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그런지

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목차

1. 개요

그런지는 1980년대 후반 미국 시애틀에서 시작된 얼터너티브 록의 하위 장르이다. 펑크 록과 헤비 메탈의 요소를 결합하여, 거칠고 로파이한 사운드, 어둡고 허무주의적인 가사, 그리고 찢어진 청바지와 플란넬 셔츠와 같은 독특한 패션 스타일로 특징지어진다. 1990년대 초 니르바나의 성공과 함께 주류 음악으로 부상하며 록 음악의 흐름을 바꾸었으나, 1990년대 중반 이후 쇠퇴하고 포스트 그런지 시대로 접어들었다. 앨리스 인 체인스, 펄 잼, 사운드가든 등이 대표적인 그런지 밴드이다.

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그런지
음악 장르 정보
1992년경의 미국 록 밴드 [[너바나 (밴드)|너바나]]
미국 록 밴드 너바나(1992년경). 이 장르에서 가장 상업적으로 성공한 밴드로, 미국에서만 2700만 장 이상의 앨범을 판매했다.
스타일적 기원대안 록
노이즈 록
펑크 록
개러지 록
인디 록
헤비 메탈
하드 록
문화적 기원1980년대 중반, 시애틀, 워싱턴
파생 장르포스트 그런지
지역적 장면워싱턴
다른 주제X세대
인기1990년대 초중반
주요 지역시애틀
로마자 표기geuranji
로마자 표기guranji

2. 용어의 기원

"그런지"라는 단어는 "혐오스러운 사람이나 사물"을 뜻하는 미국 속어로, "먼지"를 의미하기도 한다.[10] 1989년경부터 미국 시애틀을 중심으로 유행한 얼터너티브 록의 한 갈래이다.

이 단어가 시애틀 음악가들에게 처음 적용된 것은 1987년 7월, 브루스 파빗이 서브팝 레코드사 카탈로그에서 그린 리버의 ''드라이 애즈 어 본(Dry as a Bone)'' EP를 "거친 보컬, 울부짖는 마샬 앰프, 한 세대의 도덕성을 파괴한 매우 느슨한 그런지"라고 묘사했을 때이다.[11] 마크 아름은 ''드라이 애즈 어 본(Dry as a Bone)'' EP를 발표한 그린 리버의 멤버였다.

니르바나의 프런트맨 커트 코베인은 조나단 포네만이 그 음악을 묘사하기 위해 "그런지"라는 용어를 만들었다고 말했다.[13] 그러나 코베인은 "그런지"라는 단어를 혐오했고, 레코드 회사들이 "콕록" 밴드들을 그런지인 척하며 시애틀 출신인 척하며 계약하고 있다고 느꼈다.

사운드가든, 펄 잼, 앨리스 인 체인스 등 일부 밴드는 "록 앤 롤" 밴드로 불리는 것을 선호하며 그런지라는 분류를 받아들이지 않았다.[14][15]

''롤링 스톤''은 이 장르의 명확한 정의가 부족함을 지적했다.[17] 로버트 로스 또한 "그런지"를 정의하는 어려움을 인정했다.[18]

3. 음악적 스타일

1984년, 펑크 록 밴드 블랙 플래그는 미국 전역의 작은 마을들을 순회하며 펑크 음악을 전파했다. 이 무렵 그들의 음악은 느리고 침체된 사운드가 되어, 블랙 사바스와 더 유사해졌다. 크리스트 노보셀리치는 이 공연을 보고 멜빈스의 리더 버즈 오스본이 "느리고 무거운 리프"를 쓰기 시작하여 노스웨스트 그런지의 시작이 된, 장송곡과 같은 음악을 만들었다고 회상했다. 멜빈스는 초기 그런지 밴드 중 가장 큰 영향력을 가졌다. 써브팝의 프로듀서 잭 엔디노는 그런지를 "70년대에 영향을 받은, 속도가 느려진 펑크 음악"으로 묘사했다.

그린 리버가 ''Come On Down''을 연주하는 것을 들은 레이턴 비저는 펑크 록을 거꾸로 연주하고 있다는 것을 깨달았다고 한다. 그는 감소 5도 음이 블랙 사바스에 의해 불길한 느낌을 만들어내는 데 사용되었지만 펑크 록에서는 사용되지 않는다고 언급했다. 1996년 그런지 영화 다큐멘터리 ''하이프!''에서 비저는 기타로 펑크와 그런지의 차이점을 보여주었다. 그는 라몬즈의 "Rockaway Beach"의 리프와 그린 리버의 "Come On Down"을 연주하며 두 곡은 단 몇 음밖에 차이가 나지 않지만 사운드는 전혀 다르다고 설명했다. 초기 그런지 밴드들은 메탈에서 리프를 가져와 속도를 늦추고, 왜곡하고 피드백 속에 파묻은 다음, 거기에 거의 멜로디가 없는 가사를 소리치듯 부르기도 했다.

3. 1. 특징

그런지는 펑크 록(특히 블랙 플래그와 같은 미국의 하드코어 펑크)과 헤비 메탈(특히 블랙 사바스와 같은 전통적인 초기 헤비 메탈 그룹)의 요소들을 융합했지만, 일부 밴드는 한쪽에 더 중점을 두고 연주했다.[7] 인디 록 또한 그런지의 주요 원천으로, 소닉 유스의 "자유 형식" 노이즈가 가장 중요한 영향을 주었다.[3]

1990년대 시애틀 음악씬과 관련된 전시품(니르바나의 앨범 자켓 두 개, 사운드가든의 앨범 자켓, 악기 등)이 있는 박물관 전시.
니르바나의 ''네버마인드''와 ''인 유테로'', 그리고 사운드가든의 ''배드모터핑거'' 앨범 자켓 등이 있는 시애틀 음악씬에 대한 박물관 전시


그런지는 펑크와 마찬가지로 날것의 로파이 사운드와 유사한 가사적 관심사를 공유하며,[7] 펑크의 우연적이고 훈련되지 않은 연주 및 공연 방식을 사용했다. 그러나 펑크 록보다 "더 깊고 어두운" 사운드였으며, 펑크의 "아드레날린"이 충만한 빠른 템포를 느리고 "침체된" 속도로 줄였고,[30] 더 많은 불협화음을 사용했다. 시애틀 음악 저널리스트 찰스 R. 크로스는 "그런지"를 왜곡된, 다운 튜닝된, 리프 기반의 록으로 정의하며, 강력한 일렉트릭 기타 피드백과 무겁고 "장중한" 베이스라인을 사용하여 노래 멜로디를 뒷받침한다고 설명한다.[20]

VH1의 작가 댄 터커는 서로 다른 그런지 밴드가 서로 다른 장르의 영향을 받았다고 느꼈다. 니르바나는 펑크의 영향을 받았지만, 펄 잼은 클래식 록의 영향을 받았고, 사운드가든과 앨리스 인 체인스와 같은 "침체되고, 어둡고, 무거운 밴드"는 음산한 메탈적 색채를 지녔다고 말한다.[21]

그런지 음악은 왜곡된 일렉트릭 기타의 울부짖는 소리와 더 어두운 가사 주제 모두에서 "추한" 미학이라고 불리는 것을 가지고 있다. 이러한 접근 방식은 당시 주류 록의 "세련된" 우아한 사운드에 대응하기 위해서이기도 했고, 그런지 아티스트들이 주변에서 보이는 "추함"을 반영하고 실제 세계의 보이지 않는 "심연과 타락"에 주목하기 위해서이기도 했다.[22]

1990년대 초, 니르바나의 독특한 "멈추고 시작하는" 곡 형식과 부드러운 부분과 강한 부분을 번갈아 가는 것은 장르 관습이 되었다.[7]

카일 앤더슨은 ''Accidental Revolution: The Story of Grunge''에서 그런지가 역사상 가장 정의가 모호한 음악 장르일 것이라고 언급했다.

비즈니스위크는 그런지를 "펑크의 DIY 철학과 블랙 사바스의 어두운 기타 리프의 결합"이라고 평가하고 있다.[319]

니르바나의 드러머였던 데이브 그롤은 그런지를 "큰 소리의 기타와 큰 소리의 드럼과 고함 지르는 보컬"로 정의하면서, 그러한 종류의 음악은 2013년 현재까지 한 번도 사라진 적이 없다고 말했다.[320] 베이시스트 크리스 노보셀릭은 그런지를 "전통적인 헤비 록과 펑크의 융합"이라고 하면서, 블랙 플래그의 『My War』가 그런지에 영향을 주었다고 지적했다.[321]

3. 2. 악기 구성

그런지는 일반적으로 일렉트릭 기타, 베이스 기타, 드럼 및 보컬로 구성된 4인조 밴드 형식을 사용한다. 그런지는 두꺼운 중음역대와 롤오프된 고음역대, 그리고 높은 수준의 왜곡과 퍼즈를 특징으로 하는 진흙 같은 일렉트릭 기타 사운드로 특징지어진다. 일반적으로 소형 1970년대 스타일의 스톰박스 페달로 생성되며, 일부 기타리스트들은 여러 개의 퍼즈 페달을 함께 연결하여 진공관 앰프와 스피커 캐비닛에 연결한다.[25] 그런지 기타리스트들은 매우 큰 소리의 마샬 기타 앰프를 사용했고,[26] 커트 코베인과 데이브 그롤(후자는 초기 그런지 지향적인 푸 파이터스(Foo Fighters) 노래에서)을 포함한 일부는 강력한 메사 부기(Mesa-Boogie) 앰프를 사용했다.[27]

메탈 기타리스트들의 오버드라이브 사운드는 일반적으로 오버드라이브 앰프와 왜곡 페달의 조합에서 나오는 반면, 그런지 기타리스트들은 일반적으로 오버드라이브와 퍼즈 페달에서 모든 "더러운" 사운드를 얻었고, 앰프는 사운드를 더 크게 만드는 데만 사용되었다.[27] 그런지 기타리스트들은 펜더 트윈 리버브(Fender Twin Reverb)와 펜더 챔피언 100(Fender Champion 100) 콤보 앰프를 사용하는 경향이 있었다(코베인은 이 두 앰프 모두를 사용했다).[27]

머드허니(Mudhoney)는 데뷔 EP ''슈퍼퍼즈 빅머프(Superfuzz Bigmuff)''의 제목에 두 개의 오버드라이브 페달, 유니복스 슈퍼-퍼즈(Univox Super-Fuzz)와 빅 머프(Big Muff)의 이름을 사용했다.[31]

비교적 저렴하고 널리 사용 가능한 보스 DS-2 왜곡 페달은 (관련된 DS-1을 포함하여) 그런지의 으르렁거리는 오버드라이브 기타 사운드를 만든 주요 이펙트 중 하나였다.


그런지 밴드에서 사용된 다른 주요 페달에는 네 가지 브랜드의 왜곡 페달(빅 머프(Big Muff), DOD, 보스 DS-2(Boss DS-2) 및 보스 DS-1(Boss DS-1) 왜곡 페달)과 스몰 클론(Small Clone) 코러스 이펙트가 있으며, 커트 코베인은 "컴 애즈 유 아(니르바나 노래)(Come as You Are (Nirvana song))"에서, 스크리밍 트리스(Screaming Trees)는 "니얼리 로스트 유(Nearly Lost You)"에서 사용했다.[27] DS-1(후기 DS-2) 왜곡 페달은 코베인이 조용함과 시끄러움을 오가는 작곡 방식에 중요한 역할을 했다.[33] 그런지 기타리스트들의 소형 페달 사용은 부티크, 수작업 납땜, 1970년대 스타일의 아날로그 페달에 대한 관심을 되살리는 데 기여했다.[25]

그런지 기타리스트들이 사용한 또 다른 이펙트는 가장 저렴한 이펙트 장치 중 하나인 와우 페달(wah-wah pedal)이었다. 킴 타일(Kim Thayil)과 앨리스 인 체인스(Alice in Chains)의 제리 캔트렐(Jerry Cantrell)은 모두 와우 페달의 열렬한 지지자였다."[25] 와우는 스크리밍 트리스, 펄 잼, 사운드가든, 머드허니, 다이너소어 주니어(Dinosaur Jr)에서도 사용되었다.[27]

사운드가든(Soundgarden)의 기타리스트 킴 타일(Kim Thayil)은 1980년대 펑크적인 태도 때문에 솔로 연주를 줄였다. 하지만 1990년대 초 니르바나와 같은 다른 주요 그런지 밴드들이 솔로의 역할을 축소하기 시작하자 다시 솔로 연주를 하기 시작했다.


그런지 기타리스트들은 헤비메탈 음악의 중심이 되었던 화려한 기교의 속주 기타 솔로를 "단호히 거부"하고, 대신 멜로디 중심의 블루스에서 영감을 받은 솔로를 선택하여 "기타 솔로가 아니라 노래에 집중"했다.[36]

퍼지 밴드의 보컬리스트인 에디 베더(Eddie Vedder)는 그의 표현력 넘치는 노래 스타일로 유명하다.


커트 코베인은 "거칠고, 흐릿한 발음과 탁한 음색"을 사용했고 에디 베더(Eddie Vedder)(Pearl Jam)는 그의 "표현의 깊이"를 보여주기 위해 "넓고 강력한 비브라토"를 사용했다.[31] 레인 스테일리(Layne Staley)는 가사를 "무게감"있고 트레몰로를 사용하여 불렀다.[57] 일반적으로 그런지 가수들은 낮은 음역의 다운튜닝된 기타와 어두운 주제의 가사 메시지와 어울리는 "더 깊은 보컬 스타일"을 사용했다.[25] 그런지 가수들은 "자갈 같은, 쉰 목소리",[30] "...그르렁거림, 신음, 비명, 중얼거림"[58] 및 "구슬픈 신음 소리"를 사용했다.

3. 3. 가사 및 주제

그런지는 펑크 록(특히 블랙 플래그와 같은 미국의 하드코어 펑크)과 헤비 메탈(특히 블랙 사바스와 같은 전통적인 초기 헤비 메탈 그룹)의 요소들을 융합했지만, 일부 밴드는 한쪽에 더 중점을 두고 연주했다.[7] 인디 록이 세 번째 주요 원천이며, 가장 중요한 영향은 소닉 유스의 "자유 형식" 노이즈에서 비롯되었다.[3] 펑크와 마찬가지로 날것의 로파이 사운드와 유사한 가사적 관심사를 공유하며,[7] 펑크의 우연적이고 훈련되지 않은 연주 및 공연 방식을 사용했다. 그러나 그런지는 펑크 록보다 "더 깊고 어두운" 사운드였으며, 펑크의 "아드레날린"이 충만한 빠른 템포를 느리고 "침체된" 속도로 줄였고,[30] 더 많은 불협화음을 사용했다.

그런지 음악은 왜곡된 일렉트릭 기타의 울부짖는 소리와 더 어두운 가사 주제 모두에서 "추한" 미학이라고 불리는 것을 가지고 있다. 이러한 접근 방식은 당시 주류 록의 "세련된" 우아한 사운드에 대응하기 위해서이기도 했고, 그런지 아티스트들이 주변에서 보이는 "추함"을 반영하고 실제 세계의 보이지 않는 "심연과 타락"에 주목하기 위해서이기도 했다.[22]

그런지 노래 스타일은 음색과 전달 방식에서 강하고 심하게 왜곡된 일렉트릭 기타의 "폭발"과 유사했다. 커트 코베인은 "거칠고, 흐릿한 발음과 탁한 음색"을 사용했고 에디 베더(Eddie Vedder) (펄 잼)는 그의 "표현의 깊이"를 보여주기 위해 "넓고 강력한 비브라토"를 사용했다.[31] 레인 스테일리(Layne Staley)는 가사를 "무게감"있고 트레몰로를 사용하여 불렀다.[57] 일반적으로 그런지 가수들은 낮은 음역의 다운튜닝된 기타와 어두운 주제의 가사 메시지와 어울리는 "더 깊은 보컬 스타일"을 사용했다.[25] 그런지 가수들은 "자갈 같은, 쉰 목소리",[30] "...그르렁거림, 신음, 비명, 중얼거림"[58] 및 "구슬픈 신음 소리"를 사용했다. 이러한 다양한 노래 스타일은 가사의 "다양한 감정"을 전달하는 데 사용되었다.[59] 코베인은 그 시대의 "힘든 시간"과 불만에 대한 반응으로 그의 가사를 소리 질렀다.[60] 일반적으로 그런지 노래는 "단순하고, 종종 다소 알아듣기 힘들게" 불렀으며, 헤어 메탈의 화려한 "오페라틱"한 기교는 피했다.[60] 그런지 노래는 "경계선상의 음정이 맞지 않는 보컬"로 특징지어져 왔다.[61]

제리 캔트렐(Jerry Cantrell)은 1987년부터 앨리스 인 체인스의 리드 기타리스트이자 주요 작사가이다.


그런지 음악의 가사는 일반적으로 어둡고, 허무주의적이며,[3] 비참하고, 불안으로 가득 차 있으며 고뇌에 찬 내용을 담고 있다. 종종 사회적 소외, 자기 의심, 학대, 폭행, 방치, 배신, 사회적 고립/정서적 고립, 정신적 외상, 그리고 자유에 대한 갈망과 같은 주제를 다룬다.[4][5]

이러한 주제에 초점을 맞춘 데에는 여러 요인이 영향을 미쳤다. 많은 그런지 음악가들은 사회의 상태에 대한 전반적인 환멸과 사회적 편견에 대한 불편함을 보였다. 그런지 가사에는 "명시적인 정치적 메시지와 ... 사회에 대한 의문 제기 및 사회가 어떻게 변화될 수 있는지에 대한 질문"이 담겨 있었다.[67] 그런지 가사가 펑크 음악보다 정치적으로 노골적이지는 않았지만, 그런지 노래는 여전히 사회 문제, 특히 젊은이들에게 영향을 미치는 문제에 대한 우려를 나타냈다.[63] 그런지의 주요 주제는 "다름에 대한 관용", "여성에 대한 지지", "권위에 대한 불신", "대기업에 대한 냉소주의"였다.[63]

그런지 가사는 "X세대의 불쾌감"의 일부로 발전하여 그 인구 통계의 "환멸과 무용함"에 대한 감정을 반영했다.[70] 사랑에 관한 그런지 노래는 대개 "실패하고, 지루하고, 운명 지어지거나 파괴적인 관계"에 관한 것이었다(예: 펄 잼의 "블랙").[63] 앨리스 인 체인스의 노래 "Sickman", "Junkhead", "God Smack", 그리고 "Hate to Feel"에는 헤로인에 대한 언급이 있다.[71][72] 그런지 가사는 더욱 자기 성찰적이었고, 청취자가 "숨겨진" 개인적인 문제를 들여다보고 세상의 "타락"을 검토할 수 있도록 하는 것을 목표로 했다.[22] 이러한 접근 방식은 머드허니의 노래 "Touch Me I'm Sick"에서 볼 수 있는데, 이 노래에는 "망가진 세상과 단편적인 자아 이미지"를 묘사하는 "미쳐버린 이미지"가 포함된 가사가 포함되어 있다. 이 노래에는 "기분이 나쁘고, 더 나빴던 적도 있다"와 "오래 살지 못할 것이고 썩어 문드러질 것이다"라는 구절이 포함되어 있다.[30] 1991년 앨범 네버마인드에 수록된 니르바나의 노래 "리튬"은 "여자 친구의 자살 후 믿음을 찾은 남자"에 관한 노래이며, 이러한 "어두운 문제"에 대처하는 방법으로 "아이러니와 추함"을 묘사한다.[22]

하지만 의미불명이거나 어구가 복잡하기만 하고 내용이 없다는 비판을 받는 가사가 많아, 영국의 얼터너티브 록 밴드 블러는 이 점을 풍자하기 위해 1997년에 송2를 발표했다.

4. 역사

"시애틀 사운드"라는 용어는 음악 산업의 마케팅 전략이 되었다.[12] 1980년대 후반과 1990년대 초, 시애틀을 방문했던 음악가 제프 스테츠온은 당시 현지 음악가들이 자신들을 "그런지" 공연자라고 부르지 않았고, 그들의 스타일을 "그런지"라고 칭하지 않았으며, 그들의 음악을 "그런지"라고 부르는 것에 대해 기뻐하지 않았다고 회고한다.[19]

롤링 스톤지는 그런지 장르에 대한 명확한 정의가 부족함을 지적했다.[17] 로버트 로스는 "그런지"를 정의하기 어렵다고 인정하며, 그런지에 대한 이야기는 할 수 있지만, 유용한 정의를 제공하지는 않는다고 말한다.[18] 로이 슈커는 이 용어가 "다양한 스타일을 가렸다"고 말한다.[12] 스테츠온은 그런지가 운동도 아니고, "획일적인 음악 장르"도 아니며, 1980년대 메탈 팝에 대한 반응도 아니라고 말하며, 이 용어를 과장 광고에 근거한 잘못된 명칭이라고 주장한다.[19] 그는 니르바나, 펄 잼, 사운드가든, 앨리스 인 체인스, 머드허니, 해머박스 등 그런지로 여겨지는 주요 밴드들이 모두 서로 다른 사운드를 가지고 있다고 지적한다.[19] 마크 야름은 펑크 밴드와 메탈 기반 밴드 등 그런지 밴드 간의 큰 차이점을 언급했다.[16]

1996년 이후, 그런지는 더욱 거센 움직임에 힘입어 수년 만에 쇠퇴했지만, 이 무렵 결성된 많은 밴드들이 이후에도 높은 평가를 받는 앨범을 발표하는 등, 취향과 요소는 변화했지만 음악 자체는 계속해서 존속하고 있다.

그런지에 영향을 준 밴드로는 더 소닉스[303], 더 스투지스[304], MC5[304], 섹스 피스톨즈[305], 지저스 앤 메리 체인[306] 등이 있다. 1990년대 초, 닐 영은 그런지의 흥행과 함께 장르의 최전선에서 활동했다.[307]

그런지의 부흥에 따라 그런지 밴드뿐만 아니라 그런지를 포함한 얼터너티브 록이라는 장르 전체가 재평가되었다. 소닉 유스가 그 대표적인 예이며, 니르바나는 그들로부터 큰 영향을 받았다.[308] 베이시스트 킴 고든은 "그런지의 대모"라고도 불린다.[309] 2009년에는 마이클 라빈의 사진집 『그런지』가 출판되어, 프런트맨 서스턴 무어가 시애틀의 장르 등에 대한 글을 기고했다.[310]

그런지의 영향은 바다 건너 영국의 록 신에도 전해졌으며, 틴에이지 펑크 클럽도 초기에는 팝적인 그런지를 연주했다.[317] 커트 코베인은 틴에이지 펑크 클럽을 존경했던 밴드로 알려져 있다.[318]

4. 1. 1980년대: 탄생과 발전

"그런지"라는 단어는 "혐오스러운 사람이나 사물"을 뜻하는 미국 속어이며, "먼지"를 의미하기도 한다.[10] 1987년 7월, 브루스 파빗이 서브팝 레코드사 카탈로그에서 그린 리버의 ''드라이 애즈 어 본'' EP를 "거친 보컬, 울부짖는 마샬 앰프, 한 세대의 도덕성을 파괴한 매우 느슨한 그런지"라고 묘사하면서 시애틀 음악가들에게 처음 적용되었다.[11] 초기 북서부 밴드들은 저예산, 녹음 경험 부족, 전문성 부족으로 인해 거친 사운드를 유지하고 볼륨을 높이는 것이 더 저렴했기 때문에 이러한 거친 사운드가 "그런지"라는 용어의 기원이 될 수 있다.

"시애틀 신"은 시애틀의 워싱턴 대학교와 올림피아의 에버그린 주립 대학교와 관련된 태평양 북서부의 지역적 얼터너티브 음악 운동을 지칭한다. 시애틀의 독립 레이블 서브팝에서 녹음한 많은 밴드들의 음악은 "그런지"로 분류되었다.[12] 니르바나의 프런트맨 커트 코베인은 마지막 인터뷰 중 하나에서 서브팝의 공동 설립자 조나단 포네만이 그 음악을 묘사하기 위해 "그런지"라는 용어를 만들었다고 말했다.[13]

1991년 니르바나의 앨범 ''네버마인드''가 발매되어 시애틀 음악에 대한 주류의 관심을 불러일으켰다. 코베인은 "그런지"라는 단어를 혐오했고 새롭게 발전하는 신을 멸시하며, 레코드 회사들이 콕록(cock-rock) 밴드들을 그런지인 척하며 시애틀 출신인 척하며 계약하고 있다고 느꼈다.

사운드가든, 펄 잼, 앨리스 인 체인스와 같이 이 장르와 관련된 일부 밴드는 "로큰롤" 밴드로 불리는 것을 선호하며 그런지라는 분류에 대해 받아들이지 않았다.[14][15] 시애틀 음악가 제프 스테츠온은 1980년대 후반과 1990년대 초 투어 음악가로 시애틀을 방문했을 때, 현지 음악가들은 자신들을 "그런지" 공연자라고 부르지 않았고, 그들의 스타일을 "그런지"라고 부르지 않았으며, 그들의 음악을 "그런지"라고 부르는 것에 대해 기뻐하지 않았다고 말한다.[19]

''롤링 스톤''은 이 장르의 명확한 정의가 부족함을 지적했다.[17] 스테츠온은 그런지가 운동도 아니고, "획일적인 음악 장르"도 아니며, 1980년대 메탈 팝에 대한 반응의 한 방법도 아니라고 말하며, 이 용어를 대부분 과장 광고에 근거한 잘못된 명칭이라고 부른다.[19]

1984년, 펑크 록 밴드 블랙 플래그는 미국 전역의 작은 마을들을 순회하며 펑크 음악을 전국의 외딴 지역에 전파했다. 이 무렵 그들의 음악은 느리고 침체된 사운드가 되어, 섹스 피스톨즈와 같은 음악보다는 블랙 사바스와 더 유사해졌다. 멜빈스는 초기 그런지 밴드 중 가장 큰 영향력을 가졌다. 서브팝의 프로듀서 잭 엔디노는 그런지를 "70년대에 영향을 받은, 속도가 느려진 펑크 음악"으로 묘사했다.

1996년 그런지 영화 다큐멘터리 ''하이프!''에서 기타리스트 비저는 펑크와 그런지의 차이점을 보여주었다. 그는 먼저 기타의 프렛을 상승하는 라몬즈의 "Rockaway Beach"의 리프를 연주한 다음, 프렛을 하강하는 그린 리버의 "Come On Down"을 연주했다. 두 곡은 단 몇 음밖에 차이가 나지 않지만 사운드는 전혀 다르다. 초기 그런지 밴드들은 메탈에서 리프를 가져와 속도를 늦추고, 거꾸로 연주하고, 왜곡하고 피드백 속에 파묻은 다음, 거기에 거의 멜로디가 없는 가사를 소리치듯 부르기도 했다.

그런지는 펑크 록(특히 블랙 플래그와 같은 미국의 하드코어 펑크)와 헤비 메탈(특히 블랙 사바스와 같은 전통적인 초기 헤비 메탈 그룹)의 요소들을 융합했지만, 일부 밴드는 한쪽에 더 중점을 두고 연주했다.[7] 그런지는 펑크와 마찬가지로 날것의 로파이 사운드와 유사한 가사적 관심사를 공유한다.[7] 또한 펑크의 우연적이고 훈련되지 않은 연주 및 공연 방식을 사용했다. 그러나 그런지는 펑크 록보다 "더 깊고 어두운" 사운드였으며, 펑크의 "아드레날린"이 충만한 빠른 템포를 느리고 "침체된" 속도로 줄였고,[30] 더 많은 불협화음을 사용했다.

VH1의 작가 댄 터커는 서로 다른 그런지 밴드가 서로 다른 장르의 영향을 받았다고 느낀다. 니르바나는 펑크의 영향을 받았지만, 펄 잼은 클래식 록의 영향을 받았고, 사운드가든과 앨리스 인 체인스와 같은 "침체되고, 어둡고, 무거운 밴드"는 음산한 메탈적 색채를 지녔다고 말한다.[21]

그런지 음악은 왜곡된 일렉트릭 기타의 울부짖는 소리와 더 어두운 가사 주제 모두에서 "추한" 미학이라고 불리는 것을 가지고 있다. 이러한 접근 방식은 당시 주류 록의 "세련된" 우아한 사운드에 대응하기 위해서이기도 했고, 그런지 아티스트들이 주변에서 보이는 "추함"을 반영하고 실제 세계의 보이지 않는 "심연과 타락"에 주목하기 위해서이기도 했다.[22] 1990년대 초, 니르바나의 독특한 "멈추고 시작하는" 곡 형식과 부드러운 부분과 강한 부분을 번갈아 가는 것은 장르 관습이 되었다.[7]

4. 2. 1990년대 초: 주류 음악으로의 부상

커트 코베인(Kurt Cobain)을 비롯한 그런지 기타리스트들은 펜더 재규어, 펜더 재즈마스터, 머스탱과 같은 "오프셋" 기타를 자주 사용했다. 당시 이 기타들은 주류 팝 및 록 밴드에서 자주 사용되는 깁슨 레스 폴이나 펜더 스트라토캐스터, 텔레캐스터와는 달리 인기가 없었기 때문에 새로운 이미지를 제공한다는 점에서 주로 사용되었다. 또한, 그런지 초창기에는 이러한 오프셋 기타들의 가격이 저렴했다는 장점도 있었다.[24]

그런지는 일반적으로 두꺼운 중음역대와 롤오프된 고음역대, 그리고 높은 수준의 왜곡과 퍼즈를 특징으로 하는 진흙 같은 전기 기타 사운드가 특징이다. 이는 주로 소형 1970년대 스타일의 스톰박스 페달을 통해 만들어졌으며, 일부 기타리스트들은 여러 개의 퍼즈 페달을 함께 연결하여 진공관 앰프와 스피커 캐비닛에 연결하기도 했다.[25] 그런지 기타리스트들은 매우 큰 소리의 마샬 기타 앰프를 사용했으며,[26] 커트 코베인과 데이브 그롤(이후 초기 그런지 성향의 푸 파이터스(Foo Fighters) 노래에서)을 포함한 일부는 강력한 메사 부기(Mesa-Boogie) 앰프를 사용했다.[27]

메탈 기타리스트들의 오버드라이브 사운드는 주로 오버드라이브 앰프와 왜곡 페달의 조합에서 나오는 반면, 그런지 기타리스트들은 대부분 오버드라이브와 퍼즈 페달에서 "더러운" 사운드를 얻었고, 앰프는 단순히 소리를 더 크게 만드는 데 사용되었다.[27] 그런지 기타리스트들은 펜더 트윈 리버브(Fender Twin Reverb)와 펜더 챔피언 100(Fender Champion 100) 콤보 앰프를 사용하는 경향이 있었으며, 코베인은 이 두 앰프를 모두 사용했다.[27]

그런지 밴드에서 사용된 주요 페달로는 네 가지 브랜드의 왜곡 페달(빅 머프(Big Muff), DOD, 보스 DS-2(Boss DS-2) 및 보스 DS-1(Boss DS-1) 왜곡 페달)과 스몰 클론(Small Clone) 코러스 이펙트가 있다. 커트 코베인은 "컴 애즈 유 아(니르바나 노래)(Come as You Are (Nirvana song))"에서, 스크리밍 트리스(Screaming Trees)는 "니얼리 로스트 유(Nearly Lost You)"에서 코러스 이펙트를 사용했다.[27] DS-1(후기 DS-2) 왜곡 페달은 코베인이 조용함과 시끄러움을 오가는 작곡 방식에 중요한 역할을 했다.[33]

1991년 니르바나의 『네버마인드』, 펄 잼의 『텐』, 사운드가든의 『배드모터핑거』가 발표되면서 그런지는 록 음악의 흐름을 바꾸었다.[301] 소닉 유스는 같은 해를 "Year Punk Broke"라고 칭하며, 후에 같은 이름의 뮤직비디오를 발표했다.[302]

니르바나


제인스 어딕션은 얼터너티브 록 운동의 흥행에 기여했으며,[311] "그런지 이전 시대의 선구자"로 여겨졌다.[312]

스매싱 펌킨스는 그런지/얼터너티브 록 계열의 밴드로 여겨지며,[313] 1991년 첫 번째 앨범 『기시』는 당시 그런지 붐과 맞물려 주목받았다.[314] 스매싱 펌킨스는 앨범 『기시』, 『시아미즈 드림』을 통해 그런지를 재창조했다고 평가받으며,[315] 폭넓은 음악성을 보여주며 그런지 운동 내에서도 굳건한 인기를 유지했다.

4. 3. 1990년대 중반 이후: 쇠퇴와 포스트 그런지

1991년 니르바나의 《네버마인드》, 펄 잼의 《텐》, 사운드가든의 《배드모터핑거》가 발표되면서 그런지는 록의 주류로 떠올랐다.[301] 니르바나의 선배 격인 소닉 유스는 같은 해를 "Year Punk Broke"라고 칭하며, 후에 같은 이름의 뮤직비디오를 발표했다.[302]

1994년 커트 코베인의 자살로 그런지 운동의 절정은 지나갔지만, 그 후에도 펄 잼이나 스매싱 펌킨스 등 인기 밴드들이 활동을 계속했고, 그들의 추종 밴드들이 포스트 그런지로 등장했다.

5. 대표적인 밴드 및 음반

대표적인 그런지 밴드 및 음반[303][304][305][306][307]
밴드음반특징
앨리스 인 체인스레인 스테일리(Layne Staley)는 무게감 있고 트레몰로를 사용한 보컬 스타일을 구사했다.[57] 제리 캔트렐(Jerry Cantrell)은 1987년부터 밴드의 리드 기타리스트이자 주요 작사가였다. "Sickman", "Junkhead", "God Smack", "Hate to Feel" 등의 노래에서 헤로인을 언급했다.[71][72]
니르바나블리치 (1989), 네버마인드 (1991), 인 유테로커트 코베인은 거칠고 흐릿한 발음과 탁한 음색을 사용했다.[31] 블리치는 606.17USD의 비용으로 녹음되었다.[73] 인 유테로는 스티브 알비니가 녹음했는데, 그는 밴드 전체가 라이브로 연주하는 것을 선호했다.
펄 잼"블랙"에디 베더(Eddie Vedder)는 넓고 강력한 비브라토를 사용하여 표현의 깊이를 더했다.[31] "블랙"과 같은 노래는 실패하고, 지루하고, 운명 지어지거나 파괴적인 관계를 다루었다.[63]
사운드가든스크리밍 라이프잭 엔디노가 프로듀싱한 스크리밍 라이프는 그런지 사운드를 정의하는 데 기여했다.
머드허니"Touch Me I'm Sick""Touch Me I'm Sick"은 망가진 세상과 단편적인 자아 이미지를 묘사하는 가사를 담고 있다.[30]
스매싱 펌킨스기시 (1991), 시아미즈 드림기시는 그런지 붐과 맞물려 주목받았고,[314] 기시와 시아미즈 드림을 통해 그런지를 재창조했다고 평가받는다.[315]
홀, 엘7, 7 이어 비치, 태드잭 엔디노가 프로듀싱하여 그런지 사운드를 정의하는 데 기여했다.
그린 리버, 스크리밍 트리스잭 엔디노가 프로듀싱하여 그런지 사운드를 정의하는 데 기여했다.



소닉 유스는 니르바나에 큰 영향을 주었으며,[308] 베이시스트 킴 고든은 "그런지의 대모"로 불린다.[309] 제인스 어딕션은 "그런지 이전 시대의 선구자"로 여겨진다.[312] 다이너소어 주니어, 머드허니, 픽시스 등도 대표적인 그런지 아이콘으로 꼽힌다.[316] 틴에이지 펑크 클럽은 커트 코베인이 존경했던 밴드로 알려져 있으며, 초기에는 팝적인 그런지를 연주했다.[317][318]

앨리스 인 체인스(Alice In Chains)


펄 잼(Pearl Jam)


사운드가든(Soundgarden)

6. 그런지 패션

'더럽다', '약간 더럽다'라는 뜻의 형용사 grungy가 명사화된 grunge가 어원이다. 1989년경부터 미국 시애틀을 중심으로 일어난 유행으로, 얼터너티브 록의 한 갈래이다. 니르바나와 펄 잼, 사운드가든, 다이너소어 주니어, 매드 허니 등의 밴드가 앨범 차트에서 성공을 거두면서, 당시 헤비메탈이 주류였던 미국의 록 음악계에 혁신을 가져왔다. 데미지 진과 스니커즈, 플란넬 셔츠와 티셔츠 등의 스타일로 록 음악의 패션에도 영향을 미쳐 당시 젊은이들에게 큰 움직임을 일으켰다.

1996년 이후, 더욱 거센 움직임에 힘입어 수년 만에 쇠퇴하지만, 이 무렵 결성된 많은 밴드들이 이후에도 높은 평가를 받는 앨범을 발표하는 등, 취향과 요소는 변화했지만 음악 자체는 계속해서 존속하고 있다.

7. 한국에서의 그런지

너바나를 필두로 한 시애틀 그런지 밴드들의 음악이 1990년대 초중반 한국에서 큰 인기를 얻으면서, 그런지는 한국 록 음악계에 큰 영향을 미쳤다. 기타 사운드와 패션 등 여러 면에서 한국 록 밴드들에게 새로운 영감을 주었다.

커트 코베인을 비롯한 그런지 기타리스트들은 펜더 재규어, 재즈마스터, 머스탱과 같은 "오프셋" 기타를 선호했다.[24] 이들은 보스 DS-2, DS-1, 빅 머프(Big Muff), DOD 왜곡 페달과 스몰 클론(Small Clone) 코러스 이펙트 등을 주로 사용했다.[27]

그런지 뮤지션들은 평범한 일상복을 무대 의상으로 활용했다.[30] 중고 옷이나 중고품 매장에서 구입한 옷, 지역 특유의 야외 의류(특히 플란넬 셔츠), 헝클어진 머리 등이 그런지 스타일의 대표적인 특징이었다.[69]

이러한 그런지 음악과 패션은 한국의 젊은 세대와 록 밴드들에게 큰 영향을 미쳐, 1990년대 한국 록 음악의 다양성을 더하는 데 기여했다.

7. 1. 1990년대: 소개와 수용



여성 뮤지션 코트니 러브가 콘서트에서 마이크에 대고 노래하고 있다. 그녀는 란제리 코르셋을 입고 있으며 긴 금발 머리를 하고 있다.
upright


그런지 음악은 1980년대 후반 워싱턴주 시애틀을 중심으로 발전한 얼터너티브 록의 하위 장르이다. 하드코어 펑크와 헤비메탈의 영향을 받았으며, 디스토션(왜곡)이 강한 일렉트릭 기타, 낮은 음역대의 베이스 기타, 드럼으로 구성된 사운드가 특징이다. 그런지 가사는 냉소적이고, 소외감, 불안, 분노 등의 주제를 다룬다.

1990년대 초, 너바나의 'Smells Like Teen Spirit' 등의 곡이 전 세계적으로 히트하면서 대중적인 인기를 얻었다. 그런지 밴드들은 화려한 무대 의상과 퍼포먼스를 지양하고, 평범한 옷차림과 자연스러운 모습을 추구했다.

그런지 가수들은 낮은 음역대의 다운튜닝된 기타와 어두운 주제의 가사에 어울리는 "더 깊은 보컬 스타일"을 사용했다.[25] "자갈 같은, 쉰 목소리",[30] "그르렁거림, 신음, 비명, 중얼거림"[58], "구슬픈 신음 소리"를 사용했다.[59] 커트 코베인은 "거칠고, 흐릿한 발음과 탁한 음색"을, 에디 베더는 "넓고 강력한 비브라토"를 사용했다.[31] 레인 스테일리는 "무게감"있고 트레몰로를 사용하여 노래했다.[57]

그런지 뮤지션들은 평소에 입는 옷을 무대에서도 그대로 입는 등 "평범한 일상 스타일"을 추구했다.[30] 이러한 "느슨한 스타일"은 펑크의 "와일드한" 모호크, 가죽 재킷, 체인과는 대조적이었다. 시애틀 음악계에서는 진정성이 중요했기 때문에 그런지 뮤지션들은 일상복을 입었다.[30] 중고 옷이나 중고품 매장에서 구입한 옷, 플란넬 셔츠, 헝클어진 머리, 긴 머리 등이 특징이었다.[69] 긴 머리는 "얼굴을 가리는 가면"으로 "가장 내면의 생각을 표현"하는 수단이었다.[80]

벌목꾼 복장은 시애틀 근처 중고품 매장에서 흔히 볼 수 있었고 가격도 저렴했다.[85] 찢어진 청바지, 써멀 언더웨어(thermal underwear),[70] 닥터마틴(Doc Martens) 부츠나 컴뱃 부츠, 밴드 티셔츠(T-shirt), 오버사이즈 니트 스웨터(sweater), 찢어진 스타킹 등으로 구성되었다.[86][87][88] 여성들은 남성들과 같은 플란넬 셔츠, 부츠, 짧게 자른 머리를 하고 다녔는데, 이는 "성적 매력으로 정의되지 않는다는 것을 보여주었다".[90]

그런지는 "옷에 돈을 적게 쓸수록 '멋'이 더해지는 반소비주의 운동"이었다.[91] 찰스 R. 크로스(Charles R. Cross)는 "[니르바나 프런트맨] 커트 코베인이 샴푸하는 게 너무 귀찮았다"라고 말했다.[68] 그런지 패션은 "인위적인 이미지"[92]에 대한 비순응적인 행동이었으며, 뮤지션들이 진정성 있는 방식으로 옷을 입고 자신을 꾸미지 않도록 했다.

코트니 러브(Courtney Love)는 킨더후어(kinderwhore) 스타일을 대중화하여 1990년대 스타일을 정의한 10대 여성 중 한 명으로 여겨졌다.[94] 킨더후어 룩은 찢어지거나 헐렁한 타이트한 옷이나 낮게 컷된 베이비돌(babydoll)과 피터팬 칼라 드레스, 슬립, 진한 아이라이너, 바레트, 가죽 부츠 또는 메리 제인 슈즈로 구성되었다.[95][96][97][98] 베이비스 인 토이랜드의 캣 벨랜드(Kat Bjelland)가 처음 정의했고, 홀의 코트니 러브가 대중화했다. 1994년에 큰 인기를 끌었다.[99]

''보그''는 2014년에 코베인이 여성복과 남성복을 자유롭게 선택했으며, 그의 시애틀 중고품 매장 스타일은 남성적인 벌목꾼 작업복과 여성스러운 드레스 등 1980년대의 화려한 미학과 완전히 반대되는 것이었다고 평가했다. 헝클어진 청바지와 꽃무늬 프록을 입은 그는 "전형적인 반역자의 강인한 외면을 내면에서 부드럽게 만들었고, 급진적인, 밀레니엄 세대의 양성애적 사상에 대한 움직임을 시작했다"라고 평가했다.[100]

7. 2. 한국 록 밴드에 미친 영향

한국에서 그런지는 1990년대 초중반, 너바나를 필두로 한 시애틀 그런지 밴드들의 음악이 큰 인기를 얻으면서 록 음악계에 큰 영향을 미쳤다. 특히, 기타 사운드와 패션 등 여러 면에서 한국 록 밴드들에게 새로운 영감을 주었다.
기타 사운드커트 코베인(Kurt Cobain)을 비롯한 그런지 기타리스트들은 펜더 재규어, 재즈마스터, 머스탱과 같은 "오프셋" 기타를 선호했다.[24] 이러한 기타는 당시 주류 팝 및 록 밴드에서 주로 사용하던 깁슨 레스 폴이나 펜더 스트라토캐스터, 펜더 텔레캐스터와는 다른 독특한 이미지를 제공했다. 또한, 그런지 시대에 상대적으로 저렴했던 오프셋 기타는 가성비가 뛰어났다는 장점도 있었다.[24]

그런지 기타 사운드는 두꺼운 중음역대와 롤오프된 고음역대, 높은 수준의 왜곡과 퍼즈를 특징으로 한다.[25] 이는 주로 소형 스톰박스 페달을 사용하여 만들어졌으며, 일부 기타리스트들은 여러 개의 퍼즈 페달을 함께 연결하여 진공관 앰프와 스피커 캐비닛에 연결하기도 했다.[25] 마샬 기타 앰프가 많이 사용되었고,[26] 커트 코베인과 데이브 그롤 등은 메사 부기(Mesa-Boogie) 앰프를 사용하기도 했다.[27]

그런지 기타리스트들은 펜더 트윈 리버브(Fender Twin Reverb)와 펜더 챔피언 100(Fender Champion 100) 콤보 앰프를 사용하는 경향이 있었다.[27] 또한, 머드허니(Mudhoney)가 데뷔 EP ''슈퍼퍼즈 빅머프(Superfuzz Bigmuff)''의 제목에 두 개의 오버드라이브 페달, 유니복스 슈퍼-퍼즈(Univox Super-Fuzz)와 빅 머프(Big Muff)의 이름을 사용한 것처럼, 스톰박스 페달에 대한 긍정적인 인식을 보여주었다.[31]

보스 DS-2, DS-1, 빅 머프(Big Muff), DOD 왜곡 페달과 스몰 클론(Small Clone) 코러스 이펙트 등이 주로 사용되었다.[27] 특히, DS-1(후기 DS-2) 왜곡 페달은 커트 코베인의 조용함과 시끄러움을 오가는 작곡 방식에 중요한 역할을 했다.[33] 와우 페달(wah-wah pedal)도 사용되었는데, 사운드가든(Soundgarden)의 킴 타일(Kim Thayil)과 앨리스 인 체인스(Alice in Chains)의 제리 캔트렐(Jerry Cantrell)이 대표적인 사용자였다.[25]
패션그런지 뮤지션들은 평범한 일상복을 무대 의상으로 활용했다.[30] 이는 진정성을 중시하는 시애틀 음악계의 특징 때문이었다.[30] 중고 옷이나 중고품 매장에서 구입한 옷, 지역 특유의 야외 의류(특히 플란넬 셔츠), 헝클어진 머리 등이 그런지 스타일의 대표적인 특징이었다.[69]

벌목꾼 복장은 시애틀 근처 중고품 매장에서 저렴하게 구할 수 있었기 때문에 자주 착용되었다.[85] 찢어진 청바지, 써멀 언더웨어(thermal underwear),[70] 닥터마틴(Doc Martens) 부츠나 컴뱃 부츠, 밴드 티셔츠(T-shirt), 오버사이즈 니트 스웨터(sweater), 찢어진 스타킹 등이 그런지 패션의 주요 아이템이었다.[86][87][88]

그런지 패션은 "옷에 돈을 적게 쓸수록 '멋'이 더해지는 반소비주의 운동"으로 여겨졌다.[91] 이는 의도적으로 매력적인 패션을 만들려는 것이 아니라, "인위적인 이미지"[92]에 대한 비순응적인 행동이었다.

여성 그런지 뮤지션들은 남성들과 마찬가지로 플란넬 셔츠, 부츠, 짧은 머리 등을 착용하여 성적 매력으로 정의되지 않는다는 것을 보여주었다.[90]

킨더후어(kinderwhore) 룩은 찢어지거나 헐렁한 타이트한 옷, 베이비돌(babydoll) 드레스, 진한 화장, 가죽 부츠 등으로 구성되었으며, 캣 벨랜드(Kat Bjelland)가 처음 정의하고 코트니 러브가 대중화했다.[96][97][98]

이러한 그런지 음악과 패션은 한국의 젊은 세대와 록 밴드들에게 큰 영향을 미쳤으며, 1990년대 한국 록 음악의 다양성을 더하는 데 기여했다.

7. 3. 2000년대 이후: 지속적인 영향

커트 코베인(Kurt Cobain)과 같은 그런지 기타리스트들은 펜더 재규어, 펜더 재즈마스터 또는 머스탱과 같은 "오프셋" 기타를 자주 사용했다. 당시 이 기타들은 주류 팝 및 록 밴드에서 자주 사용되는 깁슨 레스 폴이나 펜더 스트라토캐스터, 텔레캐스터와 달리 인기가 없었기 때문에 새로운 이미지를 제공한다는 점에서 주로 오프셋 기타를 사용했다. 그런지가 시작될 당시 인기가 없었던 오프셋 기타는 또한 가성비가 뛰어났다.[24]

그런지는 일반적으로 두꺼운 중음역대와 롤오프된 고음역대, 그리고 높은 수준의 왜곡과 퍼즈를 특징으로 하는 진흙 같은 전기 기타 사운드로 특징지어지며, 일반적으로 소형 1970년대 스타일의 스톰박스 페달로 생성되며, 일부 기타리스트들은 여러 개의 퍼즈 페달을 함께 연결하여 진공관 앰프와 스피커 캐비닛에 연결한다.[25] 그런지 기타리스트들은 매우 큰 소리의 마샬 기타 앰프를 사용했고[26] 커트 코베인과 데이브 그롤(후자는 초기 그런지 지향적인 푸 파이터스(Foo Fighters) 노래에서)을 포함한 일부는 강력한 메사 부기(Mesa-Boogie) 앰프를 사용했다.[27] 그런지는 가장 "우울한 사운드"를 가진 록 장르라고 불렸으며, 강력한 왜곡과 큰 앰프의 사용은 거대한 "소닉 포그의 축적"에 비유되었다.[28] 또는 한 비평가에 의해 "소음"으로 간주되기도 했다.[29] 메탈과 펑크와 마찬가지로 그런지 사운드의 핵심 부분은 전기 기타로 연주되는 매우 왜곡된 파워 코드이다.[30]

메탈 기타리스트들의 오버드라이브 사운드는 일반적으로 오버드라이브 앰프와 왜곡 페달의 조합에서 나오는 반면, 그런지 기타리스트들은 일반적으로 오버드라이브와 퍼즈 페달에서 모든 "더러운" 사운드를 얻었고, 앰프는 사운드를 더 크게 만드는 데만 사용되었다.[27] 그런지 기타리스트들은 펜더 트윈 리버브(Fender Twin Reverb)와 펜더 챔피언 100(Fender Champion 100) 콤보 앰프를 사용하는 경향이 있었다(코베인은 이 두 앰프 모두를 사용했다).[27] 그런지 기타리스트들의 페달 사용은 다른 록 장르에서 사용되는 값비싼 스튜디오급 랙마운트 이펙트 유닛에서 벗어난 조치였다. 그런지 밴드가 스톰박스 페달을 긍정적으로 본 것은 머드허니(Mudhoney)가 두 개의 오버드라이브 페달, 유니복스 슈퍼-퍼즈(Univox Super-Fuzz)와 빅 머프(Big Muff)의 이름을 데뷔 EP ''슈퍼퍼즈 빅머프(Superfuzz Bigmuff)''의 제목에 사용한 것을 통해 알 수 있다.[31] "머드라이드"라는 노래에서 이 밴드의 기타는 "크로마뇽 슬로그"를 통해 "악의적으로 으르렁거렸다"고 한다.[32]

그런지 밴드에서 사용된 다른 주요 페달에는 네 가지 브랜드의 왜곡 페달(빅 머프(Big Muff), DOD, 보스 DS-2(Boss DS-2) 및 보스 DS-1(Boss DS-1) 왜곡 페달)과 스몰 클론(Small Clone) 코러스 이펙트가 있으며, 커트 코베인은 "컴 애즈 유 아(니르바나 노래)(Come as You Are (Nirvana song))"에서, 스크리밍 트리스(Screaming Trees)는 "니얼리 로스트 유(Nearly Lost You)"에서 사용했다.[27] DS-1(후기 DS-2) 왜곡 페달은 코베인이 조용함과 시끄러움을 오가는 작곡 방식에 중요한 역할을 했다.[33] 그런지 기타리스트들의 소형 페달 사용은 부티크, 수작업 납땜, 1970년대 스타일의 아날로그 페달에 대한 관심을 되살리는 데 기여했다.[25] 그런지 기타리스트들이 사용한 또 다른 이펙트는 가장 저렴한 이펙트 장치 중 하나인 와우 페달(wah-wah pedal)이었다. 킴 타일(Kim Thayil)과 앨리스 인 체인스(Alice in Chains)의 제리 캔트렐(Jerry Cantrell)은 모두 와우 페달의 열렬한 지지자였다.[25] 와우는 스크리밍 트리스, 펄 잼, 사운드가든, 머드허니, 다이너소어 주니어(Dinosaur Jr)에서도 사용되었다.[27]

그런지 기타리스트들은 큰 소리로 연주했으며, 커트 코베인의 초기 기타 사운드는 4개의 800와트 PA 시스템 파워 앰프의 특이한 설정에서 나왔다.[25] 고도로 증폭된 전기 기타를 스피커 앞에 대고 연주하는 기타 피드백 효과는 일반적인 기타 연주 기법으로는 불가능한 고음의 지속적인 사운드를 만드는 데 사용되었다. 그런지 기타리스트들은 펑크의 거칠고 원시적인 사운드의 영향을 받았고, 그들은 "...기술과 정확성보다 에너지와 세련됨의 부족"을 선호했다. 주요 기타 영향은 섹스 피스톨스(Sex Pistols), 데드 보이스(the Dead Boys), 켈틱 프로스트(Celtic Frost), 킹스 엑스(King's X), 보이보드, 닐 영(Neil Young)[34] (''러스트 네버 슬립스(Rust Never Sleeps)'', 2면), 리플레이스먼츠, 허스커 듀(Hüsker Dü), 블랙 플래그, 그리고 멜빈스를 포함했다.[35] 그런지 기타리스트들은 더 낮고 무거운 사운드를 위해 종종 다운튜닝했다.[25] 사운드가든(Soundgarden)의 기타리스트 킴 타일(Kim Thayil)은 일반적인 기타 앰프를 사용하지 않았다. 대신 그는 낮은 리프를 연주했고 베이스 앰프가 더 깊은 음색을 제공했기 때문에 15인치 스피커가 장착된 베이스 콤보 앰프를 사용했다.[25]

그런데 다른 악기들은 일반적으로 그런지 음악에 포함되지 않지만, 시애틀 밴드 고릴라(Gorilla)는 "기타만" 사용하는 방식을 깨고 1960년대 스타일의 보크스 오르간을 사용하여 논란을 일으켰다.[55]

2002년, 펄 잼(Pearl Jam)은 키보디스트 케네스 "붐" 가스파를 영입했는데, 그는 피아노, 해먼드 오르간, 그리고 다른 키보드를 연주했다. 밴드 초기의 "그런지" 시절에는 키보디스트를 영입하는 것이 "상상할 수 없었을" 일이었지만, 이는 시간이 지남에 따라 밴드의 사운드가 어떻게 변할 수 있는지를 보여준다.[56]

그런지 노래 스타일은 음색과 전달 방식에서 강하고 심하게 왜곡된 일렉트릭 기타의 "폭발"과 유사했다. 커트 코베인은 "거칠고, 흐릿한 발음과 탁한 음색"을 사용했고 에디 베더(Eddie Vedder)(Pearl Jam)는 그의 "표현의 깊이"를 보여주기 위해 "넓고 강력한 비브라토"를 사용했다.[31] 레인 스테일리(Layne Staley)는 가사를 "무게감"있고 트레몰로를 사용하여 불렀다.[57] 일반적으로 그런지 가수들은 낮은 음역의 다운튜닝된 기타와 어두운 주제의 가사 메시지와 어울리는 "더 깊은 보컬 스타일"을 사용했다.[25] 그런지 가수들은 "자갈 같은, 쉰 목소리",[30] "...그르렁거림, 신음, 비명, 중얼거림"[58] 및 "구슬픈 신음 소리"를 사용했다. 이러한 다양한 노래 스타일은 가사의 "다양한 감정"을 전달하는 데 사용되었다.[59] 코베인은 그 시대의 "힘든 시간"과 불만에 대한 반응으로 그의 가사를 소리 질렀다.[60] 일반적으로 그런지 노래는 "단순하고, 종종 다소 알아듣기 힘들게" 불렀다. 헤어 메탈의 화려한 "오페라틱"한 기교는 피했다.[60] 그런지 노래는 "경계선상의 음정이 맞지 않는 보컬"로 특징지어져 왔다.[61]

그런지 음악의 가사는 일반적으로 어둡고, 허무주의적이며,[3] 비참하고, 불안으로 가득 차 있으며 고뇌에 찬 내용을 담고 있으며, 종종 사회적 소외, 자기 의심, 학대, 폭행, 방치, 배신, 사회적 고립/정서적 고립, 정신적 외상, 그리고 자유에 대한 갈망과 같은 주제를 다룬다.[4][5]

MIT의 한 기사는 그런지 음악의 "가사는 박탈감에 사로잡혀 있었고" "체념한 절망"의 분위기를 묘사했다고 밝혔다.[62] 캐서린 스트롱은 그녀의 책 "그런지: 음악과 기억"에서 그런지 노래는 대개 "부정적인 경험이나 감정"에 관한 것이며, 주요 주제는 소외와 우울증이지만 "냉소적인 비웃음"을 동반한다고 말했습니다.[63] 그런지 아티스트들은 "사회적 병폐"에 대한 "강한 감정"을 가사에 표현했는데, 여기에는 "'불성실한 자를 십자가에 못 박고 싶은'" 욕망도 포함되며,[64] 팬들은 이러한 진정성을 높이 평가했다.[64] 그런지 가사는 "폭력적이고 종종 음란하다"는 비판을 받았습니다.[65] 1996년 보수 논객 리치 로리(Rich Lowry)는 그런지를 비판하는 수필 "우리의 영웅, 헤로인"을 썼는데, 그는 이것을 대부분 "... 이상과 정치적 행동의 충동에서 벗어난" 음악이라고 불렀습니다.[66]

이러한 주제에 초점을 맞춘 데에는 여러 요인이 영향을 미쳤습니다. 많은 그런지 음악가들은 사회의 상태에 대한 전반적인 환멸과 사회적 편견에 대한 불편함을 보였습니다. 그런지 가사에는 "명시적인 정치적 메시지와 ... 사회에 대한 의문 제기 및 사회가 어떻게 변화될 수 있는지에 대한 질문"이 담겨 있었다.[67] 그런지 가사가 펑크 음악보다 정치적으로 노골적이지는 않았지만, 그런지 노래는 여전히 사회 문제, 특히 젊은이들에게 영향을 미치는 문제에 대한 우려를 나타냈습니다.[63] 그런지의 주요 주제는 "다름에 대한 관용", "여성에 대한 지지", "권위에 대한 불신", "대기업에 대한 냉소주의"였다.[63] 그런지 노래의 주제는 펑크 록 음악가들이 다룬 주제와 유사하다.[7] 1992년 음악 평론가 사이먼 레놀즈(Simon Reynolds)는 "전반적인 문화에 번아웃의 느낌이 있다. 아이들은 미래에 대해 우울해한다"고 말했습니다.[68] 그런지 가사의 주제인 노숙, 자살, 강간,[63] "파탄난 가정, 마약 중독 및 자기혐오"는 글램 메탈 밴드인 포이즌의 가사와는 극명하게 대조되는데, 그들의 가사는 "빠른 길의 삶",[69] 파티, 그리고 쾌락주의를 묘사했다.

그런지 가사는 "X세대의 불쾌감"의 일부로 발전하여 그 인구 통계의 "환멸과 무용함"에 대한 감정을 반영했다.[70] 사랑에 관한 그런지 노래는 대개 "실패하고, 지루하고, 운명 지어지거나 파괴적인 관계"에 관한 것이었다(예: 펄 잼의 "블랙").[63] 앨리스 인 체인스의 노래 "Sickman", "Junkhead", "God Smack", 그리고 "Hate to Feel"에는 헤로인에 대한 언급이 있다.[71][72] 그런지 가사는 더욱 자기 성찰적이었고, 청취자가 "숨겨진" 개인적인 문제를 들여다보고 세상의 "타락"을 검토할 수 있도록 하는 것을 목표로 했다.[22] 이러한 접근 방식은 머드허니의 노래 "Touch Me I'm Sick"에서 볼 수 있는데, 이 노래에는 "망가진 세상과 단편적인 자아 이미지"를 묘사하는 "미쳐버린 이미지"가 포함된 가사가 포함되어 있습니다. 이 노래에는 "기분이 나쁘고, 더 나빴던 적도 있다"와 "오래 살지 못할 것이고 썩어 문드러질 것이다"라는 구절이 포함되어 있습니다.[30] 1991년 앨범 네버마인드에 수록된 니르바나의 노래 "리튬"은 "여자 친구의 자살 후 믿음을 찾은 남자"에 관한 노래이다. 이 노래는 이러한 "어두운 문제"에 대처하는 방법으로 "아이러니와 추함"을 묘사한다.[22]

워싱턴의 그런지 뮤지션들이 흔히 입던 옷은 "평범한 일상 스타일"이었는데, 무대에서 입는 옷과 집에서 입는 옷이 같았다.[30] 이 태평양 북서부의 "느슨한 스타일" 또는 "늘어진 모습"은 펑크들이 입던 "와일드한" 모호크, 가죽 재킷과 체인과는 극명한 대조를 이루었다. 그런지 뮤지션들이 이러한 일상복을 입은 것은 진정성이 시애틀 음악계의 핵심 원칙이었기 때문이다.[30] 그런지 스타일은 일반적으로 중고 옷이나 중고품 매장에서 구입한 옷과 지역의 전형적인 야외 의류(특히 플란넬 셔츠)뿐 아니라 일반적으로 헝클어진 모습과 긴 머리를 특징으로 했다.[69] 그런지 가수들에게 긴 머리는 "얼굴을 가리는 가면"으로 사용되어 "가장 내면의 생각을 표현"할 수 있게 했다. 코베인이 대표적인 예이다.[80] 남성 그런지 뮤지션들은 "... 헝클어진 ... [그리고] ... 면도하지 않은[82] [,]" "... 헝클어진 머리"[83]를 하고 있었는데, 머리는 종종 감지 않아서 기름지고 "... 털뭉치처럼 엉켜 있었다".[84]

벌목꾼 복장은 뮤지션들이 감당할 수 있는 저렴한 가격으로 시애틀 근처 중고품 매장에서 흔히 볼 수 있었다.[85] 그런지 스타일은 찢어진 청바지, 써멀 언더웨어(thermal underwear),[70] 닥터마틴(Doc Martens) 부츠나 컴뱃 부츠(종종 신발끈을 매지 않음), 밴드 티셔츠(T-shirt), 오버사이즈 니트 스웨터(sweater), 길고 축 처진 스커트, 찢어진 스타킹, 버켄스탁(Birkenstocks), 하이킹 부츠,[86][87][88] 그리고 재활용 섬유나 공정 무역(fair trade) 유기농 코튼으로 만든 친환경 의류로 구성되었다.[89] 또한, 그런지 음악계의 여성들은 "... 남성 동료들과 같은 플란넬 셔츠, 부츠, 짧게 자른 머리"를 하고 다녔기 때문에, 여성들은 "... 성적 매력으로 정의되지 않는다는 것을 보여주었다".[90]

"그런지는 ... 옷에 돈을 적게 쓸수록 '멋'이 더해지는 반소비주의 운동이 되었다."[91] 이 스타일은 매력적인 패션을 만들려는 의도적인 시도에서 나온 것이 아니었다. 음악 저널리스트 찰스 R. 크로스(Charles R. Cross)는 "[니르바나 프런트맨] 커트 코베인(Kurt Cobain)이 샴푸하는 게 너무 귀찮았다"라고 말했고, 서브팝의 조나단 포네만은 "이 [옷]은 저렴하고, 내구성이 있으며, 어느 정도 시대를 초월합니다. 또한 80년대에 존재했던 화려한 미학에 역행합니다."라고 말했다.[68] 그런지 음악계의 플란넬과 "... 갈라진 레더 코트"는 태평양 북서부의 중고품 매장 미학의 일부였다.[84] 그런지 패션은 매우 반패션적인 반응이자 "인위적인 이미지"[92]에 대한 비순응적인 행동이었으며, 종종 뮤지션들이 진정성 있는 방식으로 옷을 입고 자신을 미화하지 않도록 했다. 동시에 서브팝은 밴드의 마케팅에 '그런지 룩'을 활용했다. VH1과의 인터뷰에서 사진작가 찰스 피터슨은 그런지 밴드 태드(Tad)의 멤버들이 "완전히 얻지 못한 블루 칼라 정체성을 부여받았다. 브루스(파비트)는 그를 정말 플란넬과 진짜 체인톱을 입고 산악인 이미지를 연출하도록 했고, 그것은 효과가 있었다"라고 말했다.[93]

''데이즈드(Dazed)''지는 스타일 측면에서 코트니 러브(Courtney Love)를 "1990년대를 정의한 10명의 여성" 중 한 명으로 언급했다: "... 너무 짧은 베이비돌 드레스, 낡은 퍼 코트, 그리고 플래티넘 헤어의 충격적인 이미지"는 "킨더후어(kinderwhore)"라고 불리는 모습으로 "... 물론 티아라를 얹고 – 1990년대를 살았던 사람이라면 누구나 기억에 새겨져 있다."[94] 킨더후어 룩은 찢어지거나 헐렁한 타이트한 옷이나 낮게 컷된 베이비돌(babydoll)과 피터팬 칼라 드레스, 슬립, 진한 아이라이너가 포함된 진한 화장,[95] 바레트, 그리고 가죽 부츠 또는 메리 제인 슈즈로 구성되었다.[96][97][98] 베이비스 인 토이랜드의 캣 벨랜드(Kat Bjelland)가 처음으로 정의했고, 홀의 코트니 러브가 처음으로 대중화했다. 러브는 자신이 디바이닐스(Divinyls)의 프런트우먼 크리시 앰플렛(Chrissy Amphlett)에게서 스타일을 가져왔다고 주장했다.[96] 이 스타일은 1994년에 매우 인기를 끌었다.[99]

''보그''지는 2014년에 "코베인은 여성과 남성 의류의 양쪽 끝에서 자유롭게 옷을 골랐고, 그의 시애틀 중고품 매장 스타일은 남성적인 벌목꾼 작업복과 40년대에서 70년대로 이어지는 여성스러운 드레스의 전 범위에 걸쳐 있었다. 그것은 모든 면에서 1980년대의 광택이 나고 화려한 미학과 완전히 반대였다. 헝클어진 청바지와 꽃무늬 프록을 입고, 그는 전형적인 반역자의 강인한 외면을 내면에서 부드럽게 만들었고, 급진적인, 밀레니엄 세대의 양성애적 사상에 대한 움직임을 시작했다"라고 말했다.[100] 코베인의 옷차림 방식은 "마초적인 미국 남자의 반의어"였는데, 그는 "... 소년이든 소녀든 상관없이 헐렁하고 느슨하게 보이는 것이 더 멋있게 만들었다."[100] 음악 및 문화 작가 줄리안 에스코베도 셰퍼드는 코베인의 옷차림 스타일을 통해 "괴짜인 것이 괜찮을 뿐만 아니라 바람직하게 만들었다"라고 썼다.[100]

1990년대 후반 그런지 패션의 인기가 시들해졌음에도 불구하고, 디자이너들은 여전히 ​​때때로 이러한 움직임에서 영감을 받고 있다. 그런지는 2008년에 다시 유행으로 등장했고, 2013년 가을/겨울 시즌에 에디 슬리먼(Hedi Slimane)은 이브 생 로랑에서 그런지를 런웨이로 다시 가져왔다. 이 컬렉션의 뮤즈로 코트니 러브(Courtney Love)가 참여했는데, 그녀는 이 컬렉션을 매우 좋아했다고 한다. 코트니 러브는 "마크 제이콥스(Marc Jacobs)에게 불쾌감을 주는 말이 아니지만, 그는 결코 제대로 이해하지 못했어요. 이것이 진정한 그런지였죠. 에디는 제대로 알아요. 그는 정확하게 이해했고, 마크 제이콥스와 안나 수이(Anna Sui)는 그렇지 못했죠."라고 말했습니다.[107] 코브레인(Cobain)과 러브는 1993년 마크 제이콥스로부터 받은 페리 엘리스(Perry Ellis) 컬렉션을 모두 태워버렸다고 한다.[108] 2016년에는 A$AP Rocky(A$AP Rocky), 리아나(Rihanna), 칸예 웨스트(Kanye West)가 그런지에서 영감을 받아 고급스러운 스타일로 재해석했다.[109] 그러나 ''아이-디 매거진(i-D magazine)''의 부편집장 리넷 나이랜더(Lynette Nylander)는 "하지만 더 이상 그런지 차림은 진정성의 상징이 아닙니다. 반항의 상징(닥터 마틴 부츠, 타탄 셔츠)은 고급 거리에서 흔히 볼 수 있죠."라고 말한다.[109]

8. 비판 및 논란

1990년대에는 미디어가 시애틀 그런지 신의 음악가들의 헤로인 사용에 초점을 맞추었다. 1992년 ''뉴욕 타임즈'' 기사에서는 시애틀의 "주요 약물 3가지"를 "에스프레소, 맥주, 헤로인"으로 언급했고,[73] 1996년 기사에서는 시애틀의 그런지 신을 "...헤로인을 가장 강력하게 받아들인 서브컬처"라고 칭했다.[110] ''가디언''의 팀 존즈는 "...헤로인이 80년대 중반 이후로 [그런지] 신을 황폐화시켰다"고 말하며, "...헤로인의 개입은 음악의 자기혐오적인 니힐리즘적 측면을 반영한다"고 주장한다.[111]

니르바나의 데뷔 앨범 ''블리치''의 제목은 헤로인 주사 사용자들을 대상으로 한 피해 감소 포스터에서 영감을 받았다. 해당 포스터에는 "뿅 가기 전에 너의 도구([예: 주사기와 바늘)를 표백하라"라고 적혀 있었으며, 이는 사용한 바늘 공유로 인한 AIDS 전염을 줄이려고 노력했던 미국 주 보건부에서 발표한 것이었다. 앨리스 인 체인스의 노래 "God Smack"에는 헤로인 주사를 의미하는 "진짜 재미를 위해 네 팔을 내밀어"라는 가사가 포함되어 있다.[110] 헤로인을 사용한 것으로 알려진 시애틀 음악가로는 커트 코베인(사망 당시 헤로인을 사용하고 있었다), 앤드류 우드(마더 러브 본, 1990년 헤로인 과다 복용으로 사망), 스테파니 사전트(7 이어 비치, 1992년 아편 과다 복용으로 사망), 레인 스테일리(헤로인과의 싸움을 공개적으로 자세히 설명) 등이 있다.[114] 마이크 스타(앨리스 인 체인스)[112]와 조나단 멜보인(스매싱 펌킨스)도 헤로인으로 사망했다. 코베인 사망 후, 그의 미망인이자 가수인 코트니 러브는 시애틀을 마약의 천국으로 묘사하며, 헤로인이 샌프란시스코나 로스앤젤레스보다 구하기 쉽다고 말했다.[114]

그러나 다니엘 하우스는 1994년 이러한 인식에 대해 이의를 제기했다. 하우스는 "...시애틀에 다른 어떤 곳보다 더 많은 (헤로인)이 있는 것은 아니다"라고 말하며, "헤로인은 [시애틀 음악] 문화의 큰 부분이 아니며", "마리화나와 알코올이 ...훨씬 더 널리 퍼져 있다"고 말했다. ''기타 월드'' 매거진 편집자 중 한 명인 제프 길버트는 1994년 시애틀 그런지 신과 헤로인을 연결하는 미디어의 보도는 "정말 과장되었다"고 말하며, 대신 시애틀 음악가들은 "...모두 대마초 흡연자였다"고 말했다.[114]

주사기와 바늘을 소독하기 위해 표백제를 사용하도록 권장하는 포스터.
니르바나의 데뷔 앨범 ''블리치''의 제목은 1980년대 공중보건 포스터에서 유래한 것으로, 헤로인 주사 사용자들에게 표백제를 사용하여 바늘을 소독하고 AIDS 전염을 예방하도록 촉구하는 내용이었다.

9. 유산 및 영향

1980년대 팝 메탈에서 사용되던 "거대한 드럼 세트"와는 대조적으로, 그런지 드러머들은 상대적으로 작은 드럼 세트를 사용했다.[52] 사운드가든(Soundgarden)의 드러머 맷 캐머런(Matt Cameron)은 6피스 키트를 사용했는데, 여기에는 "12×8인치 랙 탐; 13×9인치 랙 탐; 16×14인치 플로어 탐; 18×16인치 플로어 탐; 24×14인치 베이스 드럼"과 스네어 드럼이 포함되며, 심벌즈로는 "...14인치 K 라이트 [하이] 햇]; 17인치 K 커스텀 다크

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