바이올린

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1. 개요

바이올린은 16세기 초에 등장한 현악기로, 16세기 후반에 제작된 현존하는 가장 오래된 악기가 있다. 이탈리아에서 시작되어 유럽 전역으로 퍼졌으며, 비올족을 대체하며 발전했다. 18세기 중엽부터 구조적 변화를 겪었고, 현대에는 전기 바이올린도 등장했다. 바이올린은 4개의 현과 활을 사용하여 소리를 내며, 다양한 연주 기법과 음악 장르에서 활용된다. 초기에는 노래나 춤 반주에 사용되었으나, 바로크 시대를 거치며 서양 고전 음악의 주요 악기로 자리 잡았다. 현재는 클래식 음악 외에도 재즈, 대중음악, 민속 음악 등 다양한 장르에서 사용되며, 많은 연주자와 제작자들이 활동하고 있다.

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바이올린
악기 정보
이름	바이올린
다른 이름	피들
표준 현대 바이올린의 전면과 측면
악기 분류	현악기 - 바이올린족
호른보스텔-작스 분류	321.322-71
호른보스텔-작스 분류 설명	활로 소리 내는 현명악기
개발	16세기 초반
음역	[[파일:Range violin.png\|135px\|가운데]]
관련 악기	바이올린족 (비올라, 첼로, 더블베이스) 비올족 악기
연주자	바이올린 연주자 목록
제작자	바이올린 장인 목록
관련 항목	바이올린 협주곡 바이올린 소나타
언어별 명칭
영어	violin
독일어	Violine, Geige
프랑스어	violon
이탈리아어	violino
중국어	小提琴, 提琴
음향
참고 문헌
서적 인용	Matthews, 이름=Max, 제목=세계의 악기 백과 사전, 날짜=2004-10-25, 출판사=교학사, 출판위치=서울, id=89-09-09735-3, 쪽=102

2. 역사

바이올린의 역사는 크게 기원과 발전, 초기 제작자, 그리고 발전과 개량, 한국으로의 전래 등으로 나누어 살펴볼 수 있다.

바이올린은 16세기 초 이탈리아 북부에서 처음 등장한 것으로 알려져 있다. 레오나르도 다 빈치의 필사본에도 바이올린과 비슷한 악기의 설계도가 보일 정도로, 그 기원은 오래되었다.^[65] 초기에는 비올족보다 늦게 생겨났지만, 우수한 기능 덕분에 점차 비올족의 현악기를 대체해 나갔다.

15세기 후반, 비올족은 류트나 레베크와 함께 궁정 기악 합주의 중심적인 역할을 담당했다. 그러나 이탈리아 상업 자본주의가 발전하면서 베네치아 극장이 건립되고, 오페라와 기악 합주 연주회가 시민들에게 개방되면서 상황이 바뀌었다. 넓은 극장에서 연주하기에는 비올족 악기의 음량이 너무 작았고, 종교적인 요소에서 벗어나 인간의 감정을 표현하고자 했던 이탈리아 오페라의 발전 방향과도 맞지 않았다. 이러한 배경 속에서 비올족에서 바이올린족으로의 이행이 시작되었다.

현존하는 가장 오래된 바이올린은 가스파로디·베르톨롯티(1540경-1609)가 제작한 것이다. 이후 바이올린은 비올족과 1세기 이상 경쟁하면서 비올라와 첼로를 탄생시키는 등 비올족에 영향을 주었다. 비올로네는 콘트라베이스로 개량되었고, 1530년경부터 1705년 사이에 바이올린족은 완성되었다.

1535년경 이탈리아 사론노의 마돈나 데이 미라콜리 성당 돔에 그려진 바이올린, 비올라, 첼로를 연주하는 천사 그림

18세기 중엽부터는 음악회 전용 연주회장이 생겨나면서 더 큰 음량과 화려한 음색에 대한 요구가 커졌다. 이에 따라 바이올린의 목과 지판이 길어지고 줄받침이 높아지는 등 구조적인 변화가 일어났다.^[74] 활 또한 처음에는 반원형이었지만, 기술적인 요청에 따라 점차 개량되어 18세기 말에는 현재와 같은 형태가 되었다.

18세기 이전에 만들어진 악기들은 대부분 이러한 개량을 거쳐 현대식 바이올린이 되었으며, 원형을 유지하고 있는 악기는 바로크 바이올린이라고 불린다. 현대에도 바로크 바이올린 형태로 제작되는 경우가 있다.

16세기부터 18세기 사이에는 브레시아 학파, 크레모나 학파, 베네치아 학파 등 여러 학파에서 뛰어난 바이올린 제작자들이 등장했다.

학파	활동 지역	주요 제작자
브레시아 학파	브레시아, 베네치아	달라 코르나 가문, 미켈리 가문, 인베르디 가문, 가스파로 다 살로 가문, 조반니 파올로 마지니, 로제리 가문
크레모나 학파	크레모나	아마티 가문, 과르네리 가문, 스트라디바리 가문,^[22] 루제리 가문, 카를로 베르곤치 (루티에)
베네치아 학파	베네치아	리나롤로 가문, 마테오 고프릴레르, 피에트로 과르네리, 도메니코 몬타냐나, 산토 세라핀

특히 크레모나에서는 니콜로 아마티, 스트라디바리 가문, 과르네리 가문 등 저명한 제작자들이 등장했는데, 그중에서도 안토니오 스트라디바리와 바르톨로메오 주세페 과르네리 델 제수가 특히 뛰어났다. 오스트리아 인스브루크 근교 아브삼에서 활동했던 야코프 슈타이너의 작품도 18세기 말까지 최고급 바이올린으로 거래되었다.^[66]

한국에는 메이지 시대에 주로 독일계 외국인 교사들에 의해 바이올린이 보급되기 시작했다. 1887년 스즈키 마사키치가 일본 최초의 바이올린 제조 회사(스즈키 바이올린 제조)를 설립했고, 1900년(메이지 33년)부터 대량 생산이 시작되었다.^[71] 다이쇼 시대에는 짐발리스트, 하이페츠, 크라이슬러, 엘만 등 명연주자들이 잇따라 일본을 방문하여 큰 영향을 미쳤다. 제2차 세계 대전 이후에는 여러 교본이 보급되고 유아 교육도 성행하면서 기술 수준이 비약적으로 향상되었다.

2. 1. 기원과 발전

바이올린이 세상에 처음 등장한 것은 16세기 초로 알려져 있다. 비올족보다 늦게 생겨났고, 그 우수한 기능으로 비올족의 현악기와 대체되었다. 바이올린족의 기원은 그다지 오래되지 않았지만 확정적인 설은 없다. 다만 바이올린족은 비올족과 깊은 관계가 있고 비올족에 이어 생겨난 것으로 보인다.^[74]

15세기 후반 비올족이 류트나 레베크(rebec)와 함께 궁정 기악 합주의 중심적인 자리를 차지하였다. 거의 같은 시기에 이탈리아 상업 자본주의가 발전하여 신흥 상업 자본가가 베네치아 극장을 세워 오페라나 기악합주 연주회가 시민에게 개방되었다. 그러나 넓은 극장의 여러 청중 앞에서는 비올족 악기는 음량이 너무 작아 충분한 표현을 할 수 없었다. 한편 이탈리아 오페라는 종교적 요소에서 떨어져 나와 해방된 인간 감정을 새로운 형식 속에 풍요롭게 표현하는 방향으로 나아가기 때문에 극장의 관현악도 종래의 관악기 중심의 편성에서 현악기 중심의 편성으로 발전하였다. 이때 현의 수효가 많고 좁은 음넓이에 각기 별종 악기를 필요로 하는 비올족으로는 새로운 시대적 요구를 충족할 수 없었다. 이와 같은 상황에서 비올족으로부터 바이올린족으로의 이행이 시작되었다.^[74]

현존하는 가장 오랜 바이올린은 가스파로디·베르톨롯티(1540경-1609)가 제작한 것이다. 이후 바이올린은 비올족과 1세기 이상이나 세력을 다투면서 비올족에 영향을 주어 비올라가 되고 가장 낮은음악기 비올로네가 1520년경부터 높은 음넓이로 발전하여 첼로를 낳았다. 비올로네 자체는 바이올린과 음질이 균등하도록 개량되어 현재의 콘트라베이스로 되었고 1530년경부터 1705년 사이에 바이올린족은 완성되었다.^[74]

18세기 중엽부터 바이올린 구조는 몇 가지 중요한 변화가 나타났다. 음악회 전용 연주회장이 생기자 청중 수가 많아져 악기에 더 큰 음량과 화려한 음색이 필요해졌다. 그리하여 바이올린의 목과 지판은 길어지고 줄받침은 높아졌으며, 옆판은 두꺼워지고 공명판은 얇아졌다. 또 더욱 높은 피치에 대응하기 위해 목 부분이 뒤로 젖혀졌다. 활이 현재와 같은 형태가 된 것은 18세기 말이다. 처음에는 반원형, 즉 무기의 활을 닮은 모습이었지만 기술적 요청에 따라 서서히 개량되었다.^[74]

18세기 이전에 만들어진 악기의 대부분은 현재와 같이 개량되었으며 이들을 현대식 바이올린이라고 한다. 또, 수리를 받지 않고 원형을 유지하고 있는 것을 바로크 바이올린이라고 한다. 그러나 현대에 만들어진 바이올린도 바로크 바이올린의 형태로 되어 있으면 바로크 바이올린이라고 부르기도 한다. 지금은 음향을 전기 신호로 바꾸는 전기 어쿠스틱 바이올린, 현의 진동을 직접 전기 신호로 바꾸는 전기 바이올린도 등장하였다.^[74]

가장 초기의 현악기는 대부분 뜯어서 연주하는 악기였다(예: 그리스의 리라). 말총으로 활을 사용하여 수직으로 세워 연주하는 두 줄의 활 현악기는 중앙아시아의 유목민 기마 문화에서 유래했을 가능성이 있으며, 현대 몽골의 모린 후르와 카자흐스탄의 코비즈와 매우 유사한 형태를 하고 있다.^[9]^[10] 비슷하거나 변형된 유형은 아시아에서 중동^[11]^[12] 및 비잔티움 제국으로 동서 무역로를 따라 전파되었을 것이다.

레베크, 피들 및 리라 다 브라초는 일반적으로 바이올린의 조상으로 간주된다.^[13] 바이올린의 기원에 대해 북부 또는 서유럽과 같은 대안적인 가능성을 제시하는 여러 자료가 있다.^[14]^[15]^[16] 바이올린의 최초 제작자들은 아마도 비잔틴 리라의 다양한 발전에서 차용했을 것이다. 여기에는 비엘(또는 ''피델'' 또는 ''비우올라'')와 ''리라 다 브라초''가 포함된다.^[11]^[17]

현재와 같은 형태의 바이올린은 16세기 초 이탈리아 북부에서 등장했다. 비록 세 개의 줄을 가지고 있지만, 바이올린의 가장 초기 그림은 1530년경 이탈리아 북부에서 볼 수 있으며, "violino"와 "vyollon"이라는 단어가 이탈리아어와 프랑스어 문서에 나타나는 시기와 거의 일치한다. 악기의 조율을 포함한 가장 초기의 명확한 설명 중 하나는 잠브 드 페르의 ''Epitome musical''(1556년 리옹 출판)에 나온다.^[18] 이 무렵 바이올린은 이미 유럽 전역으로 퍼지기 시작했다.

바이올린은 길거리 음악가와 귀족 모두에게 매우 인기가 있었으며, 프랑스 국왕 샤를 9세는 1560년 안드레아 아마티에게 24대의 바이올린을 제작하도록 명령했다.^[19] 이러한 "귀족" 악기 중 하나인 ''샤를 9세''는 가장 오래된 바이올린이다. 세계에서 가장 훌륭한 르네상스 양식으로 조각되고 장식된 바이올린은 가스파로 다 살로 (약 1574년)가 제작한 것으로, 오스트리아 대공 페르디난트 2세가 소유했으며, 1841년부터 노르웨이 거장 올레 불이 40년 동안 수천 번의 연주에 사용했는데, 과르네리와 비슷한 매우 강력하고 아름다운 음색을 지녔다.^[20] “메시아” 또는 ''"Le Messie"''(또는 "살라부"로 알려짐)는 안토니오 스트라디바리가 1716년에 제작한 것으로, 원형 그대로 보존되어 있다. 현재 옥스퍼드의 애슈몰린 박물관에 소장되어 있다.^[21]

16세기부터 18세기 사이 가장 유명한 바이올린 제작자(루티에)는 다음과 같다.

학파	가문	활동 지역	활동 시기
브레시아 학파 (14세기 후반 리라, 비올레타, 비올라로 시작하여 16세기 전반 바이올린 분야에서 활동)	달라 코르나 가문	브레시아와 베네치아	1510년~1560년
미켈리 가문	브레시아	1530년~1615년
인베르디 가문	브레시아	1550년~1580년
가스파로 다 살로 가문	브레시아와 살로	1530년~1615년
조반니 파올로 마지니 (가스파로 다 살로의 제자)	브레시아	1600년~1630년
로제리 가문	브레시아	1661년~1721년
크레모나 학파 (16세기 후반 비올라와 비올로네로 시작하여 16세기 후반 바이올린 분야에서 활동)	아마티 가문	크레모나	1550년~1740년
과르네리 가문	크레모나와 베네치아	1626년~1744년
스트라디바리 가문	크레모나	1644년~1737년^[22]
루제리 가문	크레모나	1650년~1740년
카를로 베르곤치 (루티에)	크레모나	1683년~1747년
베네치아 학파 (16세기 초부터 여러 활 현악기 제작자가 있었던 곳으로, 1490년~1630년 사이에 등록된 현악기 제작자 140명 이상이 있었다.)^[23]	리나롤로 가문	베네치아	1505년~1640년
마테오 고프릴레르 (첼로로 유명)	베네치아	1685년~1742년
피에트로 과르네리 (주세페 조반니 바티스타 과르네리의 아들이며 크레모나 출신)	베네치아	1717년~1762년
도메니코 몬타냐나	베네치아	약 1700년~1750년
산토 세라핀	베네치아	1741년 이전부터 1776년까지

18세기에 바이올린 제작에는 상당한 변화가 있었는데, 특히 목이 더 길어지고 이전 예제보다 악기 뒤쪽으로 더 기울어졌으며, 현이 더 무거워지고 베이스 바가 더 무거워졌다. 대부분의 오래된 악기는 이러한 수정을 거쳤으며, 따라서 제작자의 손을 떠났을 때와는 상당히 다른 상태에 있으며, 소리와 반응에 차이가 있었을 것이다.^[24] 그러나 이 악기들은 현재 (수정된) 상태에서 바이올린 제작과 소리에 대한 완벽의 기준을 세웠으며, 전 세계 바이올린 제작자들은 이 이상에 최대한 가까이 다가가려고 노력한다.

오늘날까지도 소위 바이올린 제작의 황금기, 특히 스트라디바리, 과르네리 델 제수, 몬타냐나가 제작한 악기는 수집가와 연주가 모두에게 가장 인기 있는 악기이다. 스트라디바리 바이올린에 지불된 최고 기록 금액은 9800000GBP(당시 15900000USD)로, 레이디 블런트로 알려진 악기가 2011년 6월 20일 타리시오 경매의 온라인 경매에서 팔렸다.^[25]

등장 이래 바이올린은 무용의 반주 등 서민들에게는 일찍부터 친숙했지만, 예술 음악에서는 류트나 비올라 다 감바에 비해 화려한 음색이 꺼려져 처음에는 그다지 사용되지 않았다. 그러나 제작 기술의 발달과 음악 취향의 변화에 따라 점차 합주에 사용되게 된다.

17세기에는 교회 소나타와 실내 소나타 연주에 사용되었다. 소나타는 마리니나 비탈리 등의 손으로 발전하여 코렐리의 소나타집(1700년,「라 포리아」도 그 일부)이 그 결정판이 되었다.

'''비발디로 추정되는 그림'''
F. M. La Cave 작(1723년)

조금 늦게, 코렐리 등에 의해 뛰어난 협주곡이 만들어졌지만, 토렐리의 협주곡집(1709년)에서 독주 협주곡의 방향성이 제시되고, 비발디의 「화성의 영감」(1712년) 등의 작품군에서 하나의 형식을 만들어냈다. 비발디의 기법은 J.S. 바흐, 헨델, 텔레만 등에도 영향을 주었다. 한편 협주곡이 지닌 연주자 겸 작곡가에 의한 명인기예 추구라는 성격은 로카텔리, 타르티니, 푸냐니 등에 의해 계승되어 기교적인 색채를 강하게 띠게 되었다. 또한 르클레르는 이러한 흐름과 프랑스 궁정 음악을 융합시켜 프랑스 음악의 기초를 쌓았다.

18세기 후반에는 만하임 악파가 많은 합주곡을 만들어내는 가운데 바이올린을 중심으로 한 오케스트라를 만들었다. 그리고 하이든, 모차르트, 베토벤, 슈베르트 등의 빈 고전파에 의해 실내악·관현악에서 바이올린의 위치는 결정적인 것이 되었다. 또한 투르테에 의한 활의 개량은 더욱 다채로운 표현을 가능하게 하였고, 비오티와 그의 제자 크로이처, 바이오, 로드에 의해 근대 연주법이 확립되어 갔다.

19세기가 되면, 현재에도 기교적인 면에서는 매우 어렵다고 여겨지는 파가니니의 작품의 등장에 의해, 명인기예적인 기교(비르투오조)가 바이올린곡의 중심적인 요소로 여겨지게 되어, 고도의 연주 기술을 과시하는 곡이 많이 만들어졌다.^[70]

19세기 중반부터는 연주자와 작곡가의 분리가 강하게 나타나게 되었다. 당시의 명연주가에게 곡이 헌정되거나, 혹은 협력하여 작곡하는 경우가 많았는데, 예를 들어 멘델스존은 다비드, 브람스는 요아힘이라는 연주가의 조언을 얻어 협주곡을 작곡하고 있다. 또한 차이콥스키나 드보르자크, 그리그 등에 의해 민족적인 요소와 기교적인 요소의 결합이 이루어지고, 시벨리우스, 하차투리안, 카바레프스키 등에게 계승되고 있다.

바이올린은 각지의 민속 음악에도 사용되고 있으며, 특히 동유럽, 아일랜드, 미국의 것이 유명하다.

2. 2. 초기 제작자

바이올린은 16세기 초에 처음 등장한 것으로 알려져 있다. 현존하는 가장 오래된 악기는 16세기 후반의 것이지만, 그 이전에도 북부 이탈리아 등 유럽 각지의 회화나 문헌에서 바이올린이 묘사되었다. 레오나르도 다 빈치의 필사본에도 바이올린과 비슷한 악기의 설계도가 보인다.^[65] 초기 제작자로는 브레시아의 가스파로 다 살로, 크레모나의 안드레아 아마티 등이 유명하다.

현재와 같은 형태의 바이올린은 16세기 초 이탈리아 북부에서 등장했다. 가장 초기의 명확한 설명 중 하나는 잠브 드 페르의 ''Epitome musical''(1556년 리옹 출판)에 나온다.^[18]

프랑스 국왕 샤를 9세는 1560년 안드레아 아마티에게 24대의 바이올린을 제작하도록 명령했다.^[19] 이 중 하나인 ''샤를 9세''는 가장 오래된 바이올린이다. 가스파로 다 살로가 제작한 르네상스 양식으로 조각되고 장식된 바이올린(약 1574년)은 오스트리아 대공 페르디난트 2세가 소유했으며, 이후 올레 불이 40년 동안 연주에 사용했다.^[20] 안토니오 스트라디바리가 1716년에 제작한 “메시아”는 원형 그대로 보존되어 옥스퍼드의 애슈몰린 박물관에 소장되어 있다.^[21]

16세기부터 18세기 사이 가장 유명한 바이올린 제작자(루티에)는 다음과 같다.

학파	활동 지역	주요 제작자
브레시아 학파	브레시아, 베네치아	달라 코르나 가문, 미켈리 가문, 인베르디 가문, 가스파로 다 살로 가문, 조반니 파올로 마지니, 로제리 가문
크레모나 학파	크레모나	아마티 가문, 과르네리 가문, 스트라디바리 가문,^[22] 루제리 가문, 카를로 베르곤치 (루티에)
베네치아 학파	베네치아	리나롤로 가문, 마테오 고프릴레르, 피에트로 과르네리, 도메니코 몬타냐나, 산토 세라핀

17세기부터 18세기에 걸쳐 이탈리아 북부 크레모나에서는 니콜로 아마티, 스트라디바리 가문, 과르네리 가문 등 저명한 제작자가 잇달아 등장했다. 특히 뛰어났던 사람은 안토니오 스트라디바리와 바르톨로메오 주세페 과르네리 델 제수이다. 또한 현재 오스트리아 인스브루크 근교 아브삼에서 활동했던 야코프 슈타이너의 작품도 18세기 말까지 최고급 바이올린 중 하나로 거래되었다.^[66]

2. 3. 발전과 개량

바이올린은 16세기 초에 처음 등장한 것으로 알려져 있다. 현존하는 가장 오래된 악기는 16세기 후반의 것이지만, 그 이전에도 북부 이탈리아 등 유럽 각지의 회화나 문헌에서 바이올린이 묘사되었다. 비올족보다 늦게 생겨났지만, 그 우수한 기능으로 비올족의 현악기를 대체하였다. 바이올린족의 기원은 명확하지 않지만, 비올족과 관련이 깊고 비올족에 이어 생겨난 것으로 보인다.

15세기 후반, 비올족은 류트나 레베크(rebec)와 함께 궁정 기악 합주의 중심이었다. 거의 같은 시기, 이탈리아 상업 자본주의의 발전으로 신흥 상업 자본가들이 베네치아 극장을 세워 오페라나 기악합주 연주회를 시민에게 개방하였다. 그러나 넓은 극장의 많은 청중에게는 비올족 악기의 음량이 너무 작았다. 한편, 이탈리아 오페라는 종교적 요소에서 벗어나 해방된 인간 감정을 표현하는 방향으로 나아갔고, 극장의 관현악도 관악기 중심에서 현악기 중심으로 발전하였다. 이러한 상황에서 비올족에서 바이올린족으로의 이행이 시작되었다.

현존하는 가장 오래된 바이올린은 가스파로디·베르톨롯티(1540경-1609)가 제작한 것이다. 이후 바이올린은 비올족과 1세기 이상 세력을 다투면서 비올족에 영향을 주어 비올라와 첼로를 탄생시켰다. 비올로네는 콘트라베이스로 개량되었고, 1530년경부터 1705년 사이에 바이올린족은 완성되었다.

18세기 중엽부터 바이올린 구조에 몇 가지 중요한 변화가 나타났다.^[74] 음악회 전용 연주회장이 생기면서 청중 수가 많아져 더 큰 음량과 화려한 음색이 필요해졌다.^[74] 이에 따라 바이올린의 목과 지판은 길어지고 줄받침은 높아졌으며, 옆판은 두꺼워지고 공명판은 얇아졌다.^[75] 또한, 더 높은 피치에 대응하기 위해 목 부분이 뒤로 젖혀졌다. 활이 현재와 같은 형태가 된 것은 18세기 말이다. 처음에는 반원형이었지만 기술적 요청에 따라 점차 개량되었다.

18세기 이전에 만들어진 악기의 대부분은 현재와 같이 개량되었으며, 이를 현대식 바이올린이라고 한다. 원형을 유지하고 있는 것은 바로크 바이올린이라고 한다. 현대에 만들어진 바이올린도 바로크 바이올린 형태로 되어 있으면 바로크 바이올린이라고 부르기도 한다. 오늘날에는 음향을 전기 신호로 바꾸는 일렉트릭 어쿠스틱 바이올린과 현의 진동을 직접 전기 신호로 바꾸는 일렉트릭 바이올린도 등장하였다.

2. 4. 한국으로의 전래

메이지 시대에 주로 독일계 외국인 교사들에 의해 연주자가 양성되었고, 바이올린은 서서히 보급되었다. 1887년 스즈키 마사키치는 일본 최초의 바이올린 제조 회사(스즈키 바이올린 제조)를 설립했고, 1900년(메이지 33년)부터 대량 생산되기 시작했다.^[71] 다이쇼 시대에는 짐발리스트, 하이페츠, 크라이슬러, 엘만 등 명연주자들이 잇따라 일본을 방문하여 큰 영향을 미쳤다. 1945년 히로시마시에 대한 원자폭탄 투하로 피폭된 바이올린이 하나 현존하고 있다(세르게이 파르치코프 참조).

전쟁 후에는 여러 교본이 보급되고 유아 교육도 성행하면서 기술 수준이 비약적으로 향상되었다. 현재는 세계적으로 활동하는 일본인 연주자도 많다.

3. 구조

바이올린은 80개가 넘는 부품으로 구성되어 있고, 현이 4개이다.^[74] 악기 접합 부분 대부분은 동물성 피혁 접착제를 사용하는데, 이는 다른 접착제보다 얇은 접합부를 만들 수 있고, 필요시 분해가 가능하며, 수리 시 더 많은 원목을 보존할 수 있기 때문이다. 다만, 상판을 측판에 고정하거나 너트를 지판에 고정할 때는 약한 희석된 접착제를 사용하는데, 이는 일반적인 수리 과정에서 이 부품들을 제거해야 하기 때문이다.

가문비나무 상판 가장자리를 따라 달리는 퍼플링은 가장자리에서 시작되는 균열을 방지하고, 상판이 측판 구조와 더 독립적으로 움직일 수 있도록 한다. 상판에 페인트로 칠한 가짜 퍼플링은 일반적으로 저품질 악기의 징후이다. 뒷판과 측판은 일반적으로 단풍나무로 만들어지며, 대부분 일치하는 줄무늬 나무결(플레임, 피들백 또는 타이거 스트라이프라고 함)을 가지고 있다.

목은 일반적으로 측판과 뒷판과 같은 무늬의 단풍나무로 만들어지며, 지판을 지지한다. 흑단은 경도, 아름다움, 내마모성이 우수하여 지판 재료로 선호되지만, 저렴한 악기에는 다른 목재를 검게 염색하기도 한다. 일부 오래된 바이올린은 페그박스와 목 사이의 접합부로 알 수 있는 이식된 스크롤을 가지고 있는데, 이는 바로크 바이올린의 목을 현대 표준에 맞추면서 원래의 스크롤을 유지할 수 있게 해준다.

브릿지는 정밀하게 절단된 단풍나무 조각으로, 현 진동을 악기 본체로 전달하며, 상단 곡선은 현을 지판에서 적절한 높이에 유지하여 활로 각 현을 따로 소리낼 수 있게 한다. 사운드 포스트는 브릿지의 고음쪽 발 근처 뒷판과 상판 사이에 정확하게 들어맞아 악기 상판과 뒷판의 진동 모드에 영향을 미친다.

테일피스는 테일거트를 통해 바이올린 하부 바우트에 현을 고정하며, 테일거트는 테일핀(엔드핀) 주위를 감싸고, 이는 바닥 블록의 테이퍼형 구멍에 맞는다. E현은 종종 미세 조정 레버를 가지고 있으며, 다른 현에도 적용될 수 있고, 때로는 테일피스에 내장되기도 한다. 미세 조정기는 연주자가 현의 음높이를 약간 변경할 수 있게 한다. 스크롤 끝에서 현은 페그박스의 나무 튜닝 페그 주위에 감기며, 튜닝 페그는 테이퍼형으로 페그 박스의 구멍에 맞고, 나무와 나무의 마찰력으로 고정된다. 현은 금속, 양장, 금속으로 감싼 양장 등으로 만들어지며, 양쪽 끝에 색깔 있는 실크 감개가 있어 현을 식별하고 페그에 대한 마찰을 제공한다. 테이퍼형 페그는 연주자가 페그를 돌릴 때 축을 따라 적절한 압력을 가하면 마찰을 조절할 수 있게 한다.

경년 변형을 방지하기 위해 미리 장기간 천연 건조하지만, 현재는 건조 釜을 사용한 강제 건조에 의한 KW재(Kiln Dry Wood)를 사용하는 경우도 많다. 도장에는 니스가 사용되며, 알코올계와 오일계의 두 종류가 있다. 일부 저렴한 악기에는 폴리우레탄도 사용되고 있다.

3. 1. 본체

　Steg：駒(브릿지)
　Decke：表板(상판)
　Boden：裏板(하판)
　Zargen：側板(측판)
　Einlage：象眼細工(인레이)
　Reifchen：内張り(내부 라이닝)
　Bassbalken：力木(베이스바)
　Stimmstock：魂柱(사운드포스트)]]

전체 길이는 약 60cm, 몸통 길이는 약 35cm, 무게는 악기에 따라 다르지만 300~600g 정도이다. 표판에는 스프루스가 사용되며, 특히 독일가문비가 많이 사용된다.^[50] 뒷판과 측판, 목에는 메이플이 일반적으로 사용된다.^[50] 표판과 뒷판 모두 두 장의 판을 나뭇결이 맞도록 접착하여 사용한다.^[51] 지판에는 흑단이 자주 사용된다.^[52]

몸통은 f자형 음향구멍을 개구부로 하는 헬름홀츠 공명기를 구성하고 있으며,^[53] 단면은 오른쪽 그림과 같다. 상판 뒷면에 있는 힘목(バスバー)은 상판을 보강하고 저음의 울림을 강화하고 안정시키는 역할을 한다.^[54] 몸통 안에는 소리굽쇠(魂柱, こんちゅう, 사운드포스트)라고 불리는 원기둥이 세워져 있으며, 다리(駒)를 통해 상판에 도달한 진동을 뒷판에 전달한다.

지판 끝에는 현의 장력을 조절하는 糸巻き(페그)가 있다. 끝부분의 나선형 장식(스크롤)은 장식이며, 일반적으로 소리에 영향을 미치지 않는다고 여겨지지만, 음향을 위해 의도적으로 대칭성을 깨고 가공된 악기도 많다고 한다.^[55]

다리(駒)·소리굽쇠(魂柱)·페그·앤드핀을 제외한 부품은 아교로 접착된다. 아교로 접착된 목재는 증기를 쬐면 분리되므로, 바이올린은 분해 수리나 부재의 교체가 가능하다.^[57]

3. 2. 현

바이올린은 4개의 현으로 되어 있다. 정면에서 볼 때 왼쪽이 저음, 오른쪽이 고음 현이며, 각각 G현, D현, A현, E현이다. 원래는 모든 현을 양의 창자로 만들었으나, 1700년경부터 음색 개선을 위해 G현에 은선을 감기 시작했다.^[74] 오늘날에도 G, D, A현은 이렇게 만들지만, E현은 주로 강철 현을 사용한다.^[74]

현은 테일피스에 고정되어 브릿지를 지나 지판 끝의 너트에 걸쳐 페그에 감겨 있다. 이웃하는 현은 완전5도 간격으로 조율된다. 한국에서는 개방현의 음고를 독일 음명을 사용하여 E현, A현, D현, G현(이선, 아선, 디선, 지선)이라고 부르거나, 1번 현(I), 2번 현(II), 3번 현(III), 4번 현(IV)과 같이 번호로 부르기도 한다.

페그를 돌려 음높이를 조절하지만, E현은 가늘어 끊어지기 쉬우므로 미세 조율기라는 작은 나사를 사용하기도 한다. 어린이는 줄감개를 돌리기 어려워 모든 현에 미세 조율기를 달기도 한다.

현(Strings)은 처음에는 양의 창자(gut^영어)로 만들어졌으나, 20세기 초에는 창자나 강철로 만들어졌다. 현대에는 창자, 고체 강철, 가닥 강철, 또는 펄론과 같은 합성 재료로 만들고, 다양한 금속으로 감싸거나 은 도금을 하기도 한다.^[60] 대부분의 E현은 감지 않은 일반 또는 도금된 강철이다. 역사적으로 고증된 연주의 바로크 음악에서는 특정한 음색을 위해 창자 현을 사용하기도 한다.

현은 수명이 제한되어 있어 기름, 먼지, 부식, 로진이 축적되면 음질이 나빠진다. 연주자는 현이 "정확하게" 연주되지 않거나 원하는 음색을 잃으면 현을 교체한다. 현의 수명은 품질과 연주 강도에 따라 다르다.

연주 직전에 새 현으로 교체하는 것은 에이징 면에서 권장되지 않으므로,^[59] 레슨이나 리허설 등에서 연주하여 음색이 안정된 현을 만들고, 새 현과 함께 스페어로 케이스에 넣어 다니는 연주자도 있다.

3. 3. 활

탄력 있는 굽은 목제 막대기에 말 꼬리 털을 평평하게 쳐서 만든다. 이 털에 송진을 발라 마찰을 강하게 하여 현 위를 비빌 수 있게 한다. 헤드에는 팁이라 불리는 얇은 보호판이 있는데, 상아, 쇠뼈, 은판 등이 사용되어 왔지만 최근에는 나일론 계열의 합성 수지를 쓰는 경우가 많다. 활은 오래되었지만 잘 보관된 프랑스제가 가장 뛰어나며, 브라질우드, 페르남부코로 만든다. 나무 활은 부러질 수 있기 때문에 탄소 섬유로 만든 활도 존재한다.

직선으로 다듬은 나무 재질의 활대(스틱)를 불에 구워 적당한 곡선을 만들고, 말의 꼬리털을 맨다. 이 활털에 로진을 바르고 잠시 연주하면 활털과 현에 분말이 스며들어 적당한 마찰이 발생하여 음색이 안정된다. 활털은 연주할 때만 장력을 주고, 사용하지 않을 때는 헐겁게 해둔다.

활대의 재료는 브라질나무의 심재인 페르남부코(페르난부쿠)가 최고로 여겨진다.^[62] 그러나 브라질나무는 남획으로 개체 수가 급격히 줄어 멸종 위기에 처해 있다. 브라질 국내외에서 조림 활동이 시작되었지만, 성장에 이 걸린다. 2007년 6월 헤이그에서 열린 워싱턴 조약 당사국 회의에서 브라질나무는 동 조약 부속서 II에 기재되어 수출입이 어려워졌다.^[63]

20세기 중반부터 대체 재료 개발이 활발해지면서 페르남부코와 같은 브라질산 열대우림 목재인 마사란두바 등이 사용되는 한편, 탄소섬유, 유리섬유 등의 인조 섬유를 사용한 섬유강화플라스틱(FRP) 활도 만들어지고 있다. 특히 탄소 활은 탄성, 강성, 습기에 대한 강도 등에서 뛰어나 페르남부코 활보다 수치적 성능이 높은 것도 있다.^[64]

초기에는 반원형이었으나, 점차 변화하여 18세기 말 현재와 같은 역반(逆反り) 형태가 되었다. 이 스타일을 확립한 사람은 18세기 프랑스의 François_Tourte|프랑수아 투르테^영어(투르테, 타트라고도 함)라고 알려져 있다. 활의 재료로 처음으로 브라질 나무(페르낭부코)를 사용한 것도 투르테이며, 이후 활의 재료는 브라질 나무(페르낭부코)를 최고의 것으로 여기게 되었다.^[69] 투르테는 보석·시계 장인이기도 했기 때문에, 그 가공 기술을 활 제작에 응용하여, 자개 세공 등 아름다운 장식을 하였다. 투르테나 한 세대 아래 Dominique_Peccatte|도미니크 페카트^영어 등의 작품은 올드 프렌치 바우(Old French Bow)로서 지금도 높은 평가를 받고 있다.

4. 음향

현이 활과 마찰하면서 진동이 일어난다. 음색은 종류나 활을 잡는 법에 따라 바뀔 수 있고, 악기마다도 특색이 있다. 이러한 소리의 차이에 대해서는 음향학에서도 확실하지 않은 부분이 많다. 니스의 영향에 대해서도 많은 논의가 있었지만, 보통은 니스 자체가 악기의 음질을 좋게 하는 것은 아니라고 말한다. 음색은 모든 악기 중에서 가장 표현력이 풍부하며 극히 감성적이어서 표정이 풍부하여 무한한 변화가 가능하다. 바이올린족은 바이올린, 비올라, 첼로, 콘트라베이스의 4종으로, 이 현악 합주는 가장 비슷한 동질의 음색과 다양한 표현력을 가지고 있다.^[27]

바이올린의 소리는 아치형 모양, 목재의 두께 및 물리적 특성에 따라 결정된다. 진동하는 판 위에 뿌려진 모래나 반짝이 가루가 특정 주파수에서 만드는 마디(마디)의 패턴( 클라드니 패턴)은 악기 제작자들이 악기를 조립하기 전에 자신의 작업을 검증하는 데 가끔 사용된다.^[27]

5. 연주

비브라토는 현대 바이올린 연주의 특징 중 하나로, 현을 누른 손가락을 가볍게 아래위로 움직여 음을 강렬하게 만든다.^[77] 18세기와 19세기에는 단순한 장식음으로 여겨졌으나,^[77] 20세기 이전에는 비브라토가 필요한 곳에 따로 표시했지만, 오늘날에는 일반적으로 비브라토가 필요 없는 곳에 별도로 표시한다.^[77] 프리츠 크라이슬러, 야사 하이페츠와 같은 연주자의 영향을 받아 1930년대에 유행하였다.^[77]

아르코(arco)는 활로 현을 마찰하여 연주하는 가장 일반적인 주법이다.^[36] 피치카토(pizzicato)는 현을 손가락으로 뜯어 소리를 내는 방법이다. 플래절레트(Flageolett)(또는 하모닉스)는 현 위에 손가락을 가볍게 대고 활로 현을 켜서 높은 휘파람 같은 소리를 내는 방법으로, 자연적 플래절레트와 기교적 플래절레트 두 가지가 있다.^[36] 이 밖에 현을 활의 나무 부분으로 두드리는 콜 레뇨(col legno) 등의 주법도 있다.^[36]

활의 속도와 무게가 활긋기 시작부터 끝까지 동일하게 유지되는 매끄럽고 고른 활긋기, 활을 힘차게 그리고 갑자기 놓아서 만들어내는 강한 악센트 효과인 마르텔레, 매우 빠른 반복 연주인 트레몰로 등의 주법이 있다.^[36]

바이올린의 브릿지에 작은 금속, 고무, 가죽 또는 나무 장치인 뮤트를 부착하면 소리가 부드러워지고, 들리는 배음이 줄어든다.^[36] 더 크고 금속, 고무 또는 나무로 된 뮤트는 ''연습용 뮤트'' 또는 ''호텔 뮤트''로 알려져 있으며, 호텔 방과 같은 연습 공간에서 바이올린 소리를 줄이는 데 사용된다.^[36]

기본적으로 페그를 돌려서 조율하지만, E현은 테일피스에 부착된 아저스터(fine tuner)라는 작은 나사를 돌려서 조율한다. 튜닝 미터나 음차 등으로 A현을 440Hz 또는 442 ~ 448Hz로 조율하고, 완전 5도 화음의 독특한 음색을 듣고 조율한다.^[61] 협주곡 연주 시에는 독주 바이올린을 오케스트라보다 약간 높게 조율하여 화려한 독주 바이올린을 부각시키는 경우도 있는 반면, 바로크 음악을 연주할 경우에는 436 ~ 438Hz 또는 415Hz 등 낮은 조율을 하는 경우도 있다.^[61] 오케스트라에 따라서는 연주 시작 전에 오보에가 A음을 내거나, 콘서트마스터가 A현을 개방현으로 연주하고, 그 음높이에 맞춰 현악기가 다시 조율하는 경우가 있다.^[61]

역사적인 현악기에서는 활의 힘을 약손가락으로 조절했기 때문에, 힘을 늦춤으로써 3개 또는 4개의 현을 동시에 켜는 것이 가능했다. 현대 바이올린은 구조상 활로 연주할 경우 완전한 화음은 일반적으로 2음이 한계이다(피치카토 주법을 사용하면 4화음도 가능하다).^[36] 바흐의 무반주 바이올린을 위한 소나타와 파르티타에서는 4음 동시 화음이 많이 요구되며, 외젠 이자이의 무반주 바이올린 소나타에서는 5음이나 6음의 화음이 사용되고 있다.^[36]

술 폰티첼로(sul ponticello)는 활로 현의 매우 가까운 부분, 즉 駒(마제) 바로 위를 연주하여, 배음이 많이 포함된 소리를 내는 주법이다.^[36] 술 타스토(sul tasto)는 지판 위쪽 부분의 현을 활로 연주하여, 배음이 적은 소리를 내는 주법이다.^[36]

일반적으로 바이올린은 낮은 현부터 G-D-A-E 순으로 조율되지만, 악기 본래의 조율법과 다른 음으로 조율하는 스콜다투라 주법도 있다.

5. 1. 기본 자세

바이올린은 앉거나 서서 연주할 수 있다. 독주자는 주로 서서 연주하지만, 잇작 펄만과 같이 신체적 장애가 있는 경우에는 예외적으로 앉아서 연주한다. 반면 오케스트라와 실내악에서는 보통 앉아서 연주한다. 2000년대와 2010년대에는 바로크 음악을 연주하는 일부 오케스트라(예: 프라이부르크 바로크 오케스트라)에서 모든 바이올린과 비올라 연주자들이 독주든 합주든 서서 연주하기도 했다.

바이올린을 잡는 표준 자세는 바이올린의 턱받이에 턱의 왼쪽 부분을 대고 왼쪽 어깨로 지탱하는 것이다. 종종 어깨받침대(어린 연주자 중 어깨받침대 사용에 어려움을 느끼는 경우에는 스펀지와 고무줄)를 사용하여 보조한다. 턱과 어깨는 왼손이 높은 위치에서 낮은 위치로 이동할 때도 바이올린이 안정적으로 유지되도록 충분히 단단하게 고정해야 한다.

교사들은 연주의 질을 높이고 반복적인 긴장성 손상 가능성을 줄이기 위해 올바른 자세의 중요성을 강조하지만, 올바른 자세에 대한 조언은 세부적으로 다를 수 있다. 그러나 모두 긴장이나 경직 없이 자연스럽고 편안한 자세를 유지하는 것이 중요하다고 강조한다. 거의 보편적으로 권장되는 사항은 왼손 손목을 곧게(또는 거의 곧게) 유지하여 왼손 손가락이 자유롭게 움직일 수 있도록 하고 부상 가능성을 줄이는 것과 어깨를 자연스럽고 편안하게 유지하며 과장되게 어깨를 올리는 것을 피하는 것이다.

구부정한 자세는 몸의 균형을 무너뜨리고 어깨를 올리기 때문에 좋은 연주를 방해할 수 있다. 건강에 해로운 긴장에서 비롯되는 또 다른 징후는 왼손의 통증인데, 이는 바이올린을 잡을 때 너무 많은 압력이 가해짐을 나타낸다.

왼쪽 어깨(쇄골 위)에 바이올린을 올려놓고, 턱받이에 턱을 올려놓되 너무 꽉 눌러서는 안 되고, 바이올린을 높이 들어 올리는 자세를 취한다. 왼손으로 바이올린 목을 잡지만, 연주 중에 왼손으로 악기를 지탱하면 손가락이나 손목의 움직임이 방해되므로, 왼손은 살짝 짚는 정도로 한다.

몸을 약간 왼쪽으로 기울이고, 왼팔을 가슴 쪽으로 약간 가까이 가져가지만, 윗팔을 가슴에 바싹 붙여서는 안 된다. 그리고 양팔의 간격을 좁힌다. 시선은 지판과 평행이 되도록 한다. 왼손 손가락으로 현을 누르고, 오른손으로 활을 조작한다. 활 조작을 활쓰기(bowing)라고 하며, 언뜻 단순한 동작처럼 보이지만 음색을 크게 좌우하고, 숙련을 필요로 한다.^[70]^[72]^[73]

5. 2. 왼손 주법

비브라토는 현대 바이올린 연주의 특징 중 하나로, 현을 누른 손가락을 가볍게 아래위로 움직여 음을 강렬하게 만든다.^[77] 18세기와 19세기에는 단순한 장식음으로 여겨졌으나,^[77] 20세기 이전에는 비브라토가 필요한 곳에 따로 표시했지만, 오늘날에는 일반적으로 비브라토가 필요 없는 곳에 별도로 표시한다.^[77] 프리츠 크라이슬러, 야사 하이페츠와 같은 연주자의 영향을 받아 1930년대에 유행하였다.^[77]

1번 위치 손가락 위치. 이 그림은 "1번 위치" 음만 보여주며, 표시된 음보다 더 높은 음도 있다.

왼손은 현의 길이를 결정하고, 손가락 끝으로 지판에 현을 눌러서 현의 높이를 조절하여 서로 다른 높이의 음을 만든다. 바이올린에는 기타와 달리 프렛이 없기 때문에, 연주자는 정확한 음정으로 연주하기 위해 현의 어디에 손가락을 놓아야 하는지 정확히 알아야 한다. 초보자는 개방현과 너트에 가장 가까운 가장 낮은 위치에서 연주하며, A장조와 G장조와 같이 비교적 쉬운 조를 시작으로 음계와 간단한 멜로디를 배운다. 청음 훈련을 통해 바이올린 연주자의 왼손은 근육 기억을 통해 직관적으로 음을 찾게 된다.

초보자는 올바른 왼손 손가락 위치를 위해 지판에 테이프를 사용하기도 하지만, 실력이 향상됨에 따라 테이프를 빨리 제거한다. 또는 지판에 흰색 수정액 점을 찍는 방법을 사용하기도 하는데, 이는 몇 주간의 연습으로 지워진다. 그러나 이러한 연습은 적절한 청음 훈련 대신 사용되기도 하며, 귀가 아닌 눈으로 손가락 위치를 안내하는 단점이 있다. 특히 연주를 배우는 초기 단계에서는 "울리는 음"이 유용하다. 1번 위치에는 아홉 개의 울리는 음이 있는데, 막힌 음이 다른 (개방) 현과 옥타브 또는 유니즌으로 들리게 하여 공명을 일으킨다.

바이올린은 완전 5도로 조율되지만, 더블베이스는 완전 4도로 조율된다. 각 음은 연주자가 가장 조화롭다고 인식하는 음높이로 막는다. 바이올린 연주자는 현악 사중주 또는 현악 오케스트라에서 연주할 때, 연주하는 조에 맞춰 튜닝을 조정하며, 피아노와 같이 평균율로 조율된 악기와 함께 연주할 때는 불협화음을 피하기 위해 피아노의 평균율에 맞춰 튜닝을 조절한다.

손가락은 악보에서 1(집게손가락)부터 4(새끼손가락)까지 번호가 매겨진다. 바이올린 악보의 교육용 판본에서는 음표 위의 숫자가 어떤 손가락을 사용해야 하는지 나타낼 수 있으며, ''0'' 또는 ''O''는 개방현을 나타낸다.

왼손이 지판에 놓이는 위치는 "포지션"으로 특징지어진다. 초보자들이 시작하는 첫 번째 포지션은 현악기 음악에서 가장 일반적으로 사용되는 포지션이다. 표준 조율에서 이 포지션에서 사용 가능한 가장 낮은 음은 개방현 G3이고, 가장 높은 음은 E현에서 넷째 손가락으로 연주하는 B5이다. 손을 목 부분 위로 이동하면 포지션이 바뀌는데, 이러한 포지션 변경은 ''쉬프트''라고 한다. 정확한 음정과 부드러운 레가토 음을 유지하는 효과적인 쉬프팅은 모든 수준의 기술에서 핵심 요소이다.

낮은 포지션에서 쉬프트하는 동안 왼손의 엄지는 손가락과의 상대적인 위치를 유지하기 위해 악기 목을 따라 위아래로 움직인다. 매우 높은 포지션에서는 악기 본체가 방해가 되어 엄지가 손가락과 함께 움직일 수 없다. 대신 엄지는 악기 목이 본체의 우측 상단 부분과 만나는 지점에 위치하며, 손가락이 높은 포지션 사이를 움직이는 동안 그곳에 남아있다.

쉬프트 없이 포지션의 일반적인 범위를 벗어나 연주되는 음은 ''익스텐션''이라고 한다. 바이올린에서 가장 낮은 포지션은 "하프 포지션"이라고 하며, 이 포지션에서는 첫 번째 손가락이 "낮은 첫 번째 포지션" 음에 있고, 네 번째 손가락은 일반적인 위치에서 아래쪽으로 익스텐션된 상태에 있으며, 다른 두 손가락은 필요에 따라 그 사이에 배치된다.

바이올린의 음역 상한선은 주로 연주자의 기술에 따라 결정된다. 포지션 명칭은 주로 낮은 포지션과 교본 및 에튀드에서 사용되므로, 7번째 포지션보다 높은 것을 언급하는 것은 드물다.

모든 음(개방현 D보다 낮은 음 제외)은 하나 이상의 현에서 연주할 수 있다. 각 현은 현의 무게(두께)가 다르고 다른 개방현의 공명 때문에 다른 음색을 가지고 있다.

'''1번 위치의 음'''
파란색 선은 왼손 엄지손가락의 대략적인 위치를 나타내며, 위에서부터 1번 위치, 2번 위치, 3번 위치이다.

바이올린에는 기타와 같은 프랫이 없으므로, 개방현 이외에는 연주자가 정확한 음정이 나도록 눌러야 한다. 왼손의 집게손가락, 가운데손가락, 약손가락, 새끼손가락으로 현을 누르는데, 이때 왼손 엄지손가락의 위치가 음정을 결정하는 기준이 된다.

각 현은 손가락으로 누르지 않은 상태(개방현)에서 집게손가락, 가운데손가락, 약손가락, 새끼손가락 순으로 누르면 한 음(2도)씩 높은 음이 되고, 새끼손가락으로 눌렀을 때 오른쪽 옆 현과 같은 음이 된다. 이 상태가 1번 위치이다. 예를 들어 D현은 아무것도 누르지 않은 개방현 상태에서는 D(레), 집게손가락으로 누르면 E(미), 가운데손가락으로 F(파), 약손가락으로 G(솔), 새끼손가락으로 A(라)가 되어 오른쪽 옆 A현과 같은 높이가 된다. 악보 등에서는 집게손가락부터 순서대로 각 손가락을 1, 2, 3, 4로 표기한다.

1번 위치에서 왼손을 약간 앞으로 옮겨, 개방현보다 두 음 높은 음(1번 위치보다 한 음 높은 음)이 나오는 위치를 집게손가락으로 누르는 것이 2번 위치, 세 음 높은 음이 나오는 위치를 집게손가락으로 누르는 것이 3번 위치이다. 1번 위치보다 반음 낮은 위치를 누르는 반 위치도 있다.

높은 위치를 이용하는 것은 기본적으로 1번 위치에서는 낼 수 없는 높은 음정을 내기 위해서이지만, 음색을 바꾸기 위해 의도적으로 사용하는 경우도 있다.

5. 3. 오른손 주법

아르코(arco)는 활로 현을 마찰하여 연주하는 가장 일반적인 주법이다.^[36] 피치카토(pizzicato)는 현을 손가락으로 뜯어 소리를 내는 방법이다. 플래절레트(Flageolett)(또는 하모닉스)는 현 위에 손가락을 가볍게 대고 활로 현을 켜서 높은 휘파람 같은 소리를 내는 방법으로, 자연적 플래절레트와 기교적 플래절레트 두 가지가 있다.^[36] 이 밖에 현을 활의 나무 부분으로 두드리는 콜 레뇨(col legno) 등의 주법도 있다.^[36]

현을 손가락으로 막지 않고 활로 켜거나 뜯을 때, 이를 개방현(open string)이라고 한다. 개방현은 손가락으로 눌렀을 때보다 너트에서 현이 더 자유롭게 진동하기 때문에 막힌 현과는 다른 소리가 난다. 클래식 전통에서 바이올리니스트들은 개방현이 도입하는 음색 변화를 피하기 위해 종종 현을 바꾸거나 포지션을 이동하지만, 예술적 효과를 위해 개방현을 특별히 선택하는 경우도 있다.^[36] 민속 음악 등 전통 음악 장르에서는 공명하는 음색 때문에 개방현이 흔히 사용된다.^[36]

인접 현의 막힌 음과 동시에 개방현을 연주하면 백파이프와 같은 드론이 생성되는데, 이는 작곡가들이 민속 음악을 모방할 때 자주 사용하는 기법이다.^[36]

악보에 “콜 레뇨(col legno)”(이탈리아어로 “나무로”라는 뜻)라고 쓰여 있으면 활의 털이 아닌 나무 부분으로 현을 치라는 뜻이다.^[36] 이 활법은 비교적 드물게 사용되며, 묵음의 타악기적인 소리가 난다. 베를리오즈의 환상교향곡 마지막 악장 “마녀들의 춤”, 생상의 교향시 죽음의 무도, 구스타프 홀스트의 행성 중 “화성”, 벤자민 브리튼의 젊은이를 위한 관현악 안내, 드미트리 쇼스타코비치의 14번 교향곡, '산테 감옥에서' 악장 등에서 활용된다.^[36] 하지만 일부 바이올리니스트들은 이 연주법이 고급 활의 마감을 손상시킨다고 반대하지만, 대부분은 해당 악절 동안 값싼 활을 사용하는 것으로 타협한다.^[36]

활의 속도와 무게가 활긋기 시작부터 끝까지 동일하게 유지되는 매끄럽고 고른 활긋기, 활을 힘차게 그리고 갑자기 놓아서 만들어내는 강한 악센트 효과인 마르텔레, 매우 빠른 반복 연주인 트레몰로 등의 주법이 있다.^[36]

바이올린의 브릿지에 작은 금속, 고무, 가죽 또는 나무 장치인 뮤트를 부착하면 소리가 부드러워지고, 들리는 배음이 줄어든다.^[36] 더 크고 금속, 고무 또는 나무로 된 뮤트는 ''연습용 뮤트'' 또는 ''호텔 뮤트''로 알려져 있으며, 호텔 방과 같은 연습 공간에서 바이올린 소리를 줄이는 데 사용된다.^[36]

기본적으로 페그를 돌려서 조율하지만, E현은 테일피스에 부착된 아저스터(fine tuner)라는 작은 나사를 돌려서 조율한다. 튜닝 미터나 음차 등으로 A현을 440Hz 또는 442 ~ 448Hz로 조율하고, 완전 5도 화음의 독특한 음색을 듣고 조율한다.^[61] 협주곡 연주 시에는 독주 바이올린을 오케스트라보다 약간 높게 조율하여 화려한 독주 바이올린을 부각시키는 경우도 있는 반면, 바로크 음악을 연주할 경우에는 436 ~ 438Hz 또는 415Hz 등 낮은 조율을 하는 경우도 있다.^[61] 오케스트라에 따라서는 연주 시작 전에 오보에가 A음을 내거나, 콘서트마스터가 A현을 개방현으로 연주하고, 그 음높이에 맞춰 현악기가 다시 조율하는 경우가 있다.^[61]

팔꿈치, 손목, 손가락 중 어느 하나를 움직여 현을 누르고 있는 손가락을 앞뒤로 움직여 소리를 위아래로 빠르게 진동시켜 깊이를 더하는 비브라토 주법이 있다. 오케스트라에서 비브라토를 항상 사용하는 현재의 관습은 20세기 중반에 세계적으로 퍼진 것으로, 그 이전에는 비브라토는 장식음 또는 솔리스트의 것으로 인식되었다.^[36]

역사적인 현악기에서는 활의 힘을 약손가락으로 조절했기 때문에, 힘을 늦춤으로써 3개 또는 4개의 현을 동시에 켜는 것이 가능했다. 현대 바이올린은 구조상 활로 연주할 경우 완전한 화음은 일반적으로 2음이 한계이다(피치카토 주법을 사용하면 4화음도 가능하다).^[36] 바흐의 무반주 바이올린을 위한 소나타와 파르티타에서는 4음 동시 화음이 많이 요구되며, 외젠 이자이의 무반주 바이올린 소나타에서는 5음이나 6음의 화음이 사용되고 있다.^[36]

현을 지판까지 완전히 누르지 않고, 왼손 손가락으로 가볍게 건드리면 높고 맑은 음색을 얻을 수 있다. 이를 화음(harmonics)이라고 부르는 경우도 있다.

현을 활로 켜지 않고, 손가락으로 퉁기는 연주법은 피치카토(pizz.)라고 한다. 퉁기는 방법은 정해져 있지 않으며, 오른손 검지나 중지를 사용하는 경우가 대부분이지만, 왼손으로 하는 연주법도 있다.^[36] 라벨의 볼레로 등에서는 기타처럼 허리께에 바이올린 본체를 끼고 연주하는 경우도 있다.^[36] 현을 엄지와 검지로 잡아서 지판에 튕겨 터지는 소리를 내는 '''바르토크 피치카토'''는 바르토크가 고안했다고 여겨지지만, 실제로는 말러가 교향곡 제7번 등에서 이미 사용하고 있다.^[36]

활의 나무 부분으로 현을 퉁기거나 두드리는 연주법인 콜레뇨는 단단하고 타악기적인 폭발적인 소리가 난다. 볼프강 아마데우스 모차르트의 바이올린 협주곡 제5번 3악장 등에서 사용된다.^[36]

술 폰티첼로(sul ponticello)는 활로 현의 매우 가까운 부분, 즉 駒(마제) 바로 위를 연주하여, 배음이 많이 포함된 소리를 내는 주법이다.^[36] 술 타스토(sul tasto)는 지판 위쪽 부분의 현을 활로 연주하여, 배음이 적은 소리를 내는 주법이다.^[36]

일반적으로 바이올린은 낮은 현부터 G-D-A-E 순으로 조율되지만, 악기 본래의 조율법과 다른 음으로 조율하는 스콜다투라 주법도 있다.

6. 바이올린 음악

바이올린은 등장한 이래로 무용 반주 등 서민들에게 친숙한 악기였지만, 예술 음악에서는 류트나 비올라 다 감바에 비해 화려한 음색 때문에 처음에는 크게 주목받지 못했다.^[76] 그러나 제작 기술이 발달하고 음악 취향이 변화하면서 점차 합주에 사용되기 시작했다.

1820년경 루이 슈포어가 바이올린을 아래턱에 대는 방식을 고안하기 전까지는 가슴에 붙이거나, 어깨에 놓거나, 목 좌우에 끼우는 등 다양한 방법으로 연주되었다.^[77]

겹주는 두 개의 현을 손가락으로 동시에 눌러 활로 연주하여 두 개의 연속적인 음을 내는 기법이다. 고급 레퍼토리에서는 10도 이상의 음정을 겹주로 연주하기도 한다.^[77] 세 개 이상의 음이 동시에 표시된 경우, 바이올리니스트는 일반적으로 코드를 "분할"하여 낮은 음과 높은 음을 빠르게 번갈아 연주한다. 오케스트라에서는 겹주를 분주로 표시하여 연주자들이 나눠 연주하기도 한다.

역사적으로 고증된 연주에서는 분할 코드나 3중 겹주 코드가 적절하지 않다고 여겨지기도 한다. 일부 바이올리니스트는 모든 코드를 아르페지오로 연주하기도 한다. 현대 바이올린의 발전으로 브릿지의 곡률이 줄어들면서 3중 겹주가 더 자연스러워졌다.

6. 1. 클래식 음악

초기 바이올린은 노래와 함께 연주하거나 무용 반주로 사용되었다.^[76] 16세기 말까지 바이올린 전용 악보는 없었으나, 1582년 발타자르 드 보요윌스가 프랑스 궁정을 위해 작곡한 '발레 코미크 드 라 루아느'에 최초로 바이올린 곡이 포함되었다.^[76] 왕실의 후원으로 바이올린 음악은 빠르게 발전하였고, 1626년 루이 13세 궁정에 '24 바이올린'이라는 합주단이 설립되면서 바이올린의 위상이 높아졌다.^[76]

비브라토는 왼손과 팔을 사용하여 음높이를 미세하게 진동시켜 변화를 주는 기법이다. 손가락 끝의 움직임으로 현의 길이를 변화시켜 음높이에 파동을 만든다. 대부분의 바이올리니스트는 실제 음보다 낮은 음으로 비브라토를 사용하는데, 이는 변화하는 소리에서 가장 높은 음이 더 잘 인지되기 때문이다.^[32] 비브라토는 손가락, 손목, 팔의 움직임을 조합하여 만들어낼 수 있으며, 다양한 음색 효과를 낼 수 있다.

바로크 시대 이후, 바이올린은 클래식 음악에서 중요한 악기 중 하나가 되었다. 바이올린의 음색은 다른 악기들보다 돋보여 멜로디 연주에 적합하며, 숙련된 연주자는 빠르고 어려운 음표들을 연속적으로 연주할 수 있다.

바이올린은 오케스트라에서 큰 비중을 차지하며, 보통 제1바이올린과 제2바이올린의 두 파트로 나뉜다. 현악사중주도 제1바이올린과 제2바이올린, 비올라, 첼로 파트로 구성된다.

등장 초기에는 류트나 비올라 다 감바에 비해 화려한 음색 때문에 예술 음악에서 크게 사용되지 않았지만, 제작 기술 발달과 음악 취향 변화로 점차 합주에 사용되었다.

17세기에는 마리니, 비탈리 등이 소나타를 발전시켰고, 코렐리의 소나타집(1700년, 「라 포리아」도 그 일부)이 그 정점을 이루었다.

토렐리의 협주곡집(1709년)에서 독주 협주곡의 방향이 제시되었고, 비발디의 「화성의 영감」(1712년) 등에서 하나의 형식이 만들어졌다. 로카텔리, 타르티니, 푸냐니 등은 명인기예를 추구하며 기교적인 색채를 강화했다. 르클레르는 이러한 흐름과 프랑스 궁정 음악을 융합하여 프랑스 음악의 기초를 다졌다.

18세기 후반, 만하임 악파는 바이올린 중심의 오케스트라를 만들었다. 하이든, 모차르트, 베토벤 등 빈 고전파에 의해 실내악·관현악에서 바이올린의 위치는 확고해졌다. 비오티와 그의 제자 크로이처, 바이오, 로드는 근대 연주법을 확립했다.

19세기에는 파가니니의 작품 등장으로 명인기예적인 기교(비르투오조)가 바이올린곡의 중심 요소가 되었다.^[70] 19세기 중반부터는 연주자와 작곡가의 분리가 뚜렷해졌다. 멘델스존은 다비드, 브람스는 요아힘의 조언을 받아 협주곡을 작곡했다. 차이콥스키, 드보르자크, 그리그 등은 민족적 요소와 기교적 요소를 결합했고, 이는 시벨리우스, 하차투리안, 카바레프스키 등에게 이어졌다.

6. 2. 대중음악

즉흥 연주 바이올리니스트에는 스테판 그라펠리(Stéphane Grappelli), 스터프 스미스(Stuff Smith), 에디 사우스(Eddie South), 레지나 카터(Regina Carter), 조니 프리고(Johnny Frigo), 존 블레이크, 아담 타우비츠(Adam Taubitz), 러로이 젠킨스, 장-뤼크 퐁티(Jean-Luc Ponty) 등이 있다.^[37] 대럴 앤거(Darol Anger)와 마크 오코너(Mark O'Connor)는 주로 재즈 바이올리니스트는 아니지만, 경력의 상당 부분을 재즈 연주에 할애했다. 스위스-쿠바 바이올리니스트 이리안 카니사레스(Yilian Cañizares)는 재즈와 쿠바 음악을 혼합한다. 바이올린은 또한 많은 재즈 녹음에 오케스트라 배경을 제공하는 앙상블에도 등장한다.

린제이 스털링(Lindsey Stirling)이 2012년 TEDx 버클리에서 공연하는 모습

1970년대까지 대부분의 대중음악은 현악기 파트(bowed string section)를 사용했다. 1920년대와 1930년대 초반 대중음악에서 광범위하게 사용되었으나, 1935년부터 1945년까지 스윙 재즈(swing music)가 유행하면서 빅 밴드(big band) 음악의 풍성함을 더하는 데 자주 사용되었다. 1940년대 후반부터 1950년대 중반까지 스윙 시대(swing era)가 지난 후, 현악기는 전통적인 팝(traditional pop) 음악에서 부활하기 시작했다. 이러한 경향은 1960년대 후반에 특히 소울 음악(soul music)에서 현악기 사용이 괄목할 만하게 부활하면서 가속화되었는데, 1960년대 후반과 1970년대의 유명한 모타운(Motown) 음반들은 그들의 상징적인 음색의 일부로 현악기에 크게 의존했다.

1980년대 전자 음악(Electronic music)의 부상과 함께 신디사이저(synthesizer)를 사용하는 키보디스트가 연주하는 합성 현악기 사운드가 자리를 차지하면서 바이올린의 사용은 감소했다. 그러나 바이올린은 주류 록 음악(rock music)에서 거의 사용되지 않았지만, 프로그레시브 록(progressive rock)(일렉트릭 라이트 오케스트라(Electric Light Orchestra), 킹 크림슨(King Crimson), 캔자스(Kansas), 젠틀 자이언트(Gentle Giant) 등)에 약간의 역사를 가지고 있다. 이 악기는 특히 더 코스(The Corrs)에서 현대 재즈 퓨전(jazz fusion) 밴드에서 더욱 중요한 위치를 차지하고 있다.

20세기 말부터 시작된 크로스오버 음악(crossover music)의 인기는 전기 바이올린과 어쿠스틱 바이올린 모두를 유명 밴드에서 사용하면서 바이올린을 대중음악 무대로 다시 불러들였다. 데이브 매슈스 밴드(Dave Matthews Band)에는 바이올리니스트 보이드 틴즐리(Boyd Tinsley)가 있다. 플록(The Flock)에는 바이올리니스트 제리 굿맨(Jerry Goodman)이 있었는데, 그는 나중에 재즈 록 퓨전(jazz-rock fusion) 밴드인 마하비슈누 오케스트라(The Mahavishnu Orchestra)에 합류했다. 제임스(James)의 솔 데이비스(Saul Davies)는 기타리스트이기도 하며, 밴드에서 바이올리니스트로 활동했다.

폴크 메탈(folk metal) 밴드인 이실리엔(Ithilien)은 그들의 음반 전반에 걸쳐 바이올린을 광범위하게 사용한다.^[39] 프로그레시브 메탈(Progressive metal) 밴드인 네 오블리비스카리스(Ne Obliviscaris)는 팀 찰스(Tim Charles)라는 바이올린 연주자를 멤버로 두고 있다.^[40]

오웬 팔레트(Owen Pallett), 더 솅드(The Shondes), 앤드류 버드(Andrew Bird)와 같은 독립 아티스트들도 이 악기에 대한 관심을 증가시켰다.^[41] 인디(Indie) 밴드는 종종 새롭고 특이한 편곡을 받아들여 주류 음악 아티스트들보다 바이올린을 더 자유롭게 선보일 수 있었다. 린제이 스털링(Lindsey Stirling)은 전자/덥스텝/트랜스 리프와 비트와 함께 바이올린을 연주한다.^[42]

에릭 스탠리(Eric Stanley)는 힙합(hip hop)/팝/클래식 요소와 악기 비트를 사용하여 바이올린으로 즉흥 연주를 한다.^[43]^[44] 성공적인 인디 록(indie rock) 및 바로크 팝(baroque pop) 밴드인 아케이드 파이어(Arcade Fire)는 그들의 편곡에서 바이올린을 광범위하게 사용한다.^[45]

6. 3. 민속 음악

바이올린은 세계 도처에서 민속 음악에 쓰이고 있다.^[78] 민속 바이올린 연주자는 정규 관현악단 바이올린 연주자처럼 관습에 얽매이지 않으며, 악기를 반드시 아래턱에 대고 연주하지도 않는다.^[78] 컨트리 밴드의 피들(현악기) 연주자들은 마치 곡예사처럼 악기를 뒤집거나 거꾸로 들거나 등 뒤에 놓고 연주하기도 하고, 심지어는 다리 밑에 놓고 악기를 가지고 재주를 부리며 연주한다.^[78] 북아메리카에서는 민족 무용 음악을 연주할 때 바이올린을 가슴이나 허리에 대고 연주하지만, 북아프리카에서는 땅에 앉아서 바이올린을 왼쪽 무릎에 세워서 연주하기도 한다.^[78]

안데르스 쏜(Anders Zorn)이 1904년에 그린 바이올린 연주자 힌스 안데르스 에르손(Hins Anders Ersson)

다른 많은 클래식 음악에 사용되는 악기들과 마찬가지로, 바이올린은 민속 음악에 사용되었던 오래된 조상 악기들에서 유래했다. 민족음악학자들은 유럽, 아시아, 아메리카에서 바이올린의 광범위한 사용을 관찰해왔다.

민속 악기로 연주될 때, 바이올린은 영어로 보통 ''fiddle''이라고 불린다 (비록 ''fiddle''이라는 용어는 음악 장르에 관계없이 비공식적으로 사용될 수 있지만). 전 세계적으로 휠 피들과 아파치 피들과 같은 다양한 현악기들도 "피들"이라고 불린다. 피들 음악은 곡이 일반적으로 춤곡으로 여겨지고^[46] 특정 스타일 고유의 드로닝, 셔플링 및 장식과 같은 다양한 기법이 사용된다는 점에서 클래식 음악과 다르다. 많은 민속 음악 전통에서 곡은 기록되지 않고 연속되는 세대의 음악가들에 의해 기억되고 전달되며,^[46] 이것은 구전 전통으로 알려져 있다. 많은 올드타임 곡들은 크로스 튜닝을 요구하거나 표준 GDAE가 아닌 다른 튜닝을 사용한다. 미국의 민속 피들 연주 스타일(예: 블루그래스 또는 올드타임)의 일부 연주자들은 브리지의 상단 가장자리를 약간 더 평평한 곡선으로 잘라서, "더블 셔플"과 같은 기법을 활 팔에 대한 부담을 줄여주고, 다른 현 쌍에 대한 더블 스톱 간의 번갈아 가며 필요한 움직임의 범위를 줄인다. 솔리드 스틸 코어 현을 사용하는 피들 연주자들은 많은 클래식 연주자들이 사용하는 E현에 있는 단일 파인 튜너 대신 모든 네 개의 현에 파인 튜너가 있는 테일피스를 사용하는 것을 선호할 수 있다.

아랍 음악에서는 아랍의 라바바와 더불어 바이올린도 사용되어 왔다.

7. 관련 인물

바이올린과 관련된 주요 인물로는 제작자, 연주자, 지도자가 있다.

제작자는 바이올린을 직접 만드는 사람들로, 안드레아 아마티를 비롯하여 안토니오 스트라디바리, 바르톨로메오 주세페 과르네리 등이 유명하다. 이들은 바이올린의 형태와 소리를 완성하는 데 큰 역할을 했다.

연주자는 바이올린을 연주하는 사람들이다. 연주자로 더 유명한 인물은 이 섹션에서 제외하며, 지도자 중에서 연주자로 알려진 인물들을 다룬다.

지도자는 바이올린 연주 기술을 가르치는 사람들로, 레오폴트 아우어, 오타카르 셰브치크, 카를 푸레쉬 등이 대표적이다. 특히, 도로시 디레이는 이츠하크 펄만, 사라 장 등 많은 유명 연주자를 길러냈다. 일본에서는 스즈키 신이치가 스즈키 메소드를 창시하여 바이올린 교육에 큰 영향을 미쳤다. 이토가와 히데오는 공학박사로서 바이올린 명기의 구조를 수치적으로 해명하려고 시도한 인물이다.

7. 1. 제작자

안드레아 아마티 (Andrea Amati) (1505년경-1577년): 최초로 바이올린을 제작한 제작자 중 한 명으로 여겨진다. 조반니 레오나르도 다 마르티넨고의 제자였다.
가스파로 다 살로 (Gasparo da Salò) (Gasparo di Bertolotti) (1540-1609): 살로 호반에 살았기 때문에 가스파로 다 살로라고 불린다. 비올라가 특히 유명하다.
조반니 파올로 마지니 (Giovanni Paolo Maggini) (1581년경-1632년경): 브레시아의 제작자. 가스파로 다 살로의 제자였다.
니콜로 아마티 (Nicolò Amati) (1596-1684): 안드레아 아마티의 손자이자 제롤라모 1세 아마티의 아들. 안토니오 스트라디바리 등 많은 제자를 길러내어 크레모나가 바이올린의 주요 생산지가 되는 기반을 마련했다.
야코프 슈타이너 (Jacob Stainer) (1617년경 출생): 독일의 악기 제작자. 고전파 시대에는 스트라디바리보다 작품의 평가가 높았다.
안토니오 스트라디바리 (Antonio Stradivari) (1644-1737): 이탈리아 올드 바이올린의 최고봉. 크레모나에 대규모 공방을 설립하고 수많은 명장을 길러냈다.
바르톨로메오 주세페 과르네리 (Bartolomeo Giuseppe Guarneri) (델 제수) (1698-1744): 스트라디바리와 어깨를 나란히 하는 천재적인 제작자이지만, 제작 수는 약 200개로 적다.
프란체스코 루제리 (Francesco Rugeri) (1626-1698)
프랑수아 투르테 (François Tourte) (1748-1835): 올드 프렌치 바우의 최고봉. 비오티의 조언을 받아 거의 현재와 같은 표준적인 활의 형태를 확립했을 뿐만 아니라, 재료에 페르남부코를 채택하여 가늘고 우아한 명활을 여러 개 제작했다.
장-바티스트 비욤 (Jean-Baptiste Vuillaume) (1798-1875): 프랑스의 악기 제작자. 만국박람회에서 작품이 3회 금상을 수상하는 등 당대 바이올린 제작의 중심 인물이었다.
도미니크 페카테 (Dominique Peccatte) (1810-1874): 투르테와 함께 어깨를 나란히 하는 올드 프렌치 바우의 거장.
스즈키 마사키치(鈴木政吉) (1859-1944): 일본 최초의 바이올린 공장인 스즈키 바이올린 제조(鈴木バイオリン製造)의 창업자.
스즈키 신이치(鈴木鎮一) (1898-1998): 스즈키 메소드(スズキ・メソード)의 창시자.
무료탑 조로쿠(無量塔蔵六) (1927-2020): 도쿄 바이올린 제작학교 설립자.
진창현(陳昌鉉) (1929-2012)

7. 2. 연주자 및 지도자

연주자로 더 유명한 인물은 제외한다.

조반니 바티스타 비오티(Giovanni Battista Viotti)
루이 슈포르(Louis Spohr)
레오폴트 아우어(Leopold Auer) - 하이페츠, 엘만, 브라운 등 많은 연주자들을 길러냈다. 자신의 레코드 녹음은 SP반 한 면 두 장으로, 발매되지 않았고, "나의 귀여운 아이들에게"라고 적힌 라벨이 붙여진 것으로, 제자들에게만 배포되었다. 후에 LP와 CD로 복각되었다.
오타카르 셰브치크(Otakar Ševčík) (1852-1934) - 셰브치크라고도 한다. 테크닉 향상에 크게 기여했다.
야로슬라프 코치안(Jaroslav Kocian) - 셰브치크의 제자로, 일본에서도 연주회를 열었지만, 스승을 돕는 교사가 되었다. 남겨진 연주 음원은 4곡뿐이며, 레코드(COLUMBIA PHONOGRAM)는 3장(SP반 한 면)뿐이고 영화에서 한 곡 연주한(영상도 남았다) 것밖에 없어 안타깝게 여겨진다.
카를 푸레쉬(Carl Flesch) (1873-1944) - 20세기 연주 및 지도법에 큰 영향을 미쳤다.
루이스 파싱어(Louis Persinger) - 예후디 메뉴인(Yehudi Menuhin), 아이작 스턴(Isaac Stern), 갈라미안 등을 지도했다.
이반 갈라미안(Ivan Galamian) - 이란 출신. 미국에서 많은 연주자를 길러냈다.
자하르 브론(Zakhar Bron) - 카자흐스탄 출신. 바딤 레핀(Vadim Repin), 막심 벤게로프(Maxim Vengerov), 가시모토 다이신(樫本大進), 쇼지 사야카(庄司紗矢香), 카와쿠보 타마키(川久保賜紀), 카미오 마유코(神尾真由子), 키지마 마유(木嶋真優) 등 많은 연주자를 길러냈다.
도로시 디레이(Dorothy DeLay) - 미국 출신. 이츠하크 펄만(Itzhak Perlman), 앤 아키코 마이어스(Anne Akiko Meyers), 타케자와 쿄코(竹澤恭子), 길 샤함(Gil Shaham), 고토 미도리(五嶋みどり), 스와나이 아키코(諏訪内晶子), 카와쿠보 타마키(川久保賜紀), 사라 장(Sarah Chang) 등 많은 연주자를 길러냈다.
이토가와 히데오(糸川英夫) - 공학박사. 바이올린 명기의 구조를 수치적으로 해명하려고 시도했다.

일본 국내 지도자로는 오노 안나(小野アンナ), 스즈키 신이치(鈴木鎮一)(스즈키 메소드 창시자), 와시미 사부로(鷲見三郎), 에토 토시야(江藤俊哉) 등이 있다.

참조

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