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유성 영화

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목차

1. 개요

유성 영화는 영화에 동기화된 사운드를 추가하는 기술로, 1890년대부터 시도되었으나 1920년대 후반에 획기적인 기술 혁신을 통해 상업적으로 성공했다. 초기에는 사운드온디스크 방식과 사운드온필름 방식이 경쟁했으며, 웨스턴 일렉트릭의 기술을 기반으로 한 비타폰과 폭스의 무비톤 시스템이 할리우드에서 주도적인 위치를 차지했다. 1927년 워너 브라더스의 '재즈 싱어' 개봉 이후 유성 영화는 급속도로 확산되었고, 배우와 스태프, 영화 산업, 영화 예술에 큰 영향을 미쳤다. 유성 영화는 배우들의 직업 변화와 극장 음악가의 실직을 초래했으며, 뮤지컬 영화의 부흥을 이끌며 할리우드의 경제적 성장을 견인했다. 또한, 영화 제작 기술의 발전을 가져왔으며, 영화 예술의 새로운 가능성을 열었다.

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  • 기술 양식별 영화 - 영화 기술의 역사
    영화 기술의 역사는 사진술 발달을 기반으로 움직이는 그림을 만들려는 시도에서 시작하여, 다양한 애니메이션 장치와 촬영 기술을 거쳐 에디슨의 키네토스코프와 뤼미에르 형제의 시네마토그래프를 통해 영화 상영 시대를 열었으며, 유성 영화, 컬러 영화, 3D 영화를 넘어 디지털 기술, 4D 영화, 가상 현실 기술 등으로 끊임없이 발전하고 있다.
유성 영화
유성 영화
재즈 싱어 포스터
《재즈 싱어》 포스터
다른 이름토키
사운드 필름
설명소리가 동기화된 영화
역사
초기19세기 후반 소리가 있는 영화 시도
1920년대 후반 상업적 성공
기술 발전초기 기술: 사운드온디스크
후기 기술: 사운드온필름
최초의 장편 유성 영화《재즈 싱어》(1927년, 워너 브라더스)
최초의 단편 유성 영화《싱잉 풀》(1926년, 플리밍 영화)
기술
사운드온디스크음반에 사운드 기록
영화와 함께 재생
사운드온필름영화 필름에 사운드 기록
광학적 또는 자기적 방식
종류
뮤지컬 영화노래와 춤을 강조
《브로드웨이 멜로디》(1929년)
대화 영화대화를 강조
사운드 효과영화에 추가되는 음향 효과
영향
무성 영화 시대 종말유성 영화의 상업적 성공으로 종식
영화 산업의 변화새로운 영화 제작 방식 도입
배우들의 목소리 중요성 증가
기타
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에드워드 케룰리
프랭크 그레이
조지프 타이얼
올리버 레딩
오거스터스 오르타
관련 기술키네토폰
비타폰
무비톤
관련 기업워너 브라더스
폭스 필름
참고 자료초기 영화 사운드 시스템
참고 문헌고종석의 사랑의 말, 말들의 사랑

2. 역사

움직이는 영상과 소리를 결합하려는 시도는 영화의 역사 초창기부터 존재했다. 1888년 토마스 에디슨과 이드위어드 마이브리지의 만남에서 유성 영화에 대한 논의가 있었던 것으로 알려져 있으며[3], 에디슨은 이후 키네토스코프와 축음기를 결합한 키네토폰을 개발하기도 했다.[4] 1900년 파리 만국박람회에서는 포노-시네마-테아트르와 같은 초기 유성 영화 시스템이 시연되었으나[6], 영상과 소리의 동기화, 충분한 음량 확보, 그리고 낮은 음질이라는 세 가지 주요 기술적 난제 때문에[7][8] 초기 유성 영화는 상업적으로 성공하기 어려웠다.

이후 사운드온디스크(소리를 디스크에 기록) 방식과 사운드온필름(소리를 필름에 직접 기록) 방식 등 다양한 기술적 시도가 이어졌다.[9][17] 레옹 고몽, 유진 로스트, 에릭 티거스테트 등 여러 발명가들이 기술 개발에 기여했지만[9][17][18], 1910년대 중반까지 뚜렷한 성과를 거두지는 못했다.[11]

1920년대 후반, 전자 공학의 발전으로 고감도 마이크로폰, 증폭기, 고성능 스피커 등이 개발되면서 상황이 바뀌기 시작했다.[45][47][49] 웨스턴 일렉트릭과 같은 회사의 기술 발전은 워너 브라더스의 비타폰(사운드온디스크) 시스템과 폭스 필름의 무비톤(사운드온필름) 시스템의 등장을 가능하게 했다.[39][35]

1926년 워너 브라더스가 음악과 음향 효과가 동기화된 ''돈 후안''을 개봉했고[41], 결정적으로 1927년 부분적으로 대사가 포함된 ''재즈 가수''가 큰 성공을 거두면서[60][61] 유성 영화, 즉 '토키(talkie)' 시대가 본격적으로 열렸다. ''재즈 가수''의 성공은 할리우드 주요 스튜디오들이 유성 영화 제작에 본격적으로 투자하는 계기가 되었다.[62] 이후 기술적 편의성 덕분에 사운드온필름 방식이 표준으로 자리 잡았으며[43], 유성 영화는 빠르게 무성 영화를 대체하며 전 세계적으로 확산되었다. 유럽과 아시아 각국에서도 자국의 유성 영화를 제작하기 시작하며 영화 산업의 새로운 시대를 맞이했다.[77][103][110]

2. 1. 토키 이전

윌리엄 K. L. 딕슨이 에디슨의 초기 키네토폰 시험을 위해 제작한 딕슨 실험 사운드 필름(1894년 또는 1895년) 이미지.


에릭 티거스테트(1887~1925)는 사운드온필름 기술의 선구자 중 한 명이었다. (1915년 사진)


움직이는 영상과 녹음된 소리를 결합하려는 생각은 영화 자체의 탄생만큼이나 오래되었다. 1888년 2월 27일, 사진 기술의 선구자 이드위어드 마이브리지가 토마스 에디슨 연구소 근처에서 강연한 며칠 뒤, 두 사람은 비밀리에 만났다. 마이브리지는 이 자리에서 자신의 영상 영사 장치인 주프락시스코프와 에디슨의 축음기 기술을 결합하여 유성 영화를 만들자고 제안했다고 나중에 주장했다. 이는 최초의 상업 영화 상영보다 6년이나 앞선 시점이었다.[3] 이 제안은 성사되지 않았지만, 1년 안에 에디슨은 자신의 실린더 축음기를 보완할 시각 장치로, 개인이 들여다보는 방식의 키네토스코프 개발을 지시했다. 1895년에는 키네토스코프와 축음기를 결합한 키네토폰이 만들어졌으나, 곧 스크린에 영상을 투사하는 방식이 성공하면서 개별 관람 방식은 구식이 되었다.[4]

1899년, 스위스 출신 발명가 프랑수아 뒤소의 연구를 기반으로 한 '시네마크로포노그래프' 또는 '포노라마'라는 이름의 영사식 유성 영화 시스템이 파리에서 전시되었다. 이 시스템 역시 키네토폰처럼 관객이 개별적으로 이어폰을 사용해야 했다.[5] 프랑스의 클레망-모리스 그라티울레와 앙리 리오레는 개선된 실린더 기반 시스템인 '포노-시네마-테아트르'를 개발하여, 1900년 파리 만국박람회에서 연극, 오페라, 발레 등의 짧은 영상을 상영했다. 이것이 영상과 녹음된 소리를 함께 영사하여 공개적으로 상영된 최초의 영화로 여겨진다. 파리 만국박람회에서는 포노라마 외에 '테아트로스코프'라는 또 다른 유성 영화 시스템도 선보였다.[6]

1900년 파리 만국박람회에서 포노-시네마-테아트르 시스템으로 상영된 작품들을 홍보하는 포스터. 사라 베르나르 등 유명 예술가들의 이름이 보인다.


그러나 초기 유성 영화는 세 가지 주요 문제에 부딪혀 한동안 영화와 소리가 각자의 길을 가게 되었다.

  • 동기화(Synchronization): 영상과 소리는 별도의 장치로 녹음되고 재생되었기 때문에, 동시에 시작하고 계속 일치시키기가 매우 어려웠다.[7]
  • 음량(Volume): 영화 영사기는 곧 대규모 극장 관객에게 영상을 보여줄 수 있게 되었지만, 진공관을 이용한 전기 증폭 기술이 개발되기 전까지는 오디오 기술로 넓은 공간을 채울 만큼 충분한 소리를 내기 어려웠다.
  • 음질(Fidelity): 당시의 원시적인 녹음 시스템은 연주자가 거추장스러운 녹음 장치(주로 큰 나팔 모양의 혼) 바로 앞에 있지 않으면 매우 낮은 품질의 소리만 담을 수 있었다. 이는 촬영 현장에서 직접 소리를 녹음하여 제작할 수 있는 영화의 종류를 심각하게 제한했다.[8]


영화 혁신가들은 근본적인 동기화 문제를 해결하기 위해 다양한 방법을 시도했다. 많은 시스템이 축음기 레코드를 사용하는 사운드온디스크 기술에 의존했다. 이 레코드는 종종 이 분야의 주요 발명가 중 한 명인 독일계 미국인 에밀 베를리너의 이름을 따서 "베를리너 디스크"라고 불렸다. 1902년, 레옹 고몽은 영사기와 축음기를 전기적으로 연결하는 방식을 포함한 자신의 사운드온디스크 시스템 '크로노폰'을 프랑스 사진 협회에 시연했다.[9] 4년 후, 고몽은 영국 발명가 호레이스 쇼트와 찰스 파슨스가 개발한 '옥세토폰'을 기반으로 압축 공기를 이용한 증폭 시스템 '엘제폰'을 선보였다.[10] 높은 기대에도 불구하고 고몽의 음향 시스템은 상업적으로 큰 성공을 거두지 못했다. 약간의 개선에도 불구하고 여전히 유성 영화의 세 가지 기본 문제를 만족스럽게 해결하지 못했고 비용도 많이 들었다. 몇 년 동안 미국 발명가 E. E. 노턴의 '카메라폰'이 고몽 시스템의 주요 경쟁자였으나(카메라폰이 디스크 기반인지 실린더 기반인지는 자료마다 다름), 크로노폰과 비슷한 이유로 결국 실패했다.[11]

1913년, 에디슨은 1895년 시스템처럼 '키네토폰'이라는 이름의 새로운 실린더 기반 동기 사운드 장치를 선보였다. 이전과 달리 이번에는 스크린에 영상을 투사하는 방식이었다. 축음기는 복잡한 도르래 장치를 통해 필름 영사기에 연결되어 이상적인 조건에서는 동기화가 가능했다. 하지만 실제 상영 환경은 거의 이상적이지 않았고, 이 개선된 키네토폰은 1년 남짓 만에 사라졌다.[12] 1910년대 중반에는 상업적인 유성 영화 상영 움직임이 주춤했다.[11] 예외적으로, 종교 단체인 여호와의 증인은 1914년부터 인류 기원에 대한 자신들의 견해를 담은 ''창조의 사진극''을 미국 전역에서 상영했다. 슬라이드와 실사 영상을 포함한 8시간 분량의 이 작품은 별도로 녹음된 강의 및 음악과 동기화되어 상영되었다.[13]

한편, 사운드온필름이라는 또 다른 중요한 기술 혁신이 진행되고 있었다. 1900년, 독일 물리학자 에른스트 루머는 포토폰 연구의 일환으로, 변화하는 빛을 필름 롤에 명암의 띠 형태로 기록했다. 그는 이 과정을 역으로 진행하여, 필름 스트립에 빛을 비추어 녹음된 소리를 재생할 수 있다는 것을 발견했다. 빛의 밝기 변화가 셀레늄 셀의 전기 저항 변화를 일으키고, 이것이 전화 수신기에서 소리를 만들어내는 원리였다. 그는 이 발명품을 '포토그라포폰'이라고 불렀다.[14] 그는 "소리가 전기가 되고, 빛이 되고, 화학 작용이 되고, 다시 빛과 전기가 되고, 마지막으로 소리가 되는 정말 놀라운 과정"이라고 요약했다.[15]

1886년부터 1892년까지 에디슨 연구소에서 일했던 프랑스 태생의 런던 거주자 유진 로스트는 루머와 편지를 주고받기 시작했다.[16] 1907년, 로스트는 소리를 빛의 파동으로 변환하여 셀룰로이드 필름에 직접 기록하는 사운드온필름 기술에 대한 최초의 특허를 받았다. 역사가 스콧 아이먼의 설명에 따르면, 이는 음향과 영상이 별도의 필름에 기록되는 이중 시스템이었다. 마이크로폰으로 포착된 소리는 빛 밸브를 통해 광파로 변환되었고, 이 빛이 슬릿을 통과하여 필름 측면의 좁은 영역에 사진 형태로 기록되는 방식이었다.[17] 1908년, 로스트는 루머로부터 포토그라포폰을 구입하여 상업화하려 했지만[16], 결국 그의 혁신은 성공하지 못했다. 1914년, 핀란드 발명가 에릭 티거스테트는 자신의 사운드온필름 작업으로 독일 특허(309,536)를 받았고, 같은 해 베를린에서 과학자들에게 시연한 것으로 보인다.[18] 헝가리 엔지니어 데네시 미할리는 1918년 '프로젝토폰' 개념을 특허 출원했고, 4년 후 특허를 받았다.[19]

그러나 소리가 실린더, 디스크, 필름 중 어디에 기록되든, 당시 기술로는 대규모 상업적 성공을 거두기에는 역부족이었다. 이 때문에 수년 동안 할리우드의 주요 영화 스튜디오들은 유성 영화 제작에 거의 관심을 보이지 않았다.[20]

2. 2. 주요 기술 혁신

1920년대 후반, 여러 중요한 기술 혁신이 이루어지면서 유성 영화를 상업적으로 실현하는 것이 가능해졌다. 이 시기에는 영화의 영상과 소리를 동기화하여 재생하는 두 가지 주요 방식, 즉 사운드온필름과 사운드온디스크 기술이 경쟁적으로 발전했다.[21][39][40][205]

사운드온필름 방식은 소리 정보를 빛의 형태로 변환하여 영화 필름 자체에 기록하는 기술이다. 리 드 포레스트의 포노필름(Phonofilm)이나 폭스 필름의 무비톤(Movietone) 등이 이 방식에 해당한다.[21][35][205][214] 반면, 사운드온디스크 방식은 소리를 별도의 축음기 레코드에 녹음하고, 상영 시 영화 영사기와 기계적으로 연결하여 동기화하는 기술이었다. 워너 브라더스가 채택한 비타폰(Vitaphone) 시스템이 대표적이다.[39][40][217]

이 두 방식 모두 초기에는 기술적인 한계를 가지고 있었으나, 특히 전자 공학의 발전이 유성 영화의 품질을 획기적으로 개선하는 데 결정적인 역할을 했다. 웨스턴 일렉트릭과 벨 연구소 등에서 개발한 고감도 마이크로폰, 진공관을 이용한 증폭기, 그리고 대형 극장에서도 충분한 음량을 낼 수 있는 스피커 시스템 등은 소리의 녹음과 재생 품질을 크게 향상시켰다.[45][47][49][221][222][224] 이러한 기술적 진보들이 결합되면서, 이전까지 해결하기 어려웠던 동기화, 음량, 음질의 문제가 점차 해결되었고, 이는 본격적인 유성 영화 시대를 여는 기반이 되었다.[43][44][45][219][220][221]

2. 2. 1. 사운드온필름 기술 발전

1919년, 미국의 발명가 리 드 포레스트(Lee De Forest)는 상업적으로 응용 가능한 최초의 사운드온필름 기술에 대한 여러 특허를 받았다. 그의 시스템은 음향 트랙을 사진으로 촬영하여 영화 필름 옆면에 기록하는 방식으로, 음향과 영상이 함께 담긴 프린트를 만들었다. 이 방식은 녹음 시 동기화가 제대로 이루어지면 재생 시에도 완벽한 동기화를 보장했다. 드 포레스트는 이후 4년간 다른 미국 발명가 시어도어 케이스(Theodore Case)로부터 라이선스를 받은 장비와 특허를 활용하여 시스템을 개선했다.[21][205]

일리노이 대학교 어배너-샴페인에서는 폴란드 출신 연구 엔지니어 요제프 티코친스키-티코시너(Joseph Tykociński-Tykociner)가 독자적으로 유사한 기술을 연구하고 있었다. 그는 1922년 6월 9일, 미국전기공학회(American Institute of Electrical Engineers, AIEE) 회원들에게 미국 최초로 필름 음향 영화 시연을 선보였다.[22][206] 티코시너의 시스템은 상업적으로 활용되지 못했지만, 드 포레스트의 시스템은 곧 상업화 단계에 이르렀다.

1925년 포노필름 단편 영화 상영에 대한 신문 광고. 축음기를 사용하지 않는 기술적 차별성을 강조하고 있다.


1923년 4월 15일, 뉴욕시 리볼리 극장에서 드 포레스트의 포노필름(Phonofilm) 시스템을 이용한 최초의 상업적 사운드온필름 영화 상영이 이루어졌다. 이 상영회는 여러 편의 단편 영화로 구성되었으며, 에디 캔터(Eddie Cantor), 해리 리치먼(Harry Richman), 소피 터커(Sophie Tucker), 조지 제셀(George Jessel) 등 당대 인기 배우들이 출연하여 보드빌 공연, 음악 연주, 연설 등을 선보였다.[23][24][207] 비평가들은 기술의 참신함을 인정했지만 음질에 대해서는 부정적인 평가를 내렸다.[28] 같은 해 6월, 드 포레스트는 주요 포노필름 특허 소유권을 두고 직원 프리먼 해리슨 오웬스(Freeman Harrison Owens)와 법적 분쟁에 휘말렸고 결국 승소했지만, 오늘날 오웬스는 이 분야의 핵심 혁신가 중 한 명으로 인정받고 있다.[29][208] 이듬해 드 포레스트 스튜디오는 최초의 상업용 토킹 픽처 장편 영화인 2릴짜리 '사랑의 옛 아름다운 노래'(Love's Old Sweet Song)를 제작했다.[30][209] 그러나 포노필름의 주력 상품은 드라마보다는 유명인 다큐멘터리, 음악 공연, 코미디 등이었다. 캘빈 쿨리지(Calvin Coolidge) 대통령, 오페라 가수 애비 미첼(Abbie Mitchell) 등이 포노필름 영화에 출연했다. 당시 할리우드는 이 신기술에 대해 회의적이었다.[31][210] 포노필름은 1927년까지 미국에서 수십 편의 단편 영화에 사용되었고, 영국에서는 몇 년 더 사용되었으나 1930년 말에는 사업이 청산되었다.[32][211]

유럽에서도 사운드온필름 기술 개발이 진행되었다. 1919년 독일의 발명가 요제프 엥글(Josef Engl), 한스 포크트(Hans Vogt), 요제프 마솔(Joseph Massolle)은 트라이어곤(Tri-Ergon) 음향 시스템 특허를 받았다. 1922년 9월, 이들은 베를린에서 '방화범'(Der Brandstifter)을 포함한 사운드온필름 작품을 공개 상영했다.[33][212] 트라이어곤은 한때 유럽의 주요 음향 시스템이 되었다. 1923년에는 덴마크의 액셀 페터슨과 아놀드 폴슨이 영상 필름과 별도의 필름 스트립에 음향을 기록하는 시스템 특허를 얻었고, 고몽(Gaumont)이 이를 라이선스하여 시네폰(Cinéphone)이라는 이름으로 잠시 사용했다.[34][213]

미국 내 경쟁 심화로 포노필름은 점차 밀려났다. 1925년 드 포레스트와 케이스의 협력 관계가 끝났고, 1926년 7월 케이스는 폭스 필름(Fox Film)과 손잡고 폭스-케이스 코퍼레이션을 설립했다. 케이스와 그의 조수 얼 스포네이블(Earl Sponable)이 개발한 무비톤(Movietone) 시스템은 할리우드 주요 스튜디오가 채택한 최초의 실용적인 사운드온필름 기술이 되었다. 폭스는 트라이어곤의 북미 판권도 구매했지만 무비톤보다 열등하다고 판단했다.[35][214] 1927년 폭스는 동기 음향 필름 카메라 제작 전문가인 프리먼 오웬스를 영입했다.[36][208][215]

사운드온필름 기술이 발전하는 동안, 축음기 디스크에 소리를 녹음하는 사운드온디스크 방식 또한 진전을 이루었다. 이 방식은 턴테이블과 영사기를 기계적으로 연결하여 동기화를 맞추는 방식이었다. 1921년 올랜도 켈럼(Orlando Kellum)의 포토키네마(Photokinema) 시스템은 D. W. 그리피스 감독의 무성 영화 ''꿈의 거리''(Dream Street)에 동기화된 노래 시퀀스를 추가하는 데 사용되었다.[37][216]

워너 브라더스의 ''돈 후안''(1926) 포스터. 최초로 장편 동기화 사운드트랙과 함께 개봉한 주요 영화 중 하나이다.


1925년, 워너 브라더스는 웨스턴 일렉트릭(Western Electric)의 사운드온디스크 시스템 시연을 보고 비타폰(Vitaphone)이라는 이름으로 이 기술을 도입했다.[39][40] 1926년 8월, 워너 브라더스는 비타폰 시스템을 사용하여 음악과 음향 효과가 동기화된 장편 영화 ''돈 후안''을 개봉했다. 이 영화에는 녹음된 대사는 없었지만, 함께 상영된 단편 영화들에는 라이브 녹음된 사운드가 포함되어 할리우드 스튜디오 최초의 진정한 유성 영화로 평가받는다.[41][217]

사운드온필름과 사운드온디스크는 각각 장단점을 가지고 있었다.

사운드온필름 vs 사운드온디스크 초기 비교
구분사운드온필름사운드온디스크
장점
단점



결국 기술이 발전하면서 사운드온필름 방식의 단점들이 극복되었고, 동기화, 편집, 배포, 내구성 측면의 장점 덕분에 사운드온디스크 방식보다 우위를 점하게 되었다.

웨스턴 일렉트릭 엔지니어 E. B. 크래프트(왼쪽)가 비타폰 영사 시스템을 시연하는 모습. 비타폰 디스크는 약 11분 재생 가능하여, 당시 표준 35mm 필름 1릴()의 재생 시간과 일치했다.


유성 영화 기술 발전에 중요한 기여를 한 또 다른 혁신은 웨스턴 일렉트릭의 전자 증폭 기술 개발이었다. 웨스턴 일렉트릭은 리 드 포레스트의 오디언 삼극 진공관 권리를 획득하여 이를 개선하고, 고감도 축전기 마이크로폰과 개선된 녹음 기술을 개발했다.[47][222] 이 기술은 비타폰 시스템의 음질 향상에 크게 기여했으며, 벨 연구소(Bell Labs)는 극장 전체를 채울 수 있는 강력한 스피커 시스템을 개발하여 유성 영화의 대중화를 가능하게 했다.[45][49][221][224] 1926년 말, 웨스턴 일렉트릭은 영화 음향 기술 라이선스를 관리하기 위해 전기 연구 제품 주식회사(ERPI)를 설립했고, 워너 브라더스는 폭스-케이스에 웨스턴 일렉트릭 시스템 사용 서브 라이선스를 부여했다. 이로써 할리우드의 두 주요 스튜디오가 우수한 녹음 및 증폭 기술을 각기 다른 방식(사운드온디스크와 사운드온필름)으로 활용하게 되면서 유성 영화 시대가 본격적으로 열리게 되었다.[50][221][225]

2. 2. 2. 사운드온디스크 기술 발전

사운드온필름 기술의 발전과 병행하여, 여러 회사들이 영화 사운드를 축음기 레코드에 녹음하는 사운드온디스크 시스템 개발에 진전을 이루었다. 당시의 사운드온디스크 기술에서는 축음기 턴테이블이 기계적인 연동 장치를 통해 특수하게 개조된 필름 영사기에 연결되어 동기화를 가능하게 했다. 1921년, 올랜도 켈럼이 개발한 포토키네마 사운드온디스크 시스템은 D. W. 그리피스의 흥행 실패작인 무성 영화 ''꿈의 거리''에 동기화된 사운드 시퀀스를 추가하는 데 사용되었다. 주연 배우 랄프 그레이브스가 부른 러브송과 라이브 보컬 효과 시퀀스가 녹음되었다. 대화 장면도 녹음되었지만, 결과가 만족스럽지 못했고, 해당 장면이 포함된 영화는 공개적으로 상영되지 않았다. 1921년 5월 1일, 러브송이 추가된 ''꿈의 거리''가 뉴욕시 타운홀 극장에서 재개봉되어, 비록 의도치 않았지만 라이브 녹음된 보컬 시퀀스가 포함된 최초의 장편 영화로 기록되었다.[37][216] 하지만 사운드 품질이 매우 좋지 않았고, 포토키네마 사운드 시스템이 설치된 곳이 없어 다른 극장에서는 사운드 버전을 상영할 수 없었다.[38]

''돈 후안''


1925년, 당시 큰 야망을 가진 작은 할리우드 스튜디오였던 워너 브라더스의 샘 워너는 웨스턴 일렉트릭 사운드온디스크 시스템 시연을 보고 감명을 받아 형제들을 설득하여 뉴욕시의 비타그래프 스튜디오(최근 인수한 곳)에서 이 시스템을 사용하는 실험을 하기로 했다. 이 실험은 워너 브라더스에게는 설득력이 있었지만, 이를 목격한 다른 영화사 임원들에게는 그렇지 않았다. 그 결과, 1926년 4월 웨스턴 일렉트릭 회사는 워너 브라더스와 재정가 W. J. 리치와 계약을 맺고 웨스턴 일렉트릭 시스템 하에서 사운드 픽처를 녹음하고 재생하는 독점 라이선스를 부여했다. 이 라이선스를 활용하기 위해 새뮤얼 L. 워너를 회장으로 하는 비타폰 사가 설립되었다.[39][40] 이 시스템은 비타폰이라는 이름으로 불리게 되었고, 1926년 8월 6일 ''돈 후안''의 개봉과 함께 공개적으로 소개되었다. 최초로 전편에 걸쳐 동기화된 사운드 시스템을 사용한 장편 영화였으며, 사운드트랙에는 음악과 추가된 음향 효과가 포함되었지만, 녹음된 대화는 없었다. 즉, 무성 영화로 제작 및 촬영되었다. 그러나 ''돈 후안''과 함께 상영된 8편의 단편 영화는 대부분 클래식 음악 공연이었고, 미국 영화 협회 회장인 윌 H. 헤이스의 4분짜리 필름 소개 영상도 라이브 녹음된 사운드와 함께 포함되었다. 이것들은 할리우드 스튜디오에서 상영된 최초의 진정한 사운드 필름이었다.[41][217] 기술적으로 ''돈 후안''과 유사한 워너 브라더스의 ''더 베터 올드''가 10월에 뒤따랐다.[42][218]

사운드온필름은 여러 가지 기본적인 기술적 이점 때문에 결국 사운드온디스크보다 우세하게 되었다.

  • 동기화: 어떤 연동 시스템도 완벽하게 신뢰할 수 없었으며, 영사기사의 실수나 부정확하게 수리된 필름 파손 또는 사운드트랙 디스크의 결함으로 인해 사운드가 영상과 심각하고 돌이킬 수 없게 동기화되지 않을 수 있었다.
  • 편집: 디스크는 직접 편집할 수 없었기 때문에, 원래 개봉 후 영화를 변경하는 능력이 심각하게 제한되었다.
  • 배포: 축음기 디스크는 영화 배포에 비용과 복잡성을 더했다.
  • 마모: 디스크를 재생하는 물리적 과정으로 인해 디스크가 손상되어 약 20회의 상영 후 교체해야 했다.[43][219]


그럼에도 불구하고 초기에는 사운드온디스크가 두 가지 중요한 면에서 사운드온필름보다 우위에 있었다.

  • 제작 및 자본 비용: 일반적으로 필름보다 디스크에 사운드를 녹음하는 것이 저렴했으며, 턴테이블/연동 장치/영사기 시스템은 사운드온필름에 필요한 복잡한 이미지 및 오디오 패턴 판독 영사기보다 제조 비용이 저렴했다.
  • 오디오 품질: 특히 비타폰의 축음기 디스크는 당시 대부분의 사운드온필름 공정보다 우수한 다이내믹 레인지를 제공했다. 적어도 처음 몇 번의 재생 동안은 그랬다. 사운드온필름은 더 나은 주파수 응답을 가지는 경향이 있었지만, 더 큰 왜곡과 잡음으로 인해 이점이 상쇄되었다.[44][45][220][221]


사운드온필름 기술이 향상됨에 따라 이러한 두 가지 단점 모두 극복되었다.

세 번째 중요한 혁신은 사운드의 라이브 녹음과 효과적인 재생 모두에서 중요한 발전을 가져왔다. 1913년, AT&T의 제조 부문인 웨스턴 일렉트릭(Western Electric)은 삼극 진공관의 전신인 드 포레스트 오디언(audion)의 권리를 획득했다. 이후 몇 년 동안, 그들은 오디언을 예측 가능하고 신뢰할 수 있는 장치로 개발하여 최초로 전자 증폭을 가능하게 했다. 그 후 웨스턴 일렉트릭은 진공관의 용도 개발로 사업을 확장했는데, 여기에는 공공 주소 시스템과 음반 산업을 위한 전기적 녹음 시스템이 포함되었다. 1922년부터 웨스턴 일렉트릭의 연구 부서는 디스크 음향 및 영화 동기화 음향 시스템을 위한 녹음 기술을 집중적으로 연구하기 시작했다.

디스크 음향 시스템을 연구하는 엔지니어들은 웨스턴 일렉트릭이 이미 보유하고 있던 전기적 디스크 녹음 전문 지식을 활용할 수 있었기 때문에 초기 진행 속도가 빨랐다. 주요 변경 사항은 표준 약 304.80m 길이(약 305m)의 35mm 필름과 재생 시간을 맞추기 위해 디스크의 재생 시간을 늘리는 것이었다. 선택된 설계는 직경이 약 40cm에 달하는 디스크를 사용하여 분당 33⅓ 회전 속도로 회전했다. 이는 분당 약 27.43m(초당 24프레임)의 속도로 약 304.80m의 필름 재생 시간인 11분 동안 재생할 수 있었다.[46]

1925년, 회사는 민감한 축전기 마이크로폰과 고무선 레코더(왁스 원반에 더 나은 주파수 응답으로 녹음하기 위해 고무 감쇠 밴드를 사용한 것에서 이름이 유래[47])를 포함한 크게 개선된 전자 오디오 시스템을 공개적으로 선보였다. 그해 5월, 회사는 기업가인 월터 J. 리치에게 상업 영화를 위한 시스템을 활용할 수 있는 라이선스를 부여했고, 리치는 비타폰(Vitagraph)을 설립했으며, 워너 브라더스는 한 달 후 지분의 절반을 인수했다.[48][222] 1926년 4월, 워너는 개명된 비타폰 작업을 위해 AT&T와 자사의 영화 음향 기술에 대한 독점 사용 계약을 체결하여 그 후 몇 달 동안 ''돈 후안'' 및 이와 함께 상영된 단편 영화 제작으로 이어졌다.[39][223] 비타폰이 특허에 대한 독점적 접근 권한을 가지고 있던 기간 동안 워너 영화를 위해 제작된 녹음의 충실도는 영화 음향 경쟁사에 비해 현저히 우수했다. 한편, AT&T 연구 운영의 새로운 이름인 벨 연구소(Bell Labs)는 극장을 가득 채울 만한 볼륨으로 녹음을 재생할 수 있도록 하는 정교한 음향 증폭 기술을 맹렬한 속도로 개발하고 있었다. 새로운 무빙 코일 스피커 시스템은 7월 말 뉴욕의 워너 극장에 설치되었고, 웨스턴 일렉트릭이 555형 수신기라고 부르는 장치에 대한 특허 출원은 ''돈 후안''의 초연 불과 이틀 전인 8월 4일에 제출되었다.[45][49][221][224]

그해 말, AT&T/웨스턴 일렉트릭은 회사의 영화 관련 오디오 기술에 대한 권리를 처리하기 위해 전기 연구 제품 주식회사(ERPI)라는 라이선스 부서를 설립했다. 비타폰은 여전히 법적 독점권을 가지고 있었지만, 로열티 지급이 지연됨에 따라 권리에 대한 실질적인 통제권은 ERPI의 손에 있었다. 1926년 12월 31일, 워너는 폭스-케이스(Fox-Case)에 웨스턴 일렉트릭 시스템 사용에 대한 하위 라이선스를 부여했다. 하위 라이선스에 대한 대가로 워너와 ERPI는 모두 폭스의 관련 수익을 공유했다. 세 회사의 특허는 상호 라이선스되었다.[50][225] 이제 두 가지 매우 다른 음향 재생 방식(사운드온디스크와 사운드온필름)을 추구하는 두 할리우드 스튜디오에서 우수한 녹음 및 증폭 기술을 사용할 수 있게 되었다. 새해에는 마침내 유성 영화가 중요한 상업 매체로 부상할 것이었다.

2. 2. 3. 전자 녹음 및 증폭 기술 발전

세 번째 중요한 혁신은 녹음과 재생 모두를 크게 개선한 것으로, 녹음과 증폭에 관한 전자 공학의 진보였다.[45] 1913년, AT&T의 제조 부문인 웨스턴 일렉트릭은 삼극 진공관의 전신인 리 드 포레스트의 오디온에 대한 권리를 획득했다. 이후 몇 년 동안 웨스턴 일렉트릭은 오디온을 예측 가능하고 신뢰할 수 있는 장치로 개발하여 최초의 전자 증폭을 가능하게 했다. 그 후 웨스턴 일렉트릭은 진공관의 용도 개발로 사업을 확장했는데, 여기에는 공공 주소 시스템과 음반 산업을 위한 전기적 녹음 시스템이 포함되었다. 1922년부터 웨스턴 일렉트릭의 연구 부서는 디스크 음향 및 영화 동기화 음향 시스템을 위한 녹음 기술을 집중적으로 연구하기 시작했다.

디스크 음향 시스템을 연구하는 엔지니어들은 웨스턴 일렉트릭이 이미 보유하고 있던 전기적 디스크 녹음 전문 지식을 활용할 수 있었기 때문에 초기 진행 속도가 빨랐다. 주요 변경 사항은 표준 약 304.80m 길이(약 305m)의 35mm 필름과 재생 시간을 맞추기 위해 디스크의 재생 시간을 늘리는 것이었다. 선택된 설계는 직경이 약 40cm에 달하는 디스크를 사용하여 분당 33⅓ 회전 속도로 회전했다. 이는 분당 약 27.43m(초당 24프레임)의 속도로 약 304.80m의 필름 재생 시간인 11분 동안 재생할 수 있었다.[46] 직경이 크기 때문에 최소 홈 속도 약 21.34m/분(초당 약 35.56cm 또는 356mm)은 표준 약 25.40cm 78rpm 상업용 디스크의 속도보다 약간 느렸다.

1925년, 회사는 민감한 콘덴서 마이크와 고무선 레코더(왁스 원반에 더 나은 주파수 응답으로 녹음하기 위해 고무 감쇠 밴드를 사용한 것에서 이름이 유래[47])를 포함한 크게 개선된 전자 오디오 시스템을 공개적으로 선보였다. 그해 5월, 회사는 기업가인 월터 J. 리치에게 상업 영화를 위한 시스템을 활용할 수 있는 라이선스를 부여했고, 리치는 비타폰 코퍼레이션(Vitaphone Corporation)을 설립했으며, 워너 브라더스는 한 달 후 지분의 절반을 인수했다.[48] 1926년 4월, 워너는 개명된 비타폰 작업을 위해 AT&T와 자사의 영화 음향 기술에 대한 독점 사용 계약을 체결하여 그 후 몇 달 동안 ''돈 후안'' 및 이와 함께 상영된 단편 영화 제작으로 이어졌다.[39] 비타폰이 특허에 대한 독점적 접근 권한을 가지고 있던 기간 동안 워너 영화를 위해 제작된 녹음의 충실도는 영화 음향 경쟁사에 비해 현저히 우수했다. 한편, AT&T 연구 운영의 새로운 이름인 벨 연구소는 극장을 가득 채울 만한 볼륨으로 녹음을 재생할 수 있도록 하는 정교한 음향 증폭 기술을 맹렬한 속도로 개발하고 있었다. 새로운 무빙 코일 스피커 시스템은 7월 말 뉴욕의 워너 극장에 설치되었고, 웨스턴 일렉트릭이 555형 수신기라고 부르는 장치에 대한 특허 출원은 ''돈 후안''의 초연 불과 이틀 전인 8월 4일에 제출되었다.[45][49]

그해 말, AT&T/웨스턴 일렉트릭은 회사의 영화 관련 오디오 기술에 대한 권리를 처리하기 위해 전기 연구 제품 주식회사(Electrical Research Products Inc., ERPI)라는 라이선스 부서를 설립했다. 비타폰은 여전히 법적 독점권을 가지고 있었지만, 로열티 지급이 지연됨에 따라 권리에 대한 실질적인 통제권은 ERPI의 손에 있었다. 1926년 12월 31일, 워너는 폭스-케이스에 웨스턴 일렉트릭 시스템 사용에 대한 하위 라이선스를 부여했다. 하위 라이선스에 대한 대가로 워너와 ERPI는 모두 폭스의 관련 수익을 공유했다. 세 회사의 특허는 상호 라이선스되었다.[50] 이제 두 가지 매우 다른 음향 재생 방식을 추구하는 두 할리우드 스튜디오에서 우수한 녹음 및 증폭 기술을 사용할 수 있게 되었다. 새해에는 마침내 유성 영화가 중요한 상업 매체로 부상할 것이었다.

2. 3. '토키'의 성공

''재즈 가수'' (1927)


1927년 2월, 할리우드의 5대 영화사인 파라마운트 픽처스(Paramount Pictures)의 전신인 페이머스 플레이어스-래스키(Famous Players–Lasky), 메트로 골드윈 메이어(Metro-Goldwyn-Mayer, MGM), 유니버설 픽처스(Universal Pictures), 퍼스트 내셔널 픽처스(First National Pictures), 그리고 세실 B. 드밀(Cecil B. DeMille)의 프로듀서스 디스트리뷰팅 코퍼레이션(Producers Distributing Corporation, PDC)은 음향 변환 제공업체를 공동으로 선정하기로 합의하고, 선두 주자들의 성과를 지켜보기로 했다.[55][226] 5월, 워너 브라더스(Warner Bros.)는 ERPI에 대한 독점권(폭스-케이스 하위 라이선스 포함)을 되팔고, 웨스턴 일렉트릭(Western Electric) 기술 사용에 대한 폭스(Fox)와 유사한 새로운 로열티 계약을 체결했다. 폭스와 워너스는 기술적으로나 상업적으로 서로 다른 방향으로 음향 영화를 추진했다. 폭스는 뉴스릴과 음악 삽입에, 워너스는 대사가 있는 영화, 즉 '토키'(talkie)에 집중했다. 한편 ERPI는 5개의 연합 스튜디오와 계약을 맺어 시장을 장악하려 했다.[56][227]

블루 마우스 극장의 광고로,
워싱턴주 타코마에 있는 완벽하게 설비를 갖춘 극장의 신문 광고로, 비타폰으로 상영되는 ''재즈 가수''와 무비톤 사운드 시스템(Movietone sound system)으로 상영되는 폭스 뉴스릴이 같은 프로그램에 포함되어 있다.


그 해의 주요 유성 영화들은 기존의 유명 인사들을 활용했다. 1927년 5월 20일, 뉴욕시의 록시 극장(Roxy Theater)에서 폭스 무비톤(Movietone)은 그날 이전에 녹음된 찰스 린드버그(Charles Lindbergh)의 파리 비행 이륙 장면을 담은 음향 영화를 선보였다. 6월에는 뉴욕시와 워싱턴 D.C.에서 그가 귀환하는 모습을 담은 폭스 음향 뉴스릴이 상영되었다. 이들은 당시 가장 호평받는 유성 영화였다.[57][228] 5월에는 폭스가 코미디언 칙 세일(Chic Sale) 주연의 최초의 할리우드 동기화 대사 단편 영화인 ''They're Coming to Get Me''를 개봉했다.[58][229] 몇몇 무성 영화 히트작(예: ''7번째 천국'')을 음악과 함께 재개봉한 후, 폭스는 9월 23일 독일의 유명 감독 F. W. 무르나우(F. W. Murnau)의 첫 번째 무비톤 장편 영화인 ''썬라이즈: 두 사람의 노래''를 개봉했다. ''돈 후안''처럼 이 영화의 사운드트랙은 음악과 음향 효과 위주였고, 일부 군중 장면에서는 비특정적인 목소리도 포함되었다.[59][230]

그러다 1927년 10월 6일, 워너 브라더스의 ''재즈 가수''가 개봉되었다. 중견 스튜디오였던 워너 브라더스에게는 엄청난 흥행 성공이었으며, 미국과 해외에서 총 262.5만달러를 벌어들여 이전 워너 브라더스 영화 기록보다 거의 100만 달러 더 많은 수익을 올렸다.[60][231] 비타폰 시스템으로 제작된 이 영화의 대부분은 ''썬라이즈''나 ''돈 후안''처럼 라이브로 녹음된 오디오 없이 음악과 효과음에 의존했다. 하지만 영화의 주연 배우인 알 조울슨(Al Jolson)이 노래할 때는 촬영 현장에서 녹음된 음향으로 전환되었는데, 그의 음악 공연과 즉흥적인 대사가 포함된 두 장면(하나는 카바레 관객에게 연설하는 장면, 다른 하나는 어머니와 대화하는 장면)이 포함되었다. 배경의 자연스러운 소리도 들렸다.[61][232] ''재즈 가수''의 성공은 이미 미국 최고의 음악 스타였던 조울슨의 인기 덕분이 컸고, 동기화된 사운드 사용이 제한적이었기 때문에 혁신적인 유성 영화라고 보기는 어려웠지만, 이 영화의 수익은 영화 산업에 유성 영화 기술 투자의 가치를 증명했다.[62][233]

''재즈 가수'' 이전에도 상업용 유성 영화의 개발은 더디게 진행되었고, 이 영화의 성공이 하루아침에 모든 것을 바꾸지는 않았다. 영향력 있는 연예 칼럼니스트 루엘라 파슨스(Louella Parsons)는 ''재즈 가수''에 대해 "나는 귀에 거슬리는 유성 영화가 우리 극장을 방해할 것이라고는 전혀 두렵지 않다"라고 말했고, MGM의 제작 책임자 어빙 탈버그(Irving Thalberg)는 이 영화를 "좋은 속임수이지만, 그게 전부였다"라고 평가했다.[63] 4개의 대형 스튜디오(PDC는 연합에서 탈퇴함)와 유나이티드 아티스트(United Artists) 등이 유성 영화를 위한 제작 시설과 극장 전환을 위해 ERPI와 계약을 체결한 것은 1928년 5월이 되어서였다. 이는 막대한 투자를 의미했다. 단일 극장을 개조하는 데 1.5만달러(2019년 가치로 약 22만 달러에 해당)가 들었고, 미국에는 2만 개가 넘는 영화관이 있었다. 1930년까지 극장의 절반만이 음향 시설을 갖추었다.[63]

처음에 모든 ERPI 장착 극장은 비타폰과 호환되도록 만들어졌고, 대부분은 무비톤 필름도 상영할 수 있도록 장비를 갖추었다.[64][234] 그러나 두 기술을 모두 이용할 수 있었음에도 불구하고, 할리우드 회사 대부분은 자체 토키 제작을 늦추었다. 워너 브라더스 외의 어떤 스튜디오도 저예산 영화 제작사인 필름 부킹 오피스 오브 아메리카(Film Booking Offices of America, FBO)가 ''완벽한 범죄''를 1928년 6월 17일(즉, ''재즈 가수'' 개봉 8개월 후)에 개봉할 때까지 파트 토키(part-talking, 일부 대사가 있는 영화)를 개봉하지 않았다.[65][235] FBO는 웨스턴 일렉트릭의 경쟁업체인 제너럴 일렉트릭(General Electric)의 RCA 부서의 효과적인 통제를 받았는데, RCA는 새로운 필름 사운드 시스템인 RCA 포토폰(RCA Photophone)을 시장에 출시하려고 했다. 폭스-케이스의 무비톤과 드 포레스트의 포노필름(Phonofilm)이 가변 밀도 시스템이었던 것과 달리, 포토폰은 가변 면적 시스템이었으며, 이는 결국 표준이 되는 오디오 신호를 필름에 기록하는 방식의 개선이었다. (두 종류의 시스템 모두 오디오 입력에 따라 필름에 대한 노출이 결정되는 특수 설계된 램프를 사용하여 미세한 선들의 연속으로 소리를 사진으로 기록한다. 가변 밀도 방식에서는 선의 농도가 다르고, 가변 면적 방식에서는 선의 너비가 다르다.) 10월까지 FBO-RCA 연합은 할리우드의 새로운 메이저 스튜디오인 RKO 픽처스(RKO Pictures)의 탄생으로 이어졌다.

격자무늬 재킷과 대담한 줄무늬 넥타이를 착용한 중년 남성이 스웨터 조끼를 입은 젊은 여성의 팔을 잡고 있다. 그녀의 손은 그의 손을 잡아당기고, 그들은 서로의 눈을 응시하고 있는데, 그는 격렬하게, 그녀는 놀라움이나 걱정스러운 표정으로.
퍼스트 내셔널 픽처스(First National Pictures)의 첫 번째 토키인 ''The Barker''에서 도로시 맥케일(Dorothy Mackaill)과 밀턴 실스(Milton Sills). 이 영화는 워너 브라더스가 이 스튜디오의 지배권을 인수한 지 두 달 후인 1928년 12월에 개봉되었다.


한편 워너 브라더스는 ''재즈 가수'' 수준은 아니었지만 수익성이 있는 토키 3편을 더 개봉했다. 3월에는 ''텐더로인''이 개봉되었는데, 워너스는 등장인물들이 대사를 하는 첫 번째 장편 영화라고 홍보했지만, 88분 중 대사가 있는 부분은 15분에 불과했다. 4월에는 ''영광스러운 베티'', 5월에는 ''사자와 쥐''(대사 31분)가 개봉되었다.[66][236] 1928년 7월 6일, 최초의 완전 대사 영화인 ''뉴욕의 불빛''이 개봉되었다. 이 영화는 워너 브라더스가 2.3만달러의 제작비로 125.2만달러의 수익을 올려 5,000%가 넘는 기록적인 수익률을 달성했다. 9월에는 알 조울슨 주연의 또 다른 파트 토키 영화인 ''노래하는 바보''가 개봉되어 워너 브라더스 영화 수익 기록에서 ''재즈 가수''의 수익을 두 배 이상 넘어섰다.[67][237] 이 두 번째 조울슨 영화는 영화 뮤지컬이 노래를 전국적인 히트곡으로 만들 수 있는 능력을 보여주었다. 9개월 만에 조울슨의 노래 "소니 보이"는 200만 장의 레코드와 125만 장의 악보 판매고를 기록했다.[68][238] 1928년 9월에는 폴 테리(Paul Terry)의 ''저녁 식사 시간''도 개봉되었는데, 이것은 동기화된 사운드로 제작된 최초의 애니메이션 만화 중 하나였다. 월트 디즈니(Walt Disney)는 이를 본 직후 미키 마우스 단편 영화 ''증기선 윌리''를 개봉했다.[69][239]

1928년 한 해 동안 워너 브라더스는 유성 영화의 인기로 막대한 수익을 올리기 시작했고, 다른 스튜디오들은 새로운 기술로의 전환 속도를 높였다. 업계 선두주자인 파라마운트는 9월 말에 첫 번째 토키인 ''인생의 거지들''을 개봉했는데, 대사가 몇 줄에 불과했지만 새로운 매체의 힘을 인식하고 있음을 보여주었다. 파라마운트의 첫 번째 완전 대사 영화인 ''간섭''은 11월에 개봉되었다.[70][240] "염소샘 주입(goat glanding)"으로 알려진 과정이 잠시 유행했는데, 무성 영화로 촬영되고 일부는 개봉된 영화에 사운드트랙(추가 더빙된 대사나 노래 포함)이 추가되었다.[71][241] 몇 분의 노래만으로도 이렇게 새롭게 만들어진 영화를 "뮤지컬"로 분류할 수 있었다. 기대치는 빠르게 변했고, 1927년의 음향 "유행"은 1929년까지 표준 절차가 되었다. 1929년 2월, ''재즈 가수'' 개봉 16개월 후, 콜럼비아 픽처스(Columbia Pictures)는 할리우드 황금기의 "메이저"로 알려진 8개 스튜디오 중 마지막으로 첫 번째 파트 토키인 ''외로운 늑대의 딸''을 개봉했다.[72][242] 5월 말에는 최초의 풀 컬러, 풀 토킹 영화인 워너 브라더스의 ''쇼를 계속해!''가 개봉되었다.[73][243]

하지만 대부분의 미국 영화관, 특히 도시 외곽 지역은 아직 음향 시설을 갖추지 못했다. 1928년과 1929년 사이에 음향 영화관의 수가 100개에서 800개로 증가했지만, 실제 수가 22,204개에서 22,544개로 증가한 무성 영화관보다 훨씬 적었다.[74] 스튜디오는 1930년 중반까지 할리우드 영화의 대다수가 무성 영화와 유성 영화 두 가지 버전으로 제작될 정도로 토키의 보편적인 매력에 대해 완전히 확신하지 못했다.[75][244] 업계의 예측과 달리, 미국에서 실용적인 상업 매체로서의 무성 영화는 곧 기억 속에 남는 것에 불과하게 되었다. 유니버설 픽처스가 1929년 8월에 개봉한 훗 깁슨(Hoot Gibson) 주연의 서부극 ''서쪽 지점''은 할리우드 메이저 스튜디오가 제작한 마지막 순수 무성 영화 장편이었다.[76][245]

2. 4. 유럽의 유성 영화 전환

『재즈 싱어』는 1928년 9월 27일 런던의 피카딜리 극장에서 상영되며 유럽에서 유성 영화 시대를 열었다.[77] 영화 역사가 레이철 로우는 "업계의 많은 사람들은 유성 영화 제작으로의 변화가 불가피하다는 것을 즉시 깨달았다"고 평가했다.[78]

1929년 1월 16일, 동기화된 노래와 음악을 포함한 최초의 유럽 장편 유성 영화인 독일 영화 ''당신의 손에 키스하겠습니다, 마담''(Ich küsse Ihre Hand, Madamede)이 개봉되었다. 이 영화에는 대사는 없었고, 리하르트 타우버가 부른 몇 곡의 노래만 포함되었다.[79] 이 영화는 트라이어곤의 법적 후계자인 독일-네덜란드 회사 토비스(Tobis)가 관리하는 사운드 온 필름 방식으로 제작되었다. 토비스는 유럽 유성 영화 시장을 장악하기 위해 주요 경쟁사인 클랑필름(Klangfilm, 독일 주요 전기 회사 두 곳의 합작 자회사)과 제휴하여 토비스-클랑필름이라는 협력 관계를 맺었다. 1929년 초부터 두 회사는 녹음 및 재생 기술을 공동으로 마케팅하기 시작했다. 미국의 웨스턴 일렉트릭 자회사 ERPI가 유럽 전역에 극장 설비를 설치하려 하자, 토비스-클랑필름은 웨스턴 일렉트릭 시스템이 트라이어곤 특허를 침해했다고 주장하며 여러 지역에서 미국 기술 도입을 지연시켰다.[80] RCA가 자사 시스템 판매를 위해 영화 제작에 뛰어든 것처럼, 토비스 역시 자체 제작사를 설립했다.[81]

1929년 동안 유럽의 주요 영화 제작 국가들은 유성 영화로 전환하기 시작했다. 초기 유럽 유성 영화 중 상당수는 자국 스튜디오 개조 기간 동안 해외 스튜디오를 임대하거나, 다른 언어 시장을 겨냥하여 해외에서 촬영되었다. 예를 들어, ''진홍색 원''(The Crimson Circle영어)은 독일에서 제작된 무성 영화 ''Der Rote Kreis''(1928)에 영국 사운드 필름 프로덕션(BSFP)이 드 포레스트의 포노필름 시스템을 사용하여 영어 대사를 더빙한 경우이다. 이 영화는 1929년 3월 영국에서 개봉되었는데, 같은 시기 영국에서 제작된 부분 유성 영화 ''새로운 핀의 단서''(The Clue of the New Pin영어)는 사운드 온 디스크 방식인 영국 포토폰 시스템을 사용했다. 5월에는 영국 최초의 완전 유성 영화로 홍보된 ''검은 물''(Black Waters영어)이 개봉되었으나, 이 영화는 웨스턴 일렉트릭 사운드 온 필름 방식을 사용하여 할리우드에서 촬영되었다. 이 초기 영화들은 큰 반향을 일으키지 못했다.[82]

여성 속옷을 입고 옷을 들고 카메라를 향해 보고 있는 여성의 사진이 있는 영화 ''블랙메일'' 광고. 주변 텍스트에는 영화가


최초로 성공을 거둔 유럽 유성 영화는 전적으로 영국에서 제작된 ''블랙메일''(Blackmail영어)이었다. 당시 29세였던 알프레드 히치콕이 감독한 이 영화는 1929년 6월 21일 런던에서 개봉했다. 원래 무성 영화로 촬영되었으나, 개봉 전에 대사 장면과 음악, 음향 효과를 추가하여 재촬영되었다. 제작사인 영국 국제 영화사(BIP)는 RCA 포토폰 시스템을 사용했는데, 이는 제너럴 일렉트릭이 토비스-클랑필름의 모회사 AEG 지분을 인수하여 시장 접근권을 확보했기 때문이었다. ''블랙메일''은 상업적으로 큰 성공을 거두었으며, 비평가들의 반응도 긍정적이었다. 예를 들어, 평론가 휴 캐슬은 "지금까지 본 사운드와 사일런스의 가장 지적인 혼합물일 것이다"라고 평했다.[84]

다른 유럽 국가들도 뒤따랐다. 1929년 8월 23일 오스트리아에서 유성 영화 ''G’schichten aus der Steiermark'' (''슈타이어마르크의 이야기'')가 개봉되었고,[85] 9월 30일에는 독일 최초의 완전 자국 제작 장편 유성 영화인 ''여자가 없는 땅''(Das Land ohne Frauende)이 개봉되었다. 토비스 필름쿤스트가 제작한 이 영화는 약 4분의 1 정도만 대사를 포함했으며, 음악 및 효과음과 엄격하게 분리되어 있었다. 반응은 미지근했다.[86] 스웨덴 최초의 유성 영화 ''Konstgjorda Svensson'' (''인공 스벤손'')은 10월 14일에 개봉되었다. 프랑스에서는 10월 22일 파리 근교 에피네 스튜디오에서 촬영된 ''Le Collier de la reine'' (''여왕의 목걸이'')가 개봉되었다. 무성 영화로 기획되었으나 토비스가 녹음한 음악과 단 한 장면의 유성 장면(프랑스 장편 영화 최초의 대사 장면)이 추가되었다. 10월 31일에는 파테-나탄 영화사 제작의 ''Les Trois masques'' (''세 개의 가면'')가 개봉되었다. 이 영화는 ''블랙메일''처럼 런던 외곽의 엘스트리 스튜디오에서 촬영되었지만, 종종 최초의 프랑스 장편 유성 영화로 간주된다. 제작사는 RCA 포토폰과 계약했고, 당시 영국이 해당 시스템을 갖춘 가장 가까운 곳이었다. 같은 엘스트리 스튜디오에서 촬영된 브라운베르거-리셰베의 유성 영화 ''길은 좋다''(La Route est belle프랑스어)도 몇 주 후에 개봉되었다.[87] 파리 스튜디오들이 유성 영화 설비를 완전히 갖추기 전(1930년까지 이어짐)까지, 다른 초기 프랑스 유성 영화들은 독일에서 촬영되기도 했다.[88]

독일 최초의 완전 유성 영화로 알려진 ''Atlantik''은 10월 28일 베를린에서 개봉되었으나, 이 역시 엘스트리 스튜디오에서 BIP가 영국 각본가와 독일 감독을 기용해 제작한 영화로, 영어 버전 ''Atlantic''도 함께 촬영되었다.[89] 전적으로 독일 Aafa-Film이 제작한 ''내가 사랑한 당신''(Dich hab ich geliebtde)은 3주 반 후에 개봉되었으며, 미국에서 최초로 상영된 독일 제작 유성 영화가 되었다.[90]

키릴 문자로 된 텍스트가 있는 영화 포스터. 빨간색 띠가 이미지 중앙을 나선형으로 감싸고 있으며, 녹색 배경이다. 나선 주위에는 다양한 각도의 남성 얼굴 사진 5장이 배열되어 있다. 왼쪽 상단에 모여 있는 3장은 미소 짓고 있고, 왼쪽 상단과 오른쪽 하단(어린 소년)에는 생각에 잠긴 듯한 모습이 보인다.


1930년에는 더 많은 유럽 국가들이 유성 영화 제작에 뛰어들었다. 폴란드에서는 사운드 온 디스크 방식을 사용한 ''Moralność pani Dulskiej'' (''둘스키 부인의 도덕성'')가 3월에, 완전 유성 영화인 ''위험한 연애''(Niebezpieczny romanspl)가 10월에 개봉되었다.[92] 1920년대 후반 침체되었던 이탈리아 영화계는 10월 ''La Canzone dell'amore'' (''사랑의 노래'') 개봉을 계기로 2년 안에 부흥기를 맞이했다.[93] 체코어로 제작된 최초의 영화 ''교수대의 톤카''(Tonka Šibenicecs)도 1930년에 데뷔했다.[94] 벨기에(프랑스어), 덴마크, 그리스, 루마니아 등 영화 산업 규모가 작은 국가들도 이 시기에 첫 유성 영화를 제작했다.[95] 소련의 강력한 영화 산업은 1930년 12월, 지가 베르토프의 실험적인 논픽션 영화 ''열정''(Энтузиазмru)과 아브람 룸의 다큐멘터리 ''Plan velikikh rabot'' (''위대한 사업 계획'')을 통해 유성 영화 시대를 열었다. 두 영화 모두 당시 전 세계에 존재했던 200여 개의 영화 사운드 시스템 중 하나였던 자체 개발 시스템을 사용했다.[96][97] 1931년 6월, 니콜라이 에크 감독의 드라마 ''Putevka v zhizn'' (''인생의 길'')이 소련 최초의 완전 유성 극영화로 개봉되었다.[98]

유럽 대부분 지역에서 극장의 유성 영화 설비 전환은 영화 제작 속도보다 훨씬 느렸다. 이로 인해 많은 유성 영화들이 무성 영화 버전과 함께 제작되거나, 단순히 소리 없이 상영되는 경우가 많았다. 영국의 전환 속도는 비교적 빨라서 1930년 말까지 극장의 60% 이상이 유성 영화 설비를 갖추었는데, 이는 미국과 비슷한 수준이었다. 반면 프랑스에서는 1932년 말까지도 전국 극장의 절반 이상이 여전히 무성 영화만 상영할 수 있었다.[99] 학자 콜린 G. 크리스프에 따르면, 프랑스 영화계에서는 1935년까지도 무성 영화가 예술적, 상업적으로 유효하다는 인식이 있었으며, 무성 영화로의 회귀 가능성에 대한 논의도 있었다.[100] 소련의 상황은 더욱 심각하여, 1933년 5월 기준으로 유성 영화 설비를 갖춘 영사기는 전체의 1% 미만에 불과했다.[101]

2. 5. 아시아의 유성 영화 전환



1920년대와 1930년대에 일본은 미국과 함께 세계에서 가장 큰 영화 제작국 중 하나였다. 일본 영화 산업은 유성 영화와 토킹 픽처를 비교적 초기에 제작했지만, 유성 영화로의 완전한 전환은 서구보다 훨씬 느리게 진행되었다. 1926년 리 드 포레스트의 포노필름 시스템을 사용하여 제작된 『레이메이』(黎明, 여명)가 일본 최초의 유성 영화로 여겨진다.[103] 다만 기술적 문제로 공개되지 못했다는 설도 있다.[274] 닛카쓰 스튜디오는 사운드온디스크 방식인 미나토키 시스템을 사용하여 1929년에 부분 유성 영화인 『대위의 딸』(大尉の娘)과 미조구치 겐지 감독의 『후지와라 요시에의 고향』(藤原義江のふるさと)을 제작했다. 경쟁 스튜디오인 쇼치쿠는 1931년부터 쓰치하시 방식이라는 국산 사운드온필름 기술을 사용하여 성공적으로 토키를 제작하기 시작했다.[104][275] 고쇼 헤이노스케 감독의 『마담과 아내』(マダムと女房, 1931)는 쇼치쿠가 제작한 일본 최초의 본격적인 유성 영화이며, 상업적으로나 비평적으로 큰 성공을 거두었다.[102][272][273]

그러나 1933년에도 일본에서 제작된 영화의 80% 이상이 여전히 무성 영화였으며[105], 1938년 후반까지도 일본 영화의 3분의 1 이상이 대사 없이 촬영되었다.[105][276] 일본의 대표적인 감독인 나루세 미키오와 오즈 야스지로는 각각 1935년과 1936년에야 첫 유성 영화를 제작했다.[106][277]

일본 영화에서 무성 영화의 인기가 오래 지속된 데에는 변사(弁士, benshi)라는 독특한 문화가 큰 영향을 미쳤다. 변사는 영화 상영 중에 실시간으로 줄거리를 설명하고 등장인물의 목소리를 연기하며 음향 효과까지 내는 해설자였다. 구로사와 아키라 감독은 변사가 단순히 줄거리를 설명하는 것을 넘어 감정적인 내용을 강화했으며, 인기 변사는 그 자체로 스타였다고 회고했다.[107][278] 영화 역사가 마리아나 루인스키는 서구와 달리 일본에서는 변사의 존재 덕분에 무성 영화가 부족함 없는 완성된 형태였으며, 유성 영화로의 전환은 내적인 필요나 자연스러운 진화가 아닌 경제적인 요인, 즉 변사와 악단의 인건비 절감 필요성에 의해 강요된 측면이 있다고 주장한다.[108][279] 변사 시스템 덕분에 일본 영화계는 유성 영화로 점진적으로 전환할 수 있었고, 스튜디오는 설비 투자 비용을 분산하고 기술진이 새로운 기술에 익숙해질 시간을 확보할 수 있었다.[109][280]



중국에서는 나비 우 주연의 『가녀 홍목단』(歌女紅牡丹, 1930)이 최초의 장편 토키로 개봉되었다. 오스트레일리아에서는 1930년 2월에 완성된 『악마의 놀이터』(The Devil's Playground)가 최초의 토키로 간주될 수 있으나, 같은 해 5월에 공개 상영된 『펠러스』(Fellers)가 최초로 확인된 호주 유성 영화 상영 기록이다.[111][282]

인도에서는 1930년 9월, 무성 영화 『마두리』(Madhuri, 1928)의 일부 장면에 스타 루비 마이어스(수로차나)의 노래를 동기화한 단편 영화가 공개되어 인도 최초의 유성 단편 영화가 되었다.[112][283] 이듬해인 1931년, 아르데시르 이라니는 힌디어와 우르두어로 제작된 인도 최초의 장편 토키 『알람 아라』(Alam Ara)와 주로 타밀어로 제작되었고 일부 텔루구어 대사가 포함된 『칼리다스』(Kalidas)를 감독했다. 같은 해 최초의 벵골어 영화 『자마이 사스티』(Jamai Sasthi)와 최초의 전체 텔루구어 영화 『박타 프라흘라다』(Bhakta Prahlada)가 제작되었다.[113][114][284][285][286][287] 1932년에는 마라티어 최초의 영화 『아요디야차 라자』(Ayodhyecha Raja)가, 같은 해 구자라트어 최초의 토키 『나르심하 메타』(Narsimha Mehta)와 최초의 전체 타밀어 유성 영화 『칼라바』(Kalava)가 데뷔했다. 1933년 아르데시르 이라니는 최초의 페르시아어 토키 『둑타르-에-루르』(Dukhtar-e-loor)를 제작했다.[115][288] 인도의 유성 영화는 초창기부터 음악이 중요한 요소였으며, 『알람 아라』에는 7곡, 이듬해의 『인드라사바』(Indrasabha)에는 70곡의 노래가 포함되었다. 유성 영화 도입 이후 인도의 영화 산업은 급격히 성장하여 빠르게 토키로 전환했고, 지역별 다양한 언어로 영화 제작이 확산되었다.

홍콩에서는 1933년 최초의 광둥어 토키 『사재동방』(傻仔洞房, 바보 신방)과 『양심』(良心)이 제작되었고, 2년 안에 현지 영화 산업은 유성 영화로 완전히 전환되었다.[116][289]

한국에서는 일본의 변사와 유사한 역할을 하는 변사가 존재했다.[117][290][291] 주요 영화 산업을 가진 국가 중에서는 한국이 가장 늦게 유성 영화를 제작했는데, 1935년에 이르러서야 최초의 유성 영화인 『춘향전』이 만들어졌다. 이 영화는 17세기 판소리 민담인 「춘향가」를 바탕으로 한 것으로, 이 소재는 매우 인기가 있어 2009년까지 15편 이상의 영화 버전이 제작되었다.[118][292][293]

2. 6. 한국 영화와 유성 영화

(내용 없음 - 주어진 원본 소스에는 '한국 영화와 유성 영화' 섹션에 해당하는 내용이 포함되어 있지 않습니다.)

3. 기술적 특징



움직이는 영상과 소리를 결합하려는 시도는 영화의 역사 초창기부터 존재했다. 1895년 토마스 에디슨은 영상 재생 장치인 키네토스코프와 축음기를 결합한 키네토폰을 선보였으나, 개별 관람 방식의 한계와 이후 등장한 영사 방식의 성공으로 인해 널리 퍼지지 못했다.[4][187] 1900년 파리 만국박람회에서는 포노-시네마-테아트르(Phono-Cinéma-Théâtre프랑스어)와 같은 시스템이 등장하여 영상과 녹음된 소리를 함께 상영하려는 시도가 이어졌지만[6][194], 초기 유성 영화 기술은 몇 가지 중요한 문제점을 안고 있었다.
초기 기술적 과제초기 유성 영화 시스템은 다음과 같은 세 가지 주요 기술적 문제에 직면했다.

1. 동기화(Synchronization): 영상과 소리가 별도의 장치(영사기와 축음기 등)로 기록되고 재생되었기 때문에, 두 장치를 완벽하게 동시에 시작하고 속도를 유지하는 것이 매우 어려웠다. 재생 중 필름이 끊어지거나 늘어나는 경우, 또는 레코드 바늘이 튀는 경우 동기화가 쉽게 깨졌다.[7][195][43]

2. 음량(Volume): 초기 음향 기술은 증폭 기술이 발달하지 않아 소리를 크게 키울 수 없었다. 영화는 대형 극장에서 많은 관객을 대상으로 상영되었지만, 당시의 기술로는 넓은 공간을 채울 만큼 충분한 음량을 확보하기 어려웠다.[8]

3. 음질(Sound Fidelity): 초기 녹음 장비(주로 커다란 나팔 모양의 혼)는 성능이 낮아, 배우나 연주자가 녹음 장치 바로 앞에서 연기하거나 연주해야만 겨우 알아들을 수 있는 수준의 소리를 녹음할 수 있었다. 이는 자연스러운 연기나 다양한 장면 촬영에 큰 제약을 주었다.[8][196]

이러한 문제들로 인해 유성 영화의 상업적 성공은 오랫동안 지연되었다.
사운드온디스크 vs. 사운드온필름1920년대 들어 유성 영화 기술은 크게 두 가지 방향으로 발전하며 경쟁했다.

1. 사운드온디스크(Sound-on-disc): 축음기 레코드에 소리를 녹음하고, 기계적인 연동 장치를 통해 영사기와 동기화하여 재생하는 방식이다. 웨스턴 일렉트릭이 개발하고 워너 브라더스가 채택한 비타폰(Vitaphone) 시스템이 대표적이다. 초기에는 사운드온필름 방식보다 제작 비용이 저렴하고 음질(특히 다이내믹 레인지)이 우수하다는 장점이 있었다.[44][45][220] 하지만 동기화 유지의 어려움, 레코드 편집의 불가능, 배급의 복잡성, 레코드 마모 문제(약 20회 상영 후 교체 필요) 등의 단점이 명확했다.[43][219] 비타폰 시스템은 약 40cm 직경의 디스크를 분당 33⅓ 회전 속도로 재생하여, 당시 표준 35mm 필름 1릴(약 304.80m)의 상영 시간인 약 11분과 재생 시간을 맞추었다.[46]

2. 사운드온필름(Sound-on-film): 소리를 빛의 강약이나 폭의 변화(광학 사운드트랙)로 변환하여 영화 필름 자체의 가장자리에 기록하는 방식이다. 유진 로스트가 초기 특허를 얻었으며[17], 리 드 포레스트의 포노필름(Phonofilm), 폭스 필름의 무비톤(Movietone), RCA의 포토폰(Photophone), 독일의 트라이어곤(Tri-Ergon) 등이 이 방식에 해당한다. 영상과 소리가 하나의 필름에 기록되므로 동기화 문제가 원천적으로 해결되었고, 필름 편집이 자유롭고 배급이 용이하며 내구성도 뛰어났다.[43] 초기에는 사운드온디스크 방식보다 비용이 비싸고 음질(특히 왜곡과 잡음) 면에서 불리했지만[44][45][220], 기술 발전에 따라 이러한 단점들이 개선되면서 결국 유성 영화의 표준 방식으로 자리 잡게 되었다.

사운드온필름 방식은 다시 두 가지 세부 기술로 나뉜다.


  • 가변 밀도(Variable density): 소리의 강약에 따라 필름에 기록되는 사운드트랙 선의 농도(밝기)를 변화시키는 방식이다. 무비톤과 포노필름이 이 방식을 사용했다.
  • 가변 영역(Variable area): 소리의 강약에 따라 사운드트랙 선의 폭을 변화시키는 방식이다. RCA 포토폰이 이 방식을 사용했으며, 이후 표준 방식으로 널리 채택되었다.


'''사운드온디스크 vs. 사운드온필름 비교'''
특징사운드온디스크 (예: 비타폰)사운드온필름 (예: 무비톤, RCA 포토폰)
축음기 레코드 | 영화 필름 자체
기계적 연동 (불안정 가능성) | 영상과 음향 통합 (안정적)
어려움 (거의 불가능) | 용이함
복잡하고 비용 추가 | 상대적으로 간편
낮음 (약 20회 재생 후 교체)[43][219] | 높음
다이내믹 레인지 우수[44][45][220] | 주파수 응답 우수 (초기에는 왜곡/잡음 문제)[44][45][220]
상대적으로 저렴[44] | 상대적으로 비쌈[44]
초기 우세 후 쇠퇴 | 기술 개선 후 표준 방식으로 자리 잡음


핵심 기술의 발전1920년대 중반, 유성 영화의 상업화를 가능하게 한 핵심적인 기술 발전이 이루어졌다. 특히 AT&T의 자회사인 웨스턴 일렉트릭과 그 연구 부문인 벨 연구소의 역할이 중요했다.


  • 전자 증폭 기술: 리 드 포레스트가 발명한 오디온 진공관을 웨스턴 일렉트릭이 개량하여 안정적인 삼극 진공관을 개발했다. 이를 통해 소리를 전기 신호로 변환하고 크게 증폭하는 것이 가능해져, 대형 극장에서도 충분한 음량으로 소리를 재생할 수 있게 되었다.[45][49][221]
  • 고성능 마이크 및 녹음 기술: 웨스턴 일렉트릭은 감도가 뛰어난 축전기 마이크로폰과 개선된 녹음 시스템(고무선 레코더 등)을 개발하여 녹음 품질을 획기적으로 향상시켰다.[47][48][222] 이를 통해 이전보다 훨씬 자연스럽고 명료한 소리를 담을 수 있게 되었다.
  • 스피커 기술: 벨 연구소는 극장 환경에 적합한 고성능 무빙 코일 스피커 시스템(웨스턴 일렉트릭 555형 수신기 등)을 개발하여 증폭된 소리를 효과적으로 재생할 수 있도록 했다.[45][49][224]


이러한 기술 발전은 사운드온디스크 방식(비타폰)과 사운드온필름 방식(무비톤 등) 모두에 적용되어 유성 영화의 품질을 크게 향상시켰고, 1927년 재즈 가수의 성공 이후 유성 영화 시대를 본격적으로 여는 기반이 되었다.
표준화유성 영화가 확산되면서 기술 표준화의 필요성이 대두되었다. 특히 필름 영사 속도는 중요한 문제였다. 무성 영화 시대에는 초당 16~18 프레임 등 다양한 속도로 촬영 및 상영되었으나, 사운드트랙의 안정적인 재생을 위해서는 일정한 속도 유지가 필수적이었다. 비타폰 시스템이 약 304.80m 필름 릴의 상영 시간(약 11분)에 맞춰 디스크 재생 시간을 설계하면서[46], 자연스럽게 초당 24프레임(분당 약 27.43m)이 유성 영화의 표준 영사 속도로 자리 잡게 되었다. 이는 오늘날까지도 영화 제작의 표준으로 사용되고 있다.

4. 사회문화적 영향

유성 영화의 등장은 단순히 영화 기술의 발전을 넘어 사회와 문화 전반에 걸쳐 광범위한 영향을 미쳤다. 초기에는 성공 가능성에 대한 회의적인 시각도 있었고,[146] 일부 예술가들은 유성 영화가 무성 영화가 가진 시각적 예술성을 훼손한다고 비판하기도 했다.[161][162][163] 비평가 빅토르 슈클롭스키는 "말하는 영화는 노래하는 책만큼이나 불필요하다"고 단언하기도 했다.[172] 그러나 이러한 우려와 비판에도 불구하고 유성 영화는 대중의 폭발적인 호응을 얻으며 새로운 영화 시대를 열었다.

경제적으로 유성 영화는 할리우드에 큰 호황을 가져왔고, 뮤지컬 영화와 같은 새로운 장르를 탄생시키며 산업 구조를 재편했다. 할리우드의 국제적 영향력은 더욱 강화되었으나,[151][152] 막대한 초기 투자 비용은 소규모 영화사들의 몰락을 가져오기도 했다.

유성 영화의 수용 방식은 국가별 문화적 맥락에 따라 다르게 나타났다. 일본에서는 변사(benshi)라는 독특한 무성 영화 해설 문화가 유성 영화로의 전환 속도를 늦추는 요인이 되었다.[107][108][109] 인도에서는 유성 영화 도입 이후 뮤지컬 영화가 크게 발전하며 독자적인 영화 산업의 기틀을 마련했다.[155][156] 한국에서도 일본의 변사와 유사한 역할을 하는 변사가 존재했으며, 주요 영화 제작국 중에서는 비교적 늦은 1935년에 첫 유성 영화인 춘향전이 제작되었다.[117][118]

사회적으로는 배우들의 경력에 큰 변화를 가져왔고, 라이브 음악을 연주하던 영화관 연주자들은 일자리를 잃는 등 직업 구조에도 영향을 미쳤다.[143][317][144][318][145][319] 또한, 무성 영화 시대에 영화를 동등하게 향유했던 청각 장애인들은 대사 중심의 유성 영화 등장으로 인해 문화적으로 소외되는 결과를 낳기도 했다.[174] 이처럼 유성 영화는 영화 산업과 예술뿐 아니라 사회 구성원들의 문화 향유 방식에도 큰 변화를 가져온 중요한 전환점이었다.

4. 1. 배우와 스태프

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유성 영화의 도입은 영화 산업에 호황을 가져왔지만, 당시 할리우드 배우들의 고용에는 부정적인 영향을 미쳤다. 무대 경험이 없는 배우들은 갑자기 스튜디오로부터 의심의 눈초리를 받게 되었다.[130] 이전까지 억양이나 어울리지 않는 목소리가 감춰졌던 배우들은 특히 위험에 처했다. 무성 영화 시대의 주요 스타였던 노르마 탈매지의 경력은 사실상 끝나버렸다. 그녀의 목소리가 빈민가 출신임을 드러낸다는 평가가 있었다.[129][304] 유명 독일 배우 에밀 야닝스는 유럽으로 돌아갔다. 존 길버트의 목소리는 그의 이미지와 어울리지 않는다는 평가를 받으며 스타덤에서 멀어졌다.[130][305] 관객들은 특정 무성 영화 시대 스타들을 구식으로 여기기 시작했는데, 이는 유성 영화 시대에 적응할 재능이 있는 배우들에게도 마찬가지였다. 1920년대 최고의 코미디언 중 한 명이었던 해롤드 로이드의 경력은 급격히 쇠퇴했다.[131][306] 릴리안 기시는 무대로 돌아갔고, 콜린 무어, 글로리아 스완슨, 그리고 할리우드에서 가장 유명한 커플이었던 더글러스 페어뱅크스와 메리 픽퍼드 등 다른 주요 배우들도 곧 연기를 그만두었다.[132][307] 덴마크 억양 때문에 경력이 무너진 배우 칼 데인은 자살했다.[132] 배우 루이즈 브룩스는 스튜디오 사장들이 유성 영화 전환을 빌미로 계약 파기, 급여 삭감, 스타 길들이기를 시도했다고 회고했다. 그녀 자신도 급여 삭감 제안을 받았고, 유성 영화 적합성 여부를 문제 삼는 스튜디오의 태도에 반발하여 그만두었다고 밝혔다.[134][308] 클라라 보우 역시 목소리 문제로 할리우드를 떠났다고 알려졌지만, 영화사가 데이비드 톰슨은 실제로는 영화사 경영진과의 충돌과 그들의 위선에 대한 반발이 더 큰 원인이었다고 지적한다.[309] 버스터 키튼은 새로운 매체를 탐구하려 했지만, 그의 스튜디오 MGM은 유성 영화로 전환하면서 그의 창작 통제권을 박탈했다. 키튼의 초기 유성 영화들은 상업적으로 성공했지만 예술적으로는 형편없었다.[135][310] 일본에서도 배우들에게 영향이 있었다. 이리에 타카코는 귀족적인 말투가 서민들의 반감을 사 인기가 하락했다고 전해진다. 반도 츠마사부로 역시 인기가 주춤해지자 자신의 높은 목소리 탓인지 고민했다고 한다.

반면, 새로운 매체는 보드빌이나 뮤지컬 극장 출신 배우들에게 큰 기회를 제공했다. 알 조울슨, 에디 캔터, 장넷 맥도널드, 마르크스 형제 등 대사와 노래에 모두 능숙한 공연자들이 인기를 끌었다.[136][313] 브로드웨이에서 함께 활동했던 제임스 캐그니와 조앤 블론델은 1930년 워너 브라더스에 의해 할리우드로 영입되었다.[137][314] 존 배리모어, 로널드 콜먼, 머나 로이, 윌리엄 파월, 노르마 시어러, 코미디 듀오 스탠 로렐과 올리버 하디, 리처드 바델메스, 클라이브 브룩, 비비 다니엘스 등 일부 배우들은 무성 영화와 유성 영화 시대 모두에서 주요 스타로 활동했다.[138] 찰리 채플린은 『시티 라이트』(1931)와 『모던 타임스』(1936)에서 사운드를 주로 음악과 효과음에만 사용하여 독특한 길을 걸었다.[138][312] 재닛 게이너는 동기화된 사운드는 있지만 대사가 없는 『7번째 천국』과 『썬라이즈』로 최고의 스타가 되었고, 조앤 크로포드 역시 기술적으로 유사한 『우리의 춤추는 딸들』(1928)로 스타덤에 올랐다.[139][315] 그레타 가르보는 영어가 모국어가 아닌 배우 중 유일하게 유성 영화 전환 전후로 할리우드 스타 자리를 유지했다.[140][311] 이전 무대 경력에서 발성 훈련을 받았던 무성 영화 엑스트라 출신 클라크 게이블은 수십 년간 새로운 매체를 지배하는 스타가 되었다. 마찬가지로 1919년 이후 수십 편의 무성 영화에 출연했던 영국 배우 보리스 카를로프는 유성 영화 시대에 스타가 되었다. 아이러니하게도 1931년 영화 『프랑켄슈타인』에서 말을 하지 않는 역할로 스타덤에 올랐지만, 혀 짧은 소리에도 불구하고 이후 많은 작품에 출연했다.[140] 일본의 다나카 키누요는 시모노세키 사투리가 섞인 달콤한 목소리가 호평을 받아 서민적인 매력과 함께 인기가 더욱 상승했다.

대사에 대한 새로운 강조는 제작자들이 좋은 대사를 쓰는 경험이 있는 소설가, 언론인, 극작가들을 대거 고용하게 만들었다. 1930년대 할리우드 각본가가 된 인물 중에는 내셔널 웨스트, 윌리엄 포크너, 로버트 셔우드, 올더스 헉슬리, 도로시 파커 등이 있다.[141]

유성 영화의 등장은 영화관 오케스트라 연주자들에게 큰 타격을 주었다. 미리 녹음된 음악 트랙이 도입되면서 영화 반주자로서의 역할뿐만 아니라, 1920년대 미국 영화 상영의 중요한 부분이었던 서곡과 같은 라이브 음악 공연 자체가 대부분 사라졌다.[143][317] 미국 음악가 연맹은 라이브 음악가를 기계 장치로 대체하는 것에 항의하며 신문 광고를 게재했다. 1929년 피츠버그 프레스 광고에는 "통조림 음악"이라는 문구와 함께 "어떤 지적 또는 감정적 반응도 일으키지 않음이 보장됨"이라고 적힌 깡통 이미지가 실렸다. 광고는 극장에서 기계 음악을 제공하는 것이 음악 감상의 부패와 음악 교육의 좌절을 초래하며, 예술의 영혼이 기계화 속에서 상실된다고 주장했다.[144][318] 이듬해에는 미국 전역에서 약 22,000명의 영화관 음악가들이 일자리를 잃은 것으로 추산된다.[145][319]

일본에서는 활동사진 변사의 존재가 유성 영화로의 전환을 늦추는 요인이었다. 변사는 단순히 줄거리를 설명하는 것을 넘어 다양한 목소리로 감정을 표현하고 효과음을 내며 해설을 덧붙이는 역할을 했다. 인기 변사는 그 자체로 스타였으며, 관객들은 좋아하는 변사를 보기 위해 특정 극장을 찾기도 했다.[278] 영화사학자 마리안 레빈스키(Mariann Lewinsky)는 일본에서 무성 영화의 종말은 기술적 필연성보다는 산업과 시장의 요구에 따른 것이었으며, 변사가 존재했기 때문에 무성 영화는 매우 즐겁고 완성된 형태였다고 지적한다. 유성 영화가 경제적이었던 이유는 영화관이 연주자나 변사에게 임금을 지불할 필요가 없었기 때문이지만, 인기 변사는 높은 임금을 받았다.[279] 변사의 존재 덕분에 영화사들은 유성 영화 설비 투자를 서두르지 않았고, 제작진은 새로운 기술에 적응할 시간을 벌 수 있었다.[280] 그러나 결국 유성 영화가 대세가 되면서 변사라는 직업은 (재상영을 제외하면) 거의 사라지게 되었다. 한국에서도 일본의 변사와 유사한 역할을 하는 변사한국어가 존재했으며, 유성 영화 도입 이후 점차 사라졌다.[290][291]

4. 2. 영화 산업

15명의 젊은 여성들이 무용복을 입고 있는 영화 포스터. 첫 번째 여성은 큰 글씨로
1929년 2월 1일 개봉한 MGM의 ''브로드웨이 멜로디''는 워너 브라더스가 아닌 다른 스튜디오에서 나온 최초의 대히트 유성 영화이자 최우수 작품상 아카데미 상을 수상한 최초의 유성 영화였습니다.


재즈 가수 (1927)의 흥행 성공은 워너 브라더스에게 총 262.5만달러의 막대한 수익을 안겨주며 유성 영화의 상업적 가능성을 증명했다.[60][62] 워너 브라더스는 최초의 완전 유성 영화인 뉴욕의 불빛 (1928)으로 2.3만달러 제작비 대비 125.2만달러의 수익을 올렸고,[67] 알 조울슨 주연의 두 번째 유성 영화 노래하는 바보 (1928)는 재즈 가수의 기록을 넘어서는 성공을 거두었다.[67] 이 영화의 삽입곡 "소니 보이"는 레코드 200만 장, 악보 125만 장 이상 판매되며 영화 뮤지컬의 파급력을 보여주었다.[68]

잭 L. 워너는 초기에 유성 영화의 성공 가능성을 낮게 보았지만[146], 워너 브라더스의 수익은 1927-28년 회계연도 200만달러에서 1928-29년 1400만달러로 급증했다. 같은 기간 파라마운트는 700만달러, 폭스는 350만달러, 로우스/MGM은 300만달러의 수익 증가를 기록하며 유성 영화는 업계 전체에 호황을 가져왔다.[147] RKO는 1928년 말 설립된 신생 스튜디오임에도 불구하고 1년 만에 미국의 주요 엔터테인먼트 기업 중 하나로 빠르게 성장했다.[148] 이러한 성장의 중심에는 유성 영화로 인해 새롭게 부상한 뮤지컬 영화 장르가 있었다. 1929년에는 60편 이상, 1930년에는 80편 이상의 뮤지컬 영화가 할리우드에서 개봉되었다.[149]

1929년 월가 대폭락으로 시작된 대공황에도 불구하고 유성 영화의 인기는 한동안 할리우드를 불황의 영향에서 벗어나게 했다. 1929-30년 시즌은 티켓 판매와 수익 면에서 영화 산업 역사상 최고 기록을 세웠다.[150] 유성 영화는 할리우드를 미국의 핵심 산업 중 하나로 확고히 자리매김하게 했으며, 1931년에는 미국 전체 레크리에이션 지출의 21.8%를 영화가 차지할 정도였다.[150] 할리우드의 영향력은 국제적으로도 강화되었다. 언어 장벽에 대한 초기 우려와 달리, 미국 영화 수출은 1929년에 전년 대비 27% 증가했으며,[151] 여러 국가의 무역 제한 조치에도 불구하고 1937년까지 전 세계 상영 시간의 약 70%를 미국 영화가 점유했다.[152]

염소 수염을 기른 남자가 밀짚모자, 격자무늬 셔츠, 짧은 폴카 도트 넥타이, 짧은 바지, 부츠를 입고 있는 그림이 있는 영화 포스터. 옆에 쓰인 글은 포르투갈어입니다.
포르투갈어로 상영된 ''Acabaram-se os otários''(1929)의 포스터. 브라질 최초의 유성 영화는 이베리아 언어로 제작된 최초의 영화이기도 했습니다.


그러나 유성 영화로의 전환에는 막대한 설비 투자 비용이 필요했기 때문에, 자금력이 부족했던 많은 소규모 영화사들은 파산하거나 대형 스튜디오에 흡수되었다.[153] 유성 영화의 도입과 대공황은 할리우드 영화 산업의 구조조정을 가속화하는 결과를 낳았다. 이 과정에서 MGM, 파라마운트, 폭스, 워너 브라더스, RKO의 5대 메이저 스튜디오와 콜럼비아, 유니버설, 유나이티드 아티스트의 3개 준메이저 스튜디오가 산업을 지배하는 스튜디오 시스템이 1950년대까지 확립되었다.[154] 이 시기를 거치며 각 스튜디오는 운영을 효율화하고 자체적인 제작 스타일과 기업 정체성을 더욱 명확히 구축하게 되었다.[154]

인도 영화 산업은 유성 영화 도입 이후 할리우드와는 다른 독자적인 발전 경로를 걸었다. 초기부터 뮤지컬 영화가 강세를 보이며 인도 영화만의 독특한 정체성을 확립하는 데 기여했다.[155] 인도 최초의 유성 영화 알람 아라 (1931)에는 7곡의 노래가 포함되었고, 이듬해 개봉한 인드라사바에는 무려 70곡의 노래가 삽입되었다. 이러한 음악 중심의 영화들은 큰 인기를 얻었고, 알람 아라 개봉 10년 후에는 인도 내 상영 영화의 90% 이상이 자국 영화로 채워질 정도로 인도 영화 산업은 강력한 내수 시장을 구축했다.[156] 초기에는 뭄바이가 주요 제작 중심지였지만, 곧 콜카타, 라호르 등 인도 전역의 여러 지역에서 다양한 언어로 유성 영화 제작이 활발히 이루어졌다.[157][114][158] 인도 영화 산업은 유성 영화 도입 이후 매우 빠르게 성장하여 1934년에는 제작된 장편 영화 172편 중 164편이 유성 영화였으며, 이후 세계 3대 영화 제작국 중 하나로 꾸준히 자리매김했다.[159][160]

4. 3. 영화 예술

영국의 영화 평론가 폴 로타는 1930년 저서 『The Film Till Now』에서 "대사와 효과음이 화면의 시각적 이미지와 완벽하게 동기화되고 일치하는 영화는 영화의 목적에 전적으로 반대되는 것이다. 그것은 영화의 실제 활용을 파괴하려는 퇴폐적이고 잘못된 시도이며, 영화의 진정한 경계 안에 있다고 받아들일 수 없다."고 선언했다.[161] 영화를 하나의 예술 형식으로 진지하게 받아들였던 사람들 사이에서 이러한 견해는 드물지 않았다. 유럽 최초의 상업적 성공을 거둔 유성 영화를 감독한 알프레드 히치콕조차 "무성 영화가 영화의 가장 순수한 형태였다"고 주장하며, 초기 유성 영화 대부분을 "말하는 사람들의 사진"에 불과하다고 평가절하했다.[162] 독일의 유명 연극 연출가이자 영화 감독인 맥스 라인하르트는 유성 영화가 "스크린에 연극을 가져옴으로써… 이 독립적인 예술을 극장의 부속물로 만들고, 실제로는 예술 자체가 아닌 극장의 대체물로 만들어… 그림의 복제와 같다"고 비판했다.[163]

헬멧을 쓴 남성의 옆모습이 우측에서 좌측을 향하고 있는 양식화된 그림이 특징인 흑백 영화 포스터. 그의 뒤, 그리고 점차 좌측으로는 거의 동일한 헬멧 끝, 코, 입술, 턱을 가진 세 개의 추가적인 옆모습의 앞부분이 있다. 아래 제목 뒤에는


당시와 그 이후의 많은 영화 역사가들과 애호가들은 무성 영화가 1920년대 후반에 미학적 정점에 도달했으며, 초기 유성 영화 중에는 무성 영화 시대의 최고 걸작들에 필적할 만한 작품이 거의 없었다고 평가한다.[164] 예를 들어, 1995년 『타임 아웃]』지가 영화 100주년을 기념하여 선정한 역대 최고 영화 100편 목록에는 무성 영화가 11편이나 포함되었다. 미국뿐 아니라 서구 전체에서 유성 영화 제작이 무성 영화를 압도하기 시작한 해는 1929년이었지만, 1929년부터 1933년 사이에 제작된 영화 중 이 목록에 포함된 작품은 모두 대사가 없는 영화(1929년 『

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