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키아로스쿠로

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목차

1. 개요

키아로스쿠로는 회화, 드로잉, 판화 등에서 빛과 어둠의 강렬한 대비를 통해 3차원적인 입체감과 극적인 분위기를 연출하는 기법을 의미한다. 르네상스 시대에 유색 종이에 흰색 구아슈를 사용하여 밝은 부분을, 잉크나 수채화로 어두운 부분을 표현하는 데서 유래했으며, 특히 16세기 마니에리즘과 바로크 미술에서 인기를 얻었다. 이 기법은 조형의 입체감을 강조하는 모델링 기법과 장면의 분위기를 조성하는 구성적 기법으로 나뉘며, 영화와 사진에서도 저조도 조명과 높은 명암비를 활용하여 극적인 효과를 내는 데 사용된다.

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키아로스쿠로
명암대비
설명예술에서 빛과 어둠의 강한 대비를 사용하는 것
어원
언어이탈리아어
뜻밝음-어둠 (light-dark)
기법
정의그림, 드로잉 또는 판화에서 빛과 그림자 사이의 강한 대비를 사용하여 3차원 물체를 만드는 데 사용되는 예술 기법
특히 인물의 얼굴과 몸매의 볼륨을 모델링하는 데 사용됨
관련 용어음영
스푸마토 (Sfumato)
테네브리즘 (Tenebrism)
특징빛과 어둠의 극명한 대비를 통해 극적인 효과를 연출
3차원적인 깊이와 양감을 강조
인물의 감정이나 분위기를 강렬하게 표현
역사르네상스 시대에 발전
레오나르도 다 빈치 (레오나르도 다 빈치)가 스푸마토 기법과 함께 사용
카라바조 (미켈란젤로 메리시 다 카라바조)에 의해 더욱 발전, 테네브리즘으로 이어짐
사용 예시카라바조의 "골리앗의 머리를 든 다윗"
렘브란트의 "돌아온 탕자"
베르메르 (요하네스 베르메르)의 작품들
고야 (프란시스코 고야)의 작품들
같이 보기
관련 개념음영
스푸마토
테네브리즘

2. 역사

"키아로스쿠로(chiaroscuro)"라는 용어는 르네상스 시대에 유색 종이에 그림을 그리는 기법에서 유래했다. 화가는 종이의 기본 색조에서 시작하여 흰색 구아슈로 밝은 부분을, 잉크, 불투명 수채화 물감 또는 수채화로 어두운 부분을 표현했다.[9][10] 이 기법은 삽화 사본 전통에서 영향을 받았으며, 그 기원은 늦은 로마 제국의 자주색으로 염색된 양피지에 제작된 사본까지 거슬러 올라간다. 이러한 작품들은 "키아로스쿠로 그림"이라고 불렸지만, 현대 미술관에서는 "준비된 종이에 펜으로 그린 그림, 흰색 불투명 수채 물감으로 하이라이트 처리"와 같은 공식적인 표현으로 설명된다.[11]

한스 홀바인의 ''그리스도의 휴식'', 1519년 작. 펜, 잉크, 붓, 수채, 흰색 하이라이팅을 사용한 잿빛 종이에 제작된 키아로스쿠로 그림


회화, 드로잉, 판화에서 빛의 모델링 효과를 통해 3차원적인 입체감을 표현하는 것을 명암법이라고 하며, 종종 "음영"이라고도 불린다. 서구에서 이러한 효과를 발명한 것은 고대 그리스인들에게 "그림자 그림" 또는 "스키아그라피아(skiagraphia)"로 알려져 있으며, 전통적으로 기원전 5세기의 아테네 화가 아폴로도로스가 창시자로 여겨진다. 고대 그리스 회화는 거의 남아 있지 않지만, 빛의 모델링 효과에 대한 이해는 기원전 4세기 후반 마케도니아 펠라의 모자이크, 특히 ''사슴 사냥 모자이크''에서 볼 수 있다.

이 기법은 비잔틴 미술에서 다소 조악한 표준화된 형태로 이어졌고, 중세에 다시 정제되어 15세기 초 이탈리아와 플랑드르의 회화와 사본 채색에서 표준이 되었으며, 그 후 서구 미술 전반으로 퍼져나갔다. 미술사학자 마시아 B. 홀은 명암법이 고르네상스 이탈리아 화가들이 사용한 네 가지 색채 기법 중 하나라고 주장했다.[13]

바르톨로메오 코리올라노가 1630년에서 1655년 사이에 제작한 성모자의 키아로스쿠로 목판화(디지털 복원)


키아로스쿠로 목판화는 두 개 이상의 판을 사용하여 서로 다른 색으로 인쇄하는 옛 거장 판화의 일종이다. 1508년 또는 1509년에 독일의 루카스 크라나흐(Lucas Cranach the Elder) 1세가 처음 발명했을 것으로 추정된다.[17] 한스 부르크마이어(Hans Burgkmair the Elder) 1세가 그 뒤를 따랐다.[17] 이탈리아에서는 우고 다 카르피(Ugo da Carpi)가 최초로 키아로스쿠로 목판화를 제작했다.[19][20] 이 기법을 사용한 다른 판화가들로는 한스 베히틀린(Hans Wechtlin), 한스 발둥 그린(Hans Baldung Grien), 파르미지아니노(Parmigianino) 등이 있다. 독일에서는 1520년경에 가장 큰 인기를 얻었지만, 16세기 내내 이탈리아에서도 사용되었다.

게르트겐 토트 신트얀스의 ''밤의 성탄'', 1490년경, 약 1470년경 후고 반 더 고스의 구성을 바탕으로 함; 빛의 근원은 아기 예수, 뒤 언덕의 목자들의 불, 그리고 그들에게 나타난 천사이다.


16세기 마니에리즘과 바로크 예술에서 강렬한 명암법은 인기 있는 효과가 되었다. 우고 다 카르피, 조반니 바글리오네, 카라바조는 어두운 피사체를 극적으로 비추는 구성적 장치를 개발했으며, 특히 카라바조는 테네브리즘 스타일을 개발하는 데 중요한 역할을 했다. 테네브리즘은 스페인과 나폴리 왕국에서 후세페 데 리베라와 그의 추종자들에 의해 실행되었다. 아담 엘샤이머는 불빛이나 달빛으로 비추는 야경을 제작했는데, 카라바조와 달리 어두운 영역에 미묘한 디테일을 담았다. 피터 폴 루벤스는 카라바조와 엘샤이머의 영향을 받아 ''십자가의 부활''(1610~1611)과 같은 그림에서 극적인 효과를 위해 테네브리즘과 명암법을 활용했다.

특히 촛불로 비추는 야경은 게르트겐 토트 신트얀스와 카라바조, 엘샤이머의 혁신으로 거슬러 올라간다. 이 주제는 17세기 초 유트레흐트 카라바지스트와 플랑드르 바로크 화가들에게 나타났으며, 렘브란트 판 레인의 초기 작품들도 단일 촛불 광원을 채택했다. 17세기 중반 네덜란드 공화국에서 피인슈필더들의 작품에서 야간 촛불 장면이 다시 등장했다.

저지대 국가 외부에서는 조르주 드 라 투르, 트로핌 비고, 조지프 라이트 오브 더비와 같은 화가들이 강렬하지만 점진적인 촛불 명암법을 사용했다. 앙투안 와토는 우아한 축제의 잎이 무성한 배경에 부드러운 명암법을 사용했고, 이는 장 오노레 프라고나르를 비롯한 많은 프랑스 화가들의 그림에서 계속되었다. 세기 말 요한 하인리히 퓌슬리 등은 낭만적인 효과를 위해 무거운 명암법을 사용했고, 19세기에는 외젠 들라크루아 등도 마찬가지였다.

2. 1. 고대와 중세

고대 그리스인들은 "스키아그라피아(skiagraphia)"라고 불리는 명암법, 즉 빛의 모델링 효과를 발명했다.[13] 이 기법은 전통적으로 기원전 5세기의 아테네 화가 아폴로도로스가 창시한 것으로 알려져 있다. 고대 그리스 회화는 거의 남아 있지 않지만, 빛의 모델링 효과에 대한 이해는 기원전 4세기 후반 마케도니아 펠라의 모자이크, 특히 '지식이 그것을 만들었다'라는 뜻의 "그노시스 에포에센(gnosis epoesen)"이 새겨진 헬레네 납치의 집에 있는 ''사슴 사냥 모자이크''에서 확인할 수 있다.

이 기법은 비잔틴 미술에서 다소 조악하지만 표준화된 형태로 이어졌다. 중세에 다시 정제되어 15세기 초 이탈리아와 플랑드르의 회화와 사본 채색에서 표준이 되었으며, 이후 서구 미술 전반으로 퍼져나갔다.

미술사학자 마시아 B. 홀의 이론에 따르면,[14] 명암법은 고르네상스 이탈리아 화가들이 사용할 수 있었던 네 가지 색채 기법 중 하나이며, 캉지안테, 스푸마토, 우니오네와 함께 언급된다.[15]

2. 2. 르네상스

르네상스 시대에 유색 종이에 그림을 그리는 기법에서 "키아로스쿠로"라는 용어가 유래했다. 화가들은 종이의 기본 색조를 바탕으로 흰색 구아슈를 사용하여 밝은 부분을, 잉크, 불투명 수채화 물감 또는 수채화를 사용하여 어두운 부분을 표현했다.[9][10] 이 기법은 삽화 사본 전통의 영향을 받았으며, 그 기원은 늦은 로마 제국의 자주색으로 염색된 양피지에 제작된 사본까지 거슬러 올라간다.[11] 이러한 작품들은 "키아로스쿠로 그림"이라고 불렸지만, 현대 미술관에서는 "준비된 종이에 펜으로 그린 그림, 흰색 불투명 수채 물감으로 하이라이트 처리"와 같은 공식적인 표현으로 설명된다.[11]

라파엘의 ''라 포르나리나''(1518~19) 세부 묘사. 오른쪽 어깨, 가슴, 팔 등 모델의 신체에 섬세한 명암법이 사용되었다.


명암법(키아로스쿠로)은 회화, 드로잉, 판화에서 빛의 모델링 효과를 통해 3차원적인 입체감을 표현하는 기법이다. 서구에서는 고대 그리스인들이 "그림자 그림" 또는 "스키아그라피아"로 불렀으며, 기원전 5세기의 아테네 화가 아폴로도로스가 창시자로 알려져 있다. 고대 그리스 회화는 거의 남아 있지 않지만, 빛의 모델링 효과에 대한 이해는 기원전 4세기 후반 마케도니아 펠라의 모자이크, 특히 ''사슴 사냥 모자이크''에서 확인할 수 있다.

이 기법은 비잔틴 미술을 거쳐 중세에 다시 정제되었고, 15세기 초 이탈리아와 플랑드르의 회화와 사본 채색에서 표준 기법이 되어 서구 미술 전반으로 퍼져나갔다. 미술사학자 마시아 B. 홀은 명암법이 고르네상스 이탈리아 화가들이 사용한 네 가지 색채 기법 중 하나라고 주장했다.[13]

라파엘로의 그림은 왼쪽에서 빛이 들어오는 모델의 신체에 입체감을 부여하는 섬세한 명암법과, 밝은 모델과 어두운 배경의 대비를 보여주는 강렬한 명암법을 모두 보여준다.

키아로스쿠로 목판화는 두 개 이상의 판을 사용하여 서로 다른 색으로 인쇄하는 옛 거장 판화의 일종이다. 1508년 또는 1509년에 독일의 루카스 크라나흐(Lucas Cranach the Elder) 1세가 처음 발명했을 것으로 추정된다.[17] 한스 부르크마이어(Hans Burgkmair the Elder) 1세가 그 뒤를 따랐다.[17] 이탈리아에서는 우고 다 카르피(Ugo da Carpi)가 최초로 키아로스쿠로 목판화를 제작했다.[19][20] 이 기법을 사용한 다른 판화가들로는 한스 베히틀린(Hans Wechtlin), 한스 발둥 그린(Hans Baldung Grien), 파르미지아니노(Parmigianino) 등이 있다. 독일에서는 1520년경에 가장 큰 인기를 얻었지만, 16세기 내내 이탈리아에서도 사용되었다.

2. 3. 바로크

16세기의 마니에리즘 회화와 바로크 회화에서는 강렬한 명암이 인기를 얻었다. 틴토레토, 파올로 베로네세 등과 그 제자들의 작품에서는 신의 빛이 (모든 곳은 아니지만) 비추었다. 우고 다 카르피, 조반니 바리오네, 카라바조는 어두운 물체가 단일하고 종종 보이지 않는 광원에서 나오는 한 줄기 빛에 의해 극적으로 비춰지는 구조적인 명암법을 발전시켰다. 특히 카라바조는 극적인 명암법이 지배적인 기법이 되는 테네브리즘 발전에 중요한 기여를 했다.

테네브리즘은 특히 스페인과 스페인의 지배하에 있던 나폴리 왕국에서 유행했다. 그 대표는 호세 데 리베라와 그의 제자들이다. 로마에 거주하던 독일 화가 아담 엘스하이머는 주로 불빛과 달빛으로 비추어진 야경 그림을 많이 제작했다. 카라바조와 달리 엘스하이머는 어두운 부분에 매우 세심한 주의를 기울였다. 피터 폴 루벤스는 카라바조와 엘스하이머의 영향을 강하게 받아, 「그리스도의 십자가 처형」 등의 작품에서 테네브리즘 기법을 극적인 효과로 활용했다.

게라르트 판 혼트호르스트, 디르크 판 바뷰렌과 같은 유트레흐트파 화가들과 야코프 요르단스와 같은 플랑드르 바로크 화가들은 촛불에 비친 밤 그림을 장르로 발전시켰다. 1620년 이후 렘브란트의 초기 작품도 한 개의 촛불을 광원으로 사용했다. 17세기 중반 네덜란드 공화국에서는 게라르트 더우와 고드프리트 스칼켄 등 피인스힐더의 작품에서 "촛불에 비친 밤 그림"이 소규모로 다시 나타났다.

렘브란트는 성숙하면서 어둠 효과에 대한 관심이 변화했다. 그는 이전 세대의 이탈리아 영향을 특징짓는 빛과 어둠의 날카로운 대비에 덜 의존했는데, 이는 17세기 중반 그의 에칭에서 발견되는 요소이다. 그는 조반니 베네데토 카스티글리오네와 많은 유사점을 공유했는데, 그의 판화 작업은 모노타이핑 발명으로 이어졌다.

네덜란드 이외에서는 프랑스의 조르주 드 라 투르와 트로핌 비고, 잉글랜드의 조지프 라이트 오브 더비 등이 촛불의 명암을 사용했다. 앙투안 와토는 「우아한 축제」의 잎이 무성한 배경에 부드러운 명암을 사용했고, 장 오노레 프라고나르를 비롯한 많은 프랑스 화가들이 그 뒤를 따랐다. 17세기 말에는 요한 하인리히 퓨슬리 등이 낭만적인 효과를 위해 명암법을 사용했으며, 19세기의 외젠 들라크루아도 마찬가지였다.

2. 4. 17-18세기

17세기와 18세기에는 마니에리즘과 바로크 예술에서 강렬한 명암법(키아로스쿠로)이 인기 있는 효과가 되었다. 우고 다 카르피, 조반니 바글리오네, 카라바조 등이 어두운 피사체를 극적으로 비추는 구성적 장치를 개발했으며, 특히 카라바조는 테네브리즘 스타일을 개발하는 데 중요한 역할을 했다.[24] 테네브리즘은 스페인과 나폴리 왕국에서 후세페 데 리베라와 그의 추종자들에 의해 실행되었다. 아담 엘샤이머는 불빛이나 달빛으로 비추는 야경을 제작했는데, 카라바조와 달리 어두운 영역에 미묘한 디테일을 담았다. 피터 폴 루벤스는 카라바조와 엘샤이머의 영향을 받아 ''십자가의 부활''(1610~1611)과 같은 그림에서 극적인 효과를 위해 테네브리즘과 명암법을 활용했다. 카라바조의 추종자였던 아르테미시아 젠틸레스키 역시 테네브리즘과 명암법의 뛰어난 대가였다.

특히 촛불로 비추는 야경은 게르트겐 토트 신트얀스와 카라바조, 엘샤이머의 혁신으로 거슬러 올라간다. 이 주제는 17세기 초 유트레흐트 카라바지스트와 플랑드르 바로크 화가들에게 나타났으며, 렘브란트 판 레인의 초기 작품들도 단일 촛불 광원을 채택했다. 17세기 중반 네덜란드 공화국에서 피인슈필더들의 작품에서 야간 촛불 장면이 다시 등장했다.

조지프 라이트 오브 더비는 "오러리에서 강의하는 철학자" (1766)와 같이 강렬한 키아로스쿠로를 사용한 여러 대형 작품을 그렸다.


저지대 국가 외부에서는 조르주 드 라 투르, 트로핌 비고, 조지프 라이트 오브 더비와 같은 화가들이 강렬하지만 점진적인 촛불 명암법을 사용했다. 앙투안 와토는 우아한 축제의 잎이 무성한 배경에 부드러운 명암법을 사용했고, 이는 장 오노레 프라고나르를 비롯한 많은 프랑스 화가들의 그림에서 계속되었다. 세기 말 요한 하인리히 퓌슬리 등은 낭만적인 효과를 위해 무거운 명암법을 사용했고, 19세기에는 외젠 들라크루아 등도 마찬가지였다.

2. 5. 19세기 이후 현대

19세기 후반부터 미술계에서는 표현주의를 비롯한 여러 현대 운동에서 명암법(키아로스쿠로)을 활발하게 활용했다. 비록 '키아로스쿠로'라는 용어 자체는 덜 사용되었지만, 빛과 그림자의 극명한 대비를 통해 강렬한 효과를 내는 방식은 여전히 중요하게 다루어졌다.

20세기에 들어 카라바조의 명성이 높아지면서, 그의 작품에서 두드러지는 강렬한 명암 대비 효과는 비전문가들 사이에서도 널리 알려졌다. 테이트 미술관은 "키아로스쿠로는 일반적으로 작품에서 특히 두드러지는 특징일 때, 예술가가 빛과 그림자의 극단적인 대비를 사용할 때 언급된다"라고 설명한다.[26][27]

스탠리 큐브릭의 1975년 영화 배리 린든의 한 장면. 촛불만으로 촬영


영화 촬영에서도 키아로스쿠로는 극적인 효과를 위해 활용된다. 특히 흑백 영화에서 빛과 어둠의 뚜렷한 영역을 만들어 강렬한 대비를 표현하는 데 사용된다. 대표적인 예로는 『칼리가리 박사의 밀실』(1920), 『노스페라투』(1922), 『메트로폴리스』(1927), 『노트르담의 꼽추』(1939), 『악마와 다니엘 웹스터』(1941), 안드레이 타르콥스키 감독의 『스토커』(1979) 흑백 장면 등이 있다.[28] 『메트로폴리스』에서는 키아로스쿠로 조명을 사용하여 자본가 엘리트와 노동자 계층 간의 차이를 시각적으로 강조한다.

사진 분야에서는 렘브란트 조명 기법을 통해 키아로스쿠로 효과를 얻을 수 있다. 발전된 사진 기법에서는 이를 "주변광/자연광"이라고 부르기도 하지만, 의도적으로 사용될 경우 인위적인 느낌을 주며 다큐멘터리적 성격은 덜하다. W. 유진 스미스, 요제프 쿠델카, 로타르 볼레, 애니 리보비츠, 플로리아 시기스몬디, 랄프 기브슨 등은 현대 다큐멘터리 사진에서 키아로스쿠로 기법을 능숙하게 사용하는 대표적인 작가들이다.

스탠리 큐브릭 감독의 1975년 영화 『배리 린든』은 영화 제작에서 키아로스쿠로를 가장 직접적으로 활용한 예시 중 하나이다.[29] 큐브릭 감독은 촛불만으로 촬영할 수 있을 만큼 조리개가 넓은 렌즈가 없다는 이야기를 듣고, 특수 렌즈를 구해 개조하여 사용했다. 우주 사진 촬영을 위해 제작된 자이스 렌즈(최대 조리개 f/0.7)를 미첼 BNC 카메라에 맞게 개조하여, 세트 내 자연광만을 활용한 극적인 장면들을 연출했다.

잉마르 베르히만 감독과 오랫동안 협업한 스벤 뉘크비스트 촬영감독 역시 키아로스쿠로 리얼리즘을 적극적으로 활용했다. 그레그 톨랜드 촬영감독은 라슬로 코바치, 빌모스 지그몬드, 비토리오 스토라로 등에게 영향을 주었으며, 깊이감과 선택적 초점, 창문과 문을 통해 들어오는 강한 수평광 등을 활용한 키아로스쿠로 기법을 선보였다. 필름 누아르 장르의 많은 부분은 톨랜드가 1930년대 초에 완성한 키아로스쿠로 관련 기법에 기반을 두고 있다.

3. 명암법의 종류



"키아로스쿠로"라는 용어는 르네상스 시대에 유색 종이에 그림을 그리는 기법에서 유래했다. 화가는 종이의 기본 색조에서 출발하여 흰색 구아슈를 사용하여 밝은 부분을, 잉크, 불투명 수채화 물감 또는 수채화를 사용하여 어두운 부분을 표현했다.[9][10] 이 기법은 삽화 사본의 전통에서 영향을 받았으며, 그 기원은 로마 제국 후기의 자주색으로 염색된 양피지에 제작된 사본까지 거슬러 올라간다. 이러한 작품들은 "키아로스쿠로 그림"이라고 불렸지만, 현대 미술관에서는 "준비된 종이에 펜으로 그린 그림, 흰색 불투명 수채 물감으로 하이라이트 처리"와 같은 공식적인 표현으로 설명된다.[11]

회화, 드로잉, 판화에서 빛의 모델링 효과를 통해 3차원적인 입체감을 표현하는 것을 명암법이라고 하며, 이는 "음영"이라고도 불린다. 서구에서 이러한 효과를 발명한 것은 고대 그리스인들에게 "그림자 그림" 또는 "스키아그라피아(skiagraphia)"로 알려져 있었으며, 전통적으로 기원전 5세기의 아테네 화가 아폴로도로스에게 귀속되었다. 이 기법은 비잔틴 미술에서 다소 조악한 형태로 이어졌고, 중세에 정제되어 15세기 초 이탈리아와 플랑드르의 회화와 사본 채색에서 표준이 되었으며, 서구 미술 전반으로 퍼져나갔다. 미술사학자 마시아 B. 홀에 따르면, 명암법은 고르네상스 이탈리아 화가들이 사용할 수 있는 네 가지 색채 기법 중 하나이며, 캉지안테, 스푸마토, 우니오네와 함께 언급된다.[13][14][15]

키아로스쿠로 목판화는 두 개 이상의 판을 사용하여 서로 다른 색으로 인쇄하는 옛 거장 판화의 일종으로, 빛과 어둠의 강한 대비를 반드시 보여주는 것은 아니다. 이는 키아로스쿠로 그림과 유사한 효과를 내기 위해 처음 제작되었다. 1508년 또는 1509년에 독일의 루카스 크라나흐가 처음 발명했을 것으로 추정되며, 한스 부르크마이어가 그 뒤를 따랐다.[17] 바사리는 이탈리아의 우고 다 카르피가 최초라고 주장했지만, 그의 작품은 1516년경의 것이다.[19][20]

스웨덴의 브리기드의 예수의 탄생 비전은 북유럽에서 구성적인 명암법 발전에 큰 영향을 주었다. 그녀는 아기 예수가 빛을 발한다고 묘사했는데, 이 효과를 강조하기 위해 성탄은 바로크 시대까지 명암법으로 매우 일반적으로 다루어졌다. 후고 반 더 고스와 그의 추종자들은 촛불이나 아기 그리스도로부터 나오는 신성한 빛으로만 비추어진 많은 장면들을 그렸다.

피터 폴 루벤스의 ''십자가의 부활''(1610~1611)은 역동적인 명암법으로 제작되었다.


강렬한 명암법은 16세기 마니에리즘과 바로크 예술에서 인기 있는 효과가 되었다. 신성한 빛은 종종 틴토레토, 파올로 베로네세 및 그들의 많은 추종자들의 구성을 비추었다. 하나의 제한적이고 종종 보이지 않는 광원에서 나오는 빛줄기로 극적으로 비추어진 어두운 피사체의 사용은 우고 다 카르피, 조반니 바글리오네, 카라바조가 개발한 구성적 장치였는데, 카라바조는 테네브리즘 스타일을 개발하는 데 중요한 역할을 했다.

테네브리즘은 특히 스페인과 스페인이 지배했던 나폴리 왕국에서 호세 데 리베라와 그의 추종자들에 의해 실행되었다. 아담 엘스하이머는 주로 불빛, 때로는 달빛으로 비추는 여러 야경을 제작했다. 카라바조와 달리 그의 어두운 영역에는 매우 미묘한 디테일과 흥미가 담겨 있다. 카라바조와 엘스하이머의 영향은 피터 폴 루벤스에게 강하게 나타났다. 아르테미시아 젠틸레스키 또한 테네브리즘과 명암법의 뛰어난 대가였다.

특히 발전한 장르는 촛불로 비추는 야경으로, 헤르트헨 토트 신트 얀스와 같은 초기 북방 화가들, 그리고 카라바조와 엘스하이머의 혁신으로 거슬러 올라간다. 이 주제는 17세기 초 수십 년 동안 저지대 국가의 많은 화가들에게 나타났으며, 헤라르트 판 혼트호르스트와 디르크 판 바뷔런과 같은 위트레흐트 카라바조주의 화가들과 야코프 요르단스와 같은 플랑드르 바로크 회화 화가들과 관련되어 나타났다. 렘브란트의 1620년대 초기 작품들도 단일 촛불 광원을 채택했다. 17세기 중반 네덜란드 공화국에서 헤라르트 더우와 호트프리트 스할컨과 같은 피인스힐더들의 작품에서 소규모로 야간 촛불 장면이 다시 등장했다.

저지대 국가 외부에서는 프랑스의 조르주 드 라 투르와 트로핌 비고, 그리고 영국의 조지프 라이트 오브 더비와 같은 화가들이 강렬하지만 점진적인 촛불 명암법을 계속 사용했다. 앙투안 와토는 그의 우아한 축제의 잎이 무성한 배경에 부드러운 명암법을 사용했고, 이는 특히 장 오노레 프라고나르를 비롯한 많은 프랑스 화가들의 그림에서 계속되었다. 세기 말 요한 하인리히 퓌슬리 등은 낭만적인 효과를 위해 무거운 명암법을 사용했고, 19세기에는 외젠 들라크루아 등도 마찬가지였다.

3. 1. 모델링으로서의 명암법 (Chiaroscuro modelling)



라파엘로의 ''라 포르나리나''(1518~19) 세부 묘사에서 볼 수 있듯이, 오른쪽 어깨, 가슴, 팔 등 모델의 신체에 섬세한 명암법이 사용되어 입체감이 잘 드러난다. 미술사학자 마시아 B. 홀에 따르면, 명암법은 고르네상스 이탈리아 화가들이 사용할 수 있는 네 가지 색채 기법 중 하나이며, 캉지안테, 스푸마토, 우니오네와 함께 언급된다.[13][14][15]

회화, 드로잉, 판화에서 명암법은 빛의 모델링 효과를 이용하여 3차원적인 입체감을 표현하는 기법을 의미한다. 이는 색상의 명도 변화와 빛과 그림자 형태의 분석적 분할을 통해 이루어지며, 종종 "음영"이라고 불린다. 서구에서 이러한 효과는 고대 그리스인들에게 "그림자 그림" 또는 "스키아그라피아(skiagraphia)"로 알려져 있었으며, 전통적으로 기원전 5세기의 유명한 아테네 화가 아폴로도로스가 창시한 것으로 여겨진다.

고대 그리스 회화는 거의 남아 있지 않지만, 빛의 모델링 효과에 대한 이해는 기원전 4세기 후반 마케도니아 펠라의 모자이크, 특히 헬레네 납치의 집에 있는 ''사슴 사냥 모자이크''에서 확인할 수 있다. 이 모자이크에는 "그노시스 에포에센(gnosis epoesen)" 즉 '지식이 그것을 만들었다'라는 문구가 새겨져 있다.

이 기법은 비잔틴 미술에서 다소 조악한 형태로 이어졌고, 중세에 다시 정제되어 15세기 초 이탈리아와 플랑드르의 회화와 사본 채색에서 표준이 되었으며, 이후 서구 미술 전반으로 퍼져나갔다.

삽화에 제시된 라파엘의 그림은 왼쪽에서 빛이 들어오는 것을 보여주는데, 모델의 신체에 입체감을 부여하기 위한 섬세한 명암법과, 밝게 비추는 모델과 매우 어두운 배경의 잎사귀 사이의 대비에서 볼 수 있는 일반적인 의미의 강렬한 명암법을 모두 보여준다.

명암법 모델링은 현재 당연하게 여겨지지만, 영국의 초상화 미니어처 화가 니콜라스 힐리아드는 그의 저서에서 그의 작품에서 보이는 최소한의 사용 이외의 모든 것에 대해 경고했는데, 이는 그의 후원자 엘리자베스 1세 여왕의 견해를 반영한 것이었다.[16]

드로잉과 판화에서 명암법 모델링은 종종 해칭 또는 평행선으로 음영 처리하여 이루어진다. 워시(수채), 스티플 또는 점묘 효과, 그리고 판화의 "표면 톤"이 다른 기법이다.

3. 2. 구성적 명암법 (Compositional chiaroscuro)

장식 사본은 (그 결과가 반드시 일반의 눈에 띄지는 않았지만) 야심찬 조명 효과 실험을 시도했다.

스웨덴의 성녀 브리기다의 그리스도 탄생에 대한 환시가 북유럽에서 구조적인 명암법의 발전에 큰 자극을 주었다. 성녀 브리기다는 아기 예수가 빛을 발했다고 말했다. 그로 인해, 『그리스도 탄생』 그림을 그릴 때 다른 빛을 부정하게 되어, 바로크 시대를 통해 매우 일반적으로 명암법을 사용하게 되었다. 후고 반 더 고스와 그의 제자들은 촛불 하나, 또는 아기 예수가 발하는 빛만을 광원으로 하는 그림을 많이 그렸다. 그 그림들은 다른 바로크 회화보다 고요함과 차분함을 지니고 있었다.

16세기의 마니에리즘 회화와 바로크 회화에서는 강렬한 명암이 인기를 얻었다. 신의 빛은 틴토레토와 파올로 베로네세, 그리고 두 사람의 많은 제자들의 작품을 (모든 곳까지는 아니지만) 비추었다. 어두운 물체가 단일하고 종종 보이지 않는 광원에서 나오는 한 줄기 빛에 의해 극적으로 비춰지는 이러한 구조적인 명암법을 발전시킨 사람은 우고 다 카르피, 조반니 바글리오네, 카라바조였다. 특히 카라바조는 극적인 명암법이 지배적인 기법이 되는 테네브리즘의 발전에 중요한 기여를 했다.

테네브리즘은 특히 스페인과 스페인의 지배하에 있던 나폴리 왕국에서 유행했다. 그 대표는 호세 데 리베라와 그의 제자들이다. 로마에 거주하던 독일 화가 아담 엘스하이머는 주로 불빛과 달빛으로 비추어진 야경 그림을 많이 제작했다. 카라바조와 달리 엘스하이머는 어두운 부분에 매우 세심한 주의를 기울였다. 카라바조와 엘스하이머의 영향을 강하게 받은 것이 피터 폴 루벤스이다. 루벤스는 그림에서 보이는 「그리스도의 십자가 처형」 등의 작품에서 테네브리즘 기법을 극적인 효과로 활용했다.

촛불에 비친 밤 그림이 장르로서 발전했다. 그것은 곧 헤르트헨 토트 신트 얀스 등 북쪽 화가들의 관심을 카라바조와 엘스하이머의 혁신으로 되돌렸다. 17세기 초 10년 동안 네덜란드 출신의 많은 화가들이 이 주제로 그림을 그렸다. 헤라르트 판 혼트호르스트와 디르크 판 바ቡ렌과 같은 위트레흐트 카라바조주의 화가들, 야코프 요르단스와 같은 플랑드르 바로크 회화 화가들이었다. 1620년 이후 렘브란트의 초기 작품도 한 개의 촛불을 광원으로 사용했다. 이 "촛불에 비친 밤 그림"은 소규모이지만 17세기 중반 네덜란드 공화국의 헤라르트 더우와 고트프리트 스할컨 등 피인스힐더의 작품 속에 다시 나타났다.

네덜란드 이외에서는 프랑스의 조르주 드 라 투르와 트로핌 비고, 잉글랜드의 조지프 라이트 오브 더비 등이 촛불의 명암을 사용했다. 한편, 앙투안 와토는 「우아한 축제(Fêtes galantes)」의 잎이 무성한 배경에 부드러운 명암을 사용했고, 많은 프랑스 화가들(특히 유명한 장 오노레 프라고나르)이 그 뒤를 따랐다. 17세기 말이 되면 요한 하인리히 퓌슬리 등이 낭만적인 효과를 내기 위해 명암법을 사용했다(19세기의 외젠 들라크루아들이 한 것처럼).

4. 키아로스쿠로 목판화

키아로스쿠로 목판화는 여러 개의 목판을 사용하여 서로 다른 색으로 인쇄하는 옛 거장 판화의 일종이다. 반드시 빛과 어둠의 강한 대비를 보여주는 것은 아니며, 키아로스쿠로 그림과 유사한 효과를 내기 위해 처음 제작되었다.

몇몇 초기의 도서 인쇄 실험 이후, 두 개의 판을 사용하는 진정한 키아로스쿠로 목판화는 1508년 또는 1509년에 독일의 루카스 크라나흐에 의해 처음 발명되었을 것으로 추정된다. 비록 그가 자신의 초기 판화 중 일부의 제작 연도를 앞당겨 기록했고, 단색 인쇄를 위해 처음 제작된 일부 판화에 색조 판을 추가했지만, 그 뒤를 한스 부르크마이어가 바로 뒤따랐다.[17] 스트라스부르의 요하네스 쇼트 인쇄소에서 일한 폼슈나이더(판화 조각가)가 세 개의 판을 사용하여 키아로스쿠로 목판화를 제작한 최초의 인물이라고 주장된다.[18] 바사리는 이탈리아의 우고 다 카르피의 우선권을 주장했음에도 불구하고, 그의 작품, 즉 이탈리아 최초의 예는 1516년경의 것임이 분명하다.[19][20] 그러나 다른 자료들은 최초의 키아로스쿠로 목판화가 이탈리아 화가인 안드레아 만테냐가 1470년에서 1500년 사이에 제작한 '율리우스 카이사르의 개선식'이라고 제시한다.[21] 또 다른 견해는 "루카스 크라나흐는 영광을 차지하려고 자신의 두 작품의 제작 연도를 앞당겨 기록했다"는 것이며, 이 기법은 "아마도" 황제 막시밀리안의 의뢰로 "십자군을 위한 자금과 지원을 모으기 위해 황제의 이미지를 널리 알릴 수 있는 저렴하고 효과적인 방법을 찾기 위해" 부르크마이어에 의해 발명되었다고 주장한다.[22]

이 기법을 사용한 다른 판화가들로는 한스 베히틀린, 한스 발둥 그린, 파르미지아니노가 있다. 독일에서는 이 기법이 1520년경에 가장 큰 인기를 얻었지만, 16세기 내내 이탈리아에서도 사용되었다. 골치우스와 같은 후대의 예술가들도 때때로 이 기법을 사용했다.

대부분의 독일의 두 판 인쇄에서, 핵심 판(또는 "선 판")은 검정색으로 인쇄되었고, 색조 판은 평평한 색상 영역을 가지고 있었다. 이탈리아에서는 매우 다른 효과를 얻기 위해 핵심 판 없이 키아로스쿠로 목판화가 제작되었다.[23]

5. 영화와 사진에서의 명암법

영화 촬영에서 키아로스쿠로(Chiaroscuro)는 극적인 저조도 조명과 높은 명암비를 사용하여 빛과 어둠의 뚜렷한 영역을 만드는 기법이다. 특히 흑백 영화에서 많이 사용되었으며, 고전적인 예로는 『칼리가리 박사의 밀실』(1920), 『노스페라투』(1922), 『메트로폴리스』(1927), 『노트르담의 꼽추』(1939) 등이 있다.[28] 『메트로폴리스』에서는 키아로스쿠로 조명을 통해 밝고 어두운 미장센과 인물 간의 대비를 만들어 자본가 엘리트와 노동자 간의 차이를 강조했다.

현대 영화에서도 키아로스쿠로는 활용되는데, 스탠리 큐브릭(Stanley Kubrick)의 1975년 영화 『배리 린든』이 대표적이다.[29] 큐브릭은 촛불만으로 촬영하기 위해 특수 렌즈(최대 조리개 f/0.7)를 구입하여 개조했고, 이를 통해 자연스러운 저조도 조명으로 영화를 촬영했다.

사진에서 키아로스쿠로는 "렘브란트 조명"을 사용하여 얻을 수 있으며, "주변광/자연광"이라고 부르기도 한다. 빌 헨슨, W. 유진 스미스, 요제프 쿠델카, 로타르 볼레, 애니 리보비츠, 플로리아 시기스몬디, 랄프 기브슨 등은 다큐멘터리 사진에서 키아로스쿠로 기법을 활용하는 대표적인 사진작가들이다.

영화에서는 강렬한 조명을 통해 명암을 강조하기도 한다. 1922년 영화 노스페라투에서 벽에 비친 흡혈귀의 그림자가 그 예시이다. 사진에서는 비틀즈의 앨범 위드 더 비틀즈 표지 사진처럼 옆에서 강렬한 조명을 비추는 방식으로 유사한 효과를 낼 수 있다.

명암 대비를 강조하는 사진작가로는 유진 스미스, 요제프 쿠델카, 다이앤 아버스, 게리 위노그랜드, 로버트 프랭크, 애니 라이보비츠 등이 있다.

6. 한국 미술에서의 명암법

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7. 주요 예술가 및 작품

레오나르도 다 빈치는 모나리자, 최후의 만찬 등의 작품에서 명암법을 사용하여 인물의 입체감과 분위기를 표현했다. 라파엘로는 아테네 학당, 성모 마리아 연작 등에서 부드러운 명암 대비를 통해 조화로운 화면을 구성했다.

카라바조는 성 마태오의 소명, 의심하는 도마와 같은 작품에서 극적인 명암 대비를 통해 긴장감 넘치는 장면을 연출했으며, 이는 테네브리즘이라는 새로운 양식으로 이어졌다. 렘브란트는 야경, 돌아온 탕자 등에서 빛과 그림자의 섬세한 조절을 통해 인물의 내면 심리를 표현하는 데 능숙했다.

피터 폴 루벤스는 십자가에서 내려지는 그리스도, 삼미신과 같은 작품에서 역동적인 명암 대비를 통해 극적인 효과를 강조했다. 조르주 드 라 투르는 목수 성 요셉, 뉘우치는 막달라 마리아와 같이 촛불을 광원으로 사용하여 종교적인 분위기를 자아냈다. 조제프 라이트 오브 더비는 공기 펌프 속의 새 실험, 태양계의 등에서 과학적인 주제를 다루면서 빛과 어둠의 대비를 통해 극적인 효과를 연출했다.

8. 갤러리

섬세한 조각선의 해칭과 크로스 해칭(재현에서는 모두 구별되지 않음)은 15세기 후반 판화에서 얼굴과 옷을 모델링하는 데 사용됨


풍경 명암법(키아로스쿠로), 얀 보트(Jan Both), 1646년

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참조

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