렘브란트
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1. 개요
렘브란트 하르먼손 판 레인은 1606년 네덜란드 레이던에서 태어난 네덜란드의 화가이다. 유화, 동판화, 드로잉, 특히 자화상을 많이 남겼으며, 네덜란드 최고의 화가로 평가받는다. 그는 성서, 신화, 역사, 풍경, 풍속 등 다양한 소재로 2천여 점의 작품을 제작했다. 빛과 어둠의 대비를 강조하는 독특한 기법을 사용하여 '근대적 명암의 시조'로 불리며, 17세기 최대의 화가 중 한 명으로 꼽힌다. 그의 작품은 인간의 심리를 섬세하게 표현하고 다양한 기법을 활용하여, 서양 미술사에 큰 영향을 미쳤다.
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| 렘브란트 - [인물]에 관한 문서 | |
|---|---|
| 지도 | |
| 기본 정보 | |
| 이름 | 렘브란트 |
| 원어 이름 | Rembrandt Harmenszoon van Rijn |
| 출생명 | 렘브란트 하르멘스존 판 레인 |
| 출생일 | 1606년 7월 15일 |
| 출생지 | 라이덴, 네덜란드 공화국 |
| 사망일 | 1669년 10월 4일 |
| 사망지 | 암스테르담, 네덜란드 공화국 |
| 활동 분야 | 회화, 판화, 드로잉 |
| 훈련 | 야코프 반 스와넨뷔르흐 피터 라스트만 |
| 운동 | 네덜란드 황금시대 바로크 |
| 배우자 | 사스키아 판 위런뷔르흐 (1634년 결혼, 1642년 사망) |
| 자녀 | 2명, 티투스 포함 |
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| 주요 작품 | |
| 주요 작품 | 자화상 니콜라스 튈프 박사의 해부학 강의 (1632년) 벨샤자르의 향연 야경 (1642년) 100길더 판화 (에칭, c. 1647–1649년) 목욕하는 밧세바 (1654년) 직물 조합 감사관들 (1662년) |
| 후원자 | |
| 후원자 | 콘스탄테인 호이헨스 |
| 수상 | |
| 발음 | |
| 영어 발음 | /ˈrɛmbrænt, ˈrɛmbrɑːnt/ |
| 네덜란드어 발음 | ˈrɛmbrɑnt ˈɦɑrmə(n)ˌsoːɱ vɑn ˈrɛin |
2. 생애
1606년 7월 15일 암스테르담 서쪽으로 약 50km 떨어진 레이던에서 방앗간 주인의 아홉째 아이로 태어났다. 렘브란트는 개신교 신자였고, 어머니는 가톨릭 신자였다. 렘브란트는 화가가 된 후, 성서를 읽는 모친의 모습을 그림에 담아 존경을 표했다. 라틴어 학교를 졸업한 후, 14세에 레이던 대학교에 입학했으나 학교 공부에 흥미를 느끼지 못하고 그림에만 열중하자, 부모는 그를 야코프 판 스바넨뷔르흐에게 보내 3년간 미술 수업을 받게 했다.
1625년 개인 화실을 연 직후, 암스테르담에서 활동하던 피터르 라스트만에게 정기적으로 지도를 받으며 미술 시야를 넓혔다. 1632년 암스테르담으로 이주하여 〈튈프 박사의 해부학 강의〉를 제작, 초상화가로서 명성을 얻었다.
1642년 〈야경〉을 제작했으나 당시에는 나쁜 평가를 받아 초상화가로서 명성을 잃었다. 같은 해 아내마저 결핵으로 사망하자 실망과 곤궁에 빠졌지만, 작품에 정열을 쏟았다. 1656년 파산 선고를 받고 유대인 지구에서 가난에 시달리면서도 좋은 작품을 계속 발표했다. 끼니를 거르는 비참한 만년에도 인간에 대한 깊은 이해와 애정을 담은 독특한 그림을 제작했다. 그러나 〈야경〉 제작 이후 무너진 화가로서의 삶은 끝내 회복되지 못했고, 1669년 암스테르담에서 쓸쓸히 생을 마감했다.
렘브란트는 페르메이르, 카라바조, 루벤스, 벨라스케스 등과 함께 바로크 회화를 대표하는 화가 중 한 명이며, 유럽 미술사에서 중요한 인물이다.[159] “'''빛의 화가'''”, “'''빛의 마술사'''”(또는 “'''빛과 그림자의 화가'''”, “'''빛과 그림자의 마술사'''”)라는 이명을 가지고 있으며,[158] 유채화뿐만 아니라 에칭이나 복합 기법을 사용한 동판화 및 데생에서도 많은 작품을 남겼다. 자화상을 많이 그린 것으로도 알려져 있으며, 이 작품들은 당시 그의 내면까지 전달하고 있다.
젊은 시절 초상화가로 성공했지만, 말년에는 사생활의 불행과 낭비벽으로 경제적 어려움에 시달렸다. 하지만 생전 이미 유명했고 높은 평가를 받았으며,[160] 네덜란드에는 그와 비교할 만한 화가가 없다고 여겨지기도 했다.[161] 페르디난트 볼, 호프하르트 프링크 등은 그의 제자로 알려져 있다.
2. 1. 초기 생애 (1606년 ~ 1631년)
렘브란트 하르멘손 판 레인은 1606년 7월 15일, 현재 네덜란드인 네덜란드 공화국 레이던에서 태어났다.[1] 그는 하르멘 게리츠손 판 레인과 넬트겐 빌럼스도흐터 판 주이트브로크 사이에서 태어난 아홉 번째 자녀였다.[8] 그의 가족은 상당히 부유했으며, 아버지는 제분사였고 어머니는 제빵사의 딸이었다. 그의 어머니는 가톨릭 신자였고, 아버지는 네덜란드 개혁 교회 신자였다.소년 시절 그는 라틴어 학교에 다녔다. 1620년에는 레이던 대학교에 입학했지만, 그는 회화에 더 큰 재능을 보였고 곧 야코프 판 스와넨부르크에게 견습생으로 들어가 3년 동안 그와 함께 일했다.[9] 암스테르담의 역사화가 피터르 라스트만 밑에서 6개월 동안 중요한 견습 기간을 거친 후, 1625년 야코프 피나스 밑에서 몇 달을 보냈지만, 시몬 판 레우웬은 렘브란트가 요리스 판 스호텐에게서 교육을 받고 자신의 작업실을 열었다고 주장했다.[9][10]
1625년 개인 화실을 연 직후, 암스테르담에서 활동하던 피터르 라스트만(Pieter Lastman)을 정기적으로 방문해 지도를 받으면서 미술에 관한 시야를 넓혔다.
암스테르담에서 돌아온 렘브란트는 집에 아틀리에를 마련하고 곧바로 제작에 착수했다. 1625년에는, 시기가 밝혀진 최초의 작품인 「성 스테파노의 순교(성 스테파노의 돌에 맞아 죽음)」을 제작했다.[168] 이 무렵 같은 라스트만 문하에 들어가 12세에 화가로 활동을 시작한 신동으로 불린 얀 리펜스와 알게 되었고,[164] 경쟁 관계를 시작했다.[173] 리펜스와는 한때 공동으로 작업장을 가졌다.[168]
1628년에는 렘브란트도 제자들을 지도하게 되었고, 게라르트 더우[170][174] 와 이삭 즈위델벨트 등이 그의 문하에 들어왔다.[173] 제자 중 한 명인 호이흐스트라텐은 1678년 저서 『미술학교로의 초대』에서 렘브란트의 지도에 대해 "지식은 실천하라. 그러면 알지 못하는 것, 배워야 할 것이 자명해진다"라는 말을 적었다. 이처럼 렘브란트는 항상 새로운 영역에 도전하는 데 열정적이었으며, 이 무렵에는 에칭을 시작했다. 끝이 두 갈래인 조각칼을 직접 만들거나, 빈민이나 노인의 모습을 주제로 한 판화를 많이 제작했다.[164]
이 무렵 렘브란트는 두각을 나타내기 시작했다. 유트레히트의 법률가이자 미술 평론가인 판 부헬은 1628년 저서 『회화』에서 렘브란트가 칭찬을 받고 있음을 적고 있다. 회화 외에도 에칭이 유럽 전역에 유통된 것도 렘브란트의 명성이 널리 알려지는 요인이 되었다. 오라녜 공 프레데릭 헨드릭의 비서관(수학자크리스티아언 호이헌스의 아버지)은 렘브란트와 리펜스 모두에게 주목했다. 호이헌스는 두 사람을 평하여 "창의성이 뛰어난 자수공의 아들(리펜스)과 판단력과 표현력이 뛰어난 제분공의 아들(렘브란트)"이라고 말했고, 둘 다 유명한 화가와 어깨를 나란히 하고, 머지않아 이를 넘어설 것이라고 일기에 적었다.[164][170]
2. 2. 암스테르담에서의 성공 (1631년 ~ 1642년)
1631년 말, 렘브란트는 상업과 무역의 중심지였던 암스테르담으로 이주하여 전문 초상화가로 활동하기 시작했고, 큰 성공을 거두었다. 그는 미술상인 헨드릭 판 우일렌부르흐(Hendrick van Uylenburgh)와 함께 지냈으며, 1634년에는 그의 사촌인 사스키아 판 우일렌부르흐(Saskia van Uylenburgh)와 결혼했다.[16][17] 사스키아는 존경받는 가문 출신으로, 그녀의 아버지 롬베르투스 판 우일렌부르흐(Rombertus van Uylenburgh)는 변호사이자 레우워르던의 시장이었다. 렘브란트 측 친척들은 참석하지 않은 채 성 안나 교구의 교회에서 결혼식이 올려졌다.[18] 같은 해, 렘브란트는 암스테르담 시민이자 현지 화가 조합(guild of painters)의 회원이 되었고, 페르디난드 볼(Ferdinand Bol)과 고베르트 플링크(Govert Flinck) 등 여러 제자를 받았다.[19]1635년, 렘브란트와 사스키아는 암스테르담 운하가 보이는 세련된 주택을 임대했다.[20] 1639년 5월, 그들은 고급 주택가인 브레스트라트에 있는 집으로 이사했는데, 니콜라스 피케노이(Nicolaes Pickenoy)가 그의 이웃이었다. 1만 3천 길더에 달하는 주택 구매 자금을 마련하기 위해 대출을 받았는데, 이는 훗날 재정적 어려움의 원인이 되었다. 이웃에는 이민자들이 많았고 유대인 거리가 되어가고 있었기에, 렘브란트는 구약 성경 장면을 위해 자주 유대인 이웃들에게 모델을 요청했다.[24] 초기 그의 주요 후원자 중 한 명은 암스테르담 정치가인 안드리스 더 그라프(Andries de Graeff)였다.[26][27]
부부는 부유했지만, 여러 개인적인 시련을 겪었다. 세 아이가 출생 후 몇 주 안에 사망했고, 1641년에 태어난 넷째 티투스만이 성인이 될 때까지 살아남았다. 사스키아는 1642년 결핵으로 사망했는데, 병상과 죽음의 침대에 누워 있는 사스키아를 그린 렘브란트의 그림은 그의 가장 감동적인 작품 중 하나로 꼽힌다.[29][20]
2. 3. 시련과 파산 (1642년 ~ 1656년)
1642년 〈야경〉을 제작하였으나, 당시에는 극히 나쁜 평을 받아 초상화가로서 명성을 잃었다.[175] 게다가 같은 해에 아내 사스키아마저 결핵으로 죽자,[175] 실망과 곤궁에 빠지게 되었으나 이에 굴하지 않고 작품에 정열을 기울였다. 1656년 파산 선고로 유대인 지구에서 가난에 시달리는 생활을 하였음에도 불구하고 좋은 작품을 계속 발표하였다.[163]1640년 말, 렘브란트는 화승총수 조합이 의뢰한 여러 집단 초상화 중 프랑스 파닝 코크가 이끄는 부대의 그림을 맡았다. 그는 독자적인 주제성과 역동적인 구도를 사용하여 1642년 초 『야경』을 완성했다. 의뢰받은 그림은 조합 회관(뉘우헤 스타드하이스)에 걸렸는데, 제자인 호호스트라텐은 『야경』을 평하여 "전시된 다른 그림들이 마치 트럼프 그림처럼 보인다"라며 그 뛰어난 솜씨에 감탄했다.[175]
그러나 이 무렵 그는 많은 불행을 겪었다. 1635년 12월에 태어난 첫째 아들 렘브르투스는 두 달 만에 사망했다. 1638년 7월과 1640년 7월에 태어난 두 딸 코르넬리아도 모두 한 달 남짓의 짧은 생을 마감했다.[173] 이 해 9월에는 어머니마저 세상을 떠났다.[175] 그의 자녀 중 성인이 된 것은 1641년에 얻은 아들 티투스 뿐이었다.[175]
『야경』 제작 중, 아내 사스키아가 건강을 잃고 앓아눕게 되자 렘브란트는 병상의 그녀를 그린 스케치를 남겼다.[183] 1642년 6월 14일, 사스키아는 29세의 나이로 사망했다. 결핵이 원인이었을 것으로 추정된다. 렘브란트는 아우데 교회에 매입한 묘지에 그녀를 안장했다.[175]
단, 부정하는 의견도 있다.
이 무렵부터 렘브란트의 인생은 암전기를 맞는다.[163] 사스키아의 간호와[181] 어린 티투스를 돌볼 친척 여성이 없어, 그는 유모로 북부 출신 농가의 미망인 헤르트헤 디르크스를 고용했고, 곧 그녀와 정부 관계를 맺게 된다.[184]
그는 다시 왕성한 창작 활동에 돌입했지만 비판도 들리기 시작했다. 특히 초상화에서는 발주자의 주문과 렘브란트가 추구하는 예술성에 차이가 있었다. 완벽주의자인 그는 고객을 기다리게 하는 것으로 유명했다. 화가이자 비평가인 하우브라켄은 렘브란트가 얼굴이나 구도 하나에 10개 이상의 스케치를 했을 수도 있다고 말했고, 이탈리아의 필리포 발디누치는 붓을 대기 시작한 후에도 여러 번 수정하기 때문에 고객은 수개월 동안 기다려야 했다고 말했다. 어떤 가족의 초상화를 제작하는 도중 렘브란트가 기르던 원숭이가 죽자, 그는 그 사체를 완성 직전의 그림에 그려 넣어 제출했고, 이에 의뢰한 가족은 분노하여 작품은 폐기되었다는 일화도 전해진다. 이러한 일들이 겹치면서 렘브란트에게 초상화 의뢰는 점차 줄어들었다.[184]
그러나 그의 낭비벽은 고쳐지지 않았다. 그림에 필요하다고 생각하면 골동품부터 헌옷까지 사 모았고, 또한 다양한 그림과 판화, 데생도 경매에서 고가를 제시하며 낙찰받았다. 발디누치에 따르면 렘브란트는 미술 자체의 가치를 높이기 위해 이러한 행동을 취했다고 하나, 수입을 초과하는 지출은 당시 프로테스탄트적 가치관이 강했던 네덜란드에서는 "방탕"으로 여겨졌다.[184]
1649년경, 그는 젊은 가정부 헨드릭예 스토펠스를 새로 고용했고,[178] 그녀를 정부로 삼기 시작했다. 1649년 헤르트헤는 선물 받은 보석을 근거로 약혼이 성립했다고 주장하며 그 불이행으로 렘브란트를 고소했다. 재판에서 렘브란트는 헤르트헤에게 매년 200길더의 용돈을 지급하라는 명령을 받았다. 이 무렵에는 창작 활동도 부진했고, 고소당한 해에는 한 점의 작품도 남기지 않았다.[163] 후에 렘브란트는 티투스에게 증여한 보석을 헤르트헤가 임의로 빼돌려 팔았다고 고소했고,[178] 이것이 인정되어 그녀는 12년의 금고형을 선고받았다. 헤르트헤는 5년 만에 출소했지만 이듬해 사망했다.[184] 렘브란트와 헨드리키에 사이에는 1654년에 딸 코르넬리아가 태어났다.[173]
헨드리키에는 렘브란트를 지지했고, 그녀를 그린 그림도 남아 있다. 그러나 사스키아의 유언에 얽매여 두 사람은 결혼하지 않았다.[183] 법원은 불륜 혐의를 이유로 출두를 명령했지만 렘브란트는 거부했고,[185] 헨드리키에는 두 번의 심문을 받고 헤어지라는 말을 들었지만 따르지 않았다.[184]
이 무렵 렘브란트는 돈이 부족해지기 시작했다. 일은 급격히 줄었지만 낭비벽은 여전했고, 빚을 얻어 생활비를 충당했지만 빚을 갚을 길이 없었고, 저택의 할부금마저 연체하고 있었다.[184] 1652년에 영국-네덜란드 전쟁이 발발하여 네덜란드 경제가 불황에 빠지자 채권자들은 점점 태도를 강경하게 만들었다. 1656년에 렘브란트는 미술품과 저택 등 재산을 티투스에게 상속시켜 보존하려 했지만, 고아 법원은 이를 인정하지 않았다.[184]
7월 20일, 고등법원은 법정 관리인을 지정하고, 렘브란트에게 "세시오 보노룸(cessio bonorum, 재산 양도 또는 재산 위탁)"을 선고했다.[170] 세시오 보노룸은 채무자의 재산을 모두 현금화하여 채권을 변제하는 방법으로, 파산보다는 비교적 완화된 처분이다. 이에 따라 렘브란트의 363개 항목에 달하는 재산 목록이 작성되었다.[186] 판매품 목록에는 저명한 화가의 그림과 소묘, 로마 황제의 흉상, 일본 무기와 아시아의 물품, 자연사 관련 물품과 광물 등이 있었다.[187] 경매는 1656년 9월에 시작되었고,[184] 이듬해까지 헐값에 팔려 나갔다.[187]
2. 4. 만년 (1656년 ~ 1669년)
렘브란트는 예술적으로 성공했지만, 재정적으로는 어려움을 겪었다. 미술품, 판화, 희귀품 등을 수집하는 데 많은 돈을 썼고, 수입보다 지출이 많았다. 1653년 1월, 부동산을 매각했지만 렘브란트는 여전히 남은 저당의 절반을 갚아야 했다. 채권자들은 할부금을 요구했고, 렘브란트는 연기를 요청했다. 집 수리 문제로 얀 식스 등 친구들에게 돈을 빌리기도 했다.[37]1655년 11월, 페스트가 유행하고 유언을 작성하던 어두운 시기에, 렘브란트의 14살 된 아들 티투스는 아버지를 유일한 상속자로 하는 유언을 작성하여 어머니 쪽 가족의 상속권을 배제했다.[40][41] 12월에 렘브란트는 그림을 매각했지만, 수익은 예상보다 적었다.[42] 이 시기 미술계는 큰 영향을 받았고, 렘브란트는 채무면제를 위한 고등법원 합의를 추진했다.[43] 재정적 어려움에도 불구하고, 렘브란트의 파산은 강제적인 것이 아니었다.[42][44] 1656년 7월, 그는 파산을 선언하고 재산 목록을 작성하여 자발적으로 재산을 포기했다.[45] 이미 집을 아들에게 넘겼다는 점이 중요하다.[23] 당국과 채권자들은 관대하게 빚을 해결할 시간을 주었다. 야코프 야코브스 힌로펜이 역할을 한 것으로 알려졌다.[46]
1657년 11월, 렘브란트의 그림, 에칭 판, 라파엘, 만테냐, 조르조네 등 유명 화가들의 작품을 포함한 그림을 판매하는 경매가 열렸다.[23] 놀랍게도 렘브란트는 수입을 올릴 수 있는 도구를 계속 가지고 있을 수 있었다.[23] 렘브란트는 아들의 후견인 자격을 잃어 아들의 행동을 통제할 수 없었다. 새 후견인 루이스 크레이어스는 티투스의 빚을 갚기 위해 집을 요구했다.[47]
매각 목록은 363개 항목으로, 옛 거장 그림, 로마 황제 흉상, 그리스 철학자 조각상, 책(성경), 지구본, 모자, 갑옷, 아시아 물건(자기), 자연사 표본(사자 가죽, 극락조, 산호, 광물) 등 렘브란트의 다양한 소장품을 보여주었다.[48] 그러나 매각 가격은 실망스러웠다.[49]
1658년 2월까지 렘브란트의 집은 담보권 실행 경매로 팔렸고, 가족은 로젠그라흐트의 작은 집으로 이사했다.[50] 1660년, 에스더의 연회에서 아하수에로와 하만을 완성하여 얀 야코브스 힌로펜에게 팔았다.[52] 1660년 12월 초, 집 매각이 완료되었지만 수익은 티투스의 후견인에게 돌아갔다.[53][54]
2주 후, 헨드릭예와 티투스는 미술상 페이퍼 컴퍼니를 설립하여 숙식을 제공받는 렘브란트가 예술 활동을 계속할 수 있게 했다.[55][56] 1661년, 이들은 새로 완공된 시청의 대규모 프로젝트 계약을 맺었다. 결과물인 클라우디우스 실빌리스의 음모는 시장들에게 거부당했고 몇 주 만에 렘브란트에게 돌아왔다. 현재 남아있는 조각(스톡홀름 소재)은 원작의 4분의 1뿐이다.[57]
이러한 좌절에도 렘브란트는 계속 중요한 초상화 의뢰를 받았고, 1662년 검사들과 같은 주목할 만한 작품을 완성했다.[59] 렘브란트의 재산을 정확히 평가하기는 어렵지만, 재산의 절반은 티투스의 상속분으로 지정되었다.[45]
1663년 3월, 헨드릭예가 병에 걸려 티투스가 더 중요한 역할을 맡았다. 렘브란트의 주요 채권자 이삭 반 헤르츠베크는 고등법원에 가서 티투스의 지불 우선권에 이의를 제기했고, 이는 티투스가 1665년 성인이 되었을 때 최종 승소한 법적 분쟁으로 이어졌다.[61] 이 기간 동안 렘브란트는 유대인 신부와 마지막 자화상 등 주목할 만한 작품을 작업했지만, 임대료를 연체하며 어려움을 겪었다.[64] 코지모 3세 데 메디치, 토스카나 대공은 렘브란트를 두 번 방문하여 자화상 중 하나를 가지고 피렌체로 돌아갔다.[65]
렘브란트는 헨드릭예와 티투스보다 오래 살았다. 1669년 10월 4일 금요일에 사망하여 4일 후 웨스터케르크의 임대 묘지에 묻혔다.[66] 사생아 코르넬리아(1654–1684)는 1670년 바타비아로 이주했다.[67] 티투스의 상속 재산은 외동딸 티티아(1669-1715)에게 돌아갔다.[68] 렘브란트의 삶은 단순한 예술적 업적을 넘어, 수많은 법적, 재정적 어려움을 헤쳐나간 복잡한 유산이었다.[69][70]
3. 주요 작품
렘브란트는 회화와 판화 모두에서 뛰어난 작품을 남겼으며, 특히 빛과 그림자를 극적으로 활용하는 키아로스쿠로 기법으로 유명하다. 그의 작품은 종교적, 역사적, 신화적 주제뿐만 아니라 초상화와 풍경화까지 다양하다.
다음은 렘브란트의 주요 작품 목록이다.
| 제목 | 제작 연도 | 소장처 |
|---|---|---|
| 튈프 교수의 해부학 강의 | 1632년 | 마우리츠하위츠, 헤이그 |
| 돌다리가 있는 풍경 | 1637년 | 레이크스 미술관, 암스테르담 |
| 야경 (프란스 바닝 코크 대장의 민병대) | 1642년 | 레이크스 미술관, 암스테르담 |
| 세 개의 십자가 | 1653년 | 국립도서관, 파리 |
| 밧세바 | 1654년 | 루브르 박물관, 파리 |
| 황금 투구를 쓴 남자 | 1650년 | 베를린 국립 회화관 |
| 유대인 신부 | 1665-1669년 경 | 암스테르담 국립 미술관 |
| 돌아온 탕자 | 1669년 | 에르미타주 박물관, 상트페테르부르크 |
이 외에도 렘브란트는 도난당한 ''갈릴리 호수의 폭풍''(1633), ''폴란드 귀족''(1637), ''겨울 풍경''(1646), ''유로파의 납치''(1632) 등 다양한 작품을 남겼다. 또한 그는 수많은 자화상을 남겼는데, 이 자화상들은 그의 내면을 탐구하고 다양한 구도와 표정을 실험하기 위한 것이었다.
3. 1. 회화
렘브란트는 유화뿐만 아니라 에칭이나 복합 기법을 사용한 동판화 및 데생에서도 많은 작품을 남겼다. 특히, 키아로스쿠로를 사용하여 빛과 그림자의 연극적인 사용을 매우 개인적인 방식으로 적용했다.[80]20세기 초 미술품 감정가들은 렘브란트가 600점이 넘는 회화,[72] 거의 400점의 에칭, 그리고 2,000점의 드로잉을 제작했다고 주장했다. 그러나 1960년대부터 현재까지의 최근 연구는 그의 작품을 300점에 가까운 회화로 줄였다.[74] 그의 판화는 대부분 에칭으로 제작되었으며, 300점 미만이다. 렘브란트는 그의 생애 동안 2,000점 이상의 드로잉을 더 많이 제작했을 가능성이 있지만, 현존하는 드로잉은 추정보다 훨씬 드물다.[75]
한때 약 90점의 회화가 렘브란트 자화상으로 간주되었지만, 현재 그는 학생들의 훈련 과정의 일환으로 자신의 자화상을 복사하게 했다는 사실이 알려졌다. 현대 학문은 자필 작품 수를 40점이 넘는 회화와 소수의 드로잉, 그리고 31점의 에칭으로 줄였다.[77]
렘브란트는 그의 경력 전반에 걸쳐 초상화, 풍경화, 그리고 서사적 회화를 주요 주제로 삼았다. 특히 서사적 회화에서 그는 감정 표현과 세부 묘사에 대한 능숙함으로 성서 이야기를 해석하는 뛰어난 화가로 동시대 사람들에게 칭찬을 받았다.[83] 그의 작품은 초기에는 세련된 기법을 특징으로 하는 "매끄러운" 기법에서, 후기에는 풍부하게 다채로운 페인트 표면을 "거칠게" 처리하는 것으로 발전했다.[84]
렘브란트 작품의 주요 특징 중 하나는 키아로스쿠로를 사용하는 것이다.[80] 또한 주목할 만한 것은 동시대 사람들이 종종 보여주는 엄격한 형식성이 결여된 주제의 극적이고 활기찬 제시와 부와 나이에 관계없이 인류에 대한 깊은 연민이다. 그의 직계 가족—아내 사스키아, 아들 티투스, 그리고 사실혼 배우자 헨드릭예—은 종종 그의 그림에서 두드러지게 등장하며, 그중 많은 그림은 신화적, 성경적 또는 역사적 주제를 가지고 있다.
다음은 렘브란트의 주요 회화 작품들이다.
| 제목 | 제작 연도 | 소장처 |
|---|---|---|
| 튈프 교수의 해부학 강의 | 1632년 | 마우리츠하위츠, 헤이그 |
| 돌다리가 있는 풍경 | 1637년 | 레이크스 미술관, 암스테르담 |
| 야경 (프란스 바닝 코크 대장의 민병대) | 1642년 | 레이크스 미술관, 암스테르담 |
| 세 개의 십자가 | 1653년 | 국립도서관, 파리 |
| 밧세바 | 1654년 | 루브르 박물관, 파리 |
| 황금 투구를 쓴 남자 | 1650년 | 베를린 국립 회화관 |
3. 2. 판화
렘브란트는 1626년부터 1660년까지 대부분의 경력 동안 에칭 작업을 했다. 1649년에는 연대가 기록된 작품이 하나도 없었다.[97] 인쇄기를 팔아야 했던 1660년 이후로는 에칭 작업을 거의 중단했다.[97] 그는 에칭을 쉽게 익혔고, 조각칼을 사용하고 많은 판화를 부분적으로 조각했지만, 에칭 기법의 자유로움은 그의 작품에 근본적인 것이었다. 그는 판화 제작 과정 전체에 매우 밀접하게 참여했고, 초기 에칭 작품들은 적어도 스스로 인쇄했을 것이다. 처음에는 그림에 기반한 스타일을 사용했지만, 곧 회화에 기반한 스타일로 바뀌어, 다양한 선의 강도를 얻기 위해 많은 선과 산(acid)을 이용한 여러 번의 부식을 사용했다. 1630년대 후반에는 이러한 방식에 반발하여 더 적은 부식을 사용하는 단순한 스타일로 바뀌었다.[98] 그는 1640년대 내내 소위 「백길더 판화」를 단계적으로 작업했으며, 이는 그의 경력 중반의 "중요한 작품"이었고, 그의 최종 에칭 스타일이 등장하기 시작한 작품이었다.[99] 이 판화는 두 개의 상태(첫 번째 상태는 매우 드물다)로만 남아 있지만, 최종 판화 아래에 많은 수정 작업의 흔적이 보이고, 그 요소에 대한 많은 그림이 남아 있다.[100]1650년대 성숙기 작품에서 렘브란트는 판화에서 더욱 즉흥적으로 작업했고, 대형 판화는 일반적으로 최대 11개의 상태로 남아 있으며, 종종 근본적으로 바뀌었다. 그는 이제 어두운 영역을 만들기 위해 해칭을 사용했는데, 이는 종종 판화의 많은 부분을 차지한다. 그는 또한 일본 종이(자주 사용)와 벨럼을 포함한 다양한 종류의 종이에 인쇄하는 효과를 실험했다. 그는 각 인상을 인쇄하기 위해 판화를 완전히 깨끗이 닦는 대신 판화의 일부에 얇은 잉크 막을 남기는 "표면 톤"을 사용하기 시작했다. 그는 특히 풍경에서 이 기법이 처음 몇 번의 인상에 주는 풍부하고 흐릿한 흔적을 활용하여 드라이포인트를 더 많이 사용했다.[101]
그의 판화는 그의 회화와 비슷한 주제를 가지고 있지만, 27개의 자화상은 비교적 더 흔하고, 다른 사람들의 초상화는 그렇지 않다. 대부분 작은 풍경화는 19세기 말까지 풍경의 그래픽적 처리 방향을 크게 설정했다. 렘브란트가 그린 수백 점의 그림 중 약 200점만이 풍경을 주제로 하고 있으며, 약 300점의 에칭 중 약 30점이 풍경을 보여준다. 그의 회화 풍경화의 경우 8점을 넘지 않는다.[102] 그의 에칭 중 3분의 1은 종교적인 주제이며, 많은 작품이 소박한 단순함으로 처리된 반면, 다른 작품들은 그의 가장 기념비적인 판화이다. 소수의 에로틱하거나 외설적인 구성은 그의 회화에는 해당 사례가 없다.[103] 그는 팔기 전까지 다른 예술가들의 훌륭한 판화 컬렉션을 소유했으며, 그의 작품에서 많은 차용과 영향은 만테냐, 라파엘, 헤르쿨레스 세거스, 조반니 베네데토 카스티글리오네 등 다양한 예술가들에게서 찾아볼 수 있다.
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3. 3. 자화상
렘브란트는 수많은 자화상을 그렸다.[221] 당시 그림은 의뢰를 받아 제작되었고, 화가의 자화상은 구매자가 없어 주로 그림 연구를 위해 그려졌다. 그는 구도와 표정의 다양성, 다양한 의상을 입은 모습을 통해 효과적인 구도를 찾았다고 여겨진다.[189]자화상에는 구시대적인 의상을 입거나 일부러 얼굴을 찌푸린 모습도 있다. 또한, 아직 평가가 확정되지 않은 젊은 시절부터 초상화가로 큰 영예를 누렸던 1630년대 무렵, 그리고 여러 어려움을 겪으면서도 매우 강인한 모습을 그린 노년의 작품도 있다. 그의 자화상은 만족스러운 얼굴에 나타나듯이, 전형적인 남성상을 외모에서 심리에 이르기까지 명확하게 그려낸다. 일반적으로 이러한 그림들은 대상의 개성과 내면을 탐구한 것이며, 뛰어난 예술가가 그린 초상화를 원하는 시장의 요구에 부응한 것이었다고 여겨진다.[222]
1658년 자화상에서는 높은 위엄을 자랑하는 모습과 권위의 상징인 지팡이를 들고 옥좌에 앉은 포즈를 연상시킨다. 풍부한 색채를 사용한 이 자화상은 심리적으로 다양한 정보를 제공한다.[223]
『그리스도 승천』, 『요셉의 꿈』, 『성 스테파노의 순교』 등 성서 이야기를 소재로 한 그림에서도 렘브란트는 군중 속에 자화상을 포함시켰다. 듀람은 렘브란트에게 성서는 "일기와 같은, 그 자신 인생의 순간을 기록한 것"이었다고 말했다.[224]
2020년 7월 28일, 개인 소장이던 자화상 한 점이 런던 소더비 경매에서 14500000GBP에 낙찰되었다. 이는 렘브란트의 자화상으로는 2003년 6900000GBP에 낙찰된 다른 개인 소장 자화상을 넘어 사상 최고가였다. 1632년 말 무렵의 작품으로, 당시 그는 26세였고, 암스테르담에서 화가로서의 지위를 확립하고 처음으로 상업적인 성공을 거두었다.[225]
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우피치 미술관
4. 작품의 특징
렘브란트는 유화, 동판화, 드로잉 등 다양한 형식의 작품을 남겼으며, 특히 자화상을 많이 그린 것으로 유명하다. 그의 작품들은 성경, 신화, 역사, 풍경, 풍속, 위인 등 광범위한 소재를 다루고 있으며, 총 2천여 점에 이른다.
렘브란트는 사실적인 묘사 기법을 사용하면서도, 빛의 효과를 위해 색채와 명암의 대조를 강조하여 독특한 회화적 효과를 만들어냈다. 이러한 특징으로 인해 그는 '근대적 명암의 시조'라는 평가를 받는다. 또한, 렘브란트는 북유럽 동판화의 대가로서 약 300점의 걸작을 남겼으며, 그의 동판화 작품만으로도 세계 미술사에서 위대한 화가로 인정받기에 충분하다.
그의 그림은 당대의 관행을 뛰어넘는 개성을 보여준다. 예를 들어, 야경과 같은 단체 초상화에서는 모든 인물의 얼굴을 명확하게 드러내는 일반적인 관행과 달리, 일부 인물의 얼굴을 가리거나 그림자 속에 배치하여 신비감을 더했다. 성화를 그릴 때에도 화려하고 거룩한 느낌보다는 인물들의 심리 묘사에 중점을 두어, 구약성경 속 아브라함이 아들 이스마엘과 그의 어머니 하갈을 버리는 장면에서 아브라함의 고뇌와 사라의 복잡한 감정을 대비시켜 표현하는 등 인간 내면의 깊이를 탐구했다.
렘브란트는 키아로스쿠로 기법을 활용하여 빛과 그림자의 극적인 대비를 통해 작품에 깊이를 더했다. 이는 카라바조나 네덜란드 카라바지스티의 영향을 받은 것이지만, 렘브란트는 이를 자신만의 독창적인 방식으로 발전시켜 빛과 그림자를 연극적으로 활용했다.[80] 그는 또한 주제를 극적이고 생동감 있게 제시하면서도 인물에 대한 깊은 연민을 표현하는 데 능숙했다.[80]
그의 작품은 초기에는 형태를 세련되게 묘사하는 "매끄러운" 기법을 사용했지만, 후기에는 페인트 자체의 촉각적인 특성을 살린 "거친" 기법으로 변화했다. 이는 공간 인식을 높이기 위한 의도적인 표현이었다.[84] 판화 기술에서도 비슷한 발전이 나타나는데, 1640년대 후반부터 성숙기의 에칭에서는 그림과 회화의 자유로움이 판화에도 표현되었다. 작품은 다양한 주제와 기법을 포괄하며, 공간을 암시하기 위해 넓은 흰색 영역을 남기거나, 풍부한 어두운 색조를 위해 복잡한 선을 사용하기도 했다.[85]
1650년대에 렘브란트의 화풍은 다시 한번 변화를 겪는다. 색채는 더욱 풍부해지고 붓놀림은 더욱 두드러졌다. 그는 당시 유행하던 세련된 스타일에서 벗어나, 빛의 사용은 거칠어졌고 광채는 사라졌다. 이러한 독특한 기법은 티치아노의 영향과 당시 회화의 '마무리'와 표면 질감에 대한 논의와 관련이 있을 수 있다. 당시 기록에는 렘브란트의 붓놀림이 거칠다는 비판도 있었고, 렘브란트 자신도 관람객이 그림을 너무 가까이에서 보지 못하게 했다고 한다.[93] 페인트의 촉각적인 조작은 중세의 기법을 연상시키며, 형태와 공간을 독특하게 표현했다.[94]
렘브란트는 1626년부터 1660년까지 에칭 작업을 꾸준히 이어갔다. 그는 에칭 기법을 쉽게 익혔고, 조각칼을 사용하기도 했지만, 에칭 특유의 자유로움이 그의 작품에서 중요한 역할을 했다. 그는 판화 제작 과정에 깊이 관여했으며, 초기에는 직접 인쇄를 하기도 했다. 처음에는 그림에 기반한 스타일을 사용했지만, 곧 회화에 기반한 스타일로 전환하여, 선과 산(acid)을 이용해 다양한 선의 강도를 표현했다. 1630년대 후반에는 더 적은 부식을 사용하는 단순한 스타일로 변화했다.[98] 1640년대에는 백길더 판화를 단계적으로 작업했는데, 이는 그의 경력 중반의 "중요한 작품"이었다.[99] 이 판화는 두 개의 상태로만 남아 있지만, 최종 판화 아래에 많은 수정 흔적이 보인다.[100]
1650년대 성숙기 작품에서 렘브란트는 판화에서 더욱 즉흥적으로 작업했고, 대형 판화는 최대 11개의 상태로 남아 있으며, 종종 크게 바뀌었다. 어두운 영역을 만들기 위해 해칭을 사용했고, 판화의 많은 부분을 차지하기도 했다. 일본 종이와 벨럼 등 다양한 종이에 인쇄하는 효과를 실험했다. 판화를 깨끗이 닦는 대신 잉크 막을 남기는 "표면 톤"을 사용했고, 특히 풍경에서 이 기법을 활용하여 드라이포인트를 더 많이 사용했다.[101]
4. 1. 빛과 어둠의 대가
렘브란트는 유화, 동판화, 소묘 등 다양한 작품을 남겼으며, 특히 자화상을 많이 그린 것으로 유명하다. 네덜란드 최고의 화가로 손꼽히는 그는 굳건한 신앙심을 바탕으로 종교화에서 많은 걸작을 남겼다.[158] 그는 2천여 점의 작품을 통해 성서, 신화, 역사, 풍경, 풍속, 위인 등 다양한 소재를 다루었다.그의 작품은 사실적인 묘사를 특징으로 하면서도, 빛의 효과에 있어서 색채와 명암의 대조를 강조하여 독특한 회화적 효과를 창출했다. 이로 인해 렘브란트는 '근대적 명암의 시조'라는 평가를 받는다. 또한 북부 유럽 동판화의 대가로서 300여 점의 걸작을 남겨 세계 미술사에서 중요한 위치를 차지한다.[73]
디에고 벨라스케스, 페테르 파울 루벤스와 함께 17세기 최고의 화가로 꼽히며, 레오나르도 다 빈치와 더불어 유럽 회화 역사상 가장 훌륭한 화가로 알려져 있다.[159] 대표작으로는 <자화상>, <마리아의 죽음>, <성 가족> 등이 있다.
렘브란트 그림의 특징은 당대의 관행을 넘어선 개성에 있다. 단체 초상화에서 모든 인물의 얼굴을 명확하게 드러내는 관행을 깨고 일부 인물의 얼굴을 가리거나 그림자 속에 배치하기도 했다. 성화에서도 화려함보다는 인물들의 심리 묘사에 중점을 두었다. 구약성경의 아브라함이 아들 이스마엘과 그의 어머니 하갈을 버리는 장면을 묘사한 그림에서는 아브라함의 고뇌와 사라의 복잡한 감정을 대비시켜 표현했다.
렘브란트는 키아로스쿠로 기법을 활용하여 빛과 그림자의 극적인 대비를 통해 작품에 깊이를 더했다. 이는 카라바조의 영향으로 볼 수도 있지만, 네덜란드 카라바지스티의 영향을 받아 자신만의 독창적인 방식으로 발전시켰다.[80] 또한, 그는 인간에 대한 깊은 연민을 작품에 담아냈으며, 그의 가족들(아내 사스키아, 아들 티투스, 동거녀 헨드릭예)은 종종 그의 그림에 등장하여 신화적, 성경적, 역사적 주제와 결합되어 나타난다.
렘브란트는 "빛의 화가", "빛의 마술사"(또는 "빛과 그림자의 화가", "빛과 그림자의 마술사")라는 별명을 가지고 있으며,[158] 유채화뿐만 아니라 에칭이나 복합 기법을 사용한 동판화 및 데생에서도 많은 작품을 남겼다.
4. 2. 인간 내면의 탐구
렘브란트는 유화, 에칭, 드로잉 작품을 남겼으며, 특히 자화상을 많이 그렸다. 그는 네덜란드 최고의 화가로 꼽히며, 그의 굳건한 신념은 깊은 신앙심에서 비롯되었기에 종교화에서 많은 걸작을 남겼다. 성서, 신화, 역사, 풍경, 풍속, 위인 등 다양한 분야에서 소재를 찾았으며, 작품 수는 2천여 점에 달한다.렘브란트는 다른 네덜란드 화가들과 마찬가지로 사실적인 기법을 사용했지만, 빛의 효과에 있어서는 색채와 명암의 대조를 강조하여 독특한 회화적 효과를 창출했다. 이로 인해 '근대적 명암의 시조'라는 칭송을 받았다. 또한 북유럽 동판화의 대가로서 약 300점의 걸작을 남겼으며, 동판화만으로도 세계 미술사에서 위대한 화가로 인정받는다.
스페인의 벨라스케스, 벨기에의 루벤스와 함께 17세기 최고의 화가로 꼽히며, 레오나르도 다 빈치와 더불어 유럽 회화 역사상 가장 훌륭한 화가로 알려져 있다.
렘브란트 그림의 특징은 당대의 관행을 넘어선 개성에 있다. 예를 들어, ''야경''에서는 인물들의 얼굴이 모두 드러나지 않은 경우가 있는데, 이는 단체 인물화의 관행을 벗어난 것이다. 성화를 그릴 때에도 화려하고 거룩한 느낌보다는 인물들의 심리 묘사에 중점을 두었다. 구약성서 족장설화 중 아브라함이 아들 이스마엘과 그의 어머니 하갈을 버리는 장면을 묘사하면서, 아브라함의 고뇌와 사라의 뿌듯함을 대비시켜 표현한 것이 그 예이다.
4. 3. 다양한 기법의 활용
유화, 동판화, 드로잉 작품이 남아 있으며, 특히 자화상을 많이 그렸다. 렘브란트는 북부 유럽 동판화의 대가로서 약 300점의 걸작을 남겼으며, 이것만으로도 세계 미술사에서 중요한 화가로 인정받는다.[73]그는 다른 네덜란드 화가들처럼 사실적인 기법을 사용했지만, 빛의 효과를 위해 색채와 명암의 대비를 강조하여 독특한 회화적 효과를 냈다. 이 때문에 '근대적 명암의 시조'라고 불린다.[73]
렘브란트 그림은 시대의 관행을 넘어선 개성이 돋보인다. 예를 들어 야경에서는 인물들의 얼굴이 모두 나오지 않은 경우도 있는데, 이는 단체 인물화의 관행을 깬 것이다. 또한, 성서 주제의 성화에서도 화려함보다는 인물의 심리 묘사에 중점을 두었다.
렘브란트 작품의 주요 특징은 키아로스쿠로 기법을 사용한 것이다. 이는 카라바조나 네덜란드 카라바지스티의 영향을 받았지만, 렘브란트만의 독자적인 방식으로 빛과 그림자를 연극적으로 활용했다.[80] 또한, 주제를 극적이고 생동감 있게 제시하면서도 인물에 대한 깊은 연민을 표현했다.[80]
(1632)는 바로크 회화의 '황금기'를 잘 보여주는 작품으로 평가받는다.[81]
(1634)는 상업적 성공의 절정기에 그려졌다.
(1642) 영국 왕실 컬렉션
(1658), 뉴욕 프릭 컬렉션 소장. "가장 차분하고 위대한 작품"으로 묘사된다.[82]
그의 그림은 초기에는 형태를 세련되게 묘사하는 "매끄러운" 기법을 사용했지만, 후기에는 페인트 자체의 촉각적인 특성을 살린 "거친" 기법으로 변화했다. 이는 공간 인식을 높이기 위한 의도적인 표현이었다.[84]
판화 기술에서도 비슷한 발전이 나타난다. 1640년대 후반부터 성숙기의 에칭에서는 그림과 회화의 자유로움이 판화에도 표현되었다. 작품은 다양한 주제와 기법을 포괄하며, 공간을 암시하기 위해 넓은 흰색 영역을 남기거나, 풍부한 어두운 색조를 위해 복잡한 선을 사용하기도 했다.[85]
1650년대 렘브란트의 스타일은 다시 변화했다. 색은 더 풍부해지고 붓놀림은 더 두드러졌다. 그는 당시 유행하던 세련된 스타일에서 벗어나, 빛의 사용은 거칠어졌고 광채는 사라졌다. 이러한 독특한 기법은 티치아노의 영향과 당시 회화의 '마무리'와 표면 질에 대한 논의와 관련이 있을 수 있다. 당시 기록에는 렘브란트의 붓놀림이 거칠다는 비판도 있었고, 렘브란트 자신도 관람객이 그림을 너무 가까이에서 보지 못하게 했다고 한다.[93] 페인트의 촉각적인 조작은 중세의 기법을 연상시키며, 형태와 공간을 독특하게 표현했다.[94]
렘브란트는 1626년부터 1660년까지 에칭 작업을 했다. 1660년 이후에는 에칭 작업을 거의 중단했다. 1649년에는 연대가 기록된 작품이 없다.[97] 그는 에칭을 쉽게 익혔고, 조각칼을 사용했지만, 에칭 기법의 자유로움이 그의 작품에 중요했다. 그는 판화 제작에 깊이 관여했고, 초기에는 직접 인쇄했을 것이다. 처음에는 그림에 기반한 스타일을 사용했지만, 곧 회화에 기반한 스타일로 바뀌어, 선과 산(acid)을 이용해 다양한 선의 강도를 표현했다. 1630년대 후반에는 더 적은 부식을 사용하는 단순한 스타일로 바뀌었다.[98] 1640년대에는 백길더 판화를 단계적으로 작업했는데, 이는 그의 경력 중반의 "중요한 작품"이었다.[99] 이 판화는 두 개의 상태로만 남아 있지만, 최종 판화 아래에 많은 수정 흔적이 보인다.[100]
1650년대 성숙기 작품에서 렘브란트는 판화에서 더욱 즉흥적으로 작업했고, 대형 판화는 최대 11개의 상태로 남아 있으며, 종종 크게 바뀌었다. 어두운 영역을 만들기 위해 해칭을 사용했고, 판화의 많은 부분을 차지하기도 했다. 일본 종이와 벨럼 등 다양한 종이에 인쇄하는 효과를 실험했다. 판화를 깨끗이 닦는 대신 잉크 막을 남기는 "표면 톤"을 사용했고, 특히 풍경에서 이 기법을 활용하여 드라이포인트를 더 많이 사용했다.[101]
그의 판화는 회화와 비슷한 주제를 가지지만, 자화상은 더 흔하고, 다른 사람들의 초상화는 적다. 대부분 작은 풍경화는 19세기 말까지 풍경의 그래픽적 처리에 큰 영향을 주었다. 렘브란트의 그림 중 약 200점만이 풍경을 주제로 하고, 약 300점의 에칭 중 약 30점이 풍경이다. 회화 풍경화는 8점을 넘지 않는다.[102] 에칭의 3분의 1은 종교적 주제이며, 소박하게 처리되거나 기념비적인 판화이다. 소수의 에로틱하거나 외설적인 구성은 회화에는 없다.[103] 그는 다른 예술가들의 판화 컬렉션을 소유했으며, 만테냐, 라파엘, 헤르쿨레스 세거스, 조반니 베네데토 카스티글리오네 등에게서 영향을 받았다.
1977년 헤르만 쿤은 알테 마이스터 회화관[127]과 카셀 알테 마이스터 회화관[128] 소장 렘브란트 그림을 기술 조사했다. 약 30점의 그림에 대한 안료 분석 결과, 납백색, 다양한 황토색, 반다이크 브라운, 본 블랙, 숯 검정, 등유 검정, 주홍색, 마더 레이크, 청금석, 울트라마린, 옐로우 레이크 및 납 주석 황색이 사용되었다. 합성 웅황은 유대인 신랑의 소매 그림자에 사용되었다. 이 유독성 비소 황색은 유화에서 거의 사용되지 않았다.[129] 한 그림(사스키아 반 윌렌부르흐를 플로라로)[130]에는 감보지가 포함되어 있다. 렘브란트는 순수한 파란색이나 녹색을 매우 드물게 사용했는데, 런던 국립미술관[131][132]의 벨샤자르의 향연이 예외이다.
5. 렘브란트와 한국
렘브란트의 작품은 한국과 직접적인 관련은 없지만, 그의 대표작 중 하나인 『프랑스 바닝 코크 대장의 시경단』(일명 '야경')은 흥미로운 배경을 가지고 있다. 이 그림은 원래 밤의 장면이 아니라 낮의 풍경을 묘사한 것이었으나, 니스의 열화로 인해 검게 변색되어 '야경'이라는 이름이 붙여졌다.[219]
이 작품은 화승총수 조합의 의뢰로 제작되었는데, 등장인물들이 각자 같은 금액을 지불했음에도 불구하고 그림 속 비중이 달라 논란이 되기도 했다. 그러나 코크 대장은 이 그림을 마음에 들어 했고, 작품의 완성도는 렘브란트의 명성을 높이는 데 기여했다.[219]
현재 암스테르담 국립미술관에 소장되어 있는 이 그림은 원래 크기가 매우 커서, 1715년 담 광장 시청으로 옮겨질 때 벽에 맞추기 위해 주변부가 잘려나가는 아픔을 겪었다. 특히 왼쪽 부분이 크게 잘려나가 원본은 소실되었지만, 코크 대장이 의뢰한 수채화 모사본을 통해 원래 구도를 짐작할 수 있다.[219]
6. 평가 및 영향
1968년, 네덜란드 과학연구진흥기구의 후원으로 렘브란트 연구 프로젝트가 시작되었다. 이 프로젝트는 렘브란트 작품으로 여겨지는 작품들의 진위 여부를 재평가하고 그의 그림에 대한 새로운 작품 목록을 편찬하기 위해 미술사학자들과 다른 분야 전문가들이 협력하는 방식으로 진행되었다. 그 결과, 이전에는 렘브란트 작품으로 여겨졌던 많은 그림들이 목록에서 제외되었지만, 다른 그림들은 다시 추가되었다.[118] 제외된 그림들 중 상당수는 현재 그의 제자들의 작품으로 여겨진다.
예를 들어, 뉴욕 프릭 컬렉션에 소장되어 있는 '''폴란드 기수'''는 렘브란트 작품이라는 주장에 대해 20세기 초부터 의문이 제기되었지만, 수십 년 동안 대부분의 학자들은 렘브란트 작품이라고 동의했다. 그러나 1980년대, 렘브란트 연구 프로젝트 재단의 요슈아 브레인(Josua Bruyn) 박사는 이 그림을 렘브란트의 제자인 빌렘 드로스트의 작품으로 돌렸다. 하지만 브레인의 견해는 소수 의견으로 남았고, 현재는 프릭 컬렉션의 견해에 더 힘이 실리고 있다. 1999년 사이먼 샤마와 렘브란트 프로젝트 학자 에른스트 반 데 베테링은 모두 렘브란트 작품이라고 주장했다. 렘브란트 작품이 아니라고 의문을 제기하는 학자들은 작품의 여러 부분에 대해 다른 귀속을 선호한다.[119]
'''금투구를 쓴 남자'''는 한때 가장 유명한 렘브란트 초상화 중 하나로 여겨졌지만, 더 이상 그의 작품으로 인정받지 못한다.[117]
'''빌라도가 손을 씻음''' 또한 귀속에 의문이 제기되는 작품이다. 1905년 빌헬름 폰 보데(Wilhelm von Bode)는 이 그림을 렘브란트의 "다소 비정상적인 작품"이라고 묘사했다. 이후 학자들은 이 그림을 1660년대 작품으로 추정하고 익명의 제자, 아마도 아르트 더 헬더(Aert de Gelder)에게 귀속시켰다. 이 작품은 렘브란트의 성숙한 작품과 표면적으로 유사하지만 거장의 조명과 모델링 능력이 부족하다.[122]
귀속과 재귀속 작업은 계속되고 있다. 2005년, 이전에 렘브란트 제자들의 작품으로 여겨졌던 네 점의 유화가 렘브란트 자신의 작품으로 재분류되었다. '''노년 남성 측면 연구''', '''수염을 기른 노년 남성 연구''', 디트로이트 미술관이 소장하고 있는 '''울고 있는 여인 연구''', 그리고 1640년에 그린 '''흰 모자를 쓴 노년 여성 초상화'''이다.[123] 2014년, 에른스트 반 데 베테링 교수는 '''가디언'''에 1652년 작품 '''의자에 앉은 노인'''의 강등에 대해 "엄청난 실수였다...매우 중요한 그림이다. 이 그림은 렘브란트의 실험적 측면에서 보아야 한다"는 견해를 제시했다.[124]
렘브란트 자신의 작업실 관행은 귀속의 어려움에 있어 중요한 요소이다. 그는 제자들이 자신의 그림을 복사하도록 장려했고, 때로는 원본으로 판매하기 위해 그림을 완성하거나 수정했고, 때로는 허가된 사본으로 판매했다. 또한 그의 화풍은 가장 재능 있는 제자들이 모방하기에 충분할 정도로 쉬웠다. 렘브란트 자신의 작품 중 일부의 질이 고르지 않다는 점과 그의 화풍이 자주 진화하고 실험적이었다는 점도 문제를 복잡하게 만든다.[125]
렘브란트는 바로크 회화를 대표하는 화가 중 한 명이며, 유럽 미술사에서 중요한 인물 중 한 명이다.[159] “'''빛의 화가'''”, “'''빛의 마술사'''”(또는 “'''빛과 그림자의 화가'''”, “'''빛과 그림자의 마술사'''”)라는 이명을 가지고 있다.[158] 유채화뿐만 아니라 에칭이나 복합 기법을 사용한 동판화 및 데생에서도 많은 작품을 남겼다. 회화 작품인 『밤의 순찰』은 렘브란트의 대표작으로 유명하다. 또한, 평생에 걸쳐 자화상을 그린 것으로도 알려져 있다.
젊은 시절 초상화가로 성공을 거두었지만, 말년에는 사생활에서의 여러 불행과 낭비벽으로 인한 경제적 어려움에 시달렸다. 하지만 생전 이미 유명했고 높은 평가를 받았다.[160]
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