의 작품은 또한 1930년대와 1940년대 초의 전위적인 미국 기하학적 추상에서 1960년대 중반과 1970년대의 미니멀리즘과 환원적 미술로 이어지는 유용한 다리를 제공했다.[2] 켈리의 부조 회화 "푸른 태블릿"(1962)은 유대인 박물관(뉴욕)에서 열린 1963년의 획기적인 전시회 "새로운 추상으로"에 포함되었다.[22]

1960년대에 불규칙하게 각진 캔버스를 사용하기 시작했다. "노란 조각"(1966)은 켈리가 사각형 지지대와 회화의 형상/배경 관계를 재정의한 중요한 분기점을 나타내는, 예술가의 첫 번째 형태의 캔버스이다. 곡선 모서리와 하나의 포괄적인 색상으로 캔버스 자체가 구성이 되어 그 뒤의 벽을 그림의 배경으로 바꾼다.[23]

국립 미술관에 전시된 "대형 벽을 위한 색상 패널"(1978), 2022년


1970년대에 그의 레퍼토리에 곡선 형태를 추가했다.[21] "녹색과 흰색"(1968)은 켈리의 작품에서 삼각형이 처음 등장하는 것을 나타낸다. 이 형태는 그의 경력 전체에서 반복적으로 나타난다. 이 그림은 서로 위에 설치된 두 개의 뚜렷한 모양의 단색 캔버스로 구성된다. 큰 규모의 역삼각형 녹색 사다리꼴이 작은 흰색 삼각형 위에 수직으로 배치되어 새로운 기하학적 구성을 형성한다.[24]

1970년 뉴욕 시를 떠나 스펜스타운으로 이사한 후, 근처 도시인 채텀의 옛 극장을 임대하여 이전보다 더 넓은 스튜디오에서 작업할 수 있게 되었다. 그곳에서 1년 동안 작업한 후, "채텀 연작"이 될 14점의 회화 연작을 시작했다. 각 작품은 역 L자 형태를 취하며, 서로 다른 색상의 단색으로 이루어진 두 개의 결합된 캔버스로 만들어졌다. 작품은 비율과 색상 팔레트가 서로 다르며, 각 패널의 크기와 선택된 색상에 세심한 주의를 기울여 두 작품 간의 균형과 대비를 이루었다.[25]

1972년에 시작하여 1983년이 되어서야 완성한 12점의 더 큰 연작인 "회색"은 원래 반전 시위로 구상되었으며 색이 빠져 있다.[26] 1979년 별도의 패널로 만들어진 두 가지 색상의 그림에 곡선을 사용했다.[2]

후기 회화에서 켈리는 자신의 팔레트를 정제하고 새로운 형태를 도입했다. 각 작품에서 흰색 페인트를 여러 번 칠한 직사각형 캔버스로 시작했다. 모양을 낸 캔버스는 대부분 검은색으로 칠해져 그 위에 놓였다.[27]

1996년 인터뷰에서 자신의 작품에 대해 켈리는 "나는 우리 모두가 예술에서 원하는 것은 고정된 감각, 일상 생활의 혼돈에 저항하는 감각이라고 생각한다. 물론 이것은 환상이다. 캔버스는 썩는다. 페인트는 색이 변한다. 그러나 당신은 그것을 영원히 지속시킬 수 있는 것처럼 세상을 얼리려고 노력한다. 어떤 의미에서 내가 포착하려고 노력한 것은 유동성의 현실이며, 예술을 열린, 불완전한 상황으로 유지하고, 보는 황홀경을 얻는 것이다."라고 말했다.[28]

켈리는 "나는 그림을 구성하고 싶지 않다는 것을 깨달았다… 나는 그것들을 찾고 싶었다. 나는 나의 시야가 세상 밖의 것들을 선택하고 제시한다고 느꼈다. 나에게 지각에 대한 탐구는 가장 큰 관심사였다. 볼 것이 너무 많았고, 모든 것이 나에게 환상적으로 보였다."라고 말했다.[28]

빨강·노랑·파랑·하양·검정 (1953년, 캔버스에 유채, 시카고 미술관 소장)


그의 대표적인 회화 작품은 다음과 같다.

3. 2. 조각

켈리는 그림으로 더 잘 알려져 있지만, 경력 전반에 걸쳐 조각 작품도 제작했다. 1958년 켈리는 그의 첫 나무 조각 중 하나인 ''Concorde Relief I''(1958)을 구상했는데, 이것은 느릅나무로 만든 작고 소박한 벽 부조로, 서로 겹쳐진 두 개의 사각형 형태 사이의 시각적 유희와 균형을 탐구하며, 맨 위쪽 사각형의 오른쪽 상단과 왼쪽 하단 모서리가 제거되었다.[37] 그는 경력 동안 30개의 나무 조각을 만들었다.[37] 1959년부터는 독립된 접힌 조각을 만들기 시작했다.[38] 1959년, 켈리가 로어 맨해튼의 코엔티스 슬립에서 그 아래층에 살던 아그네스 마틴과 나눈 우연한 대화는 ''Rocker'' 시리즈의 시작점이 되었다. 켈리는 테이크아웃 커피 컵의 종이 뚜껑을 가지고 놀다가 둥근 물체의 일부를 잘라 접었고, 그것을 테이블 위에 올려놓고 앞뒤로 흔들었다. 그 직후, 그는 그의 첫 번째 원형 조각인 ''Pony''를 제작했다. 이 제목은 곡선형 받침대가 있는 아이의 흔들 목마를 가리킨다.[39]

1973년 켈리는 대규모 야외 조각을 정기적으로 만들기 시작했다. 켈리는 칠해진 표면 대신 바니시 처리되지 않은 강철, 알루미늄 또는 청동을 선택했으며,[40] 종종 ''Curve XXIII'' (1981)과 같은 토템과 같은 구성을 사용했다. 그의 독립된 조각의 토템 형태는 최대 15피트 높이에 달할 수 있지만, 그의 벽 부조는 14피트 이상 넓이에 이를 수 있다.[37] 켈리의 조각은 "형태의 절대적인 단순성과 명확성에 대한 고수"를 기반으로 한다.[41] 1980년대에는 스펜서타운에서 지내면서 처음으로 조각에 그림만큼 많은 에너지를 쏟았고, 그 과정에서 총 140개 조각의 60% 이상을 제작했다.[39]

켈리는 드로잉으로 시작하여, 드로잉을 개선해 판화를 만들고, 판화를 가져와 독립된 작품을 만든 다음 조각으로 만드는 과정을 통해 다양한 형태에 대한 일련의 아이디어를 사용했다. 그의 조각은 매우 단순해야 하며 종종 단 한 번의 시선으로 빠르게 볼 수 있다. 관람자는 주변 공간과 분리된 부드럽고 평평한 표면을 관찰한다. 이러한 평면성과 미니멀리즘의 감각은 전경과 배경의 차이를 구분하기 어렵게 만든다.[41] 켈리의 ''Blue Disc''는 미니멀한 형태를 사용하여 막 작업을 시작한 많은 젊은 예술가들과 함께 뉴욕 유대인 박물관에서 열린 1966년의 획기적인 전시회 ''주요 구조''에 포함되었다.

1957년 켈리는 필라델피아 펜 센터(Penn Center)의 교통 빌딩을 위해 65피트 길이의 벽 조각을 의뢰받았는데, 이는 그 당시까지 그의 가장 큰 작품이었다. 잊혀졌던 이 조각, ''거대한 벽을 위한 조각''(Sculpture for a Large Wall, 1957)은 결국 해체되었다. 이후 그는 많은 공공 조각 작품을 제작했다. 주요 작품으로는 구겐하임 미술관의 피터 B. 루이스 극장에 영구 설치를 위해 설계된 강철 조각인 ''Wright Curve''(1966)[60], 1969년 파리의 유네스코(UNESCO) 본부의 벽화, 1981년 시카고 링컨 공원(Lincoln Park)의 ''Curve XXII (I Will)'', 1985년 I. M. 페이(I. M. Pei)가 싱가포르의 래플스 시티(Raffles City) 빌딩을 위해 의뢰한 작품, 1986년 휴스턴 미술관(Museum of Fine Arts, Houston)에 설치된 높은 콘크리트 위에 설치된 수직 청동면으로 구성된 ''휴스턴 3부작''(Houston Triptych), 1987년 바르셀로나의 크루에타 델 콜 공원(Parc de la Creueta del Coll)을 위한 조각 ''토템''(Totem), 댈러스 모턴 H. 메이어슨 심포니 센터(Morton H. Meyerson Symphony Center)를 위한 ''댈러스 패널''(파란색 녹색 검은색 빨간색)(Dallas Panels (Blue Green Black Red), 1989)[61], 스위스 베베(Vevey)에 있는 네슬레(Nestlé) 본사를 위한 1989년 조각[73], 프랑스 님(Nîmes)의 현대 미술 연구소에서 의뢰한 기념비적인 조각 ''Gaul''(1993), 1993년 워싱턴 D.C.의 미국 홀로코스트 기념 박물관(United States Holocaust Memorial Museum)을 위한 2부작 기념비, 1998년 베를린의 독일 연방 의회(Deutscher Bundestag)를 위한 대형 ''베를린 패널''(Berlin panels)이 있다. 보스턴에 있는 존 조셉 모클리 미국 법원(John Joseph Moakley United States Courthouse)(헨리 N. 코브(Henry N. Cobb) 설계)을 위해 그는 건물 전체에 걸쳐 단일 작품으로 중앙 원형 홀에 설치된 21개의 화려한 색상의 알루미늄 패널인 ''보스턴 패널''(The Boston Panels)을 디자인했다.[62]

2013년, 루이 비통 재단(Louis Vuitton Foundation)은 프랑크 게리(Frank Gehry)가 설계한 강당의 커튼 역할을 하는 대규모 다중 패널 페인팅인 "스펙트럼 VIII"(Spectrum VIII, 2014년 완성)을 켈리에게 의뢰했다.

켈리의 2개의 패널로 구성된 ''블루 블랙''(Blue Black, 2001)은 높이 28피트이며 칠해진 벌집 알루미늄으로 만들어졌으며, 퓰리처 미술 재단(Pulitzer Arts Foundation)에 의뢰되었고,[63] 대규모 청동 ''무제''(Untitled, 2005)는 필립스 컬렉션(Phillips Collection)의 안뜰을 위해 특별히 의뢰되었다.[64] 2005년, 켈리는 렌조 피아노(Renzo Piano)에 의해 시카고 미술관(Art Institute of Chicago)의 현대 미술관을 위한 유일한 장소 특정 작품을 의뢰받았다. 그는 2009년부터 전시되고 있는 가장 큰 벽 조각인 ''화이트 커브''(White Curve)를 만들었다.[65] 켈리는 2008년 미국 대사관(베를린)(Embassy of the United States, Berlin) 안뜰에 40피트의 스테인리스 스틸 조각 ''베를린 토템''(Berlin Totem)을 설치했다.[66]

1986년, 켈리는 개인 수집가를 위해 그의 첫 번째 오스틴(건축물)(Austin (building)) 자립형 건물을 구상했지만, 실현되지 못했다. 2015년에야 블랜턴 미술관(Blanton Museum of Art)이 14개의 흑백 대리석 패널과 색유리 창문을 포함한 2,715평방피트의 석조 건물 설계를 획득하여 텍사스 대학교 오스틴(University of Texas, Austin)의 박물관 부지에 건설할 계획을 세웠다.[67] 이 건물은 2018년 2월 18일에 일반에 공개되었다. 예술 작품이자 건축물인 ''오스틴''은 켈리의 경력의 정점으로 여겨진다.[68]

켈리는 1968년 뉴욕 올버니에 있는 넬슨 A. 록펠러 엠파이어 스테이트 플라자 아트 컬렉션을 위해 대형 야외 조각품을 만들도록 의뢰받았다. ''옐로우 블루''(Yellow Blue)라는 조각품은 엠파이어 스테이트 플라자 설정을 보고 영감을 받았으며, 높이 9피트, 너비가 거의 16피트에 달하는 켈리의 가장 큰 입상 조각품이다. ''옐로우 블루''는 그의 첫 번째 강철 조각품이며 현재까지 칠해진 강철로 된 유일한 조각품으로 남아 있다.[69]

3. 3. 판화와 드로잉

켈리는 1940년대 후반부터 식물과 꽃을 드로잉했다.[29] ''가죽나무''(1948)는 그가 보스턴에서 그린 첫 번째 식물 드로잉이고, ''히아신스''(1949)는 파리에서 그린 첫 번째 드로잉이었다.[30] 1949년부터 파리에 거주하며 (이 주제의 선택에 앙리 마티스와 장 아르프의 영향을 받았다) 그는 단순한 식물과 해초 형태를 그리기 시작했다.[31] 이 식물 연구는 대부분 연필이나 펜으로 깔끔하게 그린 잎, 줄기, 꽃의 윤곽 드로잉으로, 페이지 중앙에 배치되었다.[32]

그는 1960년대 중반에 판화 제작에 본격적으로 착수하여 파리의 Maeght Éditeur와 함께 그의 ''27점의 석판화 연작''(1964–66)을 제작했다. 이때 그는 최초의 식물 석판화 그룹을 만들었다.[31] 1970년부터 그는 주로 제미니 G.E.L.과 협력했다. 그의 초기 28점의 전사 석판화 연작인 ''식물 석판화 연작''은 72점의 판화와 수많은 잎 그림으로 성장할 작품의 시작을 알렸다.[33] 1971년에 그는 제미니 G.E.L.에서 4개의 판화 에디션과 복수 작품인 ''미러드 콩코드'' 에디션을 완성했다.[73] 그의 ''보라/빨강/회색/주황''(1988)은 길이가 18피트에 달하며, 지금까지 제작된 단일 시트 석판화 중 가장 큰 작품일 것이다.[34] 그의 최근 에디션인 ''강'', ''강의 상태'', ''강 II''는 켈리가 파리 시절부터 가졌던 물에 대한 매혹을 반영한다.[35] 1975년, 켈리는 Wadsworth Atheneum 미술관의 MATRIX 시리즈에 전시된 최초의 예술가였다. 이 전시회에는 켈리의 옥수수 줄기 드로잉 연작과 1974년의 코르텐 강철 조각품 2점이 전시되었다.[36]

3. 4. 주요 작품 (선별)

제목연도재료소장처
빨강 노랑 파랑 하양 검정 II[49]1953캔버스에 유채시카고 미술관
하얀 원반 III[49]1961나무에 유채시카고 미술관
창, 파리 현대 미술관[49]1949캔버스에 유채와 나무개인 소장
우연에 의해 배치된 색의 스펙트럼[49]1951–53나무에 유채샌프란시스코 현대 미술관
검은 익은 것[49]1955캔버스에 유채해리 W. 앤더슨과 메리 마가렛 앤더슨 컬렉션
큰 벽을 위한 조각[49]1956–57양극 산화 처리된 알루미늄현대 미술관
빨강 오렌지 (잉카)[49]1959캔버스에 유채와즈워스 아테네움
빨강 파랑 녹색[49]1963캔버스에 유채샌디에이고 현대 미술관
곡선 IX[49]1974광택 알루미늄개인 소장
휴스턴 삼면화[49]1986청동휴스턴 미술관
세 개의 패널: 오렌지, 어두운 회색, 녹색[49]1986캔버스에 유채현대 미술관
빨강 곡선[49]1996캔버스에 유채개인 소장
높은 노랑[49]1960캔버스에 유채블랜턴 미술관
아홉 개의 사각형[49]1976–77캔버스에 유채테이트
오스틴[49]2015구조물블랜턴 미술관
스펙트럼 VIII[49]2014캔버스에 아크릴, 12개의 결합된 패널루이 비통 재단, 파리
토템[49]1987바르셀로나 크루에타 델 콜 공원 입구
토템 및 이중 면각 조각품[49]바르셀로나 바크 데 로다 다리 근처 작은 광장인 플라사 델 제너럴 모라게스



켈리의 텍사스 오스틴의 블랜턴 미술관(Blanton Museum of Art) 부지에 있는 ''오스틴''(Austin).


이중 면으로 된 조각, 바르셀로나


4. 영향과 평가

윌리엄 루빈은 "켈리의 발전은 단호하게 내향적이었다. 추상표현주의에 대한 반작용도 아니고 동시대 사람들과의 대화의 결과도 아니었다."[42]라고 언급했다. 그의 많은 그림은 단일(보통 밝은) 색상으로 구성되어 있으며, 일부 캔버스는 불규칙한 모양을 하고 있으며, 때로는 "셰이프 캔버스"라고 불린다. 그의 그림과 셰이프 캔버스의 형태에서 볼 수 있는 선의 질은 매우 미묘하며 완벽함을 암시한다. 이는 그의 작품 ''블록 아일랜드 스터디''(1959)에서 잘 나타난다.

켈리의 군 복무 경험은 그의 작품의 진지함의 원천으로 여겨진다.[1] 군 복무 중 켈리는 그가 속한 부대가 작업했던 위장에 노출되어 영향을 받았다. 이는 그에게 형태와 그림자의 사용, 가시적인 것의 구성과 해체에 대해 가르쳐주었다. 이는 그가 예술가로서 초기에 교육받는 데 기본이 되었다. 보스턴 출신의 켈리의 친구 랄프 코번은 파리 방문 중 그에게 자동 드로잉 기법을 소개했다. 켈리는 종이를 보지 않고 이미지를 만드는 이 기법을 받아들였다. 이러한 기법들은 켈리가 그의 드로잉 스타일을 느슨하게 하고, 그가 예술이라고 믿는 것에 대한 그의 수용을 넓히는 데 도움이 되었다.[1] 파리에서의 마지막 해 동안 켈리는 병을 앓았고 우울증에 시달렸는데, 심스는 그 시기에 그가 흑백을 주로 사용한 것에 영향을 미쳤다고 생각했다.[41]

켈리는 앙리 마티스와 파블로 피카소에 대한 존경심을 그의 작품에서 분명히 드러냈다. 그는 그들의 영감 때문에 다양한 방식으로 사물을 보고, 다른 매체로 작업하는 훈련을 스스로 했다.[7] 피에트 몬드리안은 그의 회화와 조각 모두에서 그가 사용한 비객관적 형태에 영향을 미쳤다.[7] 켈리는 파리에서 공부하는 동안 로마네스크 미술과 비잔틴 미술 시대의 미술과 건축에 처음 영향을 받았다. 초현실주의와 신조형주의에 대한 그의 소개는 그의 작품에 영향을 미쳤고, 그로 하여금 기하학적 형태의 추상화를 실험하게 했다.[7]

5. 수상 경력

연도수상 내역
1963년브랜다이스 대학교 창작 예술상
1964년카네기 국제전
1974년국립 예술 및 문학원 회원
1987년예술 문화 기사 훈장[73]
1999년에드워드 맥도웰 메달[74]
2000년프라에미움 임페리얼
2013년브랜다이스 대학교 인문학 명예 박사 학위
2013년미국 대통령이 수여하는 미국 예술 훈장[75]
켈리는 바드 칼리지(1996), 영국 왕립 예술 학교(1997),[73] 하버드 대학교(2003), 윌리엄스 칼리지(2005) 등에서 명예 학위를 받았다.[77]


6. 켈리 우표

2019년 1월, 미국 우정청은 엘스워스 켈리의 작품을 기리는 우표 세트를 2019년에 발행할 것이라고 발표했다. 미국 우정청은 켈리가 "실제 요소들을 그 본질적인 형태로 축약한 독특한 추상 양식"을 개척했다고 평가했다.[78] 우표에는 《옐로우 화이트(Yellow White)》, 《거대한 벽을 위한 색채(Colors for a Large Wall)》, 《블루 레드 로커(Blue Red Rocker)》, 《스펙트럼 I(Spectrum I)》, 《사우스 페리(South Ferry)》, 《블루 그린(Blue Green)》, 《오렌지 레드 릴리프(Orange Red Relief) (델핀 세이리그를 위해)(for Delphine Seyrig)》, 《메셰르(Meschers)》, 《레드 블루(Red Blue)》, 《가자(Gaza)》 등 10개 작품이 담겼다.[78][79] 이 우표 세트는 2019년 5월 31일에 발행되었다.[80]

참조

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