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로버트 라우션버그

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목차

1. 개요

로버트 라우션버그는 1925년 텍사스에서 태어나 2008년 플로리다에서 사망한 미국의 화가이자 그래픽 아티스트로, 20세기 미술에 큰 영향을 미쳤다. 그는 다양한 매체를 활용하여 회화, 조각, 퍼포먼스를 융합하는 실험적인 작품 활동을 펼쳤으며, 특히 일상적인 오브제를 예술 작품에 도입하는 '컴바인' 기법을 통해 신-다다 운동을 이끌었다. 라우션버그는 1964년 베네치아 비엔날레에서 대상을 수상했으며, 1990년에는 로버트 라우셴버그 재단을 설립하여 예술가 지원 및 문화 교류에 힘썼다.

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로버트 라우션버그 - [인물]에 관한 문서
기본 정보
1968년의 라우셴버그
본명밀턴 어니스트 라우셴버그
출생1925년 10월 22일
출생지미국텍사스주포트 아서
사망2008년 5월 12일
사망지미국플로리다주캡티바
국적미국
경력
분야혼합 매체 미술
사조네오 다다, 추상 표현주의, 팝 아트
교육캔자스 시티 미술 연구소
교육아카데미 줄리앙(프랑스어)
교육블랙 마운틴 칼리지
교육아트 스튜던츠 리그 오브 뉴욕
배우자수전 웨일(1950년 결혼, 1953년 이혼)
수상레오나르도 다 빈치 세계 예술상(1995년)
수상프레미엄 임페리얼(1998년)
대표 작품캐니언(1959년)
대표 작품모노그램(1959년)

2. 생애

로버트 라우션버그는 1925년 텍사스주 포트아서에서 태어나 근본주의 기독교 가정에서 성장했다. 어린 시절 난독증으로 어려움을 겪었으며, 제2차 세계 대전 중에는 미국 해군에 복무했다. 종전 후 캔자스시티 미술 대학과 프랑스 파리의 아카데미 줄리앙에서 미술을 공부했다.

블랙 마운틴 칼리지에서 요제프 알버스와 존 케이지를 만나 큰 영향을 받았으며, 특히 존 케이지와는 오랜 기간 예술적 동반자 관계를 유지했다. 뉴욕으로 이주한 후 아트 스튜던트 리그에서 수학하며 사이 톰블리, 재스퍼 존스 등과 교류했다. 1950년 수잔 웨일과 결혼, 1951년 아들 크리스토퍼를 얻었으나 1953년 이혼했다.

1960년대 후반 플로리다주 캡티바 섬에 정착, 1970년대에 뉴욕 맨해튼 노호로 이주했다가 다시 캡티바 섬으로 돌아와 여생을 보냈다. 2008년 5월 12일 심부전으로 사망했다.

2. 1. 초기 생애

로버트 라우션버그는 1925년 텍사스주 포트아서에서 도라 카롤리나와 어니스트 R. 라우션버그의 아들로 태어났으며, 원래 이름은 밀턴 어니스트 라우션버그였다.[5][6][7] 아버지는 독일계였고 어머니는 네덜란드계였다.[8] 그의 부모는 근본주의 기독교인이었다.[11]

18세에 텍사스 대학교에 입학하여 약리학을 공부했지만, 난독증과 해부에 대한 거부감으로 중퇴했다.[14] 1944년 미국 해군에 징집되어 캘리포니아주에서 신경정신과 기술자로 복무하다가 1945년 또는 1946년에 제대했다.[14]

이후 캔자스시티 미술 대학과 프랑스 파리의 아카데미 줄리앙에서 미술을 공부했으며,[15] 이 시기에 동료 미술 학생 수잔 웨일을 만났고, 자신의 이름을 밀턴에서 로버트로 바꾸었다.[16]

2. 2. 블랙 마운틴 칼리지 시기

라우션버그는 1948년 블랙 마운틴 칼리지에 입학하여 바우하우스 창시자 중 한 명인 요제프 알버스를 만났다.[19] 그는 ''타임'' 잡지에서 알버스에 대한 기사를 읽고 그의 엄격한 교수법이 자신의 엉성함을 바로잡아 줄 것이라 기대했다.[19] 알버스의 예비 디자인 수업은 "영향을 받지 않은 실험"을 허용하지 않는 엄격한 규율에 의존했다.[20][21]

라우션버그는 스스로를 "알버스의 멍청이, 그가 말하지 않는 것의 두드러진 예"라고 표현했지만,[22] 알버스를 가장 중요한 스승으로 여겼다. 그러나 그는 아방가르드 음악 작곡가인 존 케이지에게서 더 적합한 예술적 감성을 발견했다. 케이지는 라우션버그처럼 그의 스승인 아놀드 쇤베르크의 가르침에서 벗어나 음악에 대한 더 실험적인 접근 방식을 선호했다. 케이지는 라우션버그의 경력 초기에 그에게 절실한 지원과 격려를 제공했으며, 두 사람은 수십 년 동안 친구이자 예술적 협력자로 남았다.[19]

블랙 마운틴 칼리지에서 라우션버그는 여름 강사였던 존 케이지와 머스 커닝햄의 영향을 받았다. 케이지 또한 라우션버그의 작품 '화이트 페인팅'에서 영감을 받아 4분 33초를 작곡하게 되었다.[90]

2. 3. 뉴욕 시기

1949년부터 1952년까지 라우션버그는 뉴욕시에 있는 아트 스튜던트 리그에서 바클라프 비틀라실과 모리스 칸토어에게 배웠다.[23] 이 시기에 그는 동료 예술가 녹스 마틴과 사이 톰블리를 만났다.[24]

1950년 여름, 라우션버그는 코네티컷주 아우터 아일랜드에 있는 웨일 가족의 집에서 수잔 웨일과 결혼했다. 그들의 외아들 크리스토퍼는 1951년 7월 16일에 태어났다. 두 사람은 1952년 6월에 헤어졌고 1953년에 이혼했다.[25] 그 후, 라우션버그는 사이 톰블리와 재스퍼 존스를 포함한 동료 예술가들과 연인 관계를 맺었다.[26][27]

1951년경부터 작품을 화랑에서 발표했고, 1954년경부터는 '컴바인 페인팅'이라고 불리는 일련의 작품을 발표하기 시작했다. 1958년에는 친분이 있던 재스퍼 존스와 마찬가지로 뉴욕의 화상 레오 카스텔리(Leo Castelli)의 화랑에서 개인전을 열었고, 곧 유럽에도 출품되어 인기를 얻었다.

2. 4. 캡티바 섬 시기

1968년 7월 26일, 라우션버그는 플로리다주 캡티바 섬에 자신의 첫 번째 부동산인 비치 하우스를 구입했다. 1970년 가을, 그는 맨해튼 노호에서 이 곳으로 이주하여 캡티바 섬을 영구 거주지로 삼았다.[29][30]

2008년 5월 12일, 라우션버그는 플로리다주 캡티바 섬에서 심부전으로 사망했다.[23][31]

3. 예술적 기여

라우셴버그는 회화, 조각, 판화, 사진, 연극 등 다양한 예술 매체를 실험하고 결합하는 방식으로 자신만의 독창적인 예술 세계를 구축했다. 특히 1950년대 중반부터 제작된 '컴바인' 연작은 평면적인 캔버스 위에 일상생활에서 발견되는 오브제들을 결합하여, 예술과 현실, 회화와 조각의 경계를 허무는 시도로 평가받는다.

''Factum I''과 ''Factum II'' (모두 1957년) 미국 국립 미술관에 전시 (2022년)


1953년에는 추상표현주의 화가 빌럼 데 쿠닝의 그림을 지우는 행위(''지워진 데 쿠닝 드로잉'')를 통해 예술 작품의 창조와 소멸, 작가의 역할에 대한 질문을 던졌다. 1961년에는 갤러리 주인 아이리스 클레르에게 "내가 그렇게 말한다면 이것은 아이리스 클레르의 초상화이다."라는 전보를 보내는 행위(''아이리스 클레르의 초상화'')를 통해 예술 작품의 의미와 가치가 작가의 선언에 의해 결정될 수 있음을 보여주었다.

''Untitled'' (1963), oil, silkscreen, metal, and plastic on canvas


1960년대 이후에는 실크 스크린 기법을 도입하여 사진 이미지를 캔버스에 전사하고, 이를 회화와 결합하는 실험을 통해 팝 아트적인 요소를 작품에 반영했다. 또한 예술과 기술 실험 (E.A.T.)을 설립하여 예술과 기술의 융합을 모색하고, 미국 항공 우주국(NASA)의 초청으로 아폴로 11호 발사를 목격한 후 ''스톤 문 시리즈'' 석판화를 제작하는 등 다양한 분야와의 협업을 통해 예술적 영역을 확장했다.

1970년대 이후에는 플로리다주, 캐프티바에 정착하여 판지, 모래, 천 등 지역에서 조달한 재료를 사용하거나, 인도, 아흐메다바드 여행에서 영감을 얻은 다채로운 천을 활용하는 등 재료와 기법의 실험을 지속했다. 1984년에는 국제 연합에서 라우셴버그 해외 문화 교환(ROCI) 프로젝트를 발표하고, 전 세계 10개국을 순회하며 각 지역의 문화에서 영감을 받은 작품을 제작, 전시하는 국제적인 활동을 펼쳤다.

1980년대 중반부터는 금속에 이미지를 실크 스크리닝하는 기법을 탐구했으며, 1990년대에는 디지털 잉크젯 사진 이미지를 활용하고, 생분해성 염료와 안료를 사용하는 등 최신 기술과 환경 문제에 대한 관심을 작품에 반영했다.

3. 1. 신-다다 주의

라우셴버그의 접근 방식은 때때로 "신-다다"주의라고 불렸으며, 그는 화가 재스퍼 존스와 이 칭호를 공유했다.[32] 라우셴버그는 "회화는 예술과 삶 모두와 관련이 있다"라고 말했으며, 그는 "둘 사이의 간극"에서 작업하고 싶어했다.[33] 그의 많은 다다주의 선배들처럼, 라우셴버그는 예술 작품과 일상적인 물건 사이의 구분을 의심했고, 그의 기성품 재료 사용은 마르셀 뒤샹의 ''샘'' (1917)에 의해 제기된 지적 문제를 되풀이했다. 뒤샹의 다다주의적 영향은 또한 친숙한 문화적 상징인 표적, 숫자, 깃발에 대한 재스퍼 존스의 그림에서도 관찰할 수 있는데, 이는 "마음이 이미 알고 있는 것들"이다.[34]

라우셴버그는 컴바인 작품에서 마르셀 뒤샹의 Readymades of Marcel Duchamp|레디메이드영어 개념을 받아들여, 그전까지 전위 예술에 도입되지 않았던 미국의 대중 문화를 소재로 삼았다. 1959년 당시 라우셴버그는 자신의 작품에 대해 "회화는 일상과 예술 모두에 관여한다. 어느 쪽도 만들어낼 수는 없다. (나는 그 사이의 갭에서 행위하려 하고 있다)"라고 말했다.

3. 2. 초기 작품

라우셴버그는 블랙 마운틴 칼리지에서의 실험적인 작품 활동과 이탈리아, 북아프리카 여행에서 얻은 영감을 바탕으로 콜라주와 조각 작품을 제작하였다. 그의 작품에 공통적으로 나타나는 특징은 경계 초월성이다. 컴바인 작품에서는 2차원적인 소재와 3차원적인 소재를 함께 사용함으로써 회화나 조각 등 기존의 장르를 넘나들었다. 제작 과정에서는 세계 각지에서 제작 활동을 펼침으로써 국가라는 경계를 넘어 활동했으며, 일상과 예술이라는 경계를 넘어 양쪽 모두에 관여하려 했다. 머스 커닝햄이나 존 케이지와 함께 댄스나 음악과의 협업을 진행한 점, E.A.T.를 설립한 점 등에서 라우셴버그의 장르 초월성이 나타난다.

라우셴버그는 컴바인 작품에서 마르셀 뒤샹의 Readymades of Marcel Duchamp|레디・메이드영어 개념을 받아들여, 이전까지 전위 예술에 도입되지 않았던 미국의 대중 문화를 소재로 삼았다. 1959년 당시 라우셴버그는 자신의 작품에 대해 "회화는 일상과 예술 모두에 관여한다. 어느 쪽도 만들어낼 수는 없다. (나는 그 사이의 갭에서 행위하려 하고 있다)"라고 말했다. 그의 창작에서 치약이나 손톱 갈이 등 다양한 일용품이 작품의 중요한 부분이 된 것에도 이러한 자세가 반영되어 있다고 여겨진다. 그의 컴바인 페인팅의 전형적인 작품은, 추상표현주의풍의 격렬한 필치로 칠해진 캔버스에 존 F. 케네디 대통령이나 아폴로 우주선 등의 이미지를 붙이거나("버팔로 Ⅱ"), 화면에 교통 표지판, 낡은 타이어, 조류 박제 등 현실의 물체를 붙인 것(『Monogram (artwork)|모노그램영어』, 『Canyon (Rauschenberg)|캐니언영어』)으로, 종종 2차원의 틀을 벗어났다.

소재를 구분하지 않고 다루는 라우셴버그의 작풍에 대해, 1968년에 미술 평론가 Leo Steinberg|레오・스타인버그영어는 "플랫베드한 회화면"이라고 평했으며, 이는 포스트모던이라는 단어가 미술 비평에서 사용되는 계기가 되었다.

3. 3. 컴바인 작품

라우셴버그는 예술과 삶의 경계를 허물고 일상적인 물건을 예술 작품에 통합하여 새로운 의미를 부여하는 '컴바인' 연작을 창안했다. 컴바인은 회화와 조각의 경계를 넘어 두 가지 요소를 모두 포함하는 작품으로, 1954년부터 1964년까지 제작되었으나 이후에도 라우셴버그는 일상용품을 활용한 작업을 이어갔다.

초기 컴바인 작품인 ''Charlene''(1954)과 ''Collection''(1954/1955)은 스카프, 전구, 거울, 만화 등을 콜라주한 것이다. ''Bed''(1955)는 낡은 퀼트, 시트, 베개에 붉은 페인트를 칠해 벽에 수직으로 걸어 작가의 자화상이자 내면 의식의 표현으로 여겨진다. ''Monogram''(1955–1959)은 박제된 앙고라 염소를, ''Canyon''(1959)은 박제된 황금독수리를 사용했는데, ''Canyon''에 사용된 황금독수리는 1940년 제정된 법률에 의해 논란이 되기도 했다.[59]

컴바인은 처음에는 색상, 질감, 구성 등 형식적 측면에서 평가받았으나, 레오 스타인버그는 "사물이 흩어져 있고 데이터가 입력되는 수용 표면"으로 해석하며, 수평적인 '플랫베드 회화 표면'이 전통적인 회화의 수직성을 대체한다고 보았다.[60]

라우셴버그는 마르셀 뒤샹의 레디메이드 개념을 수용하여 미국의 대중 문화를 소재로 삼았다. 그는 "회화는 일상과 예술 모두에 관여한다. 어느 쪽도 만들어낼 수는 없다. (나는 그 사이의 갭에서 행위하려 하고 있다)"라고 말했다. 그의 작품에는 치약, 손톱 갈이 등 다양한 일용품이 등장하며, 존 F. 케네디 대통령이나 아폴로 계획 우주선 이미지를 붙이거나("버팔로 Ⅱ"), 교통 표지판, 낡은 타이어, 조류 박제 등을 붙인 작품(『모노그램』, 『캐니언』)은 2차원의 틀을 벗어난 것이 특징이다.

미술 평론가 레오 스타인버그는 소재를 가리지 않는 라우셴버그의 작품을 "플랫베드 회화면"이라고 평가했으며, 이는 포스트모더니즘이라는 용어가 미술 비평에 사용되는 계기가 되었다.

3. 3. 1. 실크 스크린 회화

1962년 앤디 워홀의 스튜디오를 방문한 라우셴버그는, 그곳에서 상업적 복제 수단으로 사용되는 실크 스크린 프로세스를 접하고 이를 자신의 작품에 도입하기 시작했다. 그는 이 기법을 통해 사진 이미지를 캔버스에 옮기는 방식을 사용했다.[40] 1962년부터 1964년 사이에 제작된 그의 실크 스크린 회화들은 평론가들로 하여금 라우셴버그의 작품을 팝 아트와 연결 짓게 만들었다.

3. 4. 기술과의 협업

라우셴버그는 1950년대 중반 초기 콤바인 작품을 만들면서부터 기술을 실험했는데, 때로는 작동하는 라디오, 시계, 전기 팬을 조각 재료로 사용했다.[41] 그는 이후 벨 연구소 연구 과학자 빌리 클뤼버와 함께 작업하면서 기술에 대한 관심을 더 탐구했다. 그들은 함께 주변 소리에 반응하는 조명 설치물인 ''Soundings''(1968) 등 라우셴버그의 가장 야심 찬 기술 기반 실험을 실현했다.[41] 1966년, 클뤼버와 라우셴버그는 예술가와 엔지니어 간의 협업을 촉진하기 위해 설립된 비영리 단체인 예술과 기술 실험(E.A.T.)을 공식적으로 시작했다.[41][42]

3. 5. 스톤 문 시리즈

1969년, NASA는 라우셴버그에게 아폴로 11호 발사를 목격하도록 초청했다. 이 획기적인 사건에 대한 응답으로 라우셴버그는 ''스톤 문 시리즈'' 석판화를 제작했다.[43] 여기에는 NASA 아카이브의 다이어그램과 기타 이미지를 자신의 그림 및 손으로 쓴 텍스트와 결합하는 작업이 포함되었다.[44][45]

3. 6. 후기 작품

1970년부터 라우셴버그는 플로리다주, 캐프티바에 있는 자신의 집과 스튜디오에서 작업했다. 그가 새로운 스튜디오에서 만든 첫 번째 작품은 ''Cardboards''(1971–72)와 ''Early Egyptians''(1973–74)였으며, 판지와 모래 같은 현지에서 조달한 재료를 사용했다.[46] 이전 작품들이 도시의 이미지와 재료를 강조했던 반면, 라우셴버그는 천과 종이에서 발견되는 천연 섬유의 효과를 선호했다. 그는 용제 전달 기술을 사용하여 직물에 인쇄하여 ''Hoarfrost''(1974–76)와 ''Spread''(1975–82) 시리즈를 만들었으며, 후자는 나무 패널에 콜라주된 천의 넓은 부분을 특징으로 했다.[46] 인도, 아흐메다바드 여행에서 영감을 얻은 다채로운 천을 사용하여 ''Jammer''(1975–76) 시리즈를 제작했는데, 이 도시는 섬유로 유명하다.[46] Jammer 시리즈의 이미지 없는 단순함은 이미지로 가득 찬 호프로스트와 뉴욕시에서 만들어진 초기 작품들의 거친 모습과 극명한 대조를 이룬다.

1975년 이후 국제 여행은 라우셴버그의 예술적 과정의 중심 부분이 되었다. 1984년, 국제 연합에서 라우셴버그 해외 문화 교환(ROCI)의 시작을 발표했다. 거의 전적으로 예술가가 자금을 지원한 ROCI 프로젝트는 7년 동안 전 세계 10개국을 순회하는 것으로 구성되었다. 라우셴버그는 각 지역에서 사진을 찍고 방문한 문화에서 영감을 받은 예술 작품을 만들었다. 그 결과 작품은 각 국가의 지역 전시회에서 전시되었다. 라우셴버그는 종종 지역 문화 기관에 예술 작품을 기증했다.[46]

1980년대 중반부터, 라우셴버그는 강철과 거울 알루미늄과 같이 다양한 방식으로 처리된 금속에 이미지를 실크 스크리닝하는 데 집중했다. 그는 ''Borealis''(1988–92),[47] ''Urban Bourbons''(1988–1996), ''Phantoms''(1991), ''Night Shades''(1991)와 같은 여러 "금속 그림" 시리즈를 제작했다.[48] 1990년대 내내, 라우셴버그는 여전히 더 기본적인 기술로 작업하면서 새로운 재료를 계속 사용했다. 최신 기술 혁신에 대한 그의 참여의 일환으로, 후기 그림 시리즈에서 디지털 잉크젯 사진 이미지를 다양한 그림 지지대로 옮겼다. ''Arcadian Retreats''(1996)의 경우 이미지를 젖은 프레스코화로 옮겼다. 1998년 작품 ''Love Hotel [Anagram (A Pun)]''은 식물 염료 전사로 폴리라미네이트로 만들어졌으며, 거의 40년 동안 예술가의 고향이었던 플로리다의 페레즈 미술관 마이애미의 영구 소장품에 포함되었다.[49][50] 환경에 대한 헌신을 유지하면서, 라우셴버그는 생분해성 염료와 안료를 사용했고, 전사 과정에서 화학 물질 대신 물을 사용했다.[51]

3. 7. 백색 회화, 흑색 회화, 적색 회화

1951년, 라우션버그는 카지미르 말레비치가 확립한 단색화의 전통에 따라 ''백색 회화'' 연작을 제작했다. 말레비치는 미적 순수함과 무한한 경험을 위해 회화를 가장 본질적인 자질로 축소시켰다.[52] 라우션버그는 일상적인 흰색 페인트와 페인트 롤러를 사용하여 매끄럽고 장식이 없는 표면을 만들었는데, 처음에는 빈 캔버스로 보였다. 그러나 존 케이지는 그것들을 내용이 없는 것으로 인식하는 대신, ''백색 회화''를 "빛, 그림자, 입자를 위한 공항"이라고 묘사했다.[53] 즉, 방의 미묘한 대기 변화를 반영하는 표면인 것이다. 라우션버그는 스스로 그것들이 주변 환경에 영향을 받는다고 말하며, "방에 몇 명이 있는지 거의 알 수 있을 정도"라고 언급했다.

1951년부터 1953년까지의 흑색 회화 역시 ''백색 회화''와 마찬가지로 여러 패널에 걸쳐 제작되었으며, 주로 단색 작품이었다. 라우셴버그는 캔버스 위에 신문으로 질감을 낸 바탕에 무광과 유광의 검은색 페인트를 칠했고, 때로는 신문이 보이도록 내버려 두었다.

1953년경, 라우셴버그는 ''백색 회화''와 흑색 회화 연작에서 벗어나 그의 ''적색 회화'' 연작의 고조된 표현주의로 나아갔다. 그는 빨간색을 그림을 그리기에 "가장 어려운 색"으로 여겼으며, 패턴이 있는 천, 신문, 나무, 못 등을 포함하는 캔버스 바탕에 빨간색 안료를 직접 떨어뜨리고, 붙이고, 짜내는 방식으로 이 도전을 받아들였다.[54] ''적색 회화''의 복잡한 재료 표면은 라우셴버그의 잘 알려진 컴바인(Combine) 연작(1954-1964)의 선구자였다.[52]

암스테르담 시립 미술관에서의 라우션버그와 작품(1968년)

4. 퍼포먼스와 댄스

라우셴버그는 1960년대 초 그리니치 빌리지의 저드슨 기념 교회에서 급진적인 무용-극 실험에 참여했으며, 1963년 5월 저드슨 댄스 극장을 위해 자신의 첫 번째 퍼포먼스인 ''펠리칸''(1963)의 안무를 맡았다.[61] 머스 커닝햄 무용단과의 전면적인 관계는 1964년 세계 투어를 끝으로 종료되었지만, 캐롤린 브라운, 비올라 파버, 스티브 팩스턴을 포함한 커닝햄과 관련된 무용수들과는 친밀한 관계를 유지했으며, 이들은 모두 그의 안무 작품에 출연했다.[62] 1966년 라우셴버그는 뉴욕 69 연대 무기고에서 열린 ''9개의 저녁: 극장과 기술''의 일부로 ''오픈 스코어'' 퍼포먼스를 만들었다. 이 시리즈는 예술과 기술의 실험 (E.A.T.)의 형성에 중요한 역할을 했다.[63][64]

1977년 라우셴버그는 커닝햄, 존 케이지와 13년 만에 처음으로 다시 협력하여 ''여행기''(1977)를 만들었으며, 의상과 세트 디자인을 담당했다.[51] 그는 1967년 이후 자신의 작품에 안무를 하지 않았지만, 트리샤 브라운을 포함한 다른 안무가들과 계속 협력했다.

4. 1. 머스 커닝햄 무용단

라우셴버그는 1950년대 초 뉴욕으로 이주한 후 춤에 대한 관심을 탐구하기 시작했다. 그는 블랙 마운틴 칼리지에서 아방가르드 댄스와 퍼포먼스 아트를 접했으며, 존 케이지의 ''극 작품 1번''(1952)에 참여했다. 이 작품은 종종 최초의 해프닝으로 여겨진다. 그는 머스 커닝햄과 폴 테일러를 위해 무대 세트, 조명, 의상을 디자인하기 시작했다. 캐롤린 브라운, 비올라 파버, 스티브 팩스턴 등 커닝햄과 관련된 무용수들과 친밀한 관계를 유지했다.[62] 라우셴버그와 머스 커닝햄 무용단의 전면적인 관계는 1964년 세계 투어를 끝으로 종료되었다.[62] 1977년 라우셴버그, 커닝햄, 케이지는 13년 만에 처음으로 다시 협력하여 ''여행기''(1977)를 만들었으며, 라우셴버그는 의상과 세트 디자인을 담당했다.[51]

5. 주요 작품

로버트 라우션버그는 경력 전반에 걸쳐 그에게 중요한 대의를 지지하는 수많은 포스터를 디자인했다. 1965년, 라이프 잡지가 그에게 현대적인 지옥을 시각화하도록 의뢰했을 때, 그는 베트남 전쟁, 인종 폭력, 신나치주의, 정치적 암살, 생태 재앙을 포함한 다른 동시대 사회 정치적 문제들에 대한 분노를 표출하는 것을 주저하지 않았다.[37]

1969년, 뉴욕시의 메트로폴리탄 미술관은 라우션버그에게 미술관의 100주년을 기념하는 작품을 의뢰했다. 그는 미술관의 원래 목표가 1870년의 증명서에 자세히 기록되어 있다는 것을 알고, 그 증명서를 바탕으로 미술관에서 가장 유명한 작품들의 이미지와 당시 이사회의 서명을 담아 '백주년 증명서'를 만들었다. 백주년 증명서의 복사본은 수많은 미술관과 개인 소장품에 존재한다.[65]

1979년 12월 30일, ''마이애미 헤럴드''는 라우션버그가 디자인한 표지로 발행된 자사 일요 잡지 ''트로픽'' 65만 부를 인쇄했다. 1983년, 그는 토킹 헤즈의 앨범 ''Speaking in Tongues''의 앨범 디자인으로 그래미 상을 수상했다.[66] 1986년, 라우션버그는 BMW의 의뢰를 받아 유명한 BMW 아트카 프로젝트의 여섯 번째 작품으로 실물 크기의 BMW 635 CSi를 페인팅했다. 라우션버그의 차량은 뉴욕 메트로폴리탄 미술관의 작품 복제본과 자신의 사진을 특징으로 하는 이 프로젝트의 첫 번째 작품이었다.

1998년, 바티칸은 2000년 희년을 기념하기 위해 라우션버그에게 작품을 의뢰하여 이탈리아 산 조반니 로톤도에 있는 파드레 피오 경배당에 전시하도록 했다. 최후의 심판이라는 주제를 중심으로 작업한 라우션버그는 20피트 길이의 마케트인 ''행복한 묵시록''(1999)을 제작했다. 이는 라우션버그가 신을 위성 접시로 묘사한 것이 부적절한 신학적 언급이라는 이유로 바티칸에 의해 최종적으로 거부되었다.[67]


  • 화이트 페인팅(1950년)(로버트 라우션버그 재단 소장)
  • 지워진 드 쿠닝(1955년)(뉴욕 현대 미술관 소장)
  • 침대(1955년)(뉴욕 현대 미술관 소장)
  • 코카콜라 플랜(1958년)(로스앤젤레스 현대 미술관 소장)
  • 모노그램(1955-59년)(스톡홀름 현대 미술관 소장)
  • 캐니언(1959년)(뉴욕 현대 미술관 소장)
  • 단테의 '지옥편'을 위한 드로잉 34편(『단테 드로잉』)(1959-1960년)(뉴욕 현대 미술관 소장)

6. 전시회

로버트 라우션버그 전시회 목록
연도전시 제목 및 장소
1951년베티 파슨스 갤러리 (개인전)[68][69]
1953년이탈리아 로마, 아이린 브린과 가스페로 델 코르소 기획 (유럽 첫 전시회)[36]
1953년스테이블 갤러리 (사이 톰블리와 공동 전시회)
1954년찰스 이간 갤러리 (개인전, 레드 페인팅과 컴바인 선보임)[70][71]
1958년레오 카스텔리 갤러리 (컴바인 개인전, 침대는 현재 뉴욕 현대 미술관 소장)[72]
1963년유대인 박물관 (첫 회고전)
1964년베니스 비엔날레 (국제 회화 그랑프리 수상)
1976년 ~ 1978년스미소니언 아메리칸 아트 뮤지엄 (중간 경력 회고전, 미국 전역 순회)[51][73]
1997년 ~ 1999년솔로몬 R. 구겐하임 미술관 (회고전, 휴스턴, 쾰른, 빌바오 순회)[74]
2005년 ~ 2007년메트로폴리탄 미술관 (컴바인 전시회, 로스앤젤레스 현대 미술관, 퐁피두 센터, 모데르나 무제트 순회)
2016년 ~ 2017년테이트 모던 (사후 첫 회고전, 뉴욕 현대 미술관, 샌프란시스코 현대 미술관 순회)[75]
기타가고시안 갤러리(런던, 2013), 크레이그 F. 스타 어소시에이츠(2014), 레오 카스텔리 갤러리(2014), UCCA 현대 미술 센터(베이징, 2016), 로스앤젤레스 카운티 미술관(2018–2019) 등[77]


7. 유산

로버트 라우셴버그는 예술이 사회 변화의 촉매제 역할을 할 수 있다고 굳게 믿었다. 1984년, 그는 예술적 표현을 통해 국제적인 대화를 촉진하고 문화적 이해를 증진하려는 노력으로 라우셴버그 해외 문화 교류 (ROCI)를 시작했다. ROCI 전시회는 1991년 미국 국립 미술관(National Gallery of Art)에서 열렸으며,[78] 멕시코, 칠레, 베네수엘라, 중국, 티베트, 일본, 쿠바, 소련, 독일, 말레이시아 등 10개국을 순회했다.

라우셴버그는 1970년에 재정적 어려움을 겪는 시각 예술가들에게 최대 1000USD의 일시적인 긴급 지원금을 지급하는 "Change, Inc."라는 프로그램을 만들었다.[79] 그는 아메리카 업적 아카데미(American Academy of Achievement)의 골든 플레이트 상(1986년)[80][81], 빌 클린턴(President Bill Clinton) 대통령으로부터 미국 국가 예술 훈장(National Medal of Arts)(1993년)을 수여받았고, 에이즈 연구 재단(amfAR, The Foundation for AIDS Research)으로부터 에이즈 퇴치를 위한 예술적 공헌에 대한 공로상(2000년)을 받았다.[82]

2013년, 컴플렉스 (잡지)(Complex (magazine))의 데일 아이징어는 ''Open Score''(1966)를 역대 최고의 퍼포먼스 아트 작품 중 7위로 선정했다.[85] 플로리다 사우스웨스턴 주립대학교(Florida Southwestern State College)의 밥 라우셴버그 갤러리는 라우셴버그를 기리고 그의 승인을 받아 2004년 (1979년 설립된 The Gallery of Fine Art에서 개명) 개명되었다.

7. 1. 로버트 라우셴버그 재단

1990년, 라우셴버그는 세계 평화, 환경, 인도주의적 문제 등 그가 중요하게 생각하는 문제에 대한 인식을 높이기 위해 로버트 라우셴버그 재단(Robert Rauschenberg Foundation, RRF)을 설립했다.[79]

오늘날 RRF는 라우셴버그의 경력의 모든 시기의 작품을 소유하고 있다. 재단은 가고시안 갤러리(Gagosian Gallery)와 협력하여 전시회를 개최하고, 그 수익금을 재단의 자선 활동 기금으로 사용하기도 했다.[83] 또한 "행동가로서의 예술가" 프로젝트를 통해 예술가 셰퍼드 페어리(Shepard Fairey)의 작품을 판매하여 노숙자 연합(Coalition for the Homeless)을 위한 기금을 마련하기도 했다.[84] RRF는 매년 신진 예술가와 예술 단체에 보조금과 자선 협력을 통해 지원을 계속하고 있으며, 뉴욕에 있는 재단 본부와 플로리다 캡티바 섬(Captiva Island)에 있는 고인의 자산에서 진행되는 여러 레지던시 프로그램을 운영하고 있다.

라우셴버그는 예술이 사회 변화의 촉매제 역할을 할 수 있다고 믿었다. 1984년에 시작된 라우셴버그 해외 문화 교류 (ROCI)는 예술적 표현을 통해 국제적인 대화를 촉진하고 문화적 이해를 증진하려는 노력이었다. ROCI 전시회는 1991년 미국 국립 미술관(National Gallery of Art)에서 열렸으며,[78] 멕시코, 칠레, 베네수엘라, 중국, 티베트, 일본, 쿠바, 소련, 독일, 말레이시아 등 10개국을 순회했다.

1970년에는 재정적 어려움을 겪는 시각 예술가들을 지원하기 위한 "Change, Inc."라는 프로그램을 만들기도 했다.[79]

8. 예술 시장

2010년, 라우션버그의 콤바인 작품 중 하나인 《스튜디오 페인팅》(1960–61)은 원래 600만 달러에서 900만 달러로 추정되었으나, 마이클 크라이튼의 소장품에서 뉴욕 크리스티 경매에서 1100만달러에 판매되었다.[86] 2019년, 크리스티 경매에서는 실크스크린 회화 《버팔로 II》(1964)가 8880만달러에 판매되어 작가의 이전 최고 기록을 경신했다.

8. 1. 예술가 재판매 로열티 로비 활동

1970년대 초, 라우셴버그는 작품이 2차 시장에서 재판매될 때 예술가에게 보상하는 법안 통과를 위해 미국 의회에 로비를 벌였다. 라우셴버그는 택시 재벌 로버트 스컬이 추상 표현주의 및 팝 아트 작품을 220만달러에 판매한 후 작가 재판매 로열티(드루아 드 스위트)를 위한 투쟁에 나섰다. 스컬은 원래 라우셴버그의 그림 ''Thaw''(1958)와 ''Double Feature''(1959)를 각각 900USD와 2500USD에 구입했다. 약 10년 후, 스컬은 1973년 뉴욕의 소더비 파크 베르네 경매에서 이 작품들을 8.5만달러와 9만달러에 판매했다.[87]

라우셴버그의 로비 활동은 1976년 제리 브라운 캘리포니아 주지사가 1976년 캘리포니아 재판매 로열티 법에 서명하면서 보상을 받았다.[88] 이 예술가는 캘리포니아에서의 승리 이후 전국적인 재판매 로열티 법안을 계속 추진했다.

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