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입체주의

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목차

1. 개요

입체주의는 20세기 초에 등장한 미술 사조로, 대상을 여러 각도에서 분석하고 재구성하여 표현하는 것이 특징이다. 파블로 피카소와 조르주 브라크가 주도하여 초기 큐비즘을 시작했으며, 분석적 큐비즘, 종합적 큐비즘, 결정체 큐비즘 등의 단계를 거쳤다. 큐비즘은 회화, 조각, 건축뿐만 아니라 문학, 시, 디자인 등 다양한 분야에 영향을 미쳤으며, 폴 세잔의 영향과 아프리카 조각에서 영감을 받았다. 주요 작가로는 피카소, 브라크, 후안 그리스, 페르낭 레제 등이 있다.

2. 역사

조르즈 브라크의 풍경화에서 비롯된 큐비즘(Cubism)이라는 용어는, 20세기 초 브라크가 프랑스 남부 지중해 연안 레스타크에서 그린 풍경화를 앙리 마티스가 '''입체적 희한함'''(''bizarreries cubique'')이라고 풍자하면서 유래되었다.[17] 여기서 착안하여 브라크의 표현 양식을 본뜬 그림들과 화가들의 경향을 큐비즘이라 부르게 되었다.

브라크는 레스타크 지방의 풍경화를 그리면서 대상을 입체적 공간으로 나누어 여러 가지 원색을 칠하여 자연을 재구성하였다. 이러한 실험적 표현에서 출발한 브라크와 피카소 등 입체주의 화가들은 여러 각도에서 본 입체적인 형태(원통형, 입방형, 원추형)를 선과 면으로 표현하여 하나의 화폭에 질서있게 쌓아올려 입체주의 기법을 발전시켰다.

피카소와 브라크는 형태의 완전한 추상을 원하지는 않았다. 그들은 화가가 느끼고 경험한 대상을 여러 시점과 각도에서 한 폭에 그려내어, 감상자가 대상의 생동감을 느낄 수 있기를 원했다. 완벽한 추상은 아니었지만, 입체주의는 대상에서 형태를 해방시키고, 수많은 새로운 미술의 가능성을 열었다. 이는 미래주의, 순수추상, 다다이즘 등 이후 미술 사조에 큰 영향을 주었다.

학자들은 큐비즘의 역사를 여러 단계로 구분한다. 후안 그리스가 명명한 ''분석적 입체주의''는[10] 1910년부터 1912년까지 프랑스에서 짧지만 매우 중요한 예술 운동으로 급진적이고 영향력이 컸다. ''종합적 입체주의''는 초현실주의 운동이 인기를 얻기 시작한 1919년경까지 지속되었다.[10] 더글러스 쿠퍼는 큐비즘을 다음과 같이 세 단계로 구분했다.


  • "초기 입체주의"(1906년부터 1908년까지)
  • "고전적 입체주의"(1909년부터 1914년까지)
  • "후기 입체주의"(1914년부터 1921년까지)


후안 그리스 작 '피카소 초상'(1912, 유화)


프랑스어로는 입체주의를 cubisme (뀌비슴)으로, "스"를 맑게 발음하지만, 영어에서는 cubism (큐비즘)으로, "즈"로 탁하게 발음한다. 일본어에서는 "입체파"로 번역되기도 하지만, "입방체파"가 더 정확한 번역이며, "입체파"는 오해를 낳을 수 있다는 의견도 있다.

입체주의의 주요 특징과 영향은 다음과 같다.

  • 르네상스 이후의 "단일 초점에 의한 원근법"을 포기하고, 복수의 시점으로 대상을 파악하여 화면에 재구성한다.
  • 형태를 극단적으로 해체하고 기하학화, 추상화한다.
  • 폴 세잔의 구성적 필치와 신인상주의의 필치 분할을 실험적으로 응용한다.


야수파가 색채 혁명이라면, 입체주의는 선에 의한 혁명이라고도 하지만, 실제로는 두 혁명 모두 이러한 일면성만으로는 파악할 수 없다.

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입체주의는 회화뿐 아니라 조각, 디자인, 건축, 사진에도 영향을 미쳤다. 특히 미래파, 러시아 구성주의, 추상 회화에 큰 영향을 주었으며, 파피에 콜레와 콜라주는 아상블라주와 같은 입체 작품으로 이어졌다.

2. 1. 초기 큐비즘 (1907-1908)

세잔은 화가가 빛의 속임수를 그리고 현상을 모사(模寫)하는 것에 불과하다는 것에 불만을 느껴, 더욱 항구적인 자연을 그리고자 노력하였다. 피카소는 세잔의 영향을 받아 흑인 조각에서 영감을 얻어 1907년 아비뇽의 처녀들을 그렸는데,[13] 이 그림은 원시 입체주의 작품으로 여겨지기도 한다.



같은 무렵, 포비즘(야수파)에서 벗어난 브라크는 세잔이 에밀 베르나르에게 보낸 편지(1907년에 공표)에서 언급한 '모든 자연은 원추(圓錐)와 원통(圓筒)과 구체로 환원된다'는 구절에 따라 레스타크 풍경을 그리고 있었다. 1908년, 브라크는 다니엘-앙리 칸바일러 화랑에서 전시회를 열었는데, 이 전시회에 대한 평론에서 루이 복셀은 브라크를 형태를 경멸하는 대담한 사람이라고 칭하며 "모든 것, 장소와 인물, 집을 기하학적 도식, 즉 큐브로 축소했다"고 말했다.[14][15]

복셀은 마티스가 자신에게 "브라크가 방금 [1908년 가을 살롱|italic=no프랑스어]에 작은 큐브로 만들어진 그림을 보냈어요."라고 말했다고 전했다.[15] 평론가 샤를 모리스는 마티스의 말을 전달하며 브라크의 작은 큐브에 대해 언급했다. 브라크의 1908년작 라스타크의 집들(및 관련 작품)은 1909년 3월 25일자 《길 블라스》에서 복셀로 하여금 ''비자르리 큐비크''(큐브 기괴함)를 언급하게 했다.[17] 이처럼, 브라크의 풍경화를 두고 마티스가 '''입체적 희한함'''(''bizarreries cubique'')이라고 풍자한 것에서 '큐비즘'이라는 용어가 유래되었다.

2. 2. 분석적 큐비즘 (1909-1912)

브라크와 피카소는 1910년부터 1912년까지 '분석적 큐비즘' 시기에 협력하며 대상을 철저히 분해하고 여러 각도에서 재구성했다.[10] 이 시기 피카소는 색채 사용을 거의 하지 않고, 시인 아폴리네르가 언급했듯 마치 외과의사가 시체를 해부하듯 형태를 분석하고 질서 있게 배열하는 데 집중했다.

파블로 피카소, 1909–10, ''Figure dans un Fauteuil (Seated Nude, Femme nue assise)'', 캔버스에 유채, 92.1 × 73 cm, 테이트 모던, 런던


1911년 앙데팡당전에서 퓌토 그룹 화가들은 큐비즘 작품을 대거 전시하여 대중에게 큐비즘을 알렸다.[10] 관중들은 이 "추한 작품"에 충격을 받고 비난을 퍼부었다.

2. 3. 종합적 큐비즘 (1912-1914)

피카소와 후안 그리스를 중심으로 전개된 종합적 큐비즘은 분석적 큐비즘에서 잃어버린 현실감을 회복하려는 움직임이었다. 이 시기에는 콜라주와 파피에 콜레 기법이 도입되어 다양한 재료와 질감이 사용되었다.[10] 1912년, 브라크와 피카소는 모더니즘적 의미의 콜라주를 도입하여 큐비즘 발전에 큰 영향을 주었다. 피카소는 1912년 5월에 최초의 입체주의 콜라주인 ''의자 등나무가 있는 정물''을 제작했으며,[42] 브라크는 피카소보다 먼저 입체주의 종이 조각과 파피에 콜레를 제작했다.[43] 종합적 큐비즘 시기에는 색채가 다시 등장하고, 기하학적 형태와 실제 요소가 결합되어 더욱 풍부한 표현이 가능해졌다.

학자들은 큐비즘의 역사를 여러 단계로 구분하는데, '종합적 큐비즘'은 1919년경까지 지속된 두 번째 단계에 해당한다.[10] 미술 사학자 더글러스 쿠퍼는 후안 그리스가 중요한 대표자로 등장한 1911년부터 1914년까지를 "고전적 큐비즘" 시기로 구분하기도 했다.[11][12]

2. 4. 결정체 큐비즘 (1914-1918)

제1차 세계 대전의 영향으로 1914년에서 1916년 사이에 입체주의는 큰 변화를 겪었다. 기하학적 평면과 평평한 표면이 강조되는 방향으로 전환되었는데, 특히 1917년에서 1920년 사이에 두드러졌다.[59] 이러한 경향은 미술상 레옹스 로젠베르그와 계약한 예술가들을 중심으로 나타났다. 작품의 구성은 촘촘해지고, 명료함과 질서 의식이 반영되었다. 평론가 모리스 레이날은 이러한 양식을 '결정체' 입체주의라고 불렀다.[59]

전쟁 이전 입체주의자들이 중요하게 여겼던 제4차원, 현대 생활의 역동성, 오컬트, 앙리 베르그손의 지속 개념 등은 사라지고, 순수하게 형식적인 측면이 강조되었다.[59]

결정체 입체주의와 그와 관련된 '재정돈'(rappel à l'ordre)은 전쟁 중, 그리고 전쟁 직후 현실에서 벗어나려는 경향과 관련이 있다. 1914년부터 1920년대 중반까지 입체주의의 정화는 프랑스 사회와 프랑스 문화 전반의 보수주의로의 이데올로기적 전환과도 연결된다.[12]

2. 5. 1918년 이후의 큐비즘

제1차 세계 대전 이후, 입체주의는 다양한 경향으로 분화되었지만, 일부 예술가들은 계속해서 입체주의의 영향을 받은 작품을 제작했다. 기하학적 추상과 초현실주의 등 새로운 미술 사조가 등장하면서 입체주의는 상대적으로 쇠퇴했지만, 그 영향력은 지속되었다. 1920년대와 1930년대에는 미국과 영국의 작가들에게서도 입체주의의 영향을 받은 작품들이 나타났다.

2. 6. 섹시옹 도르 (황금분할)와 큐비즘

피카소와 조르주 브라크가 주도한 전통적인 큐비즘과는 별개로, 1910년경부터 페르낭 레제를 중심으로 '황금분할파 큐비즘'이 발전했다. 이들은 정물을 주로 다룬 정통파 큐비즘에서 벗어나, 대상의 분해와 재구성에 역동감을 도입하여 새로운 가능성을 열고자 했다.

'황금 분할'(Section d'Or)은 푸토 그룹이라고도 불리며, 1911년부터 1914년까지 큐비즘 및 오르피즘과 관련된 화가, 조각가, 비평가들이 모여 결성한 단체이다. 이들은 1911년 살롱 데 쟁데팡당에서 논란이 된 전시 이후 주목받기 시작했다. 1912년 10월 파리의 Galerie La Boétie에서 열린 ''살롱 드 라 섹시옹 도르'' 전시는 제1차 세계 대전 이전의 큐비즘 전시 중 가장 중요한 것으로 평가받는다.[49] 200점이 넘는 작품이 전시되었으며, 많은 예술가들이 1909년부터 1912년까지의 발전 과정을 보여주는 작품을 선보여 큐비즘 회고전과 같은 인상을 주었다.[49]

1912년 파리 그랑 팔레에서 열린 살롱 도톤 전시. 조세프 차키의 조각 ''여성 그룹''(1911–12)이 왼쪽에, 아메데오 모딜리아니의 조각상 두 개 앞에 전시되어 있다. 그 외 황금 분할 예술가들의 작품(왼쪽부터 프란티셰크 쿠프카, 프랜시스 피카비아, 장 메칭거, 앙리 르 포코니에)도 전시되었다.


황금 분할이라는 명칭은 큐비즘이 고립된 예술 형태가 아니라, 오랜 전통을 잇는 것임을 보여주기 위해 채택되었다.[50] 실제로 황금비는 최소 2,400년 동안 서구 지식인들의 관심을 받아왔다.[50] 이 명칭은 장 메칭거, 알베르 글레즈, 자크 빌롱의 대화에서 비롯되었으며, 자크 빌롱이 레오나르도 다 빈치의 ''회화론''(1910년 호세핀 펠라단 번역)을 읽고 제안했다.

1912년 갈레리아스 달마우는 세계 최초의 공인된 입체주의 단체 전시회(''Exposició d'Art Cubista'')를 개최했다.[30][31][32] 이 전시회에는 장 메칭거, 알베르 글레즈, 후안 그리스, 마리 로랑생, 마르셀 뒤샹 등의 작품이 전시되었으며,[33][34][35] 자크 네랄은 알베르 글레즈와의 인연으로 전시회 서문을 작성했다.[30] 이 서문은 ''La Veu de Catalunya'' 신문에 완역되어 게재되었다.[36][37] 특히, 마르셀 뒤샹의 ''계단을 내려오는 누드 No. 2''가 처음으로 전시되어 화제를 모았다.[38]

전시회 전후로 광범위한 언론 보도가 이어지면서, 갈레리아스 달마우는 유럽 모더니즘의 발전과 보급에 중요한 역할을 담당하게 되었다.[38] 그러나 언론 보도가 항상 긍정적이었던 것은 아니며, ''Esquella de La Torratxa''[39]와 ''El Noticiero Universal''[40] 등의 신문에는 입체주의자들을 비판하는 캐리커처와 비하적인 기사가 실리기도 했다.[40] 미술사학자 자우메 브리우에가는 달마우 전시회에 대해 "대중에게 강한 충격을 주었고, 대중은 이를 매우 의심스러운 시선으로 바라보았다"고 평가했다.[41]

1912년, 장 메칭거와 알베르 글레즈는 ''Du "Cubisme"''를 쓰고 출판하여 큐비즘을 적극적으로 옹호하고, 이 단어를 둘러싼 혼란을 없애고자 했다.[55] 이 책은 1911년 살롱 데 쟁데팡당과 1912년 파리 살롱 도톤에서 대중적인 스캔들을 일으킨 후, 큐비즘에 대한 최초의 이론적 논문으로 발표되었으며, 여전히 가장 명확하고 이해하기 쉬운 작품으로 남아 있다.[56] 이 책은 푸토와 쿠르브부아에서 만난 예술가들의 토론을 반영했으며, 프란시스 피카비아와 마르셀 뒤샹 형제를 포함하는 "파시의 예술가"의 태도를 반영했다.[12][52] ''Du "Cubisme"''에서 개발된 한 대상을 공간과 시간의 서로 다른 지점에서 동시에 관찰한다는 개념, 즉 여러 각도에서 대상을 포착하여 단일 이미지로 융합하는 행위(다중 시점, 이동 원근법, 동시성 또는 다중성)는 일반적으로 큐비스트들이 사용하는 장치로 인식된다.[57]

1912년 전시회는 큐비즘이 거쳐온 일련의 단계를 보여주기 위해 기획되었고, ''Du "Cubisme"''가 이 기회를 위해 출판되었다는 사실은 예술가들이 그들의 작품을 광범위한 청중(미술 평론가, 미술 수집가, 미술상 및 일반 대중)에게 이해시키려는 의도를 나타낸다. 의심할 여지 없이, 전시회의 큰 성공으로 인해 큐비즘은 특정 공통 철학이나 목표를 가진 예술의 장르 또는 스타일로 인정받는 전위 예술 운동이 되었다.[49]

3. 큐비즘의 특징과 영향

큐비즘은 르네상스 이후 서양 회화의 전통이었던 단일 초점 원근법을 포기하고, 여러 시점에서 대상을 파악하여 화면에 재구성하는 방식을 사용했다.[26][27] 즉, 복수의 시점을 도입하여 대상을 표현했다.

형태를 극단적으로 해체하고 기하학적으로 단순화시켜 추상화하는 특징을 보였다. 폴 세잔의 구성적 필치와 신인상주의의 필치 분할을 실험적으로 응용하기도 했다.

조르즈 브라크와 파블로 피카소는 콜라주와 파피에 콜레 기법을 도입하여 현실의 요소들을 작품에 적극적으로 활용했다. 예를 들어 피카소의 ''의자 등나무가 있는 정물''(1912)은 유화와 상업적으로 인쇄된 오일 천을 캔버스에 함께 사용한 최초의 입체주의 콜라주 작품이다.[42]

큐비즘은 회화뿐만 아니라 조각, 디자인, 건축, 사진 등 다양한 분야에 영향을 미쳤다.[26][27] 특히 미래파, 러시아 구성주의, 추상 회화의 발전에 큰 영향을 주었다.

섬네일

4. 큐비즘과 사진

큐비즘은 사진에도 큰 영향을 미쳤지만, 미래주의, 다다, 초현실주의처럼 큐비스트 자체가 큐비즘적인 사진 작품을 남긴 경우는 거의 없다. 예를 들어, 피카소는 사진 작품을 많이 제작한 것으로 유명하지만, 큐비즘 사진 작품이라고 할 만한 것은 아니다.

일반적으로 "큐비즘 사진"이라고 불리는 작품은 큐비즘의 영향을 받은 작품으로, 인물, 풍경(자연물, 인공물을 불문하고) 등을 촬영하면서 빛과 그림자의 대비, 기하학적인 형태(원, 삼각형, 사각형, 수평선, 수직선, 대각선 등)를 중시하고, 대칭적인 구성 배치를 하는 등 강한 특징을 보이며, 구성주의적인 사진과 직결된다. 큐비즘이 사진에 미친 영향은 스트레이트 사진에서 두드러진다고 말하는 경우가 많지만, 실제로는 픽토리얼리즘, 미래파, 다다, 초현실주의 사진 작품에서도 그 흔적을 볼 수 있으며, "바우하우스 사진"에도 큰 영향을 미치고 있다.

이 범주에 포함되는 구체적인 사진작가로는 유럽에서는 앙드레 케르테스, 알렉산드르 로드첸코, 프란티셰크 드르티콜 등이 있으며, 미국에서는 베레니스 애보트, 이모젠 커닝햄, 에드워드 웨스턴, 폴 아우터브리지 주니어, 폴 스트랜드 등이 있다. 일본에서는 후치카미 하쿠요를 중심으로 하는 "구성파" 사진 작가들(마츠오 사이고로, Minayoshi Takada|타카다 미나요시영어, 츠사카 준, 니시카메 큐지 등)이 있다. 특히 일본에서는 정물이나 인물상에서도 단순한 영향을 넘어 "큐비즘 그 자체"와 같은 작품조차 있으며, 흑백의 효과적인 사용도 두드러지게 나타난다.

5. 주요 작가

5. 1. 프랑스

세잔은 화가가 빛의 속임수를 그리고 현상을 모사(模寫)하는 것에 불과한 것을 불만으로 여겨, 더욱 항구적인 자연을 그리고자 하였다. 1907년 피카소는 세잔을 본받고 흑인 조각에서 자극을 받아 《아비뇽의 처녀들》을 그렸다. 같은 시기 포비즘(야수파)에서 떨어져 나온 브라크는 에밀 베르나르에게 보낸 편지(1907년 공표)에 담긴 세잔의 "모든 자연은 원추(圓錐)와 원통(圓筒)과 구체로 환원된다"는 구절에 따라 에스타크 풍경을 그리고 있었다. 1908년 이 풍경화 6점은 살롱 도톤에 출품되었으나 낙선하였고, 심사위원 마티스는 '이 그림은 작은 큐브(입방체)로써 그려졌다'라고 평했다. 이 말이 큐비즘 명칭의 실마리가 되었다. 브라크의 낙선 작품은 화상(畵商) 칸와이러의 화랑에서 개인전으로 발표되었는데, 칸와이러는 피카소와 브라크가 추구하는 공통점을 인정하여 1907년 가을 두 사람을 만나게 하였다. 이후 두 사람은 협력 관계를 맺고 1910년까지 큐비즘을 전적으로 추진하였다.[1]

1910년부터 1912년까지는 '분석적 큐비즘' 시기로, 대상의 분해가 철저하게 이루어졌다. 대상은 여러 각도에서 다시 보게 되고, 다양한 모습이 동일 화면으로 재구성되었다. 이 시기 피카소는 거의 색채를 쓰지 않고 '외과의사가 시체를 해부하는 것처럼'(시인 아폴리네르의 논평) 형태의 분석과 질서 있는 배합을 추구하였다.[1]

1913∼1914년은 '종합적 큐비즘' 시기이다. 주로 피카소와 후안 그리스를 중심으로 추진되었으며, 분석적 큐비즘이 해체와 재구성 과정에서 잃어버린 리얼리티를 되찾으려는 경향을 보였다. 분석적 큐비즘은 병(甁)이라는 대상에서 원통형을 추출하지만, 그리스는 '나는 원통형에서 병을 만든다'라고 하였다. 촌단(寸斷)된 색면의 통합과 기하학적 질서에 의한 장식 효과 증대를 가져왔으며, 리얼리티 회복 요구에 따라 콜라주와 파피에 콜레 수법이 개척되었다.[1]

피카소가 주도하던 전통적 큐비즘 외에, 1910년경부터 페르낭 레제를 중심으로 황금분할파 큐비즘이 개척되었다. 이는 대상을 분해, 재구성할 때 화면에 역동감(力動感)을 도입하려는 시도였으며, 주로 정물 분야에서 성과를 올린 정통파 큐비즘에 새로운 가능성을 열었다.[1]

5. 2. 기타 국가

일본과 중국은 아시아에서 입체주의의 영향을 가장 먼저 받은 국가 중 하나였다. 1910년대에 일본 미술 저널에 번역되어 게재된 유럽 서적을 통해 처음 접촉이 이루어졌다. 1920년대에는 국립 고등 미술학교에 등록한 사람들처럼 파리에서 유학한 일본 및 중국 예술가들이 입체주의를 포함한 현대 미술 운동에 대한 이해를 가지고 돌아왔다. 입체주의적 특징을 보여주는 주목할 만한 작품으로는 요로즈 테쓰고로의 ''붉은 눈의 자화상'' (1912)과 팡 간민의 ''가을의 멜로디'' (1934)가 있다.

; 일본

  • 사카타 가즈오


; 중국

  • 팡 간민

6. 한국 미술과 큐비즘

한국에서는 큐비즘이 직접적으로 수용되기보다는 일본을 통해 간접적으로 영향을 받았다. 일제강점기에 일본 유학을 다녀온 작가들을 중심으로 큐비즘의 영향이 나타나기 시작했다. 해방 이후, 큐비즘은 한국 추상 미술 발전에 중요한 역할을 했다.

7. 건축

초기 입체주의 건축은 매우 드물지만, 보헤미아 (프라하)를 중심으로 독창적인 입체주의 건물이 설계되었다.[81][82][83] 체코 건축가들은 이론적 규칙에서 역동성의 요구를 표현했는데, 이는 창의적인 아이디어를 통해 물질과 그 안에 담긴 평온함을 극복하여 보는 이에게 역동성과 표현적 가소성의 감정을 불러일으키는 것이었다.[84]

요세프 고차르가 1912년에 프라하에 건설한 검은 성모 마리아의 집


요세프 호홀이 설계한 프라하의 코바르조비치 빌라


이는 피라미드, 큐브, 프리즘에서 파생된 형태, 사선 표면(주로 삼각형)의 배열과 구성, 돌출된 결정체와 같은 유닛으로 조각된 정면, 소위 다이아몬드 커팅을 연상시키는 형태, 또는 후기 고딕 건축을 연상시키는 동굴 형태를 통해 달성되었다. 이러한 방식으로 박공과 덧문까지 포함한 정면 전체 표면이 조각되었다. 격자뿐만 아니라 다른 건축 장식도 입체적인 형태를 갖추었다. 이로써 육각형 창과 같은 새로운 형태의 창문과 문도 만들어졌다.[84] 체코 입체주의 건축가들은 입체주의 가구도 설계했다.

주요 입체주의 건축가로는 파벨 야나크, 요세프 고차르, 블라스티슬라프 호프만, 에밀 크랄리체크, 요세프 호홀이 있다.[84] 이들은 주로 프라하에서 활동했지만 다른 보헤미아 도시에서도 활동했다. 가장 잘 알려진 입체주의 건물은 요세프 고차르가 1912년에 건설한 프라하 구시가지의 검은 성모 마리아의 집으로, 세계에서 유일한 입체주의 카페인 그랜드 카페 오리엔트가 있다.[81] 블라스티슬라프 호프만은 1912~1914년에 디아블리체 묘지의 입구 파빌리온을 지었고, 요세프 호홀은 비셰흐라트 아래에 여러 주택을 설계했다. 에밀 크랄리체크가 1912년에 설계한 입체주의 가로등도 바츨라프 광장 근처에 보존되어 있으며, 그는 1913년경 프라하 신시가지에 다이아몬드 하우스도 건설했다.

8. 관련 분야


  • Tubism|튜비즘영어

: 1910년대 전반 페르낭 레제의 입체주의 작품을 지칭하는 용어이다. 특히 인물화에서 튜브 형태의 물체로 해체된 작품이 많으며, 루이 복셀이 레제의 작품에서 "튜브"와 같은 형태를 발견한 것이 이 명칭의 유래가 되었다.

  • 오르피즘
  • 퓨리즘
  • 쿠보푸투리즘
  • Synchromism|싱크로미즘영어

: 1913년 파리에서 Stanton Macdonald-Wright|스탠튼 맥도널드-라이트영어(1890년 - 1973년)와 모건 러셀(1886년 - 1953년) 두 명의 미국인에 의해 주장된 회화 형식이다. 입체주의의 영향으로 추상성이 더해진 작품이지만, 다채로운 색채를 사용하여 오르피즘과 가깝다. 추상성이 철저한 작품뿐만 아니라 재현적인 작품도 있으며, 이 점에서도 오르피즘과 유사하다. 1918년경 대부분 구상 작품으로 회귀하여 단명하였다. 파리에 있던 패트릭 헨리 브루스(1880년 - 1937년)의 작품을 포함하여 생각하는 경우도 있다. 싱크로미즘 자체를 오르피즘에 포함시키기도 한다.

참조

[1] 간행물 Note sur la peinture Pan (Paris) 1910-10
[2] 웹사이트 The Collection | MoMA https://www.moma.org[...]
[3] 웹사이트 Cubism: The Leonard A. Lauder Collection http://www.metmuseum[...] 2014
[4] 웹사이트 The Collection | MoMA https://www.moma.org[...]
[5] 서적 Jean Metzinger in Retrospect, Pre-Cubist works, 1904–1909 The University of Iowa Museum of Art, J. Paul Getty Trust, University of Washington Press 1985
[6] 웹사이트 The Collection | MoMA https://www.moma.org[...]
[7] 웹사이트 Geometric Abstraction http://www.metmuseum[...] 2000
[8] 웹사이트 The Collection | MoMA https://www.moma.org[...]
[9] 웹사이트 The Collection | MoMA https://www.moma.org[...]
[10] 서적 A World History of Art Laurence King Publishing 2009
[11] 서적 The Cubist Epoch https://archive.org/[...] Phaidon Press Limited 1970
[12] 웹사이트 Cubism http://www.moma.org/[...] 2009
[13] 문서 Cooper, 24
[14] 뉴스 Exposition Braques http://gallica.bnf.f[...] Gil Blas 1908-11-14
[15] 서적 Georges Braque: A Life https://books.google[...] Penguin Books Limited 2007-03-29
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