리처드 프린스

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1. 개요
2. 초기 생애 및 교육
- 2.1. 초기 생애
3. 경력
4. 논란
- 4.1. 저작권 침해 소송
- 4.2. 에밀리 라타이코프스키 이미지 도용
5. 전시
6. 개인사
참조

1. 개요

리처드 프린스는 1949년 파나마 운하 지대에서 태어난 미국의 예술가로, 사진, 회화, 조각 등 다양한 매체를 활용한다. 그는 잭슨 폴록의 예술에 영향을 받아 경력을 시작했으며, 잡지 광고 이미지나 유명인의 사진을 차용하여 재해석하는 전유 미술로 유명해졌다. 특히 '무제 카우보이' 연작, '갱스' 시리즈, '조크 페인팅' 등이 대표작으로 꼽힌다. 그의 작품은 저작권 침해 논란에 휩싸이기도 했으며, 에밀리 라타이코프스키의 인스타그램 이미지를 무단으로 사용한 사례도 있었다. 프린스는 솔로몬 R. 구겐하임 미술관 등에서 회고전을 가졌으며, 현재 뉴욕에서 활동하고 있다.

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리처드 프린스 - [인물]에 관한 문서
기본 정보
2008년의 프린스
출생일	1949년 8월 6일
출생지	파나마 운하 지대, 미국
국적	미국
직업	미술가, 사진작가
사조	픽처스 제너레이션
웹사이트	richardprince.com

2. 초기 생애 및 교육

(내용 없음)

2. 1. 초기 생애

리처드 프린스는 1949년 8월 6일^[3] 현재 파나마 공화국의 일부인, 당시 미국 통치하의 파나마 운하 지대에서 태어났다. 그의 부모는 미국 정부를 위해 일했으며,^[4] ''월스트리트 저널''은 후에 그의 부모가 프린스가 태어나기 전 파나마 운하에서 전략사무국(OSS) 소속으로 근무했다고 보도했다.^[4] 프린스는 이후 보스턴 교외인 매사추세츠주 브레인트리와 케이프 코드의 프로빈스타운에서 성장했다. 1973년, 그는 뉴욕^[5]으로 이주하여 출판사인 ''타임 Inc.''에 입사했다. ''타임 Inc.'' 도서관에서 그의 업무는 회사 소속 여러 잡지에 실린 기사를 오려내어 제공하는 것이었다.^[6]

3. 경력

2007년 말, 프린스는 솔로몬 R. 구겐하임 미술관에서 자신의 경력을 총망라하는 회고전을 열었다. 이 전시는 미술관의 나선형 구조를 따라 연대순으로 작품을 배치한 포괄적인 전시였으며, 이후 미네소타주 미니애폴리스의 워커 아트 센터에서도 순회 전시되었다. 뉴욕 메트로폴리탄 미술관의 사진 큐레이터인 마리아 모리스 함부르크는 프린스에 대해 "그는 오늘날 일어나고 있는 일에 절대적으로 필수적이며, 다른 누구보다 먼저, 그리고 매우 조숙한 방식으로 미디어가 얼마나 널리 퍼져 있는지 파악했다. 그것은 우리 삶의 한 측면일 뿐만 아니라 우리 삶의 지배적인 측면이다."라고 평가했다.

2005년 ''뉴욕'' 잡지 인터뷰에서 프린스는 자신의 작업 방식에 대해 "그것은 스튜디오에서 이리저리 돌아다니며 무언가에 부딪히는 것에 관한 것입니다."라고 설명하기도 했다.

프린스는 비트 세대 문학의 열렬한 수집가이기도 하다. 그는 잭 케루악의 ''길 위에서'' 여러 판본을 소장하고 있는데, 여기에는 케루악이 어머니에게 헌정한 판본, ''스티브 앨런 쇼''에서 직접 낭독했던 판본, 책의 원본 교정본과 갈리본(galley proof), 그리고 닐 캐서디(책 속 '딘 모리아티' 캐릭터의 실제 모델)가 소유했던 판본(캐서디의 서명과 여백 메모 포함) 등이 포함되어 있다.^[12]

3. 1. 초기 경력

리처드 프린스는 초기에 미국의 추상 표현주의 화가 잭슨 폴록의 예술에 관심을 가졌다. 그는 폴록에 대해 "나는 혼자 있고, 다소 반사회적이며, 일종의 외톨이, 협업하지 않는 사람의 생각에 매우 매료되었습니다."라고 말했다.^[7] 프린스는 폴록의 전성기에 성장하며 그의 작품을 접했으며, 1956년 ''타임'' 잡지 기사에서 폴록을 "잭 더 드리퍼"라고 칭한 것이 예술을 직업으로 고려하게 된 계기 중 하나였다. 1967년 고등학교를 졸업한 후, 프린스는 18세의 나이로 유럽으로 떠났다.

유럽에서 돌아온 후, 그는 메인주에 있는 나슨 칼리지에 다녔는데, 이곳을 성적이나 특별한 학사 구조가 없는 자유로운 곳으로 묘사했다. 메인에서 매사추세츠주 브레인트리로 이사했고, 잠시 프로빈스타운에서도 살았다. 결국 그는 뉴욕시로 향하게 되었는데, 이는 프란츠 클라인이 그의 14번가 스튜디오 창밖을 바라보는 유명한 사진에 매료되었기 때문이라고 밝혔다. 프린스는 이 사진 속 클라인의 모습을 "스튜디오라는 성역 안에서 외부 세계를 탐구하며 혼자 있는 것에 만족하는 남자"로 보았다.^[8]

프린스의 첫 번째 개인전은 1980년 6월, 뉴욕주, 버팔로에 있는 CEPA 갤러리에서 레지던시 프로그램의 일환으로 열렸다.^[9] 그의 짧은 책 ''멘톨 전쟁'' 역시 이 레지던시 기간 동안 출판되었다.^[10] 이듬해인 1981년, 프린스는 로스앤젤레스의 잔카 쿨렌슈미트 갤러리에서 첫 서부 해안 개인전을 가졌다. 1985년에는 로스앤젤레스, 베니스에 있는 임대 주택에서 4개월 동안 머물며 예술 활동을 이어갔다.^[11]

3. 2. 전유 미술과 Pictures Generation

재사진술(Rephotography)은 전유를 활용하여 작가 자신의 관점을 드러내는 방식이다. 즉, 예술가들은 다른 사람의 작품이나 그들이 묘사하는 세계에서 이미지를 가져와 자신만의 새로운 작품을 만든다. 전유 미술은 1970년대 후반에 주목받기 시작했다. 셰리 레빈, 루이즈 로울러, 비키 알렉산더, 신디 셔먼, 바바라 크루거, 마이크 비들로와 같은 다른 전유 예술가들 역시 1980년대 이스트 빌리지에서 두각을 나타냈다. 이 예술가 그룹은 이후 "Pictures Generation"으로 알려지게 되었다.^[13]

이들 Pictures Generation 예술가들은 모두 존 발데사리와 로버트 하이네켄의 작업에서 큰 영향을 받았다. 발데사리와 하이네켄은 1960년대부터 발견된 이미지나 레디메이드 인쇄 사진을 활용한 작업을 광범위하게 진행했다. 발데사리는 주로 할리우드 영화 스틸 사진을 사용했고, 하이네켄은 잡지 광고나 인쇄된 포르노 이미지를 주로 활용했다. 두 사람은 1970년대에 UCLA와 캘리포니아 예술학교에서 학생들을 가르쳤으며, Pictures Generation의 많은 예술가들이 이 시기에 그들의 지도를 받았다.

리처드 프린스는 경력 초기에 잡지 ''타임''의 분리 보관 부서에서 일했다. 매일 일이 끝나면 그에게 남는 것은 타임-라이프가 발행하는 여러 잡지에서 찢겨 나간 광고 이미지들뿐이었다. 프린스는 이렇게 발견된 사진들에 대해 "서퍼 없는 바다, 말보로 없는 카우보이... 이미지의 고전성을 알고 있음에도, 믿기 힘든 이미지를 찾으려고 하는 것 같다. 그리고 그것을 훨씬 더 믿을 수 없게 다시 표현하려 한다."^[14]라고 설명했다.

프린스는 사진에 대한 전문적인 경험이 거의 없었지만, 인터뷰를 통해 자신에게 중요한 것은 주제이며, 사용할 매체(페인트와 붓이든 카메라와 필름이든)는 부차적인 문제라고 밝혔다. 그는 흥미로운 광고 이미지를 찾아내는 자신의 방식을 "해변 탐사(beach combing)"에 비유했다. 이 시기 그의 첫 연작들은 모델, 거실 가구, 시계, 펜, 보석 광고 이미지에 초점을 맞추었다. 대중문화는 그의 작업에서 핵심적인 요소가 되었다. 프린스는 자신의 전유 경험을 다음과 같이 회고했다.

"처음에는 매우 무모했다. 다른 사람의 사진을 표절하고, 아무 노력 없이 새로운 사진을 만들었다. 노출을 하고, 렌즈를 통해 보고 클릭하는 것은 물밀듯이 밀려오는 느낌이었다... 옛 역사가 없는 완전히 새로운 역사였다. 그것은 내가 무언가를 조합하면서 경험했던 모든 연관성을 완전히 파괴했다. 그리고 물론 필름이 전유하는 능력의 자연스러움에 대한 모든 것이었다. 나는 항상 그것이 어깨에 짊어진 짐과 관련이 많다고 생각했다."^[15]

3. 3. 재사진(Rephotography)

재사진술은 다른 사람의 작품이나 이미지를 가져와 자신만의 새로운 작품으로 만드는 전유 미술의 한 형태이다. 이러한 방식은 1970년대 후반부터 주목받기 시작했다. 리처드 프린스 외에도 셰리 레빈, 루이즈 로울러, 비키 알렉산더, 신디 셔먼, 바바라 크루거, 마이크 비들로 등 여러 예술가들이 1980년대 이스트빌리지에서 활동하며 전유 미술을 선보였다. 이들은 "Pictures Generation"으로 알려지게 되었다.^[13] 이 세대의 예술가들은 존 발데사리와 로버트 하이네켄의 작업에서 큰 영향을 받았다. 발데사리와 하이네켄은 1960년대부터 이미 존재하는 인쇄된 사진, 즉 레디메이드 이미지를 활용하여 작업했는데, 발데사리는 주로 할리우드 영화 스틸 사진을, 하이네켄은 잡지 광고나 인쇄된 포르노 이미지를 사용했다. 이 두 예술가는 1970년대에 UCLA와 캘리포니아 예술학교에서 가르쳤고, 픽처스 제너레이션의 많은 예술가들이 이 시기에 그들로부터 배웠다.

프린스는 경력 초기에 잡지사 타임 라이프의 분리 보관 부서에서 일했다. 그의 일과는 하루가 끝날 때쯤이면, 잡지에서 기사 내용은 제거되고 광고 이미지만 남는 것을 보는 것이었다. 그는 이렇게 남겨진 이미지들을 재촬영하는 방식으로 작업을 시작했다. 프린스는 자신의 작업에 대해 "서퍼 없는 바다, 말보로 없는 카우보이... 이미지의 고전성을 알고 있음에도, 믿기 힘든 이미지를 찾으려고 하는 것 같다. 그리고 그것을 훨씬 더 믿을 수 없게 다시 표현하려 한다."^[14]라고 설명했다.

프린스는 사진 기술에 대한 경험이 거의 없었지만, 중요한 것은 표현하고자 하는 주제이며, 사용할 매체(페인트와 붓이든 카메라와 필름이든)는 그 다음 문제라고 생각했다. 그는 흥미로운 광고 이미지를 찾아내는 과정을 "해변 탐사"에 비유했다. 이 시기 그의 초기 연작들은 광고 속 모델, 거실 가구, 시계, 펜, 보석 등을 소재로 삼았으며, 대중 문화는 그의 작품의 중요한 초점이 되었다. 프린스는 자신의 전유 작업 경험을 다음과 같이 회고했다.

"처음에는 매우 무모했다. 다른 사람의 사진을 표절하고, 아무 노력 없이 새로운 사진을 만들었다. 노출을 하고, 렌즈를 통해 보고 클릭하는 것은 물밀듯이 밀려오는 느낌이었다... 옛 역사가 없는 완전히 새로운 역사였다. 그것은 내가 무언가를 조합하면서 경험했던 모든 연관성을 완전히 파괴했다. 그리고 물론 필름이 전유하는 능력의 자연스러움에 대한 모든 것이었다. 나는 항상 그것이 어깨에 짊어진 짐과 관련이 많다고 생각했다."^[15]

3. 4. Jokes, Gangs, and Hoods

리처드 프린스의 재촬영 기법은 그의 '갱스(Gangs)' 시리즈로 이어졌는데, 이 시리즈는 잡지에서 이미지를 차용하는 동일한 기법을 따랐지만, 주제는 광고와 대중 매체에서 벗어나 미국 사회의 틈새 영역으로 이동했다.

프린스는 이 시리즈에서 잡지를 통해 본 미국의 틈새 시장에서 "섹스, 마약, 로큰롤"에 경의를 표했다. 그는 오토바이에 열광하는 사람들, 핫 로드 매니아, 서퍼, 헤비 메탈 음악 팬과 같은 하위문화의 기이함을 묘사했다. 이러한 갱들은 그의 '걸프렌즈(Girlfriends)' 시리즈에서 오토바이 타는 여자들을 특징으로 하며 인정받고 있다. 그가 사용한 오토바이 잡지에는 오토바이 운전자 여자 친구들의 사진이 실려 있었는데, 그들은 남자 친구의 오토바이에 널브러져 있었다. 프린스의 '갱스' 작품은 9×12, 35mm 사진을 묶거나 "갱"으로 덮인 단일 장의 흰 종이이다. 프린스는 "갱"으로 묶인 사진들 사이에 뚜렷한 관계를 의도하지 않았다. 예를 들어 1984년의 '벨벳 비치(Velvet Beach)'는 서핑 잡지에서 분명하게 가져온 거대한 파도의 12장의 엑타컬러 인쇄 사진에서 볼 수 있다. 또 다른 예로는 1986년의 '자유롭게 살거나 죽어라(Live Free or Die)'가 있는데, 오토바이를 탄 헐렁한 옷차림의 여성 9장의 이미지를 모았다.

프린스는 1985년경 뉴욕에서 처음으로 '조크 페인팅(Joke painting)'을 만들었는데, 그는 파크 애비뉴 사우스에 위치한 303 갤러리의 뒷방에서 살고 있었다. 처음 묘사된 조크는 정신과 의사에 관한 것이었는데, 그는 나중에 이 주제로 자주 작업했다. 프린스는 작은 약 27.94cm × 약 35.56cm 손으로 쓴 조크를 종이에 올린 것을 시작으로 '조크 페인팅' 아이디어를 발견한 것을 설명했다. 그는 갤러리에 들어가 벽에 걸려 있는 것을 봤다면 부러워했을 것이라고 깨달았다. 프린스의 조크는 여러 형태를 띤다. 그의 첫 번째 조크는 농담 책에서 가져온 손으로 쓴 것이었다. 그의 조크는 이미지를 통합하기 시작하면서 더 실질적인 작품으로 발전했는데, 종종 서로 관련이 없는 이미지와 조크를 짝을 지어 모호한 관계를 만들었다. 이러한 기묘한 조합의 예는 1991년의 '굿 레볼루션(Good Revolution)'에서 볼 수 있는데, 이는 부엌 스토브의 낙서 사이에 권투 반바지를 입은 남성 토르소의 흑백 이미지를 묘사했다. 이것은 "밤에 집에 가서 당신에게 약간의 사랑, 약간의 애정, 약간의 부드러움을 줄 여자를 만나는 것이 무엇을 의미하는지 아십니까? 그건 당신이 잘못된 집에 있다는 것을 의미합니다."라는 문구 위에 놓였다. 프린스의 가장 잘 알려진 조크 페인팅 중 하나는 2004년에 그가 그린 80년대 스타일의 붉은 캔버스 페인팅으로, "정신과 의사 두 명이 서로에게 말한다. 나는 며칠 전에 어머니와 점심을 먹다가 프로이트식 실수를 했다. '버터 좀 주시겠어요'라고 말하고 싶었는데 대신 '이 망할 년아, 네가 내 인생을 망쳤어'라고 나왔다"라고 적혀 있다.

1980년대 후반, 프린스는 동시대 예술가인 로르나 심슨과 바바라 크루거, 그리고 그의 많은 개념 미술 선구자들과 마찬가지로 점점 더 인기를 얻고 있는 전략인 이미지와 텍스트를 가지고 놀았다. 프린스는 종종 '뉴요커'에서 가져온 만화 사이에 조크를 넣었다. 프린스는 조크를 처음 발견하고 유머 감각을 갖게 된 것을 "나는 실제로 말하기 시작한 것이 아니라 반복해서 말하기 시작했다. 1985년, 캘리포니아 베니스에서 내가 가장 좋아하는 만화를 연필로 종이에 그렸다. 그 후 나는 만화의 삽화나 이미지 부분을 버리고 결론에 집중했다."라고 설명했다.^[39] 프린스의 조크는 주로 풍자적인 한 줄짜리였으며, 종교, 남편과 아내의 관계, 여자와의 관계와 같은 주제를 조롱했다. 조크는 간단하며, 종종 반전에 의존한다. "나는 아내를 아내 교환 파티에 데려갔는데, 약간의 현금을 던져야 했다." 또는 "나는 내 이름으로 단 한 푼도 가진 적이 없어서 이름을 바꿨다."

조크는 그의 판화의 완전한 주제가 되었으며, 빨강, 주황, 파랑, 노랑 등 단색 배경 위에 놓였다. 이 작품들은 1994년의 '무제(Untitled)'에서 볼 수 있는 약 142.24cm × 약 121.92cm에서 2000년의 '너츠(Nuts)'에서 볼 수 있는 약 284.48cm × 약 516.89cm에 이르기까지 크기가 다양하다. 그의 초기 조크는 크기가 작았지만, 인기를 얻으면서 더 큰 작품을 제작했다. 이러한 단색 조크는 고급 예술에서 고유성의 중요성에 의문을 제기한다. 이러한 조크들을 서로 구분하는 것은 무엇일까, 배경색, 텍스트 색상, 조크 자체? 같은 시기에 활동하는 다른 차용 미술가들과 비교했을 때, 프린스는 작품과 시리즈 사이에 뚜렷한 특징을 가지고 있다. 작품들은 서로 구별되거나 특정 예술가로 식별되지만, 프린스의 단색 조크에서는 1989년의 '농담이야?(Are You Kidding?)'에서와 같이 파란색 배경에 노란색 텍스트가 제시된다. 예를 들어 제프 쿤스와 다른 점은 기술과 스타일뿐만 아니라 예술 작품을 식별 가능하게 만드는 데 부여되는 중요성이다. 1988년 쿤스는 그의 마이클 잭슨과 버블스, 핑크 팬더와 같은 도자기 조각 작품을 제작했다. 이 두 작품은 이 해에 제작되었으며 구별된다. 같은 해인 1988년에는 프린스의 '소방관과 술 취한 사람(Fireman and the Drunk)'^[40]과 '무제(조크)(Untitled (Joke))'가 있는데, 이 두 작품을 구분하는 것은 무엇인가라는 심각한 질문을 제기한다. 2000년 줄리 L. 벨코브와의 인터뷰에서 프린스는 조크 페인팅을 "내가 알려지기를 바랐던 것"이라고 불렀다. 프린스는 그의 조크의 예술적 장르를 식별해 달라는 요청에 "조크 페인팅은 추상적입니다. 특히 유럽에서는 영어를 못하면요."라고 답했다.^[34]

갱 사진과 조크 페인팅을 개발하는 동안 프린스는 또한 머슬카 문화가 특히 미국적인 정신 상태와 융합된 머슬카 후드의 조각 복제품을 만들었다.^[41] 프린스는 커스텀 자동차 복원 네트워크 내에서 클래식 차량 후드를 주문한 다음, 후드를 사용하여 다양한 색상으로 씻은 섬유 유리 몰드를 주조했다.

3. 5. Celebrities와 Check Paintings

Celebrities는 미국인들의 영화배우에 대한 집착을 다룬 연작이다. 프린스는 앤디 워홀의 선례를 따라 저작권 보호가 없는 경우가 많은 배우들의 프로필 사진이나 홍보 사진을 찾아 활용했다. 프린스는 배우의 이름을 사용하여 직접 서명했다.

체크 페인팅(Check Paintings) 시리즈는 유명인사 시리즈와 유사하다. 이 시리즈는 프린스 자신의 수집에 대한 관심으로 가능하게 되었다. 프린스는 잭 케루악부터 앤디 워홀에 이르기까지 역사 속 유명 인사들의 취소된 수표를 찾기 시작했다. 그는 이 수표들을 페인트로 덮인 캔버스에 붙였고, 종종 그 수표의 주인이었던 인물의 이미지와 함께 배치했다.

3. 6. Nurse Paintings

간호사 그림(Nurse Paintings)은 신문 가판대와 델리에서 흔히 판매되던 저렴한 소설(일명 펄프 로맨스 소설)의 표지와 제목에서 영감을 얻어 제작된 연작이다. 프린스는 컴퓨터로 책 표지를 스캔하고 잉크젯 프린팅을 사용하여 이미지를 캔버스에 옮긴 다음 아크릴 물감으로 작품을 개인화했다.

이 작품들은 2003년 바바라 글래드스톤 갤러리에서 처음 공개되었으며, 래리 가고시안과 함께 프린스의 작품을 대표한다.^[42] 이 작품들은 엇갈린 반응을 얻었으며, 5만달러에서 6만달러에 이르는 판매가를 모두 기록하지는 못했다. 제목으로는 《서퍼 간호사》(Surfer Nurse), 《장난기 넘치는 간호사》(Naughty Nurse), 《백만장자 간호사》(Millionaire Nurse), 《듀드 랜치 간호사》(Dude Ranch Nurse) 등이 있는데, 이들은 프린스가 복사한 책들에서 따온 것이다. 프린스는 "예술의 문제는 골프와 같지 않다는 것입니다. 골프는 공을 구멍에 넣거나 넣지 않거나 둘 중 하나입니다. 심판도 없고, 판사도 없고, 규칙도 없습니다. 그것이 예술의 문제 중 하나이지만, 또한 예술의 훌륭한 점이기도 합니다. 즉, 무엇이 지속될 것인가에 대한 질문이 되는 것입니다."라고 말했다. 소닉 유스 앨범 소닉 너스(Sonic Nurse)는 간호사 그림을 사용했으며, "듀드 랜치 간호사"(Dude Ranch Nurse)라는 노래가 수록되었다.

이 연작에서 간호사들은 모두 모자를 쓰고 수술용 마스크로 입을 가리고 있지만, 일부 그림에서는 붉은 입술이 마스크를 뚫고 보인다. 최종 발표된 작품들은 각 책 표지의 제목과 간호사 이미지를 보존하고 있지만, 다른 요소는 거의 모두 가려져 있다. 제목에는 《관여된 간호사》(A Nurse Involved), 《알로하 간호사》(Aloha Nurse), 《미혼 간호사》(Bachelor Nurse), 《일하는 위험한 간호사》(Danger Nurse at Work), 《데뷔 간호사》(Debutant Nurse), 《의사의 간호사》(Doctor's Nurse) 등이 있다.

프린스의 《간호사》 그림은 2021년 9월 현재 경매에서 그의 가장 비싼 연작이 되었으며, 그의 최고 낙찰가 17건을 차지한다.

3. 7. 후기 작품

2007년 말, 프린스는 솔로몬 R. 구겐하임 미술관에서 회고전을 열었다. 이 전시는 미술관의 나선형 구조를 따라 연대순으로 작품을 배치한 포괄적인 전시였으며, 이후 미네소타주 미니애폴리스의 워커 아트 센터에서도 열렸다. 뉴욕 메트로폴리탄 미술관의 사진 큐레이터 마리아 모리스 함부르크는 프린스에 대해 "그는 오늘날 일어나고 있는 일에 절대적으로 필수적이며, 다른 누구보다 먼저, 그리고 매우 조숙한 방식으로 미디어가 얼마나 널리 퍼져 있는지 파악했다. 그것은 우리 삶의 한 측면일 뿐만 아니라 우리 삶의 지배적인 측면이다"라고 평가했다.

2007년부터 프린스는 이전의 간호사 및 농담 시리즈에서 보여준 키치적인 요소에서 벗어나, 보다 전통적인 구상 미술로 회귀하는 듯 보이는 회화 작업을 선보였다. 이 작품들은 빌렘 데 쿠닝의 스타일을 연상시키는 방식으로, 음란물 이미지를 잉크젯으로 프린트한 위에 아크릴 물감을 덧칠하여 제작되었다. 특히 불거지거나 왜곡된 얼굴, 손, 발의 표현이 두드러지며, 농담 시리즈와 같은 언어적 재맥락화보다는 순수한 시각적 표현에 집중하는 경향을 보였다.

같은 해인 2007년, 프린스는 프랑스 패션 브랜드 루이비통(Louis Vuitton)의 2008년 봄 컬렉션을 위해 디자이너 마크 제이콥스(Marc Jacobs)와 협업하기도 했다.^[43]^[44]

프린스는 자동차를 이용한 조각 작품도 제작했다. '무제'는 1970년형 닷지 챌린저의 차체에 660마력 헤미 엔진, 맞춤형 인테리어, 특수 타이어, 무광 검정색 후드와 오렌지색 도색 등 고성능 부품을 결합한 작품이다. 또 다른 작품인 "미국식 기도"(American Prayer^eng)는 1968년형 닷지 차저에서 엔진과 내부 부품을 모두 제거하고 페인트를 벗겨낸 뒤 분체 도장을 한 것으로, 엔진 자리에는 시멘트 블록이 놓여 있다.^[2]

2009년부터 2011년 사이에는 "무제(폴록 가리기)" 연작 27점을 제작했다. 이 시리즈는 한스 나무스가 촬영한 잭슨 폴록의 흑백 사진을 캔버스에 프린트한 뒤, 그 위에 시드 비셔스, 케이트 모스, 스테파니 시모어 등의 사진과 음란 이미지를 격자 형태로 붙이고, 주변에 폴록 스타일의 페인팅을 가미한 것이다.^[45]

2014년에는 뉴욕 가고시안 갤러리에서 "새로운 초상화"(New Portraits^eng)라는 제목의 전시를 열며 전유(appropriation) 작업을 이어갔다. 이 전시에는 자신의 인스타그램 피드에서 가져온 모델, 예술가, 유명인사 등의 상반신 노출 이미지를 포함한 38점의 초상화가 포함되었다. 각 이미지 아래에는 "아무것도 하지 마세요. 그냥 당신 자신이 되세요 © ®"와 같은 코멘트를 덧붙였는데, 저작권 및 등록 상표 기호는 작가성에 대한 그의 지속적인 관심을 보여주는 것으로 해석된다.^[46]^[47] 예술 평론가 피터 슐젤달은 ''뉴요커''에 기고한 글에서 "전시에 대한 가능한 적절한 반응으로는 외설적인 기쁨과 순전한 혐오감이 있을 수 있다. 내 반응은 죽고 싶다는 것과 비슷했다"며 비판적인 시각을 드러냈다.^[48] 이 인스타그램 작업들은 예술과 저작권 침해의 경계에 대한 논란을 다시 한번 불러일으켰으며, 작품의 대상이 된 인물 중 일부(SuicideGirls 멤버 등)는 프린스의 작품을 기반으로 한 자신들의 파생 작품을 판매하며 대응하기도 했다.^[49]^[50]

2015년, 프린스는 뉴욕에서 열린 프리즈 아트 페어에서 가고시안 갤러리를 통해 유사한 인스타그램 작품을 전시하고, 자신의 인스타그램 피드와 코멘트를 확대한 작품을 9만달러에 판매하여 다시 한번 화제가 되었다.^[51]^[52]

2017년에는 도널드 트럼프 대통령의 딸인 이반카 트럼프를 묘사한 자신의 작품에 대해 2014년에 받았던 대금 3.6만달러를 반환하며 논란의 중심에 섰다. 프린스는 자신의 작품이 트럼프 가문의 소장품으로 남는 것을 용납할 수 없다는 입장을 밝혔다.^[53] 이는 트럼프 행정부에 대한 예술가의 비판적 입장 표명으로 해석될 수 있다.

4. 논란

2008년 12월, 사진작가 패트릭 카리우는 리처드 프린스, 가고시안 갤러리, 로렌스 가고시안 및 리촐리 인터내셔널 출판사를 상대로 연방 지방 법원에 저작권 침해 소송을 제기했다. 이는 가고시안 갤러리에서 열린 프린스의 'Canal Zone' 전시회에 출품된 작품 때문이었다.^[16] 프린스는 카리우가 촬영한 사진 35장을 부당하게 사용했다는 혐의를 받았다. 일부 작품은 원본 사진과 거의 차이가 없었다. 프린스는 또한 카리우의 책 ''Yes Rasta''에 실린 이미지를 이용하여 28점의 그림을 제작했는데, 이 책에는 카리우가 자메이카에서 찍은 라스타파리안 사진들이 담겨 있었다.^[17]

2011년 3월 18일, 미국 지방 판사 데보라 A. 배츠는 프린스, 가고시안 갤러리, 로렌스 가고시안에게 불리한 판결을 내렸다. 법원은 프린스의 작품이 공정 사용에 해당하지 않는다고 판단했으며, 이는 프린스 측의 주요 방어 논리였다. 저작권 침해에 대한 책임이 전적으로 인정되었다.^[18] 법원은 판결 과정에서 1992년의 ''로저스 대 쿤스'' 사건 등 여러 판례를 인용했다.^[18] 그러나 2013년 4월 25일, 미국 제2 순회 항소 법원은 배츠 판사의 판결을 뒤집었다. 항소 법원은 프린스가 25점의 작품에서 사진을 사용한 것은 원본을 충분히 변형시킨 변형적 사용(transformative use)에 해당하므로 공정 사용으로 인정된다고 판결했다. 덜 변형적이라고 판단된 나머지 5점의 작품에 대해서는 재검토를 위해 하급 법원으로 돌려보냈다.^[19] 이 사건은 결국 2014년에 양측의 합의로 마무리되었다.^[20]

이후에도 프린스는 저작권 침해 문제로 여러 차례 피소되었다. 2016년, 사진작가 도널드 그레이엄은 프린스가 자신의 1998년 사진 ''라스타파리안 조인트 피우기''(Rastafarian Smoking a Joint)를 '새로운 초상화' 시리즈에 무단으로 사용하여 저작권을 침해했다며 소송을 제기했다.^[26] 2023년 5월, 뉴욕 판사는 프린스의 작품 ''무제(Rastajay92의 초상화)''가 소송으로부터 보호받을 만큼 충분히 "변형적"이지 않다고 판결하여, 그레이엄의 저작권 침해 소송이 재판으로 진행될 수 있도록 했다.^[27] 같은 해 사진작가 에릭 맥네트 역시 프린스를 상대로 소송을 제기했다. 맥네트는 프린스가 밴드 소닉 유스의 공동 창립자인 킴 고든의 초상 사진에 대한 자신의 저작권을 침해했다고 주장했다.^[28] 2024년 1월 26일, 그레이엄과 맥네트의 소송은 모두 합의로 종결되었다. 합의 조건에 따라 그레이엄과 맥네트에게 손해 배상금이 지급되었으나, 프린스는 저작권 침해 사실을 인정하지는 않았다.^[29]^[30]

4. 2. 에밀리 라타이코프스키 이미지 도용

2014년, 프린스는 모델 겸 배우 에밀리 라타이코프스키의 인스타그램 게시물 중 하나를 당사자의 동의 없이 사용하여 뉴욕 가고시안 갤러리에서 열린 자신의 "새로운 초상화" 전시회에 포함시켰다.^[21]

7년 뒤인 2021년, 라타이코프스키는 프린스의 작품 앞에 서 있는 자신의 모습을 촬영한 사진을 대체 불가능 토큰(NFT)으로 제작했다.^[22] 이 NFT는 크리스티 경매를 통해 17.5만달러에 판매되었다. 라타이코프스키는 트위터를 통해 "여성과 온라인 소유권에 대한 상징적인 선례를 만들고 싶었다"며, "이를 통해 여성들이 자신의 이미지에 대한 지속적인 권리를 갖고, 그 사용과 배포에 대해 정당한 보상을 받을 수 있기를 바란다"고 밝혔다.^[23]^[24] 그녀는 또한 ''The Cut''에 기고한 에세이 "나를 다시 사다(Buying Myself Back)"에서 이 사건을 상세히 다루었다.^[25]

이 사건은 퍼블리시티권 문제와 자신의 이미지를 이용해 누가 이익을 얻어야 하는지에 대한 중요한 질문을 던졌다.

5. 전시

리처드 프린스는 여러 주요 기획전에 참여했다. 대표적으로 휘트니 미술관 (1992, 뉴욕), 샌프란시스코 현대미술관 (1993), 보이만스 반 베우닝겐 미술관 (1993, 로테르담), 바젤 현대미술관 (2001, 바젤, 취리히 미술관 및 볼프스부르크 미술관 순회 전시), 솔로몬 R. 구겐하임 미술관 (2007, 워커 아트 센터, 미니애폴리스, 2008 순회 전시), 서펜타인 갤러리 (2008, 런던) 등이 있다.^[54] 작가가 소장한 미국 문학과 단편 소설 작품들을 선보인 "리처드 프린스: 아메리카 기도"(Richard Prince: American Prayer^eng)^[4] 전시는 2011년 프랑스 국립도서관에서 열렸다.^[55]

프린스의 작품은 또한 다수의 그룹 전시회에도 출품되었다. 주요 참여 전시로는 상파울루 비엔날레 (1983), 휘트니 비엔날레 (1985, 1987, 1997, 2004), 시드니 비엔날레 (1986), 베니스 비엔날레 (1988, 2007), 도쿠멘타 9 (1992) 등이 있다.

6. 개인사

프린스는 아내이자 미술가인 Noel Grunwaldt|노엘 그룬발트^eng와 함께 뉴욕에서 거주하고 있다.^[58]^[6]

참조

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