로마네스크 미술
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1. 개요
로마네스크 미술은 11세기부터 12세기까지 서유럽에서 번성한 미술 양식으로, 봉건 제후의 성장과 기독교 신앙의 확산을 배경으로 한다. 이 시기 건축, 조각, 회화, 공예 등 다양한 분야에서 독특한 특징을 보였으며, 특히 건축에서는 두꺼운 벽, 반원형 아치, 둥근 천장이 특징이다. 조각은 교회 건축의 일부로, 성서 내용이나 성인들의 이야기를 묘사했으며, 회화는 벽화와 채색 사본을 중심으로 발전했다. 금속 세공, 에나멜, 상아 공예에서도 뛰어난 작품들이 제작되었으며, 아일랜드, 비잔틴 등 다양한 지역의 영향을 받았다.
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| 로마네스크 미술 | |
|---|---|
| 로마네스크 미술 | |
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| 개요 | |
| 시기 | 약 1000년에서 13세기 |
| 특징 | 유럽 전역에서 나타난 국제적인 미술 양식 건축, 조각, 회화, 스테인드 글라스 등 다양한 분야에서 발전 종교적 주제를 중심으로 표현 힘 있고 강렬한 표현 고전적인 요소와 새로운 요소 결합 건축에서는 로마 건축의 영향을 받아 튼튼하고 웅장한 구조 조각에서는 인체 표현이 단순화되거나 왜곡 회화에서는 평면적이고 장식적인 표현 강조 |
| 명칭 | |
| 어원 | 로마에서 유래되었다는 의미 |
| 명칭 유래 | 19세기 초 고고학자들이 붙인 이름 |
| 프랑스어 명칭 | Art roman |
| 주요 특징 | |
| 건축 | 반원 아치, 십자형 평면, 두꺼운 벽, 튼튼한 기둥, 둥근 천장 사용 대성당, 수도원, 교회 등 종교 건축물 발달 프랑스 클뤼니 수도원, 독일 슈파이어 대성당 등 대표적 건축물 존재 |
| 조각 | 건축물에 부착된 부조 형태가 많음 성서 이야기를 묘사한 인물 조각 발달 인체의 비례와 균형이 왜곡되거나 단순화된 표현 오툉 대성당 박공 조각 등 유명 조각 작품 다수 |
| 회화 | 벽화, 제단화, 삽화 등 다양한 형태로 제작 평면적이고 장식적인 표현 강렬한 색채 사용 종교적 주제를 중심으로 표현 색채 원고 장식화가 발달 |
| 스테인드 글라스 | 교회 건축물에 많이 사용 아름다운 색채와 빛을 통해 종교적 분위기 연출 프랑스 샤르트르 대성당 스테인드 글라스 등 유명 작품 다수 |
| 지역별 특징 | |
| 프랑스 | 클뤼니 수도원을 중심으로 발전 대형 성당 건축 활발 조각과 회화가 건축물과 조화롭게 결합 |
| 독일 | 슈파이어 대성당 등 웅장한 성당 건축 조각에서는 인물 표현이 비교적 사실적 고전적인 요소와 로마네스크 양식이 혼합 |
| 이탈리아 | 피사 대성당, 밀라노 산탐브로조 성당 등 다양한 건축물 초기 기독교 미술의 전통을 계승 비잔틴 미술의 영향 |
| 영국 | 노르만 정복 이후 로마네스크 양식 유행 더럼 대성당, 일라이 대성당 등 대표적 건축물 조각은 간결하고 추상적인 경향 |
| 스페인 | 산티아고 데 콤포스텔라 대성당 등 중요한 건축물 이슬람 미술의 영향 조각과 회화에서 독자적인 양식 발전 |
| 영향 | |
| 고딕 미술 | 로마네스크 미술에서 고딕 미술로 전환 |
| 르네상스 미술 | 르네상스 미술에 간접적인 영향 |
2. 배경
프랑크 왕국이 분열된 후 서유럽은 혼란스러웠지만, 10세기 이후 점차 안정되기 시작했다. 각 지역의 봉건 제후들이 세력을 확장하고 중앙집권제가 붕괴되면서, 수도원이 문화와 예술의 중심지가 되었다.[16] 클뤼니 수도회, 시토 수도회 등 새로운 수도회들이 등장하여 개혁 운동을 주도했고, 순례길이 활성화되면서 문화 교류가 촉진되었다. 십자군 원정은 동방과의 접촉을 늘리고 새로운 문화 요소들이 유입되는 계기가 되었다.[17][18]
로마네스크 건축은 10세기 말에서 12세기까지 중세 유럽에서 유행한 건축 양식으로, 고딕 건축 이전에 나타났다. 프랑스의 고고학자들은 이 시대 건축물에서 반원 아치, 두꺼운 벽, 볼트를 사용하는 공통점을 발견하고, 고대 로마 건축의 영향을 받았다고 생각하여 '로마네스크'(로마풍)라고 이름 붙였다.
로마네스크 조각은 교회 건축의 일부로 제작되었으며, 주로 성경의 내용이나 성인들의 이야기를 묘사했다. 팀파늄(입구 상부의 반원형 공간), 주두(기둥머리), 입구 주변 등에 부조 형태로 조각되었다. 인물 표현은 다소 경직되고 양식화되어 있지만, 강렬한 종교적 표현과 상징성을 담고 있다. 베즐레 수도원 성당의 팀파늄 조각, 무아삭 수도원 성당의 회랑 조각 등이 대표적이다.[6]
이 시기 유럽은 꾸준히 번영했으며, 카롤링거 시대와 오토 왕조 시대처럼 왕실과 소규모 수도원에 국한되지 않고 최고 수준의 예술이 널리 꽃피었다. 수도원은 여전히 매우 중요했는데, 특히 시토 수도회, 클뤼니 수도회, 카르투시오 수도회와 같이 이 시대에 확장을 거듭한 수도회들이 유럽 전역에 퍼져 나갔다.[19][20]
3. 로마네스크 건축
로마네스크 건축은 첨두 아치와 리브 볼트를 사용하는 고딕 건축과 뚜렷하게 구분된다. 종교 건축, 특히 수도원을 중심으로 발전했으며, 프랑스와 이탈리아뿐만 아니라 독일, 북프랑스, 노르망디, 영국 등 유럽 전역으로 확산되었다. 대표적인 건축물로는 수도원 교회당이 있으며, 스테인드글라스를 비롯하여 조각, 회화, 금속 공예품 등이 수도원에서 제작되었다.[19][20]
4. 로마네스크 조각
로마네스크 조각은 교회 건축의 일부를 이루는 주두나 팀펀(입구 상부의 아치를 막는 반원형 석판), 또는 입구의 옆쪽과 제실 외벽 등의 공간을 채우고 있다. 구체적인 형체를 추구하는 조각에서는 고전적 조형의 전통을 가진 남부 지방인 프랑스나 에스파냐가 전개의 중심지가 되었다. 특히 11세기 중엽 이후 클뤼니 수도원의 활동은 중세 조각 양식 보급에 큰 영향을 주었다.[6] 오턴, 베를레 등 클뤼니 파의 사원은 오늘날 로마네스크 조각의 보고가 되어 있다.
당시 교회는 문맹의 농민에게 종교를 가르치는 장소였기에, 사람 모습을 한 신이나 성서 이야기가 도처에 표현되었다. 이러한 장식 조각은 건축의 일부로서, 건축 기능에 의해 정해진 형태(주두는 도립된 각추대, 팀펀은 반월형)에 따라야 했다. 때문에 비사실적인 형상 왜곡도 있었지만, 무명 조각가들은 이를 부자연스럽지 않게 표현했다. 오턴 본사원 입구의 <이브>는 엎드려 사과를 따는 모습이며, 같은 주두의 <마지의 각성>은 세 사람 마지의 부감도와 천사의 측면시를 교묘하게 구성했다. 베즐레의 팀펀에서는 신의 모습을 반월형 속에 넣기 위해 다리를 비현실적으로 구부렸다.
로마네스크 조각상에서는 신, 그리스도, 성모 등 신앙의 주 대상은 반드시 정면을 향하게 표현하는 '정면성의 법칙'이 나타난다. 이 상들은 대부분 반부조 또는 고부조 수법으로 제작되었고, 실내의 것은 채색되었다.[6]
노르망디나 영국에서는 인물상보다 기하학적 무늬, 꽈배기 무늬 부조가 주두 모티프로 채택되어 장식적 기능이 강했다. 이는 켈트 예술 전통의 영향으로 보인다. 아를에서 에스파냐에 걸쳐서는 고전적 전통이 강했으나, 12세기에 콘포스테라의 <영광의 현관>이나 레온의 성 인드로 사원 팀펀 등에서 프랑스 영향과 지역성이 융합된 풍성한 로마네스크 조각이 나타났다. 환조 단독상은 많지 않으나, 북프랑스, 라인 연안, 스칸디나비아 등에서 채색 목각 성모자상과 십자가에 못 박힌 그리스도 상이 제작되었다. 이들은 소박하지만 신앙 대상으로서의 정신성이 중시되었다.[6]
4. 1. 조각의 근원과 양식
로마네스크 조각의 주요 모티프는 나선, 덩굴, 얽힌 동물 등이며, 이는 아일랜드, 비잔틴, 로마 등 다양한 지역의 영향을 받은 것이다. 아일랜드섬 예술의 영향을 받은 또 다른 특징은 맞물리고 얽혀 있는 동물들이며, 주두에서 훌륭한 효과를 위해 사용되었다. 로마네스크 장식에서 짝을 이루고, 마주 보고, 얽혀 있는 동물의 많은 처리 방식은 유사한 아일랜드섬 기원을 가지고 있다. 이러한 모티프는 추상적이고 장식적인 성격을 띠며, 종교적 상징성을 내포하고 있다.[7]
4. 2. 조각의 주제
로마네스크 조각은 교회 건축의 일부, 특히 주두, 팀펀(입구 상부 반원형 석판), 입구 옆쪽, 제실 외벽 등에 주로 나타난다. 프랑스와 에스파냐가 발전의 중심지였으며, 특히 11세기 중엽 이후 클뤼니 수도원 계열의 조각 활동이 활발했다.
로마네스크 조각의 주제는 다양하며, 문맹의 농민에게 종교적 가르침을 전달하는 역할을 했다. 주요 주제는 다음과 같다.
특히 최후의 심판은 죄를 회개하고 구원받아야 한다는 메시지를 전달하는 중요한 주제였다. 교회 입구에 조각된 최후의 심판은 신자들에게 경각심을 불러일으키는 역할을 했다.
로마네스크 조각은 건축물의 일부였기 때문에, 정해진 형태(주두의 도립 각추대, 팀펀의 반월형 등)에 맞춰 표현해야 했다. 이 때문에 형상이 왜곡되기도 했지만, 조각가들은 이를 부자연스럽지 않게 표현했다. 예를 들어, 오턴 본사원 입구의 <이브>는 엎드려 사과를 따는 모습으로, 같은 주두의 <마지의 각성>은 세 사람의 마지의 부감도와 천사의 측면시를 교묘하게 구성하여 대형 안에 정리했다. 베즐레의 팀펀에서는 신의 모습을 반월형 안에 넣기 위해 다리를 비현실적으로 구부렸다.
또한, 로마네스크 조각상에서는 신, 그리스도, 성모 등 신앙의 주 대상은 반드시 정면을 향하게 표현하는 '정면성의 법칙'이 나타난다. 이러한 상들은 대부분 반부조 또는 고부조 수법으로 제작되었고, 실내의 것은 채색되었다.
로마네스크 시대에는 십자가상이 게로 십자가와 같이 실물 크기의 목조로 제작되기 시작했다. 고부조가 당시 지배적인 조각 양식이었으며, 건축 부조(relief)는 후기 로마네스크 시대의 특징이다.
4. 3. 후기 로마네스크 조각
후기 로마네스크 조각은 형식화된 디자인보다는 관찰과 자연주의에 더 기반을 둔 양식을 보이며 빠르게 발전했다. 이러한 자연주의적 형태의 급속한 발전은 고전 유적이 가장 많은 곳에서 고전 유적에 대한 인식이 높아지고 그 양식을 의도적으로 모방했기 때문으로 생각된다.[6] 그 결과, 형태는 로마네스크 양식이지만 초기 고딕 조각과 관련된 자연주의를 보여주는 출입구가 나타났다.
1180년경 산티아고 데 콤포스텔라의 '영광의 현관(Pórtico da Gloria)'이 대표적인 예시이다. 이 문은 내부에 잘 보존되어 있으며, 인물들의 색깔까지 남아 있어 당시 건축 장식의 화려한 외관을 짐작하게 한다. 출입구 주변에는 작은 기둥들과 통합된 인물들이 있는데, 이들은 3차원적이지만 약간 평평하다. 외모뿐만 아니라 표정에서도 매우 개성적이며, 1170년경 생드니 수도원 북쪽 현관 주변의 조각상과 매우 흡사하다. 팀펀 아래에는 다양하고 쉽게 구별되는 악기를 연주하는 인물들이 사실적으로 조각되어 있다.
4. 4. 금속 세공, 에나멜, 상아
로마네스크 미술은 공예 분야, 특히 금속 세공과 칠보에서 괄목할 만한 발전을 이루었다. 마스 강 유역을 중심으로 발전한 모잔파는 금은상감, 보석, 색유리 등을 활용하여 성유물함, 십자가, 성배 등 종교 의식에 사용되는 성물들을 정교하게 제작했다. 12세기에는 니콜라 드 베르당과 같은 뛰어난 장인이 등장했다.[2]
프랑스의 리모주는 금속 세공과 더불어 칠보 공예의 중심지로 유명했다. 이곳에서는 '에마이유 샨루베'라는 독특한 기법이 사용되었는데, 금속판을 파낸 후 불투명한 색유리를 채워 넣어 금속 선과 색면의 강렬한 대비를 이루는 방식이었다. 이러한 기법은 소재의 아름다움을 극대화했다.[2]
대표적인 작품으로는 니콜라 드 베르당 등이 제작한 쾰른 대성당의 세 왕의 성궤, 스타블로 삼폭화, 성 마우루스의 성물함 등이 있다. 이들은 정교한 금속 세공 기술과 화려한 에나멜 장식이 특징이다.[3]
이 외에도 청동으로 만든 글로스터 촛대, 뢰벤의 성 바르톨로메오 교회에 있는 놋쇠 세례반 등 뛰어난 금속 주조 작품들이 전해진다. 또한, 상아 조각도 활발하게 제작되어 조각 분야에 큰 영향을 미쳤다. 클로이스터 십자가, 루이스 체스 말 등이 대표적인 상아 조각 작품이다.[3]
5. 로마네스크 회화
로마네스크 회화는 교회 내부 벽화, 채색 사본(삽화) 등이 주를 이룬다. 벽화는 프레스코 기법으로 그려졌으며, 성경 내용이나 성인들의 이야기를 묘사했다. 채색 사본은 성경, 시편집 등에 화려한 삽화를 넣어 제작한 것으로, 종교 교육과 전파에 중요한 역할을 했다.
로마네스크 건축 대부분은 내부를 벽화로 장식했으나 오늘날 남아 있는 것은 조각만큼 많지 않다. 기술적으로는 프레스코, 템페라, 데트랑트 등이 경우에 따라 구분되어 사용되었다. 표현 방법은 조각만큼 건축 부분의 형태 기능에 제약을 받지 않았고, 벽면에서 배경의 배색을 통해 다소 순응성을 획득할 수 있었다. 그러나 주제는 전체와의 조화를 위해 신장(伸張), 단축, 왜곡(歪曲) 등의 변형이 가해졌다.
생 사방 쉬르 가르탕프 수도원 성당 벽면은 구약성서, 사도전, 묵시록, 성자전을 연속된 구도로 취급한 가장 웅장한 예시이다. 이 밖에 타반, 피크 등 루아르강 유역에는 카롤링거 왕조 전통에 바탕을 두고 독자적 양식으로 그린 교의(敎義) 도해(圖解)가 남아 있다. 이 회화에서는 공간감은 인정되나 이전 시대에 보였던 사실적인 3차원성은 상실되었다. 색의 종류는 많지 않으나 색채 병치 효과에 의해 관념적인 입체감으로 포착된 형체가 중심이었다. 사물 모양과 실재감보다 형체 배합이나 구도에 의해 창출되는 화면의 설화성, 또는 정신적인 설득력이 표현의 주목적이었다.
한편 카탈루니아, 부르고뉴 지방의 중남부 프랑스나 에스파냐에서는 클뤼니 수도원 계열에서 비잔틴 미술 영향을 발견할 수 있다. 양식화된 형체나 강한 색채 효과를 추구하는 작품군이 있으며, 조각적이고 풍부한 살붙임을 나타내는 윤곽선이나 고전적이고 정형화된 구도법 채택은 루아르 지방의 것과 대조를 이룬다. 타플의 성 클레멘테 사원, 벨제 라 빌의 예배당, 오베르의 르 퓌이 사원 벽화 등이 그러한 예시이다. 독일 지방도 라인 연안을 중심으로 카롤링거 왕조 전통을 더욱 발전시키고 있었다.
장식사본은 이 시대에 많은 수량이 제작되어 현재도 양호한 상태로 보존되어 있다. 이 소미술(小美術)은 라인, 도나우 두 강의 유역과 그 영향을 받은 동 프랑스가 중심지였다. 세련된 양식에 정신성을 추구한 라이헤나우파와 여기에 비잔틴 양식을 가미한 페히테르나하파가 주요 유파이다. 영국의 윈체스터 수도원을 중심으로 한 일파도 아일랜드-켈트의 복잡한 선적(線的) 구성과 대륙에 발달한 고대풍(古代風) 표현을 융합시킨 독특한 사본 예술을 만들어냈다. 유려한 선 묘사와 활기 있는 채색이 특색이다. 에스파냐의 <모르간의 베아투스>(뉴욕 모르간 도서관 소장)로 대표되는 일련의 묵시록 주석서들도 특히 배색(配色)에 특이한 화풍을 보여준다. 이러한 성전 장식은 신의 집인 교회를 장식하는 것과 같은 가치를 가지며 장식승(裝飾僧)은 '빛을 주는 자'라고 불렸다. 각 유파의 표현 중 공통적인 경향은 일체의 세부(細部)를 생략하고 형체의 본질을 나타내는 추상적 선에 의해 묘사된 사물의 모양과 테오필루스의 <제기예론(諸技藝論)> 제1권에 기술되어 있는 것처럼 각 부분에 관해 일정한 채색 원리(彩色原理)에 따라서 행해지는 착색법이다.
이러한 무기적(無機的)인 표현 수단은 화공의 풍부한 창조력에 의해 화면상에 구성되어, 실재감이 강한 초현실의 세계, 신의 이야기를 강력하게 창출하고 있다. 장식사본의 표현 방법이 벽화나 조각에 끼친 영향은 적지 않다.
로마네스크 건축 외에도, 당시 예술은 조각과 회화 모두에서 활기찬 양식을 특징으로 한다. 회화는 교회에서 가장 흔한 주제들에 대해 여전히 비잔틴 이콘 양식 모델을 따랐는데, 여기에는 천상의 그리스도, 최후의 심판, 그리스도의 일생 장면이 남아 있었다. 삽화 사본에서는 묘사해야 할 새로운 장면이 필요했기 때문에 더 많은 독창성이 보인다.
색상은 매우 인상적이었고, 대부분 원색이었다. 현재 이러한 색상은 스테인드글라스 샘플과 잘 보존된 사본에서만 원래의 생생함으로 볼 수 있다. 스테인드글라스가 널리 사용되었지만 오늘날에는 거의 남아 있지 않다. 당시 발명품인 중요한 교회 현관 티판은 기념비적인 구성으로 조각되었는데, 종종 ''천상의 그리스도'' 또는 ''최후의 심판''이었지만, 회화 버전과 달리 더 자유롭게 처리되었는데, 비잔틴 모델과 같은 것이 없었기 때문이다.
구성은 일반적으로 깊이가 거의 없었고 장식 이니셜, 기둥 주두 및 교회 티판 형태에 맞추기 위해 유연해야 했다. 구성이 때때로 벗어나는 좁게 둘러싸인 프레임 사이의 긴장은 로마네스크 미술의 반복되는 주제이다. 인물 크기는 종종 중요도에 따라 다양했다. 배경 풍경은 사용하더라도 사실주의보다는 추상적인 장식에 가까웠다. 초상화는 거의 존재하지 않았다.
스페인 부르고스 주의 아를란자 벽화는 수도원에서 나온 것이지만, 주제는 세속적이며, 거대하고 역동적인 신화 속 짐승과 흑백의 다른 생물들이 있는 프리스 위에 그려져 있다. 이 그림들은 로마네스크 궁전을 장식했던 것에 대한 희귀한 아이디어를 제공한다.
5. 1. 필사본 삽화
초기 로마네스크 시대의 장식사본에서는 여러 지역의 양식이 융합되었다. 영국과 북부 프랑스의 "해협 양식"은 후기 앵글로색슨 미술의 영향을 크게 받았지만, 남부 프랑스에서는 이베리아의 영향을 더 많이 받았고, 독일과 저지대 국가에서는 오토 왕조 양식이 계속 발전하여 비잔틴 양식과 함께 이탈리아에도 영향을 미쳤다. 12세기까지는 이러한 모든 양식들 사이에 상호 영향이 있었지만, 지역적 특징은 여전히 남아 있었다.[3]
로마네스크 시대 장식 사본의 전형적인 중심은 성경이었는데, 각 권에는 큰 역사화된 이니셜이 서문으로 삽입될 수 있었고, 시편집의 경우에도 주요 이니셜이 마찬가지로 장식되었다. 두 경우 모두 더 화려한 예시는 완전히 장식된 페이지에 여러 장면의 연작을 가지고 있었는데, 때로는 칸으로 나뉘어 한 페이지에 여러 장면이 있기도 했다. 특히 성경에는 종종 하나 이상의 장이 있었고, 여러 권으로 제본되기도 했다. 그 예로 세인트 올번스 시편집, 헌터 시편집, 윈체스터 성경(위에 나온 "모건 잎"), 페캉 성경, 스타블로 성경, 파르크 수도원 성경 등이 있다. 이 시대 말에는 화가와 서기관들의 상업적인 작업장이 중요해졌고, 장식 사본과 책이 일반적으로 평신도와 성직자 모두에게 더 널리 보급되었다.[3]
5. 2. 벽화
벽화는 교회 내부 벽면, 천장 등에 그려졌다. 기술적으로는 프레스코, 템페라, 데트랑트 등이 경우에 따라 구분되어 사용되었다. 표현 방법은 조각만큼 건축 형태에 제약을 받지 않았고, 배경의 배색을 통해 순응성을 확보했다. 그러나 주제는 전체와의 조화를 위해 신장, 단축, 왜곡 등의 변형이 가해졌다.
로마네스크 시대의 넓은 벽면과 평평하고 곡선을 이루는 둥근 천장은 벽화 장식에 적합했다. 후진에는 '위엄에 찬 그리스도' 또는 '구세주 그리스도'가 주로 그려졌고, 네 복음서 기자의 상징이 함께 묘사되기도 했다. 성모 마리아가 교회의 수호성인인 경우에는 그리스도 대신 성모 마리아가 그려지기도 했다. 후진부 벽 아래쪽에는 성인과 사도들, 수호 성인 관련 이야기 등이 묘사되었다.
성소 아치에는 사도, 예언자, 묵시록의 스물네 장로 등이 그려졌고, 아치 꼭대기에는 그리스도의 흉상이나 어린 양이 묘사되었다. 신랑 쪽 벽에는 구약, 신부 쪽 벽에는 신약의 내용이 묘사되었다. 서쪽 끝 벽에는 최후의 심판이 그려졌고, 꼭대기에는 심판하는 그리스도가 있었다.[9]
프랑스 생사방쉬르가르탕프 수도원 교회에는 창세기, 아담과 이브의 타락, 노아의 방주 등 구약 성서의 장면들이 묘사되어 있다. 이 외에도 세르비아, 스페인, 독일, 이탈리아, 프랑스 등지에 유사한 벽화들이 남아있다.[10]
6. 기타 시각 예술
로마네스크 시대에는 자수, 스테인드글라스 등 다양한 분야의 예술이 발전했다.
=== 자수 ===
로마네스크 자수는 프랑스 바예우의 바이외 태피스트리나 스페인 지로나의 창조의 태피스트리에서 가장 잘 알려져 있지만,[12] 서양에서 가장 훌륭한 것으로 여겨지는 오푸스 앵글리카눔("영국식 자수")과 다른 여러 스타일의 더욱 정교한 작품들이 대부분 교회 성의로 남아 있다.
=== 스테인드글라스 ===
스테인드글라스는 원색을 사용하여 빛을 통해 신성함을 표현하는 중요한 수단이었다. 푸아티에 대성당의 십자가 처형 스테인드글라스는 세 단계로 이루어진 주목할 만한 구성이다. 가장 아래 단계에는 성 베드로의 순교를 묘사한 쿼터포일이 있고, 중앙에는 십자가에 못 박힘이, 맨 위에는 그리스도의 승천이 만돌라 안에 그려져 있다. 십자가에 못 박힌 그리스도의 모습은 고딕 양식의 곡선을 보여준다.[13]
스테인드글라스는 널리 사용되었지만, 오늘날에는 거의 남아 있지 않다. 중세 회화식 스테인드글라스 중 가장 오래된 조각은 10세기에 제작된 것으로 보이며, 가장 오래된 완전한 형태의 작품은 11세기 후반에 제작된 아우크스부르크의 다섯 개의 예언자 창문이다. 르망 대성당, 캔터베리 대성당, 샤르트르 대성당, 생드니 대성당에는 12세기의 여러 패널이 남아 있다. 유리 공예가들은 건축가들보다 양식 변화가 느렸고, 적어도 13세기 초반의 많은 유리는 본질적으로 로마네스크 양식으로 간주될 수 있다.
=== 패션 ===
잉글랜드와 프랑스에서 로마네스크 시대에 피가슈(pigache)라는, "전갈 꼬리" 또는 "숫양 뿔" 모양의 신발이 유행했는데, 당시 성직자들에게 많은 비난을 받았다.[11] 오르드리크 비탈리스는 이 신발을 당시의 남색과 동성애의 증가 원인으로 지목했다.[11] 이 신발은 흑사병 이후 유행하게 된 풀랭(poulaine)의 전조로 기억된다.
6. 1. 패션
잉글랜드와 프랑스에서 로마네스크 시대에 피가슈(pigache)라는, "전갈 꼬리" 또는 "숫양 뿔" 모양의 신발이 유행했는데, 당시 성직자들에게 많은 비난을 받았다.[11] 오르드리크 비탈리스는 이 신발을 당시의 남색과 동성애의 증가 원인으로 지목했다.[11] 이 신발은 흑사병 이후 유행하게 된 풀랭(poulaine)의 전조로 기억된다.6. 2. 자수
로마네스크 자수는 프랑스 바예우의 바이외 태피스트리나 스페인 지로나의 창조의 태피스트리에서 가장 잘 알려져 있지만,[12] 서양에서 가장 훌륭한 것으로 여겨지는 오푸스 앵글리카눔("영국식 자수")과 다른 여러 스타일의 더욱 정교한 작품들이 대부분 교회 성의로 남아 있다.6. 3. 스테인드글라스
스테인드글라스는 원색을 사용하여 빛을 통해 신성함을 표현하는 중요한 수단이었다. 푸아티에 대성당의 십자가 처형 스테인드글라스는 세 단계로 이루어진 주목할 만한 구성이다. 가장 아래 단계에는 성 베드로의 순교를 묘사한 쿼터포일이 있고, 중앙에는 십자가에 못 박힘이, 맨 위에는 그리스도의 승천이 만돌라 안에 그려져 있다. 십자가에 못 박힌 그리스도의 모습은 고딕 양식의 곡선을 보여준다.[13]스테인드글라스는 널리 사용되었지만, 오늘날에는 거의 남아 있지 않다. 중세 회화식 스테인드글라스 중 가장 오래된 조각은 10세기에 제작된 것으로 보이며, 가장 오래된 완전한 형태의 작품은 11세기 후반에 제작된 아우크스부르크의 다섯 개의 예언자 창문이다. 르망 대성당, 캔터베리 대성당, 샤르트르 대성당, 생드니 대성당에는 12세기의 여러 패널이 남아 있다. 유리 공예가들은 건축가들보다 양식 변화가 느렸고, 적어도 13세기 초반의 많은 유리는 본질적으로 로마네스크 양식으로 간주될 수 있다.
7. 로마네스크 미술과 한국
로마네스크 미술은 한국 미술에 직접적인 영향을 주지는 않았다. 그러나 서유럽 중세 시대의 종교적 열정과 예술적 특징을 이해하는 데 중요한 자료로 활용된다. 특히 20세기 초, 한국의 민족주의 사학자들은 로마네스크 미술을 불교 미술과 비교 연구함으로써 한국 미술의 독자성을 강조하기도 했다.
8. 갤러리
9. 관련 문헌 (한국어)
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; 기본 자료
- 키마타 모토이치, 소이케 토시코 공저, 『서양미술사 3 중세 II - 로마네스크와 고딕의 우주』 (2017). ISBN 978-4124035933
- 츠지 사호코 편, 『서구 초기 중세의 미술 세계미술대전집 서양편 제7권』 (1997). ISBN 4096010073
- 나가츠카 야스시 편, 『로마네스크 세계미술대전집 서양편 제8권』 (1996). ISBN 4096010081
- 이케가미 슌이치, 『로마네스크 세계론』 (1999). ISBN 4815803625
- 마스기 무네오, 『로마네스크의 미술』 (2001). ISBN 4896944720
- 츠지 사호코, 『로마네스크 미술과 그 주변』 (2007). ISBN 978-4000025898
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- 사카이 켄, 『로마네스크란 무엇인가 돌과 포도의 정신사』 (2020). ISBN 978-4480073334
- 야나기 소겐, 『저작선 5 로마네스크 조각의 형태학』 (2006). ISBN 489694755X
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- 에밀 마을, 『유럽의 기독교 미술 12세기부터 18세기까지』 (1995). ISBN 400-3356519/ISBN 400-3356527
- 에밀 마을, 『로마네스크의 도상학』 (1996). ISBN 4336038910/ ISBN 4336038929
- 앙리 후시옹, 『로마네스크 서구의 예술』 (1976).
- 앙리 포시옹, 『로마네스크 조각 형태의 역사를 찾아서』 (1975).
- 유르기스 바르툴샤이티스, 『이형의 로마네스크 돌에 새겨진 중세의 기상』 (2008). ISBN 9784062153447
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- 카나자와 모에다, 오자와 미노루, 『이탈리아 고찰 순례 시칠리아→나폴리』 (2012). ISBN 9784106022388
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- 로쿠타 토모히로 사진, 다링 마사요, 아와츠 노리오 해설, 『로마네스크 빛과 어둠에 숨은 것 로쿠타 토모히로 사진집』 (2017). ISBN 978-4908429064
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- 템플릿은 사용하지 않았습니다.
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