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연극

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목차

1. 개요

연극은 배우, 관객, 희곡, 그리고 극장이라는 네 가지 요소로 구성되는 종합 예술이다. 연극 제작에는 극작가, 연출가, 배우, 무대 및 조명 디자이너 등 다양한 스태프가 참여하며, 무대 기술은 연극의 기술적 측면을 담당한다. 연극은 현장성이 중요하며, 같은 대본이라도 해석에 따라 다른 작품이 될 수 있다. 연극은 희극, 비극, 부조리극 등 내용과 표현 방식, 시대, 공연 주체에 따라 다양한 종류로 나뉜다. 고대 그리스에서 시작된 연극은 서양, 동양을 거쳐 현대에 이르기까지 다양한 형태로 발전해 왔으며, 배우노조, 극단 등 관련 단체와 기관이 존재한다.

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  • 연극 - 관객
    관객은 연극, 영화, 스포츠 경기 등 다양한 공연이나 행사에서 감상에 참여하는 사람들을 의미하며, 직접 대면하거나 매체를 통해 참여하는 등 다양한 유형으로 나뉘고, 공연의 분위기를 고조시키거나 공연자와 소통하는 다양한 역할을 수행한다.
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연극

2. 연극의 구성 요소

연극은 배우, 관객, 희곡의 세 가지 요소가 필요하며, 여기에 극장을 더하여 연극의 4요소라고도 한다. 그러나 연극은 수많은 요소들이 상호 유기적으로 결합하여 완성되는 종합 예술이기 때문에, 이러한 구분은 바람직하지 않다. 연극은 협업적인 제작 방식과 집단적인 수용 형태를 전제로 하며, 극 텍스트의 구조는 다른 형태의 문학과 달리 이러한 협업적 제작과 집단적 수용에 직접적인 영향을 받는다.

빈 국립 오페라의 무대 뒤편에 있는 극장 무대 건물


핀란드 탐페레에 있는 야외 피이니키 여름 극장의 회전식 관람석


극장 기계식 커튼 풀러


연극 제작에는 일반적으로 극작가, 연출가, 출연진, 무대 또는 세트 디자이너, 조명 디자이너, 의상 디자이너, 음향 디자인er, 무대 감독, 제작 감독 및 기술 감독을 포함하는 기술 제작팀이 참여한다. 제작에 따라 작곡가, 극작가, 비디오 디자인er 또는 무술 감독이 포함될 수도 있다.

무대 기술은 연극, 영화, 비디오 제작의 기술적 측면을 지칭하는 용어다. 여기에는 무대 장치 제작 및 설치, 조명 설치 및 조정, 의상 디자인 및 조달, 분장, 소품 조달, 무대 관리, 사운드 녹음 및 믹싱 등이 포함되지만, 이에 국한되지는 않는다. 무대 기술은 예술적 분야라기보다는 기술적인 분야로 간주되며, 주로 디자이너의 예술적 비전을 실제적으로 구현하는 것과 관련이 있다. 가장 기본적인 형태의 무대 기술은 한 사람(종종 소규모 제작의 무대 감독)이 관리하며, 현대 브로드웨이 극장에서는 수백 명의 숙련된 기술자들이 무대 기술을 관리한다.

역사적으로 초기 연극에는 관객과 배우의 구별이 없었고, 모두 참여하는 공동 행위였다. 연극이 대본 그대로가 아니라, 관객의 눈앞에서 이루어짐으로써 성립하는 성질은 연극의 현전성(presence)이라고 불린다. 연극을 녹화한 비디오는 연극 그 자체가 아니라 연극의 기록 작품으로 여겨진다. 윌리엄 셰익스피어의 작품은 전 세계에서 상연되고 있지만, 같은 대본이라도 해석이 다르면 다른 작품이 된다. 연극은 영화처럼 복제적, 기계적으로 반복될 수 없는 "일회성"의 예술이다. 매번의 무대는 미묘하게 다르며, 같은 연극은 두 번 다시 없다는 점에서 연극의 본질적 일회성이라고도 불린다.

2. 1. 희곡

2. 2. 대사

드라마에는 보충 설명이 있을 수 없으므로 드라마의 대사는 간결, 명료하면서도 그 대사 중에 시간, 장소, 상황, 인물 들의 관계에 대한 정보를 다 모아야하는 부담이 있다. 드라마의 대사는 자연스럽게 정보를 제공함과 동시에 등장 인물들의 태도, 견해, 성격을 드러내 보여야 한다. 뿐만 아니라 극작가는 토론, 논쟁, 물음 등의 대사 형식을 통해 앞으로 일어날 행동을 추측하고 예견케하며 그에 대한 복선을 까는 역할도 해야 한다. 소설 작가는 소설 속의 내레이터를 통해 자신의 목소리를 전달할 수 있지만 극작가는 자신의 목소리를 낼 수 없고 다만 서로 맞물려 짜여진 대사를 통해 이야기의 결이 드러나도록 해야 한다.

2. 3. 행동

행동이란 등장인물들이 취하는 액션(상단 참조)들의 실체라 할 수 있다. 작가가 특정 행동을 명시하기도 하나 많은 부분은 연출자와 배우에게 담당되어있다. 희곡을 '읽을 때'에는 관객 (독자)가 스스로 연출자가 되어 상상의 무대 위에서 배우를 움직이고 그들에게 대사에 맞는 제스처를 부여해야 하지만, 배우들이 직접 연기를 하는 극중에서는 대사와 행동에 유의하며 눈에 보이는 것을 기반으로 극을 올바르게 즐기면 된다.

소설의 기법이 드라마에 차용되기 이전인 19세기 전반 이전에 쓰여진 희곡의 경우 희곡에 무대 지시 사항이 최소화되어 있기 때문에 독자는 대사 속에 암시되어있는 행동에 유념하며 작품을 읽어야 한다.

2. 4. 이야기

사람들이 연극을 보러가는 주요한 이유는 즐기기 위해서이다. 이러한 관중의 욕구를 충족시키는데 가장 중요한 요소는 아름다운 대사나 고상한 도덕적 교훈이 아니라 이야기 자체가 주는 '재미'이다. 드라마에도 간혹 회상의 장면이 없는 것은 아니지만 드라마는 근본적으로 시간적으로 전개되는 이야기를 축으로 한다.

극적 행동은 시간적 순서에 따라 전개되지만 그저 발생하는 사건이 아니라 극작가에 의해 미리 치밀하게 계산된 순서에 따라 진행되는 것이다. ‘무슨 일이 일어날까’하는 관객의 기대감을 충족시키는 외에 플롯의 역동적 구성을 위해서는 ‘왜 어떤 일이 일어날까’하는 점이 필수적이다.

2. 5. 인물

많은 경우에 우리가 문학에서 느끼는 흥미는 그 속에 나오는 인물들에 관한 것이다. 드라마는 살아있는 배우들에 의해 작품 속의 인물들이 표현되는 점에서 인물들은 관객들의 주요한 관심과 흥미의 대상이다. 등장 인물에는 주인공과 주인공과 맞서는 인물이 있다.

주요 인물과 그렇지 않은 인물을 구별하는 손쉬운 방법은 대사의 길이이다. 그러나 보다 중요한 차이는 주인공의 경우 복잡한 동기와 과거를 지닌, 충분히 개성화된 인물임에 반해 그렇지 않은 인물들은 이렇다할 개성이 부여되지 있지 않다. 그러나 주인공의 성격이 간단명료하게 정의될 수 있을 정도로 단순한 예는 거의 없다. 주인공에게 성격을 부여하는 가장 기본적인 방식은, 비록 믿을 수 없는 경우가 종종 있지만, 이름과 외모이다. 예컨대 「오셀로」에서 이야고를 부르거나 그에 대해 언급할 때면 ‘정직한’이라는 수식어가 자주 붙는다. 성격 부여의 또 다른 방법은 한 개인의 행동 양식이다. 어떤 인물이 자신의 성격과 행동 동기를 방백이나 독백을 통하여 밝혀 보일 수 있다. 그리고 이러한 대사 중에 사투리, 어휘의 선택, 문법 등 모든 것이 합해져서 한 인물의 과거와 지성이 드러난다. 뿐만 아니라 어떤 인물이 다른 인물들에게 보이는 반응이나 다른 인물들이 그 인물에 대해서 하는 이야기에서도 성격이 드러난다.

우리의 경험이 증명하듯 지나칠 정도로 일관성 있는 인물은 일반적으로 사실성이 희박해 보인다. 아마도 문학 작품 속에서 훌륭한 성격 설정이라 함은 수긍은 가되 우리를 놀라게 하는 인물들일 것이다. 그들의 동기는 복잡 미묘하고 일견 모순되는 듯이 보이기조차 한다.

2. 6. 관객

2. 7. 무대



연극은 협업적인 제작 방식과 집단적인 수용 형태를 전제로 한다. 극 텍스트의 구조는 다른 형태의 문학과 달리 이러한 협업적 제작과 집단적 수용에 직접적인 영향을 받는다. 연극 제작에는 일반적으로 극작가, 연출가, 배우로 구성된 출연진과 더불어 무대 기술팀이 참여한다.

무대 기술은 연극, 영화, 비디오 제작의 기술적 측면을 지칭하는 일반적인 용어이다. 여기에는 무대 장치 제작 및 설치, 조명 설치 및 조정, 의상 디자인 및 조달, 분장, 소품 조달, 무대 관리, 사운드 녹음 및 믹싱 등이 포함되지만 이에 국한되지는 않는다. 무대 기술은 보다 광범위한 용어인 무대 미술과는 다르다. 예술적 분야라기보다는 기술적인 분야로 간주되며, 주로 디자이너의 예술적 비전을 실제적으로 구현하는 것과 관련이 있다.

가장 기본적인 형태의 무대 기술은 모든 무대 장치, 의상, 조명 및 사운드를 배치하고 출연진을 조직하는 한 사람(종종 소규모 제작의 무대 감독)이 관리한다. 더 전문적인 수준, 예를 들어 현대 브로드웨이 극장에서는 수백 명의 숙련된 목수, 화가, 전기 기술자, 무대 기술자, 재봉사, 가발 제작자 등이 무대 기술을 관리한다.

3. 연극의 역사

인간의 유희 본능과 몸짓, 손짓을 이용한 의사소통(원시적 언어, 율동)에서 연극이 시작되었다고 본다. 고대 사회의 종교적 의식 (그리스의 연극, 디오니소스 숭배)에서 연극의 기원을 찾기도 한다.[29](고바야시 아이오). 주술이나 종교적 의식이 발전하여 연극이 되었다는 설도 있다.

고대 그리스에서는 디오니소스를 찬양하는 대 디오니시아 축제에서 비극 경연이 열렸다.[30] 주술이나 종교 의식에서 행위와 현상의 모방 및 재현은 중요한 요소였다.

서양 연극은 고대 그리스에서 시작되었다. 기원전 5세기 아테네에서 그리스 연극은 전성기를 맞이했다. 아이스킬로스, 소포클레스, 에우리피데스 등 3대 작가를 중심으로 그리스 비극이, 아리스토파네스 등에 의해 그리스 희극이 성립되었다. 기원전 4세기 그리스 연극은 침체되었지만, 지중해 일대에서 오랫동안 상연되었다. 고대 로마는 그리스 연극의 영향을 받아 연극이 성행했고, 각지에 로마 극장이 건설되었다. 그러나 로마 제국의 쇠퇴와 기독교의 영향으로 고대 연극은 쇠퇴했다.

10세기 이후 기독교의 영향으로 종교극이 문헌에 나타나기 시작했고, 13세기부터는 종교극 중심의 중세 연극이 융성했다. 르네상스 시대에는 인문주의자들에 의해 고대 연극 대본이 재발견되었고, 활판 인쇄의 발명으로 대본의 대량 생산이 가능해져 연극은 큰 변화를 겪었다. 16세기 말 이탈리아에서 오페라가 탄생하여 유럽 전역으로 퍼져나갔다.[31]

이탈리아, 시칠리아 타오르미나의 그리스 극장


고대 그리스의 플릭스 연극에서 주인(오른쪽)과 노예(왼쪽) 역할을 연기하는 배우의 모습, 기원전 350년/340년


고전 아테네의 도시 국가는 서양 연극의 기원이다.[5] 이는 아테네 축제, 종교 의식, 정치, 법, 육상 경기 및 체조, 음악, 시, 결혼, 장례식 및 ''심포지엄''을 포함하는 고전 그리스의 광범위한 연극성 및 공연 문화의 일부였다.

도시 국가의 많은 축제에 참여하는 것, 특히 관람객으로서 (또는 심지어 연극 제작에 참여하는 사람으로서) 도시 디오니시아에 의무적으로 참석하는 것은 시민권의 중요한 부분이었다. 시민 참여는 또한 법정이나 정치 회의에서 공연에서 드러나는 웅변가의 수사법을 평가하는 것을 포함했으며, 이 둘은 연극과 유사한 것으로 이해되었고 점점 더 연극의 극적인 어휘를 흡수하게 되었다. 그리스인들은 또한 극적 비평과 극장 건축의 개념을 발전시켰다.[6] 배우는 아마추어이거나 기껏해야 준전문가였다. 고대 그리스 연극은 비극, 희극 및 사티로스극의 세 가지 유형의 드라마로 구성되었다.

아리스토텔레스 (기원전 384–322년), 즉 연극의 첫 번째 이론가에 따르면, 고대 그리스 연극의 기원은 디오니소스를 기리는 축제에서 찾을 수 있다. 공연은 언덕 측면에 잘린 반원형 강당에서 진행되었으며, 10,000~20,000명을 수용할 수 있었다. 무대는 춤을 추는 공간(오케스트라), 분장실 및 장면 구성 구역(스케네)으로 구성되었다. 단어가 가장 중요한 부분이었기 때문에 음향 효과가 좋고 명확한 전달이 가장 중요했다. 배우(항상 남자)는 자신이 대표하는 캐릭터에 적합한 가면을 착용했으며, 각각 여러 역할을 할 수 있었다.

아테네 비극은 — 비극의 가장 오래된 현존 형태 — 도시 국가의 연극 문화의 중요한 부분을 형성하는 일종의 춤-드라마이다. 기원전 6세기경에 등장하여 기원전 5세기에 번성했으며(그 시대 말부터 그리스 전역으로 퍼지기 시작함), 헬레니즘 시대가 시작될 때까지 인기를 유지했다.

기원전 6세기의 비극은 하나도 남아 있지 않으며, 기원전 5세기에 공연된 1,000편 이상의 비극 중 32편만 남아 있다. 아이스킬로스, 소포클레스, 에우리피데스의 전체 현존 텍스트가 있다. 비극의 기원은 불분명하지만, 기원전 5세기에는 디오니소스 (포도주와 다산의 신)를 기리는 축제의 일환으로 열리는 경쟁(''아곤'')에서 제도화되었다. 도시 디오니시아의 경쟁 (드라마를 상연하는 가장 권위 있는 축제) 참가자들은 일반적으로 3편의 비극과 1편의 사티로스극으로 구성된 희곡 4부작을 제출해야 했다(개별 작품이 이야기나 주제로 반드시 연결되는 것은 아니었음). 도시 디오니시아에서 비극 공연은 기원전 534년에 시작되었을 수 있다. 공식 기록(''디다스칼리아이'')은 사티로스극이 도입된 기원전 501년부터 시작된다.

대부분의 아테네 비극은 그리스 신화의 사건을 극화하지만, ''페르시아인들'' — 기원전 480년 살라미스 해전에서 군사적 패배 소식을 접한 페르시아의 반응을 무대에 올리는 작품 —은 현존하는 드라마에서 주목할 만한 예외이다. 아이스킬로스가 기원전 472년 도시 디오니시아에서 이 작품으로 1등상을 수상했을 때, 그는 25년 이상 비극을 쓰고 있었지만, 최근 역사를 비극적으로 다룬 이 작품은 현존하는 드라마의 가장 초기의 예이다. 130년 이상 후, 철학자 아리스토텔레스는 현존하는 가장 오래된 극 이론 작품인 그의 ''시학'' ()에서 5세기 아테네 비극을 분석했다.

아테네 희극은 일반적으로 "고희극", "중희극", "신희극"의 세 시기로 나뉜다. 고희극은 오늘날 아리스토파네스의 현존하는 11편의 희곡 형태로 주로 남아 있으며, 중희극은 대체로 유실되었다(아테나이오스와 같은 작가들의 비교적 짧은 단편만 보존됨). 신희극은 주로 메난드로스의 상당한 파피루스 조각을 통해 알려져 있다. 아리스토텔레스는 희극을 고통이나 재앙을 일으키지 않는 일종의 실수나 추함을 포함하는 웃긴 사람들의 묘사로 정의했다.

도시 디오니시아의 희극과 비극 범주 외에도 축제에는 사티로스극도 포함되었다. 디오니소스에게 헌정된 시골의 농업 의식에서 기원한 사티로스극은 결국 가장 잘 알려진 형태로 아테네로 들어왔다. 사티로스는 충성스러운 숲의 동반자로서 디오니소스와 묶여 있었으며, 종종 그의 옆에서 술에 취해 난동을 부리고 장난을 쳤다. 사티로스극 자체는 비극 코미디로 분류되었으며, 20세기 초의 더 현대적인 풍자 전통 쪽으로 기울어졌다. 희곡의 줄거리는 일반적으로 사튀로스의 합창단에 의해 뒷받침되는 신들의 판테온과 그들의 인간사에 대한 관여와 관련이 있었다. 그러나 웹스터에 따르면, 사티로스 배우들은 항상 전형적인 사티로스 행동을 수행하는 것은 아니었으며 신화 속 숲 속 생물의 캐릭터 유형에 할당된 연기 전통에서 벗어났다.

배우와 ''아울로스'' 연주자를 묘사한 로마 모자이크 (비극 시인의 집, 폼페이).


서양 연극은 고대 로마 시대에 크게 발전하고 확장되었다. 로마의 역사가인 리비우스는 로마인들이 기원전 4세기에 에트루리아 문명의 배우들의 공연을 통해 처음으로 연극을 접했다고 기록했다. 비참은 그 기록된 접촉 이전에도 로마인들이 "연극 이전의 관행"에 익숙했을 것이라고 주장한다. 고대 로마의 극장은 거리 공연, 누드 댄스, 곡예가 포함된 로마 축제 공연에서부터 플라우투스의 폭넓은 인기를 얻은 상황 코미디, 세네카의 고급 문화적이고 언어적으로 정교한 비극에 이르기까지 번성하고 다양했다. 로마는 고유한 공연 전통을 가지고 있었지만, 기원전 3세기의 헬레니즘화는 로마 연극에 심오하고 활력을 불어넣었으며, 무대를 위한 최고 품질의 라틴 문학 발전을 장려했다. 로마 제국 시대에서 유일하게 남아있는 희곡은 코르도바 출신의 스토아 철학자이자 네로의 스승이었던 루키우스 안나이우스 세네카 (기원전 4년~서기 65년)에게 귀속된 10개의 드라마이다. 이 비극들은 철학적 주제, 복잡한 등장인물, 수사학적 스타일로 유명하다. 세네카의 희곡은 로마 연극에 대한 귀중한 통찰력을 제공하지만, 고대 로마에 존재했던 극적 레퍼토리의 작은 부분만을 대표한다.

고대 로마에서도 그리스 연극의 영향을 받아 연극이 성행하여, 각지에 로마 극장이 건설되었지만, 로마 제국의 쇠퇴와 기독교의 영향으로 고대 연극 또한 쇠퇴해 갔다.[33]

중세 이슬람 세계의 연극은 꼭두각시 인형극(손 인형극, 그림자극, 마리오네트 공연 포함)과 배우들이 이슬람 역사의 에피소드를 재연하는 ''타지예''(Ta'ziyeh)로 알려진 실황 열정극을 포함했다. 특히 시아파 이슬람교의 극은 알리의 아들 하산 이븐 알리와 후세인 이븐 알리의 ''이스티쉬하드(순교)''를 중심으로 진행되었다. 세속극은 중세 ''아다브''(adab) 문학에 기록된 ''아크라자''(akhraja)로 알려졌지만, 꼭두각시 인형극과 타지예 극보다 덜 흔했다.

이후 10세기에 들어서자 기독교의 영향 아래 종교극의 기록이 문헌에 나타나게 되었고, 13세기부터는 종교극을 주체로 하는 중세 연극이 융성하게 되었다.

르네상스가 시작되자 인문주의자들에 의해 고대의 연극 대본이 재발견되었고, 활판 인쇄의 발명으로 대본의 대량 생산이 가능해지면서 연극은 크게 변화하게 되었다. 16세기 말에는 이탈리아에서 오페라가 탄생하여 유럽 각지로 퍼져 성행하게 되었다[31].

1642년에서 1660년까지 영국에서 청교도의 공백기 때문에 연극은 큰 휴식을 가졌다.[11] 청교도들은 연극을 죄악으로 여겨 1642년 런던 극장 폐쇄를 명령했다.[12] 1643년 1월 24일, 배우들은 금지령에 항의하여 "The Actors remonstrance or complaint for the silencing of their profession, and banishment from their severall play-houses"라는 제목의 팜플렛을 작성했다.[13] 이 정체된 시기는 찰스 2세가 왕정복고 시대에 왕위에 복귀하면서 1660년에 끝났다. 연극(다른 예술과 함께)은 찰스가 통치 이전 몇 년 동안 프랑스에 망명했기 때문에 프랑스 문화의 영향을 받아 폭발했다.

왼쪽


1660년에는 듀크 컴퍼니와 킹스 컴퍼니의 두 회사가 공연 허가를 받았다. 코벤트 가든에 있는 최초의 웨스트 엔드 극장인 런던의 로열 극장은 토마스 킬리그루가 설계했으며 현재의 드루리 레인 로열 극장 부지에 건설되었다.[14]

큰 변화 중 하나는 새로운 극장 건물이었다. 글로브 극장과 같은 엘리자베스 시대의 극장과는 달리 배우가 다음 장면을 준비할 장소가 없고 "극장 예절"도 없었지만 극장 건물은 앞쪽에 무대가 있고 관객석이 마주한 정교한 곳으로 바뀌었다. 왕은 극장에서 가장 좋은 좌석을 갖게 될 것이다. 즉, 극장의 정중앙은 무대의 가장 넓은 시야와 무대가 건설된 관점과 시점을 볼 수 있는 가장 좋은 방법을 제공했다. 필립 자크 드 루터부르는 바닥 공간과 무대 장치를 활용하여 당시 가장 영향력 있는 세트 디자이너 중 한 명이었다.

설교자 제레미 콜리어는 그의 작품 ''A Short View of the Immorality and Profaneness of the English Stage''를 통해 이 운동의 선두 주자 중 한 명이었다. 이 논문의 신념은 주로 연극 관람자가 아닌 사람들과 나머지 청교도, 그리고 당시 매우 종교적인 사람들이 가지고 있었다. 주요 질문은 무대에서 부도덕한 것을 보는 것이 그것을 보는 사람들의 삶의 행동에 영향을 미치는지 여부였으며, 이 논쟁은 오늘날에도 계속되고 있다.[15]

17세기는 또한 이전에 부적절하다고 여겨졌던 여성을 무대에 등장시켰다. 찰스 2세는 젊은 남자가 젊은 여성 역할을 하는 것을 좋아하지 않았고, 그래서 여성에게 자신의 역할을 연기해 달라고 요청했다.[16] 여성의 무대 출입이 허용되면서 극작가들은 여성의 남성 의상, 도덕적으로 곤란한 상황에서 간신히 탈출하는 코미디와 같은 반전 음모에 더 많은 여지를 갖게 되었다.

1829년 영국 극장 광고


코미디는 젊은이들로 가득했고 매우 유행했으며, 줄거리는 그들의 사랑 생활을 따랐다. 셰리던의 ''스캔들 학교''와 매우 유사하다. 많은 코미디는 프랑스 전통, 주로 몰리에르를 본떠 만들어졌으며, 찰스와 왕족이 망명 후 가져온 프랑스의 영향을 다시 한번 환영했다. 몰리에르는 당시 최고의 코미디 극작가 중 한 명으로, 이탈리아 commedia dell'arte와 신고전주의 프랑스 코미디를 결합하여 가장 오래 지속되고 가장 영향력 있는 풍자 코미디를 만들어 코미디를 쓰고 공연하는 방식을 혁신했다.[17] 비극은 최근 왕정 복고 때문에 특히 찡하게 정치적 권력을 바로잡는다는 점에서 마찬가지로 성공적이었다. 또한 프랑스 비극의 모방이었지만, 프랑스는 코미디와 비극을 더 크게 구별했던 반면, 영국은 가끔 그 경계를 모호하게 하고 비극에 코미디 부분을 넣었다. 코미디가 아닌 일반적인 형태는 감상적인 코미디와 나중에 ''tragédie bourgeoise'' 또는 가정 비극이라고 불리는 것, 즉 평범한 삶의 비극이 영국에서는 영국적 감성에 더 호소했기 때문에 더 인기가 있었다.[18]

과거에는 극단이 종종 여행을 다녔지만, 18세기에 루드비 홀베르의 영감을 받아 국립 극장의 아이디어가 지지를 얻었다. 독일에서 국립 극장의 아이디어와 ''폭풍과 고뇌'' 시인들을 주요하게 홍보한 사람은 함부르크 앙트레프라이즈와 세일러 극단의 소유주인 아벨 세일러였다.[19]

오른쪽


19세기 연극을 통해 낭만주의, 멜로드라마, 빅토리아 시대 부르레스크의 대중적인 연극 형태와 유진 스크리브와 빅토리앙 사르두의 잘 만들어진 연극은 자연주의와 사실주의의 문제극; 페이도의 파스극; 바그너의 오페라 ''Gesamtkunstwerk''; 뮤지컬 극장(길버트와 설리번의 오페라 포함); F. C. 버넌드, W. S. 길버트 및 오스카 와일드의 응접실 코미디; 상징주의; 아우구스트 스트린드베리와 헨리크 입센의 후기 작품에서 원표현주의; 그리고 에드워드 시대 뮤지컬 코미디로 이어졌다.

20세기 연극을 통해 스타니슬라프스키와 리 스트라스버그의 사실주의, 에르빈 피스카토르와 베르톨트 브레히트의 정치 연극, 사무엘 베케트와 외젠 이오네스코의 소위 부조리 극, 미국과 영국 뮤지컬, 조안 리틀우드의 극장 워크숍과 같은 배우와 감독의 집단 창작, 로버트 윌슨과 로베르 르파주의 실험적이고 포스트모던 연극, 오거스트 윌슨 또는 톰슨 하이웨이의 탈식민지주의 연극, 그리고 아우구스토 보알의 피억압자의 연극에서 계속되었다.

3. 1. 서양 연극의 역사

인간의 유희 본능과 몸짓, 손짓을 이용한 의사소통(원시적 언어, 율동)에서 연극이 시작되었다고 본다. 고대 사회의 종교적 의식 (그리스의 연극, 디오니소스 숭배)에서 연극의 기원을 찾기도 한다.[29](고바야시 아이오). 주술이나 종교적 의식이 발전하여 연극이 되었다는 설도 있다.

고대 그리스에서는 디오니소스를 찬양하는 대 디오니시아 축제에서 비극 경연이 열렸다.[30] 주술이나 종교 의식에서 행위와 현상의 모방 및 재현은 중요한 요소였다.

서양 연극은 고대 그리스에서 시작되었다. 기원전 5세기 아테네에서 그리스 연극은 전성기를 맞이했다. 아이스킬로스, 소포클레스, 에우리피데스 등 3대 작가를 중심으로 그리스 비극이, 아리스토파네스 등에 의해 그리스 희극이 성립되었다. 기원전 4세기 그리스 연극은 침체되었지만, 지중해 일대에서 오랫동안 상연되었다. 고대 로마는 그리스 연극의 영향을 받아 연극이 성행했고, 각지에 로마 극장이 건설되었다. 그러나 로마 제국의 쇠퇴와 기독교의 영향으로 고대 연극은 쇠퇴했다.

10세기 이후 기독교의 영향으로 종교극이 문헌에 나타나기 시작했고, 13세기부터는 종교극 중심의 중세 연극이 융성했다. 르네상스 시대에는 인문주의자들에 의해 고대 연극 대본이 재발견되었고, 활판 인쇄의 발명으로 대본의 대량 생산이 가능해져 연극은 큰 변화를 겪었다. 16세기 말 이탈리아에서 오페라가 탄생하여 유럽 전역으로 퍼져나갔다.[31]

3. 1. 1. 고대 그리스 연극



고전 아테네의 도시 국가는 서양 연극의 기원이다.[5] 이는 아테네 축제, 종교 의식, 정치, 법, 육상 경기 및 체조, 음악, 시, 결혼, 장례식 및 ''심포지엄''을 포함하는 고전 그리스의 광범위한 연극성 및 공연 문화의 일부였다.

도시 국가의 많은 축제에 참여하는 것, 특히 관람객으로서 (또는 심지어 연극 제작에 참여하는 사람으로서) 도시 디오니시아에 의무적으로 참석하는 것은 시민권의 중요한 부분이었다. 시민 참여는 또한 법정이나 정치 회의에서 공연에서 드러나는 웅변가의 수사법을 평가하는 것을 포함했으며, 이 둘은 연극과 유사한 것으로 이해되었고 점점 더 연극의 극적인 어휘를 흡수하게 되었다. 그리스인들은 또한 극적 비평과 극장 건축의 개념을 발전시켰다.[6] 배우는 아마추어이거나 기껏해야 준전문가였다. 고대 그리스 연극은 비극, 희극 및 사티로스극의 세 가지 유형의 드라마로 구성되었다.

아리스토텔레스 (기원전 384–322년), 즉 연극의 첫 번째 이론가에 따르면, 고대 그리스 연극의 기원은 디오니소스를 기리는 축제에서 찾을 수 있다. 공연은 언덕 측면에 잘린 반원형 강당에서 진행되었으며, 10,000~20,000명을 수용할 수 있었다. 무대는 춤을 추는 공간(오케스트라), 분장실 및 장면 구성 구역(스케네)으로 구성되었다. 단어가 가장 중요한 부분이었기 때문에 음향 효과가 좋고 명확한 전달이 가장 중요했다. 배우(항상 남자)는 자신이 대표하는 캐릭터에 적합한 가면을 착용했으며, 각각 여러 역할을 할 수 있었다.

아테네 비극은 — 비극의 가장 오래된 현존 형태 — 도시 국가의 연극 문화의 중요한 부분을 형성하는 일종의 춤-드라마이다. 기원전 6세기경에 등장하여 기원전 5세기에 번성했으며(그 시대 말부터 그리스 전역으로 퍼지기 시작함), 헬레니즘 시대가 시작될 때까지 인기를 유지했다.

기원전 6세기의 비극은 하나도 남아 있지 않으며, 기원전 5세기에 공연된 1,000편 이상의 비극 중 32편만 남아 있다. 아이스킬로스, 소포클레스, 에우리피데스의 전체 현존 텍스트가 있다. 비극의 기원은 불분명하지만, 기원전 5세기에는 디오니소스 (포도주와 다산의 신)를 기리는 축제의 일환으로 열리는 경쟁(''아곤'')에서 제도화되었다. 도시 디오니시아의 경쟁 (드라마를 상연하는 가장 권위 있는 축제) 참가자들은 일반적으로 3편의 비극과 1편의 사티로스극으로 구성된 희곡 4부작을 제출해야 했다(개별 작품이 이야기나 주제로 반드시 연결되는 것은 아니었음). 도시 디오니시아에서 비극 공연은 기원전 534년에 시작되었을 수 있다. 공식 기록(''디다스칼리아이'')은 사티로스극이 도입된 기원전 501년부터 시작된다.

대부분의 아테네 비극은 그리스 신화의 사건을 극화하지만, ''페르시아인들'' — 기원전 480년 살라미스 해전에서 군사적 패배 소식을 접한 페르시아의 반응을 무대에 올리는 작품 —은 현존하는 드라마에서 주목할 만한 예외이다. 아이스킬로스가 기원전 472년 도시 디오니시아에서 이 작품으로 1등상을 수상했을 때, 그는 25년 이상 비극을 쓰고 있었지만, 최근 역사를 비극적으로 다룬 이 작품은 현존하는 드라마의 가장 초기의 예이다. 130년 이상 후, 철학자 아리스토텔레스는 현존하는 가장 오래된 극 이론 작품인 그의 ''시학'' ()에서 5세기 아테네 비극을 분석했다.

아테네 희극은 일반적으로 "고희극", "중희극", "신희극"의 세 시기로 나뉜다. 고희극은 오늘날 아리스토파네스의 현존하는 11편의 희곡 형태로 주로 남아 있으며, 중희극은 대체로 유실되었다(아테나이오스와 같은 작가들의 비교적 짧은 단편만 보존됨). 신희극은 주로 메난드로스의 상당한 파피루스 조각을 통해 알려져 있다. 아리스토텔레스는 희극을 고통이나 재앙을 일으키지 않는 일종의 실수나 추함을 포함하는 웃긴 사람들의 묘사로 정의했다.

도시 디오니시아의 희극과 비극 범주 외에도 축제에는 사티로스극도 포함되었다. 디오니소스에게 헌정된 시골의 농업 의식에서 기원한 사티로스극은 결국 가장 잘 알려진 형태로 아테네로 들어왔다. 사티로스는 충성스러운 숲의 동반자로서 디오니소스와 묶여 있었으며, 종종 그의 옆에서 술에 취해 난동을 부리고 장난을 쳤다. 사티로스극 자체는 비극 코미디로 분류되었으며, 20세기 초의 더 현대적인 풍자 전통 쪽으로 기울어졌다. 희곡의 줄거리는 일반적으로 사튀로스의 합창단에 의해 뒷받침되는 신들의 판테온과 그들의 인간사에 대한 관여와 관련이 있었다. 그러나 웹스터에 따르면, 사티로스 배우들은 항상 전형적인 사티로스 행동을 수행하는 것은 아니었으며 신화 속 숲 속 생물의 캐릭터 유형에 할당된 연기 전통에서 벗어났다.

3. 1. 2. 로마 연극



서양 연극은 고대 로마 시대에 크게 발전하고 확장되었다. 로마의 역사가인 리비우스는 로마인들이 기원전 4세기에 에트루리아 문명의 배우들의 공연을 통해 처음으로 연극을 접했다고 기록했다. 비참은 그 기록된 접촉 이전에도 로마인들이 "연극 이전의 관행"에 익숙했을 것이라고 주장한다. 고대 로마의 극장은 거리 공연, 누드 댄스, 곡예가 포함된 로마 축제 공연에서부터 플라우투스의 폭넓은 인기를 얻은 상황 코미디, 세네카의 고급 문화적이고 언어적으로 정교한 비극에 이르기까지 번성하고 다양했다. 로마는 고유한 공연 전통을 가지고 있었지만, 기원전 3세기의 헬레니즘화는 로마 연극에 심오하고 활력을 불어넣었으며, 무대를 위한 최고 품질의 라틴 문학 발전을 장려했다. 로마 제국 시대에서 유일하게 남아있는 희곡은 코르도바 출신의 스토아 철학자이자 네로의 스승이었던 루키우스 안나이우스 세네카 (기원전 4년~서기 65년)에게 귀속된 10개의 드라마이다. 이 비극들은 철학적 주제, 복잡한 등장인물, 수사학적 스타일로 유명하다. 세네카의 희곡은 로마 연극에 대한 귀중한 통찰력을 제공하지만, 고대 로마에 존재했던 극적 레퍼토리의 작은 부분만을 대표한다.

고대 로마에서도 그리스 연극의 영향을 받아 연극이 성행하여, 각지에 로마 극장이 건설되었지만, 로마 제국의 쇠퇴와 기독교의 영향으로 고대 연극 또한 쇠퇴해 갔다.[33]

3. 1. 3. 중세 연극

중세 이슬람 세계의 연극은 꼭두각시 인형극(손 인형극, 그림자극, 마리오네트 공연 포함)과 배우들이 이슬람 역사의 에피소드를 재연하는 ''타지예''(Ta'ziyeh)로 알려진 실황 열정극을 포함했다. 특히 시아파 이슬람교의 극은 알리의 아들 하산 이븐 알리와 후세인 이븐 알리의 ''이스티쉬하드(순교)''를 중심으로 진행되었다. 세속극은 중세 ''아다브''(adab) 문학에 기록된 ''아크라자''(akhraja)로 알려졌지만, 꼭두각시 인형극과 타지예 극보다 덜 흔했다.

이후 10세기에 들어서자 기독교의 영향 아래 종교극의 기록이 문헌에 나타나게 되었고, 13세기부터는 종교극을 주체로 하는 중세 연극이 융성하게 되었다.

3. 1. 4. 르네상스 연극

르네상스가 시작되자 인문주의자들에 의해 고대의 연극 대본이 재발견되었고, 활판 인쇄의 발명으로 대본의 대량 생산이 가능해지면서 연극은 크게 변화하게 되었다. 16세기 말에는 이탈리아에서 오페라가 탄생하여 유럽 각지로 퍼져 성행하게 되었다[31].

3. 1. 5. 근현대 연극

1642년에서 1660년까지 영국에서 청교도의 공백기 때문에 연극은 큰 휴식을 가졌다.[11] 청교도들은 연극을 죄악으로 여겨 1642년 런던 극장 폐쇄를 명령했다.[12] 1643년 1월 24일, 배우들은 금지령에 항의하여 "The Actors remonstrance or complaint for the silencing of their profession, and banishment from their severall play-houses"라는 제목의 팜플렛을 작성했다.[13] 이 정체된 시기는 찰스 2세가 왕정복고 시대에 왕위에 복귀하면서 1660년에 끝났다. 연극(다른 예술과 함께)은 찰스가 통치 이전 몇 년 동안 프랑스에 망명했기 때문에 프랑스 문화의 영향을 받아 폭발했다.

1660년에는 듀크 컴퍼니와 킹스 컴퍼니의 두 회사가 공연 허가를 받았다. 코벤트 가든에 있는 최초의 웨스트 엔드 극장인 런던의 로열 극장은 토마스 킬리그루가 설계했으며 현재의 드루리 레인 로열 극장 부지에 건설되었다.[14]

큰 변화 중 하나는 새로운 극장 건물이었다. 글로브 극장과 같은 엘리자베스 시대의 극장과는 달리 배우가 다음 장면을 준비할 장소가 없고 "극장 예절"도 없었지만 극장 건물은 앞쪽에 무대가 있고 관객석이 마주한 정교한 곳으로 바뀌었다. 왕은 극장에서 가장 좋은 좌석을 갖게 될 것이다. 즉, 극장의 정중앙은 무대의 가장 넓은 시야와 무대가 건설된 관점과 시점을 볼 수 있는 가장 좋은 방법을 제공했다. 필립 자크 드 루터부르는 바닥 공간과 무대 장치를 활용하여 당시 가장 영향력 있는 세트 디자이너 중 한 명이었다.

설교자 제레미 콜리어는 그의 작품 ''A Short View of the Immorality and Profaneness of the English Stage''를 통해 이 운동의 선두 주자 중 한 명이었다. 이 논문의 신념은 주로 연극 관람자가 아닌 사람들과 나머지 청교도, 그리고 당시 매우 종교적인 사람들이 가지고 있었다. 주요 질문은 무대에서 부도덕한 것을 보는 것이 그것을 보는 사람들의 삶의 행동에 영향을 미치는지 여부였으며, 이 논쟁은 오늘날에도 계속되고 있다.[15]

17세기는 또한 이전에 부적절하다고 여겨졌던 여성을 무대에 등장시켰다. 찰스 2세는 젊은 남자가 젊은 여성 역할을 하는 것을 좋아하지 않았고, 그래서 여성에게 자신의 역할을 연기해 달라고 요청했다.[16] 여성의 무대 출입이 허용되면서 극작가들은 여성의 남성 의상, 도덕적으로 곤란한 상황에서 간신히 탈출하는 코미디와 같은 반전 음모에 더 많은 여지를 갖게 되었다.

코미디는 젊은이들로 가득했고 매우 유행했으며, 줄거리는 그들의 사랑 생활을 따랐다. 셰리던의 ''스캔들 학교''와 매우 유사하다. 많은 코미디는 프랑스 전통, 주로 몰리에르를 본떠 만들어졌으며, 찰스와 왕족이 망명 후 가져온 프랑스의 영향을 다시 한번 환영했다. 몰리에르는 당시 최고의 코미디 극작가 중 한 명으로, 이탈리아 commedia dell'arte와 신고전주의 프랑스 코미디를 결합하여 가장 오래 지속되고 가장 영향력 있는 풍자 코미디를 만들어 코미디를 쓰고 공연하는 방식을 혁신했다.[17] 비극은 최근 왕정 복고 때문에 특히 찡하게 정치적 권력을 바로잡는다는 점에서 마찬가지로 성공적이었다. 또한 프랑스 비극의 모방이었지만, 프랑스는 코미디와 비극을 더 크게 구별했던 반면, 영국은 가끔 그 경계를 모호하게 하고 비극에 코미디 부분을 넣었다. 코미디가 아닌 일반적인 형태는 감상적인 코미디와 나중에 ''tragédie bourgeoise'' 또는 가정 비극이라고 불리는 것, 즉 평범한 삶의 비극이 영국에서는 영국적 감성에 더 호소했기 때문에 더 인기가 있었다.[18]

과거에는 극단이 종종 여행을 다녔지만, 18세기에 루드비 홀베르의 영감을 받아 국립 극장의 아이디어가 지지를 얻었다. 독일에서 국립 극장의 아이디어와 ''폭풍과 고뇌'' 시인들을 주요하게 홍보한 사람은 함부르크 앙트레프라이즈와 세일러 극단의 소유주인 아벨 세일러였다.[19]

19세기 연극을 통해 낭만주의, 멜로드라마, 빅토리아 시대 부르레스크의 대중적인 연극 형태와 유진 스크리브와 빅토리앙 사르두의 잘 만들어진 연극은 자연주의와 사실주의의 문제극; 페이도의 파스극; 바그너의 오페라 ''Gesamtkunstwerk''; 뮤지컬 극장(길버트와 설리번의 오페라 포함); F. C. 버넌드, W. S. 길버트 및 오스카 와일드의 응접실 코미디; 상징주의; 아우구스트 스트린드베리와 헨리크 입센의 후기 작품에서 원표현주의; 그리고 에드워드 시대 뮤지컬 코미디로 이어졌다.

20세기 연극을 통해 스타니슬라프스키와 리 스트라스버그의 사실주의, 에르빈 피스카토르와 베르톨트 브레히트의 정치 연극, 사무엘 베케트와 외젠 이오네스코의 소위 부조리 극, 미국과 영국 뮤지컬, 조안 리틀우드의 극장 워크숍과 같은 배우와 감독의 집단 창작, 로버트 윌슨과 로베르 르파주의 실험적이고 포스트모던 연극, 오거스트 윌슨 또는 톰슨 하이웨이의 탈식민지주의 연극, 그리고 아우구스토 보알의 피억압자의 연극에서 계속되었다.

3. 2. 동양 연극의 역사

3. 2. 1. 인도 연극

야크샤가나의 한 형태인 음악 무용-극에서 묘사된 라크샤사 또는 악마


인도 연극의 첫 번째 형태는 산스크리트 연극이었으며, 현존하는 가장 오래된 단편은 서기 1세기에 속한다. 이 연극은 고대 그리스 연극과 고대 로마 연극의 발달 이후, 아시아의 다른 지역의 연극이 발달하기 전에 시작되었다. 기원전 2세기에서 서기 1세기 사이에 등장하여 서기 1세기에서 10세기 사이에 번성했는데, 이는 인도 역사에서 수백 편의 희곡이 쓰여진 상대적으로 평화로운 시기였다. 이전 시대의 풍부한 고고학적 증거는 연극의 전통의 존재를 나타내지 않는다. 고대 ''베다'' (기원전 1500년에서 1000년 사이의 찬가로, 세계에서 가장 오래된 문학의 예 중 하나)에는 이에 대한 힌트가 없으며(소수는 대화의 형태로 구성되어 있지만) 베다 시대의 의례는 연극으로 발전하지 않은 것으로 보인다. 파탄잘리의 ''마하바샤''에는 산스크리트 연극의 씨앗이 되었을 수 있는 최초의 언급이 포함되어 있다. 기원전 140년의 이 문법 논문은 인도 연극의 시작에 대한 가능한 날짜를 제공한다.

산스크리트 연극에 대한 주요 증거는 편찬 연대가 불확실한(추정치는 기원전 200년에서 서기 200년 사이) 나트야샤스트라(''연극 논문'')이며, 그 저자는 바라타 무니로 알려져 있다. 이 ''논문''은 고대 세계에서 가장 완벽한 극작술 작품이다. 이 논문은 연기, 무용, 음악, 극적 구성, 건축, 의상, 분장, 소품, 단체의 조직, 관객, 경쟁에 대해 다루고 있으며, 연극의 기원에 대한 신화적 설명을 제공한다. 그렇게 함으로써 실제 연극 관행의 본질에 대한 지표를 제공한다. 산스크리트 연극은 필요한 기술(무용, 음악, 암송)을 훈련받은 사제들이 신성한 땅에서 [세습 과정]을 통해 공연했다. 그 목적은 교육과 오락을 모두 제공하는 것이었다.

산스크리트 연극의 쿠디야탐 형식으로 수그리바를 연기하는 배우


왕실의 후원 아래, 배우들은 무대 감독(''수트라다라'')이 감독하는 전문 극단에 속했는데, 무대 감독은 연기도 했을 것이다. 이 역할은 인형 조종사의 역할과 유사하다고 여겨졌다. "''수트라다라''"의 문자적 의미는 "실이나 끈의 소유자"이다. 배우들은 발성과 신체 기법을 엄격하게 훈련받았다. 여성 배우에 대한 금지는 없었으며, 극단은 남성, 여성 및 혼성으로 구성되었다. 그러나 남성이 연기하기에 부적절하다고 여겨지는 특정 감정은 여성에게 더 적합하다고 생각되었다. 일부 배우는 자신의 나이의 배역을 맡았고, 다른 배우는 자신의 나이와 다른 나이(어리거나 늙거나)의 배역을 맡았다. 연극의 모든 요소 중에서 이 ''논문''은 연기(''아비나야'')에 가장 많은 관심을 기울이며, 현실적(''로카다르미'') 스타일과 전통적(''나티야다르미'') 스타일의 두 가지 스타일로 구성되지만, 후자에 가장 중점을 둔다.

이 연극은 산스크리트 문학의 가장 높은 성취로 여겨진다. 영웅(''나야카''), 여주인공(''나이카'') 또는 광대(''비두샤카'')와 같은 전형적 등장 인물을 사용했다. 배우들은 특정 유형의 역할을 전문적으로 했을 수 있다. 기원전 1세기의 칼리다사는 고대 인도의 가장 위대한 산스크리트 극작가로 간주된다. 칼리다사가 쓴 세 편의 유명한 로맨스극은 ''말라비카그니미트람''(말라비카와 아그니미트라), ''비크라모르바시야''(비크라마와 우르바시 관련) 및 ''아비지냐나샤쿤탈라''(샤쿤탈라의 인식)이다. 마지막 작품은 ''마하바라타''의 이야기를 바탕으로 했으며 가장 유명하다. 이 작품은 영어와 독일어로 번역된 최초의 작품이었다. ''샤쿤탈라''(영어로 번역)는 괴테의 ''파우스트''(1808-1832)에 영향을 미쳤다.

다음으로 위대한 인도 극작가는 바바부티()였다. 그는 ''말라티-마다바'', ''마하비라차리타'' 및 ''우타르 라마차리타''의 세 편의 희곡을 썼다고 한다. 이 세 작품 중에서 마지막 두 작품은 ''라마야나''의 전체 서사시를 다룬다. 강력한 인도 황제 하르샤 (606-648)는 세 편의 희곡, 즉 코미디 ''라트나발리'', ''프리야다르시카'', 불교 드라마 ''나가난다''를 쓴 것으로 알려져 있다.

3. 2. 2. 중국 연극

당나라는 때때로 "1000가지 연예의 시대"로 알려져 있다. 이 시대에 명황은 주로 음악적인 형태의 연극을 제작하기 위해 배원으로 알려진 연기 학교를 설립했다. 그래서 배우들을 흔히 "배원의 아이들"이라고 부른다. 영제 시대에 그림자극이 중국에서 인정받는 연극 형태로 처음 등장했다. 북경(북부)과 광동(남부)의 두 가지 뚜렷한 형태의 그림자극이 있었다. 두 스타일은 인형극이 공연하는 연극의 종류와는 달리, 인형을 만드는 방식과 인형에 막대를 배치하는 방식으로 구별되었다. 두 스타일 모두 일반적으로 훌륭한 모험과 환상을 묘사하는 연극을 공연했으며, 이 매우 양식화된 형태의 연극은 정치적 선전에 거의 사용되지 않았다.

광동 그림자 인형극은 두 가지 중 더 컸다. 더 튼튼한 그림자를 만들기 위해 두꺼운 가죽을 사용하여 만들었다. 상징적인 색상도 매우 널리 사용되었다. 검은 얼굴은 정직을, 붉은 얼굴은 용기를 나타냈다. 광동 인형을 제어하는 데 사용되는 막대는 인형의 머리에 수직으로 부착되었다. 따라서 그림자가 만들어질 때 관객에게 보이지 않았다. 북경 인형극은 더 섬세하고 작았다. 얇고 반투명한 가죽(보통 당나귀의 배에서 가져온 것)으로 만들었다. 생생한 페인트로 칠했기 때문에 매우 다채로운 그림자를 드리웠다. 움직임을 제어하는 얇은 막대는 인형의 목에 있는 가죽 칼라에 부착되었다. 막대는 인형의 몸과 평행하게 뻗어 있다가 90도 각도로 꺾여 목에 연결되었다. 그림자를 드리울 때 이 막대가 보였지만, 인형의 그림자 바깥에 놓여 있었다. 따라서 인물의 모습에 방해가 되지 않았다. 막대는 목에 부착되어 하나의 몸체에 여러 개의 머리를 사용할 수 있도록 했다. 머리를 사용하지 않을 때는 무명 서적이나 천으로 덮인 상자에 보관했다. 밤에는 항상 머리를 제거했다. 이는 온전하게 두면 밤에 인형이 살아날 것이라는 오래된 미신을 따른 것이었다. 일부 인형극 배우들은 인형의 생명을 되살릴 가능성을 더욱 줄이기 위해 머리를 한 권의 책에, 몸통을 다른 책에 보관하기도 했다. 그림자극은 정부의 도구가 되기 전 11세기에 예술적 발달의 정점에 도달했다고 한다.

송나라 시대에는 곡예와 음악을 포함하는 많은 인기 있는 연극이 있었다. 이들은 원나라 시대에 4~5막 구조의 ''자극''으로 알려진 더 정교한 형태로 발전했다. 원나라 드라마는 중국 전역으로 퍼져나가 다양한 지역 형태로 다양화되었으며, 그중 가장 잘 알려진 것 중 하나는 오늘날까지 여전히 인기 있는 경극이다.

상성은 독백이나 대화 형식의 특정 전통적인 중국 코미디 공연이다.

옥룡설산 야외 극장에서의 공개 공연

3. 2. 3. 일본 연극

일본의 가부키, 노, 교겐은 서기 17세기에 발전했다.
1858년 7월 에도의 이치무라 극장에서 상연된 시바라쿠일본어의 공연. 3단 구성 목판화는 우타가와 쿠니사다 3세의 작품이다.

3. 3. 한국 연극의 역사

4. 연극의 종류

4. 1. 내용에 따른 분류

드라마는 소설의 특정 양식으로, 공연으로 재현된다. 이 용어는 "행동"을 의미하는 그리스어에서 유래되었으며, 이는 "하다" 또는 "행동하다"라는 의미의 동사 δράω, ''dráō''에서 파생되었다. 극장에서 배우가 관객 앞에서 무대에서 공연하는 드라마의 행위는 협업적 제작 방식과 집단적 수용 형태를 전제로 한다.

연극은 주로 희곡의 내용(전개)에 따라 분류된다. 다만 무엇을 비극으로 할지, 희극으로 할지에 대한 명확한 기준은 없다.

이야기를 전달하는 수단으로 유머를 사용하는 연극 제작은 희극으로 분류된다. 어둡고 논란이 있거나 금기시되는 주제를 의도적으로 유머러스하게 표현하는 연극은 블랙 코미디라고 한다.

비극은 서양 문명의 자기 정의에서 독특하고 중요한 역할을 해 온 특정 시적 전통의 드라마를 지칭한다. 아테네 극장의 불분명한 기원에서, 아이스킬로스, 소포클레스, 에우리피데스의 작품 중 일부만 남아 있으며, 셰익스피어, 로페 데 베가, 라신, 실러의 작품에서 특이하게 표현되었고, 스트린드베리의 보다 최근의 자연주의 비극, 사무엘 베케트의 죽음, 상실, 고통에 대한 모더니즘적 성찰, 하이네르 뮐러의 비극적 정경에 대한 포스트모더니즘적 재작업에 이르기까지, 비극은 문화적 실험, 협상, 투쟁, 변화의 중요한 장소로 남아 있다. 일반적으로 주인공의 죽음 등 슬픈 이야기가 전개되는 작품은 비극으로 여겨진다. 고대 그리스의 오이디푸스 왕이나 셰익스피어의 맥베스 등이 그 한 예이다.

이야기에 드라마가 없고 등장인물이 타개 불가능한 공간에 놓이는 이야기를 부조리극이라고 부른다.[35] 대표적인 극작가로는 사무엘 베케트나 해럴드 핀터 등이 있다. 또한, 이러한 서양의 연극 수법에 반항하여, 일본의 히라타 오리자는 "조용한 연극"을 제창했다. 이것은 일상 대화에서 드라마성을 추구하는 것으로,[36] 현대 연극의 한 장르가 된 대화극의 근원이 되고 있다.

4. 2. 표현 방식에 따른 분류

음악과 연극은 고대부터 밀접한 관계를 맺어왔다. 고전 아테네의 비극은 춤과 드라마의 한 형태로, 배우들의 대사와 노래로 불리는 역할을 하는 합창대(그리스 합창대)를 사용했다. 현대의 뮤지컬은 음악, 대사, 춤을 결합한 연극의 한 형태이다. 코믹 오페라(특히 길버트와 설리번), 버라이어티 쇼, 보드빌, 뮤직 홀 장르에서 19세기 후반과 20세기 초에 등장했다. 1890년대에 시작된 에드워드 시대 뮤지컬 코미디, 20세기 초의 뉴욕 프린세스 극장(Princess Theatre) 뮤지컬, 1920년대와 1930년대의 코미디 이후, ''오클라호마!''(1943)를 기점으로 뮤지컬은 더욱 극적인 방향으로 나아갔다. 그 후 수십 년 동안 유명한 뮤지컬로는 ''마이 페어 레이디''(1956), ''웨스트 사이드 스토리''(1957), ''판타스틱스''(1960), ''헤어''(1967), ''코러스 라인''(1975), ''레 미제라블''(1980), ''캣츠''(1981), ''숲 속으로''(1986), ''오페라의 유령''(1986),[21] ''렌트''(1994), ''라이온 킹''(1997), ''위키드''(2003), ''해밀턴''(2015) 및 ''겨울왕국''(2018)과 같은 더 현대적인 히트작들이 있다.

런던 팔라디움(London Palladium)에서 공연되는 ''캣츠''(Cats)


뮤지컬은 오프 브로드웨이, 지역 극장 등에서 소규모로 제작될 수 있지만, 종종 화려한 볼거리를 포함한다. 예를 들어, 브로드웨이와 웨스트 엔드 뮤지컬은 수백만 달러의 예산으로 지원되는 화려한 의상과 세트를 포함하는 경우가 많다.

비극과 희극의 극장 가면. 모자이크, 로마 미술 작품, 서기 2세기. 카피톨리노 박물관(Capitoline Museums), 로마


분라쿠

4. 3. 시대에 따른 분류

노, 교겐, 분라쿠, 가부키, 라쿠고는 일본의 전통 예능이다. 근현대 일본 연극에는 신파극, 아사쿠사 오페라, 대중 연극 등이 있다. 대중 연극에는 경연극, 검극, 레뷰, 신극 등이 포함된다. 현대 일본 연극은 소극장 연극과 상업 연극으로 나뉜다. 앙그라 연극은 소극장 연극의 일종이다.

4. 4. 공연 주체에 따른 분류

현대 연극은 다양한 방식으로 제작되며, 사업의 정교함과 목적에 따라 참여자와 예산 규모가 크게 달라진다. 참여자는 초보자와 취미가(지역 극단)에서 전문가(브로드웨이 극장 및 유사 제작)에 이르기까지 다양하며, 최소 예산부터 수백만 달러 예산의 대규모 공연까지 가능하다. 이러한 다양성은 연극의 하위 범주로 나타난다.

현대 일본에서는 프로 연극을 상업 연극, 아마추어 연극을 소극장 연극이라고 부르는 경우가 많다.

  • 브로드웨이 극장 및 웨스트 엔드 극장
  • 지역 극단
  • 디너 시어터
  • 프린지 연극
  • 몰입형 연극
  • 인터랙티브 극장
  • 오프 브로드웨이 및 오프 웨스트 엔드
  • 오프 오프 브로드웨이
  • 플레이백 극장
  • 미국의 지역 극장
  • 특정 장소 연극
  • 거리 연극
  • 서머 스톡 극장
  • 연극과 장애
  • 순회 극장
  • 상업 연극
  • 소극장 연극
  • 시민 극단
  • 학생 연극 (대학생에 의한 연극과, 대학생 이하의 학생에 의한 연극이라는 두 가지 의미를 지닌다)
  • 고교 연극·중학 연극
  • 아동 연극

5. 현대 연극의 흐름

6. 연극 관련 단체 및 기관

배우노조 협회(AEA)는 미국 배우 및 무대 감독의 노동조합이다. 캐나다 배우노조 협회는 캐나다 배우의 노동조합이다. 영국 배우노조(Equity)는 영국 내 다양한 공연 예술가, 디자이너, 연출가 및 무대 감독의 노동조합이다. 국제 극장 무대 종사자 연합(IATSE)은 디자이너 및 기술자의 노동조합이다. 미디어, 엔터테인먼트 및 예술 연합은 배우, 언론인 및 엔터테인먼트 산업 종사자를 포괄하는 노동조합의 합병으로 1992년에 설립된 호주 노동조합이다. 무대 연출가 및 안무가 협회(SDC)도 연극 관련 단체이다.

7. 연극 관련 용어

극단은 연극 공연을 제작하는 조직이며,[2] 함께 활동하는 연극 배우 그룹인 극단과는 구별된다.[3] 순회 극단은 독립적인 연극 또는 무용 극단으로, 종종 국제적으로 이동하며 각 도시의 다른 극장에서 공연을 한다.

테아트로 콜론 내부, 현대 극장


연극 작품을 올리기 위해서는 극단과 극장 시설이 모두 필요하다. 극단이 극장 시설에 상주하는 유일한 극단인 경우, 이 극장 (및 해당 극단)을 레지던트 극장 또는 제작 극장이라고 부르는데, 이는 해당 시설에서 자체 작품을 제작하기 때문이다. 자체 극장 시설이 없는 다른 극단과 무용 극단은 임대 극장이나 공연 극장에서 공연을 한다. 임대 극장과 공연 극장 모두 정규직 상주 극단은 없지만, 때로는 공간을 사용할 수 있을 때 공간 사용을 마련하는 다른 독립적인 파트너 극단 외에 한 개 이상의 시간제 상주 극단이 있을 수 있다. 임대 극장은 독립 극단이 공간을 찾도록 허용하는 반면, 공연 극장은 독립 극단을 찾아 무대에서 공연함으로써 그들의 작품을 지원한다.

일부 공연 단체는 비극장 공간에서 공연을 한다. 이러한 공연은 야외 또는 실내에서, 비전통적인 공연 공간에서 이루어질 수 있으며, 거리 공연 및 장소 특정적 연극을 포함한다. 비전통적인 장소는 관객에게 더욱 몰입적이거나 의미 있는 환경을 만들기 위해 사용될 수 있다. 때로는 전통적인 극장 시설보다 더 많이 수정되거나, 다른 종류의 장비, 조명 및 세트를 수용할 수 있다.[24]

참조

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[2] 웹사이트 Theatre company definition and meaning https://www.collinsd[...] 2021-12-14
[3] 웹사이트 Definition of Troupe https://www.merriam-[...] 2020-06-15
[4] 웹사이트 Troupe definition and meaning https://www.collinsd[...] 2021-12-14
[5] 웹사이트 Introduction to Theatre – Ancient Greek Theatre https://novaonline.n[...]
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[12] 뉴스 From pandemics to puritans: when theatre shut down through history and how it recovered https://www.thestage[...] 2020-12-17
[13] 서적 The Actors remonstrance or complaint for the silencing for their profession, and banishment from their severall play-houses https://quod.lib.umi[...] 1643-01-24
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[19] 서적 Dictionary of German Biography Walter de Gruyter
[20] 웹사이트 7028 end. Tartu Saksa Teatrihoone Vanemuise 45a, 1914–1918.a. https://register.mui[...] 2020-06-23
[21] 웹사이트 History of Stage Musicals http://www.musicals1[...] 2009-05-26
[22] 웹사이트 Poetics https://web.archive.[...]
[23] 문서 Poetics
[24] 뉴스 Non-traditional venues can inspire art, or just great performances http://www.pittsburg[...] 2008-07-07
[25] 웹사이트 About https://www.equity.o[...] 2023-01-08
[26] 웹사이트 Actors' Equity Association joins other arts, entertainment and media industry unions To Announce Legislative Push To Advance Diversity, Equity and Inclusion https://www.actorseq[...] Actors' Equity Association 2022-05-29
[27] 웹사이트 About Us https://www.meaa.org[...] 2021-02-25
[28] 서적 俳優と超人形 而立書房
[29] 서적 西洋演劇史 https://dl.ndl.go.jp[...] アカギ叢書
[30] 서적 138億年の音楽史 講談社現代新書 2016-07-20
[31] 서적 増補改訂版 はじめての音楽史 古代ギリシアの音楽から日本の現代音楽まで 音楽之友社 2009-04-10
[32] 학술지 演劇とは何か http://id.nii.ac.jp/[...] 中京大学先端共同研究機構文化科学研究所 1999-12-31
[33] 웹사이트 〈要点〉日本演劇史～明治から現代へ～ https://www.nntt.jac[...] 2023-04-14
[34] 웹사이트 舞台の始まりから終わりまでの流れをつかもう~役者編~ http://shibainomachi[...]
[35] 서적 現代演劇の地層―フランス不条理劇生成の基盤を探る ぺりかん社
[36] 웹사이트 静かな演劇｜現代美術用語辞典 http://artscape.jp/a[...] 2018-02-15
[37] 백과사전 극


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