스튜디오 시스템

3. 스튜디오 시스템의 특징

스튜디오 시스템의 주요 특징은 국내외 시장의 방대한 수요를 충족시키기 위해 빠르고 저렴하게 영화를 대량 생산하는 것을 목표로 했다는 점이다. 이는 종종 포드 모델 T의 컨베이어 벨트 시스템에 비유되기도 한다. 영화 제작 자금 조달 및 마케팅 관련 부서는 주로 동부 해안의 뉴욕에 기반을 두었으며, 회사 상층부가 투자할 영화의 종류와 규모를 결정했다. 당시 영화는 주로 스타나 장르를 기준으로 분류되었다. 제작 기지는 대부분 서부 해안의 할리우드에 집중되었다.

스튜디오 내 제작 부서는 일반적으로 제작 과정 단계별로 운영되었고, 각 단계는 전문화된 부서가 담당했다. 이로 인해 각 부서에서 일하는 사람들은 해당 분야에 국한된 창의성만을 발휘할 수 있었다. 스타를 포함한 배우들, 의상·미술·특수 효과·촬영 부문 등의 스태프, 시나리오 작가, 감독, 프로듀서 등은 스튜디오와 장기 계약을 맺고 고용되었으며, 스튜디오 상층부의 결정에 따라 특정 영화 기획에 배정되었다. 때로는 스타가 다른 스튜디오로 임대되기도 했다. 많은 기획은 특정 감독이나 스태프의 재능에 적합하다고 판단되어 배정되었다. 특히 서부극, 멜로 드라마, 미스터리와 같이 대중적 인기가 높은 장르 제작에 집중하는 경향이 있었는데, 이는 제작 비용을 절감하고 신작에서도 안정적인 수익을 예측할 수 있게 해주었기 때문이다.

영화 제작상의 예술적 방향과 창의성에 대한 통제권은 주로 스튜디오 중역들이 가지고 있었다. 존 포드, 하워드 혹스, 프랭크 카프라, 빌리 와일더, 알프레드 히치콕, 조셉 폰 스턴버그와 같이 자신의 기획에 대해 어느 정도 자율성을 인정받은 소수의 감독들도 있었지만, 이들 역시 스튜디오가 요구하는 스타일이나 특정 장르의 제약 안에서 활동해야 했다. 대부분의 감독과 스태프, 캐스트는 스튜디오의 엄격한 품질 관리 기준을 따라야 했다.

스튜디오는 영화 제작뿐만 아니라 배급과 상영까지 관리했다. 대표적인 방식이 블록 부킹(block booking)으로, 이는 여러 편의 영화(1940년대에는 보통 5편 정도)를 한 묶음으로 극장에 판매하는 시스템이었다. 이러한 묶음에는 일반적으로 흥행이 예상되는 주요 작품 한 편과 여러 편의 평범한 A급 영화 또는 B급 영화가 포함되는 경우가 많았다.^{[18] [4]} 메이저 스튜디오는 대규모 예산과 톱스타를 내세운 'A급 영화'와 상대적으로 저예산으로 제작된 'B급 영화'를 함께 상영하는 방식을 동시에 활용했다. 한국에서 내용 등이 상대적으로 덜 중요하게 여겨지는 작품을 통칭하여 "B급"이라고 부르는 것은 여기서 유래했다.

이러한 복잡하고 통합된 산업 구조는 막대한 이익을 창출했지만, 동시에 막대한 자본 투자가 필요했기 때문에 월 가와 같은 외부 자본가들의 통제를 받기 쉬운 경향이 있었다. 1930년대 말 무렵에는 메이저 스튜디오들이 미국 전체 영화의 75% 이상을 배급했으며, 각 메이저 스튜디오는 연간 40편 이상의 영화를 제작할 정도로 산업을 지배했다.

4. 아시아와 유럽의 스튜디오 시스템

스튜디오 시스템은 주로 미국에서 발전한 현상이지만, 다른 국가의 영화 제작사들도 할리우드의 주요 스튜디오와 유사하게 제작, 배급, 상영을 아우르는 수직적 통합을 시도하거나 달성했다. 영화 사학자 제임스 채프먼(James Chapman)은 여러 국가의 사례를 다음과 같이 설명한다.^[19]

특히 일본의 경우, 1929년에는 전국 영화관의 약 75%가 당시 양대 영화사였던 닛카츠 또는 쇼치쿠와 계열 관계를 맺고 있을 정도로 강력한 시장 지배력을 보였다.^[20] 반면, 인도 영화 산업은 자국 시장과 해외 아시아 시장을 장악하며 미국 영화의 강력한 경쟁자로 평가받기도 했지만, 할리우드나 다른 국가들처럼 제작-배급-상영을 통합하는 시스템은 구축하지 않았다.^[19]

5. 스튜디오 시스템 몰락 이후

1950년대 할리우드는 세 가지 큰 도전에 직면했다. 첫째는 스튜디오 시스템의 기반이었던 수직 통합을 해체시킨 파라마운트 판결이었고, 둘째는 새로운 대중 매체인 텔레비전의 등장이었으며, 셋째는 제2차 세계 대전 이후 경제 성장으로 인해 관객들이 영화 외에도 다양한 여가 활동을 즐길 수 있게 된 점이었다. 이러한 변화로 흥행 성공작과 실패작 간의 격차가 크게 벌어졌고, 과거에는 수익을 낼 수 있었던 중간 규모의 영화 제작이 어려워졌다. 한 영화 제작자는 1957년에 "오늘날 가장 확실한 재앙은 100만 달러짜리 평작을 만드는 것이다. 이런 영화는 총 투자액뿐만 아니라 모든 것을 잃을 수 있다."라고 언급하기도 했다. 실제로 1957년 할리우드에서 제작된 장편 영화는 약 300편으로, 1920년대의 연간 약 700편에 비해 크게 감소했다. 스튜디오 시스템을 이끌었던 대릴 F. 재넉은 1956년부터 1962년까지 20세기 폭스 경영에서 손을 뗐고,^[9] 루이 B. 메이어는 1951년 MGM에서 해고된 후 1957년에 사망했으며,^[10] 컬럼비아 픽처스의 해리 콘 역시 1958년에 사망했다.^[11] 해리 콘은 1957년 연례 보고서에서 "우리는 ... 개인보다는 기업과 거래하게 되었다."고 밝히며 변화된 환경을 설명했다. 그는 스타, 감독, 제작자, 작가와 같은 재능있는 인력들을 확보하기 위한 경쟁이 치열해졌으며, 높은 세금 부담 때문에 이들이 고정 급여보다는 영화 수익의 일정 비율을 받는 자본 이득 형태를 선호하게 되었다고 지적했다.

스튜디오 시스템이 해체되면서 대부분의 배우들은 특정 스튜디오에 소속되지 않고 프리랜서로 활동하게 되었다.^[12] 영화 제작에 자금을 대는 투자자들은 흥행 실패 위험을 줄이기 위해 유명 스타 배우, 감독, 작가의 참여를 점점 더 중요하게 생각했다. 해외 시장의 중요성 또한 커져 1957년에는 할리우드 전체 수입의 40~50%를 차지하게 되면서, 스타의 이름값이 흥행에 더욱 큰 영향을 미치게 되었다. 스타들은 높은 개런티 대신 영화 수익의 일정 비율을 받는 것을 선호하게 되었는데, 이는 일종의 지위 상징으로 여겨지기도 했다. 최정상급 배우는 수익의 50%와 최소 보장 금액 또는 총수입의 10%를 요구할 수 있었다. 예를 들어, 캐리 그랜트는 1955년 영화 나는 결백하다 출연 당시 총수입의 10%인 70만달러 이상을 받았지만, 감독 겸 제작자인 알프레드 히치콕은 5만달러 미만을 받았다. 극단적인 경우, 파라마운트는 말론 브란도에게 영화 애꾸눈 잭(1961) 수익의 75%를 약속하기도 했다. (스튜디오는 수익 분배 전에 각종 비용을 제하기 때문에, 총수입의 10%보다는 수익의 50%를 선호하는 경향이 있었다.) 이러한 변화는 MCA의 레우 와서먼과 같은 연예 에이전트의 영향력을 크게 강화시켰다.

1957년까지 독립 제작사가 제작하는 영화가 미국 전체 장편 영화의 50%를 차지하게 되었다. 그레고리 펙, 프랭크 시나트라와 같은 스타 배우들은 직접 제작사를 설립하고 시나리오를 구매하기도 했다. 조지 스티븐스, 빌리 와일더, 윌리엄 와일러와 같은 유명 독립 감독들의 몸값도 상승했는데, 이들의 참여가 스타 배우들을 끌어들이는 요인이 되었기 때문이다. 스튜디오들은 자체 제작 비중을 줄이는 대신, 독립 제작자에게 자금과 시설을 제공하거나 유나이티드 아티스츠처럼 배급에 집중하는 방식으로 변화했다. 한편, 텔레비전의 등장은 영화 산업에 위협이 되기도 했지만, 데시루와 같은 TV 제작 회사나 영화 스튜디오 자체의 TV 부서는 사용되지 않던 시설을 활용하며 영화 산업 유지에 기여하기도 했다.

1960년대 초, 주요 영화 스튜디오들은 과거 영화들을 텔레비전 방송국에 판매하여 재상영하거나, TV 프로그램 제작(주로 텔레필름이나 B급 영화)으로 사업 방향을 전환하기 시작했다.^[13] 할리우드는 대규모 예산 영화들의 흥행 실패로 인해 심각한 불황을 겪었지만, 1970년대 들어 대부(1972)와 차이나타운(1974) 같은 작품들이 등장하며 예술적으로 회복하는 모습을 보였다.

1975년 스티븐 스필버그 감독의 죠스^[14][15]와 1977년 조지 루카스 감독의 스타워즈^[13]는 현대적인 블록버스터 영화 시대를 열었다. 이전까지 영화들은 소수의 주요 도시에서 먼저 개봉한 뒤 반응에 따라 전국적으로 확대 상영하는 '플랫폼 개봉' 방식을 따랐으나,^[15] ''죠스''는 처음으로 전국 동시 개봉 전략을 채택했다. 또한 네트워크 텔레비전에 70만달러 상당의 광고 예산을 투입하여 예고편을 방영하고 관련 상품 판매를 연계하는 등 대대적인 마케팅을 펼쳤다.^[15] 이후 수백 개 상영관에서 동시 개봉하는 방식이 일반화되었으며, ''스타워즈''의 속편들(스타워즈 에피소드 5: 제국의 역습, 스타워즈 에피소드 6: 제다이의 귀환), 스필버그의 레이더스, E.T. 등의 연이은 성공과 홈 비디오, 케이블 텔레비전의 발달이 이러한 경향을 더욱 가속화했다. 반면, 천국의 문(1980)은 막대한 제작비와 저조한 흥행 실적으로 인해 제작사였던 유나이티드 아티스츠가 MGM에 매각되는 결과를 낳기도 했다.

1990년대에 들어서면서 할리우드는 더욱 거대 복합 기업의 일부로 편입되는 경향이 강해졌고, 전 세계 엔터테인먼트 산업에서 지배적인 위치를 확고히 했다.^[13]

2009년 기준으로, 과거 황금 시대의 8개 메이저 스튜디오 중 5개(콜럼비아, 20세기 폭스, 워너 브라더스, 파라마운트, 유니버설)가 여전히 활동 중이며, 모두 거대 미디어 기업에 속해 있다. 여기에 월트 디즈니 컴퍼니 산하의 부에나 비스타가 주요 스튜디오로 부상하면서 소위 "빅 식스(Big Six)" 체제가 형성되었다. (이후 디즈니가 20세기 폭스를 인수하면서 다시 "빅 파이브(Big Five)"가 되었다.) 디즈니를 제외한 이들 스튜디오는 과거 자신들의 모습보다는 옛 유나이티드 아티스츠의 모델을 따라, 직접 영화를 제작하기보다는 독립 제작사에 대한 자금 지원 및 배급, 스튜디오 시설 임대 역할에 더 집중하는 경향을 보인다.

현재 할리우드를 이끄는 주요 스튜디오는 다음과 같다.

이들 빅 파이브 스튜디오는 대부분 아트하우스 영화를 전문으로 다루는 자회사(예: 서치라이트 픽처스, 포커스 피처스)나, 특정 장르 또는 저예산 영화를 제작/배급하는 부서(예: 스크린 젬스)를 운영하고 있다. 라이온스게이트 엔터테인먼트나 아마존에 인수된 MGM과 같은 독립 영화사들도 상당한 규모를 갖추고 있어 "미니 메이저"로 분류되기도 한다.

2010년대 중반부터 주요 스튜디오들은 프랜차이즈 속편, 3D 영화, 슈퍼히어로 영화 등 대중적 흥행 가능성이 높은 주류 영화 제작에 더욱 집중하는 경향을 보였다. 이러한 대작 영화들은 높은 제작비로 인해 흥행 실패 시 손실 위험도 컸다. 이러한 상황 속에서 독립 영화 제작사들에게 새로운 기회가 열렸다. 영화 예술 과학 아카데미(아카데미상 주관)는 일반적으로 블록버스터 프랜차이즈 영화보다는 예술적 성취도가 높은 작품을 선호하는 경향이 있는데, 실제로 ''스포트라이트''(2015), ''문라이트''(2016), ''기생충''(2019), ''CODA''(2021) 등 독립 영화들이 아카데미 작품상을 수상하며 주목받았다. 이는 영화의 성공이 반드시 3D나 아이맥스 같은 특수 포맷, 혹은 특정 플랫폼 독점에 의존하지 않음을 보여주는 사례이기도 하다.

코로나19 팬데믹은 관객들이 극장 대신 넷플릭스, 훌루, 애플 TV+와 같은 스트리밍 서비스로 이동하는 흐름을 가속화시키며 영화 산업에 또 다른 변화를 가져왔다.

참조

_[1] 논문 Financial analysis based on Finler (1988), pp. 286–287.
_[2] 뉴스 Shirley Temple, iconic child star, dies at 85 https://www.cnbc.com[...] Associated Press 2014-02-11
_[3] 서적 City of Nets: A Portrait of Hollywood in the 1940s https://archive.org/[...] University of California Press
_[4] 논문 See Schatz (1999), pp. 19–21, 45, 72.
_[5] 간행물 Amid Ruins of an Empire a New Hollywood Arises https://books.google[...] 2012-04-22
_[6] 서적 Lucy and Desi Simon and Schuster
_[7] 논문 Chapman (2003), p. 49.
_[8] 논문 Freiberg (2000), "The Film Industry."
_[9] 뉴스 Richard Zanuck, Producer of Blockbusters, Dies at 77 https://www.nytimes.[...] New York Times 2012-07-13
_[10] 서적 Movies Were Always Magical: Interviews With 19 Actors, Directors, and Producers from the Hollywood of the 1930s Through the 1950s https://books.google[...] McFarland
_[11] 서적 Columbia Pictures: Portrait of a Studio https://books.google[...] University of Kentucky Press
_[12] 뉴스 Hollywood's Most Secret Agent https://www.nytimes.[...] 2019-04-13
_[13] 서적 The Contemporary Hollywood Film Industry https://archive.org/[...] Blackwell Publishing
_[14] 웹사이트 Jaws – The Monster That Ate Hollywood https://www.pbs.org/[...] 2006-08-06
_[15] 뉴스 Rise of the Blockbuster http://news.bbc.co.u[...] 2022-03-14
_[16] 문서 "[[ユナイテッド・アーティスツ]]は会社直営の[[映画スタジオ]]さえ所有していなかった"
_[17] 논문 Finler (1988), pp. 286–287.에 기반을 둔 분석
_[18] 논문 Schatz (1999), pp. 19–21, 45, 72. 참고
_[19] 논문 Chapman (2003), p. 49.
_[20] 논문 Freiberg (2000), "The Film Industry."