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스쿠스

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목차

1. 개요

스쿠스는 "흔들다"를 뜻하는 프랑스어 단어에서 유래된 콩고 룸바의 아프리카 버전으로, 1960년대 후반 콩고에서 인기를 얻은 음악 장르이다. 콩고 룸바에서 발전하여 빠른 템포와 기타 즉흥 연주를 특징으로 하며, 프랑코 루암보와 T.P.O.K. 재즈가 이 장르를 개척한 것으로 평가받는다. 1970년대 아프리카 전역으로 확산되었으며, 1980년대에는 파리를 중심으로 국제적인 인기를 얻었다. 1990년대 후반에는 응돔볼로로 변모하여 관능적인 춤과 함께 인기를 누렸으나, 외설적인 춤으로 인해 비판을 받기도 했다. 스쿠스는 12/8 박자표, 아르페지오 형태의 장조 코드, 빠른 기타 연주, 독특한 베이스 라인, 타악기 리듬 등을 특징으로 한다.

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스쿠스
음악 장르 정보
이름수쿠스
로케토 그룹
스타일 기원콩고 룸바
문화적 기원1960년대 후반 콩고 민주 공화국 및 콩고 공화국, 1980년대 프랑스
파생 장르무지키 와 단시 및 음돔볼로
하위 장르 목록해당 사항 없음
하위 장르해당 사항 없음
융합 장르해당 사항 없음
지역적 장면콩고 사운드 (케냐, 우간다, 탄자니아), 빠른 속도 수쿠스 (파리)
관련 주제수쿠스 음악가
추가 정보
악기기타 (손가락 뜯기), 베이스 (어쿠스틱), 드럼, 브라스, 보컬
인기1960년대 아프리카, 1980년대 월드 뮤직 장면

2. 역사

스쿠스(Soukous)는 1960년대 초 콩고 룸바에서 파생되어 발전한 음악 장르이다. 콩고 룸바는 20세기 초 프랑스령 콩고와 벨기에령 콩고 도시 거주자들이 콩고의 전통 춤곡인 '마린가'와 라이베리아의 기타 연주 기법을 융합하여 탄생했다.[11]



1940년대 라디오 콩고 벨게에서 섹스테토 아바네로, 트리오 마타모로스 등 쿠바 손 그룹의 음악이 방송되면서 콩고에서 큰 인기를 얻었다.[11][13][14] 이들의 음반이 "룸바"로 잘못 표기되면서, 콩고의 마린가 댄스 음악은 쿠바 룸바와 관련이 없음에도 불구하고 "룸바 콩골레즈"로 불리게 되었다.[15][11][16] 앙투안 웬도 콜로소이는 유럽과 북아메리카를 순회하며 콩고 룸바의 첫 번째 스타로 떠올랐다.[17][18]

레오폴드빌의 TPOK 재즈(TPOK Jazz) 드러머


1960년대 젊은 콩고 음악가들은 콩고 룸바의 템포를 빠르게 만들고, 기타 즉흥 연주를 강조하며 스쿠스를 탄생시켰다. 클라베 리듬이 스네어 드럼으로 바뀌고, 리드 기타가 중심이 되는 등 아프리카 모티브가 강화되었다.[22][2][23][24]

프랑코 루암보 (왼쪽)와 닥터 니코 카산다 (오른쪽)는 스쿠스의 선구자로 여겨진다.

프랑코 루암보와 TPOK 재즈는 빠른 템포의 '오뎀바' 스타일로 스쿠스를 개척했다는 평가를 받는다.[25] 프랑코는 사회 문제와 정치 문제를 가사에 담아 음악을 사회 의식의 플랫폼으로 만들었다.[22][2][23][24] 니코 카산다는 서양 록의 영향을 받은 '키리-키리'를 도입하여 스쿠스를 발전시켰다.[26]

타부 레이 로체로가 1970년 파리 올랭피아에서 공연하고 있다.


1960년대 후반~1970년대 초, 스쿠스는 아프리카 전역과 벨기에, 프랑스, 영국, 미국의 아프리카계 사람들에게 인기 있는 댄스 스타일이 되었다.[28][29] 모부투 세세 세코 정권의 '진정성' 캠페인으로 많은 자이르 음악가들이 벨기에와 프랑스로 이주했고, 콩고 도시 음악은 세계화되었다.[30][31][32][33][35] 타부 레이 로체로는 파리 올랭피아에서 공연한 최초의 아프리카 예술가가 되었고, 아베티 마시키니가 그 뒤를 이었다.[28][37][38][39]

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1970년대 스쿠스는 동아프리카 나이트클럽을 장악하고, 벵가 음악, 무지키 와 단시 등 다양한 현대 아프리카 대중음악 스타일에 영향을 미쳤다.[44][45][24][46] 케냐에서는 자이코 랑가 랑가 등의 영향으로 카바차 댄스 열풍이 불었고, 나이로비에서는 스와힐리어 밴드들이 스쿠스 스타일을 흡수했다.[52][53]



가비 리타 벰보 1970년대 피아노 연주


나이지리아에서는 라디오를 통해 스쿠스가 전파되었고, 이그보 하이라이프 음악에 영향을 주었다.[59][60] 남아프리카에서는 짐바브웨의 숭구라 장르 등 다양한 분파로 발전했다.[64] 콜롬비아에서는 참페타라는 새로운 장르 탄생에 기여했다.[65][66]

코피 올로미데와 파파 웸바, 1988


1980년대 스쿠스는 브뤼셀, 파리, 런던을 중심으로 국제적인 인기를 얻었다. 아일랜드 레코드에서 ''Sound D'Afrique II: Soukous'' 앨범을 발매하며 '수쿠스'라는 용어가 널리 알려졌다.[10] 파파 웸바는 주크, 마코사와 융합된 스쿠스를 선보였다.[10]

니보마, 1973년


파리는 스쿠스 제작의 중심지가 되었고, 칸다 봉고 맨은 콰사 콰사라는 빠른 템포의 스쿠스를 개척했다.[47][86][53] 1990년대 후반에는 응돔볼로라는 새로운 스타일이 등장하여 아프리카 전역에서 인기를 얻었지만, 외설 논란으로 일부 국가에서 금지되기도 했다.[87][88][89][92][90]

2. 1. 기원

스쿠스 장르의 기원은 20세기 초 프랑스령 콩고와 벨기에령 콩고의 도시 거주자들이 풀 말레보 근처에서 부족간의 콩고 ''마린가'' 댄스 음악과 라이베리아의 기타 기법을 융합하면서 등장한 콩고 룸바로 거슬러 올라간다.[11] 19세기 중반 라이베리아에서 크루 상인과 선원들이 브라자빌로 흘러들어오면서 아코디언을 사용하여 지역 ''likembe''(엄지 피아노, 세계적으로는 mbira로 가장 잘 알려짐) 리듬을 모방하는 데 영향을 준 독특한 기타 연주 기법을 도입했다.[11][12] 1902년경, 아코디언의 멜로디가 풀 말레보의 공장 근처 거리에서 울려 퍼졌다.[11]

제1차 세계 대전의 발발은 하 콩고 (현재의 콩고 중앙)와 풀 말레보 지역에 새로운 음악과 춤의 물결을 도입했다.[11] 노동 수용소에서 등장했으며, 마타디-킨샤사 철도 건설 노동자들의 귀환과 관련이 있을 것으로 보이는 아그바야와 마린가와 같은 지역 춤이 두각을 나타냈다.[11] 원형 아그바야 춤은 곧 파트너 마린가 댄스 음악으로 대체되었고, 마타디, 보마, 브라자빌, 그리고 레오폴드빌 (현재의 킨샤사)에서 점점 더 흔해졌다.[11]

처음에는 마린가 밴드가 선율을 위해 ''likembe'', 리듬을 위해 금속 막대기로 친 병, 그리고 대선율을 위해 ''patenge''라는 작은 가죽 덮인 프레임 드럼을 사용했다.[11] 그러나 1920년대에 이르러 아코디언과 어쿠스틱 기타가 선율 악기로서 ''likembe''를 점차 대체했다. 다리를 번갈아 가며 몸의 무게를 이동하는 ''마린가'' 댄서들의 독특한 엉덩이 움직임이 인기를 얻었다.[11] 1935년까지 파트너 댄스의 인기는 콩고 분지 전역으로 빠르게 확산되어 외딴 마을까지 이르렀다. 마을과 시골 지역에 댄스 홀이 생겨났고, 전통적인 춤은 야자 잎 오두막에서 계속되었다.[11]

레오폴드빌의 콩고 룸바 바


1940년대 초, 풀 말레보는 브라자빌과 킨샤사를 연결하는 장벽에서 소통 채널로 변모했다.[11] 쿠바 손 그룹인 섹스테토 아바네로, 트리오 마타모로스, 그리고 로스 과라체로스 데 오리엔테와 같은 그룹들이 라디오 콩고 벨게에서 방송되어 이 나라에서 인기를 얻었다.[11][13][14] 쿠바 손의 영향으로, 마린가 댄스 음악은 쿠바 룸바와 관련이 없었음에도 불구하고—섹스테토 아바네로와 트리오 마타모로스의 수입 음반이 종종 "룸바"로 잘못 표기되었기 때문에—"''룸바 콩골레즈''"로 알려지게 되었다.[15][11][16] 켄트 주립 대학교의 민족음악학 교수인 카자디 와 무쿠나는 "룸바"라는 용어가 녹음 산업의 이해관계로 인해 콩고에서 지속되었다고 설명한다. 녹음 스튜디오 소유주들은 새로운 ''마린가'' 리듬을 부여하고 이름을 유지함으로써 룸바라는 용어를 재해석했다.[15] 결과적으로 그들의 음악은 "콩고 룸바" 또는 "아프리카 룸바"로 인식되었다. 앙투안 웬도 콜로소이는 그의 밴드 빅토리아 바콜로 미지키와 함께 유럽과 북아메리카를 순회하며 콩고 룸바의 첫 번째 스타가 되었다. 1948년 기타리스트 앙리 보우안과 공동 작곡한 그의 히트곡 "마리-루이즈"는 서아프리카 전역에서 인기를 얻었다.[17][18] 콩고 룸바는 초기 개척자들이 그들이 가진 악기와의 관계를 혁신하면서 콩고 음악에서 두각을 나타냈다.[19][20]

어원적으로, "흔들다"를 의미하는 프랑스어 동사 "secouer"에서 파생된 "수쿠스(soukous)"라는 용어는 처음에는 몸을 뻣뻣하게 움직이는 사람을 묘사했지만 활력과 리듬과 동의어가 되는 춤 스타일로 발전했다.[21] "secousse"라는 용어는 시간이 지남에 따라 "soucousses"로, 결국 구어와 미디어에서 "soucous"로 바뀌었고, "c"가 사라지고 "k"로 대체되었다.[21]

1960년대 초, 젊은 콩고 음악가들이 콩고 룸바의 느린 템포를 빠르게 하려고 하면서 수쿠스가 등장했다. 아티스트들은 더 빠른 리듬과 눈에 띄는 기타 즉흥 연주를 도입하기 시작했으며, 이는 종종 고음의 빠른 속도의 라인으로 특징지어졌고, 더욱 강화된 아프리카 모티브를 부여했다. 드러머는 고옥탄 리듬으로 이동하여, 클라베 리듬이 스네어 드럼으로 바뀌고, 가수는 리듬 창법(''애니메이션'')에 참여하고, 리드 기타가 중심 무대를 차지한다.[22][2][23][24]

수쿠스의 기원은 논쟁의 대상이며, 서로 다른 귀속과 관점이 있다. 콩고 음악을 전문으로 하는 콩고 음악학자 클레멘트 오시논데는 프랑코 루암보와 TPOK 재즈(TPOK Jazz)가 빠른 템포로 유명한 그의 ''오뎀바''에서 영감을 받은 스타일을 언급하며 수쿠스를 개척했다고 인정한다.[25] 프랑코는 또한 중요한 사회 문제와 정치 문제를 가사에 주입하여 음악을 사회 의식의 플랫폼으로 만들면서 장르의 주제를 혁신한 것으로도 인정받고 있다.[22][2][23][24] 반대로, 영국 작가 게리 스튜어트는 수쿠스가 브라자빌에서 음악 장르이자 춤 스타일로 발전했으며, 신진 기타리스트 자크 킴벰베가 1964년에 슈퍼 밴드를 설립하면서 시작되었다고 주장한다.[26][27] 이후 "뿌리 줄기"를 의미하는 신자로 이름을 바꾼 앙상블은 1966년 브라자빌의 밤문화에 수쿠스를 도입하여 레 방투 드 라 카피탈의 전통적인 부처 스타일을 대체했다.[26] 스튜어트는 또한 오케스트르 신자가 1968년에 ''모사카''라는 새로운 변형을 통해 수쿠스를 혁신했고, 그 직후 니코 카산다가 서양 록의 "뻣뻣함"을 부분적으로 기반으로 한 키리-키리를 도입했다고 언급했다.[26] 한편, 레 방투 드 라 카피탈은 파블리토의 노래 "마수와"와의 융합을 개발했으며, 이는 ''수쿠스''-''키리-키리''로 불렸다. 스튜어트에 따르면, 니코의 "Kiri-Kiri Mabina Ya Sika"에서 볼 수 있듯이, 키리-키리는 킨샤사의 거리를 통해 파트너와 키리-키리 세션을 위해 피에스타 수키사에서 재회하려는 한 남자의 이야기를 담고 있어 광범위한 찬사를 받으며 장르의 정의적인 부분이 되었다.[26] 기성 아티스트들은 재빨리 이 춤을 받아들여 대륙 전역으로 보급했다.[10]

"수쿠스"는 프랑스어 단어 "secousse"(진동하다)에서 파생된 말로[100], 1960년대 후반 콩고에서 인기를 끌었던 쿠바 룸바의 아프리카 버전 댄스 이름이었다. 세프테토 아바네로나 트리오 마타모로스와 같은 아프리카계 쿠바인 손 그룹은 레오폴드빌 라디오 방송국에서 방송되었기 때문에 콩고에서는 1940년대 후반부터 1950년대에 걸쳐 쿠바 음악이 광범위한 인기를 얻었다.[101]

아프리카인들에게 쿠바 음악은 친숙한 것이 되었고,[102] 콩고 밴드는 처음에는 쿠바 음악의 커버를 그대로 연주했지만, 이내 프랑스어와 링갈라어로 노래하게 되었다. 쿠바 구아헤오의 선율은 기타로 연주되었고,[103] 이 "손"을 기반으로 하는 새로운 음악을 콩고인들은 "룸바"라고 불렀다. 웬도 콜로소이는 룸바의 첫 번째 스타가 되었고, 그의 밴드 빅토리아 바콜로 미지키와 함께 1940년대와 1950년대에 유럽과 북아프리카를 순회했다.[104]

1950년대에는 빅 밴드 구성이 어쿠스틱 베이스와 멀티 타입 일렉트릭 기타, 콩가, 마라카스, 기로, 플루트 또는 클라리넷, 색소폰과 트럼펫이 되었다. 르 그랑 칼레 & 아프리카 재즈와 프랑코와 O.K. 재즈(후에 T.P.O.K. 재즈로 개명)가 주요 밴드가 되었다. 프랑코의 밴드가 일으킨 음악 혁신의 하나는 "미 솔로"(mi-solo, 반 솔로의 의미) 기타리스트로, 리듬과 리듬 기타의 중간을 아르페지오 패턴으로 연주하는 것이다.[105]

2. 2. 1960년대: 수쿠스의 탄생과 발전

"수쿠스(soukous)"라는 용어는 "흔들다"를 의미하는 프랑스어 동사 "secouer"에서 파생되었다.[21] 이 용어는 처음에는 몸을 뻣뻣하게 움직이는 사람을 묘사했지만, 시간이 지나면서 활력과 리듬을 상징하는 춤 스타일로 발전했다.[21] "secousse"라는 단어는 "soucousses"로, 그리고 구어체와 미디어에서 "soucous"로 변화했고, 결국 "c"가 사라지고 "k"로 대체되었다.[21]

1960년대 초, 젊은 콩고 음악가들이 콩고 룸바의 느린 템포를 빠르게 하려고 시도하면서 수쿠스가 등장했다. 아티스트들은 더 빠른 리듬과 눈에 띄는 기타 즉흥 연주를 도입했으며, 이는 종종 고음의 빠른 속도의 라인으로 특징지어졌다. 아프리카 모티브를 강화하기 위해 드러머는 고옥탄 리듬으로 이동했고, 클라베 리듬은 스네어 드럼으로 바뀌었다. 가수는 리듬 창법(''애니메이션'')에 참여하고, 리드 기타가 중심 무대를 차지했다.[22][2][23][24]

프랑코 루암보 (왼쪽)와 닥터 니코 카산다 (오른쪽)는 종종 수쿠스의 개척자로 인정받는다.

수쿠스의 기원에 대해서는 논쟁이 있으며, 서로 다른 주장과 관점이 존재한다. 콩고 음악학자 클레멘트 오시논데는 프랑코 루암보와 TPOK 재즈(TPOK Jazz)가 빠른 템포로 유명한 그의 ''오뎀바''에서 영감을 받은 스타일을 언급하며 수쿠스를 개척했다고 주장한다.[25] 프랑코는 또한 중요한 사회 문제와 정치 문제를 가사에 넣어 음악을 사회 의식의 플랫폼으로 만들면서 장르의 주제를 혁신한 것으로도 인정받고 있다.[22][2][23][24]

반면, 영국 작가 게리 스튜어트는 수쿠스가 브라자빌에서 음악 장르이자 춤 스타일로 발전했으며, 신진 기타리스트 자크 킴벰베가 1964년에 슈퍼 밴드를 설립하면서 시작되었다고 주장한다.[26][27] 이후 "뿌리 줄기"를 의미하는 신자로 이름을 바꾼 앙상블은 1966년 브라자빌의 밤문화에 수쿠스를 도입하여 레 방투 드 라 카피탈의 전통적인 부처 스타일을 대체했다.[26] 스튜어트는 또한 오케스트르 신자가 1968년에 ''모사카''라는 새로운 변형을 통해 수쿠스를 혁신했고, 그 직후 니코 카산다가 서양 록의 "뻣뻣함"을 부분적으로 기반으로 한 키리-키리를 도입했다고 언급했다.[26] 한편, 레 방투 드 라 카피탈은 파블리토의 노래 "마수와"와의 융합을 개발했으며, 이는 ''수쿠스''-''키리-키리''로 불렸다. 스튜어트에 따르면, 니코의 "Kiri-Kiri Mabina Ya Sika"에서 볼 수 있듯이, 키리-키리는 킨샤사의 거리를 통해 파트너와 키리-키리 세션을 위해 피에스타 수키사에서 재회하려는 한 남자의 이야기를 담고 있어 광범위한 찬사를 받으며 장르의 정의적인 부분이 되었다.[26] 기성 아티스트들은 재빨리 이 춤을 받아들여 대륙 전역으로 보급했다.[10]

2. 3. 1970년대: 아프리카 전역으로 확산

1960년대 후반과 1970년대 초반, 수쿠스는 아프리카 전역과 벨기에, 프랑스, 영국, 미국의 아프리카계 사람들에게 인기 있는 댄스 스타일이 되었다.[28][29] 이 시기 모부투 세세 세코 정권의 영향으로 많은 자이르 음악가들이 벨기에와 프랑스로 이주했다. 모부투 정권은 국가 정체성과 자긍심을 높이기 위해 '진정성' 캠페인을 벌였고, 선전 노래를 보급했다.[30][31][32] 이러한 국가 이념의 변화는 자이르 대중 음악에도 영향을 미쳤고, 인기 음악가들은 정권의 이념을 받아들였다. 모부투는 마오쩌둥처럼 음악을 혁명에 기여하는 수단으로 여겨 도시 음악가들을 장려했다.[33][31][34] 그 결과 콩고 도시 음악은 세계화되었고, 많은 음악가들이 아프리카와 유럽, 특히 벨기에와 프랑스로 이주했다.[33][35]

고용 기회가 제한적이었기 때문에 많은 젊은이들이 음악 경력에 매력을 느꼈고, 킨샤사의 수쿠스 씬은 매력적인 선택지가 되었다. 그러나 일부는 프랑스에서 자리를 잡는 데 어려움을 겪었다.[15][36][28] 이러한 배경 속에서 타부 레이 로체로는 1970년 12월 파리의 올랭피아 홀에서 공연한 최초의 아프리카 예술가가 되었고, 이후 자이르 음악가들을 위한 선례를 세웠다.[28][37][38][39] 아베티 마시키니는 미레유 마티유, 위그 오프레와 함께 올랭피아 무대에 오른 두 번째 자이르 출신이자 최초의 여성 수쿠스 아티스트가 되었다.[40][41][42] 1974년 3월 11일에는 뉴욕 카네기 홀에서 마시키니의 공연이 열렸고, 이는 다른 아프리카 출신 가수들에게도 무대를 열어주었다.[28][43]

동시에 M'바미나 오케스트라는 1972년 이탈리아에서 관객을 찾기 전에 파리로 진출했다.[28] 파블로 '포르토스' 루바디카는 아프리카 올 스타라는 이름으로 음반을 녹음한 후 토고, 로메를 거쳐 1979년 파리에 도착했다. 삼 망와나는 1978년 아비장으로 이주하여 콩고 경제 망명자들로 구성된 새로운 밴드를 결성했고, 이들은 파리 세션 밴드의 단골이 되었다.[10] 아프리카 올 스타의 히트곡 "수자나 쿨리발리"는 1979년 12월 31일에 발매되었으며, 전통 콩고 룸바보다 빠른 템포로 "단순하고 반복적인 리듬"을 특징으로 했다.[10] 망와나의 "수쿠스 소피스티케"라는 외침은 로카사 야 음봉고와 리고 스타가 "견고한" 세벤을 만들면서 레코드의 방향을 굳혔고, 국제 시장을 겨냥한 독립적인 음악 운동을 시작했다. 그들의 영향력이 커지면서 아프리카 올 스타는 브라자빌과 킨샤사의 젊은 밴드의 빠르고 거친 스타일을 채택하여 이 새로운 템포를 전 세계에 소개했다.[10]

아프리카 전역에서 수쿠스는 동아프리카 나이트클럽의 댄스 플로어를 지배했고, 벵가 음악, 무지키 와 단시, 키단달리, 이그보 하이라이프, 팜 와인 음악, 타라브를 포함한 현대 아프리카 대중음악의 거의 모든 스타일을 형성하는 데 중요한 역할을 했다.[44][45][24][46] 킨샤사에는 약 350개의 청소년 오케스트라가 설립되어 새로운 춤, 리듬, 밴드를 위한 길을 열었다.

1970년대 자이르의 사회 정치적 혼란이 악화되면서 많은 음악가들이 탄자니아, 케냐, 우간다로 진출했다. 1970년대 초반까지 여러 콩고 밴드가 케냐 나이트클럽에서 수쿠스 비트를 받아들였다.[47][48][49][50][51] 자이코 랑가 랑가와 오케스트라 샤마 샤마와 같은 밴드에 의해 전파된 카바차 댄스 열풍은 동아프리카와 중앙아프리카 전역을 휩쓸었고 케냐 음악가들에게 영향을 미쳤다.[52][53] 스네어 드럼 또는 하이햇으로 연주되는 카바차 리듬의 활용은 나이로비에서 자이레 사운드의 상징이 되었고 지역 밴드에 의해 자주 채택되었다. 나이로비에서 저명한 콩고 룸바 스와힐리어 밴드는 심바 와니카와 같은 탄자니아 그룹을 중심으로 결성되었고, 레 와니카와 수퍼 와니카 스타스와 같은 분파가 생겨났다.[44][54][48] 마룬 코만도스는 수쿠스 스타일을 흡수하는 동시에 그들만의 독특한 예술적 흔적을 불어넣었다. 일본인 학생들은 콩고 음악에 대한 애정을 키웠고, 리오 나카가와는 결국 일본에서 구상된 콩고 룸바 밴드인 요카 초크 니폰을 이끌었다.[55]

버진 레코드는 탄자니아-자이레의 오케스트라 마카시와 케냐를 기반으로 한 오케스트라 슈퍼 마젬베의 앨범을 제작했다. 스와힐리 노래 "Shauri Yako"("그것은 당신의 문제")는 케냐, 탄자니아, 우간다에서 널리 호평을 받았다. 또 다른 영향력 있는 자이레 앙상블인 레 망겔레파는 케냐로 이주하여 동아프리카 전역에서 엄청난 인기를 얻었다. 나이로비에 기반을 둔 자이레 가수 삼바 마팡갈라와 그의 밴드 오케스트라 비룽가는 LP 레코드 ''말라코''를 발매했는데, 이 앨범은 유럽의 떠오르는 월드 뮤직 씬에서 선구적인 발매가 되었다.[53][56][57][58] 1976년에서 1977년 사이에 샘 망가나와 아프리카 올 스타는 서아프리카에서 제작된 레코드와 킨샤사의 2트랙 스튜디오에서 제작된 사운드가 달랐던 레코드와 함께 킨샤사의 댄스홀을 장악했다. 이어서 로메와 코토누로의 이주가 있었고, 프랑코 루암보가 벨기에로 떠났다.[28]

나이지리아에서 수쿠스는 라디오 브라자빌을 통해 자이레 음악이 전송되면서 널리 퍼졌고, 청취자들은 ''자이레 Vol. 6'' (Soundpoint SOP 044, 1978)의 자료를 접하게 되었다.[59][60] 수쿠스는 올리버 데 코크, 오리엔탈 브라더스 인터내셔널과 같은 음악가들이 대표하는 기타 기반 이그보 하이라이프 음악의 독특한 장르의 출현을 촉진했다.[59][61][62][63] ''자이레 Vol. 6의 음악''에는 오케스트레 키암, 오케스트레 리푸아-리푸아 및 베르키스 키아무앙가나 마테타 라인업의 아티스트가 등장한다.[59] 다양한 녹음의 느린 "A"면을 제외하고 절정에 달하는 세베네, 더 빠르고 즉흥적인 후반부에 집중하려는 경향이 널리 퍼져 있었다.[59] 이 구조적 패러다임은 올리버 데 코크와 오리엔탈 브라더스 인터내셔널의 음악 스타일로 전형화된 이그보 기타 하이라이프 녹음의 상징이 되었다.[59]

수쿠스는 남아프리카 전역으로 널리 퍼졌으며, 그곳에서 짐바브웨의 숭구라 장르와 같은 다양한 분파로 채택되고 적용되었다.[64]

이 시대에 세계 음악 운동으로 인해 아프리카 음악이 전 세계적으로 인기를 얻기 시작했다. 콜롬비아에서 수쿠스는 현지 문화에 침투하여 참페타의 발전에 기여했다.[65][66] 모부투 세세 세코가 콜롬비아에서 비행기를 구매한 후, 콜롬비아 정비공이 자이르로 가서 l'Orchestre Veve의 ''El Mambote''를 포함한 45rpm 레코드들을 가져왔고, 이 곡은 히트했다.[67][68][51] 다른 45rpm 레코드들도 곧 콜롬비아 카르타헤나와 바랑키야로 쏟아져 들어왔다.[67]

"''Champeta is Liberation''" 기사에서 "70년대와 80년대에 'música Africana'가 이 지역을 휩쓸었을 때 사운드 시스템은 인종과 계급으로 깊이 분열된 사회에서 아프리카계 콜롬비아인을 위한 집단적 디아스포라 정체성을 형성하는 데 중요한 역할을 했다"고 언급된다.[69] 칸다 봉고 맨, 니콜라스 카산다 와 미칼라이, 디블로 디발라, Ikenga Super Stars of Africa, M'빌리아 벨, 마라티니, 마호텔라 퀸스와 같은 아프리카 음악가들은 현지 유명 인사가 되었다.[67] 현지 음악가들은 콩고 아티스트들의 편곡을 복제하기 시작했다.[50][70][51] 비비아노 토레스, 루이스 타워스, 찰스 킹과 같은 자생 음악가들은 이로 인해 명성을 얻었다.[50] 이 운동은 "수쿠스 기타, 베이스, 드럼, 댄스"에 뿌리를 둔 장르인 참페타의 창조로 이어졌다.[67] 참페타는 백인 콜롬비아인 상류층으로부터 조롱을 받았지만, 아프리카계 콜롬비아인에게는 문화적 정체성과 회복력에 대한 주장이었다.[67] DJ들은 종종 아프리카 노래에 스페인어 제목을 붙이거나, 팔렌케로 언어(스페인어와 콩고어, 린갈라어와 같은 반투어족 언어의 혼합어)로 참페타를 작곡하거나, 원래 이름을 음성적으로 왜곡했다.[67] 예를 들어 Mbilia Bel의 "Mobali Na Ngai Wana"는 콜롬비아에서 "La Bollona"로 알려지게 되었다. 참페타는 콜롬비아 서부 해안을 따라 흑인 정체성의 새로운 지표로 부상했으며 주변 장르에서 주류 국가 현상으로 발전했다.[67] 2020년 2월 2일 플로리다주 마이애미 가든스 하드록 스타디움에서 열린 슈퍼볼 LIV 하프타임 쇼에서 샤키라는 콜롬비아에서 "El Sebastián"으로 구어적으로 불리는 시란 벤자의 "Icha"에 맞춰 춤을 췄고, 이 곡은 전 세계 소셜 미디어 플랫폼에서 #ChampetaChallenge를 낳았다.[71][72]

2. 4. 1980년대: 파리 씬과 국제적 인기

1980년대에 수쿠스는 브뤼셀, 파리, 런던에서 인기를 얻었다. 콩고 칼럼니스트 아킬레 응고예에 따르면 벨기에는 수많은 자이르 예술가들에게 중요한 영구 운영 기지를 제공했다.[28] OK 재즈의 전 멤버인 삼촌 요르고는 1980년 7월 브뤼셀에 자이르 음악 레퍼토리의 유통 중심지를 설립했다(비자 80).[28] 디외도네 카봉고, Dizzy Mandjeku, 은테사 달리엔스트는 벨기에 음반사 Fonior!의 파산으로 인해 유명세를 탔으며, 이는 리타 벰보와 마티마와 같은 많은 자이르 예술가들이 벨기에에서 평판이 좋은 유통 업체를 찾도록 촉구했으며, 다른 사람들은 종종 네덜란드를 순회하는 종교 합창단에서 공연하며 위안을 찾았다.[28]

아일랜드 레코드 프로듀서 벤 만델슨과 토고 사업가 리처드 딕이 1982년 컴필레이션 앨범 ''Sound D'Afrique II: Soukous''를 발매하며 '수쿠스'라는 용어가 널리 알려지게 되었다.[10] 이 앨범에는 파블로 '포르토스' 루바디카의 1981년 앨범 ''Ma Coco''의 수록곡인 "Madeleina"가 포함되었으며, 이 곡은 유럽에서 상당한 주목을 받았다.[10] 자이코 랑가 랑가는 전담 힙맨, 즉 ''atalaku'' 또는 ''animateur''의 역할을 가수가 합창단에 도입하여 콩고 음악계의 거의 모든 밴드가 채택하는 추세를 만들어 atalaku를 스쿠스뿐만 아니라 콩고 룸바의 상징으로 만들었다.[10] 파파 웸바와 비바 라 무시카는 웸바가 파리와 킨샤사에 모두 존재하며 스쿠스에 집중하는 밴드와 국제 팝을 위해 프랑스 세션 연주자를 특징으로 하는 듀얼 밴드를 유지할 수 있었기 때문에 가장 오랫동안 영향을 미쳤다. 파리 스튜디오에서 세벤 기타는 주크와 펑키 디스코 마코사의 타이트한 드럼 머신과 신디사이저와 융합되어 수많은 레코드에 등장했다.[10] 그러나 이러한 융합은 진정한 콩고 스타일에서 벗어났다는 비판을 받았다. 니보마와 같은 저명한 비평가들은 음악이 상업화되었고 감정적 깊이가 부족해 "아름다운 멜로디와 고도로 조율된 목소리"의 기본으로 돌아갈 것을 촉구했다.[84][85]

자이르 예술가들의 프랑스 유입은 스쿠스 제작의 중심지로서 파리 스튜디오의 확산을 촉진했으며, 신디사이저와 전자 악기에 대한 의존도가 높아졌다. 일부 예술가들은 콩고 시장을 위해 계속 녹음했지만, 다른 예술가들은 킨샤사 대중의 요구를 포기하고 새로운 청중을 추구하기 시작했다.[82][28][83] 파리에 기반을 둔 칸다 봉고 맨은 전 세계 댄스 플로어에서 연주하기에 적합한 빠르고 짧은 트랙을 개척했으며, 그의 뮤직 비디오 및 다른 예술가들의 뮤직 비디오에서 유행한 댄스 동작에서 따온 콰사 콰사로 널리 알려졌다. 이 음악은 아프리카인뿐만 아니라 새로운 청중에게도 어필했다. 디블로 디발라, 아를루스 마벨레, 엠빌리아 벨, 욘도 시스터, Loketo, Rigo Star, Nyboma, 마딜루 시스템, 페페 칼레 및 코피 올로미데와 같은 베테랑들이 그 뒤를 이었다. 곧 파리는 아프리카 및 카리브해 시장을 위해 녹음하고 가끔 투어를 위한 밴드를 채우는 재능 있는 스튜디오 음악가들의 고향이 되었다.[47][86][53]

1980년대 후반과 1990년대, 많은 스쿠스 스타들은 파리에서 스튜디오 녹음을 했고, 신시사이저 등의 전자 악기에 의존하게 되었다. 콩고에서 녹음을 계속하는 일부 아티스트를 제외하고, 나머지는 새로운 팬을 얻기 위해 킨샤사에서 떠났다. 파리에 거점을 옮긴 파파 웨음바와 비바 라 무지카는 프랑스 아티스트와 세션을 하게 되었다.

파리에 거점을 옮긴 아티스트 중 칸다 봉고 만은 "콰사 콰사"라고 불리는 빠르고 짧은 트랙을 댄스 플로어에서 연주하여, 그와 다른 아티스트의 뮤직 비디오의 댄스 무비가 인기를 얻었다. 이 음악은 아프리카 청중도 사로잡았다. 무빌리아 벨이나 리고 스타, 마디루 시스템 등의 스쿠스 스타들은 베테랑 페페 카레나 코피 올로미데를 따라 파리에서 아프리카와 카리브해에서 투어와 녹음을 하게 되었다.

1980년대부터 1990년대 초, 콰사 콰사라는 템포가 빠른 스쿠스가 대중 음악 시장에서 인기가 있었다. 그것은 댄스 이름에서 돈도보로라고도 불리며, 현재도 인기가 있다. 스쿠스는 주크 음악의 스타일도 받아들였다.

2. 5. 1990년대 이후: 응돔볼로와 현대 수쿠스

세계 음악 운동으로 아프리카 음악이 전 세계적으로 인기를 얻기 시작하면서, 콜롬비아에서 수쿠스는 현지 문화에 침투하여 참페타의 발전에 기여했다.[65][66] 루카스 실바는 모부투 세세 세코가 콜롬비아에서 비행기를 구매한 후, 콜롬비아 정비공들이 자이르에서 l'Orchestre Veve의 ''El Mambote''를 포함한 45rpm 레코드들을 가져와 히트했다고 전했다.[67][68][51] 이후 콜롬비아 카르타헤나와 바랑키야에 더 많은 45rpm 레코드들이 유입되었다.[67]

에이프릴 클레어 웰시는 70~80년대 'música Africana'가 이 지역을 휩쓸면서, 사운드 시스템이 아프리카계 콜롬비아인의 집단적 디아스포라 정체성 형성에 중요한 역할을 했다고 언급한다.[69] 칸다 봉고 맨, 니콜라스 카산다 와 미칼라이, 디블로 디발라 등 아프리카 음악가들은 현지 유명 인사가 되었고, 범아프리카 연결을 형성했다.[67] 현지 음악가들은 콩고 아티스트들의 편곡을 복제하기 시작했고,[50][70][51] 비비아노 토레스, 루이스 타워스, 찰스 킹과 같은 자생 음악가들이 명성을 얻었다.[50] 이는 "수쿠스 기타, 베이스, 드럼, 댄스"에 기반한 참페타의 탄생으로 이어졌다.[67] 참페타는 관능적인 춤과 "흑인 계급"과의 연관성 때문에 백인 콜롬비아인 상류층에게 조롱받았지만, 아프리카계 콜롬비아인에게는 문화적 정체성과 회복력에 대한 주장이었다.[67] DJ들은 아프리카 노래에 스페인어 제목을 붙이거나, 팔렌케로 언어로 참페타를 작곡하거나, 원래 이름을 음성적으로 왜곡했다.[67] Mbilia Bel의 "Mobali Na Ngai Wana"는 콜롬비아에서 "La Bollona"로 알려지게 되었다. 참페타는 콜롬비아 서부 해안을 따라 흑인 정체성의 새로운 지표로 부상하며 주류 현상으로 발전했다.[67] 2020년 슈퍼볼 LIV 하프타임 쇼에서 샤키라는 시란 벤자의 "Icha"에 맞춰 춤을 췄고, 이는 #ChampetaChallenge를 낳았다.[71][72]

1980년대 자이르의 사회 정치적 불안으로 많은 음악가들이 아프리카 전역과 벨기에, 프랑스, 영국으로 피난했다.[73][74][75][76][77] 스쿠스는 브뤼셀, 파리, 런던에서 인기를 얻으며 벨기에와 프랑스에서 보편적으로 받아들여진 유일한 사하라 이남 아프리카 장르가 되었다.[78] 아킬레 응고예에 따르면 벨기에는 많은 자이르 예술가들에게 중요한 운영 기지를 제공했다.[28] 로스 니켈로스, 예예 내셔널, 레 몽갈리 등은 벨기에에서 주목받았다.[28][79][80] OK 재즈의 삼촌 요르고는 1980년 7월 브뤼셀에 자이르 음악 유통 중심지를 설립했다.[28] 디외도네 카봉고, Dizzy Mandjeku, 은테사 달리엔스트는 벨기에 음반사 Fonior!의 파산으로 유명세를 탔고, 많은 자이르 예술가들이 벨기에에서 유통 업체를 찾거나 네덜란드 순회 종교 합창단에서 활동했다.[28]

스쿠스는 1982년 ''Sound D'Afrique II: Soukous'' 앨범 제목으로 선택되었다. 이 앨범에는 파블로 '포르토스' 루바디카의 "Madeleina"가 포함되어 유럽에서 주목받았다.[10] Zaïko Langa Langa는 ''atalaku''(''animateur'') 역할을 도입하여 콩고 음악계의 트렌드를 만들었다.[10] Zaïko Langa Langa는 큰 성공을 거두었고, 멤버들이 분리되어 자체 그룹을 결성하며 콩고 음악의 세 번째 세대가 되었다.[10][81] 파파 웸바와 비바 라 무시카는 파리와 킨샤사에 듀얼 밴드를 유지하며 오랫동안 영향을 미쳤다. 파리 스튜디오에서 세벤 기타는 주크와 펑키 디스코 마코사의 드럼 머신, 신디사이저와 융합되었다.[10][82][83] 그러나 이는 진정한 콩고 스타일에서 벗어났다는 비판을 받았다. 니보마는 음악이 상업화되었고 감정적 깊이가 부족하다고 비판했다.[84][85]

프랑스로 유입된 자이르 예술가들은 파리 스튜디오를 스쿠스 제작 중심지로 만들었고, 전자 악기 의존도를 높였다. 일부는 콩고 시장을 위해 녹음했지만, 다른 일부는 새로운 청중을 추구했다.[82][28][83] 상당한 자이르 커뮤니티가 프랑스와 스위스에 정착했고, 자이르 예술가들은 훈련 프로그램을 실시했다.[28] 칸다 봉고 맨은 콰사 콰사로 알려진 빠르고 짧은 트랙을 개척했다. 디블로 디발라, 아를루스 마벨레 등 여러 아티스트들이 뒤를 이었다. 파리는 아프리카 및 카리브해 시장을 위한 스튜디오 음악가들의 고향이 되었다.[47][86][53] 디블로 디발라와 아를루스 마벨레는 "Africa Moussou"로 클럽을 지배했고, 팬들은 초고속 스쿠스를 ''TGV soukous''라고 불렀다.[10]

벨기에의 Swede-Swede, 킨샤사 국립 예술원 강사 출신 Les Malo는 리옹에서 아프리카 재즈를 전문으로 한다.[28] 찰라 무아나는 ''mutuashi''로 "Mutuashi의 여왕"이라는 별명을 얻었다.[28] 다른 여성 보컬리스트들도 인정을 받았다.[28]

1990년대 후반, 라자 쿨라, Wenge Musica, 코피 올로미데, 제네랄 데파오, 엑스트라 무지카 등은 수쿠스를 ''응돔볼로''로 변모시켰다.[87][88][89][92][90] 이 스타일은 아프리카 전역과 디아스포라에서 인기를 얻었다.[91][92][90] 2000년대 초반 응돔볼로는 외설 혐의로 콩고 민주 공화국, 카메룬, 세네갈, 말리, 케냐에서 금지 시도가 있었다.[93][94][95][96] 2005년 2월, 콩고 민주 공화국에서 응돔볼로 뮤직 비디오가 검열되어 코피 올로미데, JB 음피아나, 웨라손의 비디오가 방송 금지되었다.[97] 그러나 응돔볼로 음반 판매량은 급증했고, 아프리카 전역에서 인기를 유지했다.[98]

1980년대 스쿠스는 런던과 파리에서 인기를 얻었다. 콩고 뮤지션들은 킨샤사를 떠나 영국, 프랑스를 목표로 했다. 스쿠스 밴드는 기타, 베이스 기타, 드럼, 브라스, 보컬 등으로 구성되며, 가사는 린갈라어 또는 프랑스어이다. 1980년대 후반과 1990년대, 많은 스쿠스 스타들은 파리에서 신시사이저 등 전자 악기에 의존해 녹음했다. 일부는 콩고에서 녹음을 계속했지만, 나머지는 새로운 팬을 위해 킨샤사를 떠났다. 파파 웨음바와 비바 라 무지카는 프랑스 아티스트와 세션을 했다.

칸다 봉고 만은 "콰사 콰사"라는 빠른 트랙을 연주하여 인기를 얻었다. 무빌리아 벨, 리고 스타, 마디루 시스템 등은 페페 카레, 코피 오로미데를 따라 파리에서 투어와 녹음을 했다.

1980년대~1990년대 초, 콰사 콰사라는 빠른 스쿠스가 인기였다. 돈도보로라고도 불리며 현재도 인기다. 스쿠스는 주크 스타일도 받아들였다.

중앙 및 동부, 서부 아프리카에서 댄스 플로어를 지배하는 고속 수쿠스는 "'''음도볼로'''"(Ndombolo)라고 불린다. 아윌로 롱곰바, 코피 올로미데 등이 주요 아티스트이다.

음도볼로의 빠른 허리 흔들기는 "외설" 비판을 받았다. 말리, 카메룬, 케냐에서 금지 시도가 있었다. 2000년 콩고 민주 공화국에서 금지되었지만, 더욱 인기를 얻었다. 2005년 2월, 음도볼로 뮤직 비디오는 검열되었고, 코피 올로미데나 웨라손 등의 비디오 클립 방영이 금지되었다.

3. 특징

수쿠스는 전형적으로 8분의 12 박자를 사용하며, 장조 코드를 아르페지오 형태로 표현한다.[10] 리드 기타리스트는 속도, 정확성, 민첩한 손놀림으로 유명하며, 종종 음역의 높은 지판을 넘나든다.[8] 베이스 라인은 손 드럼 타악기 패턴에서 영감을 받았으며, 장르의 리듬적 기초이며 일반적으로 16분 음표의 종지를 특징으로 한다.[9]

음조적으로, 수쿠스는 베이스, 중음역, 고음 주파수의 특정 구성에 의해 형성된다.[9] 베이스는 일반적으로 +3dB로 강조되어 그루브를 지원하는 깊고 풍성한 저음을 생성한다. 700Hz 주파수 주변의 중음역은 종종 평평하게 유지되거나 최대 +6dB까지 향상된다.[9] 한편, 고음 주파수는 평평하게 유지되거나 -3dB로 약간 감쇠된다.[9]

마통제에서, 리드미컬한 기타는 일반적으로 중간 템포의 보컬 구절을 동반하며, 베이스와 베이스 드럼은 지배적인 비트를 강조하는 반면, 기타리스트는 엇박 (하나 ''와'' 둘 ''와'' 셋 ''와'' 넷 ''와'')을 강조한다.[8] 보컬 공연 동안, 리드 기타리스트는 조화된 콜 앤 리스폰스 노래를 뒷받침하는 그루브를 깔고,[8] 종종 에코 효과로 강화되어 최면적인 청각 경험을 만들어낸다.[10]

타악기 섹션은 멈추지 않고 빠른 비트, 일반적으로 카바차로 알려져 있으며, 드러머가 신호 전환을 주도하여 기타리스트가 리드 연주자의 전환에 맞추도록 한다.[10][8] 수쿠스의 코드 진행은 주로 I, IV 및 V 코드를 사용한다.[8] 일반적인 진행은 다음과 같다:[8]

코드 진행
I - I - IV - IV
I - IV - V
I -I - V-V
I - IV/V
V/IV - I
I/IV - IV/I
I - V- I - V
V/IV - I


4. 주요 아티스트

타부 레이와 도쿠토르 니코는 콩고 민족 음악과 소울 음악, 카리브 음악, 라틴 음악의 악기를 결합한 아프리칸 피에스타라는 그룹을 결성했다. 파파 웽바와 샘 망구나도 참여하여 'Afrika Mokili Mobimba'와 같은 곡을 연주하며 아프리카에서 가장 유명한 밴드 중 하나가 되었다.[106] 아프리카 피에스타는 1965년에 해산했지만,[107] 타부 레이 로슈로와 도쿠토르 니코는 현대 수쿠스의 선구자로 꼽힌다. 코피 오로미데, 투알라 무아나, 웽게 무지카 등도 수쿠스의 대표적인 아티스트이다.

로큰롤의 영향을 받아 템포가 빠른 수쿠스를 연주했던[108] 파파 웽바가 이끄는 Zaïko Langa Langa|자이코 랑가 랑가프랑스어는 1969년에 결성되었고, 페페 카레는 앙필 바쿠바라는 밴드를 결성하여 각각 인기를 얻었다.

1980년대에 런던과 파리에서 수쿠스가 인기를 얻었다. 몇몇 콩고 뮤지션들은 동아프리카에서 영국, 프랑스로 활동 무대를 옮겼다. 파리에 거점을 둔 파파 웽바와 비바 라 무지카는 프랑스 아티스트와 협연하기도 했다.

칸다 봉고 만은 "콰사 콰사"라고 불리는 빠르고 짧은 트랙을 댄스 플로어에서 연주하여 인기를 얻었으며, 그와 다른 아티스트들의 뮤직 비디오에 등장하는 댄스 무비도 인기를 끌었다. 무빌리아 벨, 리고 스타, 마디루 시스템 등의 수쿠스 스타들은 페페 카레나 코피 오로미데를 따라 파리에서 아프리카와 카리브해 지역에서 투어와 녹음을 진행했다.

5. 비판

중앙 및 동부, 서부 아프리카에서 댄스 플로어를 지배하는 고속의 수쿠스 음악을 "'''음도볼로'''"(Ndombolo)라고 부른다. 아윌로 롱곰바, 코피 올로미데 등이 주요 아티스트이다.

음도볼로의 빠른 허리 흔들기 댄스는 "외설"이라는 비판을 받았다. 말리, 카메룬, 케냐에서는 금지하려는 움직임이 있었다. 2000년에는 콩고 민주 공화국에서 국영 텔레비전과 라디오에서 금지되었지만, 더욱 인기를 얻게 되었다. 2005년 2월, 음도볼로의 뮤직 비디오는 너무 저속하다는 이유로 검열되었고, 코피 올로미데나 웨라손 등의 비디오 클립 방영이 금지되었다.[1]

참조

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