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일본 영화

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목차

1. 개요

일본 영화는 1896년 일본에서 처음 상영된 키네토스코프를 시작으로, 일본 문화의 영향을 받아 독자적인 발전을 이루며 대중 오락으로 자리 잡았다. 1898년 아사노 시로의 단편 영화를 시작으로, 일본인 감독, 배우, 촬영진, 일본어 사용 등을 기준으로 일본 영화를 정의한다. 시대극, 사무라이 영화, J-호러, 괴수 영화, 애니메이션 등 다양한 장르를 포괄하며, 해외 로케이션 촬영, 일본 외 자본, 재일 한국·조선인 감독 등의 영화도 일본 영화로 인식된다.

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일본 영화
영화 시장 정보
이름일본 영화
일본 영화 촬영용 클랩보드
일본 영화
스크린 수 (2023년)3,653개
인구당 스크린 수 (2017년)10만 명당 2.8개
주요 배급사도호 컴퍼니 (33.7%)
도에이 컴퍼니 (10.5%)
제작 연도2021년
총 제작 영화 수 (2021년)490편
총 관객 수 (2021년)114,818,000명
총 흥행 수입 (2021년)1,618억 9,300만 엔 (12억 7,000만 달러)
자국 영화 흥행 수입 (2021년)1,283억 3,900만 엔 (79.3%)
관련 정보
일본 영화일본 영화
니혼 에이가 (로마자 표기)Nihon eiga
호가 (로마자 표기)Hōga
추가 정보국내 영화

2. 역사

2. 1. 초기 무성영화 시대 (1896년 ~ 1920년대 후반)

시네마토그래프


『충신구라』(오노에 마츠노스케)


1896년 11월, 토머스 에디슨이 처음 상업적으로 선보인 키네토스코프가 고베의 신코 클럽에서 다카하시 신지에 의해 일본에서 처음 상영되었다.[13] 뤼미에르 형제의 시네마토그래프는 1897년 1월 이나바타 가쓰타로에 의해 교토 전등 주식회사 본사(현재의 전・릿세이 초등학교 부지)에서 처음 스크린 상영되었고,[14] 2월에는 오사카에서 처음으로 유료 상영이 이루어졌다. 겐토(우츠시)나 환등기와 같은 영화 전 장치에 대한 풍부한 전통 때문에 일본인에게 영화는 완전히 새로운 경험이 아니었다.[16][17] 1897년 말 처음으로 성공한 일본 영화는 도쿄의 광경을 보여주었다.[18]

1898년에는 아사노 시로의 단편 유령 영화인 『바케 지조(化け地蔵)』 및 『시닌노 소세이(死人の蘇生)』가 제작되었고,[19] 1899년에는 최초의 다큐멘터리인 『게이샤노 테오도리(芸者の手踊り)』가 제작되었다. 같은 해 시바타 쓰네키치는 가부키 연극의 한 장면을 담은 『모미지가리』를 제작했다. 초기 영화는 가부키와 분라쿠와 같은 전통 연극의 영향을 받았다.

1903년 요시자와 상점이 아사쿠사에 일본 최초의 영화 전문관 전기관을 설치했다. 1904년 러일 전쟁 발발 후, 실사 촬영반이 중국 대륙에 파견되어 다큐멘터리 영화를 상영하여 인기를 얻었다.

1908년 마키노 쇼조는 요코타 상회에서 『혼노지 전투』를 제작하며 일본 영화의 선구적인 감독으로 평가받기 시작했다. 1909년 전 가부키 배우였던 오노에 마츠노스케는 『바둑판 충신』에 출연하여 "눈알 마츠 쨩"으로 불리며 일본 최초의 영화배우가 되었다. 그는 일본의 시대극 장르를 개척하였다.[221]

1912년 요코타 상회, 요시자와 상점, M・파테 상회, 후쿠호도 4개의 영화사가 트러스트 합동하여 닛카츠를 설립했다. 닛카츠는 도쿄 무코지마와 교토 니조 성 서쪽 망루 아래에 촬영소를 설치하고, 각각 현대극과 시대극을 제작했다.

1914년4월 3일에는 일본 최초의 컬러 영화 『요시쓰네 센본자쿠라』가 공개되었다.[82] 1910년대 영화 비평가들은 닛카츠와 텐카츠의 작품이 너무 연극적이라고 비판하며, 순수 영화 운동으로 이어졌다. 가에리야마 노리마사는 하나야기 하루미를 기용하여 『생명의 빛(1918)』을 연출하는 등 순수 영화 운동을 실천했다. 이노우에 마사오는 1917년 영화 『대위의 딸』에서 클로즈업과 컷백 등 새로운 기법을 사용했다.

1920년 쇼치쿠가 쇼치쿠 키네마 합명회사를 설립하여 영화 제작에 참여했다. 쇼치쿠는 스타 시스템을 도입하여 구리시마 스미코 등 다수의 여배우를 배출했다. 1923년 관동 대지진으로 현대극 제작이 어려워지자, 시대극 제작이 활발해졌다. 반도 츠마사부로는 『웅려혈(1925)』에서 새로운 참격 스타일을 선보이며 인기를 얻었다.

1927년 영화 실천가 연맹 "친구의 모임"이 발족하여, 영화계의 지위 향상을 도모했다.[83]

2. 2. 유성 영화의 등장과 전전의 황금 시대 (1920년대 후반 ~ 1945년)

1923년 지진, 제2차 세계 대전 중 도쿄 폭격, 가연성이 있고 불안정한 니트레이트 필름에 대한 시간과 일본의 습도의 자연적인 영향으로 인해 이 시기의 생존 영화가 매우 부족하다.Ref?

20세기 초 일본 극장에서는 스크린 옆에 앉아 무성 영화의 이야기를 들려주는 변사를 고용했다. 그들은 가부키 조루리, 고단 이야기꾼, 극장 외침꾼 및 기타 구두 스토리텔링 형태의 후예였다.[20] 변사는 서양 영화의 무성 영화와 마찬가지로 음악과 함께할 수 있었다. 1930년대 초 사운드의 출현으로 변사는 점차 쇠퇴했다.

1908년, 일본 영화의 선구적인 감독으로 여겨지는 마키노 쇼조는 요코타 쇼카이를 위해 제작된 ''혼노지 갓센'' (本能寺合戦)으로 그의 영향력 있는 경력을 시작했다. 쇼조는 전 가부키 배우 오노에 마쓰노스케를 그의 작품에 출연하도록 섭외했다. 오노에는 1909년에서 1926년 사이에 1,000편이 넘는 영화, 주로 단편 영화에 출연하여 일본 최초의 영화 스타가 되었다. 이 듀오는 ''지다이게키'' 장르를 개척했다.[21] 오카다 도키히코는 같은 시대의 인기 로맨스 주역이었다. 최초의 일본 영화 제작 스튜디오는 1909년 요시자와 쇼텐에 의해 도쿄에 건설되었다.[22] 영화에 전문적으로 출연한 최초의 일본 여성 배우는 댄서/배우 나가이 다키로, 1911년에서 1914년 사이에 미국 기반의 타누서 컴퍼니를 위해 4편의 단편 영화에 출연했다.[23]

하야카와 세슈, 1910년대와 1920년대 무성 영화 시대 할리우드에서 가장 큰 스타 중 한 명


지식인들 사이에서 일본 영화에 대한 비판이 1910년대에 커져 결국 일본 영화를 변화시킨 운동으로 발전했다. 영화 비평은 1909년에 시작된 ''가쓰도 샤신카이''와 같은 초기 영화 잡지와 1914년 곤다 야스노스케가 쓴 장편 책으로 시작했지만, 많은 초기 영화 비평가들은 종종 닛카쓰 및 텐카쓰와 같은 스튜디오가 너무 연극적이고 (예를 들어 가부키 및 신파의 요소인 온나가타를 사용) 더 영화 기법을 사용하여 이야기를 전달하지 않고 변사에 의존한다고 비난하는 데 집중했다. 나중에 순수 영화 운동으로 명명된 잡지 ''키네마 레코드''의 작가들은 그러한 영화 기법의 광범위한 사용을 요구했다. 1920년대 중반까지 여배우가 온나가타를 대체했으며 영화는 이노우에 마사오가 개척한 장치를 더 많이 사용했다.

일본 영화는 1920년대 중반에 외국 영화에 대항하여 인기를 얻었는데, 부분적으로는 영화 스타의 인기와 새로운 스타일의 지다이게키에 힘입었다. 이토 다이스케 및 마키노 마사히로와 같은 감독은 ''추지 여행 일기''와 ''로닌가이''와 같은 사무라이 영화를 만들었는데, 이 영화는 비판적으로 호평을 받고 상업적으로 성공한 빠른 컷 격투 장면을 특징으로 하는 반 영웅을 등장시켰다.[26] 반도 츠마사부로, 아라시 칸쥬로, 가타오카 치에조, 이리에 타카코 및 이치카와 우타에몬과 같은 일부 스타들은 마키노 영화 제작소에서 영감을 받아 이나가키 히로시, 이타미 만사쿠 및 야마나카 사다오와 같은 감독들이 기량을 연마한 자체 독립 제작사를 설립했다.

1920년대 말 좌익 정치 운동과 노동 조합의 부상으로, 소위 경향 영화가 좌익적 경향으로 등장했다. 감독 미조구치 겐지, 이토 다이스케, 스즈키 시게요시, 우치다 토무가 대표적인 예이다. 이러한 상업적으로 제작된 35mm 영화와는 대조적으로, 마르크스주의 일본 프롤레타리아 영화 동맹 (프로키노)은 더 급진적인 의도를 가지고 더 작은 게이지 (예: 9.5mm 및 16mm)로 독립적으로 작품을 만들었다.[28] 경향 영화는 1930년대에 심각한 검열에 시달렸고, 프로키노 회원들은 체포되었으며 운동은 사실상 붕괴되었다. 정부의 이러한 조치는 1930년대 영화에서 정치적 반대의 표현에 심오한 영향을 미쳤다.

|thumb|야마나카 사다오의 1937년 ''인간과 종이 풍선'' 영화 포스터]]

서양과 달리 일본에서는 1930년대에도 무성 영화가 계속 제작되었는데, 1938년에도 일본 영화의 3분의 1이 무성 영화였다.[30] 예를 들어, 오즈 야스지로의 ''도쿄의 여관'' (1935)은 네오리얼리즘 장르의 전조로 여겨지는 무성 영화였다. 1920년대와 1930년대에 몇 편의 일본 사운드 단편 영화가 제작되었지만, 일본 최초의 장편 토키는 ''후지와라 요시에의 고향'' (1930년)으로, ''미나 토키 시스템''을 사용했다. 이 시기의 주목할 만한 토키로는 나루세 미키오의 ''아내는 장미처럼!'' (''츠마 요 바라 노 요니'', 1935), 미국에서 극장 개봉을 한 최초의 일본 영화 중 하나, 미조구치 겐지의 ''기온의 자매들'' (''기온 노 시마이'', 1936), ''오사카 엘레지'' (1936), ''다이즈 이야기'' (1939) 및 야마나카 사다오의 ''인간과 종이 풍선'' (1937년)이 있다.

|thumb|left|1938년 중국 북부에서 일본 군인들에게 사인을 해주는 일본 여배우 미즈노에 타키코]]

1930년대에는 또한 영화에 대한 정부의 관여가 증가했으며, 이는 1939년 영화 산업에 더 많은 권한을 부여한 영화법의 통과로 상징되었다. 정부는 일부 형태의 영화를 장려하여 선전 영화를 제작하고 다큐멘터리 영화 (''분카 에이가'' 또는 "문화 영화"라고도 함)를 홍보했으며, 카메이 후미오와 같은 감독들이 중요한 다큐멘터리를 제작했다.[32] 리얼리즘이 선호되었고, 영화 이론가 이마무라 타이헤이와 스기야마 헤이이치는 다큐멘터리 또는 리얼리스트 드라마를 옹호했으며, 시미즈 히로시와 타사카 토모타카와 같은 감독은 스타일이 매우 사실적인 극 영화를 제작했다.

|thumb|150px|요시코 야마구치]]

일본이 제국을 확장하던 이 시기에 일본 정부는 영화를 일본 제국의 영광과 무적을 보여주는 선전 도구로 여겼다. 따라서 이 시기의 많은 영화들은 애국적이고 군국주의적인 주제를 묘사했다. 1942년, 야마모토 카지로의 영화 ''하와이-말레이 해상 전투''는 진주만 공격을 묘사했으며, 츠부라야 에이지가 연출한 특수 효과를 사용하여 진주만 자체의 소규모 모델을 포함했다.

요시코 야마구치는 매우 인기 있는 여배우였다. 그녀는 22편의 전쟁 영화로 국제적인 스타덤에 올랐다. 만주 영화 협회는 그녀가 일본 선전 영화에서 중국 역할을 표현할 수 있도록 중국 이름인 리샹란을 사용하도록 했다. 전쟁 후 그녀는 공식 일본 이름을 사용했고 29편의 영화에 더 출연했다. 그녀는 1970년대에 일본 국회 의원으로 선출되어 18년 동안 봉사했다.

구로사와 아키라는 1943년 ''스가타 산시로''로 장편 영화 데뷔를 했다.

thumb의 아버지 리 드 포리스트]]

영상의 소리에 음성을 더하려는 시도는 영화의 이입과 거의 동시에 이루어졌으며, 카와우라 켄이치는 1902년에 레코드의 회전과 필름의 회전을 동기화하는 토키의 실험을 진행했다. 이러한 시도가 상업적인 주목을 받게 된 것은 1927년 쇼와 키네마에 의한 미나 토키였다. 미국의 리 드 포리스트로부터 토키 기술의 권리를 구입한 미나가와 요시조에 의한 것이다.

미나 토키를 사용한 코야나기 카오루의 '여명'은 기술적인 문제로 인해 공개되지 못했고, 일본 최초의 토키 영화는 1929년의 '대위의 딸'이었다. 자본력이 있는 대기업은 이 시대에 적극적으로 무성 영화에서 토키 영화로의 전환을 꾀했으며, 1935년에는 완전히 전환을 이루었지만, 재정적으로 전환이 어려운 독립 프로는 1938년경까지 무성 영화를 계속 촬영했다. 이 결과, 소규모 스튜디오는 잇달아 대형 영화 회사에 흡수되었다.

또한, 무성 영화 시대가 종료되어도 해외 영화의 해설 역으로 존속을 꾀했던 변사도, 1931년 '모로코'에서 처음 채택된 자막 슈퍼의 등장으로 불필요한 존재가 되었다. 기득권을 지키려 했던 변사는 토키 침출을 방해하는 활동을 했지만, 시대의 흐름을 거스르는 것은 더 이상 불가능해졌고, 변사의 존재는 잊혀져 갔다.

|thumb|200px|『가토 하야부사 전투대』(1944년)]]

제2차 세계 대전(태평양 전쟁)으로 인한 국민과 국토의 피폐는 영화 산업계에도 막대한 영향을 미쳤다. 1941년 당시 일본은 미국 다음으로 연간 500편 가까운 영화를 제작하는 영화 대국이었지만, 1945년에는 불과 26편으로 감소했다.[86] 또한, 1939년에 성립된 영화법에 따라 제작과 배급이 허가제로, 감독과 배우는 등록제로 바뀌었으며, 제작되는 작품에 대해서도 각본 단계에서 검열이 들어갔다.

전시 하에서는 전쟁을 주제로 한 영화가 주로 제작되었고, 다사카 구니오는 『다섯 명의 척후병』(1938년)에서, 전장에서의 신뢰를 테마로 한 작품을 촬영하여 베네치아 국제 영화제에서 입상을 했다. 요시무라 고자부로가 제작한 『간첩은 아직 죽지 않았다』(1942년)는 전의 고양을 호소하는 영화가 계속되는 가운데, 스파이에 대한 경계를 호소한 드문 시각의 영화가 되었다.

엄격한 검열의 눈을 피해, 반전을 호소하는 작품을 제작한 감독으로는 카메이 후미오를 들 수 있다. 『지나 사변』(1937년)이나 『상하이』(1938년) 등에서는 겉으로는 전의 고양 영화라고 하면서도, 일본군의 행군을 바라보는 민중이나, 피폐해진 병사의 표정을 필름에 담는 등, 의도적인 영상을 흘렸다. 이어진 작품 『싸우는 병사』(1938년)는 이러한 묘사가 검열의 대상이 되어 상영 금지되었고, 카메이는 면허 박탈과 함께 검거되었다.

또한, 전쟁을 주제로 하지 않는 작품에 대해서도, 황당무계한 오락용 작품이 일률적으로 금지되었고, 1940년대 전반에 등장한 구로사와 아키라는 『스기타 산시로』(1943년)에서 그 두각을 나타냈다.

전황의 악화로, 1944년 2월 25일에는 결전 비상 조치 요강에 따라 대규모 영화관의 휴업이 명령되었고, 12월 7일, 映配는 생 필름 부족을 이유로 731개의 영화관(약 40%)에 배급 중지를 선고했다.[85] 또한 일본 본토 공습의 격화로, 영화 상영 중에 공습 경보가 울리면 상영은 중단되었고, 대도시의 영화관은 공습으로 잿더미가 되었다

2. 3. GHQ 점령기 (1945년 ~ 1952년)

1945년 일본의 항복 이후, 일본 영화 산업에 대한 전시 통제는 폐지되었고, 연합군 최고사령부(SCAP) 산하 민간 정보 및 교육부(CIE)가 영화 산업을 관리하게 되었다.[34] 모든 영화 제안 및 시나리오는 CIE의 승인을 받아야 했으며, 이후 민간 검열 부서(CCD)의 검열을 거쳤다.[34] 전시 이전 및 전시 영화도 검토 대상이었고, 500편 이상이 비난받았으며 그 중 절반이 불태워졌다.[34] 도호와 다이에이는 자신들이 불리하다고 생각하는 영화들을 선제적으로 파괴하기도 했다.[34]

1945년 11월, CIE는 군국주의, 복수 정당화, 민족주의, 배타적 국수주의, 역사 왜곡, 인종 및 종교 차별 옹호, 봉건적 충성심이나 생명 경시, 자살 용인, 여성 굴복, 잔혹성 및 폭력, 반민주주의, 아동 착취, 포츠담 선언 위배 등을 다룬 영화를 금지했다.[34] 이러한 제한으로 사무라이를 다룬 시대극 영화 제작이 사실상 불가능해졌다.[34] 구로사와 아키라와 타니구치 센키치가 각본을 쓴 전쟁 영화 ''새벽의 탈출''은 CIE의 요청으로 10여 차례나 다시 쓰여져 원형을 알아볼 수 없을 정도였다.[37]

반면, CIE는 농지 개혁, 노동 조합 조직 등 점령 정책을 반영하고 일본의 평화로운 재개발과 인권을 증진하는 영화 제작을 선호했다. 구로사와 아키라의 ''우리 청춘에 후회는 없다''(1946), 요시무라 코자부로의 ''안조가의 무도회''(1947), 이마이 타다시의 ''아오이 산맥''(1949) 등이 주목할 만한 영화였다. 하라 세츠코는 새로운 시대를 상징하는 스타로 전국적인 인기를 얻었다. 사사키 야스시의 ''스무 살의 청춘''(1946)에서는 일본 영화 최초의 키스신이 촬영되었다.[35] 마이니치 영화 콩쿠르도 1946년에 창설되었다.[35] 전쟁 후 최초로 개봉된 영화는 사사키 야스시 감독의 ''소요카제''였으며, 주제가 ''사과의 노래''가 큰 인기를 끌었다.[36]

구로사와 아키라와 배우 미후네 도시로의 첫 번째 협업은 1948년의 ''취한 천사''와 1949년의 ''들개''였다. 오즈 야스지로는 1949년 비평적, 상업적으로 성공한 ''만춘''을 연출했다.

점령 후반기에는 역코스가 시행되었다. 레드 퍼지로 인해 주요 스튜디오에서 쫓겨난 좌익 영화 제작자들은 도호 파업의 탄압 이후 쫓겨난 사람들과 합류하여 새로운 독립 영화 운동을 결성했다. 가메이 후미오, 이마이 타다시 및 야마모토 사츠오와 같은 감독은 일본 공산당의 당원이었다. 독립 사회적 사실주의 드라마는 점령 종료 후 제작된 감상적인 전쟁 드라마의 물결 속에서 작고 일시적인 붐을 보았다.[37]

1945년 11월 16일, GHQ는 "비민주주의적 영화 배제 방침에 관한 각서"를 교부하고, 11월 19일에는 초국가주의적·군국주의적·봉건주의적 사상의 영화 236편의 상영 금지·소각 지령을 발표했다.[89][90] 1946년 1월 28일에는 "영화 검열에 관한 각서"를 내고 민간 검열과에 의한 검열을 시작했으며, 8월 13일에는 쇼와 천황의 전쟁 책임을 그린 카메이 후미오의 기록 영화 『일본의 비극』 상영 금지를 통고했다.[89][91]

동보에서 1946년 2월 전 동보 종업원 조합이 결성되자 '제1차 동보 쟁의'가 발생하여 회사에 처우 개선을 요구했고, 조합의 요구가 관철되었다. 이후 일본 영화 연극 노동 조합이 설립되었다.[92] 1946년 10월 '제2차 동보 쟁의'에서는 일본 공산당의 지도하에 있었기 때문에 회사 측의 태도가 경직되어 협상이 길어졌지만, 조합 측의 승리로 끝났다. 하지만 오코치 덴지로를 중심으로 하는 동보의 톱스타 10명이 '10인의 깃발의 회'를 결성하여 이탈하면서, 신회사 '신동보'가 탄생하는 계기가 되었다. 1948년 4월 '제3차 동보 쟁의'는 미군까지 출동하는 대규모 대립으로 발전했지만, 최종적으로 조합 간부의 자발적 퇴사와 맞바꿔 270명에 대한 해고를 철회한다는 조건으로 막을 내렸다.

2. 4. 주권 회복과 제2의 황금 시대 (1950년대 ~ 1960년대)

1951년 샌프란시스코 강화 조약 체결로 일본은 주권을 회복했고, 이듬해 GHQ에 의한 영화 검열이 폐지되었다.[93] 이로 인해 상영 금지되었던 시대극이 부활하고 다수의 영화가 제작되었다. 구로사와 아키라, 미조구치 겐지 등 일본 영화 작품들이 국제 영화제에서 잇따라 수상하며 일본의 문화적 긍지 회복에 기여했다.[93] 1958년에는 영화 관람객이 11억 명을 돌파하는 등 영화는 오락의 중심으로서 확고한 위치를 차지했고, 영화 산업의 제2의 황금기가 도래했다.[93]

오즈 야스지로


1950년대는 일본 영화의 황금 시대로 널리 알려져 있다.[38] 이 시기 제작된 ''라쇼몽'', ''7인의 사무라이'', ''동경 이야기''는 2002년 사이트 앤 사운드의 역대 최고 영화 투표에서 10위 안에 선정되었다.[39] 2012년 투표에서도 ''동경 이야기''(1953)는 2012년 감독 투표에서 1위를 차지했다.[41]

SCAP에 의해 제한되었던 주제를 다룬 전쟁 영화들이 제작되기 시작했는데, 세키가와 히데오의 ''바다의 목소리를 들어라''(1950), 이마이 타다시의 ''히메유리의 탑''(1953), 기노시타 게이스케의 ''24개의 눈동자''(1954), 이치카와 곤의 ''버마의 하프''(1956) 등이 대표적이다. 전쟁의 비극적이고 감상적인 회고를 보여주는 작품들이 대중적 현상이 되었다. ''전함 야마토'' (1953), ''태평양의 독수리'' (1953) 등의 영화도 제작되었다. 아라시 간주로가 메이지 천황을 연기한 ''메이지 천황과 노일 대전''(1957)은 전쟁 전에는 상상할 수 없었던 천황의 상품화를 보여주었다.

미국 점령 이후 도호, 다이에이, 쇼치쿠, 닛카쓰, 도에이 영화사의 영화 제작과 인기가 증가하면서 영화 배급의 다양성이 증가했다. 고바야시 마사키, 구로사와 아키라, 혼다 이시로, 츠부라야 에이지, 미조구치 겐지, 오즈 야스지로 등 6명의 위대한 예술가가 등장했다.

구로사와 아키라의 ''라쇼몽''(1950)은 베네치아 영화제에서 황금사자상을 수상하고, 아카데미 외국어 영화상을 수상하며 일본 영화를 세계 무대에 알리는 계기가 되었다.[42] 미후네 도시로의 획기적인 역할이기도 했다.[42] 1953년 고쇼 헤이노스케의 ''굴뚝이 보이는 곳''이 제3회 베를린 국제 영화제 경쟁 부문에 진출했다.

최초의 일본 컬러 영화는 기노시타 게이스케 감독의 ''카르멘은 고향으로''(1951)였다. 키누가사 데이노스케의 1953년 영화 ''지옥문''은 이스터만컬러 필름을 사용하여 촬영된 최초의 영화로, 칸 영화제에서 황금종려상을 수상했다.

감독 혼다 이시로 (왼쪽)와 특수 효과 감독 츠부라야 에이지 (중앙)가 ''고질라''(1954) 촬영 현장에 있다.


1954년 구로사와 아키라의 ''7인의 사무라이''와 혼다 이시로 감독의 ''고질라''가 개봉되었다. ''고질라''는 괴수 영화 하위 장르를 낳았고, 역사상 가장 오래 지속되는 영화 프랜차이즈가 되었다.[47] 1954년에는 구로사와 아키라의 ''살다''가 제4회 베를린 국제 영화제 경쟁 부문에 진출했다.

thumb (1954년 (쇼와 29년))]]

1955년 이나가키 히로시는 ''사무라이'' 3부작 중 제1부로 아카데미 외국어 영화상 명예상을 수상했고, 1958년에는 ''추억의 만마차''로 베네치아 영화제에서 황금사자상을 수상했다. 이치카와 곤은 ''버마의 하프''(1956), ''들불''(1959), ''염상''(1958)을 감독했다. 고바야시 마사키는 ''인간의 조건 3부작''을 만들었다.

1956년에 사망한 미조구치 겐지는 ''오하루의 일생''(1952), ''우게츠 이야기''(1953), ''산쇼 대부''(1954) 등 걸작을 남겼다. ''우게츠 이야기''로 베네치아 영화제에서 은사자상을 수상했다. 나루세 미키오는 ''고독한 식탁''(1950), ''만추''(1954), ''산의 소리''(1954), ''떠 다니는 구름''(1955)을 만들었다. 오즈 야스지로는 ''피안화''(1958)를 시작으로 컬러 영화를 연출했으며, ''오하, 잘자요''(1959)와 떠 다니는 잡초 (1958)를 연출했다.

블루 리본 상은 1950년에 제정되었다. 최우수 영화상 첫 번째 수상자는 이마이 타다시의 ''다시 만날 때까지''였다.

미후네 도시로는 구로사와 영화의 중심이었다.


영화 제작 편수와 영화 관객 수는 1960년대에 정점을 찍었다.[48] 대부분의 영화는 두 편이 함께 상영되었으며, 한 편은 "프로그램 영화" 또는 B급 영화였다.

1960년대에 일본 영화는 많은 걸작을 낳았다. 구로사와 아키라는 1961년 ''요짐보''를 연출했다. 오즈 야스지로는 1962년에 마지막 영화 ''늦은 가을''을 만들었다. 나루세 미키오는 1960년 ''여자가 계단을 오를 때''를 연출했고, 1967년 ''흩어진 구름''을 만들었다.

이치카와 곤은 1964년 올림픽을 다룬 다큐멘터리 ''도쿄 올림픽''(1965)을 만들었다. 스즈키 세이준은 ''살인의 낙인''(1967) 이후 닛카쓰에서 해고되었다.

1960년대는 일본 누벨바그 운동의 절정기였다. 오시마 나기사, 신도 가네토, 시노다 마사히로, 하니 스스무, 이마무라 쇼헤이가 주요 영화 제작자로 등장했다. 다큐멘터리는 누벨바그에서 중요한 역할을 했는데, 오가와 신스케와 쓰치모토 노리아키가 가장 중요한 다큐멘터리 제작자가 되었다.[49]

데시가하라 히로시의 ''모래의 여자''(1964)는 칸 영화제에서 심사위원 특별상을 수상했다. 고바야시 마사키의 ''괴담''(1965) 역시 칸에서 심사위원 특별상을 수상했다. 이마이 타다시의 ''무사도 사무라이 사가''는 제13회 베를린 국제 영화제에서 황금곰상을 수상했다.

2. 5. 1970년대 ~ 1980년대

구로사와 아키라는 1980년 칸 영화제에서 황금종려상을 수상한 《카게무샤》 (1980)와 《란》 (1985)을 발표했다.[113] 스즈키 세이준은 1980년에 발표한 《지고이네르바이젠》로 다시 활동을 시작했다.[115] 이마무라 쇼헤이는 《나라야마 부시코》 (1983)로 칸 영화제 황금종려상을 수상했다.[113] 요시다 요시시게는 《계엄령》 (1973) 이후 13년 만의 영화인 《인간의 약속》 (1986)을 만들었다.[113]

1960년에 일본 영화사상 최고 제작 편수인 547편을 제작하며 정점을 찍었다. 그 대부분은 6대 메이저 영화사(쇼치쿠, 도호, 다이에이, 닛카츠, 도에이, 신토호)의 프로그램 픽처였다. 관객 동원 수는 1958년의 11억 명을 최고점으로 급격히 하락하여 1963년에는 절반 이하인 5억 명 정도가 되었다.[93]

이 배경에는 1953년부터 등장한 텔레비전의 급속한 보급이 있었다. 텔레비전은 1959년 황태자 결혼을 계기로 일반에게 널리 보급되었고, 1964년 도쿄 올림픽으로 그 기세가 가속화되었다. 1961년에는 신토호가 제작을 중단했고, 닛카츠는 1969년에 촬영소를 매각, 1971년에 제작을 중단했다.

영화 잡지도 잇따라 폐간되었고, 연예 잡지에서 다루는 영화 기사도 해마다 줄어들었다. 1960년대 후반부터 그룹 사운즈와 3대 아이돌 기사 등으로 가수의 기사가 늘어나 1970년대에 들어서면서 가수 계통의 10대 여성·남성 아이돌로 지면이 석권되었고, 영화는 신작 영화 소개 기사 등 몇 페이지밖에 남지 않게 되었다.

도에이는 1960년대부터 1970년대 초 츠루타 코지, 타카쿠라 켄, 후지 준코 등을 내세워 인협 영화 붐을 일으켰다. 이후 『도박사』, 『일본 협객전』, 『아바시리 번외지』, 『쇼와 잔협전』, 『비단 붓꽃 도박사와 같은 인협 시리즈는 인기를 끌어 1972년경까지 제작되었다. 한편 1969년에는 올스타 캐스트의 『일본 암살 비록』（주연：치바 신이치・감독：나카지마 사다오）을 개봉하여, 도쿄대 투쟁・안보 투쟁 등 소란스러웠던 당시의 세상을 반영하고 있다。

도호는 사장 시리즈에 이어, 후루사와 겐고에 의한 우에키 히토시 주연의 무책임 시리즈, 일본 제일의 남자 시리즈 등을 시작하여, 유쾌한 뮤지컬 코미디로 인기를 끌었다. 또한, 가야마 유조 주연의 젊은 대장 시리즈에서는 쇼치쿠가 특기인 스포츠맨 대학생물의 주도권을 빼앗는 히트를 보였다.

구로사와 아키라는 계속해서 구로사와 프로덕션과의 도호 공동 제작으로, 『요짐보』(1961년), 『쓰바키 산주로』(1962년), 『천국과 지옥』(1963년), 『붉은 수염』(1965년) 등의 작품을 발표했다. 1969년 미국 20세기 폭스사의 전쟁 영화 『도라! 도라! 도라!』의 각본과 감독을 의뢰받은 구로사와는, 최종 편집권이 감독에게 없는 할리우드의 시스템에 반발, 촬영이 순조롭게 진행되지 않아, 심한 심로 끝에 해임되어 자살 미수 사건을 일으켰다.

쇼치쿠는 쇼치쿠 누벨바그라고 불린 조감독들이 잇달아 데뷔하여 오시마 나기사 감독의 『청춘 잔혹 이야기』(1960년), 『일본의 밤과 안개』(1960년) 등 참신한 작품군을 발표했지만, 미일 안보 개정 문제를 다룬 오시마 나기사 감독의 『일본의 밤과 안개』가 개봉 4일 만에 쇼치쿠에 의해 상영이 중단되었다. 쇼치쿠를 떠난 오시마 나기사는 독립 프로덕션 창조사를 설립하는 등 쇼치쿠 누벨바그의 감독들은 이후 쇼치쿠를 떠났다. 야마다 요지 감독은 1969년부터 "남자는 괴로워 시리즈"를 시작했다.

닛카츠는 무국적 영화라고 불린 일본식 서부극이 큰 인기를 끌었지만, 본격적인 텔레비전 시대의 도래와 일본 영화 산업 전체의 쇠퇴로 인해 1960년대 중반부터 실적이 급격히 악화되었다. 이마무라 쇼헤이가 『돼지와 군함』（1961년）, 『일본 곤충기』（1963년）, 『붉은 살의』（1964년）를, 스즈키 세이준이 『도쿄 유랑자』, 『싸움 노래』（1966년） 등을 제작했지만, 『살인의 낙인』（1967년）에 불만을 품은 사장에게 해고당했다.

다이에이는 가츠 신타로・타미야 지로가 두각을 나타냈지만, 하세가와 카즈오・카노 준코의 은퇴(1963년) 등으로 관객 수 감소가 심각해졌고, 나가타 마사카즈 사장의 독단적인 방만 경영으로 인해 실적이 악화되었다. 가메라 시리즈(1965년 - 1971년), 대마신 시리즈(모두 1966년, 3편) 『요괴 대전쟁』(1968년) 등의 어린이 대상 특수 촬영 영화도 발표했으며, 그중 가메라 시리즈는 도호의 고질라 시리즈와 어깨를 나란히 하는 괴수 영화의 투톱 간판으로 발전할 정도로 인기 시리즈가 되었다.

1950년대부터 1960년대에 걸쳐서는 영화를 10편 만들면 6편은 흑자였지만, 1970년대 후반은 히트작이 10편 중 2편 정도가 되었다. 지나친 쇠퇴에 영화 업계에서 국가로부터 보조를 요구하는 목소리가 활발하게 나왔지만, 일본 영화 제작자 연맹의 회장에 취임한 오카다 시게루는 "돈도 내면 입도 낸다는 식으로, 결국 저쪽의 뜻대로라면 스스로 목을 조르는 것과 같다."라며 국가로부터의 지원을 단호히 반대했다.

1960년대 말부터 1970년대에 걸쳐 오가와 신스케는 사토즈카 투쟁, 츠치모토 노리아키는 미나마타병 문제를 고발하는 영화를 계속해서 제작했다.

도에이는 협객물이 빛이 바랜 영화로 평가받게 되었다. 이토 슌야 감독의 『여죄수 전갈 시리즈』 공개 후, 1973년에는 실록 노선의 후카사쿠 킨지 감독의 『의리 없는 전쟁』 시리즈나, 격투 영화인 『보디가드 아귀』 시리즈 등이 대히트를 기록하면서, 이후 잇달아 시리즈화되었고, 실록・격투 노선은 경영을 지탱하는 두 개의 기둥이 되었다. 특히 지바 신이치의 격투 영화는 구미・동남아시아에서도 대히트를 기록했다. 1975년에는 일본 국내에서는 최초의 패닉 영화인 『신칸센 대폭파』를 공개했지만, 일본에서는 흥행에 실패했지만, 해외에서는 높은 평가를 받으며 대히트를 기록했다. 같은 해에는 쇼치쿠의 『남자는 괴로워』 시리즈에 대항하여 『트럭 야로』가, 『신칸센 대폭파』보다 일본에서의 흥행 수입을 넘어서면서 시리즈화되었고, 스가와라 분타는 야쿠자 영화에서 벗어나는 계기가 되었다.

도호는 1970년 골든 위크 흥행에서 미후네 토시로, 나카무라 킨노스케, 카츠 신타로, 이시하라 유지로 등 4대 스타가 공동 출연하는 『매복』을 공개했지만 흥행에 실패했다. 그럼에도 불구하고 대작 노선을 포기하지 않고, 구로사와 아키라의 『도데스카덴』등 유명 감독의 대작도 제작·공개했지만, 한 편도 히트를 기록하지 못했다. 1973년에 『일본 침몰』이 일본 영화 사상 최초로 배급 수입 20억 엔을 넘는 기록을 세웠다. 이 성공을 계기로 토호는 1974년 『화려한 일족』, 1975년 『청춘의 문』, 『금환식』과 같은 베스트셀러 소설 원작의 대작 영화 노선이 이어지게 되었다.

쇼치쿠는 1969년부터 시작된 야마다 요지의 『남자는 괴로워』를 시리즈화하여 국민적인 인기를 얻었고, 이 시리즈는 30년 가까이 지속되어 48편의 영화가 제작되었으며, 1983년, "세계 최장의 영화 시리즈"로 기네스 세계 기록에 등록되었다.

경영난에 빠진 닛카츠는 다이에이와 배급망을 통합하여 다이니치에이하(ダイニチ映配)를 설립했지만, 경영 악화는 멈추지 않았다. 1971년에는 닛카츠 로망 포르노로서 로망 포르노 노선을 단행했다. 닛카츠 로망 포르노는 1988년까지 주 2편이라는 페이스로 제작되었으며, 진다이 타츠미, 다나카 노보루 등 다수의 인재를 배출했다.

다이에이는 1971년 도산했고, 이후 1974년에 도쿠마 쇼텐에 인수되었다. 인수한 후 다이에이 주식회사에서 다이에이 영화 주식회사로 사명이 변경되어 도쿠마 쇼텐 산하의 영화 제작 자회사가 되었다.

기존의 대형 영화사가 고전하는 가운데, 1976년 카도카와 쇼텐의 카도카와 하루키가 영화 제작에 진출하여, 1976년의 『개구신 일족』을 시작으로, 풍부한 예산으로 제작하고, 출판 및 텔레비전 드라마 등과의 복합적인 효과를 노린 미디어 믹스에 의한 전략적인 선전을 펼쳤다. 『인간의 증명』, 『야성의 증명』 등, 대작들을 연달아 크게 히트시켜 외화와 텔레비전에 밀려 침체되어 있던 일본 영화계를 부활시켰다.

1980년대가 되자, 기존의 스튜디오 시스템은 붕괴되었고, 대형 영화사가 대작 영화를 전국 전용 극장에서 동시 개봉하는 방식이 성립되지 않게 되었다. 촬영소 시스템의 붕괴는 조감독에서 감독으로 승격하는 흐름을 거의 소멸시켰지만, 그와 동시에 1980년대는 독립 영화를 중심으로 많은 젊은 영화 감독들이 데뷔한 시기이기도 했다. 1977년에 시작된 독립 영화 제작전은 1981년에는 피아 필름 페스티벌로 명칭을 변경했고, 독립 영화의 경쟁 부문인 PFF 어워드의 입상자들은 모리타 요시미츠, 이시이 소고 등 다수의 프로 영화 감독들을 배출했으며, 현재까지 젊은 영화 감독들의 등용문이 되고 있다.

방송국의 본격적인 영화 제작 참여는 1983년 『남극 이야기』로 다시 영화에 참여했다. 후지산케이 그룹을 전면에 내세우고, 같은 계열 자본이 일체가 되어 선전하는 것은 영화계에서 처음 있는 일이었다.

1980년 『부활의 날』이 만족스러운 흥행 성적을 거두지 못하면서 카도카와 영화는 대작 영화 노선에서 철수했다. 야쿠시마루 히로코 주연의 『세일러복과 기관총』(1981)이나 하라다 토모요 주연의 『시간을 달리는 소녀』(1983)와 같은 저예산의 아이돌 영화로 노선을 변경해 갔다.

도호는 카도카와와 마찬가지로 아이돌 영화를 흥행의 중심으로 삼아, 쟈니스, 호리프로과 같은 대형 연예 기획사와 손잡고, 타노킨 트리오 출연 영화는 1981년부터 1983년까지 3년간 8편이나 작품이 공개되었다. 또한, 배급 작품으로는 1980년에 애니메이션 영화 『도라에몽의 첫 작품이 공개되었다.

도에이는 1980년에 대작 역사 영화 『203고지』를 히트시킨 외에, 『키류인 하나코의 생애』(1982)의 히트를 계기로 여성 문예 대작 노선을 시작했고, 그 흐름은 『극도의 아내들』 시리즈로 발전해 갔다.

쇼치쿠는 1980년대에 들어서도 『남자는 괴로워』 시리즈에 의존하는 상태가 이어졌지만, 배급을 담당한 애니메이션 영화 『기동전사 건담』 극장판 3부작(1981-1982년)과 『남극 이야기』, 『아기고양이 이야기』와 같은 후지 TV 제작의 동물 영화의 히트에 편승한 『하치 이야기』(1987년)가 대히트를 기록했다. 1988년에는 『낚시 바보 일지』 제1편이 공개되어, 『남자는 괴로워』에 이은 간판 영화로 2009년까지 제작되었다.

닛카쓰는 1978년에 사명을 "닛카쓰"로, 1988년에 "롯포니카"로 변경하며 로망 포르노 노선에서 탈피하려 했지만, 성공하지 못했다.

다이에이는 도쿠마 야스요시 사장의 중국 취향에 따라, 『미완의 대국』, 『둔황』과 같은 중일 합작 대작을 제작했지만, 막대한 제작비는 회사의 적자를 늘리는 요인이 되었다.

도쿠마 야스요시는 다이에이에서의 영화 제작뿐만 아니라, 1984년에 『바람 계곡의 나우시카』를 영화화하여, 1985년에는 애니메이션 제작 회사 주식회사 스튜디오 지브리를 설립, 초대 사장에 취임했다.

2. 6. 1990년대 ~ 현재

경제 불황으로 1960년대 이후 일본의 영화관 수는 지속적으로 감소했지만, 1990년대부터 복합 상영관이 도입되면서 이러한 경향이 반전되기 시작했다.[52] 1990년대에는 멀티플렉스의 도입과 함께 미니 극장의 인기도 이어졌다.[51][53]

구로사와 아키라는 1980년 칸 영화제에서 황금종려상을 수상한 《카게무샤》(1980)와 《란》(1985)을 발표했다.[114] 스즈키 세이준은 1980년에 발표한 《지고이네르바이젠》으로 다시 활동을 시작했다.[115] 이마무라 쇼헤이는 《나라야마 부시코》(1983)로 칸 영화제 황금종려상을 수상했다.[127] 요시다 요시시게는 《계엄령》(1973) 이후 13년 만의 영화인 《인간의 약속》(1986)을 만들었다.

기타노 다케시


기타노 다케시는 《소나티네》(1993), 《키즈 리턴》(1996), 베니스 국제 영화제 황금사자상 수상작 《하나비》(1997)를 발표하며 중요한 영화 제작자로서 두각을 나타냈다.[120] 이마무라 쇼헤이는 《우나기》(1997)로 다시 한번 황금종려상을 수상하며(이란의 감독 아바스 키아로스타미와 공동 수상) 황금종려상을 2회 이상 수상한 다섯 번째 감독이 됐다.[121]

구로사와 기요시는 《큐어》(1997)를 발표하며 국제적인 명성을 얻었다. 미이케 다카시는 《오디션》(1999)과 《데드 오어 얼라이브: 범죄자》(1999), 《중국의 조인》(1998) 등을 발표하며 다작 활동을 시작했다. 다큐멘터리 감독으로 활동 하던 고레에다 히로카즈도 데뷔작 《환상의 빛》(1995)과 《원더풀 라이프》(1998)로 주목받기 시작했다.

미야자키 하야오는 《붉은 돼지》(1992)와 《모노노케 히메》(1997) 두 작품을 감독했는데 두 작품 모두 흥행에 큰 성공을 거뒀으며 비평적으로도 좋은 평가를 받았다. 특히 《모노노케 히메》는 《E.T.》(1982)를 제치고, 《타이타닉》(1997) 개봉 전까지 당시 일본 영화 흥행 순위 1위를 기록했다.

오시이 마모루는 국제적으로 호평을 받은 철학적인 공상 과학 영화 《공각기동대》를 1996년에 발표했다. 곤 사토시는 심리 스릴러 《퍼펙트 블루》를 감독했으며, 안노 히데아키 또한 1997년에 발표한 《신세기 에반게리온 극장판》을 통해 널리 인정을 받았다.

일본에서 개봉되는 영화 수는 꾸준히 증가하여 2006년에는 약 821편의 영화가 개봉됐다. 이 시기에는 특히 일본의 텔레비전 드라마를 기반으로 한 영화가 인기를 얻었으며 애니메이션 영화는 일본 영화 시장의 60%를 차지했다. 애니메이션 영화가 일본 국내외에서 대단한 인기를 얻으며 1990년대와 2000년대를 '일본 영화의 제2 황금기'라고도 표현하기도 한다.[225]

기타노 다케시는 《배틀 로얄》에 출연했으며 《돌스》와 《자토이치》를 감독했다. 후카사쿠 긴지 감독의 유작인 《배틀 로얄》은 R15 등급 영화임에도 불구하고 흥행에 성공했고, 해외에서도 높이 평가받았다.[126] 공포 영화 《회로》와 《검은 물 밑에서》, 《예언》, 《주온 시리즈》, 《착신아리》 등이 흥행에 성공했으며 2004년에는 고질라 탄생 50주년을 기념해 기타무라 류헤이 감독의 《고질라: 파이널워즈》가 개봉됐다. 2005년에는 스즈키 세이준 감독이 자신의 56번째 영화 《오페레타 너구리 저택》을 제작했다. 고레에다 히로카즈는 자신의 영화 《디스턴스》와 《아무도 모른다》로 세계의 영화제에 진출했으며, 《남자는 괴로워》 시리즈의 야마다 요지 감독은 2002년 《황혼의 사무라이》를 시작으로 2004년 《숨겨진 검: 오니노츠메》, 2006년 《무사의 체통》에 이르는 사무라이 삼부작을 완성했다. 2004년에는 《아무도 모른다》에 출연한 야기라 유야가 칸 영화제에서 역대 최연소 및 일본인 최초로 칸 영화제 남우주연상을 수상했다.

미야자키 하야오


애니메이션 분야에선 미야자키 하야오가 감독한 2001년 작 《센과 치히로의 행방불명》이 일본 영화 흥행 신기록을 세우며 각종 상을 수상했으며, 2004년 《하울의 움직이는 성》과 2008년 《벼랑위의 포뇨》가 뒤를 이어 개봉됐다. 2001년에는 《센과 치히로의 행방불명》이 아카데미 장편 애니메이션 영화상을 수상했다. 2004년에는 오시이 마모루가 공개한 《이노센스》가 전 세계적으로 호평을 얻었으며, 오시이의 2008년 영화 《스카이 크롤러》도 이와 비슷한 호평을 받았다. 곤 사토시는 《천년여우》와 《크리스마스에 기적을 만날 확률》, 《파프리카》를 발표했다. 오토모 가쓰히로는 1995년에 발표한 《메모리즈》의 단편 이후 첫 애니메이션 작품인 《스팀보이》를 2004년에 발표했다. STUDIO 4℃는 미국인 감독 마이클 아리아스와 협업을 통해 2008년 《철큰 곤크리트》를 공개해 국제적인 호평을 받았다.

세 편의 영화가 3대 영화제 경쟁 부문에 진출했는데 와카마츠 코지의 《캐터필러》가 제60회 베를린 국제 영화제 황금곰상 경쟁 부문에 진출해 은곰상 여자 배우상을 수상했으며 기타노 다케시의 《아웃레이지》가 2010년 칸 영화제 황금종려상 경쟁 부문, 소노 시온의 《두더지》가 제68회 베네치아 국제 영화제 황금사자상 경쟁 부문에 진출했다.

2008년에는 《굿' 바이: Good & Bye》가 아카데미 외국어 영화상을 수상했다.

2010년대 이후, 일본 영화는 국제 영화제에서 여러 상을 수상하며 주목받고 있다. 2018년, 고레에다 히로카즈는 영화 《어느 가족》으로 칸 영화제에서 황금종려상을 수상했다. 2020년에는 구로사와 기요시 감독의 《스파이의 아내》가 베네치아 국제 영화제에서 은사자상을 수상했다.[166][167][168] 2021년에는 하마구치 류스케 감독의 《드라이브 마이 카》가 아카데미 국제장편영화상을 수상하고, 골든 글로브 외국어 영화상을 수상했다. 또한, 같은 해 하마구치 류스케 감독의 《우연과 상상》은 베를린 국제 영화제에서 은곰상(심사위원 대상)을 수상했다.[169]

|thumb|right|200px|하마구치 류스케]]

2023년에는 칸 영화제에서 고레에다 히로카즈 감독, 사카모토 유지 각본의 《괴물》이 각본상과 퀴어 야자상을 수상했고, 빔 벤더스 감독의 《퍼펙트 데이즈》에 출연한 야쿠쇼 코지가 남우주연상을 수상했다. 베네치아 국제 영화제에서는 하마구치 류스케 감독의 《악은 존재하지 않는다》가 은사자상(심사위원 대상)을 수상했다. 아카데미상에서는 미야자키 하야오 감독의 《그대들은 어떻게 살 것인가》가 장편 애니메이션상을, 야마자키 타카시 감독의 《고질라 마이너스 원》이 시각 효과상을 수상했다.

2019년 코로나바이러스 감염증 유행의 영화에 미치는 영향

2020년, 코로나19 팬데믹으로 인해 전 세계 영화 산업이 큰 타격을 입었다. 일본 역시 예외는 아니었으며, 영화관 영업 중단과 영화 제작 중단 등으로 인해 흥행 수입이 급감했다. 그러나 일본 영화 산업은 다른 나라보다 빠르게 회복세를 보였으며, 특히 애니메이션 영화가 큰 성공을 거두었다. 2020년 《극장판 귀멸의 칼날: 무한열차편》은 일본 역대 흥행 수입 1위를 기록했으며, 2020년 연간 흥행 수입 세계 1위를 차지했다. 2021년 이후에도 여러 애니메이션 영화들이 흥행에 성공하며 일본 영화 산업 회복을 이끌었다.

3. 장르

일본 영화는 다양한 장르로 구분된다.


  • 시대극: 에도 시대(1603년 ~ 1868년) 또는 그 이전을 무대로 한 영화이다.
  • * 사무라이 영화: 시대극의 한 종류로 참바라(칼소리를 나타내는 의성어)라고도 불린다.
  • J-호러: 《링》 같은 공포 영화이다.
  • 괴수 영화: 《고질라》 같은 괴수 영화이다.
  • 핑크 영화: 노골적이지 않은 포르노 영화이다.
  • 야쿠자 영화: 폭력배인 야쿠자에 관한 영화이다.
  • 현대극: 시대극의 반대말로 현재를 무대로 한 영화이다.
  • 서민극: 서민들의 삶에 대한 영화이다.
  • 일본 애니메이션: 애니메이션 영화를 말한다.
  • * 메카 : 메카 로봇을 특징으로 하는 영화를 말한다.
  • 일본 SF 영화: SF 영화를 말한다.
  • * 일본 사이버펑크 : 사이버펑크 영화를 말한다.
  • * 특촬 : 특수 효과를 많이 사용하는 영화를 말하며, 일반적으로 의상을 입은 슈퍼히어로가 등장한다.
  • 닌자 영화: 닌자를 특징으로 하는 영화이다.
  • '''경향 영화''': 사회 의식이 있는 좌익 영화이다.

4. 영화 목록

4. 1. 연도별


  • 2012년 일본의 영화 목록
  • 2013년 일본의 영화 목록

5. 같이 보기

6. 개요 보충 설명

토머스 에디슨이 1891년에 발명한 키네토스코프가 세계적인 영화의 기원이 되었지만, 이를 사용하여 일본에서 처음 상영된 것은 1896년 11월이었다.[79] 일본인에 의한 영화 촬영은 1898년 아사노 시로의 단편 영화 『바케지조』, 『시인의 소생』으로 시작된다.[79] 여기에서부터 현대에 이르기까지 일본 영화는 일본 문화의 영향을 강하게 받으면서 독자적인 발전을 이루었고, 일본을 대표하는 대중 오락 중 하나로 자리매김했다.

일본 영화를 장르로서 명확하게 정의하는 것은 어려우며, 일본인 감독에 의해, 일본인 배우를 주로 기용하여, 일본인들이 촬영하고, 일본 국내에서 상영하는 일본어 영화라는 조건 하에, 그 몇 가지에 해당하는 것을 일반적으로 일본 영화라고 칭한다. 그러나, 총 해외 로케 영화나, 프랑스의 자본을 바탕으로 구로사와 아키라나 오시마 나기사가 촬영한 영화, 재일 한국·조선인 감독 등 비일본 국적의 일본어 사용자에 의한 영화 등, 모든 조건을 충족하지 않더라도, 일본어 사용자가 일본에서 최초 공개를 위해 만든 영화는 일본 영화로 인식된다.[79]

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