아르데코

3. 주요 특징

아르데코는 단일 양식이 아니라 다양하고 때로는 상반되는 여러 양식의 집합체였다. 건축에서 아르데코는 1895년부터 1900년 사이에 유럽에서 번성했던 아르누보의 후계자이자 반동이었으며, 유럽과 미국의 건축에서 주류를 이루던 보자르 양식과 신고전주의 양식과 공존했다. 1905년 위젠 그라세는 ''장식 구성 방법, 직선 요소''^[40]를 집필 및 출판하여 몇 년 전 파리에서 매우 인기 있었던 엑토르 기마르의 물결치는 아르누보 양식과 대조적으로(그리고 그것에서 벗어나) 기하학적 요소, 형태, 모티프 및 그 변형의 장식적(장식적인) 측면을 체계적으로 탐구했다. 그라세는 삼각형과 사각형과 같은 다양한 간단한 기하학적 형태가 모든 구성 배열의 기초가 된다는 원리를 강조했다. 오귀스트 페레와 앙리 소바주, 특히 샹젤리제 극장의 철근 콘크리트 건물은 새로운 형태의 건축과 장식을 제시했고, 이는 전 세계적으로 모방되었다.^[41]

오귀스트 페레(Auguste Perret)가 설계한 샹젤리제 극장(1910-1913)은 파리에서 완공된 최초의 대표적인 아르데코 건물이었다. 이전에는 철근 콘크리트가 산업용 및 아파트 건물에만 사용되었지만, 페레는 1903년에서 1904년에 파리 뱅자맹 프랭클린 거리에 최초의 현대식 철근 콘크리트 아파트 건물을 건설했다. 또 다른 중요한 미래의 아르데코 건축가인 앙리 소바주(Henri Sauvage)는 1904년 트레테뉴 거리 7번지에 또 다른 건물을 건설했다. 1908년부터 1910년까지 르 코르뷔지에는 페레의 사무실에서 제도사로 일하며 콘크리트 건설 기술을 배웠다. 페레의 건물은 깨끗한 직사각형 형태, 기하학적 장식 및 직선을 가지고 있는데, 이는 미래의 아르데코 상표가 되었다. 극장의 장식 또한 혁신적이었는데, 외벽은 앙투안 부르델의 고부조, 모리스 드니의 돔, 에두아르 뷔야르의 그림, 그리고 케르자비에 루셀의 아르데코 커튼으로 장식되었다. 이 극장은 많은 러시아 발레단의 첫 공연 장소가 되었다.^[21] 페레와 소바주는 1920년대 파리에서 주요 아르데코 건축가가 되었다.^[22]

1907년부터 1912년 사이 프랑스에서 등장한 입방주의(Cubism)라는 미술 운동은 아르데코의 발전에 영향을 미쳤다.^[21][18][19] 알리스테어 던컨은 "입방주의는 변형된 형태로 그 시대 장식 예술가들의 공용어가 되었다"고 적었다.^[19][23] 폴 세잔의 영향을 받은 입방주의자들은 원기둥, 구, 원뿔과 같은 기하학적 본질로 형태를 단순화하는 데 관심이 있었다.^[24][25] 1912년 황금분할파 예술가들은 파블로 피카소와 조르주 브라크의 분석적 입방주의보다 대중에게 훨씬 더 접근하기 쉬운 작품들을 전시했다. 입방주의 어휘는 패션, 가구 및 인테리어 디자이너들을 사로잡을 태세였다.^{[18][20][25][26]}

'''지그재그 모던'''(일명 '''재즈 모던''')은 미국에 처음 도입된 양식이었다. "지그재그"는 마천루의 윤곽을 계단식으로 만들어 높이를 과장하는 것을 의미하며,^[77][76] 주로 대형 공공 및 상업 건물, 특히 호텔, 영화관, 레스토랑, 마천루 및 백화점에 사용되었다.^[78] 클래식 모던은 더 우아한 외관을 지니고 있으며, 장식이 덜 화려하다. 클래식 모던은 공공사업진흥국(PWA) 모던 또는 대공황 모던이라고도 불리는데, 이는 대공황 시대에 PWA에 의해 추진되었기 때문이다.^[78][76][77]

1930년대 후반, 새로운 종류의 아르데코 건축 양식이 흔해졌는데, 이는 스트림라인 모던 또는 간단히 스트림라인, 혹은 프랑스에서는 ''Style Paquebot''(대양 횡단 여객선 양식)이라고 불렸다. 이 양식의 건물은 둥근 모서리와 긴 수평선을 가지고 있으며, 철근 콘크리트로 지어졌고 거의 항상 흰색이었으며, 때때로 배와 비슷한 난간과 舷窓(현창)과 같은 해양적인 특징을 가지고 있었다. 둥근 모서리는 전적으로 새로운 것은 아니었는데; 1923년 베를린의 모세하우스에서 에리히 멘델존에 의해 등장했고, 나중에는 런던 교외 페리베일의 후버 빌딩에서도 볼 수 있었다. 미국에서는 교통과 가장 밀접하게 관련되어 있었는데; 스트림라인 모던은 사무실 건물에서는 드물었지만 버스 정류장과 공항 터미널, 예를 들어 뉴욕시 라 과르디아 공항의 터미널(PanAm 클리퍼 수상 비행기를 통해 최초의 대서양 횡단 항공편을 처리했던 곳)과 주유소, 다이너와 같은 도로변 건축물에 자주 사용되었다. 1930년대 후반에는 유선형 기차를 본뜬 일련의 다이너가 생산되어 뉴잉글랜드의 마을에 설치되었는데; 최소 두 개의 예가 남아 있으며 현재는 등록된 역사적 건물이다.

미국의 초고층 빌딩들은 아르데코 양식의 정점을 보여주는 건축물이었으며, 세계에서 가장 높고 가장 인지도 있는 현대 건물이 되었습니다. 이 건물들은 높이, 모양, 색상, 그리고 밤의 극적인 조명을 통해 건축주들의 위상을 드러내도록 설계되었다.^[79]

3. 1. 형태

3. 2. 재료

3. 3. 모티프

1910년에서 1920년 사이, 아르누보가 쇠퇴하면서 폴 이리브(Paul Iribe)의 작품처럼 전통적인 디자인으로 회귀하는 경향이 나타났다. 1912년 안드레 베라(André Vera)는 "L'Art Décoratif"에 자연에서 영감을 받은 형태를 사용하자는 에세이를 발표했고, 과일과 꽃 바구니, 화환이 주요 모티프로 사용되었다. 포비즘(Fauvism)과 발레 뤼스(Ballets Russes)의 영향으로 밝은 색상과 이국적인 재료가 사용되기도 했다. 1920년대 후반과 1930년대에는 새로운 재료와 기술의 영향으로 장식이 더 매끄럽고 간결해졌다.

아르데코 시대의 장식 모티브는 건물의 기능을 표현했다. 극장은 음악, 무용 등으로 장식되었고, 전력 회사는 일출을, 크라이슬러 빌딩은 양식화된 후드 장식을 사용했다. 1930년대의 WPA 벽화는 평범한 사람들을 묘사했다.

아르데코는 극소주의 대 극대주의, 각진 대 유동적인, 지구라트 대 스트림라인, 대칭적 대 불규칙적인 등 여러 모순으로 특징지어진다. 아르데코 예술가들이 선택한 이미지 또한 모순으로 가득 차 있었다. 18세기 의상을 입은 아름다운 여성들과 세련된 여성들, 누워 있는 누드, 번개가 양식화된 장미 봉오리를 비추는 모습 등이 공존했다.^[91]

직물은 아르데코 스타일에서 중요한 역할을 했다. 1920년대 디자이너들은 러시아 발레단(Ballets Russes), 레옹 바크스트(Léon Bakst), 빈 공방(Wiener Werkstätte)에서 영감을 받았다. 앙드레 마레(André Mare)의 초기 디자인은 밝은 색상의 장미와 꽃을 특징으로 했다. 세련된 꽃 모티브는 라울 뒤피(Raoul Dufy), 폴 포아레(Paul Poiret), J.E. 뤼만(J.E. Ruhlmann)의 디자인에서도 나타났다. 포슈아르(pochoir) 스텐실 기반 인쇄 시스템은 선명한 선과 색상을 가능하게 했다. 아르데코 형태는 폴 포아레(Paul Poiret), 찰스 워스(Charles Worth), 장 파투(Jean Patou)의 의류에도 나타났다. 제1차 세계 대전 이후 의류와 직물 수출은 프랑스의 중요한 외화 획득 수단 중 하나가 되었다.^[99]

후기 아르데코 벽지와 직물에는 세련된 산업 장면, 도시 풍경, 기관차, 금속 마감, 기하학적 디자인 등이 등장했다.^[99]

4. 분야별 아르데코

아르데코는 다양한 분야에서 그 특징적인 양식을 드러냈다.
주요 특징:

• 다양한 예술 사조의 영향: 원시주의, 데 스틸, 입체파, 구축주의, 표현주의 연극, 영화, 미래주의 등 다양한 예술 사조에서 영감을 받았다.
• 기하학적 형태: 직선, 지그재그, 셰브론(chevron, V자 무늬) 등 기하학적 형태를 적극적으로 활용했다.
• 화려한 색상: 야수파의 영향으로 강렬하고 대조적인 색상을 사용했다.
• 새로운 재료: 스테인리스강, 알루미늄, 크롬, 플라스틱 등 새로운 산업 재료를 적극적으로 활용했다.
• 이국적인 모티프: 이집트학의 유행과 동양 및 아프리카 예술에 대한 관심 증가로 이국적인 모티프가 자주 사용되었다.
• 기계에 대한 열정: 비행선, 자동차, 해양 라이너와 같은 새로운 기계에 대한 열정을 반영하여 스트림라인 모더니즘이라는 새로운 스타일을 탄생시켰다.

• 건축:
• 초기에는 철근 콘크리트를 사용한 단순하고 기하학적인 형태가 주를 이루었다.
• 1925년 파리에서 열린 1925년 국제 현대 장식 및 산업 예술 박람회를 통해 아르데코 건축 양식이 절정에 달했다.
• 스트림라인 모던 양식은 둥근 모서리, 긴 수평선, 흰색 외관, 해양적인 특징을 가진 건물로 나타났다.
• 미국의 마천루는 아르데코 양식의 정점을 보여주는 건축물이었다.
• 그래픽 아트:
• 러시아 발레단(Ballets Russes)의 포스터와 의상 디자인, 패션 잡지 삽화 등에서 아르데코 양식이 나타났다.
• 1920년대에는 더욱 단순하고, 정확하며, 선이 강조된 스타일로 변화했다.
• 여행 포스터가 큰 인기를 얻었다.
• 카상드르(Cassandre)는 1935년에 유명한 대형 여객선 SS 노르망디(SS Normandie)의 포스터를 제작했다.
• 주요 아르데코 그래픽 아티스트

콜랭, 루포, 카를뤼, 카산드르는 아르데코 시대 포스터의 "삼총사"로 불리기도 한다.^[132]

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• 가구:
• 초기에는 아르누보의 영향을 받았지만, 점차 기하학적 형태와 화려한 색상을 강조하는 방향으로 발전했다.
• 에밀 자크 뤼만은 희귀하고 값비싼 재료를 사용하여 고급스러운 가구를 제작했다.
• 쥘 르뢰는 엘리제궁 식당과 ''노르망디'' 증기선의 1등석 선실 가구를 디자인했다.
• 르 코르뷔지에는 저렴한 재료와 현대적인 스타일을 사용하여 대량 생산이 가능한 가구를 디자인했다.
• 폭포 스타일은 1930년대와 1940년대에 유행한 아르데코 가구의 한 형태이다.

• 패션:
• 큐비즘의 영향을 받은 소니아 들로네는 추상적이고 기하학적인 스타일의 의류 디자인을 선보였다.
• 폴 포아레는 드레이핑 개념을 도입하여 직선적인 실루엣의 의류를 디자인했다.
• 코코 샤넬은 스포티하고 캐주얼한 스타일을 대중화했다.
• 플래퍼는 짧은 머리, 칵테일, 흡연, 춤 등 자유로운 생활 방식을 즐기는 여성상을 대표했다.

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• 보석:
• 다이아몬드 외에 에메랄드, 루비, 사파이어 등 다양한 보석을 사용했다.
• 에나멜, 유리, 뿔, 상아와 같은 저렴한 재료도 활용했다.
• 카르티에와 부쉐론은 다이아몬드와 다른 보석을 결합하여 다양한 형태의 장신구를 만들었다.
• 르네 라리크는 밝은 색상의 조각 유리로 만든 펜던트를 제작했다.

아르데코의 다이아몬드 연마 방식

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• 유리 공예:
• 르네 라리크는 꽃병부터 자동차 후드 장식까지 다양한 유리 제품을 제작했다.
• 마리우스-에르네스트 사비노(Marius-Ernest Sabino)는 오팔 유리를 사용한 유리 조각을 전문으로 했다.
• 아미앵 대성당(Amiens Cathedral)은 아르데코 스테인드글라스 창문의 희귀한 사례를 보유하고 있다.

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• 조각:
• 건물이나 방의 목적과 관련된 영웅적이거나 우화적인 인물을 묘사하는 사실적인 조각이 주를 이루었다.
• 폴 맨십은 뉴욕시 록펠러 센터에 있는 프로메테우스 조각상을 제작했다.
• 구세주 그리스도는 가장 크고 유명한 아르데코 조각 중 하나이다.

1925년, 아르데코 안에는 서로 경쟁하는 두 개의 다른 사조가 공존했다. 전통주의자들은 현대적인 형태와 전통적인 장인 기술 및 고가의 재료를 결합했고, 현대주의자들은 새로운 기술의 발전, 단순함, 장식의 부재, 저렴한 재료 및 대량 생산을 기반으로 하는 스타일을 추구했다. 아르데코 인테리어 디자이너인 폴 폴로(Paul Follot)는 아르데코를 옹호하며 "우리는 인간이 필수적인 것에 만족하지 않고 항상 불필요한 것이 필요하다는 것을 알고 있습니다...그렇지 않다면 우리는 음악, 꽃, 향수를 없애야 할 것입니다!"라고 주장했다.^[59] 그러나 르 코르뷔지에는 현대 건축의 훌륭한 홍보자였으며, 집은 단순히 "살기 위한 기계"라고 말했고, 아르데코는 과거이고 현대주의가 미래라고 하는 생각을 끊임없이 홍보했다.

1930년대 대공황과 제2차 세계 대전의 발발은 아르데코의 쇠퇴를 가져왔다. 그러나 1960년대 이후 아르데코는 다시 주목받기 시작했으며, 현대 디자인에 지속적인 영향을 미치고 있다.

4. 1. 건축

오귀스트 페레가 설계한 샹젤리제 극장(1910-1913)은 파리에서 완공된 최초의 대표적인 아르데코 건물이었다. 이전에는 철근 콘크리트가 산업용 및 아파트 건물에만 사용되었지만, 페레는 1903년에서 1904년에 파리 뱅자맹 프랭클린 거리에 최초의 현대식 철근 콘크리트 아파트 건물을 건설했다.^[21] 또 다른 중요한 미래의 아르데코 건축가인 앙리 소바주는 1904년 트레테뉴 거리 7번지에 또 다른 건물을 건설했다. 1908년부터 1910년까지 21세였던 르 코르뷔지에는 페레의 사무실에서 제도사로 일하며 콘크리트 건설 기술을 배웠다. 페레의 건물은 깨끗한 직사각형 형태, 기하학적 장식 및 직선을 가지고 있는데, 이는 미래의 아르데코 상표가 되었다. 극장의 장식 또한 혁신적이었는데, 외벽은 앙투안 부르델의 고부조, 모리스 드니의 돔, 에두아르 뷔야르의 그림, 그리고 케르자비에 루셀의 아르데코 커튼으로 장식되었다. 이 극장은 많은 러시아 발레단의 첫 공연 장소가 되었다.^[21] 페레와 소바주는 1920년대 파리에서 주요 아르데코 건축가가 되었다.^[22]

아르데코 건축 양식은 1903년에서 1904년 파리에서 오귀스트 페레가 뱅자맹 프랭클린 거리에, 앙리 소바주가 트레타뉴 거리에 각각 아파트 건물 두 채를 건설하면서 처음 등장했다. 두 젊은 건축가는 파리 주택 건물에서 처음으로 철근 콘크리트를 사용했으며, 새 건물은 깔끔한 선과 직사각형 형태를 가지고 있었고, 외관에는 장식이 없었다. 이는 아르누보 양식과의 완전한 결별을 의미했다. 1910년에서 1913년 사이에 페레는 콘크리트 아파트 건물에서의 경험을 바탕으로 몽테뉴 가 15번지에 샹젤리제 극장을 건설했다. 1925년에서 1928년 사이에 소바주는 파리의 라 사마리테인 백화점에 새로운 아르데코 양식의 외관을 건설했다.

아르데코 양식의 절정을 보여주고 그 이름을 알린 사건은 1925년 4월부터 10월까지 파리에서 열린 1925년 국제 현대 장식 및 산업 예술 박람회였다. 프랑스 정부의 공식 후원을 받은 이 박람회는 파리 오른쪽 강둑의 그랑 팔레에서 왼쪽 강둑의 앵발리드까지, 센 강변을 따라 55에이커(약 22만 3천㎡)에 걸쳐 개최되었다. 도시에서 가장 큰 전시장인 그랑 팔레는 참가국들의 장식 예술 작품들로 가득 찼다. 오스트리아, 벨기에, 체코슬로바키아, 덴마크, 영국, 이탈리아, 일본, 네덜란드, 폴란드, 스페인, 스웨덴, 그리고 새로 생긴 소비에트 연방을 포함한 20개국에서 1만 5천 명의 전시자가 참여했다. 전쟁 이후 긴장 관계로 인해 독일은 초대받지 못했고, 미국은 전시회의 목적을 오해하여 참여를 거절했다. 이 박람회는 7개월 동안 1,600만 명의 방문객을 기록했다. 박람회 규정에 따라 모든 작품은 현대적인 것이어야 했으며, 역사적인 양식은 허용되지 않았다. 이 박람회의 주된 목적은 프랑스의 고급 가구, 도자기, 유리, 금속 공예, 섬유 및 기타 장식 제품 제조업체를 홍보하는 것이었다. 제품 홍보를 위해 파리의 주요 백화점과 유명 디자이너들이 개별 전시관을 운영했다. 박람회는 아프리카와 아시아의 프랑스 식민지에서 생산된 상아와 열대 목재 등의 제품을 홍보하는 부차적인 목적도 있었다.

호텔 뒤 콜렉시오네르는 박람회에서 인기 있는 명소였으며, 에밀 자크 뤼만의 새로운 가구 디자인과 아르데코 직물, 카펫, 그리고 장 뒤파의 그림을 전시했다. 내부 디자인은 아르누보와 차별화되는 대칭과 기하학적 형태의 원칙과, 현대적인 기능성과 차별화되는 밝은 색상, 뛰어난 장인 정신, 희귀하고 고가의 재료를 따랐다. 대부분의 전시관이 호화롭게 장식되고 수제 고급 가구로 가득 찬 반면, 소비에트 연방과 르 코르뷔지에가 운영하는 잡지에서 건설한 르 에스프리 누보관은 밋밋한 흰색 벽과 장식이 없는 엄격한 스타일로 지어졌다. 이들은 모더니즘 건축의 초기 사례 중 하나였다.

1930년대 후반, 새로운 종류의 아르데코 건축 양식이 흔해졌는데, 이는 스트림라인 모던 또는 간단히 스트림라인, 혹은 프랑스에서는 ''Style Paquebot''(대양 횡단 여객선 양식)이라고 불렸다. 이 양식의 건물은 둥근 모서리와 긴 수평선을 가지고 있으며, 철근 콘크리트로 지어졌고 거의 항상 흰색이었으며, 때때로 배와 비슷한 난간과 舷窓(현창)과 같은 해양적인 특징을 가지고 있었다. 둥근 모서리는 전적으로 새로운 것은 아니었는데; 1923년 베를린의 모세하우스에서 에리히 멘델존에 의해 등장했고, 나중에는 런던 교외 페리베일의 산업 단지인 후버 빌딩에서도 볼 수 있었다. 미국에서는 교통과 가장 밀접하게 관련되어 있었는데; 스트림라인 모던은 사무실 건물에서는 드물었지만 버스 정류장과 공항 터미널, 예를 들어 뉴욕시 라 과르디아 공항의 터미널(PanAm 클리퍼 수상 비행기를 통해 최초의 대서양 횡단 항공편을 처리했던 곳)과 주유소, 다이너와 같은 도로변 건축물에 자주 사용되었다. 1930년대 후반에는 유선형 기차를 본뜬 일련의 다이너가 생산되어 뉴잉글랜드의 마을에 설치되었는데; 최소 두 개의 예가 남아 있으며 현재는 등록된 역사적 건물이다.

미국의 초고층 빌딩들은 아르데코 양식의 정점을 보여주는 건축물이었으며, 세계에서 가장 높고 가장 인지도 있는 현대 건물이 되었다. 이 건물들은 높이, 모양, 색상, 그리고 밤의 극적인 조명을 통해 건축주들의 위상을 드러내도록 설계되었다.^[79]

4. 2. 그래픽 아트

아르데코 양식은 제1차 세계 대전 직전, 그래픽 아트 분야에 처음 등장했다. 러시아 발레단(Ballets Russes)을 위해 제작된 레옹 바크스트(Léon Bakst)의 포스터와 의상 디자인, 그리고 패션 디자이너 폴 포아레(Paul Poiret)의 카탈로그에서 이 양식을 볼 수 있었다.^[75] 조르주 바르비에(Georges Barbier)와 조르주 르파프(Georges Lepape)의 삽화와 패션 잡지 ''라 가제트 뒤 본 톤''(La Gazette du bon ton)의 이미지들은 아르데코 양식의 우아함과 관능미를 완벽하게 포착했다.

1920년대에는 스타일이 변화하여, 더욱 캐주얼하고 스포티하며 대담한 패션이 강조되었고, 여성 모델들은 담배를 피우는 모습이 흔했다. 미국의 패션 잡지인 ''보그''(Vogue), ''베니티 페어''(Vanity Fair), ''하퍼스 바자''(Harper's Bazaar)는 새로운 스타일을 빠르게 받아들여 미국에서 인기를 끌었다. 또한 로크웰 켄트(Rockwell Kent)와 같은 미국 책 삽화가들의 작품에도 영향을 미쳤다. 독일에서는 당시 가장 유명한 포스터 아티스트는 루트비히 호흘바인(Ludwig Hohlwein)이었는데, 그는 음악 축제, 맥주, 그리고 후기에는 나치당을 위한 다채롭고 극적인 포스터들을 제작했다.

아르누보 시대에는 포스터가 주로 연극 작품이나 까페를 광고하는 데 사용되었다. 1920년대에는 해운 회사와 항공사를 위해 제작된 여행 포스터가 엄청난 인기를 얻었다. 1920년대의 스타일은 광고하는 제품에 대한 주목도를 높이는 방향으로 눈에 띄게 변화했다. 이미지는 더 단순하고, 정확하며, 선이 더욱 강조되었고, 역동적이며, 종종 단색 배경에 배치되었다. 프랑스에서는 샤를 루푸(Charles Loupot)와 폴 콜랭(Paul Colin)과 같은 인기 있는 아르데코 디자이너들이 있었는데, 폴 콜랭은 미국 가수이자 무용수인 조세핀 베이커(Josephine Baker)의 포스터로 유명해졌다. 장 카를뤼(Jean Carlu)는 찰리 채플린 영화, 비누, 극장을 위한 포스터를 디자인했으며, 1930년대 후반에는 미국으로 이민을 가서 제2차 세계 대전 중에는 전쟁 생산을 장려하는 포스터를 디자인했다. 샤를르 제스마르(Charles Gesmar)는 가수 미스탱게트(Mistinguett)와 에어프랑스(Air France)를 위한 포스터 제작으로 유명해졌다. 가장 잘 알려진 프랑스 아르데코 포스터 디자이너 중 한 명은 카상드르(Cassandre)였는데, 그는 1935년에 유명한 대형 여객선 SS 노르망디(SS Normandie)의 포스터를 제작했다.

1930년대에는 미국 대공황 기간 동안 새로운 장르의 포스터가 등장했다. 연방 예술 프로젝트(Federal Art Project)는 미국 예술가들을 고용하여 관광과 문화 행사를 홍보하는 포스터를 제작했다.
주요 아르데코 그래픽 아티스트

이름	출생-사망	주요 작품 및 활동
카산드르(A. M. Cassandre)	1901년 - 1968년	(본명 아돌프 장-마리 무롱 Adolphe Jean-Marie Mouron)
레이몽 사비냐크
아이린 그레이
폴 콜랭(Paul Colin)	1892년 - 1985년
장 카를뤼(Jean Carlu)	1900년 - 1997년
샤를 루포(Charles Loupot)	1892년 - 1962년
타마라 드 렘피츠카(Tamara de Lempicka)	1898년 - 1980년
조르주 바르비에(George Barbier)	1882년 - 1932년
André Édouard Marty|앙드레 에두아르 마르티프랑스어	1882년 - 1974년
Charles Martin (dessinateur)|샤를 마르탱프랑스어	1884년 - 1934년
Georges Lepape|조르주 르파프프랑스어	1887년 - 1971년
장 에밀 라부르(Jean Émile Laboureur)	1877년 - 1943년
에르테(Erté)	1892년 - 1990년
고노 사미오	1900년 - 1979년
Louis Icart|루이 이카르프랑스어	1888년 - 1950년

콜랭, 루포, 카를뤼, 카산드르는 아르데코 시대 포스터의 "삼총사"로 불리기도 한다.^[132]

4. 3. 가구

4. 4. 패션

4. 5. 보석

다이아몬드 세팅도 변화했다. 보석 세공사들은 금 대신 강하고 유연하며 여러 개의 돌을 세팅할 수 있는 백금을 사용했다. 또한 에나멜과 검은색 오닉스와 같은 어두운 재료를 사용하여 다이아몬드와 대비를 이루었다.

보석 스타일은 더욱 다채롭고 다양해졌다. 카르티에와 부쉐론은 다이아몬드와 다른 보석을 결합하여 나뭇잎, 과일, 꽃 모양의 브로치, 반지, 귀걸이, 클립, 펜던트를 만들었다. 옥과 산호판을 백금 및 다이아몬드와 결합하고, 화장품 케이스, 담배 케이스, 파우더 상자는 일본과 중국 풍경으로 장식하는 등 극동 테마도 인기를 얻었다.

급변하는 의류 유행은 새로운 스타일의 보석을 요구했다. 1920년대 민소매 드레스는 팔 장식을 필요로 했고, 디자이너들은 금, 은, 백금으로 만든 팔찌에 청금석, 오닉스, 산호 등을 박아 넣었다. 여성들의 짧은 헤어컷은 정교한 아르데코 귀걸이 디자인을 요구했다. 여성들이 공공장소에서 담배를 피우면서 화려한 담배 케이스와 상아 담배 홀더가 등장했다. 손목시계 발명 후에는 보석 세공사들이 다이아몬드가 박히고 에나멜, 금, 은으로 도금된 장식적인 시계를 만들었다. 리본에 매달린 펜던트 시계도 유행했다.

파리의 카르티에, 쇼메, 조르주 푸케, 모부생, 반 클리프 앤 아펠은 새로운 유행에 맞춰 보석을 만들었다. 쇼메는 옥, 청금석, 다이아몬드, 사파이어로 장식된 기하학적인 담배 상자, 라이터, 알약 상자, 노트북을 만들었다. 레이몽 템플리에는 마천루처럼 보이는 은 귀걸이 등 복잡한 기하학적 패턴의 작품을 디자인했다. 제라르 산도즈는 현대 기계의 매끄러운 외관을 기반으로 한 작품을 디자인했다. 르네 라리크는 밝은 색상의 조각 유리로 만든 과일, 꽃, 개구리, 요정, 인어 펜던트를 만들었다.

폴 브란트는 직사각형과 삼각형 패턴을 대조적으로 사용하고 오닉스 판에 진주를 박았다. 장 데프레스는 은과 검은색 래커 또는 금과 청금석을 결합한 목걸이를 만들었다. 장 뒤낭은 밝은 빨간색과 검은색을 연마된 금속과 대조적으로 결합했다. 수잔 벨페롱은 암석 수정과 준보석을 사용한 조각적인 디자인을 만들었다. 장 푸케는 에보니와 크롬 도금 강철과 같은 재료를 사용하여 현대적인 접근 방식을 선보였다. 부쉐론, 라클로슈, 조르주 젠센도 주목할 만하다. 티파니 앤 코, 블랙, 스타 & 프로스트, 마커스 앤 코와 같은 미국 보석 회사들도 중요한 공헌을 했다.

4. 6. 유리 공예

5. 영향력

아르데코는 20세기 최초의 아방가르드 운동이었다. 미래주의, 오르피즘, 기능주의, 모더니즘 등은 아르데코에 영향을 준 다른 스타일이다.^{[141][142][143]} 큐비즘은 캔버스에서 섬유 소재나 벽지로 옮겨질 때 아르데코 미학에서 장식적인 잠재력을 드러냈다. 소니아 들로네는 "살아있는 그림이나 살아있는 형태의 조각처럼" 추상적이고 기하학적인 스타일의 의류 디자인을 선보였다.^{[141][142][143]}

아르데코는 원래 일본 미술의 영향을 받은 측면이 있다.

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