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아일랜드의 포크 음악

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목차

1. 개요

아일랜드의 포크 음악은 스코틀랜드의 포크 음악과 유사하며, 5음 음계를 주로 사용한다. 전통적으로 하프를 사용했으나, 현대에는 기타, 밴조 등 현악기로 대체되었다. 바이올린, 플루트, 휘슬, 윌런 파이프, 아코디언, 콘서티나 등 다양한 악기가 사용된다. 1950년대 이후 부흥기를 거치며 켈트 록, 포크 록 등 다양한 장르에 영향을 미쳤다. 대표적인 곡으로는 '아이리시 로버', '대니 보이' 등이 있으며, 펍 세션은 아일랜드 전통 음악의 중요한 무대가 되었다.

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    보란은 아일랜드의 전통 북으로, 둥근 나무 틀에 가죽을 씌워 손이나 채로 연주하며, 1960년대 민속 음악 부흥기에 악기로 인정받아 켈트 문화권에서 널리 사용된다.
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아일랜드의 포크 음악
음악 장르
기원아일랜드
문화적 기원18세기 이전 아일랜드
일반적인 악기바이올린
아코디언
콘서티나
아이리시 플루트
틴 휘슬
밴조
부주키
아이리시 하프
보란
기타
파생 형태컨트리 음악
블루그래스
켈틱 퓨전
켈틱 펑크
켈틱 록
뉴에이지 음악
캐나다의 전통 음악
호주 전통 음악
하위 장르아이리시 포크송
아이리시 댄스 음악
특징
멜로디선율적이고 장식적인 멜로디
리듬강하고 활기찬 리듬
가사역사, 사랑, 향수, 애국심, 유머 등 다양한 주제
역사
기원고대 아일랜드의 구전 전통에서 유래
발전18세기 이후 다양한 악기와 스타일의 도입
부흥20세기 초 민족주의 운동과 함께 부흥
현대현재까지도 아일랜드 문화의 중요한 부분으로 남아 있으며, 세계적으로 연주되고 향유됨

2. 음악적 특징

아일랜드 포크 음악은 스코틀랜드의 포크 음악과 매우 유사하며 5음 음계를 주로 사용한다.[43] 전통적으로 하프를 사용하였으며, 현대에는 기타나 밴조 같은 현악기로 대체되었지만, 일부 음악가들은 하프를 계속 사용한다. 사용되는 악기로는 백파이프의 일종인 일리언 파이프, 틴 휘슬, 보란, 기타, 만돌린, 바이올린[43], 하모니카, 콘서티나 등이 있으며, 현대 포크 음악가들은 미국 악기인 밴조도 사용하고 있다. 아일랜드와 스코틀랜드는 민족과 문화가 비슷하여, 아일랜드 가수들이 스코틀랜드 곡을 부르거나, 그 반대의 경우도 있다. 미국 포크 음악은 진보적인 성격이 강해 자유, 정의, 평화, 인권, 반전, 반핵, 환경 등을 주로 다루는 반면, 아일랜드 포크 음악은 민족주의적 성격이 강하다.

2. 1. 구성

아일랜드 포크 음악은 스코틀랜드의 포크 음악과 매우 유사하며 5음 음계를 주로 사용한다. 전통적으로 하프를 사용하였고(아일랜드 국장도 하프이다), 현대에는 대부분 기타나 밴조 같은 현악기로 대체되었지만, 일부 음악가들은 하프를 계속 사용한다. 백파이프의 일종으로 노섬브리안 파이프와 유사한 일리언 파이프, 틴 휘슬, 보란, 기타, 만돌린, 바이올린[43], 하모니카, 콘서티나 등이 사용된다. 현대 포크 음악가들은 미국 악기인 밴조도 사용하고 있다. 아일랜드와 스코틀랜드는 민족이 같고 문화가 비슷하기 때문에, 아일랜드 가수들이 스코틀랜드 곡을 부르기도 하고, 그 반대의 경우도 있다. 미국 포크 음악은 진보주의적 성격이 강해 자유, 정의, 평화, 인권, 반전, 반핵, 환경 등을 주로 소재로 하는 반면, 아일랜드 포크 음악은 민족주의적 성격이 강하다.

아일랜드 댄스 음악은 등거리적이며, 콜 앤드 리스폰스와 유사한 마디 길이의 선율 구절 패턴을 기반으로 한다. 일반적인 패턴은 A 구절, B 구절, A 구절, 부분 종결, A 구절, B 구절, A 구절, 최종 종결이지만, 이는 보편적인 것은 아니다. 예를 들어 마주르카는 부분 종결과 최종 종결 전에 반복되는 A 구절 대신 C 구절을 특징으로 한다. 많은 곡들은 A 또는 B 부분의 시작으로 이어지는 약박 음표를 가지고 있다. 마주르카와 혼파이프는 스윙 느낌을 가지고 있으며, 다른 곡들은 스트레이트 느낌을 가지고 있다.[2]

곡들은 일반적으로 4~8마디로 이루어진 두 부분(또는 그 이상)으로 나뉘는 이진 형식을 따른다. 각 부분은 A 부분, B 부분 등으로 불린다. 각 부분은 두 번 연주되고 전체 곡은 세 번 연주된다. (AABB, AABB, AABB). 많은 곡들이 A와 B 부분 모두 유사한 종결 구절을 가지고 있으며, 혼파이프는 각 부분의 후반부가 동일한 경우가 많다. 또한 혼파이프는 종종 각 부분의 끝에 세 개의 8분 음표 또는 4분 음표가 있고, A 부분의 시작이나 B 부분으로 다시 이어지도록 하는 약박 음표가 뒤따른다. 많은 에어는 AABA 형식을 가지고 있다.[3]

에어는 보통 단독으로 연주되지만, 댄스 곡들은 보통 ''세트''라고 불리는 2~4곡의 메들리로 연주된다.[3]

2. 2. 선법

아일랜드 음악은 일반적으로 선법적이며, 이오니아, 아이올리아, 도리아, 믹소리디안 선법과 이러한 음계의 6음 음계 및 5음 음계 버전을 사용한다. 일부 곡에는 임시표가 사용되기도 한다.

2. 3. 꾸밈음

가수와 기악 연주자는 꾸밈음을 사용하여 멜로디를 장식하는데, 꾸밈음표, 롤, 컷, 크랜 또는 슬라이드를 사용하는 것이 그 예이다.[3][4]

2. 4. 반주

아일랜드 포크 음악은 스코틀랜드의 포크 음악과 매우 유사하며 5음 음계를 주로 사용한다. 전통적으로 하프를 사용하였고(아일랜드 국장도 하프이다), 현대에는 대부분 기타나 밴조 같은 현악기로 대체되었지만, 일부 음악가들은 하프를 계속 사용한다. 백파이프의 일종으로 노섬브리안 파이프와 유사한 일리언 파이프, 틴 휘슬, 보란, 기타, 만돌린, 바이올린[43], 하모니카, 콘서티나 등이 사용된다. 현대 포크 음악가들은 미국 악기인 밴조도 사용하고 있다.[4]

아일랜드 음악에서 윌런 파이프는 드론과 레귤레이터를 사용하여 화음을 지원할 수 있으며, 바이올린 연주자들은 종종 이중 음정을 사용한다. 하지만 아일랜드 음악에서는 멜로디의 중요성이 강조되므로 화성은 일반적으로 단순하게 유지되거나 아예 사용되지 않는다. 일반적으로 악기들은 선두 주자를 따라 엄격하게 유니슨으로 연주된다. 진정한 대위법은 전통 음악에서는 거의 사용되지 않지만, 부주키와 기타 연주자들의 반주에서는 즉흥적인 "대선율" 형태가 자주 사용된다. 많은 종류의 서양 민속 음악과는 달리, 정해진 화음 진행은 없다. 많은 반주자들은 멜로디가 음조를 정의하도록 파워 코드를 사용하거나, 울리는 드론 현과 함께 부분 화음을 사용하여 음 중심을 강조한다. 많은 기타리스트들이 이러한 접근 방식에 유연성을 제공하기 때문에 DADGAD 튜닝을 사용하며, 부주키의 GDAD 튜닝도 마찬가지이다.[5]

3. 노래

전통 음악과 마찬가지로 아일랜드 민속 음악도 서서히 변화해 왔다. 대부분의 민요는 200년이 채 되지 않았다. 그 시대상을 측정하는 척도 중 하나는 사용된 언어이다. 현대 아일랜드 노래는 영어와 아일랜드어로 쓰인다. 가장 오래된 노래와 곡조는 대부분 시골에서 유래되었으며, 오래된 아일랜드어 전통에서 비롯되었다. 현대의 노래와 곡조는 종종 도시에서 유래하며, 아일랜드 노래는 아일랜드어에서 영어로 옮겨갔다. 1900년대 후반 프랭크 하트는 도시의 펍 문화를 위해 더 노골적인 노래를 작곡했고, 이 장르는 자연스럽게 시골에서 도시로 이동했다.

반주가 없는 노래는 숀 노스(sean nós, "옛 방식")라고 불리며 전통적인 노래의 궁극적인 표현으로 여겨진다. 톰 레니한과 같은 진정한 ''숀 노스'' 가수는 각 절의 멜로디를 다양하게 변화시키지만, 가사를 방해하지 않는 선에서 변화를 준다.

kˠiːnʲə(w)|카이네아|langga는 아일랜드어로 애가를 의미하며, 슬픔과 고통을 강조하는 가사가 특징이다. 전통적으로, ''카이네아'' 노래는 정치적 또는 재정적 이유로 강제 이주를 당한 후 아일랜드를 그리워하는 가사를 담고 있었다. 이 노래는 또한 가족 구성원의 죽음이나 사랑하는 사람들의 소식 부재를 애도할 수도 있다. 아일랜드 음악에서 카이네아 전통은 한때 널리 퍼져 있었지만 18세기부터 쇠퇴하기 시작하여 20세기 중반까지 거의 완전히 사라졌다.[6]

3. 1. 숀 노스 (Sean-nós)

반주가 없는 노래는 ''숀 노스''(sean nós, "옛 방식")라고 불리며 전통적인 노래의 궁극적인 표현으로 여겨진다. 이것은 대개 독창으로 불리지만, 아주 드물게 듀엣으로도 불린다. ''숀 노스'' 창법은 장식이 매우 많으며, 목소리는 음역의 상단에 위치한다. 톰 레니한과 같은 진정한 ''숀 노스'' 가수는 각 절의 멜로디를 다양하게 변화시키지만, 멜로디만큼 중요한 것으로 여겨지는 가사를 방해하지 않는 선에서 변화를 준다.

숀 노스에는 "diddly die-dely"와 같은 소리로도 불리는 무의미한 가사, 일명 릴팅이 포함될 수 있다.

반주가 사용될 때조차도, 비 ''숀 노스'' 전통 노래는 ''숀 노스'' 창법에서 파생된 장식 패턴과 멜로디적 자유를 사용하며, 일반적으로 비슷한 음성 배치를 사용한다.

3. 2. 카이네아 (Caoineadh)

kˠiːnʲə(w)|카이네아|langga는 아일랜드어로 애가를 의미하며, 슬픔과 고통을 강조하는 가사가 특징이다. 이 단어는 "키닝"으로 영어화되었다. 전통적으로, ''카이네아'' 노래는 정치적 또는 재정적 이유로 강제 이주를 당한 후 아일랜드를 그리워하는 가사를 담고 있었다. 이 노래는 또한 가족 구성원의 죽음이나 사랑하는 사람들의 소식 부재를 애도할 수도 있다. 아일랜드 음악에서 카이네아 전통은 한때 널리 퍼져 있었지만 18세기부터 쇠퇴하기 시작하여 20세기 중반까지 거의 완전히 사라졌다. ''카이네아'' 노래의 예로는 ''호주 멀리'', ''내가 사랑했던 마을'', ''도네갈로 돌아가기'', 그리고 ''네 개의 푸른 들판'' 등이 있다.[6]

4. 댄스 음악

아일랜드 댄스도 참고

아일랜드 전통 춤 음악에는 릴( 또는 ), 혼파이프(에 스윙된 8분 음표), 지그(더블 및 싱글 지그는 박자)가 있다. 지그는 춤을 위해 다양한 형태로 나타나며, 슬립 지그와 홉 지그는 일반적으로 박자로 쓰인다.[3][4]

레퍼토리에 나중에 추가된 것으로는 왈츠( 박자에 강세가 첫 박에 실림)와 도네갈 주에서는 같은 박자표에 마주르카가 있으며, 두 번째 박자에 강세가 있다. 도네갈은 또한 스코틀랜드의 스트라스페이의 일종인 "하이랜드"로도 유명한데, 가끔 스코츠 스냅이 나타나며 릴에 가까운 느낌을 준다.[3]

폴카는 박자의 곡으로, 아일랜드 남부의 코크 주와 케리 주 경계에 있는 슬리브 루라 지역에서 주로 발견된다. 또 다른 독특한 먼스터 리듬은 박자의 슬라이드이다.[3]

"스타일"은 아일랜드 전통 음악가들에게 매우 중요하다. 19세기 초에는 지역별로 뚜렷한 연주 스타일의 차이가 존재했다. 마이클 콜먼의 1927년 미국 녹음과 같은 아일랜드 전통 음악가들의 음반 발매, 통신 및 여행 기회의 증가는 지역 스타일을 더욱 표준화시켰다. 그럼에도 불구하고 지역별 연주 스타일은 여전히 남아 있다. 도네갈 출신 음악가(예: 토미 피플스), 클레어 출신 음악가(예: 형제인 존 켈리 & 제임스 켈리), 슬리브 루아크라 출신 음악가(예: 재키 데일리)의 연주 스타일은 매우 다르다. 도네갈 바이올린 연주는 빠르고 활기찬 활 켜기(bowing)가 특징이며, 활이 장식음의 대부분을 만들어낸다. 클레어 바이올린 연주는 느린 활 켜기가 특징이며, 손가락으로 누르는(fingering) 기술이 대부분의 장식음을 만들어낸다. 활로 켜는 세잇단음표(각 음 사이에서 활을 반대로 하는 세 개의 개별 음)는 도네갈에서 더 흔하게 사용되지만, 손가락으로 누르는 세잇단음표와 손가락으로 누르는 롤(한 번의 활 긋기로 손가락으로 누르는 다섯 개의 개별 음)은 클레어에서 매우 흔하게 사용된다.

1970년대와 1980년대의 보시 밴드와 같은 그룹 또는 케빈 버크와 같은 솔로 연주자들은 전통 음악의 레퍼토리를 사용하여 전통적인 '세트'나 댄서들을 위한 연주의 제약에 관계없이 자신만의 튜닝 그룹을 만들었다. 버크의 연주는 개인적이고 독특하며 개성적인 스타일의 예로, 그의 클래식 교육, 전통적인 슬리고 바이올린 스타일 및 다양한 다른 영향이 혼합되어 있다.

4. 1. 사회적 환경

아일랜드 전통 음악과 춤은 집에서 열리는 파티, 컨트리 댄스, 게일 댄스, 무대 공연 및 경연, 결혼식, 성인의 날 또는 기타 기념 행사 등 다양한 환경에서 공연되어 왔다. 아일랜드 댄스 음악의 가장 일반적인 환경은 춤이 전혀 없는 경우가 많은 ''세션''이다.

The Haymakers jig

4. 2. 레퍼토리

전통 춤 음악에는 릴 ( 또는 ), 혼파이프 (에 스윙된 8분 음표), 지그 (더블 및 싱글 지그는 박자)가 있다. 지그는 춤을 위해 다양한 형태로 나타나며, 슬립 지그와 홉 지그는 일반적으로 박자로 쓰인다.[3][4]

레퍼토리에 나중에 추가된 것으로는 왈츠 ( 박자에 강세가 첫 박에 실림)와 도네갈 주에서는 같은 박자표에 마주르카가 있으며, 두 번째 박자에 강세가 있다. 도네갈은 또한 스코틀랜드의 스트라스페이의 일종인 "하이랜드"로도 유명한데, 가끔 스코츠 스냅이 나타나며 릴에 가까운 느낌을 준다.[3]

폴카는 박자의 곡으로, 아일랜드 남부의 코크 주와 케리 주 경계에 있는 슬리브 루라 지역에서 주로 발견된다. 또 다른 독특한 먼스터 리듬은 박자의 슬라이드이다.[3]

4. 3. 스타일

"스타일"은 아일랜드 전통 음악가들에게 매우 중요한 개념이다. 19세기 초에는 지역별로 뚜렷한 연주 스타일의 차이가 존재했다. 마이클 콜먼의 1927년 미국 녹음과 같은 아일랜드 전통 음악가들의 음반 발매, 통신 및 여행 기회의 증가는 지역 스타일을 더욱 표준화시켰다. 그럼에도 불구하고 지역별 연주 스타일은 여전히 남아 있다. 도네갈 출신 음악가(예: 토미 피플스), 클레어 출신 음악가(예: 형제인 존 켈리 & 제임스 켈리), 슬리브 루아크라 출신 음악가(예: 재키 데일리)의 연주 스타일은 매우 다르다. 도네갈 바이올린 연주는 빠르고 활기찬 활 켜기(bowing)가 특징이며, 활이 장식음의 대부분을 만들어낸다. 클레어 바이올린 연주는 느린 활 켜기가 특징이며, 손가락으로 누르는(fingering) 기술이 대부분의 장식음을 만들어낸다. 활로 켜는 세잇단음표(각 음 사이에서 활을 반대로 하는 세 개의 개별 음)는 도네갈에서 더 흔하게 사용되지만, 손가락으로 누르는 세잇단음표와 손가락으로 누르는 롤(한 번의 활 긋기로 손가락으로 누르는 다섯 개의 개별 음)은 클레어에서 매우 흔하게 사용된다.

1970년대와 1980년대의 보시 밴드와 같은 그룹 또는 케빈 버크와 같은 솔로 연주자들은 전통 음악의 레퍼토리를 사용하여 전통적인 '세트'나 댄서들을 위한 연주의 제약에 관계없이 자신만의 튜닝 그룹을 만들었다. 버크의 연주는 개인적이고 독특하며 개성적인 스타일의 예로, 그의 클래식 교육, 전통적인 슬리고 바이올린 스타일 및 다양한 다른 영향이 혼합되어 있다.

5. 사용 악기

아일랜드 포크 음악에는 전통적으로 하프가 사용되었으며, 아일랜드 국장도 하프이다. 현대에는 기타나 밴조 같은 현악기로 대체되었지만, 일부 음악가들은 하프를 계속 사용한다. 백파이프의 일종인 일리언 파이프, 틴 휘슬, 보란, 기타, 만돌린, 바이올린[43], 하모니카, 콘서티나 등이 사용된다. 현대 포크 음악가들은 미국 악기인 밴조도 사용하고 있다.

바이올린과 활


리암 오플린의 Uilleann 파이프 연주 모습


아일랜드 부주키

  • '''바이올린(피들)''' : 아일랜드 전통 음악에서 가장 중요한 악기 중 하나이며, 지역별로 다양한 스타일로 연주된다.
  • '''플루트와 틴 휘슬''' : 아일랜드 전통 춤 음악에서 가장 흔하게 사용되는 악기들이다.
  • '''윌런 파이프(Uilleann Pipes)''' : 백파이프의 일종으로, 노섬브리안 파이프와 유사하며 복잡한 구조를 가지고 있다. 채터, 드론, 조절기 등으로 구성되어 다양한 음색과 화음을 낼 수 있다.
  • '''하프(Harp)''' : 아일랜드의 상징적인 악기로, 오랜 역사를 가지고 있다.
  • '''아코디언과 콘서티나''' : 19세기 말 아일랜드 전통 음악에 등장하여 현재까지 사용되고 있다.
  • '''밴조(Banjo)''' : 4현 테너 밴조가 주로 사용되며, 미국에서 아일랜드 음악가들에 의해 처음 사용되었다.
  • '''만돌린(Mandolin)'''
  • '''기타(Guitar)''' : 1930년대 초반부터 사용되기 시작했다.
  • '''부주키(Bouzouki)''' : 1960년대 후반 조니 모이니한에 의해 아일랜드 전통 음악에 소개되었다. 그리스 부주키와는 달리 평평하거나 약간 아치형의 뒷면을 가지고 있다.
  • '''보드란(Bodhrán)''' : 드럼의 일종으로, 17세기에 처음 언급되었다.
  • '''하모니카(Harmonica)'''

5. 1. 바이올린 (Fiddle)

바이올린(피들이라고도 하며, 물리적인 차이는 없음)은 아일랜드 전통 음악 레퍼토리에서 가장 중요한 악기 중 하나이며, 지역별로 매우 다양한 스타일로 연주된다.[8] 바이올린은 표준 GDAE 조율을 사용한다. 가장 잘 알려진 지역 피들링(Fiddling) 전통은 도네갈, 슬리고, 클레어, 슬리브 루아크라에서 유래했다.

바이올린은 아일랜드에서 오래된 역사를 가지고 있다. 아일랜드에서 바이올린에 대한 가장 초기의 언급은 7세기 오커리의 기록에서 찾을 수 있다.[9] 1674년 리처드 헤드는 아일랜드에 대해 "일요일에는 모든 들판에 바이올린이 있고, 소녀들은 거품이 일 때까지 발을 구른다"라고 썼는데, 이는 현대적인 바이올린이 이미 아일랜드에 널리 퍼져 있었음을 보여준다. 아일랜드 바이올린에 대한 언급은 존 던턴의 ''티그 랜드: 또는 야생 아일랜드로의 유쾌한 산책''(1698)에서도 찾아볼 수 있다. 그는 "일요일과 휴일에는 모든 사람들이 피퍼와 바이올린 연주자와 함께 마을 광장으로 몰려들었다"고 기록했다. 토마스 디넬리는 1680년에 아일랜드를 방문하여 음악에 대해 "피퍼, 하퍼 또는 피들러와 함께 밤새도록 흥겹게 춤을 춘다"[10]라고 묘사했다. 코크에서 아이들에게 아이리쉬 바이올린을 가르쳤다는 17세기의 기록도 남아있다.[11]

바이올린이 지역 제작자가 아닌 아일랜드에서 대량 생산되기 시작했을 때, 더블린의 토마스 페리 (악기 제작자), 토마스 몰리뉴 (악기 제작자), 존 닐과 같은 사람들은 영국 바이올린 제작자들의 기술을 바탕으로 악기를 만들었으며, 대부분 영국에서 더블린으로 수입되었다.[12] 18세기에 더블린에서 발굴된 악기는 11세기로 거슬러 올라가며, 개오동으로 만들어졌고 끝 부분에 동물이 조각되어 있었다. 이 악기는 세계에서 가장 오래된 활로 여겨졌지만, 어떤 악기에 사용되었는지는 불분명하다. 르네스터의 책(약 1160년)에도 아일랜드 바이올린에 대한 언급이 있을 수 있다.[13]

슬리고의 피들링 전통은 마이클 콜먼, 제임스 모리슨, 패디 킬로란과 같은 미국 기반 연주자들의 인기로 인해 외부인들에게 가장 잘 알려져 있다. 이들은 1920년대와 1930년대에 미국에서 아일랜드 음악을 대중화하는 데 큰 영향을 미쳤다. 다른 슬리고 바이올린 연주자로는 마틴 와인과 프레드 핀이 있다.

클레어 출신의 주목할 만한 바이올린 연주자로는 메리 커스티, 패디 캐니, 패트릭 켈리, 피어다 오로클린, 마틴 헤이즈가 있다. 도네갈은 제임스 번, 존 도허티, 토미 피플스를 배출했다.

케리와 코크 사이의 작은 지역인 슬리브 루아크라는 줄리아 클리포드, 그녀의 오빠 데니스 머피, 숀 맥과이어, 패디 크로닌, 패드라이그 오키프로 유명하다. 슬리브 루아크라 출신의 현대 바이올린 연주자로는 매트 크래니치, 코니 오코넬이 있다.

현대 연주자로는 케빈 버크, 마이레 브레아치, 매트 크래니치, 패디 크로닌, 프랭키 개빈, 패디 글래킨, 캐슬 헤이든, 마틴 헤이즈, 피터 호란, 숀 킨, 마이레드 니 마오나이, 마이레드 네스빗, 제리 오코너, 카오임 으 라갈라이그, 도널 오코너, 폴 오쇼네시가 있다.

최근 몇 년 동안 미국에서는 위니프레드 호란, 브라이언 콘웨이,[14] 리즈 캐롤, 에일린 아이버스와 같은 주목할 만한 바이올린 연주자들이 활동하고 있다.

5. 2. 플루트와 휘슬 (Flute and Whistle)



Uilleann 파이프(발음: ill-in 또는 ill-yun)는 복잡한 악기이다. 전통에 따르면, 파이퍼가 악기를 마스터했다고 말하기 위해서는 7년 동안 배우고, 7년 동안 연습하고, 7년 동안 연주하는 기간이 필요하다고 한다.[19] Uilleann 파이프는 18세기 초에 개발되었으며, 그 역사는 목동 파이프와 유니온 파이프의 형태로 영국과 아일랜드의 동시대 자료에 조각과 그림으로 묘사되어 있다.[20] 18세기 말에는 현대적인 형태가 등장했고, 18세기 중반의 리머릭 출신 파이퍼 잭슨, 탠드라지의 파이프 제작자 윌리엄 케네디, 성공회 사제 제임스 굿맨(1828–1896)과 그의 친구 존 힝스턴(John Hingston)과 같은 "신사 파이퍼"가 연주했다.

20세기에는 세이머스 에니스, 레오 로섬, 윌리 클랜시와 같은 연주자들이 연주를 이어갔으며, 정교하고 화려한 곡과, 존 캐시와 조니 도란과 같은 여행 파이퍼들이 연주하는 화려하고 장식된 형태도 있었다.[21] Uilleann 파이프 연주 전통은 패디 몰로니(더 치프턴스 소속)와 나 파이보리 울리안의 결성으로 거의 사라질 뻔했지만 다시 대중화되었다. 나 파이보리 울리안은 로섬과 에니스와 같은 연주자들과 연구자이자 수집가인 브랜든 브레너흐를 포함하는 파이퍼들을 위한 단체였다. 리암 오플린은 패디 키난, 데이비 스필레인, 제리 오설리번, 믹 오브라이언과 함께 현대의 가장 인기 있는 연주자 중 한 명이다. 푸레이(여행자) 가족, 예를 들어 푸레이, 도란, 키난 가족은 그들 중 파이퍼로 유명하다.

Uilleann 파이프는 가장 복잡한 형태의 백파이프 중 하나이며, 두 옥타브 범위를 가진 이중 갈대가 있는 채터, 세 개의 단일 갈대 드론, 그리고 전체 세트로 알려진 완전한 버전에서는 파이퍼의 팔뚝으로 작동하는 키를 가진 세 개의 (''조절기'')를 가지고 있어 멜로디에 화성적 지원을 제공할 수 있다. (사실상 모든 Uilleann 파이퍼는 조절기가 없고, 풀무, 백, 채터, 드론만으로 구성된 하프 세트로 연주를 시작한다. 일부는 전체 세트를 연주하지 않기로 선택하며, 많은 사람들이 조절기를 거의 사용하지 않는다.) 백은 하이랜드 파이프와 거의 모든 다른 형태의 백파이프에서와 같이 연주자의 폐가 아닌, 파이퍼의 팔꿈치와 옆구리 사이에 잡힌 풀무로 공기를 채운다. 스코틀랜드 소형 파이프, 목동 파이프 (조절기와 함께 연주), 북잉글랜드의 노섬브리아 파이프, 그리고 앵글로-스코틀랜드 국경 지역에서 발견되는 보더 파이프는 예외이다.

Uilleann 파이프는 Fonn Mall이라는 기악 음악의 한 형태로 두드러진 부분을 차지하며, 무반주 노래 "in the old style"인 션 노스와 밀접한 관련이 있다. 윌리 클랜시, 레오 로섬, 개럿 배리는 당시 유명했던 많은 파이퍼 중 한 명이었다; 패디 키난과 데이비 스필레인은 오늘날 이 전통적인 곡들을 연주하며, 그 외에도 많은 곡들을 연주한다.

5. 3. 윌런 파이프 (Uilleann Pipes)

Uilleann Pipes영어는 백파이프의 일종으로, 노섬브리안 파이프와 유사하며, 아일랜드 포크 음악에 사용되는 악기이다.[43]

5. 4. 하프 (Harp)

아일랜드에서는 전통적으로 하프를 사용하였다. 아일랜드 국장도 하프이다. 현대에는 하프가 기타나 밴조 같은 현악기로 대체되었지만, 일부 음악가들은 여전히 하프를 사용한다.[43]

5. 5. 아코디언과 콘서티나 (Accordion and Concertina)

이 섹션은 주어진 원본 소스에 아코디언과 콘서티나에 대한 직접적인 언급이 없으므로, 악기 사용에 대한 일반적인 내용만 남깁니다.

아일랜드 포크 음악에는 하모니카, 콘서티나 등의 악기가 사용된다.[43]

5. 6. 밴조 (Banjo)

현대 포크 음악가들은 미국 악기인 밴조도 사용하고 있다.[43]

5. 7. 만돌린 (Mandolin)

아일랜드 포크 음악에는 하프, 일리언 파이프, 틴 휘슬, 보란, 기타, 만돌린, 바이올린, 하모니카, 콘서티나 등이 사용된다.[43]

5. 8. 기타 (Guitar)

현대에 와서 하프는 대부분 기타나 밴조 같은 현악기로 대체되었지만, 일부 음악가들은 하프를 계속 사용한다.[43] 현대 포크 음악가들은 미국 악기인 밴조도 사용하고 있다.

아일랜드 부주키는 현대 아일랜드 전통 음악계에서 자리를 잡았다.[26] 그리스 부주키는 1960년대 후반 조니 모이니한에 의해 아일랜드 전통 음악에 소개되었고, 이후 도널 루니, 앤디 어바인, 알렉 핀에 의해 대중화되었다.

오늘날의 아일랜드 부주키는 (일반적으로) 4개의 현으로 구성되며, 각 현은 2개의 줄로 이루어져 있고 (일반적으로) G2−D3−A3−D4로 조율된다. 베이스 현은 대부분 유니슨으로 조율되는데, 이는 아일랜드 부주키가 그리스 원형과 구별되는 특징 중 하나이다. 하지만 일부 연주자는 베이스 현을 옥타브로 조율하는 것을 선호하기도 한다. 그리스 부주키의 판재로 된 둥근 뒷면 대신, 아일랜드 부주키는 보통 평평하거나 약간 아치형의 뒷면을 가지고 있다. 최초로 아일랜드 부주키를 제작한 악기 제작자(1970년 도널 루니를 위해)인 피터 아브넷은 3조각 판재로 된 뒷면을 제작한다. 앞판은 평평하거나 아치탑 기타 또는 만돌린처럼 조각되지만, 일부 제작자는 뒷면과 앞면 모두를 조각한다.

알렉 핀과 믹 코넬리는 D3−A3−D4로 조율되는 오래된 스타일의 3현(6줄) 악기인 그리스 부주키, 즉 "트릭소르도"를 여전히 사용하는 몇 안 되는 주목할 만한 연주자이다.

5. 9. 부주키 (Bouzouki)

부주키는 1960년대에 아일랜드 전통 음악에 도입된 그리스 악기이다. 조니 모이니한(Johnny Moynihan)이 최초로 아일랜드 음악에 부주키를 가져온 사람으로 널리 알려져 있다. 1960년대 중반, 모이니한은 자신이 연주하던 스위니즈 멘(Sweeney's Men)에서 최초로 녹음된 부주키를 연주했다. 1970년대 초, 앤디 어바인(Andy Irvine)도 도날 러니(Donal Lunny)와의 파트너십과 플랭스티(Planxty)를 통해 그리스 부주키를 대중화했다.

그러나 아일랜드 부주키는 그리스 부주키와 거의 동일하지 않다. 그리스 부주키는 둥근 등받이를 가진 6현 악기(3코스)이지만, 아일랜드 부주키는 평평한 등받이를 가진 8현 악기(4코스)로 아일랜드 음악에 맞게 개조되었다.

5. 10. 보드란 및 기타 타악기 (Bodhrán and Other Percussion)

아일랜드 포크 음악에서는 하모니카, 콘서티나와 함께 보란 등의 타악기가 사용된다.[43]

5. 11. 하모니카 (Harmonica)

하모니카는 아일랜드 포크 음악에 사용되는 악기 중 하나이다. 그 외에도 일리언 파이프, 틴 휘슬, 보란, 기타, 만돌린, 바이올린, 콘서티나 등이 사용된다.[43]

6. 부흥

1950년대 중엽, 미국에서는 아일랜드에서 건너온 더 클랜시 브라더스(앤드 토미 메이컴)가 아일랜드 포크 음악 부흥을 주도하였다. 이들의 활동은 아일랜드 본토에도 영향을 미쳐, 더 더블리너스(1962년), 디 아이리시 로버스(1964년) 등 수많은 포크 그룹들이 미국, 캐나다, 아일랜드에서 등장했고, 많은 솔로 가수들도 나타났다. 미국의 포크 가수들도 앨범에 아일랜드 곡을 수록하기 시작했다. 이들은 전통 곡을 현대적 감각에 맞게 편곡했을 뿐만 아니라, 민족 감정을 자극하거나 해학, 풍자적인 대중가요를 발표하기도 했다.[32]

6. 1. 19세기 말 ~ 20세기 초 부흥

게일 연맹은 1893년에 창립되어 아일랜드어를 중심으로 아일랜드 전통 예술의 재발견과 확립을 장려했으며, 1903년에는 연례 대회인 페이스 케일(Feis Ceoil)을 설립하여 활동을 집중시켰다.[29]

미국에서는 프랜시스 오닐(1848–1936)이 아일랜드 전통 음악의 수집가이자 홍보가로 활동하며 큰 영향을 미쳤다.[29] 그는 에디슨 왁스 실린더에 아일랜드 음악가들의 초기 녹음을 남기기도 했다.[30] 1920년대와 1930년대에는 에드 리비, 마이클 콜먼, 제임스 모리슨, 존 맥케나와 같은 이민 음악가들의 음반이 아일랜드 음악에 새로운 생명을 불어넣었다.[31]

대니 보이는 1917년 에르네스틴 슈만-하잉크 (1861-1936)가 불렀다.


종교 또한 아일랜드 문화 재개발에 중요한 역할을 했다. 새로운 아일랜드 정부는 '재즈 댄스'를 제한하라는 성직자들의 요구에 귀를 기울였다. 1935년 공공 무도회법으로 인해 면허 없이 공공 음악 및 댄스 행사를 개최할 수 없게 되었고, 이러한 면허는 대부분 교구 신부와 같은 '적합한' 사람에게만 부여되었다.

6. 2. 1960년대 ~ 1970년대 부흥

1950년대 중엽, 미국에서는 더 클랜시 브라더스(앤드 토미 메이컴)가 아일랜드 포크 음악 부흥을 이끌었다. 이들의 활동은 아일랜드 본토에도 영향을 주어 더 더블리너스(1962년), 디 아이리시 로버스(1964년) 등 수많은 포크 그룹들이 등장했다. 미국의 포크 가수들도 아일랜드 곡을 앨범에 넣기 시작했다.[32]

숀 오 리아다의 치프턴스, 클랜시 형제, 아이리쉬 로버스, 더 더블리너스와 스위니즈 멘은 1960년대 아일랜드 민속 음악의 두 번째 부흥을 이끌었으며, 1970년대에는 플랜시, 보시 밴드와 클라나드가 그 뒤를 이었다. 이 부흥은 1951년 설립된 코할타스 케올토이리 에이렌의 지원을 받아 플레드 키올(음악 축제)로 이어졌다.[32]

1960년대에는 크리스티 무어와 도날 루니를 포함한 혁신적인 연주자들이 등장했다. 이들은 처음에 듀오로 활동하다가, 이후 플랜시와 무빙 하츠(1980년대)를 결성했다. 켈토이리 쿠알란의 기악 음악은 1963년에 결성된 치프턴스를 탄생시켰다.[32]

1970년대에 플랜시와 클라나드는 아일랜드 음악의 대중적 번영을 위한 무대를 마련했다.[32] 1974년에 결성된 보시 밴드는 이 운동의 선봉장이었다.[33] 도날 루니와 크리스티 무어가 결성하고 데이비 스필레인이 윌리언 파이프를 연주하는 무빙 하츠도 등장했다.[34] 아일랜드 민속 음악 협회는 1971년에,[35] 아일랜드 전통 음악 기록 보관소는 1987년에 설립되었다.[36]

반 모리슨은 소울 음악과 R&B를 통합한 트래드 록 씬으로 알려져 있다.

6. 3. 켈트 록 (Celtic Rock)

포크 록의 한 장르이자 켈트 퓨전의 한 형태인 켈트 록은 아일랜드에서 시작되어 켈트 음악, 악기, 그리고 주제를 록 음악의 맥락에 통합한 것이다. 이는 매우 성공적인 주류 켈트 밴드와 대중적인 음악가들의 발전에 핵심적인 기반이 되었으며, 더 나아가 퓨전을 통해 중요한 파생 장르들을 만들어냈다.[37] 이 씬에서 가장 성공적인 결과물은 밴드 씬 리지일 것이다. 1969년에 결성된 이들은 처음 두 개의 앨범에서 전통적인 아일랜드 음악의 영향을 뚜렷하게 보여주었으며, 1972년 첫 히트 싱글 '위스키 인 더 자'는 전통 아일랜드 노래를 록 버전으로 편곡한 것이었다.[38] 이 시점부터 그들은 일련의 히트 싱글과 앨범을 얻게 해준 하드 록으로 나아가기 시작했지만, 이후 앨범, 예를 들어 ''제일브레이크'' (1976)와 같은 앨범에서는 켈트 록의 요소를 가끔 유지했다. 1970년에 결성된 호스립스는 '켈트 록'이라는 용어가 적용된 최초의 아일랜드 그룹으로, 전통 아일랜드/켈트 음악과 악기, 켈트 주제와 이미지, 아일랜드 신화를 기반으로 한 개념 앨범을 제작하여 프로그레시브 록의 영역에 진입했으며, 모든 것이 하드 록 사운드로 표현되었다.[39] 호스립스는 아일랜드 록 역사에서 중요한 존재로 여겨지는데, 그들은 자국을 떠나지 않고 성공을 거둔 최초의 주요 밴드였으며, 아일랜드와 다른 지역의 켈트 록의 모델을 제시했다고 볼 수 있다.[40]

6. 4. 20세기 후반: 포크 록 등

1950년대 중엽 미국에서는 아일랜드에서 넘어온 클랜시 형제 셋과 토미 메이컴으로 이루어진 더 클랜시 브라더스(앤드 토미 메이컴)가 아일랜드의 포크 음악 부흥을 주도하였다. 더 클랜시 브라더스의 활동은 아일랜드 본토에도 영향을 끼쳤다. 더 더블리너스(1962년), 디 아이리시 로버스(1964년) 등등 무수히 많은 포크 그룹들이 미국과 캐나다, 아일랜드 본토에서 쏟아져 나왔고, 많은 솔로 가수들도 등장하게 되었다. 미국의 포크 가수들도 아일랜드 곡을 앨범에 삽입하기도 하였다. 이들은 단순히 전통 곡들을 현대적 감각에 맞게 편곡하여 내놓았을 뿐만 아니라, 민족 감정을 자극하는 대중가요나 해학, 풍자적인 대중가요를 내놓기도 했다.

현대 보드란 연주자


전통 음악, 특히 션 노스 창법은 20세기 후반 아일랜드 대중음악에서 중요한 역할을 했으며, 반 모리슨, 호트하우스 플라워스, 시네이드 오코너 등이 대중적인 노래에 전통적인 요소를 사용했다. 엔야는 뉴에이지/켈트 퓨전으로 엄청난 국제적인 성공을 거두었다. 셰인 맥고완이 이끄는 포그스는 아일랜드 민속 음악과 펑크 록을 융합하는 데 기여했다. 그 결과 아일랜드, 영국 및 미국에서 10위권 안에 드는 히트곡을 냈다. 아프로-켈트 사운드 시스템은 1990년대에 켈트 악기와 서아프리카의 영향을 드럼 앤 베이스와 결합했다.[1]

1980년대에는 데 다난, 알탄, 더비쉬, 패트릭 스트리트 등이 주목할 만한 민속 밴드였다. 이 시기에 아일랜드 음악에 대한 관심이 높아지면서 메리 블랙과 샤론 섀넌을 포함한 많은 아티스트들이 해외에서 더 많은 인정을 받게 되었다. BBC는 아일랜드 음악의 영향을 다룬 다큐멘터리 시리즈 'Bringing it all Back Home'을 방영했다(이 시리즈는 밥 딜런의 앨범과 아일랜드 디아스포라 이후 특히 신세계에서 아일랜드 전통 음악이 이동해 현대 아일랜드 록 음악에 영향을 미친 방식을 모두 지칭한다). 이 시리즈는 아일랜드 밖에서는 비교적 덜 알려진 많은 아티스트들의 인지도를 높이는 데에도 기여했다.[1]

2000년대에는 Beoga, Gráda, Danú, Teada 등이 주로 전통적인 성향을 가진 가장 젊은 주요 기악 밴드 중 하나이다.[1]

플루크, 킬라, Gráda, The Dave Munnelly Band 등 지역 및 아일랜드 음악을 융합하는 다른 많은 아일랜드 밴드들이 있다.[1]

7. 대표곡

아일랜드 포크 음악의 대표곡은 전통 곡, 과도기 곡, 현대 곡으로 나눌 수 있으며, 곡명은 영어 발음, 한국어 뜻, 알파벳 표기 순으로 나열되었다. 모든 곡에서 첫머리에 나오는 정관사는 생략되었다.

다음은 국적 불명으로, 스코틀랜드 곡 또는 아일랜드 곡으로 간주되는 곡들이다.

7. 1. 전통 곡



다음 세 곡은 국적 불명으로, 스코틀랜드 곡 또는 아일랜드 곡으로 간주된다.

7. 2. 과도기 곡

로디 매컬리[55], 켈리 더 보이 프럼 킬란[56], 불라보그, 더 보이즈 어브 웩스퍼드, 볼드 피니언 멘[57], 솔저스 송(현 아일랜드 공식 국가), 갓 블레스 잉글랜드[58], 존스턴스 모터 카, 리전 어브 더 리어가드 등의 곡이 1800년대 말부터 1945년 사이에 나왔다.

7. 3. 현대 곡

곡명작곡가
휘슬링 집시 로버레오 매과이어(Leo Maguire)
와일드 마운틴 타임프란시스 맥피크(Francis McPeake)[59]
어 저그 어브 펀치프란시스 맥피크[60]
포 그린 필즈토미 메이컴
페어웰 투 칼링퍼드토미 메이컴
램블스 어브 스프링토미 메이컴
더 윈즈 아 싱잉 프리덤토미 메이컴
패트리엇 게임도미니크 비언[61]
올드 트라이앵글도미니크 비언
매칼파인스 퓨절리어스도미니크 비언
컴 이 아웃 블랙 앤 탠즈도미니크 비언
메리 플로보이 또는 오프 투 더블린 인 더 그린제러마이어 린치
라이플즈 어브 디 아이알에이도미니크 비언
볼드 테넌트 파머보비 클랜시
블랙워터스 사이드리엄 클랜시
투 헌드레드 이어 올드 알코올릭리엄 클랜시
브릭레이어스 송피터 쿡시
필즈 어브 아덴라이피트 세인트존
유 아 낫 아이리시로비 오코늘
더 타운 아이 러브드 소 웰필 쿨터
홈 프럼 더 시필 쿨터


8. 시스템

아일랜드의 포크 음악은 연예 기획사를 통해 데뷔하는 경우도 있지만, 대부분 독립적으로 활동한다. 솔로 가수들은 미국 포크 음악처럼 포크 클럽에서 활동하며 경력을 쌓고, 이후 자신의 자금이나 레이블 계약을 통해 앨범을 발매한다. 밴드들은 대부분 인디밴드 형태로 활동한다. 이러한 시스템으로 인해 데뷔 연도와 첫 앨범 발매 연도 사이에 차이가 나는 경우가 있는데, 예를 들어 더 더블리너스는 1962년에 데뷔하여 1964년에 첫 앨범을 발매했다.[1]

9. 오해

미국인, 일본인, 한국인은 흔히 대니 보이(Danny Boy)를 아일랜드의 대표적인 포크 음악으로 오해한다. 실제로 엘비스 프레슬리, 존 바에즈, 에바 캐시디를 비롯한 많은 미국 가수들이 대니 보이를 불렀고, 심지어 한국의 아이돌 가수인 아이유(2009년)[44]와 소녀시대(2011년)도 이 곡을 불렀다. 그러나 대니 보이는 정작 아일랜드의 포크 가수들과 그룹들은 거의 부르지 않는 곡이다. 이 곡은 가락만 북아일랜드 가락인 런던데리 에어(Londonderry Air)이고, 가사는 1913년에 잉글랜드 사람이 지었다. 한국으로 따지자면, 아리랑의 가락에 일본인이 가사를 붙인 곡인 셈이다. 이 곡이 대표적인 아일랜드 고전 포크송이 아닌 또 다른 이유는, 쾌활하고 발랄한 아일랜드인의 국민성(아이리시 로버, 홀리 그라운드 등은 굉장히 쾌활하고 밝은 곡이다)과는 정반대로 차분하고 조용한 곡이기 때문이다.

10. 관련 단체

여러 기관이 아일랜드 전통 음악을 수집하고 홍보하는 데 관여하고 있다. 여기에는 코할타스 시올토이리에안, 아일랜드 민속 음악 협회, 아일랜드 전통 음악 기록 보관소, 리머릭 대학교의 아일랜드 음악 및 무용 아카데미가 포함된다.[41]

지역 중심의 조직으로는 코크 주 발리보르니에 있는 전통 및 현대 예술을 위한 지역 문화 센터인 Ionad Cultúrtha가 있다.[42]

11. 펍 세션 (Pub Sessions)

펍 세션은 현재 아일랜드 전통 음악의 주요 무대가 되었으며, 시골과 도시의 펍에서 비공식적으로 열린다. 이러한 현대 펍 세션 중 최초로 알려진 것은 1947년 런던 캠던 타운의 Devonshire Arms라는 술집에서 열렸다[1]. 일부 민족음악학자들은 이전에 미국에 있던 아일랜드 이민자들이 세션을 열었을 것이라고 믿는다[1]. 이 관행은 나중에 아일랜드에 도입되었다[1]. 1960년대에 더블린의 O'Donoghues와 같은 펍에서 자체 펍 세션을 열었다[1].

참조

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[6] 간행물 Caoineadh os Cionn Coirp: The Lament for the Dead in Ireland Taylor & Francis
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[13] 웹사이트 Irish Musical Instruments https://www.ourirish[...]
[14] 뉴스 Brian Conway is the Irish Echo's top trad artist for 2008 http://irishecho.com[...] Irish Echo 2009-01-28
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