고딕 미술
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1. 개요
고딕 미술은 12세기 초 프랑스에서 시작되어 건축, 조각, 회화 등 다양한 예술 분야로 확산된 미술 양식이다. 고딕 양식은 뾰족한 아치, 하늘로 솟아오르는 듯한 수직적 구조를 특징으로 하며, 스테인드글라스, 프레스코화, 필사본 삽화, 패널화 등 다양한 형태로 발전했다. 초기에는 로마네스크 양식의 영향을 받았으나, 점차 독립적인 형태로 발전하여 조각의 경우 건축에 덜 종속적인 형태로 발전하였고 사실주의적인 경향을 보였다. 고딕 미술은 르네상스 시대를 거치며 쇠퇴했지만, 18세기 고딕 로맨스를 시작으로 고스 문화, 고딕 메탈 등 현대에도 다양한 형태로 계승되고 있다.
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| 고딕 미술 | |
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| 지도 정보 | |
| 기본 정보 | |
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| 이름 | 고딕 미술 |
| 활동 시기 | 12세기 후반-16세기 |
| 국가 | 가톨릭 유럽 |
| 관련 정보 | |
2. 역사적 배경
고딕 예술은 상징적인 성격을 띠었는데, 구약의 사건이 신약의 사건을 예표한다는 믿음이 주된 의미였다. ''인류 구원의 거울''과 같은 작품에서 구약과 신약의 장면이 나란히 표현되었다. 고딕 시대는 마리아 숭배가 크게 부흥하고 시각 예술이 중요한 역할을 한 시기이다. 성모 마리아의 이미지는 비잔틴의 형식적인 유형에서 성모 승천을 거쳐 더욱 인간적이고 친밀한 유형으로 발전했고, ''성모의 생애'' 순환 그림이 인기를 끌었다. 조토, 프라 안젤리코, 피에트로 로렌체티 등 이탈리아 예술가들과 초기 네덜란드 회화는 예술에 사실주의와 자연스러운 인간성을 불어넣었다. 서구 예술가와 후원자들은 혁신적인 이콘에 자신감을 가졌고, 독창성이 나타났지만, 대부분의 예술가들은 여전히 복사된 공식을 사용했다.
이콘은 신학의 변화에 영향을 받아 성모 승천 묘사가 성모 사망보다 널리 알려졌고, 근대 경건 운동과 같은 경건 행위는 슬픔에 잠긴 그리스도, 명상하는 그리스도, 피에타와 같은 주제에서 그리스도의 새로운 표현을 만들어냈다. 이는 성모 묘사와 유사하게 그리스도의 인간적인 고통과 취약성을 강조했다. ''최후의 심판''에서도 그리스도는 가슴을 드러내어 수난의 상처를 보여주었다. 성인들이 더 자주 등장했고, 제단화는 특정 교회나 기증자와 관련된 성인들을 십자가에 못 박힘이나 옥좌에 앉은 성모자에 참석시키거나 중앙 공간을 차지하는 모습으로 묘사했다(주로 측면 예배당용 작품). 신약 외경에서 유래한 탄생 때의 조산사 등 많은 고대 이콘 특징들은 성직자들의 압력으로 제거되었지만, 일부는 잘 알려져 무해한 것으로 간주되었다.[3]
고딕이라는 단어는 원래 "고트족의, 고트풍의"라는 뜻으로, 12세기 후반부터 15세기에 걸쳐 알프스 북부의 고딕 건축에서 유래했다. 르네상스 시대 이탈리아 문화인들이 북부 교회 건축 양식을 경멸적으로 그렇게 불렀던 것이 시초이며, 이후 중세풍 양식을 의미하는 말이 되었다. 이러한 고딕의 정의는 처음부터 모호함을 품고 있었고, 후세에 고딕이 재해석되어 의미가 확대되었다는 지적도 있다.[28] 계몽 시대인 18세기에는 중세를 암흑 시대로 여겼고,[29] 고딕은 기괴함이나 서투름을 나타내는 말로 받아들여졌다.[30] 호레이스 월폴은 고딕 취향의 자택을 건설하여 19세기 고딕 부흥의 선구자가 되었고, 환상 속 어둠의 중세를 무대로 한 소설 『오트란토 성의 기이한 이야기』(1764년)를 썼다. 이는 18세기 후반부터 19세기 전반에 유행한 고딕 로맨스 문학의 원조이다. 19세기 고딕 로맨스는 "프랑켄슈타인의 괴물"[31]이나 "흡혈귀"[32]처럼 어둠의 은유로서 괴물 표상을 만들어냈다.[33] 과거 문학이나 예술에 나타난 고전 고딕은 현대 고딕 문화에 기여하는 이들에게 이미지 원천이 되었다고 코타니 마리는 지적한다.[33]
2. 1. 기원과 초기 발전
고딕 양식은 12세기 초 프랑스의 일드프랑스 지방에서 수저 수도원장이 건립한 생드니 수도원 교회에서 시작되었다.[1] 이 양식은 건축에서 시작하여 조각, 섬유 예술, 회화 등 다양한 형태로 빠르게 확산되었다.[2] 시토회와 카르투시오회 같은 수도회는 이 양식을 유럽 전역으로 전파하고 독특한 변형을 발전시킨 중요한 건축가들이었다. 14세기 후반까지 지역적 변형이 중요했지만, 국제 고딕 양식으로 알려진 일관된 보편적인 양식이 발전하여 15세기 후반까지, 그리고 많은 지역에서는 그 이후까지도 계속되었다.초기에는 고딕 미술을 "프랑스 작품"(Opus Francigenum)이라고 불렀는데, 이는 이 양식의 창조에서 프랑스의 우선 순위를 보여준다.[5]
2. 2. 국제 고딕 양식
14세기 후반에는 국제 고딕 양식이라는, 유럽 전역에서 공유되는 양식이 발전하여 15세기 후반까지 지속되었다.2. 3. 쇠퇴와 르네상스
15세기 후반부터 르네상스 양식이 등장하면서 고딕 양식은 점차 쇠퇴했지만, 일부 지역에서는 16세기 이후까지도 그 명맥을 유지했다. 미술 용어로서 "고딕"이라는 단어는 처음에는 "야만적인"의 동의어로 사용되었으며, 따라서 경멸적인 의미로 사용되었다.[4] 비평가들은 이러한 중세 미술을 세련되지 못하고 고전 미술의 미적 비례와 형태에서 너무 멀리 벗어났다고 보았다.[5] 르네상스 작가들은 서기 410년 고트족의 로마 약탈이 고전 세계와 그들이 소중히 여기던 모든 가치의 몰락을 초래했다고 믿었다. 15세기에는 여러 이탈리아 건축가와 작가들이 알프스 산맥 북쪽에서 유입되는 새로운 "야만적인" 양식이 초기 르네상스가 장려한 고전 부흥에 유사한 위협을 제기한다고 불평했다.[6]이 미술에 대한 "고딕"이라는 수식어는 처음으로 라파엘이 레오 10세에게 보낸 서신에서 사용되었으며, 이후 이탈리아 화가이자 작가인 조르조 바사리[7]에 의해 대중화되었다. 바사리는 1530년대 초에 고딕 양식을 "괴물 같고 야만적인" "혼란"이라고 불렀다.[8] 라파엘은 북부 건축의 첨탑 아치가 게르만 숲 거주자들이 나무를 구부려 만든 원시 오두막의 메아리라고 주장했는데, 이는 훨씬 후에 독일 낭만주의 운동의 글에서 더 긍정적인 의미로 다시 등장하는 신화였다. "고딕 미술"은 부알로, 라 브뤼예르, 루소와 같은 프랑스 작가들에 의해 강하게 비판을 받았지만, 인정받는 예술 형식이 되고 용어가 고정되기 전까지였다.[5] 몰리에르는 고딕 양식에 대해 다음과 같이 언급했다.
> 고딕 기념물의 어리석은 취향,
> 무지한 시대의 이 혐오스러운 괴물들,
> 야만의 급류가 쏟아낸 것들.[5]
초기에는 고딕 미술을 "프랑스 작품"(Opus Francigenum)이라고 불렀는데, 이는 이 양식의 창조에서 프랑스의 우선 순위를 증명하는 것이다.[5]
3. 고딕 건축
로마네스크 건축과 비교해 볼 때, 고딕 건축은 첨탑으로 인해 수직선이 강조되고, 육중한 벽과 기둥보다는 가냘픈 기둥과 넓은 창을 통해 신비롭고 경건한 분위기를 자아낸다. 이러한 변화는 늑재 궁륭(Ribbed Vault)과 버팀도리(Flying Buttress)라는 외부 버팀목의 발명으로 가능해졌다.
고딕 양식은 건물 내부를 프레스코화 대신 스테인드 글라스로 장식하여 빛에 의한 아름다운 채색 효과를 보여주는데, 이는 고딕 예술의 진수로 꼽힌다.
3. 1. 주요 특징
12세기 중반 북프랑스에서 시작된 대성당 등의 종교 건축물은 공통적으로 다음과 같은 특징을 보였다. 첫째, 뾰족한 아치(첨두 아치)를 사용하여 건물의 높이를 강조하고 하늘로 솟아오르는 듯한 인상을 주려 했다. 둘째, 건물 벽에 큰 창을 내어 실내에 많은 빛을 들여왔다. 셋째, 비행 부벽과 같은 구조물이 외벽에서 돌출하여 건물을 외부에서 지탱하고, 건물에 특이한 외관을 부여했다.[34]이러한 특징을 가진 건축물은 북유럽이 새롭게 확립한 독자적인 양식이었다. 그러나 조화로운 고전 고대 문화를 존경하던 이탈리아 지식인들은 기형적이고 불규칙적인 외관을 높게 평가하지 않았다. 그들은 경멸하는 의미로 이 양식을 이탈리아어로 "고트족의 (gotico)"라고 불렀다. 고트인은 게르만 민족의 옛 민족으로, 실제로는 이러한 건축물과 관련이 없었지만, 야만적인 민족에 의한 미완성의 양식이라는 의미를 담아 그렇게 불렀던 것이다.[35] "고딕"이라는 용어는 여기서 유래하였다.[36]
3. 2. 대표적인 건축물
중세 유럽에서 성당은 “신의 집”이자 모든 생활 문화의 중심지로, 도시가 확장됨에 따라 점차 대규모 성당이 들어서게 됐다. 고딕 성당은 지역 주민들에게 일종의 긍지의 상징이었다.
고딕 양식의 대표적인 건축물로는 프랑스의 파리 노트르담 대성당, 샤르트르 대성당, 아미앵 대성당, 영국의 웨스트민스터 사원, 독일의 쾰른 대성당 등을 꼽는다.
특별한 유형의 고딕 양식으로는 벽돌 고딕 양식이 있다. 이 양식으로 지어진 건물은 국제 관광 루트인 유럽 벽돌 고딕 양식(European Route of Brick Gothic, EuRoB)에 속해있다. EuRoB에 속하는 건축물로는 타르투, 리가, 빌뉴스, 올슈틴, 그단스크, 그루지옹츠, 헤움노, 토룬, 카미엔포모르스키, 스타르가르트, 슈체친, 프랑크푸르트 (오데르), 앙클람, 그라이프스발트, 슈트랄준트, 하데르슬레우 등이 있다.
3. 3. 한국의 수용과 영향
한국 전통 건축에는 고딕 양식이 직접적으로 수용되지 않았지만, 개화기 이후 서양식 건축물이 도입되면서 간접적인 영향을 받았다. 성공회 강화성당과 같이, 제한적이나마 고딕 양식의 영향을 받은 건축물을 살펴볼 수 있다.4. 고딕 조각
고딕 조각은 로마네스크 양식보다 더 조각적이며, 건축에 덜 종속적이었다. 12세기 중엽 스콜라 철학의 원리에 따라, 독립된 부분들이 모여 질서와 조화를 이루는 전체상을 추구했다. 조각은 성당이라는 전체적인 조화를 깨뜨리지 않는 한에서 독립성이 인정되었다. 로마네스크 시대의 '한계의 법칙'에서 벗어나, 팀펀은 입구 상부 아치를 덮는 장식에서 입구 전체 장식으로 확장되었다. 파리 노트르담 대성당이나 샤르트르 대성당의 팀펀은 주제가 다양함에도 등장인물 간 관계와 이야기가 명확하게 표현되었다.
고딕 조각의 특징은 원주에 새겨진 인물상에서 두드러진다. 이 인물상들은 정문 입구 양쪽에 줄지어 서 있거나, 교회 내부 주열(柱列)에 붙어 있는 형태로 나타난다. 전체적으로 세로로 긴 원통 모양으로, 입구에 배열된 성자 군상은 성당의 리듬과 조화를 이루었다. 샤르트르 대성당의 <왕의 문(門)> 조각은 초기 고딕 양식을 보여주며, 랭스 대성당의 <수태고지>는 균형과 조화를 이룬 고전적인 걸작으로 평가받는다.
14세기 이후 사회 변화와 함께 예술 중심은 교회에서 세속으로 이동했다. 조각은 사실적인 경향이 강해지면서 작가의 개성이 중요해졌다. 클라우스 슬루터는 종교 조각의 형식을 타파한 작가 중 한 명이다. 독일에서는 전통이 강했지만, 나움부르크나 프라이부르크 본사원 조각군에서 개성적인 입체감을 볼 수 있다. 라인강 유역과 보헤미아 지방에서는 사실적인 채색을 한 목각 그리스도 가형상(架刑像)이나 마리아 상이 많이 제작되었다. 이탈리아에서는 프랑스 고딕의 영향과 고대 로마 전통에 대한 재인식이 나타나 니콜라 피사노와 조반니 피사노 부자를 중심으로 르네상스를 향한 선구적인 역할을 하였다.
4. 1. 건축 조각
고딕 조각은 초기에는 로마네스크 양식의 영향을 받았으나, 점차 건축에서 벗어나 독립적인 형태로 발전하였다. 12세기 중엽 확립된 스콜라 철학의 원리에 따라, 독립된 부분들이 모여 질서와 조화를 이루는 전체상을 만들어냈다. 조각도 성당 전체의 조화를 해치지 않는 범위 내에서 독립성이 인정되었다.로마네스크 시대의 '한계의 법칙'에서 벗어나, 팀펀은 입구 상부의 아치를 덮는 장식에서 벗어나 입구 전체의 장식으로 자리 잡았다. 파리 노트르담 대성당이나 샤르트르 대성당의 팀펀은 주제의 양이 많음에도 불구하고 등장인물의 가치 관계와 이야기 전개가 명확하게 표현되어 있다.
고딕 조각의 특징은 원주에 조각된 인물상에서 두드러진다. 이 인물상들은 정문 입구 양쪽에 줄지어 서 있거나, 교회 내부 주열(柱列)에 붙어 있는 형태로 나타난다. 샤르트르 대성당의 <왕의 문(門)> 조각은 초기 고딕 양식을 보여주며, 랭스 대성당의 <수태고지>를 비롯한 조각들은 균형과 조화를 이룬 고전적인 걸작으로 평가받는다.
13세기 밤베르크 대성당에는 많은 조각 작품이 모여 있으며, 1240년 밤베르크 기수상은 6세기 이후 서양 미술에서 최초의 실물 크기 기마상으로 주목받는다.[15]
니콜라 피사노와 그의 아들 조반니 피사노는 프로토르네상스 양식을 발전시켰는데, 시에나 대성당 설교단 (1265~68), 피사 세례당 설교단, 페루자의 폰타나 마조레, 조반니의 피스토이아 설교단 (1301) 등에서 그 특징을 볼 수 있다.[17]
14세기 이후, 클라우스 슬루터를 중심으로 국제 고딕 양식이 나타났으며,[18] 북유럽에서는 후기 고딕 조각이 계속되었다. 틸만 리멘슈나이더, 파이트 슈토스 등은 16세기까지 이 양식을 이어갔다.[19]
4. 2. 독립 조각
13세기 이후 조각은 건축에서 독립하여 독자적인 예술성을 추구하게 된다. 클라우스 슬루터는 종교 조각의 형식을 타파한 작가 중 한 명으로 평가받는다. 독일에서는 전통이 강하게 남아 있었지만, 나움부르크나 프라이부르크 본사원의 조각군에서 개성적인 입체감을 볼 수 있다. 라인강 유역과 보헤미아 지방에서는 사실적인 채색을 한 목각 그리스도 가형상(架刑像)이나 마리아 상이 많이 만들어졌다. 틸만 리멘슈나이더, 파이트 슈토스 등은 16세기까지 고딕 양식을 이어갔으며, 점차 이탈리아 르네상스의 영향을 받았다.[19]
이탈리아에서는 프랑스 고딕의 영향과 더불어 고대 로마의 전통에 대한 재인식이 나타났다. 니콜라 피사노와 그의 아들 조반니는 로마 석관의 영향, 정교하고 혼잡한 구성, 나체의 공감적인 처리를 포함하여 프로토르네상스라고 불리는 양식을 발전시켰다.[17]
돌이나 앨버스터로 만든 실물 크기의 묘비가 부유층 사이에서 인기를 얻었고, 다층 무덤이 발전했다. 15세기에는 노팅엄 앨버스터 제단 부조를 패널 그룹으로 수출하는 산업이 발전했다.[20]
주로 평민, 특히 여성을 위한 소형 조각품은 파리와 다른 몇몇 중심지에서 상당한 산업으로 발전했다. 상아 조각품에는 폴립티크, 성모 마리아상(특히 단독상), 거울 케이스, 빗, 연애 소설 장면이 새겨진 정교한 상자 등이 있었다.[21]
건축 장식과는 별개의 고딕 조각은 주로 가정용 경건한 물건이나 지역 교회 기증을 위해 제작되었다.[23] 상아, 뼈, 나무로 만든 작은 부조는 종교 및 세속적 주제를 모두 다루었다. 3차원 소형 조각에서 가장 일반적인 주제는 성모 마리아 단독 또는 아기 예수와 함께 있는 모습이었다.[24] 이러한 조각은 초기 로마네스크 양식에서 12세기 후반과 13세기 초 공간적이고 사실적인 느낌으로 진화했다.[24]
성지 순례 기념품(점토나 납 배지, 메달, 이미지가 새겨진 앰풀라)도 인기 있었다. 세속적인 리버리 배지는 봉건적, 정치적 충성심이나 동맹을 보여주는 표시였다. 1483년 리처드 3세는 아들 에드워드의 즉위를 기념하여 흰멧돼지가 새겨진 퓨스티안 천 배지를 13,000개 주문했다.[25]
5. 고딕 회화
고딕 회화는 로마네스크 양식에서 고딕 양식으로의 전환은 불분명하고 명확한 단절이 아니지만, 1200년경 영국과 프랑스에서, 1220년경 독일에서, 1300년경 이탈리아에서 처음으로 변화가 나타났다. 고딕 시대의 회화는 프레스코화, 패널화, 사본 채색, 스테인드글라스의 네 가지 주요 매체로 제작되었다.
고딕 예술은 종종 상징적인 성격을 띠었는데, 구약의 사건이 신약의 사건을 예표했고, 이것이 바로 그 주요 의미라고 믿었기 때문이다. 고딕 시대는 시각 예술이 중요한 역할을 한 마리아 숭배의 큰 부흥과 일치했다. 성모 마리아의 이미지는 비잔틴의 형식적인 유형에서 성모 승천을 거쳐 더욱 인간적이고 친밀한 유형으로 발전했고, ''성모의 생애'' 순환 그림이 매우 인기가 있었다. 조토, 프라 안젤리코, 피에트로 로렌체티와 같은 이탈리아 예술가들과 초기 네덜란드 회화는 예술에 사실주의와 더 자연스러운 인간성을 불어넣었다.
이콘은 신학의 변화에 영향을 받아, 성모 승천의 묘사가 이전의 성모 사망보다 더 널리 알려지게 되었고, 근대 경건 운동과 같은 경건한 행위는 슬픔에 잠긴 그리스도, 명상하는 그리스도, 피에타와 같은 주제에서 그리스도의 새로운 표현을 만들어냈다. 심지어 ''최후의 심판''에서도 그리스도는 이제 보통 자신의 가슴을 드러내어 수난의 상처를 보여주었다. 제단화는 특정 교회나 기증자와 관련된 성인들을 십자가에 못 박힘이나 옥좌에 앉은 성모자에 참석하거나 중앙 공간을 차지하는 모습을 보여주었다. 그 기간 동안 신약 외경에서 유래한 많은 고대 이콘 특징들은 성직자들의 압력으로 점차 제거되었지만, 다른 것들은 너무나 잘 알려져 있었고 무해한 것으로 간주되었다.[3]
사실적 경향이 발달하면서 순수 공예는 쇠퇴했지만, 사본은 13세기 파리를 중심으로 성행하였다. 교회에 귀속되기보다는 귀족의 주문에 의한 것이 많았고, 랭부르 형제의 작품인 <베리공의 매우 호화로운 기도서>가 대표적인 예이다. 특히 책머리를 장식하는 12개월 달력에 그려진 농민 풍속과 풍경은 회화에서 자연미의 발견으로 주목할 만하다. 14세기 이후 성채 건축이 발달하면서 넓은 홀을 위한 미술로 태피스트리가 등장했다. 북부 지방 교회에서는 판화 형식의 제단화가 요구되었다. 북프랑스를 중심으로 발달한 고딕 회화는 이후 플랑드르파의 탄생으로 이어진다.
15세기와 16세기에 들어서야 캔버스에 유화를 그리는 기법이 인기를 얻었으며, 이는 르네상스 미술의 특징이었다. 북유럽에서는 중요하고 혁신적인 초기 네덜란드 회화 사조가 본질적으로 고딕 양식이지만, 북부 르네상스의 일부로 간주될 수도 있다. 이탈리아의 고전주의에 대한 관심의 부활이 북유럽에 큰 영향을 미치기까지는 오랜 시간이 걸렸다.
5. 1. 스테인드글라스
스테인드글라스는 고딕 미술을 대표하는 회화 양식이다. 색유리는 이미 6세기경부터 사용되었고, 12세기 이전의 예시도 일부 남아있지만, 12세기 로마네스크 건축에서 벽면이 줄어들고 크고 높은 창문이 등장하면서 본격적으로 발전했다. 13세기까지 스테인드글라스는 모양에 맞춰 자른 색유리를 H자형 납 테두리에 끼워 그림을 만들고, 필요에 따라 쇠 테로 보강하여 창문에 설치하는 방식으로 제작되었다. 이는 게르만 켈트족의 전통에서 기원하며, 중세 시대 동안 발전해 온 소공예(칠보 등)의 색면 대비의 아름다움에 빛이 투과되는 영롱함을 더하여 대예술로 발전한 것이다. 어두운 성당 안은 스테인드글라스의 다채로운 색과 빛으로 가득 차 종교적인 분위기를 자아냈다.샤르트르 대성당에는 150개에 가까운 크고 작은 창문이 모두 스테인드글라스로 장식되어 있는데, 이는 스테인드글라스의 전형적인 예시이다. 성서 이야기나 성인을 묘사한 그림이 주를 이루었지만, 스테인드글라스는 색과 빛의 아름다움이 முதன்மை였기 때문에 그림의 내용은 부차적인 것이었다. 스테인드글라스는 공예적인 전통의 영향을 많이 받아 오랫동안 중세 초기 양식과 붉은색, 푸른색을 대담하게 사용하는 구도가 특징적이었다. 또한 유리의 두께가 균일하지 않고 불순물이 섞여 있어 색의 조합에 따른 변화가 아름다운 효과를 냈다. 13세기는 스테인드글라스의 전성기로, 샤르트르 대성당 외에도 브뤼지, 생스, 톨로아 등의 성당과 파리의 생트샤펠에 뛰어난 작품들이 남아있다.
13세기 후반부터는 사실적인 조각의 영향으로 대담한 구도보다는 사실적인 표현이 주를 이루게 되었다. 유리 제조 기술이 발달하고 색이 균일해지면서 열처리 보채 기술이 등장하여 표현은 더욱 정교해졌지만, 유리 그림 특유의 장식성은 쇠퇴했다. 북유럽에서는 15세기까지 스테인드글라스가 중요하고 권위 있는 회화 형식으로 유지되었으나, 이후 패널화에 그 자리를 내주었다.
고딕 건축은 특히 장미창과 같이 넓은 유리창을 적극적으로 활용하여 건물에 사용되는 유리의 양을 크게 늘렸다. 초기에는 주로 검은색 페인트와 투명하거나 밝은 색 유리를 사용했지만, 14세기 초부터는 유리에 은 화합물을 칠하고 굽는 기법이 도입되어 투명 유리와 함께 노란색 계열의 다양한 색상을 한 조각에 표현할 수 있게 되었다. 후기에는 노란색을 중심으로 한 대형 유리 조각을 많이 사용하고, 다른 색상의 작은 유리 조각은 적게 사용하는 디자인이 증가했다.[10]
5. 2. 프레스코화
프레스코화는 초기 기독교와 로마네스크 양식의 전통을 이어 남유럽 교회 벽의 주요 회화적 서사 예술로 계속 사용되었다. 우연한 생존으로 인해 덴마크와 스웨덴은 가난한 자를 위한 성서 양식의 가장 많은 수의 교회 벽화를 보유하게 되었는데, 이는 대개 최근에 건설된 횡랑형 천장까지 이어진다. 덴마크와 스웨덴 모두에서 프레스코화는 종교 개혁 이후 석회칠로 거의 모두 덮여 보존되었지만, 일부는 제작 이후로 손대지 않고 남아 있는 것들도 있다.[9] 덴마크에서 가장 뛰어난 예로는 덴마크 묀 섬의 엘멜룬데 화가의 작품으로, 파네피오르드, 켈드비, 엘멜룬데 교회를 장식한 작품들이 있다. 스웨덴에서는 알베르투스 픽토르가 당시 가장 유명한 프레스코화가로 여겨진다. 잘 보존된 프레스코화가 있는 스웨덴 교회의 예로는 텐스타, 괴크헴, 앵가 교회가 있다.5. 3. 필사본 삽화
고딕 양식 회화에서 미니어처가 들어간 사본(Illuminated manuscripts)은 가장 완벽한 기록을 보여준다. 다른 곳에서는 기념비적인 작품이 남아 있지 않은 지역의 양식 기록을 제공하기도 한다. 프랑스 고딕 양식 삽화가 들어간 가장 초기의 완전한 사본은 13세기 중반으로 거슬러 올라간다.[11] 이러한 사본에는 왕실 성경이 많았지만, 시편집(Psalter)에도 삽화가 포함되었다. 1253년부터 1270년까지 파리에서 제작된 《성 루이 시편집(Psalter of Saint Louis)》에는 템페라(tempera) 안료와 금박으로 된 78개의 전면 삽화가 있다.[12]
13세기 후반, 서기관들은 평신도를 위한 기도서를 만들기 시작했는데, 이는 하루 중 정해진 시간에 사용되었기 때문에 종종 《시간 기도서(books of hours)》로 알려져 있다.[12] 초기 예시 중 하나는 윌리엄 드 브레일스(William de Brailes)가 약 1240년경 옥스퍼드(Oxford) 근처 노스 힌크시(North Hinksey)에 사는, 알려지지 않은 평민 여성을 위해 쓴 것으로 추정된다. 귀족들은 이러한 문서를 자주 구입하고 장식적인 삽화에 많은 비용을 지불했다. 대표적인 삽화 제작자는 장 푸셀(Jean Pucelle)이며, 그의 《잔느 드 에브뢰의 시간 기도서(Hours of Jeanne d'Evreux)》는 샤를 4세(Charles IV of France)가 왕비 잔느 드 에브뢰(Jeanne d'Évreux)에게 선물하기 위해 의뢰한 것이다.[13] 이 작품들에는 당시 건축물을 연상시키는 장식적인 페이지 테두리와 길고 섬세한 인물 표현이 나타나는 등 프랑스 고딕 양식의 요소가 포함되어 있다.[12] 건물, 나무, 구름과 같은 공간 지표의 사용 또한 프랑스 고딕 양식 미니어처의 특징이다.[12]
14세기 중반부터 글과 그림이 모두 목판화로 새겨진 목판화 책(blockbook)이 저지대(Low Countries)의 사제들이 구입할 수 있을 만큼 저렴해졌다. 이 책은 저지대에서 가장 인기가 많았다. 15세기 말에는 삽화가 들어간 인쇄된 책(주로 종교 주제)이 부유한 중산층에게도 보급되었고, 이스라엘 판 메케넘(Israhel van Meckenem)과 마스터 E. S.(Master E. S.)와 같은 판화가(printmaker)의 수준 높은 판화(engraving)도 널리 퍼졌다. 15세기에는 저렴한 고전 판화(old master print)(주로 목판화) 덕분에 농민들도 집에서 경건한 이미지를 소장할 수 있었다. 이러한 이미지들은 종종 조잡하게 채색되었지만 수천 개가 팔렸고, 현재는 대부분 벽에 붙여진 채로 매우 희귀하게 남아있다.
5. 4. 패널화
15세기 북유럽에서는 유화 기법을 사용한 작은 패널화가 점점 인기를 얻었다. 로베르 캉팽과 얀 반 에이크와 같은 화가들은 유화 기법을 사용하여 원근법이 정확하고 섬세한 디테일의 작품을 제작했다. 이러한 작품들에는 명백한 사실주의와 풍부하고 복잡한 상징성이 결합되어 있었는데, 이는 작은 작품에서조차도 포함할 수 있게 된 사실적인 세부 묘사에서 정확하게 드러났다.[14] 초기 네덜란드 회화에서는 북유럽의 부유한 도시들에서 유화의 정밀한 사실주의와 미묘하고 복잡한 신학적 함축이 결합되었는데, 이는 종교적 장면의 매우 상세한 배경을 통해 정확하게 표현되었다. 메로데 제단화(1420년대, 로베르 캉팽 작)와 워싱턴 반 에이크 수태고지 또는 롤랭 재상 마돈나(두 작품 모두 1430년대, 얀 반 에이크 작)가 그 예이다.[14] 부유한 사람들은 유화로 된 작은 패널화나 폴립티크를 집에 전시하였는데, 이러한 작품에는 종종 성모 또는 성인보다 훨씬 작지만 기증자 초상화가 함께 그려졌다.[14]6. 고딕 양식의 다른 분야
고딕 양식은 12세기 초 프랑스 일드프랑스 지방의 생드니 수도원 교회에서 수저 수도원장에 의해 처음 등장했다.[1] 이 양식은 건축에서 시작하여 조각, 섬유 예술, 프레스코화, 스테인드글라스, 삽화가 들어간 사본, 패널화 등 다양한 형태로 빠르게 확산되었다.[2] 시토회와 카르투시오회 같은 수도회는 이 양식을 유럽 전역에 전파하고 독특한 변형을 발전시킨 중요한 건축가들이었다. 14세기 후반까지 지역적 변형이 중요했지만, 국제 고딕 양식으로 알려진 일관된 보편적인 양식이 발전하여 15세기 후반까지, 그리고 많은 지역에서 그 이후까지도 계속되었다.
고딕 예술은 종종 상징적인 성격을 띠었는데, 구약의 사건이 신약의 사건을 예표한다는 믿음 때문이었다. 구약과 신약의 장면은 ''인류 구원의 거울''과 교회 장식과 같은 작품에서 나란히 표현되었다. 고딕 시대는 마리아 숭배의 큰 부흥과 일치했으며, 시각 예술은 중요한 역할을 했다. 성모 마리아의 이미지는 비잔틴의 형식적인 유형에서 성모 승천을 거쳐 더욱 인간적이고 친밀한 유형으로 발전했고, ''성모의 생애'' 순환 그림이 매우 인기가 있었다.
조토, 프라 안젤리코, 피에트로 로렌체티와 같은 이탈리아 예술가들과 초기 네덜란드 회화는 예술에 사실주의와 더 자연스러운 인간성을 불어넣었다. 서구 예술가들과 그들의 후원자들은 혁신적인 이콘에 대해 훨씬 더 자신감을 가지게 되었고, 더 많은 독창성이 보였지만, 대부분의 예술가들은 여전히 복사된 공식을 사용했다.
이콘은 신학의 변화에 영향을 받아, 성모 승천의 묘사가 이전의 성모 사망보다 더 널리 알려지게 되었다. 근대 경건 운동과 같은 경건한 행위는 슬픔에 잠긴 그리스도, 명상하는 그리스도, 피에타와 같은 주제에서 그리스도의 새로운 표현을 만들어냈는데, 이는 성모의 묘사와 유사한 움직임으로, 그의 인간적인 고통과 취약성을 강조했다. 심지어 ''최후의 심판''에서도 그리스도는 이제 보통 자신의 가슴을 드러내어 수난의 상처를 보여주었다. 성인들이 더 자주 등장했고, 제단화는 특정 교회나 기증자와 관련된 성인들을 십자가에 못 박힘이나 옥좌에 앉은 성모자에 참석하거나 중앙 공간을 차지하는 모습을 보여주었다(이는 일반적으로 측면 예배당을 위해 고안된 작품의 경우임). 그 기간 동안 신약 외경에서 유래한 많은 고대 이콘 특징들, 예를 들어 탄생 때의 조산사 등은 성직자들의 압력으로 점차 제거되었지만, 다른 것들은 너무나 잘 알려져 있었고 무해한 것으로 간주되었다.[3]
6. 1. 음악
12세기 이후 프랑스를 중심으로 발전한 고딕 시대의 음악이다.
6. 2. 패션
15세기 전반 서유럽에서 유행한 패션은 선명한 색상, 기발한 장식, 과장된 체형이 특징이다. 이는 현대의 고스로리와는 다르다.6. 3. 갑옷
플레이트 아머는 15세기 후반 독일에서 탄생한 갑옷으로, 판금에 능선을 새기고 발끝 등을 뾰족하게 만든 것이 특징이다.7. 현대의 고딕
고딕이라는 단어는 원래 "고트족의, 고트풍의"라는 뜻으로, 12세기 후반부터 15세기에 걸쳐 알프스 북부의 고딕 건축 양식에서 유래했다. 르네상스 시대 이탈리아의 문화인들이 북부의 교회 건축 양식을 경멸적인 의미를 담아 그렇게 불렀던 것이 시작이며, 그 후 중세풍의 양식을 의미하는 말로 사용되었다. 고딕의 정의는 처음부터 모호함을 품고 있었으며, 후세에 고딕이 재해석되어 의미가 확대되었다는 지적도 있다.[28]
18세기 계몽주의 시대에는 중세를 암흑 시대로 여겼고,[29] 고딕은 기괴함이나 서투름을 나타내는 말로 받아들여졌다.[30] 19세기 고딕 부흥의 선구자인 호레이스 월폴은 환상 속 어둠의 중세를 무대로 한 소설 『오트란토 성의 기이한 이야기』(1764년)를 썼는데, 이는 고딕 로맨스라고 불리는 문학의 원조가 되었다.
19세기의 고딕 로맨스는 "프랑켄슈타인"[31]이나 "흡혈귀"[32]와 같이 근대에 있어 어둠의 은유로서 괴물의 표상을 만들어냈다.[33] 코타니 마리는 이러한 과거의 문학이나 예술에 나타난 고전적인 고딕이 현대 고딕 문화에 기여하는 이미지의 원천이 되었다고 지적한다.[33]
7. 1. 고딕 로맨스 (고딕 소설)
18세기 후반 영국에서는 고딕풍의 수도원이나 저택을 배경으로 하는 공포 소설이 유행했는데, 이를 고딕 로맨스라고 불렀다.[37] 이러한 소설들은 중세의 어둡고 기괴한 분위기를 배경으로 하여 독자들에게 공포와 흥미를 유발했다.최초의 고딕 로맨스 소설은 호레이스 월폴이 쓴 『오트란토 성의 기이한 이야기』(1764년)이다. 월폴은 고딕 리바이벌 건축 양식으로 지어진 스트로베리 힐 하우스를 건설하여 고딕 부흥의 선구자로도 불린다.
19세기에 들어 고딕 로맨스는 더욱 발전하여, 메리 셸리의 『프랑켄슈타인』(1818)과 같이 과학 기술의 발달과 인간의 욕망이 만들어낸 괴물이라는 새로운 주제를 다루기도 했다.
7. 2. 고스 문화 (서브컬처)
현대 대중문화에서 "고딕" 또는 "고스"는 고딕 건축 등 역사적 의미와 반드시 연결되는 것은 아니다. 1970년대 후반 영국에서 시작된 록 음악의 한 장르로서의 "고스"는, 펑크 록에서 뉴 웨이브로 이어지는 흐름 속에서 나타난 운동이었다.[38] "고스"는 고딕 문학의 영향을 받았다고도 하며, 반체제적 성향, 낡은 것 또는 죽음의 이미지에 대한 애착, 정신적 어둠에 대한 경향 등의 특징을 보이지만, B급 공포 영화를 좋아하는 사람들도 많다.[39]20세기에 발달한 영화는 고딕 문학의 기괴한 환상 지향을 대중화하는데 기여했다.[40] 오늘날의 고스는 다양하게 전개되어 일괄적으로 규정하기는 어렵다.[41] 현대 고스 문화는 1990년대부터 세계적으로 확산되어 음악뿐 아니라 영화, 패션 등의 분야에도 영향을 미치고 있다.[42]
처음에 "고딕"이라는 단어는 조이 디비전, 수지 앤드 더 밴시즈, 바우하우스와 같은 포스트 펑크 밴드들의 어두운 분위기를 나타내는 형용사로 사용되었으며, 때로는 부정적인 평가를 포함하기도 했다.[41] 이후 1982년경 등장한 초기 고스 신에서 자신들의 정체성을 나타내는 긍정적인 용어로 의미가 변화했다.[41]
1970년대 후반에는 이미 바우하우스, 수지 앤드 더 밴시즈, 킬링 조크, 그리고 호주 출신의 The Birthday Party (band)|버스데이 파티|label=버스데이 파티영어를 비롯하여, Sex Gang Children|섹스 갱 칠드런|label=섹스 갱 칠드런영어, Alien Sex Fiend|에일리언 섹스 피엔드|label=에일리언 섹스 피엔드영어, The Danse Society|댄스 소사이어티|label=댄스 소사이어티영어, Southern Death Cult|서던 데스 컬트|label=서던 데스 컬트영어, Specimen (band)|스페시멘|label=스페시멘영어 등의 밴드가 등장했다. 글램록도 그들의 뿌리 중 하나였으며, 바우하우스는 데이비드 보위와 티렉스의 노래를 커버했다.
스페시멘 멤버들이 1982년 소호에서 연 클럽 "Batcave (club)|배트케이브|label=배트케이브영어"에는 "기인"들이 모여들었고, 초기 고딕 운동의 중심이 되었다.[43] 북미의 로스앤젤레스에서는 Christian Death|크리스천 데스|label=크리스천 데스영어를 중심으로 한 Deathrock|데스록|label=데스록영어 신이 이에 호응했다.
리처드 노스는 『NME』 기사에서 이러한 밴드들을 "긍정적 펑크"라고 명명하여 소개했다.[43] 또한, 근연 장르로 에코 앤드 더 버니맨을 비롯한 Neo-psychedelia|네오사이케델리아영어라고 불리는 밴드들이 있었고, 그중에서도 Dark wave|다크 웨이브영어라고도 불리는 더 큐어의 어두운 사운드는 후대에도 큰 영향을 주었다.[38]
고스 신(scene)에서 등장한 시스터스 오브 머시(Sisters of Mercy)와 서던 데스 컬트(Southern Death Cult)(그리고 후신인 컬트(The Cult))는 록 밴드임을 전면에 내세우며, 고딕 펑크/포지티브 펑크에서 고딕 록으로의 다리를 놓았다.[44] 미션(The Mission (band)), 올 어바웃 이브(All About Eve (band)), 필즈 오브 더 네필림(Fields of the Nephilim)과 같은 밴드들이 이어받았다.
7. 3. 고딕 메탈
1990년대에 들어서면서, 데스 메탈 성향의 메탈 밴드였던 파라다이스 로스트와 마이 다잉 브라이드가 우울하고 몽환적인 사운드를 선보이면서 고딕 메탈이라 불리게 되었다. 유럽적인 미의식과 종교적인 분위기 등이 특징으로 꼽힌다.[45] 파라다이스 로스트의 두 번째 앨범 ''Gothic'' (1991)은 여성 보컬과 오케스트레이션을 함께 사용하여 느리고 장중하게 진행되는 데스/둠 음악이었다. 이후 여성 보컬을 중심으로 한 심포닉한 헤비 메탈 등 다양한 음악적 성향의 밴드들이 고딕 메탈로 분류되기 시작했다.7. 4. 한국의 고딕 문화
현대 대중문화에서 "고딕" 또는 "고스"는 고딕 건축 등 역사적 의미와 반드시 연결되는 것은 아니다. 록 음악의 한 장르로 자리 잡은 "고스"는 1970년대 후반부터 1980년대 중반 영국의 펑크 록에서 뉴 웨이브로 이어지는 장면의 세분화 속에서 등장한 운동이었다.[38] "고스"는 고딕 문학의 계보를 잇고 있다고도 하며, 공통점은 아니지만 반체제적 성향, 낡은 것 또는 죽음의 이미지에 대한 애착, 정신적 어둠에 대한 기울기 등의 특징이 보이지만, 키치적인 B급 공포 영화를 좋아하는 사람들도 많다.[39]일본에서는 1980년대 포지티브 펑크(포지펑크)의 요염한 의상과 화장, 검은색 의상 등의 요소가 비주얼계 사람들에게 계승되었다.[38] 또한, 고딕과 로리타를 나란히 놓은 고딕&로리타(고스로리)라는 서브컬처 또는 패션 양식이 탄생했다.
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ハード＆ヘヴィ - ハード・ロック／ヘヴィ・メタルCDガイド600
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