영화 기술의 역사
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1. 개요
영화 기술의 역사는 고대 그림자극에서 시작하여, 사진술, 스트로보스코프 애니메이션, 그리고 필름을 활용한 영화 기술의 발전 과정을 거쳐왔다. 1800년대에는 매직 랜턴과 같은 영사 기술이 발전했고, 스트로보스코프 애니메이션 장치와 사진술의 발달이 영화 기술의 토대를 마련했다. 1880년대에는 셀룰로이드 필름이 개발되면서, 르 프린스와 에디슨 등이 활동 사진 카메라와 키네토스코프를 개발하며 영화의 초기 형태를 선보였다. 1890년대에는 뤼미에르 형제와 스클라다노프스키 형제에 의해 영화가 상영되기 시작했으며, 이 시기에 35mm 필름과 16프레임 속도가 표준으로 자리 잡았다.
이후 컬러 영화, 유성 영화, 3D, 4D 영화 등 다양한 기술이 개발되었고, 와이드스크린과 360° 영화, 그리고 디지털 영화 시대로의 전환을 맞이했다. 특히 디지털 영화는 필름을 대체하며 영화 제작과 배급 방식을 혁신했고, 현재는 2K, 4K 해상도를 기반으로 하는 디지털 시네마가 주류를 이루고 있다.
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| 영화 기술의 역사 | |
|---|---|
| 영화 기술의 역사 | |
| 시작 | |
| 발명 연도 | 1890년대 초 |
| 주요 발명가 | 윌리엄 케네디 로리에 딕슨 토머스 에디슨 뤼미에르 형제 레온 불리 우제프 호에네브론스키 카지미에시 프루신스키 막스 스클라다노프스키 에밀 레이노 조르주 드메니 |
| 기술적 발전 | |
| 초기 기술 | 키네토스코프 시네마토그래프 |
| 사운드 | 비타폰 무비톤 폭스 무비톤 |
| 색상 | 테크니컬러 시네컬러 아그파컬러 |
| 와이드스크린 | 시네라마 토드-AO 테크니스코프 비스타비전 파나비전 |
| 3D | 스테레오스코프 아이맥스 3D |
| 디지털 | 디지털 시네마 아이맥스 |
| 주요 인물 | |
| 초기 영화 제작자 | 에드윈 S. 포터 D. W. 그리피스 세르게이 에이젠슈테인 프리츠 랑 찰리 채플린 키네토폰 |
| 영향 | |
| 문화적 영향 | 대중 문화의 변화 새로운 예술 형태의 등장 |
| 기술적 영향 | 텔레비전 및 비디오 기술 개발 컴퓨터 그래픽스 및 시각 효과 발전 |
| 역사적 맥락 | |
| 시대적 배경 | 산업 혁명 20세기 초 기술 발전 |
| 사회적 배경 | 대중 오락에 대한 수요 증가 새로운 문화적 경험에 대한 갈망 |
| 관련 용어 | |
| 영화 용어 | 영화 시네마 필름 영사기 촬영 편집 |
| 추가 정보 | |
| 참고 자료 | 영화 관련 서적 및 문서 영화 기술 관련 웹사이트 |
| 관련 협회 | 영화 기술자 협회 영화 보존 협회 |
2. 영화 기술의 발전사
2. 1. 고대부터 1894년까지: 필름 이전의 영화 기술
그림자극은 아마도 선사 시대부터 존재했을 것이며, 카메라 옵스큐라는 선사 시대부터 예술적 보조 도구로 사용되었을 가능성이 있는 자연 현상이다. 그림자 인형극은 기원전 200년경 중앙 아시아, 인도, 인도네시아 또는 중국에서 시작되었을 가능성이 있다. 매직 랜턴은 1650년대에 개발되었으며, 일부 우연적인 및/또는 열등한 영사기보다 앞섰다. 스트로보스코프 "잔상 효과" 애니메이션 장치에는 1833년의 페나키스티스코프, 1866년의 조이트로프, 1868년의 플립 북이 있다.움직이는 이미지의 라이브 영사는 카메라 옵스큐라에서 발생하며, 이는 선사 시대부터 예술적으로 사용되었을 수 있는 자연 현상이다. 카메라 옵스큐라는 작은 관객을 위한 연극 쇼에 사용되기도 했지만, 사기꾼, 사제, 마법사들이 유령, 신 또는 악마와 같은 영적인 존재를 소환하는 데 더 일반적으로 사용되었을 것으로 추정된다. 카메라 옵스큐라에서 렌즈의 사용은 1550년으로 거슬러 올라간다. 17세기에는 카메라 옵스큐라가 인기 있는 그림 보조 도구였으며, 텐트 형태에서 휴대용 나무 상자로 발전했다. 1790년경 토마스 웨지우드의 실험을 시작으로, 박스형 카메라 옵스큐라는 빛에 민감한 화학 물질로 처리된 판이나 시트에 영사된 이미지를 캡처하여 사진 스틸 카메라로 개조되었다.
1659년경, 매직 랜턴이 크리스티안 호이겐스에 의해 개발되었다. 유리에 색상으로 칠해진 슬라이드를 영사했으며, 호이겐스의 스케치는 기계식 슬라이드의 움직이는 이미지가 초기 상영의 일부였을 수 있음을 보여준다. 1790년경, 매직 랜턴은 멀티미디어 환등 쇼에서 중요한 도구가 되었다. 후면 영사, 애니메이션 슬라이드, 여러 대의 영사기 (중첩), 이동식 영사기 등을 활용하여 관객에게 공포 체험을 선사했다. 19세기에는 디졸빙 뷰를 포함한 여러 매직 랜턴 기술이 개발되었고, 크로마트로프와 같은 새로운 유형의 기계식 슬라이드도 등장했다.
영화의 많은 측면은 극장과 밀접하게 관련되어 있다. 영화 초기에 사용되던 "포토플레이"라는 용어는 영화를 촬영된 연극으로 보는 아이디어를 반영한다. 무대 조명 및 특수 효과와 같은 극장에 사용되는 기술은 카메라 앞에서 사용되기 위해 채택되었다.
2. 1. 1. 스트로보스코프 애니메이션의 발전 (1831-1848)
마이클 패러데이는 1831년 1월 21일, 톱니바퀴 모양의 회전하는 판지 디스크를 이용한 실험을 소개했다. 이 디스크에는 크기와 톱니 개수가 다른 톱니바퀴를 나타내는 동심원 모양의 구멍들이 뚫려 있었다. 이 구멍들을 통해 거울을 보면, 특정 "바퀴"는 정지해 있는 것처럼 보이고, 다른 바퀴들은 다른 속도로 움직이거나 반대 방향으로 움직이는 것처럼 보였다.[1]조제프 플라토는 1833년 1월, 패러데이의 아이디어에서 영감을 받아 슬롯 디스크를 이용한 자신의 발견을 발표했다. 그는 회전하는 무용수의 그림을 연속적인 장면이나 움직이는 물체의 그림으로 대체하고, 패러데이 실험의 구멍을 슬롯으로 대체하여 거울을 통해 보면 움직임의 인상을 줄 수 있음을 보여주었다. 플라토의 ''판타스코프''는 ''페나키스토스코프''로 더 잘 알려지게 되었으며, 이는 영화술과 같은 이후 영화 기술의 기초가 되었다.[2] 플라토는 이 원리가 환등기 등에서 응용될 수 있다고 제안했다.[3]
시몬 슈탐퍼는 1833년 5월, 플라토의 판타스코프 디스크와 매우 유사한 ''스트로보스코프 디스크''를 발표했다. 그는 스트로보스코프 애니메이션 원리를 설명하고, 1832년 12월에 이 기술을 발견했다고 밝혔다. 슈탐퍼는 실린더 형태(이후 ''조에트로프''와 유사), 긴 종이나 캔버스 스트립을 이용한 형태(영화와 유사), 극장과 같은 프레임(이후 프락시노스코프 극장과 유사) 등 다양한 변형을 제안했다. 슈탐퍼는 정확한 움직임 설계를 위해 움직임에 대한 분석과 규칙적인 단계 구분을 강조했다.[4] 그는 또한 매직 랜턴 프로젝션을 이용한 스트로보스코프 프레젠테이션도 제안했다.
오스트리아의 마술사 루드비히 됴블러는 1847년 1월 15일 비엔나의 요제프슈타트 극장에서 자신의 특허받은 ''판타스코프''를 이용해 투사된 스트로보스코프 애니메이션을 공개 상영했다. 이 광경은 여러 유럽 도시에서 매진될 정도로 호평을 받았지만, 일부 비평가는 스트로보스코프 이미지의 깜빡임에 대해 불만을 제기했다.[5][6][7][8]
2. 1. 2. 움직이는 사진 (1849-1870)
1839년 사진술이 도입되었을 때, 긴 노출 시간 때문에 스트로보스코프 애니메이션과의 결합이 어려워 보였다. 1849년, 조셉 플래토는 찰스 휘트스톤의 입체경 발명과 휘트스톤의 초기 입체 사진술에서 영감을 받아 자신의 환등기 개선점에 대해 발표했다. 플래토는 다양한 위치에 있는 석고 모델의 입체 기록을 통해 스톱 모션 기법을 제안했다.[9] 그는 이 정교한 계획을 실행하지 못했는데, 아마도 이때 시력을 잃었기 때문일 것이다. 입체 사진술은 1850년대 초 데이비드 브루스터와 쥘 뒤보스크의 렌즈가 장착된 새로운 휴대용 뷰어가 등장하면서 매우 인기를 얻었다.입체경은 사진술이 현실의 더욱 완전한 환상을 위해 색상과 움직임을 더할 수 있다는 희망을 주었으며, 여러 선구자들이 이러한 목표를 염두에 두고 실험을 시작했다.
앙투안 클로데는 1851년 3월, 1844년 프랑스 산업 박람회에서 자신의 얼굴 12면을 보여주는 자화상을 전시했다고 주장했다.[10] 이것들은 아마도 움직임의 다양한 단계를 나타내기 위한 것이 아니라, 다양한 카메라 각도의 개요를 제공하기 위한 것이었을 것이다. 그러나 클로데는 입체 사진술 애니메이션에 관심을 갖게 되었고, 1851년 11월에는 움직이는 사람들을 보여주는 입체 뷰어를 만들었다고 주장했다.[11] 그것은 두 단계의 움직임을 반복적으로 보여줄 수 있었고, 클로데는 네 가지 다른 포즈의 입체 쌍을 기록하는 카메라를 제작했다(1853년 특허).[12] 클로데는 이 장치에서 입체 효과에 만족하지 못했지만, 움직임의 환상은 성공적이라고 믿었다.[13]
1852년 11월 12일, 쥘 뒤보스크 (플래토의 환등기를 프랑스에서 출판하고 휘트스톤 입체경도 제조했다)[14]는 입체경 특허에 "Stéréoscope-fantascope, ou Bïoscope" 변형을 추가했다.[15] 기본적으로 플래토의 환등기와 입체경의 조합으로, 스트로보스코프 디스크 위에 서로 인쇄된 입체 이미지 쌍을 반사하는 서로 다른 각도의 두 개의 작은 거울을 사용했다. 계획된 세 가지 변형 중 하나만 실제로 제작되었으며, 상업적 성공을 거두지 못했다.[16] 알려진 유일한 "바이오스코프" 디스크는 작동 중인 기계의 일련의 사진 이미지로 구성된 입체 세트를 가지고 있다. 원본 뷰어 장치는 다시 나타나지 않았지만, 1853년 광고의 삽화에서 그 일부가 알려져 있다.
입체 뷰어에 대한 다른 개념으로는 1895년에 한 F. 웬함(아마도 프랜시스 허버트 웬함)이 1852년에 제작했다고 주장한 이중 페나키스티스코프 버전,[17][18] 유사한 아이디어와 요한 네포무크 체르마크가 1855년에 발표한 초기 주이트로프, 조셉-샤를 달메이다가 페나키스티스코프의 원리를 결합하고자 했던 1858년 스트로보스코프-입체 투영 시스템,[19] 및 콜먼 셀러스 2세의 1861년 특허 키네마토스코프가 있다.[20][21]
1860년 2월 27일, 피터 휴버트 데스비그네스는 28개의 단안 및 입체 원통형 스트로보스코프 장치의 변형에 대해 영국 특허 537호를 받았다. 여기에는 두 개의 스풀 사이를 달리는 그림의 끝없는 밴드를 사용하여 전기 스파크로 간헐적으로 조명하는 버전이 포함되었다.[22] 데스비그네스의 "미모스코프"는 체르마크의 스테레오포로스코프와 유사하며, 1862년 런던 국제 박람회에서 "구조의 독창성"으로 명예 언급을 받았다.[23] 그것은 "동물의 움직임이나 기계의 움직임을 애니메이션화하여 다양한 환상을 보여주기 위해 그림, 모델, 단일 또는 입체 사진을 전시"할 수 있었다.[24]
1850년대에는 순간 사진의 첫 번째 예가 나타났으며, 이는 모션 사진의 가능성에 대한 희망을 더욱 높였다. 1860년, 존 허셜은 1초 만에 10개의 입체 스냅 사진을 찍어 페나키스티스코프와 결합하는 것이 가능하거나 곧 가능할 것이라고 생각했다. 그는 또한 자신도 이미 유망한 결과를 얻었기 때문에 컬러 사진술의 발전에 대한 기대도 높았다.[25]
1870년 2월 5일, 필라델피아 엔지니어 헨리 레노 헤일은 필라델피아 음악 아카데미에서 열린 교회 엔터테인먼트 행사에서 그의 "파스마트로프"로 세 개의 움직이는 그림 장면을 1500명에게 투영했다. 각 장면은 16개의 사진 이미지가 있는 자체 간헐적 스퍼 기어 회전 디스크에서 투영되었다. 알려진 유일한 현존하는 디스크는 왈츠를 추는 커플의 이미지를 네 번 반복했으며, 40명의 오케스트라가 적절한 음악 반주와 함께 상영되었다. 브라더 조나단 연설을 묘사한 디스크의 발표(분실된 것으로 간주됨)는 배우가 라이브로 음성을 제공했다.[6]
2. 1. 3. 장센의 회전식 사진기 (1874)
쥘 장센은 1874년, 여러 지점에서 금성의 태양면 통과 과정을 기록하기 위해 회전식 사진기를 개발했는데, 이는 초기 형태의 타임랩스 사진이었다. 여러 개의 이미지가 담긴 원반이 보존되어 있지만, 연구 결과에 따르면 알려진 모든 원반에는 원형 광원(또는 밝게 빛나는 표면) 앞에 있는 모델의 테스트 녹화본이 들어 있었다. 이 사진들은 영화로 상영될 의도는 없었던 것으로 보이지만, 훨씬 나중에 한 원반의 이미지를 변환하여 매우 짧은 스톱 모션 영화로 만들었다.[26] 1875년과 1876년에 장센은 이 회전식 사진기가 다른 방법으로는 사진을 찍기 어려운 새와 같은 동물의 움직임을 기록하는 데에도 사용될 수 있다고 제안했다.[27][28]
2. 1. 4. 도니스토프의 초기 영화 개념 (1876-1878)
1876년 11월 9일, 워즈워스 도니스토프는 "사진을 촬영하고 전시하기 위한 장치"에 대한 특허를 출원했는데, 이는 "사진을 찍는 대상의 변화나 움직임을 기록하기 위해, 동일한 시간 간격으로 일련의 사진을 촬영하는 것을 용이하게 하고, 또한 촬영된 일련의 사진을 통해 움직이는 대상이 사진을 찍을 때처럼 연속적인 움직임으로 눈에 보이게 하는 것"을 목표로 했다.[29] 이 카메라는 사진판을 렌즈와 셔터 앞으로 하나씩 이동시켜 필요한 시간 동안 노출시킨 다음 수신기로 떨어뜨리거나 옮기는 메커니즘을 갖추고 있었다. 기록된 이미지는 종이 띠에 동일한 간격으로 인쇄될 예정이었다. 이 띠는 실린더 사이에서 감겨 관찰자의 눈앞으로 이동하며, 각 사진을 순간적으로 노출시키는 스트로보스코프 장치가 사용될 예정이었다. 이러한 사진 띠는 몇 년 후에야 상업적으로 판매되었으며, 도니스토프는 이 단계에서 영화를 제작할 수 없었던 것으로 보인다.[29]토머스 에디슨은 1877년 11월 29일에 자신의 축음기를 시연했다. ''사이언티픽 아메리칸''의 한 기사는 다음과 같이 결론지었다. "교묘한 광학 장치를 통해 청중 앞에서 사람들의 입체 사진을 스크린에 투사하는 것이 이미 가능하다. 그들의 목소리를 모방하는 축음기를 추가하면 실제 존재의 환상을 훨씬 더 발전시키기 어려울 것이다." 도니스토프는 1878년 1월 24일자 ''네이처''에 이 개념을 발전시키겠다고 발표했다. "축음기와 키네시그래프를 결합하여 저는 미동도 없는 입술과 변하지 않는 표정으로 그의 최신 반터키 연설을 그의 목소리와 톤으로 정확하게 낭독하는 윌리엄 글래드스턴 씨의 말하는 사진을 제작할 뿐만 아니라, 실물 크기의 사진 자체가 연설을 할 때처럼 정확하게 움직이고 몸짓을 하여 말과 몸짓이 실제와 똑같이 일치하도록 할 것입니다."[30] 닥터 핍슨은 프랑스 사진 잡지에서 이 아이디어를 반복했지만, 녹음 옵션보다는 감상 목적을 반영하기 위해 장치의 이름을 "키네토스코프"로 변경했다. 이는 미국에서 채택되어 그해 말 에디슨과의 인터뷰에서 논의되었다.[29]
2. 1. 5. 마이브리지와 움직이는 말 (1878-1881)
1878년 6월, 에드워드 마이브리지는 경마 트랙을 따라 일렬로 설치된 카메라로 릴랜드 스탠퍼드의 말이 움직이는 모습을 일련의 연속 사진으로 촬영했다. 그 결과는 곧 ''말의 움직임''으로 출판되었으며, 이 업적은 전 세계적인 찬사를 받았다. (말의 다리가 비교적 "우아하지 않은" 자세에 대한 놀라움도 함께였다.) 늦어도 1879년 1월까지 사람들은 마이브리지의 연속 사진을 조이트로프에 넣어 움직이는 모습을 감상했다.[31] 이것들은 아마도 실시간으로 기록된 최초의 사진 활동 사진 상영이었을 것이다. 작은 사진의 품질은 제한적이었고, 인물들은 대부분 실루엣으로 보였으며, 경우에 따라 사진의 불규칙성을 제거하기 위해 수정 작업이 이루어졌다. 1879년부터 1893년까지 마이브리지는 강연을 열었고, 그는 결국 주프락시스코프라고 불리는 장치로 자신의 사진 실루엣을 투사했다. 이 장치는 그의 사진에서 따와 유리 디스크에 그려진 약간의 아나모픽 사진을 사용했으며, 이는 초기 형태의 로토스코핑이었다. 한 디스크에는 1881년에 기록된 보폭의 다양한 자세로 포즈를 취한 말의 골격의 아나모픽 시차 사진이 있었다. 마이브리지는 1886년까지 다양한 동물과 사람의 운동 연구를 계속했다.
2. 1. 6. 마레이와 크로노포토그래피 (1882-1890년대)
많은 사람들이 뮤지브리지의 사례를 따라 일련의 사진을 찍기 시작했는데, 이는 프랑스 과학자 에티엔-쥘 마레에 의해 "크로노포토그래피"라고 불렸다.
에티엔-쥘 마레는 이미 수년간 동물의 운동을 연구하고 그래픽으로 기록해왔다. 그의 저서 ''동물 기계, 육상 및 공중 운동''(프랑스어판 1873년, 영어판 1874년)은 릴랜드 스탠포드에게 말의 걸음을 정확하게 시각화하는 방법을 찾도록 영감을 주었다. 1882년, 마레는 동물의 운동을 과학적으로 연구하기 위해 크로노포토그래피 건을 사용하기 시작했다. 이 건은 초당 12개의 연속 프레임을 단일 렌즈를 통해 촬영할 수 있었다.
마레는 움직이는 이미지에는 상대적으로 관심이 적었고 정지된 이미지를 연구하는 것을 선호했다. 그의 후기 크로노포토그래피 연구 중 다수는 새롭게 개발된 크로노포토그래피 카메라 시스템을 사용하여 단일 판에 연속적인 이미지를 기록했다.
뮤지브리지의 사진 시퀀스와 기타 크로노포토그래피 성과가 널리 알려지면서 19세기 후반의 발명가들은 사진의 '움직이는 그림'을 더 유용하거나 무한한 길이로 만들고 보여주는 것이 실현 가능한 가능성임을 깨닫기 시작했다. 이 분야에서 일하는 많은 사람들은 정기 간행물의 정보, 특허 출원, 동료와의 개인적인 접촉 또는 새로운 장비를 손에 넣는 것을 통해 국제적인 발전을 면밀히 따랐다.[32]
2. 1. 7. 안쉬츠의 전기 타키스코프 (1886-1895)
''American Scientific'', 1889년 11월 16일, p. 303]]1886년부터 1894년 사이에 오토마 안쉬츠는 그의 "전기 타키스코프"(엘렉트리셰 슈넬제어/Elektrische Schnellseherde)의 여러 버전을 개발했다. 그의 첫 번째 기계는 24개의 9x12 센티미터 크기의 유리판 크로노포토그래피 이미지를 회전하는 디스크에 담았고, 가이슬러관에서 나오는 동기식 스트로보스코프 섬광으로 뒤에서 조명했다. 1887년과 1890년 사이에 매우 성공적인 발표에서, 한 번에 4~7명의 관람객이 작은 어두운 방의 벽에 있는 창문에서 12.5센티미터 너비의 우유 유리 스크린의 이미지를 보았다. 1890년, 안쉬츠는 6개의 작은 스크린이 있는 긴 원통형 자동화 버전을 선보였다. 1891년, 지멘스 & 할스케는 안쉬츠의 동전 작동식 엿보기 상자 전기 타키스코프 자동 장치의 약 152개의 복제품을 제조하기 시작했으며, 이는 국제적으로 성공적으로 배포되었다. 1894년 11월 25일, 안쉬츠는 300석 규모의 관객을 위해 6x8미터 스크린에 이미지를 투사하기 위해 두 개의 간헐적으로 회전하는 대형 디스크와 연속적인 조명을 갖춘 특허받은 프로젝터를 소개했다.[33][6][34][35]
2. 2. 1884-1900: 종이 및 젤라틴 필름
1884년, 조지 이스트먼(George Eastman)은 사진 필름에 대한 자신의 아이디어를 특허받았다.[36] 이스트먼 필름의 첫 번째 롤은 화학 물질의 감광성 층을 위한 유연한 지지체로 종이 뒷면에 젤라틴을 사용했다.몇몇 영화 개척자들은 필름 롤에 크로노포토그래피(chronophotographic) 작업을 기록하고 발표할 가능성을 발견했다. 에밀 레이노(Émile Reynaud)는 투명한 이미지의 긴 스트립을 투사하여 활동 사진을 발표한 최초의 인물로 보인다. 에밀 레이노는 이미 1877년 프락시노스코프에 대한 특허 출원에서 움직이는 이미지를 투사할 수 있는 가능성을 언급했다. 그는 1880년 6월 4일 프랑스 사진 협회에서 프락시노스코프 프로젝션 장치를 선보였지만 1882년 이전에는 ''프로젝션 프락시노스코프''를 판매하지 않았다. 그 후 그는 이 장치를 옵티컬 시어터로 더 발전시켜 더 긴 시퀀스를 별도의 배경으로 투사할 수 있었고 1888년에 이 기계의 특허를 받았다. 그는 수백 장의 젤라틴 플레이트에 다채로운 이미지를 그려 넣고 이를 판지 프레임에 장착하여 천 밴드에 부착하여 이 옵티컬 시어터를 위한 여러 개의 ''판토마임 일루미네즈''를 만들었다. 이미지가 있는 천공된 스트립은 렌즈와 거울 프로젝션 시스템을 통과하도록 수동으로 이동할 수 있었다. 예를 들어 한 인물이 다른 인물을 치는 것과 같은 인물의 단순한 동작은 특정 시퀀스를 되감고 앞으로 감아서 여러 번 반복되었다. 일부 음향 효과는 스트립의 금속 부품에 의해 트리거되는 전자기 장치에 의해 동기화되었으며, 몇몇 노래가 포함된 악보가 라이브로 연주되었다. 1892년 10월 28일부터 1900년 3월까지 레이노는 파리의 그레뱅 박물관에서 총 50만 명 이상의 관람객에게 12,800회 이상의 공연을 선보였다.
2. 2. 1. 르 프린스의 "자연 경관과 삶의 움직이는 그림" (1886-1889)
가장 오래된 기능성 활동 사진 카메라는 1880년대 루이 르 프린스에 의해 개발되었다. 1886년 11월 2일, 그는 "자연 경관과 삶의 움직이는 그림을 제작하는 방법 및 장치"에 대한 미국 특허를 신청했고, 이는 1888년 1월 10일에 승인되었다.[37] 이 특허는 다중 렌즈 카메라에 대한 자세한 설명을 제공했지만 프로젝터는 별도로 특허를 받을 계획이었다.[38]
코너를 도는 남자의 16개 프레임 시퀀스는 1887년 8월경 파리에서 르 프린스가 16개 렌즈 카메라로 촬영한 것으로 추정된다. 12개의 프레임만이 완전하고 선명하다. 1887년 8월 18일, 르 프린스는 아내에게 자신의 기계공이 달리는 모습을 담은 8장의 젤라틴 사진을 보냈다. 그는 초당 32장의 이미지를 기록할 수 있다고 주장했다.[39][40]
1887년 5월,[41] 르 프린스는 첫 번째 단일 렌즈 활동 사진 카메라를 개발하고 특허를 받았다. 그는 이 카메라를 사용하여 1888년 10월 14일 리즈 라운드해이에서 ''라운드해이 가든 장면''을 촬영했다.[42] 르 프린스는 또한 트램과 리즈 다리에서 말과 마차가 다니는 모습과 보행자 교통을 기록했으며,[43] 몇 개의 더 짧은 영화도 제작했다.
르 프린스는 촬영 후 종이를 떼어낼 수 있는 종이 뒷면의 젤라틴 필름을 네거티브로 사용했다. 그는 또한 셀룰로이드 필름의 가능성을 조사했다.[44]
1889년, 르 프린스는 아크 램프를 사용한 단일 렌즈 프로젝터를 개발했다.[45]
2. 2. 2. 레이노의 옵티컬 시어터 (1888-1900)
에밀 레이노는 이미 1877년 프락시노스코프에 대한 특허 출원에서 움직이는 이미지를 투사할 수 있는 가능성을 언급했다. 그는 1880년 6월 4일 프랑스 사진 협회에서 프락시노스코프 프로젝션 장치를 선보였지만 1882년 이전에는 ''프로젝션 프락시노스코프''를 판매하지 않았다. 그 후 그는 이 장치를 옵티컬 시어터로 더 발전시켜 더 긴 시퀀스를 별도의 배경으로 투사할 수 있었고 1888년에 이 기계의 특허를 받았다. 그는 수백 장의 젤라틴 플레이트에 다채로운 이미지를 그려 넣고 이를 판지 프레임에 장착하여 천 밴드에 부착하여 이 옵티컬 시어터를 위한 여러 개의 ''판토마임 일루미네즈''를 만들었다. 이미지가 있는 천공된 스트립은 렌즈와 거울 프로젝션 시스템을 통과하도록 수동으로 이동할 수 있었다. 예를 들어 한 인물이 다른 인물을 치는 것과 같은 인물의 단순한 동작은 특정 시퀀스를 되감고 앞으로 감아서 여러 번 반복되었다. 일부 음향 효과는 스트립의 금속 부품에 의해 트리거되는 전자기 장치에 의해 동기화되었으며, 몇몇 노래가 포함된 악보가 라이브로 연주되었다. 1892년 10월 28일부터 1900년 3월까지 레이노는 파리의 그레뱅 박물관에서 총 50만 명 이상의 관람객에게 12,800회 이상의 공연을 선보였다.2. 3. 1889-1896: 초기 셀룰로이드 필름
윌리엄 프라이스-그린은 1885년에 동영상을 보여주기 위한 매체로 기름종이를 사용했다고 알려졌지만, 1887년까지는 셀룰로이드로 작업했을 것으로 보인다. 1889년, 프라이스-그린은 크로노포토그래픽 카메라에 대한 특허를 받았다. 이 카메라는 천공된 셀룰로이드 필름을 사용하여 초당 최대 10장의 사진을 찍을 수 있었다. 이 카메라에 대한 보고서는 1890년 2월 28일 영국의 ''사진 뉴스''에 게재되었다.[46] 그는 1890년 6월 말 체스터 타운 홀에서 열린 사진 협회에서 자신의 네거티브 필름 스트립과 영사 장치를 선보였지만, 운송 중에 고장이 발생했기 때문에 영사기를 시연할 수 없었다고 한다. 대신 그는 존 아서 로벅 러지가 자신을 위해 제작한 페나키스토스코프 기반 장치를 사용한 것으로 보이는데, 이 장치는 일련의 포즈를 취한 숏으로 촬영되었을 가능성이 있는 짧은 시퀀스만 반복해서 보여줄 수 있었다.[47]루이 르 프린스는 셀룰로이드 필름의 가능성을 연구했고, 리옹의 뤼미에르 공장에서 긴 길이의 필름을 얻었다.[44]
워즈워스 도니스토프의 동영상에 대한 관심은 당시 리즈의 도니스토프의 고향에서 일하고 있던 루이 르 프린스의 성공적인 실험에 대한 소식을 들었을 때 다시 살아났다. 1889년, 도니스토프는 윌리엄 카 크로프츠와 공동으로 셀룰로이드 롤 필름을 사용하는 카메라와 영사 시스템에 대한 특허를 받았다. 그들은 이후 런던의 트라팔가 광장의 북적거리는 교통 상황을 담은 짧은 영화를 제작했다.[48][49][50]
1894년 폴란드 이민자 카지미에시 프루신스키가 발명한 플레오그래프[51]는 또 다른 초기 카메라였다. 이 카메라는 영사기 역할도 겸했다. 이 장치는 여러 개의 평행한 이미지 열 사이에 천공이 있는 셀룰로이드 사각형을 사용했다. 개량된 플레오그래프를 사용하여 프루신스키는 공원에서 스케이트를 타는 사람들과 같은 바르샤바의 생활 장면을 담은 단편 영화를 촬영했다.
2. 3. 1. 키네토스코프 (1891-1896)
토머스 에디슨은 1877년 축음기를 선보인 직후, 이를 움직이는 이미지와 결합하려는 아이디어를 접하게 되었다. 그는 별다른 관심을 보이지 않았지만, 1888년 10월 "축음기가 귀를 위해 하는 일을 눈을 위해 하는 기구"에 대한 주의사항을 등록했다. 1888년 2월, 무이브리지와의 협업 가능성을 위한 만남이 이 행동을 촉발한 것으로 보인다. 에디슨의 직원인 W. K. L. 딕슨이 이 기술 개발을 맡게 되었다. 초기 실험은 원통형 실린더 주위에 감겨진 셀룰로이드 시트에 42,000개의 미세한 핀홀 사진을 담아 원뿔형 튜브 끝의 돋보기 렌즈를 통해 보는 장치에 집중되었다. 이 개념은 1889년 말에 폐기되었고, 안슈츠의 회전 디스크식 엘렉트로타키스코프를 기반으로 한 시스템이 잠시 조사되었다. 에디슨이 에티엔-쥘 마레를 방문한 후, 더 많은 실험은 마레가 당시 크로노포토그래피 카메라에서 사용하고 있던 것과 유사한 3/4인치 스트립에 집중되었다.[52] 에디슨 회사는 레이노의 옵티컬 극장(Théâtre Optique)에서 영감을 받았을 수 있는 스프로킷 홀을 추가했다. 키네토스코프의 프로토타입은 1891년 5월 20일 에디슨 스튜디오를 방문한 전미 여성 클럽 연맹의 컨벤션에 시연되었으며, 짧은 데모 영화 ''딕슨의 인사''(Dickson Greeting)로 많은 언론의 주목을 받았다. 이후 기계는 동전 작동식 엿보기 상자에 35mm 필름을 사용하게 되었다. 이 장치는 1893년 5월 9일 브루클린 예술 과학 연구소에서 처음으로 공개 시연되었다.
상업적 이용은 1894년 4월 14일 최초의 키네토스코프 상점이 문을 열면서 시작되었고, 곧 미국과 유럽 전역에서 많은 상점이 뒤따랐다. 에디슨은 이러한 기기가 다른 국가에서 잘 알려져 있고 종종 특허를 받은 기술에 크게 의존했기 때문에, 미국 외에서는 이러한 기기에 대한 특허를 시도하지 않았다.
2. 4. 1894-1896: 초기 영화 상영
막스 및 에밀 스클라다노프스키 형제는 1895년 11월 1일부터 31일까지 베를린 빈터가르텐 극장에서 열린 버라이어티 프로그램에서 바이오스코프(Bioscop)를 이용해 단편 영화를 상영했다.[60] 12월 21일에는 함부르크에서 단독 상영회를 열었지만, 1895년 12월 29일 파리에서 뤼미에르 형제의 시네마토그래프(Cinématographe) 상영을 본 후, 1896년 1월 폴리 베르제르에서 예정되었던 바이오스코프 상영은 취소되었다.[60] 이후 형제는 바이오스코프를 가지고 독일, 네덜란드, 스칸디나비아를 순회했지만, 재정난으로 1897년에 상영을 중단했다.[60]
리옹의 오귀스트 뤼미에르와 루이 뤼미에르 형제는 촬영, 인화, 영사 기능을 모두 갖춘 시네마토그래프를 개발했다.[60] 1895년 12월 27일, 아버지 앙투안 뤼미에르는 파리에서 유료 관객에게 영화를 상영하기 시작했다.[60] 뤼미에르 회사는 곧 ''뤼미에르 공장을 나서는 노동자들''과 ''물을 뿌리는 사람(L'Arroseur Arrosé)''(1895)과 같은 사실 영화와 코믹 단편 영화로 유럽의 주요 제작사가 되었다.
영국에서는 로버트 W. 폴(Robert W. Paul)과 버트 에이커스(Birt Acres)가 독자적인 영사 시스템을 개발했다.[55][56] 에이커스는 1896년 1월에, 폴은 2월 20일에 테아트로그라프(Theatrograph)를 공개했는데, 공교롭게도 같은 날은 뤼미에르 형제의 영화가 런던에서 처음 상영된 날이었다.[55][56] 테아트로그라프는 '말테세 크로스 메커니즘(Maltese cross mechanism)'을 사용하여 멈춤 동작을 제공하는 시스템을 개척했다.[57] 폴은 1896년 3월 25일 알함브라 극장에서 첫 극장 프로그램을 선보였으며, 그의 장치는 현대 영화 프로젝터의 원형이 되어 유럽 전역에서 판매되었다.[57]
1896년, 에디슨 회사는 영화 필름을 프로젝터로 상영하는 것이 더 많은 수익을 낼 수 있다는 것을 인지하고, 아르마트와 젠킨스가 개발한 "판토스코프"를 "비타스코프"로 개명하여 상영에 합류시켰다.
2. 5. 1896-1910년대: 초기 영화 산업
1898년경, 조르주 멜리에스는 프랑스에서 가장 큰 극영화 제작자가 되었고, 이 시점부터 그의 작품은 거의 전부가 특수 효과를 특징으로 하는 영화로 구성되었으며, 이는 모든 시장에서 매우 성공적이었다.[59] 1899년부터 그의 몇 분 길이의 장편 영화가 특별한 인기를 얻으면서 다른 제작자들도 더 긴 영화를 제작하기 시작했다.[59]초기에는 표준화가 이루어지지 않아 영화 제작사들은 다양한 필름 폭과 영사 속도를 사용했지만, 몇 년 후 35mm 폭의 에디슨 필름과 뤼미에르 시네마토그래프의 초당 16프레임 영사 속도가 표준이 되었다.[58]
영화의 경험 품질은 투사된 이미지의 명백한 깜빡임(플리커)으로 인해 종종 문제가 발생했다. 사용 중인 많은 시스템은 모션 블러를 피하기 위해 필름 스트립을 간헐적으로 이송하는 기능을 사용했으며, 셔터는 필름 프레임이 한 단계씩 이동할 때마다 투사를 차단했다. 빛을 간헐적으로 차단하는 것은 페나키스티스코프와 조에트로프에서 널리 알려진 스트로보스코프 효과에도 필요했다. 또한 시작과 중단의 스트레인으로 인해 필름 스트립이 손상되는 경우가 많았고, 시스템이 막힐 수 있었다(종종 가연성 필름 재료가 램프의 열에 너무 오래 노출되어 타는 결과를 초래했다). 결국, 해결책은 필름 이송 중 간헐적으로 빛을 차단할 뿐만 아니라, 더 자주, 투사 중에도 빛을 차단하는 3엽 셔터에서 발견되었다. 최초의 3엽 셔터는 테오도어 패졸드가 개발했으며, 1902년 메스터와 함께 생산에 들어갔다. 다른 시스템은 필름을 지속적으로 공급하고, 레이노의 프락시노스코프에 적용된 원리와 유사하게, 거울 회전판에서 반사하여 이미지를 간헐적으로 투사했다.[60]
3. 컬러 영화
에드워드 레이몬드 터너는 자연스러운 색상의 동영상 시스템을 최초로 시연한 인물로, 1899년 특허를 신청하고 1902년에 결과를 보였으나 기계적 결함이 있었다.[61][62][63] 터너의 카메라는 회전 디스크와 세 가지 색상 필터를 사용하여 흑백 필름에 색상 분리를 촬영했고, 완성된 필름은 해당 색상 필터를 통해 투사되었다.[64][65]
1903년 터너의 사망 후, 찰스 어번은 이 기술을 조지 앨버트 스미스에게 넘겨 1906년 키네마컬러로 발전시켰다. 키네마컬러는 빨간색과 녹색 필터를 번갈아 사용하며 팬크로매틱 흑백 필름에 촬영하고, 프로젝터는 흑백 필름을 빨간색, 녹색 필터를 통해 번갈아 투사했다. 그러나 색상 깜박임과 빠르게 움직이는 피사체의 색상 가장자리 문제가 있었다.[66]
thumb, 1911 (두 개의 연속 프레임의 색상 합성으로 시뮬레이션된 투사된 이미지의 모양)]]
키네마컬러는 1908년 처음 상영되었고, 1909년 런던 팰리스 극장에서 일반 대중에게 공개되었다.[67] 같은 해 미국 매디슨 스퀘어 가든에서도 상영되었다.[69] 내추럴 컬러 키네마토그래프 컴퍼니는 1910년 최초의 컬러 뉴스릴인 '에드워드 7세 국왕의 장례식'과 1912년 최초의 장편 다큐멘터리인 '우리의 왕과 여왕과 함께 인도를 거쳐'를 발표했다.[67][70] 영국 내 약 300개의 영화관에 설치되었고, 54편의 드라마 영화가 제작되었으나, 특수 프로젝터 설치 비용으로 인해 상업적으로 성공하지 못했다. 1912~1913년에는 미국에서 4개의 드라마 단편영화가 제작되었고[71],1914년에는 일본에서도 한편이 제작되었다.[72]
윌리엄 프리스-그린은 필름 자체를 염색하는 방식으로 바이오컬러를 개발했지만, 키네마컬러와 마찬가지로 색상 깜박임과 가장자리 문제가 있었다.
1912년, 레옹 고몽은 크로노크롬을 공개했다. 이 카메라는 세 개의 렌즈와 필터를 사용하여 35mm 흑백 필름에 빨간색, 녹색, 파란색 구성 요소를 동시에 촬영했다. 크로노크롬은 색상 품질이 우수하고 색상 가장자리 문제를 해결했지만,[73] 카메라 렌즈의 시차 문제와 빛 손실로 인한 상영 문제로 인해 곧 사용되지 않게 되었다.
테크니컬러(Technicolor) 영화 제작 회사는 가색 시스템 실험 후, 감색 인쇄 과정을 개발했다.[74] 이 과정은 렌즈 하나와 빔 분할기를 사용하여 적색 및 녹색 필터링된 이미지를 35mm 흑백 필름 스트립에 동시에 촬영했다. 네거티브에서 프레임 건너뛰기 인쇄를 통해 두 개의 인쇄물을 만들고, 이를 보색이 되도록 화학적으로 색을 입혔다.[74] 그 후, 두 필름을 서로 대고 하나의 필름 스트립으로 접착했다. 이 프로세스를 사용한 첫 상영작은 안나 메이 웡(Anna May Wong) 주연의 ''바다의 대가'' (1922년)였다. 더글라스 페어뱅스(Douglas Fairbanks)가 출연하고 제작한 ''검은 해적'' (1926년)은 테크니컬러 영화 중 가장 야심찬 작품이었다.
1928년에는 염료 흡수를 채택하여 시스템이 개선되었고, 이를 통해 단일 한쪽 인쇄물로 염료를 전송할 수 있었다.[75]
테크니컬러는 1932년에 3개의 기본 색상을 모두 기록하는 새로운 프로세스를 도입했다. 이색성 빔 분할기를 사용하여 빛을 두 경로로 나누어 3개의 흑백 필름에 적색, 녹색, 청색의 밀도를 기록했다.[76] 3개의 네거티브는 젤라틴 매트릭스 필름으로 인쇄되었고, 각 색상의 매트릭스는 해당 보색 염료(노란색, 시안색 또는 마젠타색)에 담가 수신자와 접촉하여 염료를 흡수, 거의 완전한 색상 스펙트럼을 재현했다.[77] 3색 시스템을 사용한 최초의 애니메이션 영화는 월트 디즈니(Walt Disney)의 ''꽃과 나무'' (1932년)였고, 최초의 단편 실사 영화는 ''라 쿠카라차'' (1934년)였으며, 최초의 올 컬러 장편 영화는 ''베키 샤프'' (1935년)였다.[74]
1950년대 초 텔레비전의 확산은 영화 산업 내에서 색상에 대한 중반기 푸쉬에 크게 기여했다. 1947년에는 미국 영화의 12%만이 컬러로 제작되었지만, 1954년에는 그 숫자가 50% 이상으로 증가했다.[78]
3. 1. 가색법 (Additive Process)
에드워드 레이몬드 터너는 자연스러운 색상의 동영상 시스템을 최초로 시연한 인물로, 1899년 특허를 신청하고 1902년에 결과를 보였으나 기계적 결함이 있었다.[61][62][63] 터너의 카메라는 회전 디스크와 세 가지 색상 필터를 사용하여 흑백 필름에 색상 분리를 촬영했고, 완성된 필름은 해당 색상 필터를 통해 투사되었다.[64][65]1903년 터너의 사망 후, 찰스 어번은 이 기술을 조지 앨버트 스미스에게 넘겨 1906년 키네마컬러로 발전시켰다. 키네마컬러는 빨간색과 녹색 필터를 번갈아 사용하며 팬크로매틱 흑백 필름에 촬영하고, 프로젝터는 흑백 필름을 빨간색, 녹색 필터를 통해 번갈아 투사했다. 그러나 색상 깜박임과 빠르게 움직이는 피사체의 색상 가장자리 문제가 있었다.[66]
thumb, 1911 (두 개의 연속 프레임의 색상 합성으로 시뮬레이션된 투사된 이미지의 모양)]]
키네마컬러는 1908년 처음 상영되었고, 1909년 런던 팰리스 극장에서 일반 대중에게 공개되었다.[67] 같은 해 미국 매디슨 스퀘어 가든에서도 상영되었다.[69] 내추럴 컬러 키네마토그래프 컴퍼니는 1910년 최초의 컬러 뉴스릴인 '에드워드 7세 국왕의 장례식'과 1912년 최초의 장편 다큐멘터리인 '우리의 왕과 여왕과 함께 인도를 거쳐'를 발표했다.[67][70] 영국 내 약 300개의 영화관에 설치되었고, 54편의 드라마 영화가 제작되었으나, 특수 프로젝터 설치 비용으로 인해 상업적으로 성공하지 못했다. 1912~1913년에는 미국에서 4개의 드라마 단편영화가 제작되었고[71],1914년에는 일본에서도 한편이 제작되었다.[72]
윌리엄 프리스-그린은 필름 자체를 염색하는 방식으로 바이오컬러를 개발했지만, 키네마컬러와 마찬가지로 색상 깜박임과 가장자리 문제가 있었다.
1912년, 레옹 고몽은 크로노크롬을 공개했다. 이 카메라는 세 개의 렌즈와 필터를 사용하여 35mm 흑백 필름에 빨간색, 녹색, 파란색 구성 요소를 동시에 촬영했다. 크로노크롬은 색상 품질이 우수하고 색상 가장자리 문제를 해결했지만,[73] 카메라 렌즈의 시차 문제와 빛 손실로 인한 상영 문제로 인해 곧 사용되지 않게 되었다.
3. 2. 감색법 (Subtractive Process)
테크니컬러(Technicolor) 영화 제작 회사는 가색 시스템 실험 후, 감색 인쇄 과정을 개발했다.[74] 이 과정은 렌즈 하나와 빔 분할기를 사용하여 적색 및 녹색 필터링된 이미지를 35mm 흑백 필름 스트립에 동시에 촬영했다. 네거티브에서 프레임 건너뛰기 인쇄를 통해 두 개의 인쇄물을 만들고, 이를 보색이 되도록 화학적으로 색을 입혔다.[74] 그 후, 두 필름을 서로 대고 하나의 필름 스트립으로 접착했다. 이 프로세스를 사용한 첫 상영작은 안나 메이 웡(Anna May Wong) 주연의 ''바다의 대가'' (1922년)였다. 더글라스 페어뱅스(Douglas Fairbanks)가 출연하고 제작한 ''검은 해적'' (1926년)은 테크니컬러 영화 중 가장 야심찬 작품이었다.1928년에는 염료 흡수를 채택하여 시스템이 개선되었고, 이를 통해 단일 한쪽 인쇄물로 염료를 전송할 수 있었다.[75]
테크니컬러는 1932년에 3개의 기본 색상을 모두 기록하는 새로운 프로세스를 도입했다. 이색성 빔 분할기를 사용하여 빛을 두 경로로 나누어 3개의 흑백 필름에 적색, 녹색, 청색의 밀도를 기록했다.[76] 3개의 네거티브는 젤라틴 매트릭스 필름으로 인쇄되었고, 각 색상의 매트릭스는 해당 보색 염료(노란색, 시안색 또는 마젠타색)에 담가 수신자와 접촉하여 염료를 흡수, 거의 완전한 색상 스펙트럼을 재현했다.[77] 3색 시스템을 사용한 최초의 애니메이션 영화는 월트 디즈니(Walt Disney)의 ''꽃과 나무'' (1932년)였고, 최초의 단편 실사 영화는 ''라 쿠카라차'' (1934년)였으며, 최초의 올 컬러 장편 영화는 ''베키 샤프'' (1935년)였다.[74]
1950년대 초 텔레비전의 확산은 영화 산업 내에서 색상에 대한 중반기 푸쉬에 크게 기여했다. 1947년에는 미국 영화의 12%만이 컬러로 제작되었지만, 1954년에는 그 숫자가 50% 이상으로 증가했다.[78]
4. 유성 영화
토머스 에디슨과 뤼미에르 형제의 발명 이래 극장용 영화는 퍼포레이션(필름 운동용 구멍)이 뚫린 35mm 너비의 필름을 사용했으며, 화면 가로·세로 비율은 4:3 (1.33: 1)이었다. 토키 이후 사운드 트랙을 녹음하기 위해 가로 너비가 좁아져 정사각형에 가까운 화면이 된 적도 있었으나, 얼마 지나지 않아 세로 치수를 줄여 원래의 1.33:1 비율로 돌아와 오랫동안 표준 사이즈로 사용되었다. 이 사이즈는 현재도 변함이 없으나, 와이드 스크린 시대의 출현으로 사실상 표준 영사 사이즈로서의 지위를 상실하게 되었다.
1879년 7월, 페어먼 로저스는 토머스 이킨스와 에드워드 머이브리지의 말 사진 실험에 대한 기사를 특수 조이트로프에 게재하면서 말의 각 발이 땅에 닿는 순간 작은 망치로 날카롭게 두드리는 시스템을 추가하는 작업을 언급했다.[79]
에디슨의 축음기는 움직이는 사진을 기록하는 데 더 많은 관심을 불러일으켰지만, 움직이는 사진 시스템이 개발되었을 때 동기화는 상상했던 것보다 훨씬 더 기술적인 문제였다. 에디슨은 사운드 없이 키네토스코프를 상용화하기 시작했고, 1895년 키네토폰 버전은 같은 캐비닛 안에 숨겨진 축음기에서 나오는 소리를 들을 수 있는 이어폰을 제공했지만, 이미지와 소리를 동기화하는 데는 별다른 노력을 기울이지 않았다.
무성 시대에는 녹음 및 재생을 위한 유성 영화 기술에 대한 실험이 거의 끊이지 않았지만, 정확한 동기화와 충분한 증폭이라는 두 가지 문제는 극복하기 어려웠다. 1926년, 할리우드 스튜디오 워너 브라더스는 "비타폰" 시스템을 도입하여 라이브 엔터테인먼트 공연과 공인을 촬영한 단편 영화를 제작하고 주요 장편 영화에 녹음된 사운드 효과와 오케스트라 악보를 추가했다.
1927년 말, 워너스는 대부분 무성 영화였지만, 장편 영화에서 최초로 동기화된 대화(및 노래)를 담고 있는 ''재즈 싱어''를 개봉했다.[80] 비타폰과 같은 초기 사운드-온-디스크 방식은 곧 폭스 무비톤, 드 포레스트 포노필름, RCA 포토폰과 같은 사운드-온-필름 방식으로 대체되었다. 이러한 추세는 주저했던 많은 산업가들에게 "토킹 픽처스" 또는 "토키"가 미래라는 것을 확신시켰다. ''재즈 싱어''의 성공 이전에도 많은 시도가 있었으며, 이는 영화 사운드 시스템 목록에서 볼 수 있다.
입체 음향 및 서라운드 사운드(디즈니의 ''환타지아''(1940)의 판타사운드와 같이)를 포함하여 극장 영화를 위해 사운드 녹음 및 재생에 대한 많은 개선이 이루어졌다.
5. 3D 영화
'''입체영화'''의 기술은 오래전부터 개발되어 왔으나 좌우의 눈의 시차(視差)를 이용하여 입체감을 준다는 원리는 변함이 없다.[81] 1850년대에 입체 사진의 인기가 높아지면서 움직임을 추가하여 현실감을 높이려는 시도가 있었다. 초기에는 입체경을 기반으로 하였으나, 이후 아나글리프 영화가 1950년대에 잠시 인기를 얻었다.[81]
1953년에는 편광 안경을 사용하는 입체영화가 출현하여 한때 유행했으나, 2대의 영사기를 동시에 사용하고 안경을 착용해야 한다는 불편함 때문에 오래 가지 못했다.[81]
2000년대 초, 디지털 영화가 주류를 이루면서 편광 3D 영화가 인기를 얻었다. 영화는 디지털화되어 하드 드라이브 또는 위성을 통해 전달되었다. ''아바타''는 모션 캡처를 사용하여 CG 캐릭터를 실제처럼 보이게 하는 3D CG에 중점을 두었고, 3D 영화의 기능을 변화시킨 주요 영화 중 하나였다.[82] 3D 영화는 종종 몰입형 경험으로 여겨지며, 관객이 손을 뻗어 눈앞에 보이는 것을 잡을 수 있다고 느끼게 해준다.[83]
3D 영화는 모든 사람을 위한 것은 아니며, 어떤 사람들은 멀미와 두통을 겪기도 한다.[84] 3D 효과는 몰입형 경험을 방해하기도 하며, 할리우드는 3D 영화를 마케팅했지만, 콘텐츠는 덜 계획되고 강제되었으며, 영화는 촬영 후 3D로 변환되었다.[85]
실사 3D 영화가 항상 성공하는 것은 아니지만, 3D 애니메이션은 이 기술을 통해 다른 도약을 할 수 있다.[86] 3D 영화는 항상 3D를 위해 만들어지는 것은 아니며, 사후에 변환되는 경우도 있다. 3D 렌즈가 프로젝터 렌즈를 덮기 때문에 빛의 감소를 예상해야 하며, 영화 제작자는 영화를 3D로 제공할지 여부를 고려해야 한다.[87]
3D 기능을 사용하려면 편광 3D 안경을 사용해야 하며, 많은 사람들이 안경을 번거롭게 여긴다. 오토멀티스코픽 디스플레이 기술은 영화 감상 경험을 향상시키려는 새로운 영화 기술로, 더 이상 안경이 필요하지 않고, 다양한 각도에서 여러 이미지를 화면에 표시할 수 있다.[88]
3D 기능이 한때만큼 인기가 많지는 않지만, 여전히 몰입형 경험을 제공한다. RealD 3D 영화는 영화에 현실감을 부여하여 마치 영화 속에 있는 것처럼 느끼게 해준다.[89] 영화 제작자와 영화관은 이 기술을 포기할 기미를 보이지 않고 있으며, 최근 기술 변화로 스크린X 영화, 4DX 등 새로운 경험을 제공하고 있다.[90] 영화는 끊임없이 변화하는 기술에 적응하고 있다.
6. 4D 영화
모튼 헤일리그는 1962년 자신의 센소라마 시뮬레이터에 대한 특허를 받았다.[91] 그는 모션 체어와 5개의 서로 다른 입체 영화가 포함된 시제품을 제작했으며, 팬과 냄새 발생기를 통해 추가적인 감각을 제공했다. 헤일리그는 이 프로젝트를 활용하거나 추가 개발할 자금을 찾을 수 없었다.
4D 영화는 1980년대부터 테마파크의 정기적인 어트랙션이 되었으며, 2009년 4DX 기술이 도입된 이후 점점 더 많은 극장에서 고예산 액션 영화의 일반적인 상영 옵션이 되었다.
7. 인터랙티브 영화와 가상 현실
전기타키스코프, 키네토스코프, 뮤토스코프와 같은 동전 투입식 영화 관람기는 20세기 초에 등장한 다른 오락실 기계들과 밀접한 관련이 있었다.[92] 그러나 오락실에서는 대화형 게임이 인기를 유지한 반면, 영화는 극장에서 훨씬 더 인기를 얻었다. 영화와 대화형(전기 기계) 게임은 20세기 동안 대부분 별개의 매체로 존재했지만, 두 가지를 결합한 시스템이 가끔 등장했다.[92] 디지털 혁명은 비디오 게임이 영화적으로 보이기 시작하도록 했지만, ''I'm Your Man''(1992)과 같은 극장 대화형 영화 시도는 덜 성공적이었다.[92]
매직 랜턴 또는 필름 투사를 이용한 사격장 기술은 1901년에 특허를 받았다.[92] 영화 사격장의 초기 성공적인 예는 1912년경 영국에서 ''Life Targets''라는 제목으로 등장했으며, 종종 사파리 동물의 장면을 포함하는 이 유형의 게임은 잠시 동안 영국에서 인기를 끌었다.[92] ''오토 테스트''(1954)는 작은 화면에 투사된 자동차 주행의 1인칭 시점 영화 장면과 플레이어의 가스 페달, 브레이크 및 스티어링 동작을 일치시켜야 하는 운전 훈련 아케이드 게임이었다.
닌텐도의 ''와일드 건맨''은 1974년에 등장한 전기 기계식 아케이드 게임으로, 필름 릴 프로젝션을 사용하여 서부 시대 총잡이의 실사 풀 모션 비디오 (FMV) 장면을 표시했다.[93] 1970년대에 Kasco(Kansei Seiki Seisakusho)는 토에이가 촬영한 자동차 영상을 투사하는 실사 FMV를 갖춘 히트 전기 기계식 아케이드 게임 ''The Driver''를 출시했다.[94]
초기 가상 현실 시스템인 다모클레스의 검은 1968년에 만들어졌으며, 기계식 헤드 트래킹에 따라 cg 와이어프레임 룸의 스테레오스코픽 뷰를 제공했다. 1970년대와 1980년대에 가상 현실(VR)은 주로 산업, 의료 및 군사 시뮬레이션에 적용되었다. 1990년대에는 VR 헤드셋이 상업적으로 출시되었으며, 주로 비디오 게임을 위한 것이었다. 가상 현실은 영화적 경험을 위해 점점 더 많이 사용되고 있으며, 2017년부터 베니스 영화제에서 자체 섹션을 운영하고 있다. 가상 현실은 때때로 대화형성과 영화의 보다 효과적인 결합을 가능하게 하는 기술로 간주된다.[92]
8. 와이드스크린과 360° 영화
1950년대에 들어서서 텔레비전 보급에 대항하기 위하여 영화계는 와이드스크린(widescreen) 영사법을 개발, 새로운 단계를 맞이했다. 현재의 극장용 영화는 예외적인 경우를 제외하고는 모두가 와이드 스크린 영사용으로 제작되어 있다. 와이드스크린 영화는 한때 여러 가지 규격으로 나왔었으나 현재에는 다음 방식으로 통일되었다고 할 수 있다.
1955년에 발표된 '''70mm 너비의 대형 필름'''을 사용하는 토드 A. O.(제1작은 <오크라호마！>) 이후 초(超)와이드 스크린 시대를 개척한 시스템으로서, 촬영에 애너머퍼틱 렌즈를 사용하지 않는 것(토드 A. O. 수퍼 테크니라마, 파나비전 70 등)과 촬영할 때 애너머퍼틱 렌즈를 사용하는 것(울트라 파나비전, MGM 카메라 65 등)이 있는데 모두가 영사용 프린트는 70mm의 대형 필름으로, 애너머퍼틱 렌즈는 사용치 않고 표준화되어 있다. 화면의 가로 세로의 비는 시네라마와 같이 2대 1이다.
1950년대에 체코에서 라테르나 마지카라는 '''스크린을 여러 개로 분할한 새로운 표현 방법'''이 발표된 이래, 영화의 시각적 기능의 다면성(多面性)을 탐구하는 시스템이 활발해졌다. 십수대의 영사기를 사용하여 360도의 원형 스크린에 영사하는 서큐라마를 비롯하여, 몬트리올의 EXPO 67로 주목된 체코의 키노 오토마트와 디아포리에크랑, 캐나다의 5면의 스크린을 사용한 라비링스, 그 밖에 허다한 방식이 있어, 장래의 영화의 가능성을 시사하는 바가 많다.
텔레비전의 등장 이후, 와이드스크린 영화는 1950년대부터 극장 영화를 더욱 흥미롭게 유지하기 위한 더 인기 있는 해결책 중 하나가 되었다. 아나모픽 포맷은 표준 35mm 필름에서 와이드스크린 포맷으로 촬영할 수 있도록 개발되었다.
관객을 둘러싸는 스크린 투사는 1955년 디즈니랜드의 어트랙션인 서커라마(Circarama)로 디즈니에 의해 개발되었으며, 몇 년 후 서클비전 360°로 대체되었다.
360도 비디오는 2015년 유튜브와 페이스북이 자사 플랫폼에서 게시 및 보기를 지원하면서 일반화되었다.
9. 디지털 영화
디지털 영화 촬영술은 디지털 이미지 센서를 사용하여 필름 이미지를 캡처하는 프로세스로, 아날로그 필름 기술을 대체했다.[95][96][97] 2010년대 중반 이후, 전 세계 대부분의 영화는 디지털 방식으로 촬영되고 배급된다.
아리(Arri) 및 파나비전(Panavision)과 같은 전통적인 필름 카메라 공급업체는 물론 레드 디지털 시네마 카메라 컴퍼니(RED), 블랙매직 디자인(Blackmagic), 실리콘 이미징(Silicon Imaging), 비전 리서치 팬텀(Vision Research)과 같은 새로운 공급업체, 그리고 소니(Sony), 고프로(GoPro) 및 파나소닉(Panasonic)과 같은 소비자 및 방송 비디오 장비 업체들이 디지털 시네마 카메라 제품을 출시했다.
4K 출력을 지원하는 현재의 디지털 영화 카메라는 해상도와 다이내믹 레인지 측면에서 35mm 필름과 거의 동등하지만, 디지털 필름은 여전히 아날로그 필름과는 약간 다른 느낌을 준다. 일부 영화 제작자와 사진 작가는 원하는 결과를 얻기 위해 여전히 아날로그 필름을 사용하는 것을 선호한다.
디지털 시네마는 디지털 데이터 기술을 사용하여 배급하거나 영사하는 영화로, 35 mm 필름과 같은 릴 형태의 영화 필름 사용을 대체했다. 기존의 필름 릴은 영화관으로 배송해야 했지만, 디지털 영화는 인터넷 또는 전용 위성 링크를 통하거나, 하드 드라이브 또는 블루레이 디스크와 같은 광 디스크를 보내는 방식으로 배포될 수 있다. 디지털 영화는 필름 영사기 대신 디지털 프로젝터를 사용하여 영사된다. 디지털 시네마는 고화질 텔레비전과는 구별되며, 텔레비전 또는 고화질 비디오 표준, 화면비 또는 프레임 속도에 의존하지 않는다. 디지털 시네마에서 해상도는 수평 픽셀 수로 표시되며, 일반적으로 2K (2048×1080 또는 2.2 메가픽셀) 또는 4K (4096×2160 또는 8.8 메가픽셀)이다. 2010년대 초 디지털 시네마 기술이 향상되면서 전 세계 대부분의 극장이 디지털 방식으로 전환했다.[98]
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