조각

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1. 개요

조각은 재료를 깎거나 덧붙여 입체적인 형상을 만드는 조형 예술의 한 분야이다. 조각은 조소와 같은 의미로 사용되기도 하며, 예술 작품뿐만 아니라 기념물, 건축 장식 등 다양한 형태로 제작된다. 조각의 본질은 입체적인 자연물의 재현을 넘어, 양식화와 추상화를 통해 작가의 심상을 표현하는 데 있다. 조각은 자유로운 입체 조각과 부조로 분류되며, 재료와 기법에 따라 다양한 종류로 나뉜다. 조각의 목적과 주제는 종교적, 사회적, 개인적인 것까지 광범위하며, 시대와 문화에 따라 다양한 조각 기법과 재료가 사용되어 왔다. 현대 조각은 전통적인 조각 기법에서 벗어나 다양한 재료와 방식을 시도하며, 랜드 아트, 설치 미술 등 새로운 형태로 발전하고 있다. 조각 작품은 환경 조건과 절도 등의 위험에 노출되어 보존의 중요성이 강조된다.

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조각
지도
정의
조각	입체적인 형태를 가진 미술 작품을 의미함.
좁은 의미의 조각	재료를 깎거나 다듬어서 형태를 만드는 기법을 의미함.
역사
고대 조각	약 800년경부터 존재함. 고대 그리스 조각은 채색되었음.
르네상스 조각	1513–1515년경에 만들어진 작품이 있음.
조각 기법
조각 기법 종류	조각 모델링 캐스팅 조립
조각의 분류
재료에 따른 분류	석조 조각 목조 조각 금속 조각 점토 조각 유리 조각 플라스틱 조각 아이스 조각
형태에 따른 분류	환조 (둥근 조각) 부조 (돋을새김)
기타
참고	디지털 조각
관련 정보	조각가 카빙 패각 조각

2. 조소, 조각의 뜻

조소(彫塑)의 ‘조(彫)’는 끌이나 작은 칼(창칼)이나 끌(鑿) 등을 사용하여, 재료의 외측(外側)에서 새기거나, 깎거나(carving) 하며 사물의 형을 만들어냄을 말한다. 이와 같은 제작과정을 거쳐서 만들어진 것을 조각이라 하고 그것들의 상(像)을 조상(彫像)이라고 한다.^[312] 조소의 ‘소(塑)’는 원래 중국의 ‘연’자가 갖는 의미로서, 물을 가하여서 흙을 부드럽게 하는 것에서 변화한 것이라고 한다. 즉 반죽한 흙을 쌓아 올려서(modering) 형을 만들어 내는 것이다.^[312] 이러한 가소재(可塑材)를 만들어서 제작하는 것을 조소라 하고 만들어진 상을 조상이라 한다.^[312]

이상 2개의 말의 머릿글자를 조합시킨 입체조형(立體造形)을 총칭하여 조소로 불러왔는데 오늘날에는 새로운 재료의 개발이나, 그것들을 사용하여 사물의 형을 만드는 기술도 단순히 자의적(字義的)인 해석으로 분류하거나 뜻을 붙이거나 하는 것이 곤란하게 되었다. 널리 입체조형이라 해석하여 ‘조각 (sculpture)’이란 말로 오늘날 일반적으로 쓰게 되었다. 즉, 재료나 그것을 형성하는 기술 등으로 분류하거나 이름 붙이기가 곤란하게 된 것이다.^[312]

3. 예술로서의 본질

조각은 다른 조형예술 중에서도 일반적으로 친숙하기 힘든 것으로 알려져 있다. 이는 색채가 없고 대상이 인체일 경우가 많으며 제재(題材)에 있어서 회화만큼 변화가 없고 또한 회화만큼 사물을 설명하고 있지 않다는 것 등 때문이다. 입체인 자연물의 재현으로서는 조각이 되지 않는다. 실존의 형체가 진짜 예술작품으로 높여지기 위하여서는 필연적으로 양식화·추상화가 이루어져야 한다. 조각예술의 조상(造像)은 입체(二次元)로서의 엄숙함을 다른 재료로 이입표현(移入表現)하는 것인데, 그 재료가 갖는 입체에 생명감을 주는 것은 물리적인 입체나 재현적(再現的)인 양괴(量塊)는 아니고 작자의 심상을 소재에도 이행시키는 기술과 조형적인 소질과의 사이에서 생기는 생명감의 표현행위이다. 그 행위(表現活動) 중에는 입체를 구축(構築)하는 면이나 능선이 상호간에 서로 작용하여 균형감이나 동세감(動勢感)을 만들고, 양괴 전체에 여러 가지 에너지를 내포하는 어떠한 종류의 긴장감을 실감케 하는 것이다.^[313]

4. 조각 예술의 의의

조각은 우상이나 건축 장식의 종속적 관계에서 벗어나, 양괴나 공간을 실감하는 입체 조형으로서의 자율성을 가진다.^[314]

14세기 이탈리아 르네상스 시대에는 예술의 본질적 성격에 대한 논쟁이 있었다. 레오나르도 다빈치는 회화론에서 회화와 조각을 비교하며, 회화는 공간 표현에 유리하지만 조각은 색채 변화나 투명한 물체, 자연 현상 등을 표현할 수 없다고 보았다. 반면 벤베누토 첼리니는 조각이 데생에 기초하며 8배나 많은 각도에서 볼 수 있어 회화보다 우월하다고 주장했다. 미켈란젤로는 조각과 회화가 같은 목적을 가지므로 가치의 차이가 없다고 말했다.^[314]

오늘날 회화는 이미지의 가상(假象)인 반면, 조각은 실존하는 공간 속 물체로서 자립하는 양괴이며, 소재, 기술, 용구가 공존하는 바탕에서 조각가의 이미지가 구체화된다.^[314] 미술사에서 조각은 주로 인체를 테마로 다루었다. 인간이 자연과 싸우고 생사의 부조리를 생각하게 되면서, 불변하는 소재에 인체를 새겨 의미를 부여하게 되었다.^[314] 삼차원적 이미지를 만들기 위한 고체의 견고함, 감촉, 중량, 복잡한 창작 수속, 기술적 저항은 조각 자체의 요소이자 숙명이며, 다른 예술과의 차이점이다.^[314]

5. 조각의 분류

조각은 기단을 제외하고는 다른 표면에 부착되지 않은 조각상과 같이 자유롭게 서 있는 입체 조각과, 배경 표면에 부분적으로 부착된 다양한 유형의 부조로 구분된다. 부조는 벽에서 돌출되는 정도에 따라 저부조 또는 낮은 부조, 높은 부조, 그리고 때로는 중간 중부조로 분류된다. 움푹 들어간 부조는 고대 이집트에 한정된 기법이다. 부조는 입체적으로 표현하기 어려운 대형 인물 군상과 서사적 주제에 일반적으로 사용되는 조각 매체이며, 건물에 부착되는 건축 조각과 많은 도자기, 금속 세공 및 보석류에서 볼 수 있듯이 다른 물체를 장식하는 소규모 조각에 일반적으로 사용되는 기법이다. 부조는 또한 비석, 즉 보통 돌로 만들어진 직립판(종종 비문도 포함)을 장식할 수 있다.

야외에 있는 불상의 암석 조각 rock relief^영어. 중국의 룽먼석굴

또 다른 기본적인 구분은 기존의 돌이나 나무와 같은 블록이나 덩어리에서 재료를 제거하는 제거 조각 기법과 재료에서 작품을 형성하거나 만들어내는 모델링 기법 사이에 있다. 주조, 프레스 가공, 사출 성형과 같은 기법은 디자인이 포함된 중간 매트릭스를 사용하여 작품을 제작하며, 이러한 기법의 대부분은 여러 개의 사본을 제작할 수 있다.

"조각"이라는 용어는 종종 대형 작품을 설명하는 데 주로 사용되며, 이는 때때로 기념비적 조각이라고 불리며, 크기가 큰 조각 또는 건물에 부착된 조각 모두를 의미한다. 그러나 이 용어는 동전과 메달, 경석 조각을 포함하여 동일한 기법을 사용하는 다양한 유형의 3차원 소형 작품을 적절하게 포함한다.

매우 크거나 "거대한" 조각상은 고대 이후로 지속적인 매력을 가지고 있었으며, 2018년 인도의 통일의 상이 기록상 가장 크다. 또 다른 웅장한 초상 조각 형식은 말을 탄 기수의 기마상으로, 최근 수십 년 동안 드물어졌다. 가장 작은 형태의 실물 크기 초상 조각은 그 자체만 보여주는 "머리" 또는 가슴 위의 인물을 묘사하는 흉상이다. 소형 조각에는 일반적으로 조각상인 소상과 부조의 플라켓, 메달 또는 동전이 있다.

현대 미술은 소리 조각, 빛 조각, 환경 미술, 환경 조각, 거리 미술 조각, 운동 조각(물리적 운동의 측면을 포함), 랜드 아트, 장소 특정 예술을 포함한 여러 비전통적인 조각 형태를 추가했다. 조각은 중요한 형태의 공공 미술이다. 정원 환경에 있는 조각의 컬렉션은 조각 공원이라고 할 수 있다.

5. 1. 조소적 수단에 의한 것

주조, 프레스 가공, 사출 성형 등의 기술은 복수의 복제 제작을 가능하게 한다. 조각과 조형이라는 두 가지 기법을 가리켜 "조소"라고 부르는 경우도 있다.^[150]

"조각"이라는 용어는 종종 기념물이나 기념상이라고 불리는 것과 같은 대형 작품을 가리키는 데 사용된다. 하지만 이 용어는 화폐나 메달, 조각 가공한 반귀석 등, 세밀한 작업을 필요로 하는 같은 기술을 사용한 다양한 소형 3차원 작품도 포함한다.

매우 대규모의 거상은 고대부터 영속적인 매력을 가지고 있다. 기록상 최대의 것은 인도에서 2018년에 제작된 높이 182m의 통일의 상이다. 이것과는 별도로 위대한 초상 조각이 말을 탄 기마상이지만, 근래 몇십 년 동안 기마상은 드물어지고 있다. 실물 크기가 되는 초상 조각의 최소 형태가 "두상"이며, 가슴부터 위를 본뜬 "흉상"도 있다. 조각의 소형 작품으로는, 소립상, 장식판, 메달이나 화폐 등이 있다.

5. 2. 조각적 수단에 의한 것

기본적인 구분은, 토대를 제외하고 다른 벽면과 접하지 않는 조각상과 같은 원형 조각과, 적어도 부분적으로 배경면과 붙어 있는 부조이다. 부조는 벽으로부터 돌출되는 정도에 따라 저부조, 고부조, 중부조로 분류되는 경우가 많다.^[149] 저부조는 "박육조", "천육조"라고도 불린다. 침조는 고대 이집트에서 많이 사용된 기법이다. 부조는 원형 조각으로는 어려운 다수의 인물이나 이야기의 주제를 전달하는 데 일반적인 조각 매체이며, 건물에 부착하는 건축 조각에서도 다른 소품을 장식하는 소규모 조각에서도 사용된 전형적인 기법이다. 또한 부조는 직립한 석비나 석판을 장식하는 경우도 있으며, 종종 비문까지 포함하여 조각된다.

또 하나의 기본적인 구분은, 돌이나 나무 등 기존의 덩어리에서 재료를 제거하는 조각(카빙) 기법과, 재료로부터 작품을 형성하거나 구축하는 조형(모델링) 기법이다. 주조, 프레스 가공, 사출 성형 등의 기술은 복수의 복제 제작을 가능하게 한다. 조각과 조형이라는 두 가지 기법을 가리켜 "조소"라고 부르는 경우도 있다.^[150]

"조각"이라는 용어는, 종종 기념물이나 기념상이라고 불리는 것과 같은 대형 작품을 가리키는 데 사용된다. 하지만 이 용어는, 화폐나 메달, 조각 가공한 반귀석 등, 세밀한 작업을 필요로 하는 같은 기술을 사용한 다양한 소형 3차원 작품도 포함한다.

매우 대규모의 거상은 고대부터 영속적인 매력을 가지고 있다. 기록상 최대의 것은 인도에서 2018년에 제작된 높이 182m의 통일의 상이다. 이것과는 별도로 위대한 초상 조각이 말을 탄 기마상이지만, 근래 몇십 년 동안 기마상은 드물어지고 있다. 실물 크기가 되는 초상 조각의 최소 형태가 "두상"이며, 가슴부터 위를 본뜬 "흉상"도 있다. 조각의 소형 작품으로는, 소립상, 장식판, 메달이나 화폐 등이 있다.

5. 3. 구조적 수단에 의한 것

금속조각(金屬彫刻)·수지조각(樹脂彫刻)·글라스조각(glass彫刻)·군적조각(群的彫刻)이 있다.^[315] 기본적인 구분은, 토대를 제외하고 다른 벽면과 접하지 않는 조각상과 같은 원형 조각과, 적어도 부분적으로 배경면과 붙어 있는 부조이다. 부조는 벽으로부터 돌출되는 정도에 따라 저부조, 고부조, 중부조로 분류되는 경우가 많다.^[149] 저부조는 "박육조", "천육조"라고도 불린다. 침조는 고대 이집트에서 많이 사용된 기법이다. 부조는 원형 조각으로는 어려운 다수의 인물이나 이야기의 주제를 전달하는 데 일반적인 조각 매체이며, 건물에 부착하는 건축 조각에서도 다른 소품을 장식하는 소규모 조각에서도 사용된 전형적인 기법이다. 또한 부조는 직립한 석비나 석판을 장식하는 경우도 있으며, 종종 비문까지 포함하여 조각된다.

또 하나의 기본적인 구분은, 돌이나 나무 등 기존의 덩어리에서 재료를 제거하는 조각(카빙) 기법과, 재료로부터 작품을 형성하거나 구축하는 조형(모델링) 기법이다. 주조, 프레스 가공, 사출 성형 등의 기술은 복수의 복제 제작을 가능하게 한다. 조각과 조형이라는 두 가지 기법을 가리켜 "조소"라고 부르는 경우도 있다.^[150]

6. 조각 제작의 아틀리에

조각 제작에 있어 광선은 필수적인 요소이다. 따라서 화실(아틀리에) 내 광선 이동이 심하거나 통풍이 과도한 곳은 조소 제작에 부적합하다. 조소 제작은 광선에 의한 명암의 톤을 대상에서 엄격하게 관찰하여 면의 방향과 형을 정확하게 파악해야 하기 때문에, 비교적 변화가 적은 장소를 선택하는 것이 중요하다. 이러한 사항은 특히 구상적인 형을 만들 때 주의해야 한다.^[315]

모든 인간의 노동은 필요에 의해 발생하며, 예술 본능 또한 필요한 노동을 통해 강화된다. 주변의 용재(用材)는 어느 시대에나 예술가의 창조적 본능을 자극해왔다. 최근 조각 소재의 개발과 과학 기술의 발전은 제작 자체에 큰 변화를 가져왔고, 제작자의 태도 역시 실험적인 방향으로 전환되고 있다. 이에 따라 아틀리에의 구조와 분위기도 변화하여, 실험 화실이나 공장, 철공장과 유사한 형태로 산소 용접기, 절단기, 해머 등이 비치되기도 한다.^[315]

7. 조각의 종류

조각은 기단을 제외하고는 다른 표면에 부착되지 않은 조각상과 같이 자유롭게 서 있는 입체 조각과, 배경 표면에 부분적으로 부착된 다양한 유형의 부조로 구분된다. 부조는 벽에서 돌출되는 정도에 따라 저부조 또는 낮은 부조, 높은 부조, 그리고 때로는 중간 중부조로 분류된다. 움푹 들어간 부조는 고대 이집트에 한정된 기법이다. 부조는 입체적으로 표현하기 어려운 대형 인물 군상과 서사적 주제에 일반적으로 사용되는 조각 매체이며, 건물에 부착되는 건축 조각과 많은 도자기, 금속 세공 및 보석류에서 볼 수 있듯이 다른 물체를 장식하는 소규모 조각에 일반적으로 사용되는 기법이다. 부조는 또한 비석, 즉 보통 돌로 만들어진 직립판(종종 비문도 포함)을 장식할 수 있다.

또 다른 기본적인 구분은 기존의 돌이나 나무와 같은 블록이나 덩어리에서 재료를 제거하는 제거 조각 기법과 재료에서 작품을 형성하거나 만들어내는 모델링 기법 사이에 있다. 주조, 스탬핑 및 몰딩과 같은 기법은 디자인이 포함된 중간 매트릭스를 사용하여 작품을 제작하며, 이러한 기법의 대부분은 여러 개의 사본을 제작할 수 있다.

"조각"이라는 용어는 종종 대형 작품을 설명하는 데 주로 사용되며, 이는 때때로 기념비적 조각이라고 불리며, 크기가 큰 조각 또는 건물에 부착된 조각 모두를 의미한다. 그러나 이 용어는 동전과 메달, 경석 조각(세밀한 작업을 수행할 수 있는 작은 돌 조각에 대한 용어)을 포함하여 동일한 기법을 사용하는 다양한 유형의 3차원 소형 작품을 적절하게 포함한다.

매우 크거나 "거대한" 조각상은 고대 이후로 지속적인 매력을 가지고 있었으며, 182m의 기록상 가장 큰 조각상은 2018년 인도의 통일의 상이다. 또 다른 웅장한 초상 조각 형식은 말을 탄 기수의 기마상으로, 최근 수십 년 동안 드물어졌다. 가장 작은 형태의 실물 크기 초상 조각은 그 자체만 보여주는 "머리" 또는 가슴 위의 인물을 묘사하는 흉상이다. 소형 조각에는 일반적으로 18인치보다 키가 작은 조각상인 소상과 부조의 플라켓, 메달 또는 동전이 있다.

현대 미술은 소리 조각, 빛 조각, 환경 미술, 환경 조각, 거리 미술 조각, 운동 조각(물리적 운동의 측면을 포함), 랜드 아트, 장소 특정 예술을 포함한 여러 비전통적인 조각 형태를 추가했다. 조각은 중요한 형태의 공공 미술이다. 정원 환경에 있는 조각의 컬렉션은 조각 공원이라고 할 수 있다.

7. 1. 부조의 종류

부조는 벽으로부터 돌출되는 정도에 따라 저부조, 고부조, 중부조로 분류되는 경우가 많다.^[149] 저부조는 "박육조", "천육조"라고도 불린다. 침조는 고대 이집트에서 많이 사용된 기법이다. 부조는 원형 조각으로는 어려운 다수의 인물이나 이야기의 주제를 전달하는 데 일반적인 조각 매체이며, 건물에 부착하는 건축 조각에서도 다른 소품을 장식하는 소규모 조각에서도 사용된 전형적인 기법이다. 또한 부조는 직립한 석비나 석판을 장식하는 경우도 있으며, 종종 비문까지 포함하여 조각된다.

7. 2. 제작 기법에 따른 분류

기본적인 구분은, 토대를 제외하고 다른 벽면과 접하지 않는 조각상과 같은 원형 조각과, 적어도 부분적으로 배경면과 붙어 있는 부조이다. 부조는 벽으로부터 돌출되는 정도에 따라 저부조, 고부조, 중부조로 분류되는 경우가 많다.^[149] 저부조는 "박육조", "천육조"라고도 불린다. 침조는 고대 이집트에서 많이 사용된 기법이다. 부조는 원형 조각으로는 어려운 다수의 인물이나 이야기의 주제를 전달하는 데 일반적인 조각 매체이며, 건물에 부착하는 건축 조각에서도 다른 소품을 장식하는 소규모 조각에서도 사용된 전형적인 기법이다. 또한 부조는 직립한 석비나 석판을 장식하는 경우도 있으며, 종종 비문까지 포함하여 조각된다.

또 하나의 기본적인 구분은, 돌이나 나무 등 기존의 덩어리에서 재료를 제거하는 조각(카빙) 기법과, 재료로부터 작품을 형성하거나 구축하는 조형(모델링) 기법이다. 주조, 프레스 가공, 사출 성형 등의 기술은 복수의 복제 제작을 가능하게 한다. 조각과 조형이라는 두 가지 기법을 가리켜 "조소"라고 부르는 경우도 있다.^[150]

8. 조각의 재료와 기법

수메르 남성 신자상, 조개 눈을 가진 알라바스터, 기원전 2750~2600년

조각에 사용되는 재료는 다양하며 역사를 거치면서 변화해 왔다. 뛰어난 내구성을 가진 고전적인 재료로는 금속, 특히 청동, 돌, 그리고 도자기가 있으며, 나무, 뼈, 그리고 사슴뿔은 내구성이 덜하지만 저렴한 선택지였다. 금, 은, 비취, 그리고 상아와 같은 귀금속은 소형의 고급 작품에 자주 사용되었고, 황금상아 조각상과 같이 대형 작품에도 사용되기도 했다. 경재(예: 오크, 황양목, 피나무)와 같은 더 일반적이고 저렴한 재료는 더 넓은 소비를 위한 조각에 사용되었으며, 테라코타 및 기타 도자기, 밀랍(주조용 모형에 매우 일반적으로 사용되고 원통형 인장과 새겨진 보석의 인상을 받는 재료), 그리고 주석 및 아연(스펠터)과 같은 주조 금속도 사용되었다. 하지만 수많은 다른 재료들이 민족지학적이고 고대 작품뿐만 아니라 현대 작품에서도 조각의 일부로 사용되어 왔다.

조각은 종종 페인트칠을 하지만, 시간이 지나거나 복원 과정에서 페인트가 손실되는 경우가 많다. 조각 제작에는 템페라, 유화, 도금, 일반 페인트, 에어로졸, 에나멜, 샌드블라스팅을 포함한 다양한 채색 기법이 사용되었다.^[2]^[6]

많은 조각가들은 새로운 방식과 재료를 통해 예술을 만들고자 한다. 파블로 피카소의 가장 유명한 조각 중 하나는 자전거 부품을 포함하고 있다. 알렉산더 콜더 및 기타 모더니스트들은 채색된 강철을 훌륭하게 활용했다. 1960년대 이후로 아크릴 및 기타 플라스틱도 사용되었다. 앤디 골즈워시는 자연 환경에서 거의 전적으로 천연 재료로 그의 특이하고 덧없는 조각을 만든다. 얼음 조각, 모래 조각, 가스 조각과 같은 일부 조각은 의도적으로 수명이 짧다. 최근의 조각가들은 스테인드글라스, 연장, 기계 부품, 하드웨어 및 소비자 포장재를 사용하여 작품을 제작한다. 조각가들은 때때로 폐품을 사용하며, 중국 학자의 돌은 수세기 동안 감상되어 왔다.

8. 1. 재료

석조 조각은 거친 천연석 덩어리를 제어된 석재 가공을 통해 어떤 형상을 만들어내는 고대부터 이어져 온 활동이다. 재료의 영속성 때문에 가장 오래된 사회에서도 어떤 형태의 석공 기술이 있었음을 보여주는 증거를 찾을 수 있지만, 이집트, 그리스, 인도, 유럽처럼 조각에 적합한 돌이 전 세계 모든 지역에 있는 것은 아니다. 페트로그리프(암각화라고도 불림)는 아마도 가장 초기의 형태일 것이다. 암면의 일부를 그 자리에서 새기거나, 찍거나, 조각하거나, 깎아 제거함으로써 이미지를 만들어낸 것이다. 기념비적 조각은 대형 작품이며, 건축물에 부착되는 건축 조각도 그 범주에 속한다. 경석 조각은 비취, 수정, 옥수(마노, 오닉스, 카네리아의 종류)와 같은 반귀석을 사용한 미술품을 목적으로 하는 조각이며, 이 방법으로 만들어진 물체의 일반 용어이다. 알라바스터나 석고는 소형 작품에 적합하며, 조각하기 쉽고 비교적 내구성이 있는 부드러운 광물이다. 카메오 등의 조각이 새겨진 보석은 원래 인장을 새긴 반지로 사용되었다.

원본 석상의 모각(이는 고대 그리스 조각상에 있어 매우 중요했다)은 전통적인 포인팅과 즉흥적인 기법을 병행하여 이루어졌다. 포인팅에서는 원형을 둘러싼 나무틀에 정사각형 그리드를 붙이고, 그리드 위의 위치와 석상 개별 점 사이의 일련의 거리를 측정하여 이 정보를 활용하여 블록에 조각을 함으로써 복제품이 제작된다^[157].

루트비히 기스(Ludwig Gies) 작 『난민(Refugees)』 주철판 8x9.8cm, 1915년

청동 및 관련 동합금은 주조 금속 조각에 있어 가장 오래되고, 현재에도 가장 널리 사용되는 금속이다. 일본에서는 청동 주조 조각을 종종 "브론즈상"이라고 부른다. 일반적인 동합금은 응고 직전에 약간 팽창하는 특이하면서도 바람직한 특성을 가지고 있어, 금형의 미세한 디테일까지 채울 수 있다. 특히 다양한 도자기나 석재와 비교했을 때, 동합금의 강도와 연성은 역동적인 인물상을 제작하는 데 있어 큰 장점이다.(대리석 조각 참조). 금은 가장 부드럽고 귀한 금속이며, 보석류에 매우 중요하다. 은은 망치나 다른 도구로 작업하기에 충분히 부드러우며, 주조에도 적합하다. 금속 세공은 금세공이나 은세공에 사용되는 기법 중 하나이다.

주조란 미리 만들어진 속이 빈 금형에 액체 상태의 재료(청동, 구리, 유리, 알루미늄, 철 등)를 주입한 후 응고시키는 일련의 제조 공정이다. 고체 주조는 그 후 금형에서 분리되거나 잘라내어 공정이 완료되지만,^[158] 주조 완료 후 "저온 작업(cold work)"의 최종 단계를 거치는 경우도 있다. 주조는 가열하여 녹인 금속이나, 재료를 섞으면 상온에서 경화되는 다양한 재료(에폭시 수지, 콘크리트, 석고, 점토 등)의 성형에 자주 사용된다. 주조는 다른 방법으로는 제작이 어렵거나 비경제적인 복잡한 형태를 만들 때 가장 많이 사용된다. 현존하는 가장 오래된 주조품은 메소포타미아에서 출토된 기원전 3200년의 구리 개구리이다.^[159] 고유의 기법으로는 로스트 왁스 주조법, 석고 주조법, 사형 주조법 등이 있다.

용접은 서로 다른 금속 조각을 융합하여 다른 형태나 디자인을 만드는 공정이다. 용접에는 가스 용접, 피복 아크 용접, MIG 용접, TIG 용접 등 다양한 형태가 있다. 가스 용접은 강철 조각을 제작할 때 가장 일반적인 용접 방법인데, 강철 성형에서 가장 간단한 방법일 뿐만 아니라 접합부를 가장 깨끗하고 눈에 띄지 않게 할 수 있기 때문이다. 또한, 가스 용접 조각 제작에 자주 사용되는 것이 단조이다. 단조는 금속을 연화될 정도로 가열한 후 다른 형태로 성형하는 공정이다. 대표적인 예로, 강철 봉의 끝을 가열하여 붉게 달군 끝을 모루에 올려놓고 망치로 두드려 성형 가공하는 것을 들 수 있다.

|thumb|right|데일 치훌리(Dale Chihuly)의 2006년 작품(유리 불기 기법 사용)

유리는 광범위한 작업 기법을 통해 조각에도 사용될 수 있지만, 대형 작품에 사용된 것은 최근에 시작된 일이다. 조각도 가능하지만 상당한 어려움을 수반하며, 일본에서는 에도 깍기(江戸切子) 등의 예가 알려져 있다. 서양에서는 로마의 뤼쿨구스 컵(リュクルゴスの聖杯)이 독특한 작품이다.^[160] 고온 주형은 모래를 프레스 성형하거나 흑연(グラファイト)을 조각하거나 정교한 석고 및 실리카(シリカ) 제형에 용융 유리를 주입하여 실행 가능하다. 가마 주조 유리는 가마에서 유리 덩어리를 액체가 될 때까지 가열하여 가마 아래에 놓인 금형에 흘려 넣는다. 유리는 또한 불거나 수공구를 사용하여 고온 조각되기도 한다. 최근의 기법으로는 끌(鏨) 조각, 폴리실리케이트(ケイ酸ポリマー) 및 자외선을 사용한 판유리 접합 등이 있다.^[161]

토(陶土)는 조각에 있어서 가장 오래된 재료 중 하나이며, 점토 또한 금속으로 주조된 많은 조각에서 주조를 위해 처음 조형되는 매개체이다. 조각가들은 석고, 밀랍, 소성 전 점토, 플라스틱 점토 등으로 마케트(maquette)라고 불리는 소형의 예비 작품(조각의 견본)을 제작하는 경우가 많다.^[162] 많은 문화권에서 기능성 용기와 조각적인 형태를 겸비한 도자기를 만들어 왔으며, 도자 소상(小立像)은 서양 근대 문화에서만큼이나 인기가 높다. 인장과 틀은 고대 로마와 메소포타미아부터 중국에 이르기까지 대부분의 고대 문명에서 사용되었다.^[163]

|thumb|목조 보살상, 중국 송나라 시대 작품. 상하이 박물관 소장.

|thumb|right|그리스도의 십자가형(부분), 목재와 다색 채색. 1793년 호세 루한 페레스(José Luján Pérez) 작.

목조는 매우 널리 행해졌지만, 다른 주요 재료에 비해 현존하는 작품이 훨씬 적으며, 부패, 곤충 피해, 화재에 취약하다.^[151]. 야외 목조는 세계 대부분 지역에서 오래 가지 못하기 때문에, 토템폴 전통이 어떻게 발전해 왔는지 거의 알려져 있지 않다. 특히 중국과 일본의 가장 중요한 조각품의 상당수가 목재로 만들어졌고, 아프리카 조각의 대부분과 오세아니아 등의 지역 조각도 목재이다.

목재는 가볍기 때문에 가면 등 휴대를 목적으로 한 조각에 적합하며, 매우 정교한 디테일을 제작할 수 있다. 돌보다 훨씬 가공이 용이하다. 대부분의 경우 조각 후에 채색되지만, 안료는 목재보다 접착력이 약하여 현존 작품에서는 (채색이) 자주 손실되어 있다. 전형적으로 젤소(gesso)나 회반죽 등의 바탕칠이 목재에 칠해진 후 안료가 사용된다.

8. 2. 기법

조각에 사용되는 재료는 매우 다양하며, 시대에 따라 변화해왔다. 금속, 청동, 돌, 도자기는 내구성이 뛰어나 고전적인 재료로 꼽힌다. 목재, 뼈, 뿔은 내구성은 낮지만 저렴한 재료이다. 금, 은, 옥, 상아와 같은 귀중한 재료는 작고 고급스러운 작품이나 크리소엘레판틴 조각상과 같은 대형 작품에 사용된다. 일반적이고 저렴한 재료로는 활엽수(참나무속, 회양목속, 피나무속 등), 테라코타와 같은 도자기, 밀랍(주조용 모형에 매우 일반적인 재료), 퓨터나 아연(스펠터)과 같은 주조 금속이 있다.^[148]^[154]

조각은 채색되는 경우가 많지만, 시간이 지나면서 또는 복원 과정에서 채색이 손실되기도 한다. 조각 채색에는 템페라, 유화, 금박, 가정용 안료, 에어로졸, 에나멜, 샌드블라스팅 등 다양한 기법이 사용된다.^[148]^[154]

많은 조각가들은 새로운 기법과 재료를 찾기 위해 노력한다. 파블로 피카소(Pablo Picasso)의 '황소의 머리황소의 머리/Bull’s Head^영어'는 자전거 부품을 사용했고, 알렉산더 칼더(Alexander Calder)와 다른 모더니즘 조각가들은 채색된 강철을 사용했다. 1960년대 이후로는 아크릴(acrylic)과 같은 플라스틱류도 사용되고 있다. 앤디 골즈워시(Andy Goldsworthy)는 자연에서 얻은 재료로 수명이 매우 짧은 조각을 제작한다. 얼음 조각, 모래 조각, 가스 조각가스 조각/gas sculpture^영어 등은 의도적으로 수명이 짧게 제작된다. 최근 조각가들은 스테인드글라스, 공구, 기계 부품, 하드웨어, 소비 포장재를 사용하여 작품을 제작하기도 한다. 때로는 펀드 오브제(found object)를 사용하기도 하며, 중국의 공석(供石)은 수 세기 동안 높이 평가받아 왔다.

9. 조각의 목적과 주제

조각의 가장 일반적인 목적은 종교와의 연관성을 갖는 것이다. 많은 문화권에서 우상이 일반적이지만, 올림피아의 제우스상과 같은 거대한 조각상은 드문 경우이다.^[151] 힌두교에서는 링가와 같이 단순한 형태의 조각이 일반적이다. 불교는 동아시아에 종교적 인물 조각을 전파했는데, 이전에는 유사한 전통이 없었던 것으로 보인다.^[151]

이스터섬의 모아이 석상. 대형 조각에 대한 자원 집중은 큰 정치적 영향력을 가졌을 가능성이 있다.

개인 소유물로서의 소형 조각은 선사 시대 예술 초기까지 거슬러 올라가며, 통치자의 권력을 보여주기 위한 공공 예술로서의 대형 조각은 약 4500년 전 기자의 대스핑크스까지 거슬러 올라간다.^[151] 고고학과 미술사에서 대형 조각의 출현과 소멸은 중요하게 여겨지지만, 나무 등 부패하기 쉬운 재료로 만들어진 조각의 존재 때문에 그 기원을 추적하기는 어렵다.^[3]^[151]

토템폴은 고고학적 증거를 남기지 않는 나무 조각의 한 예이다. 기념비적 조각 제작을 위한 자원 조달 능력은 사회 조직의 발전 수준을 보여주는 지표로 간주된다. 고대 중국 청동기 시대 삼성퇴 유적에서는 실물 크기의 두 배가 넘는 인물상이 발견되어 기존의 통념을 바꾸었다.^[4]^[152] 인더스 문명은 정교한 소형 조각상을 제작했지만 기념비적 조각은 없었던 것으로 보이며, 미시시피 문화는 붕괴 직전 소형 돌 조각상을 사용하기 시작했다.^[152]

요하네스 8세 팔레올로고스의 메달, 1435년 피사넬로 작. 최초의 초상 메달

조각 수집은 그리스, 중국, 중앙아메리카 등에서 약 2000년 전부터 시작되었으며, 많은 컬렉션이 반공개적으로 전시되었다. 20세기 이후 대형 조각의 주제 범위가 확장되어 추상적인 주제도 일반화되었다. 오늘날 많은 조각은 갤러리와 박물관 전시를 위해 만들어지며, 대형 작품 운반 및 보관 능력이 제작에 영향을 미친다.

로코코 시대, 타나그라 인형이 주요 산업이었던 고대 그리스, 동아시아 및 콜럼버스 이전 시대 미술에서는 도자기로 만든 소형 장식물이 인기가 있었다. 가구 등을 위한 소형 조각 부속품은 님루드 상아(Nimrud ivories), 베그람 상아(Begram ivories), 투탕카멘 무덤에서 발견된 것과 같이 고대부터 존재했다.

초상 조각은 이집트 (나르메르 팔레트(Narmer Palette))와 메소포타미아 (구데아(Gudea) 조각상)에서 시작되었다.^[5]^[153] 고대 그리스와 로마에서는 공공장소에 초상 조각상을 세우는 것이 큰 영예였으며, 동전에 묘사되는 것은 엘리트들의 야망이었다.^[5]^[153] 이집트와 근동 등에서는 공공 조각상이 통치자의 전유물이었고, 다른 부유한 사람들은 무덤에만 묘사되었다. 동아시아 초상 조각은 종교적인 것으로, 통치자나 조상 대신 승려의 기념 조각상이 있었다. 지중해 전통은 중세 시대에 무덤 상과 동전으로 시작하여 르네상스 시대에 개인 초상 메달 등으로 확장되었다.

동물은 조각의 초기 주제 중 하나이며, 때로는 사실적이지만 상상 속 괴물인 경우도 많았다. 중국에서는 동물과 괴물이 무덤과 사원을 제외한 전통 석조 조각의 주요 주제이다. 식물계는 보석과 장식 부조에서 중요하며, 비잔틴 예술과 이슬람 예술의 대형 조각을 구성한다. 팔메트(palmette)와 포도나무 장식은 동서양을 가로질러 전파된 유라시아 전통에서 중요하다.

선사 시대 문화에서 발견되는 조각 형태 중 하나는 의식용으로 귀중한 재료로 만들어진 도구, 무기, 용기의 확대된 버전이다. 옥(Jade)이나 녹색 암석은 중국, 올멕 멕시코, 신석기 시대 유럽에서 사용되었고, 초기 메소포타미아에서는 큰 도자기 모양이 돌로 만들어졌다. 청동은 옥스버러 단검(Oxborough Dirk)과 같이 유럽과 중국에서 큰 도끼와 칼날을 만드는 데 사용되었다.

10. 조각가의 사회적 지위

전 세계적으로 조각가들은 대개 작품에 서명하지 않는 장인이었다.^[16] 중국과 같이 조각이 문인화만큼의 명성을 얻지 못한 일부 전통에서는 이것이 조각 자체의 지위에 영향을 미쳤다.^[16] 피디아스(Phidias)와 같이 유명해진 조각가들이 있었던 고대 그리스에서조차도 그들은 다른 장인들과 거의 같은 사회적 지위를 유지했고, 아마도 경제적 보상도 그다지 크지 않았을 것이지만, 일부는 자신의 작품에 서명하기는 했다.^[17] 중세 시대에는 12세기의 기슬레베르투스(Gisbertus)와 같은 예술가들이 때때로 자신의 작품에 서명했고,^[165] 특히 14세기부터 이탈리아에서 아르놀포 디 캄비오(Arnolfo di Cambio), 니콜라 피사노(Nicola Pisano)와 그의 아들 조반니 피사노(Giovanni Pisano)와 같은 인물들이 여러 도시에서 인기를 얻었다. 귀금속을 다루고 종종 은행가를 겸했던 금세공인과 보석 세공인들은 강력한 길드(guild)에 속해 상당한 지위를 누렸고, 종종 시민직을 맡기도 했다. 많은 조각가들이 다른 예술 분야에서도 활동했는데, 안드레아 델 베로키오(Andrea del Verrocchio)는 그림도 그렸고, 조반니 피사노, 미켈란젤로(Michelangelo), 야코포 산소비노(Jacopo Sansovino)는 건축가였다. 일부 조각가들은 큰 작업장을 운영했다. 르네상스 시대에도 레오나르도 다 빈치(Leonardo da Vinci) 등은 조각의 물리적 작업 특성이 예술에서 조각의 지위를 떨어뜨린다고 인식했지만, 미켈란젤로의 명성은 이 오래된 생각을 종식시켰을 것이다.

조각가 아담 크라프트(Adam Kraft)의 자화상. 뉘른베르크(Nürnberg) 성 로렌츠 교회, 1490년대

고르네상스(High Renaissance) 시대부터 미켈란젤로(Michelangelo), 레오네 레오니(Leone Leoni), 장 봄보냐(Giambologna)와 같은 예술가들은 조각과 회화의 상대적 지위에 대한 격렬한 논쟁을 거친 후 부유해지고, 귀족이 되고, 왕족의 궁정에 들어갈 수 있었다.^[18] 건물의 많은 장식 조각은 여전히 장인의 영역이었지만, 개별 작품을 제작하는 조각가들은 화가들과 같은 수준으로 인정받았다. 18세기 이전부터 조각은 중산층 학생들에게도 인기를 얻었지만, 회화보다 속도가 느렸다. 여성 조각가들은 여성 화가들보다 등장이 늦었고, 20세기까지는 그다지 두각을 나타내지 못했다.

11. 반(反)조각 운동

탈상주의는 유대교에서 시작되었는데, 유대교는 19세기 이전까지는 구상 조각을 받아들이지 않았다.^[19] 그 후 기독교로 확대되었지만, 초기 기독교는 대형 조각을 수용하였다. 기독교와 불교에서 조각은 매우 중요해졌다. 기독교 동방 정교회는 대형 조각을 수용하지 않았으며, 이슬람교는 알함브라의 분수를 받치고 있는 사자상과 같이 부조의 아주 작은 인물과 실용적인 기능을 하는 일부 동물상을 제외하고는 거의 모든 구상 조각을 지속적으로 거부해 왔다.^[167] 많은 형태의 프로테스탄티즘 또한 종교 조각을 승인하지 않는다. 초기 기독교도와 프로테스탄트 종교 개혁 시대의 베엘덴스토름에서부터 2001년 탈레반에 의한 바미얀 석불 파괴에 이르기까지 종교적인 동기로 인한 많은 조각에 대한 우상 파괴가 있었다.^[167]

12. 조각의 역사

, 기원전 2만 4천년~2만 6천년경

가장 초기의 조각 예술품은 오리냐크 문화에서 비롯되었으며, 유럽과 서남아시아에서 발견된다.^[20]^[21] 이들은 동굴 벽화 외에도 석기 도구, 장신구, 뢰벤멘쉬와 같은 3차원 조각상을 만들었다.^[20]^[21] 뢰벤멘쉬 조각상은 매머드 상아로 만든 인수형 조각상으로, 약 3만 5천년에서 4만년 전의 것으로 추정되며, 가장 오래된 조각 예술품 중 하나이다.^[22]

뢰벤멘쉬 조각상(Löwenmensch figurine), 홀슈타인-슈타델(Hohlenstein-Stadel) 출토, 현재 울름 박물관(울름(Ulm), 독일) 소장, 가장 오래된 것으로 알려진 인간형 동물-인간 조각상, 오리냐크(Aurignacian) 시대, 약 3만 5천~4만년 전

야생마(Wild horse), 포겔헤르트 동굴(Vogelherd cave), 독일 출토, 약 3만 3천~3만 5천년 전

선사 시대 미술 작품 중에는 빌렌도르프의 비너스와 같은 소형 여성 조각상들이 많다.^[23] 수영하는 순록은 마들렌 문화의 동물 조각상 중 가장 뛰어난 작품 중 하나이다.^[24] 튀크 다우도베르 동굴에서는 석회암 바위에 들소 두 마리를 점토로 조각한 대형 조각상 두 점을 볼 수 있다.^[25]

로셀의 비너스(Venus of Laussel), 약 2만 7천년 전, 구석기 후기 조각, 보르도 박물관, 프랑스

중석기 시대에는 인물 조각이 줄어들었고,^[26] 유럽 철기 시대의 군데스트룹 가마솥과 청동기 시대의 트룬돌름 태양 마차와 같은 일부 작품들이 있다.^[27]

트룬드홀름 태양 전차(Trundholm sun chariot), 아마도 기원전 1800~1500년경; 한쪽은 도금되었고, 다른 쪽은 "어둡다".

고대 근동에서는 우르파 인간(Urfa Man)이 기원전 9000년경, 아인 가잘 조각상(Ain Ghazal Statues)이 기원전 7200년에서 6500년경에 만들어졌다. 선토기 신석기 시대부터 근동 지역에서는 사람과 동물을 묘사한 작은 점토 인형들이 발견된다.

12. 1. 선사 시대

가장 초기의 조각 예술품은 오리냐크 문화에서 비롯되었으며, 유럽과 서남아시아에서 발견된다.^[20]^[21] 이들은 동굴 벽화 외에도 석기 도구, 장신구, 뢰벤멘쉬와 같은 3차원 조각상을 만들었다.^[20]^[21] 뢰벤멘쉬 조각상은 매머드 상아로 만든 인수형 조각상으로, 약 3만 5천년에서 4만년 전의 것으로 추정되며, 가장 오래된 조각 예술품 중 하나이다.^[22]

선사 시대 미술 작품 중에는 빌렌도르프의 비너스와 같은 소형 여성 조각상들이 많다.^[23] 수영하는 순록은 마들렌 문화의 동물 조각상 중 가장 뛰어난 작품 중 하나이다.^[24] 튀크 다우도베르 동굴에서는 석회암 바위에 들소 두 마리를 점토로 조각한 대형 조각상 두 점을 볼 수 있다.^[25]

중석기 시대에는 인물 조각이 줄어들었고,^[26] 유럽 철기 시대의 군데스트룹 가마솥과 청동기 시대의 트룬돌름 태양 마차와 같은 일부 작품들이 있다.^[27]

고대 근동에서는 우르파 인간(Urfa Man)이 기원전 9000년경, 아인 가잘 조각상(Ain Ghazal Statues)이 기원전 7200년에서 6500년경에 만들어졌다. 선토기 신석기 시대부터 근동 지역에서는 사람과 동물을 묘사한 작은 점토 인형들이 발견된다.

12. 2. 고대 근동

고대 근동 지역의 조각은 기원전 9000년경 터키의 우르파 인간(Urfa Man)에서부터 시작된다. 이 조각상은 실물 크기보다 큰 석조상이다. 기원전 7200년에서 6500년경 요르단에서 만들어진 아인 가잘 조각상(Ain Ghazal Statues)은 석회 석고와 갈대를 사용하여 제작되었으며, 실물 크기의 절반 정도이다. 이 조각상들 중 일부는 머리가 두 개씩 나란히 있으며, 15개의 흉상도 함께 발견되었다. 선토기 신석기 시대(Pre-Pottery Neolithic)부터 근동 지역의 여러 유적지에서 사람과 동물을 묘사한 작은 점토 인형들이 발견되었는데, 이는 이 지역에서 거의 끊임없이 이어져 온 전통의 시작을 보여준다.

메소포타미아에서는 프로토문자 시대에 우르크가 지배적인 세력이었으며, 와르카 항아리와 원통 인장과 같은 정교한 작품들이 제작되었다. 기원전 3000~2800년경 엘람 출신의 구에놀 여사자는 인간과 여사자의 모습을 결합한 뛰어난 소형 석회암 조각상이다.^[28] 이후 사제와 예배자들의 조각상이 많이 등장했는데, 대부분 alabaster로 만들어졌고, 키가 최대 30cm에 달하며, 신의 사원 숭배 조각상에 참석한 사람들을 묘사한 것이다. 그러나 이러한 조각상들은 많이 남아있지 않다.^[29] 수메르와 아카드 시대의 조각상들은 일반적으로 크고 째려보는 듯한 눈과 남자의 경우 긴 수염을 가지고 있다. 우르의 왕릉(기원전 2650년경)에서는 ''수풀 속의 숫양'' 두 개의 조각상, ''구리 황소'', 우르의 리라 중 하나의 황소 머리 등 많은 걸작들이 발견되었다.^[30]

점토에 찍힌 인장; 세르포파르드와 독수리, 우르크 시대, 기원전 4100~3000년

기원전 10세기 신아시리아 제국 이전 시대의 메소포타미아 미술은 원통 인장, 작은 입체 조각상, 다양한 크기의 부조 등 여러 형태로 남아 있다. 가정용으로 만들어진 값싼 점토판 부조는 종교적인 것과 그렇지 않은 것이 있다.^[31] 버니 부조는 맹금류의 발을 가진 나체의 날개 달린 여신과 올빼미와 사자들이 함께 있는, 비정상적으로 정교하고 비교적 큰 테라코타 판이다. 기원전 18세기 또는 19세기의 것으로 추정되며, 주조되었을 가능성도 있다.^[32] 사원에서는 석재 스텔라, 봉헌물 또는 승리와 연회를 기념하는 것으로 추정되는 스텔라도 발견되었는데, 더 공식적인 스텔라와 달리 이러한 스텔라들은 설명해 줄 수 있는 비문이 없다.^[33] 파편적인 독수리 스텔라는 비문이 있는 초기 사례이며,^[34] 아시리아의 살마네세르 3세의 흑색 오벨리스크는 크고 견고한 후기 작품이다.^[35]

아시리아인들은 메소포타미아 전역과 주변 지역을 정복하면서 이전보다 더 크고 부유한 국가를 건설했고, 궁전과 공공 장소에는 매우 장엄한 예술 작품들이 만들어졌다. 이는 이웃 이집트 제국의 예술의 화려함에 맞먹으려는 의도도 있었을 것이다. 아시리아인들은 이라크 북부에서 쉽게 조각할 수 있는 돌을 대량으로 사용했다. 그들은 궁전을 위해 석재로 매우 정교한 세부 묘사를 한 매우 큰 규모의 서사적 저부조 양식을 개발했는데, 전쟁이나 사냥 장면이 묘사되어 있다. 영국 박물관에는 ''아슈르바니팔의 사자 사냥''과 군사 작전을 보여주는 라키시 부조를 포함한 뛰어난 소장품이 있다. 아시리아인들은 인간의 머리를 가진 거대한 수호신 라마수를 제외하고는 입체 조각을 거의 만들지 않았는데, 라마수는 직사각형 블록의 양쪽에 고부조로 조각되어 있으며 머리는 실제로 입체적이다(또한 다섯 개의 다리가 있어서 두 가지 시각 모두 완전해 보입니다). 아시리아인들은 이 지역을 지배하기 전에도 원통 인장 전통을 이어받았는데, 그 디자인은 종종 매우 역동적이고 정교했다.^[36]

12. 3. 고대 이집트

고대 이집트의 거대한 조각상은 세계적으로 유명하지만, 정교하고 섬세한 소형 작품들이 훨씬 더 많이 존재한다. 이집트인들은 매우 밝은 햇빛에 잘 어울리는 독특한 선각 기법을 사용했다. 부조의 주요 인물들은 그림과 같은 인물 표현 규칙을 따르는데, 다리는 벌리고 머리는 옆모습으로, 몸통은 정면으로 표현했다.^[188] 나르메르 팔레트(Narmer Palette)에서 이미 이러한 표현방식이 나타난다. 그러나 포로나 시체처럼 어떤 활동에 종사하는 사소한 인물들에게는 사용되지 않았다.^[189] 남성 조각상을 여성 조각상보다 어둡게 만드는 것 또한 이집트 조각상의 관례이다.

매우 관례적인 초상 조각상은 기원전 2780년 이전의 고대 이집트 제2왕조부터 등장하며,^[190] 아케나톤(Ahkenaten)의 아마르나 미술(Amarna art)^[191]과 고대 이집트 제12왕조와 같은 일부 다른 시대를 제외하고, 통치자들의 이상화된 특징은 다른 이집트 예술적 관례와 마찬가지로 그리스 정복 이후까지 거의 변하지 않았다.^[192]

투트모세가 제작한 『네페르티티 흉상』, 기원전 1345년. 베를린 신박물관 소장

이집트 파라오(pharaoh)는 항상 신으로 여겨졌지만, 다른 신들은 파라오가 다른 신으로서 묘사될 때를 제외하고는 대형 조각상에서 훨씬 드물게 나타난다. 그러나 다른 신들은 그림과 부조에 자주 등장한다. 아부 심벨 대신전 외부에 있는 네 개의 거대한 조각상은 각각 람세스 2세(Rameses II)를 보여주는데, 전형적인 방식이지만, 여기서는 예외적으로 크다.^[193] 신이나 그들의 동물적 화신의 소형 조각상은 매우 흔하며, 도자기와 같은 대중적인 재료로 만들어졌다.

대부분의 대형 조각상은 이집트 신전(Egyptian temple)이나 무덤에서 발견된다. 최소한 고대 이집트 제4왕조(기원전 2680~2565년)까지는 카 조각상(Ka statue)의 개념이 확립되었다. 이 조각상들은 영혼 카를 위한 안식처로 무덤에 놓였으며, 따라서 우리는 부유한 관리들과 그들의 아내들의 덜 관례적인 조각상들을 많이 가지고 있는데, 이집트는 기후가 수천 년 동안 나무가 보존될 수 있는 세계에서 몇 안 되는 곳 중 하나이기 때문에 많은 나무 조각상이 있다. 소위 예비 머리(reserve head)라고 불리는, 평범한 털 없는 머리는 특히 사실적이다. 초기 무덤에는 또한 사후 세계에서 고인의 생활 방식을 계속하기 위해 필요한 노예, 동물, 건물 및 배와 같은 물건들의 작은 모형이 포함되어 있었고, 나중에는 우샤브티(매장용 인형)상이 포함되었다.^[194]

12. 4. 유럽

가장 이른 시기의 조각 예술품들은 구석기 시대 초기 오리냐크 문화에 속하며, 유럽과 서남아시아에 위치한다. 이들은 정교한 석기 도구, 펜던트, 팔찌, 상아 구슬, 뼈 피리, 3차원 조각상 등을 만들었다.^[20]^[21] 독일에서 발견된 뢰벤멘쉬는 매머드 상아로 조각된 인수형 조각상으로, 약 3만 5천년~4만년 전 호흘펠스의 비너스와 함께 가장 오래된 조각 예술품으로 여겨진다.^[22] 빌렌도르프의 비너스와 같은 비너스 조각상들은 중앙 유럽 전역에서 발견되는 소형 휴대용 조각상이다.^[23] 수영하는 순록은 마들렌 문화의 동물 조각상 중 가장 뛰어난 작품 중 하나이다.^[24] 프랑스 튀크 다우도베르 동굴에서는 석회암 바위에 들소 두 마리를 점토로 조각한 대형 조각상 두 점을 볼 수 있다.^[25]

유럽에서 중석기 시대가 시작되면서 인물 조각은 크게 줄었고,^[26] 유럽 철기 시대의 군데스트룹 가마솥과 청동기 시대의 트룬돌름 태양 마차와 같은 몇몇 작품들이 있다.^[27]

델포이의 청동 마차 운전사, 고대 그리스 청동 조각, 기원전 5세기, 머리 부분 상세 묘사

고대 그리스 조각의 첫 독특한 양식은 초기 청동기 시대 키클라데스 시대(기원전 3천년기)에 발전했는데, 대리석으로 만든 여성 조각상들이 단순화된 기하학적 양식으로 표현되었다.^[44] 미노아와 미케네 문화는 조각을 더욱 발전시켰지만, 기원전 650년경부터 후기 아르카이크 시대에 쿠로스가 등장했다. 이들은 신전과 무덤에서 발견되는 나체의 젊은이를 묘사한 큰 입상으로, 코레는 옷을 입은 여성 조각상이다. 이들은 이집트와 시리아 양식의 영향을 받았지만, 그리스 예술가들은 그 양식 내에서 실험하는 데 더 열려 있었다.

6세기 동안 그리스 조각은 급속히 발전하여 더욱 자연스러워졌고, 파르테논을 포함한 신전에 조각된 페디먼트가 추가되었다.^[45] 대부분의 그리스 조각은 원래 채색되어 있었으며, 덴마크 코펜하겐의 니 칼스베르그 글립토테크 박물관은 원래 색상에 대한 연구와 재현 작업을 수행했다.^[46]^[47]

미켈란젤로, 율리우스 2세의 묘, , 그의 ''모세'' 좌우에 라헬과 레아의 조각상이 있다.

르네상스 조각은 1403년 피렌체 세례당 문을 위한 공모전으로 시작되었는데, 당선자 로렌초 기베르티와 필리포 브루넬레스키가 제출한 모델이 남아 있다. 기베르티의 문은 아직도 제자리에 있지만, ''낙원의 문''에 의해 빛이 바랬다.^[79] 도나텔로는 ''다비드''와 가타멜라타 기마상을 비롯한 조각상과 부조를 통해 독창적인 작품들을 선보였다.^[80] 안드레아 델 베로키오는 바르톨로메오 콜레오니의 기마상으로 가장 잘 알려져 있다.^[81] 레오나르도 다 빈치는 ''말''이라는 말 조각을 설계했지만, 점토 모델만 만들었을 뿐 완성하지 못했다.^[82]

이 시대는 공공 예술에 대한 국가의 후원과 부유한 사람들의 후원이 크게 증가한 시대였다. 초상 조각은 1450년경에 유행했는데, 프란체스코 라우라나는 젊은 여성을, 안토니오 로셀리노는 남성들을 묘사했다.^[83] 피사넬로가 고안한 초상 메달도 여성을 묘사했으며, 부조 플라케트는 또 다른 소형 조각이었다.

미켈란젤로는 ''다비드'', ''피에타'', ''모세''를 포함한 걸작들과 율리우스 2세의 묘와 메디치 예배당을 위한 작품들은 후대 조각가들이 무시할 수 없었다. 그의 다비드(1504년)는 ''콘트라포스토'' 자세를 취하고 있으며, 골리앗과의 전투 전의 다비드를 묘사한다는 점에서 다르다.^[84]

아드리안 드 브리스(Adriaen de Vries), ''메르쿠리우스와 프시케(Mercury and Psyche)'', 북방 매너리즘 양식의 청동 조각. 1593년 신성 로마 제국 황제 루돌프 2세(Rudolf II, Holy Roman Emperor)를 위해 제작.

초기 이탈리아 매너리즘 조각은 미켈란젤로를 능가하는 독창적인 양식을 찾으려는 시도였으며, 많은 노력은 피렌체의 시뇨리아 광장(Piazza della Signoria)에 있는 미켈란젤로의 다비드상 옆에 다른 작품들을 설치하는 의뢰를 통해 이루어졌다. 바치오 반디넬리(Baccio Bandinelli)는 헤르쿨레스와 카쿠스(Hercules and Cacus) 프로젝트를 인계받았지만, 인기가 없었고, 벤베누토 첼리니(Benvenuto Cellini)는 "멜론 자루"에 비유하며 악의적으로 비판했지만, 조각상 받침대에 처음으로 부조 패널을 도입했다.^[85] 첼리니의 청동 조각 ''메두사의 머리를 든 페르세우스(Perseus with the head of Medusa)''는 걸작이며, 여덟 개의 시점으로 설계되었지만, 미켈란젤로와 도나텔로의 다비드상에 비하면 매너리즘적이다.^[86] 금세공인이었던 그는 금과 에나멜로 만든 첼리니 소금병(Cellini Salt Cellar)(1543)을 그의 첫 번째 조각으로 만들었으며, 그의 재능을 가장 잘 보여준다.^[87] 이 시대에는 신화 속 인물들이 선호되는 등 대형 작품의 세속적 주제의 범위가 확장되었다.

플랑드르 출신 쟌볼로냐(Giambologna)는 16세기 후반에 탁월한 솜씨를 보여주었으며, 생동감 넘치는 조각상들을 만들었고, 그중 두 점이 시뇨리아 광장의 소장품에 합류했다. 그와 그의 추종자들은 ''피구라 세르펜티나타(figura serpentinata)''의 예를 고안했다.^[88]

베르니니, ''아폴론과 다프네'', 보르게세 미술관, 1622–1625년

바로크 조각에서는 여러 인물이 모인 조각상이 새로운 중요성을 갖게 되었고, 인간 형상의 역동적인 움직임과 에너지가 나타났다. 바로크 조각은 종종 여러 각도에서 감상하는 것이 이상적이었으며, 부조에서 벗어나 입체적으로 제작되어 넓은 공간 중앙에 배치되도록 고안되었다. 네 개의 강의 분수(로마, 1651년)나 베르사유 궁전 정원의 분수는 바로크 양식의 특징이었다. 베르니니는 ''테레사 성녀의 황홀경''(1647-1652)과 같은 작품으로 그 시대를 지배하는 인물이었다.^[89] 많은 바로크 조각은 숨겨진 조명이나 분수를 추가하거나, 조각과 건축을 융합하여 관람객에게 변형적인 경험을 선사했다. 예술가들은 고전주의 전통을 따른다고 여겼지만, 헬레니즘과 후기 로마 조각을 더 존경했다.^[90]

종교 개혁으로 북유럽의 대부분 지역에서 종교 조각이 거의 완전히 중단되었고, 세속 조각은 계속되었지만, 네덜란드 황금기는 금세공을 제외하고는 중요한 조각 양식을 가지고 있지 않다.^[91] 조각은 로마 가톨릭 교회에서도 두드러졌다. 통치자와 귀족의 조각상이 점점 더 인기를 얻었다. 18세기에 많은 조각이 바로크 양식을 따라 계속되었는데, 트레비 분수는 1762년에야 완공되었다. 로코코 양식은 소형 작품에 더 적합했고, 초기 유럽 도자기와 프랑스 가정의 내부 장식이나 오스트리아와 바이에른 순례 교회와 같은 목재나 석고로 된 실내 장식에서 이상적인 조각 형태를 찾았다.^[92]

18세기 후반에 등장한 신고전주의 양식은 조각에 큰 비중을 두었다. 장-앙투안 우동은 섬세한 초상 조각의 전형적인 예이며, 안토니오 카노바의 누드 조각은 이 운동의 이상주의적 측면을 보여준다. 신고전주의 시대는 공공 조각의 황금기 중 하나였지만, 그 "고전적인" 원형은 헬레니즘 조각의 로마식 복제품일 가능성이 더 높았다. 조각 분야에서 가장 잘 알려진 대표적인 예술가는 안토니오 카노바, 존 플랙스먼, 베르텔 토르발센이다. 유럽의 신고전주의 양식은 미국에서도 자리 잡았고, 그 절정은 다소 늦게 나타났으며 히람 파워스의 조각에서 그 예를 찾아볼 수 있다.

12. 5. 아시아

그레코 불교 미술은 고대 그리스 문화와 불교 간의 문화적 융합인 그레코 불교의 예술적 표현으로, 기원전 4세기 알렉산드로스 대왕의 정복부터 7세기 이슬람 정복까지 약 1000년 동안 중앙아시아에서 발전했다. 그레코 불교 미술은 헬레니즘 미술의 강한 이상주의적 사실주의와 최초로 인간 형상을 한 부처의 표현이 특징이며, 이는 오늘날까지 아시아 대륙 전역의 불교 예술, 특히 조각의 기준을 정립하는 데 기여했다.^[253] 연대는 불확실하지만, 지중해 지역에서 쇠퇴한 후 수세기에 걸쳐, 늦어도 5세기에는 강력한 헬레니즘 양식이 동양에 전파된 것으로 여겨진다. 그리스 미술의 일부 특징이 도입되었지만, 그 외에는 그레코 불교 지역을 넘어 널리 퍼지지는 않았다. 특히 입상은 편안한 자세나 한쪽 다리를 구부린 자세(신의 사자의 도래를 표현)가 많으며, 후자는 천녀로서 아시아 전역에 퍼졌다. 그리스의 잎사귀 장식도 영향을 미쳐, 코린트식의 인도식이 등장했다.^[253]

그레코 불교 미술의 기원은 현재 아프가니스탄에 해당하는 그레코-바크트리아 왕국(기원전 250-130년)의 헬레니즘에서 찾을 수 있으며, 거기서 흘러들어온 헬레니즘 문화가 인도 아대륙에 유입되어 소규모 인도-그리스 왕조(기원전 180-10년)가 세워졌다. 인도-그리스 왕조와 그 후의 쿠샨 왕조(1-3세기) 하에서 그리스 문화와 불교 문화의 상호 작용은 간다라 지역(현재 파키스탄 북부)에서 꽃을 피웠고(간다라 미술), 더 나아가 인도로 퍼져 마투라의 예술과 그 후 굽타 왕조의 힌두교 예술에 영향을 미쳤으며, 이는 동남아시아 너머로까지 확대되었다. 그레코 불교 미술의 영향은 중앙아시아를 향해 북쪽으로 퍼져, 타림 분지와 둔황 석굴의 예술에 강하게 영향을 미쳤고, 궁극적으로 중국, 한국, 일본의 인물 조각에도 영향을 주었다.^[254]

의 윤왕좌(片膝을 꿇고 앉은)상, 11세기의 북송. 목재와 안료

은나라 및 서주 시대의 의례적인 중국의 청동기는 기원전 1500년부터 1000년 이상에 걸쳐 중국미술에 영향을 미쳤다. 복잡한 문양이나 동물상의 장식을 갖추고 주조되었지만, 인물상은 피해졌다(삼성퇴 유적에서 발견된 거대한 인두상만 예외)^[256]. 기원전 221-210년에 중국을 통일한 진나라의 진시황의 무덤을 위해 장대한 병마용이 모아졌고, 고인이 저승에서 생전과 같은 삶을 누릴 수 있도록 제국의 막대한 수의 입상이 능묘 내에 장기간 안치되었는데, 이는 고대 풍습인 순장의 희생을 대체한 것이었다. 도자기나 나무로 된 소상은 그 후 수세기에 걸쳐 무덤에 안치되었고, 당묘의 부장상에서 그 질이 정점에 달했다^[257]. 중국에서는 무덤의 당삼채상에서 후세의 유약을 입힌 거의 등신대의 도자기제 아라한상(의현) 등 불상 및 사찰이나 무덤의 인물상에 이르기까지, 비상하게 큰 도자기 인물상의 전통이 이어졌다. 이것들이 이전의 목제 동등물을 대체하고 있었다.

중국 고유의 종교는 일반적으로 신들의 우상을 사용하거나 표현조차 하지 않았다.^[259] 대형 종교 조각은 거의 모두 불교로, 주로 4세기부터 14세기에 걸쳐 실크로드를 통해 도착한 그레코 불교의 모형을 초기에는 사용했다. 또한 불상은 모든 대형 초상 조각의 맥락이기도 하다. 다른 지역과 대조적으로 중세 중국에서는 황제를 묘사한 초상화조차 사적인 것으로 간주되었다. 황제릉에는 실존 동물 및 신화 속 동물상이 나란히 있어 이집트에 필적하는 규모의 장대한 묘지 참도가 있고, 소형상은 사찰이나 사당을 장식하고 있다.^[259]

작은 불상이나 그 무리가 다양한 재질로 매우 고품질로 제작된 것 외에도,^[260] 모든 종류의 레리프 장식 소품(특히 금속 세공이나 비취 세공)도 제작되었다.^[261] 이전 시대에는 많은 조각이 마애불 등 암벽에 부조 형태로, 순례용 동굴 시설의 천연석에서 조각되었다. 이것들의 대부분은 원래 채색되어 있었다. 사대부 화가와 대조적으로 모든 종류의 조각가는 장인으로 간주되었고, 이름이 기록된 것은 극소수이다^[262]. 명나라 이후에는 종교적 인물이나 세속적인 인물의 소상이 중국 도자기로 제작되어 중요한 수출품이 되었다.

|thumb|동대사 盧舎那仏상(나라의 대불), 752년]]

신석기 시대 말기로 향하는 조몬 시대에, 조각이라 불릴 만한 것으로는 손잡이에 다채로운 장식이 施された “화염형(火焔型)”이라 불리는 일부 조몬식 토기^[265]와 사람 형상을 본뜬 토우가 제작되었으며, 후자에는 눈이 특징적인 遮光器토우도 있다. 3~6세기의 고분 시대에는, 도토(陶土)로 사람이나 동물을 본뜬 하니와가 중요한 고분의 외곽에 세워졌다. 6세기의 불교 전래를 계기로, 조각의 세련된 전통인 중국의 양식이 한국을 경유하여 전래되었다. 7세기의 법륭사 및 동상 법륭사 금당 석가삼존상(623년)을 포함한 그 소장품은 동시대의 어떤 동아시아 불교 사찰보다도 온전하게 현존하고 있으며, 좌우에 협시의 보살을 모신 석가여래가 보인다(그 외에 수호의 사천왕을 모신 불상도 있다)^[266]。

정조(定朝)는 헤이안 시대뿐 아니라 일본 불상사에서도 가장 위대한 불사 중 한 명이라고 일컬어진다. 정조는 몇 개의 목재를 조합하는 끼워맞춤 조 기법을 완성함으로써 불상의 체구를 재정의했다. 그가 만든 불상의 온화한 표현과 우아한 모습은 “정조 양식”이라 불리는 일본 불상 조각을 완성시켜 후세의 일본 불상 양식을 정했다. 그의 공적이 일본 불사의 사회적 지위를 극적으로 높였다^[267].

가마쿠라 시대에 겐지가 가마쿠라 막부를 창설하자, 무사 계급이 일본을 처음으로 사실상 지배했다. 정조의 뒤를 잇는 경파(慶派)의 조각가들은 무사의 취향에 맞춰 현실적이고 역동적인 조상을 제작하여 일본 불상은 그 정점에 달했다. 운경(運慶), 쾌경(快慶), 담경(湛慶)이 유명하며, 흥복사 등 많은 사찰에서 새로운 불상을 많이 제작했지만, 전쟁과 화재로 많은 불상이 소실되었다^[268].

그 후 일본에서는 거의 모든 대형 조각이 불상이었고, 약간은 신도에 해당하는 것도 있었지만, 15세기가 되면 불교 단체도 승병을 모아 무장 강화를 하게 되면서, 기념비적 조각은 주로 건축 장식(예를 들어 천수각의 금사자(金鯱) 등)이 되거나 그다지 중시되지 않았다^[269]. 하지만 장식 미술에 있어서 조각 작품은 다양한 소재의 인롱(印籠)이나 네츠케(根付), 일본도의 외장구(장식 등)과 같은 소형 오브제에서 기술 수준과 세련됨이 눈부시게 발전했다. 19세기가 되면 기술적 성과를 더욱 강조한 초절 기교의 소형 청동 조각, 상아나 자기의 장식물, 그 외 소형 조각의 수출 산업이 일어났다^[270].

굽타 제국 시대의 도자기 부조, 5세기. 힌두교 신 크리슈나가 말 악마 케시(Keshi)를 물리치는 장면

인도아대륙에서 알려진 최초의 조각은 현재 파키스탄에 있는 모헨조다로와 하라파 유적에서 발견된 인더스 문명(기원전 3300-1700년)의 것이다. 여기에는 유명한 청동 춤추는 소녀상와 사제왕상이 포함된다. 그러나 이러한 청동상이나 석상은 드물고, 도자기 장식이나 돌 도장이 더 많으며, 동물이나 신들이 종종 매우 정교하게 묘사되어 있다. 인더스 문명 멸망 후, 기원전 1500년경(약간의 논쟁이 있음) 다이마바드(Daimabad)에서 출토된 동상들을 제외하면 불교 시대까지 조각의 기록은 거의 없다.^[271] 따라서 인도에서의 돌 기념물 조각의 전통은 다른 문화와의 관련 속에서 시작된 것으로 여겨지며, 인도 문명의 발전은 비교적 늦어 기원전 270-232년까지의 아쇼카왕 통치기에 인도 주변에 세워진 아쇼카왕의 명문이 새겨진 석주(그의 칙령이 새겨져 있으며, 주두에는 주로 사자 등의 동물 조각이 있었던 것으로 유명) 중 6개가 현재 남아 있다.^[272] 다량의 구상 조각은 주로 부조이며, 초기 불교 순례용(특히 산치의) 탑에서 온 것들이 남아 있다. 이들은 아마도 힌두교도 수용한 목재 사용 전통에서 발전한 것일 것이다.^[273]

1-3세기 마투라의 힌두교, 자이나교, 불교의 분홍색 사암 조각은 인도 고유의 전통과 간다라의 그레코-불교 미술을 통해 받은 서양의 영향을 모두 반영하고 있으며, 그 후 인도의 종교적 조각의 기초를 효과적으로 확립했다.^[273] 이 양식은 인도 조각에 있어서 "고전" 시대인 굽타 제국(320-550년경) 아래에서 발전 및 보급되어, 여기에는 엘로라 석굴군^[274] 및 약간 후대이지만 엘레판타 석굴군이 포함된다.^[275] 후대의 대규모 조각은 거의 모두 종교적인 것이며, 전반적으로 상당히 보수적이며, 신들은 단순한 정면 자세로 돌아가는 경우가 많았다(단, 압사라스나 야크시니와 같은 부수적인 정령은 관능적으로 구부러진 자세를 취하는 경우가 많았다). 조각 기법은 많은 경우 매우 정교했고, 주신의 배경은 복잡한 고부조였다. 남인도에서 발견된 콜라 왕조(850-1250년경)의 유명한 청동상은 많은 것이 행렬에서 운반되도록 설계되었으며, 시바의 상징적인 형태인 나타라자상이 포함될 뿐만 아니라,^[276] 전대 팔라바 왕조로 거슬러 올라가는 마하발리푸람의 거대한 화강암 조각도 있다.^[277]

이 지역의 조각은 정교한 장식이 특징인 경향이 있으며, 앙코르와트와 각지의 힌두교 및 불교 크메르 조각(9-13세기)의 거대한 기념물, 자바 섬에 있는 거대한 9세기 불교 유적 보로부두르 사원 유적과 발리 섬에 있는 힌두교 기념물 등에서 볼 수 있다.^[278] 이들에는 많은 부조뿐만 아니라 원형 조각상도 있다. 보로부두르에는 2,672개의 부조, 504개의 불상, 부분적으로 공개되지 않은 많은 투각을 한 불탑, 그리고 많은 큰 수호신상이 있다.

태국과 라오스에서는 조각이 주로 불상이며, 종종 금색이고, 사찰이나 수도원의 것은 대형이며, 개인적인 가정용은 소형상이다. 미얀마의 전통 조각은 파간 왕조(11-14세기) 이전에 등장했다. 이 지역의 다른 곳과 마찬가지로, 파간과 아바 왕조(14-16세기)의 목조 조각의 대부분은 소실되었다.

필리핀에서 유래한 전통적인 아니티즘 조각은 사용되는 매체나 관련된 문화를 반영한 아니티즘 디자인에 지배되고 있지만, 그러한 조각은 일반적으로 설치되는 환경에 따라 강조되고 있다. 필리핀에서 유래한 기독교와 이슬람 조각은 다른 기독교나 이슬람 조각과 비교하여 모티프가 다르다. 후대가 되면 베트남, 라오스, 캄보디아에서 중국의 영향력이 우세해지고, 또한 지역 전체에서 많은 목조 조각이 현존하고 있다.

12. 6. 인도

인도 아대륙에서 최초로 알려진 조각은 인더스 문명(기원전 3300~1700년) 시대의 것으로, 모헨조다로와 하라파 유적에서 발견된 작은 청동 여성 무용수상과 사제왕 상 등이 있다.^[108] 인더스 문명 붕괴 이후 다이마바드에서 발견된 유물을 제외하면 불교 시대까지 조각에 대한 기록은 거의 없다.^[108] 인도의 석조 조각 전통은 아소카왕 시대(기원전 270~232년)에 세워진 아소카왕의 기둥에서 비교적 늦게 시작된 것으로 보이며, 기둥 꼭대기에는 동물 조각상이 놓여 있었다.^[109] 초기 불교 스투파인 산치에는 많은 양의 조각상이 남아 있는데, 이는 나무를 사용한 전통에서 발전한 것으로 보인다.^[110]

1세기부터 3세기까지 마투라에서 만들어진 힌두교, 자이나교, 불교 조각상은 인도 고유 전통과 간다라의 그리스 불교 미술의 영향을 반영하여 이후 인도 종교 조각의 기반을 마련했다.^[110] 굽타 제국 (–550) 시기에 발전, 확산된 이 양식은 인도 조각의 "고전" 시대를 이루었으며, 초기 엘로라 석굴과 엘레판타 석굴이 대표적이다.^[111]^[112] 후대 대규모 조각은 대부분 종교적이며 보수적인 경향을 띠는데, 신들은 정면 자세로 표현되지만, 압사라스와 약시는 관능적인 곡선 자세를 취하기도 한다. 남인도 촐라 왕조(–1250)의 청동 조각상은 나타라자 형태의 시바 상을 포함하여 행렬에 사용되도록 디자인되었다.^[113] 팔라바 왕조의 마하발리푸람에는 거대한 화강암 조각이 있다.^[114]

12. 7. 동남아시아

동남아시아 지역의 조각은 높은 수준의 장식이 특징이며, 크메르 조각(9세기~13세기)의 힌두교 및 불교 기념물인 앙코르와트와 9세기 자바의 불교 사원인 보로부두르, 발리의 힌두교 기념물 등에서 그 특징을 볼 수 있다.^[115] 이 유적들에는 많은 부조와 원형 조각상이 포함되어 있다. 보로부두르에는 2,672개의 부조 패널과 504개의 불상, 그리고 많은 수호신상이 있다.^[278]

태국과 라오스에서는 주로 불상을 조각했는데, 사원과 수도원을 위한 대형 불상과 개인 주택을 위한 소형 불상 모두 금박을 입혔다. 미얀마의 전통 조각은 바간 시대 이전에 등장했으며, 바간과 아바 시대의 목조 조각 대부분은 소실되었다.

"대지에 증언을 요청하는 부처", 부처의 손은 ''bhūmisparsa mudrā''(마라 항복) 자세를 취하고 있습니다. 호 프라 카오 사원, 비엔티안, 라오스

필리핀의 전통적인 아니티스트 조각은 사용된 매체와 관련된 문화를 반영하는 디자인이 지배적이며, 이러한 조각상이 일반적으로 배치되는 환경에 의해 강조된다. 필리핀의 기독교 및 이슬람 조각은 다른 곳의 기독교 및 이슬람 조각과 비교하여 다른 모티브를 가지고 있다. 후대에는 베트남, 라오스, 캄보디아에서 중국의 영향이 두드러졌고, 이 지역 전역에서 더 많은 목조 조각이 남아 있다.

12. 8. 이슬람

이슬람교는 우상을 금하는 종교로 유명하며, 이 때문에 조각 대부분은 식물 모티브를 기반으로 하지만 기하학적인 추상 형태를 띠는 아라베스크 장식의 부조 또는 투조이다. 초기 엠샤타 파사드(740년대)에는 빽빽한 아라베스크 속에 고부조로 된 동물들이 있고, 다양한 재료(금속 세공, 상아, 도자기 등)로 된 많은 후대 작품의 장식과 함께 저부조로 된 동물과 사람들의 형상이 발견된다.^[116]

물체가 실용적인 경우, 원형의 동물상은 사적인 맥락에서 사용되는 작품에 대해서는 종종 허용되었으므로, 중세 이슬람 미술에는 물병이나 향로, 또는 알함브라의 유명한 분수대를 받치는 사자상과 같이 분수대 받침대인 금속 동물들이 많이 있으며, 가장 큰 중세 이슬람 동물상인 피사 그리핀으로 절정에 달한다.^[117]

마찬가지로, 단검 손잡이와 잔과 같은 고급 경석 조각은 특히 무굴 미술에서 동물 형태로 만들어질 수 있다. 이러한 엄격한 이슬람 규칙의 완화에 대한 수용 정도는 시대와 지역에 따라 다르며, 이슬람 스페인, 페르시아, 인도가 종종 완화를 주도했고, 일반적으로 궁정의 맥락에서 가장 높다.^[117]

이슬람교가 전파되기 직전 아라비아에서는 신상을 사용한 종교 의식이 성행하였고, 그 신상은 돌 조각상 등이었다.^[279] 이슬람교는 이러한 신상을 “우상”이라고 부르며, 그 종교 전통을 “우상숭배”로서 엄격하게 비난했다.^[280] 이러한 역사적 맥락 때문에, 이 종교의 영향 하에 있던 문화권에서는 조형 미술의 발전이 억제되었다.^[279]^[280] 그러나 코란에 “조형하는 것”을 명시적으로 금하는 말은 없으며, 조형 미술에 대해 어떤 태도를 취할 것인가는 각 시대·각 지역의 통치자와 지식인에게 해석·판단이 맡겨졌다.^[280]^[281] 예를 들어, 마그리브 서방 이슬람 세계에서는 엄격한 태도가 취해져 왔던 반면, 페르시아나 인도에서는 느슨했다.^[280]

조형 표현의 형태에 따라서도 다르며, 입체적 조형 표현(팀사알), 특히 독립적으로 성립하는 형태의 표현은 기피되었다.^[279] 아라비아어로 평면적인 조형 표현을 타스위르 라고 하고, 입체적인 조형 표현을 팀사알 이라고 하지만, 벽면 레리프나 파사드 장식은 타스위르에 카테고리화된다.^[280] 동식물을 형상화한 입체 조각이라도 벽면 레리프나 파사드 장식의 일부를 구성하는 한 허용되었다.^[280] 조형 표현이 놓이는 맥락에 따라서도 해석에 영향을 받아, 공적 공간에 놓이는 종교적인 성화나 성상의 종류는 우상숭배와 혼동될 우려가 있으므로 전혀 제작되지 않았지만, 권력자나 부유한 시민이 사적 공간에서 사용하는 실용품에 조각되는 경우에는 종교적 규제가 미치지 않는 경우도 빈번했다.^[280]^[281]

12. 9. 아프리카

역사적으로 아프리카 조각은 대부분 나무와 같이 쉽게 구할수 있는 재료로 제작되었으며, 이집트의 거대한 조각상을 제외하고는 수 세기 이상 보존된 경우는 드물다.^[118] 몇몇 지역에서는 오래된 토기 인형들이 발견되기도 한다. 가면은 많은 민족들의 예술에서 중요한 요소이며, 인물상과 함께 종종 고도로 양식화되어 나타난다. 다양한 양식들이 존재하며, 종종 물건의 용도에 따라 같은 기원의 맥락 내에서도 다양하지만, 광범위한 지역적 경향은 분명하다. 조각은 서아프리카의 니제르 강(Niger)과 콩고 강 유역에 정착한 경작민족 사이에서 가장 흔하다.^[118] 신들의 직접적인 형상은 비교적 드물지만, 특히 가면은 종교 의식을 위해 만들어졌거나 만들어지고 있다. 오늘날 많은 가면은 관광객을 위한 "공항 미술"로 만들어진다.^[119] 아프리카 가면은 유럽의 모더니즘 예술에 영향을 주었다.

19세기 후반~20세기 초 제작된 두 개의 치와라(Chiwara) 조각상, 시카고 미술관(Art Institute of Chicago). 암컷(왼쪽)과 수컷(오른쪽)

현대 수단의 누비아(Nubia) 쿠시 왕국(Kingdom of Kush)은 이집트와 밀접하고 종종 적대적인 관계를 맺었으며, 대부분 북쪽의 양식을 본뜬 거대한 조각상을 만들었다. 서아프리카에서는 가장 오래된 조각상이 기원전 500년에서 기원후 500년 사이에 번성했던 현대 나이지리아의 노크 문화(Nok culture)에서 나왔으며, 전형적으로 길쭉한 몸체와 각진 모양을 가진 점토 인형들이다. 후대 서아프리카 문화는 유명한 베닌 청동기(Benin Bronzes)와 같이 궁전을 장식하는 부조를 만들기 위해 청동 주조를 개발했으며, 12세기~14세기경 요루바족 마을인 이페(Ife)에서는 테라코타와 금속으로 매우 훌륭한 사실적인 왕족의 머리상을 만들었다. 아칸 금속추(Akan goldweights)는 1400년~1900년 사이에 제작된 소형 금속 조각상의 한 형태이며, 일부는 속담을 나타내는 것으로 보이며, 아프리카 조각상에서는 드문 서사적 요소를 가지고 있다. 그리고 왕실의 의복에는 인상적인 금으로 된 조각 요소들이 포함되어 있었다.^[120]

많은 서아프리카 인형들은 종교 의식에 사용되며, 종종 의식 제물을 위해 재료를 칠한다. 같은 지역의 만데어를 사용하는 민족은 넓고 평평한 표면과 원통형으로 된 팔과 다리를 가진 나무 조각품을 만듭니다. 그러나 중앙 아프리카에서는 주요 특징으로 안쪽으로 굽은 심장 모양의 얼굴과 원과 점의 패턴이 있다.

아프리카 대호수(African Great Lakes) 지역의 인구는 조각으로 유명하지 않다.^[118] 그러나 이 지역의 한 가지 양식은 인간의 형태로 조각되고 기하학적 형태로 장식된 기둥 조각상이며, 꼭대기에는 동물, 사람, 다양한 물건의 모습이 조각되어 있습니다. 이 기둥들은 무덤 옆에 놓여지며 죽음과 조상의 세계와 관련이 있다. 짐바브웨(Great Zimbabwe)에서 알려진 문화는 조각보다 인상적인 건물을 남겼지만, 8개의 비누석(soapstone) 짐바브웨 새(Zimbabwe Bird)는 특별한 의미를 가진 것으로 보이며 석주(monolith) 위에 장식되어 있었다. 비누석을 사용하는 현대 짐바브웨 조각가들은 상당한 국제적 성공을 거두었습니다. 남아프리카에서 가장 오래된 알려진 점토 인형은 기원후 400년~600년 사이의 것으로, 인간과 동물의 특징이 혼합된 원통형 머리를 가지고 있다.

12. 10. 아메리카

오늘날의 라틴 아메리카에서 발전한 조각은 북쪽의 메소아메리카와 남쪽의 페루라는 두 개의 별개 지역에서 발전했다.^[129] 두 지역 모두에서 조각은 처음에는 돌로 만들어졌고, 이 지역의 문명이 기술적으로 더 발전함에 따라 나중에는 테라코타와 금속으로 만들어졌다.^[129] 메소아메리카 지역에서는 거대한 석조 작품부터 시작하여 올멕과 톨텍 문화의 거대한 블록 같은 작품에서 마야와 아즈텍 문화를 특징짓는 훌륭한 저부조에 이르기까지 더욱 기념비적인 조각을 만들어냈다. 안데스 지역에서는 조각이 일반적으로 작았지만, 종종 뛰어난 기술을 보여준다.

성 야고보 패널, 크리스토 레이 교회 산타페, 뉴멕시코의 제대 장식(르도), 1760년경

북아메리카에서는 목재가 토템 폴, 가면, 식기류, 워캐누 등 다양한 용도로 조각되었으며, 문화와 지역에 따라 다양한 변화가 있었다. 가장 발달된 양식은 태평양 북서부 연안의 양식으로, 정교하고 고도로 양식화된 형식적 양식들이 발전하여 오늘날까지 이어지는 전통의 기반을 형성했다. 유명한 토템 폴 외에도, 채색되고 조각된 주택 정면은 안팎으로 조각된 기둥들과 장례용 인물상 및 기타 물품들과 보완되었다. 극북의 이누이트들 사이에서는 상아와 비누돌을 이용한 전통적인 조각 양식이 여전히 계속되고 있다.^[130]

유럽 가톨릭 문화의 도래는 지역 기술을 지배적인 바로크 양식에 쉽게 적용하여, 매우 정교한 레타블로 및 기타 대부분 교회 조각들을 다양한 혼합 양식으로 제작했다.^[131] 캐나다에서 가장 유명한 예로는 퀘벡주 몬트리올의 노트르담 대성당의 제단 부분이 있는데, 이는 소작농 ''아비탕'' 노동자들이 조각한 것이다. 후에 서구 아카데미 전통에서 훈련받은 예술가들은 19세기 후반까지 유럽 양식을 따랐지만, 추르게레스크로 알려진 멕시코 바로크 그로테스크 양식에서 볼 수 있듯이 원주민의 영향을 다시 받기 시작했다. 원주민들 또한 카펜터 고딕의 변형에서 교회 조각을 개조했다. 한 가지 유명한 예로는 스쿠쿰척 온천에 있는 "성십자가 교회"이다.

유럽인들이 도착한 후 미국의 조각 역사는 18세기 로마 공화국의 시민적 가치와 프로테스탄트 기독교에 기반을 둔 국가의 기초를 반영한다. 스페인이 식민지화한 지역과 비교하여 영국 식민지에서는 조각이 매우 느리게 시작되어 교회에서는 거의 자리를 잡지 못했으며, 독립 후 국민성을 주장해야 할 필요성에 의해 추진력을 얻었다. 19세기 중반에서 후반까지의 미국의 조각은 종종 고전적이고 종종 낭만적이었지만, 극적이고 서사적이며 거의 저널리즘적인 사실주의에 대한 경향을 보였다. 19세기 마지막 4분기와 20세기 전반기에 지어진 공공 건물은 특히 부조에서 조각을 위한 건축적 배경을 제공했다. 1930년대에는 국제 양식의 건축과 디자인, 그리고 아르데코가 폴 맨십과 리 로리 등의 작품을 특징으로 하여 인기를 얻었다. 1950년대가 되면 전통적인 조각 교육은 바우하우스의 영향을 받은 추상 디자인에 대한 관심으로 거의 완전히 대체되었다. 미니멀리즘 조각은 공공 장소에서 인물을 대체했고, 건축가들은 거의 디자인에서 조각을 사용하지 않았다. 현대 조각가들(21세기)은 고전적이고 추상적인 디자인을 모두 사용한다. 1980년대부터 인물 조각에 대한 관심이 다시 증가했고, 2000년까지 미국의 많은 새로운 공공 작품들은 인물 디자인을 하고 있다.

13. 현대 조각

근대 고전주의는 19세기 고전 조각과 여러 면에서 대조되는데, 19세기 고전 조각은 자연주의(앙투안-루이 바리(Antoine-Louis Barye)), 멜로드라마(프랑수아 뤼드(François Rude)), 감상적(장-바티스트 카르포(Jean-Baptiste Carpeaux)) 또는 웅장함(로드 레이턴(Lord Leighton))에 대한 헌신으로 특징지어졌다.^[132]^[133] 세기가 바뀌면서 고전 전통에서 여러 가지 다른 방향이 취해졌지만, 살아있는 모델과 르네상스 이후 전통에 대한 연구는 여전히 기본적이었다.

오귀스트 로댕(Auguste Rodin)은 20세기 초 가장 유명한 유럽 조각가였다. 그는 그의 제자들인 카미유 클로드(Camille Claudel)와 휴고 라인홀드(Hugo Rheinhold)와 함께 조각 인상파로 여겨지는데, 일상생활의 덧없는 순간을 모델링하려고 시도했다.

근대 고전주의는 자연주의에 대한 관심이 적고 형식적 양식화에 대한 관심이 더 컸다. 부피와 공간의 리듬에 더 많은 주의를 기울였고, 표면의 대조적인 특성(열린, 닫힌, 평면적인, 깨진 등)에도 더 많은 주의를 기울였지만, 이야기 전달과 해부학 또는 의상의 설득력 있는 세부 사항에는 덜 신경 썼다. 물리적 사실주의보다는 심리적 효과에 더 많은 관심을 기울였고, 전 세계 이전 양식의 영향을 받았다.

근대 고전주의의 초기 거장으로는 아리스티드 마이올(Aristide Maillol), 알렉산더 마트베예프(Alexander Matveyev), 조셉 버나드(Joseph Bernard), 앙투안 부르델(Antoine Bourdelle), 게오르크 콜베(Georg Kolbe), 리베로 안드레오티(Libero Andreotti), 구스타프 비겔란(Gustav Vigeland), 얀 슈르사(Jan Stursa), 콘스탄틴 브랭쿠시(Constantin Brâncuși)가 있다. 세기가 진행됨에 따라 근대 고전주의는 두 개의 위대한 유럽 전체주의 제국인 나치 독일과 소비에트 러시아의 국가 양식으로 채택되었으며, 독일에서는 콜베와 빌헬름 렘브룩(Wilhelm Lehmbruck)^[134], 러시아에서는 마트베예프와 같은 초기 예술가들의 작품을 이용했다. 소련의 70년 동안 새로운 세대의 조각가들이 그들의 시스템 내에서 훈련되고 선택되었고, 19세기의 멜로드라마와 자연주의에 대한 강조로 돌아간 독특한 스타일인 사회주의 사실주의가 발전했다.

1970년까지 서유럽(및 아메리카)의 미술 교육에서 고전적 훈련이 뿌리 뽑혔고, 20세기 고전적 변형은 모더니즘 역사에서 주변화되었다. 그러나 고전주의는 1990년까지 소련 아카데미의 미술 교육 기반으로 남아 동유럽과 중동 일부 지역에서 표현적인 구상 미술의 기반을 제공했다. 2000년까지 유럽 고전 전통은 대중에게 폭넓은 호소력을 유지하지만, 현대적인 발전을 되살릴 교육 전통을 기다리고 있다.

근대 고전주의의 일부는 더 장식적/아르데코풍(폴 맨십(Paul Manship), 호세 드 크리프트(Jose de Creeft), 칼 밀레스(Carl Milles))이거나 더 추상적으로 양식화되거나 더 표현적(그리고 고딕풍)(안톤 하낙(Anton Hanak), 빌헬름 렘브룩(Wilhelm Lehmbruck), 에른스트 바를라흐(Ernst Barlach), 아르투로 마르티니(Arturo Martini))이 되었거나, 르네상스로 더 기울었거나(자코모 만주(Giacomo Manzù), 베난초 크로체티(Venanzo Crocetti)) 또는 그대로 남았다(샤를르 데스피외(Charles Despiau), 마르셀 지몽(Marcel Gimond)).

모더니즘 조각 운동에는 입체파, 기하 추상(Geometric abstraction), 데 스틸(De Stijl), 절대주의(Suprematism), 구축주의, 다다이즘(Dadaism), 초현실주의(Surrealism), 미래주의, 형식주의, 추상표현주의(Abstract expressionism), 팝 아트(Pop-Art), 미니멀리즘(Minimalism), 랜드 아트(Land art), 설치 미술(Installation art) 등이 포함된다.

20세기 초, 파블로 피카소(Pablo Picasso)는 서로 다른 물체와 재료를 결합하여 하나의 조각 작품을 만드는 구성 방식을 창안하며 조각 예술에 혁명을 일으켰다. 이는 2차원 예술에서의 콜라주(collage)와 맞먹는 조각적 등가물이었다. 초현실주의(Surrealism)의 등장은 이전에는 조각으로 여겨지지 않았던 것들, 예를 들어 여러 의미에서의 "무의식적 조각(involuntary sculpture)"(예: 쿠라주(coulage))을 조각으로 묘사하는 경우가 생기게 했다. 후년에 피카소는 다작하는 도예가가 되었고, 전 세계의 역사적인 도자기에 대한 관심과 함께 도자 예술(ceramic art)의 부흥을 이끌었다. 조지 이 오어(George E. Ohr)와 그 뒤를 이은 피터 볼코스(Peter Voulkos), 케네스 프라이스(Kenneth Price), 로버트 아네손(Robert Arneson)과 같은 예술가들이 대표적이다. 마르셀 뒤샹(Marcel Duchamp)은 ''샘''(1917)과 같은 작품으로 "현존하는 사물(found object)" (프랑스어: objet trouvé) 또는 '레디메이드(readymade)'의 사용을 시작했다.

마찬가지로, 20세기 초 콘스탄틴 브랭쿠시(Constantin Brâncuși)의 작품은 후대의 추상 조각의 길을 열었다. 로댕(Rodin)과 19세기 후반 동시대 예술가들의 자연주의에 대한 반발로, 브랭쿠시는 ''공간 속의 새(Bird in Space)'' 시리즈(1924)의 우아하게 다듬어진 형태에서 볼 수 있듯이 주제를 그 본질로까지 추출했다.^[135]

브랭쿠시의 영향은 그의 축소와 추상의 어휘를 통해 1930년대와 1940년대 내내 나타나며, 가스통 라셰즈(Gaston Lachaise), 제이콥 엡스타인 경(Sir Jacob Epstein), 헨리 무어(Henry Moore), 알베르토 자코메티(Alberto Giacometti), 후안 미로(Joan Miró), 훌리오 곤잘레스, 파블로 세라노(Pablo Serrano), 자크 리피츠(Jacques Lipchitz)^[136] 와 같은 예술가들을 통해 보여진다. 1940년대에는 알렉산더 칼더(Alexander Calder), 렌 라이(Len Lye), 장 팅겔리(Jean Tinguely), 프레드릭 키슬러(Frederick Kiesler)가 키네틱 아트(Kinetic art)의 선구자로서 추상 조각에 영향을 미치고 확장시켰다.

모더니스트 조각가들은 1, 2차 세계 대전의 전쟁 기념비(war memorial) 수요로 인한 공공 미술의 엄청난 호황을 크게 놓쳤지만, 1950년대부터 대중과 위촉 기관들은 모더니스트 조각에 대해 더 편안해졌고, 추상적이든 구상적이든 대규모 공공 위촉이 일반화되었다. 피카소는 약 15미터 높이의 거대한 공공 조각인 소위 ''시카고 피카소(Chicago Picasso)''(1967)의 모형(maquette) 제작을 의뢰받았다. 그의 디자인은 모호하고 다소 논란의 여지가 있었으며, 이 형상이 무엇을 나타내는지 명확하지 않다. 새, 말, 여자 또는 완전히 추상적인 형태일 수 있다.

1950년대 후반과 1960년대에 추상 조각가들은 다양한 새로운 재료와 작품 제작 방식을 실험하기 시작했다. 초현실주의적 이미지, 의인화된 추상, 새로운 재료와 새로운 에너지원과 다양한 표면과 사물의 조합은 새로운 모더니즘 조각의 특징이 되었다. 조경 디자이너, 건축가, 조경 건축가와의 공동 프로젝트는 야외 현장과 문맥 통합을 확장했다. 이사무 노구치(Isamu Noguchi), 데이비드 스미스, 알렉산더 칼더(Alexander Calder), 장 팅겔리(Jean Tinguely), 리처드 리폴드(Richard Lippold), 조지 리키(George Rickey), 루이즈 부르주아(Louise Bourgeois), 필립 파비아(Philip Pavia), 루이즈 네벨슨(Louise Nevelson)과 같은 예술가들이 현대 조각의 모습을 특징짓게 되었다.

1960년대에는 조각을 가장 필수적이고 기본적인 특징으로 축소하는 추상표현주의(Abstract expressionism), 기하 추상(Geometric abstraction), 미니멀리즘(Minimalism)이 우세했다. 당시 작품으로는 데이비드 스미스의 쿠비(Cubi) 작품과 앤서니 캐로 경(Sir Anthony Caro)의 용접 강철 작품, 그리고 다양한 조각가들의 용접 조각(welded sculpture), 존 앵거스 체임벌린의 대규모 작품, 마크 디 수베로(Mark di Suvero)의 환경 설치 규모 작품 등이 있다. 다른 미니멀리스트로는 토니 스미스, 도널드 저드, 로버트 모리스, 앤 트루이트(Anne Truitt), 자코모 베네벨리(Giacomo Benevelli), 아르날도 포모도로(Arnaldo Pomodoro), 리처드 세라(Richard Serra), 댄 플래빈(Dan Flavin), 칼 앤드레(Carl Andre), 그리고 선의 순수성이라는 주제에 운동성과 기념비성을 더한 존 세이퍼(John Safer)가 있다.^[137]

1960년대와 1970년대에는 레너드 바스킨(Leonard Baskin), 어니스트 트로바(Ernest Trova), 조지 시걸, 마리솔 에스코바르(Marisol Escobar), 폴 섹(Paul Thek), 로버트 그레이엄과 같은 모더니스트 예술가들이 고전적인 관절 스타일로 양식화된 형태의 구상 조각을 제작했고, 페르난도 보테로(Fernando Botero)는 그의 회화의 '과장된 인물'을 기념비적인 조각으로 가져왔다.

장소 특정적 및 환경 미술 작품은 앤디 워홀, 월터 드 마리아,^[139] 리처드 롱, 리처드 세라, 로버트 어윈,^[140] 조지 리키 그리고 크리스토와 장느-클로드 등의 예술가들이 대표하며, 현대 추상 조각에 새로운 방향을 제시했다. '미국 서부의 랜드 아트' 프로젝트 그룹에서 예술가들은 광대한 부지에 환경 조각을 제작했다. 로버트 스미스슨, 마이클 하이저, 제임스 터렐 (로덴 크레이터), 등의 예술가들이 보여주는 이러한 랜드 아트 또는 '어스 아트' 환경 규모 조각 작품들은 대표적이다. 에바 헤세, 솔 르윗, 재키 윈저, 키스 소니에, 브루스 노이만, 덴니스 오펜하임 등 다른 많은 예술가들은 포스트미니멀리즘 조각의 선구자였다.

로버트 스미스슨(Robert Smithson)의 ''스파이럴 제티(Spiral Jetty)'' (2005년)

또한 1960년대와 1970년대에는 에두아르도 파올로치, 크리사, 클레스 올덴버그, 조지 시걸, 에드워드 키엔홀츠, 백남준, 울프 보스텔, 듀안 핸슨, 존 디안드레아 등 다양한 예술가들이 비디오 아트, 환경, 광 조각, 설치 미술을 통해 추상, 이미지 및 형상을 새로운 방식으로 탐구했다.

개념 미술은 작품에 담긴 개념이나 아이디어가 전통적인 미학적, 물질적 고려 사항보다 우선하는 미술이다. 대표적인 작품으로는 조셉 코수스의 ''의자 하나와 세 개'', 1965년 작품과 마이클 크레이그-마틴의 ''떡갈나무'', 그리고 요셉 보이스, 제임스 터렐, 야체크 틸리키의 작품 등이 있다.

현대 조각의 일부 형태는 이제 환경 미술과 환경 조각으로서 관객의 시야에 완전히 노출된 야외에서 제작되고 있다. 빛 조각, 거리 예술 조각 및 장소 특정 예술도 종종 환경을 활용한다. 얼음 조각은 얼음을 원료로 사용하는 일시적인 조각의 한 형태이다. 중국, 일본, 캐나다, 스웨덴, 러시아에서 인기가 많으며, 특히 아시아에서는 일부 요리에서 장식적으로 사용된다. 키네틱 조각은 움직이도록 설계된 조각으로, 모빌이 포함된다. 눈 조각은 보통 각 변이 약 1.8미터에서 4.6미터이고 무게가 약 20~30톤인 한 덩어리의 눈으로부터 조각된다. 눈은 인공적으로 만들어지거나 눈이 온 후 지면에서 수집된 후 밀집되어 형태를 만들어낸다. 사운드 조각은 실내 사운드 설치물, 에올리안 하프, 자동 인형과 같은 야외 설치물 또는 기존 악기와 거의 비슷한 형태를 취한다. 사운드 조각은 종종 장소 특정적이다. 아트 토이는 1990년대 후반부터 무라카미 다카시(Takashi Murakami)와 키드 로봇(Kid Robot)이 제작하고, 마이클 라우(Michael Lau)가 디자인하거나, 마이클 리비트(Michael Leavitt (artist))가 수작업으로 제작한 것과 같이 현대 예술가들에게 또 다른 형식이 되었다.^[141]

14. 조각의 보존

조각품은 온도, 습도, 빛과 자외선 노출과 같은 환경 조건에 민감하다.^[310]^[311] 산성비는 빗물 속의 황산이 석회암, 사암, 대리석, 화강암과 같은 석재 속의 칼슘 화합물과 화학 반응하여 석고를 생성하고, 이것이 나중에 박리되기 때문에 특정 건축 자재와 역사적 기념물에 손상을 입힐 수 있다.^[310]^[311] 심각한 대기 오염 또한 역사적 기념물에 손상을 입힌다.

과거에는 많은 현대 조각품이 공공 장소에 전시되었으며, 작품이 즉시 알아볼 수 있었기 때문에 절도는 문제가 되지 않았다. 21세기 초 금속의 가치가 급등하면서 금속의 가치를 위해 대형 청동 조각상을 절도하는 것이 문제가 되었다. 수백만 달러 상당의 조각품이 도난당하여 상대적으로 낮은 금속 가치(예술 작품 가치의 극히 일부)로 용융되었다.^[142]^[310]^[311]

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