뉴 할리우드

1. 개요

뉴 할리우드는 1960년대 후반부터 1970년대까지 미국 영화계에 일어난 혁신적인 흐름으로, 기존 할리우드 스튜디오 시스템의 쇠퇴와 사회·문화적 변화를 배경으로 등장했다. 새로운 세대의 감독들이 저예산 영화 제작, 파격적인 주제와 스타일, 반영웅적 인물 묘사 등을 통해 기존의 영화 문법을 탈피했다. 이 시기에는 《우리에게 내일은 없다》, 《이지 라이더》, 《대부》, 《택시 드라이버》 등 다양한 작품들이 제작되었으며, 스티븐 스필버그, 조지 루카스 등의 감독들이 상업적 성공을 거두며 블록버스터 시대를 열었다. 하지만 과도한 퇴폐, 촬영 현장 사고 등으로 인해 쇠퇴했으며, 이후 세대 영화 제작자들에게 큰 영향을 미쳤다.

2. 역사적 배경

뉴 할리우드의 등장은 1950년대 말부터 시작된 미국 사회의 변화와 밀접하게 관련되어 있다. 1960년대 미국은 베트남 전쟁, 반전 운동, 민권 운동, 여성 해방 운동 등 다양한 사회 운동과 함께 격동기를 겪었다. 이러한 변화는 젊은 세대의 가치관과 문화에 큰 영향을 미쳐, 기성세대에 대한 불신과 저항 정신을 불러일으켰다.

파라마운트 사건과 텔레비전의 등장은 전통적인 스튜디오 시스템과 영화 제작 윤리 강령(헤이스 코드)을 약화시켰다. 할리우드는 테크니컬러, 시네마스코프, 스테레오 사운드, 3D 등의 기술을 도입했지만 큰 성공을 거두지 못했다. 1957년 라이프지는 1950년대를 "끔찍한 10년"이라 칭했고, 언론은 "뉴 할리우드"라 불렀다.

1960년대 베이비붐 세대가 성인이 되면서, 영화 관객층은 젊고, 부유하며, 대학교육을 받은 인구로 변화했다. 유럽 영화, 일본 영화 등이 미국에서 반향을 일으켰고, 미켈란젤로 안토니오니의 욕망 (영화)과 같은 영화는 젊은이들에게 관련성과 예술적 의미를 제공했다.

경제 침체와 대작 영화들의 실패 속에서, 스튜디오들은 혁신과 위험 감수를 통해 젊은 감독과 제작자에게 더 큰 통제권을 부여했다. 로저 코먼에게 멘토링을 받은 잭 니콜슨, 피터 보그다노비치와 같은 배우와 감독, 그리고 빌모스 지그몬드와 같은 촬영 감독들이 등장했다. 1965년 프리드먼 대 메릴랜드 사건 판결로 헤이스 코드가 붕괴되고, 1968년 새로운 등급 시스템이 도입되면서 뉴 할리우드의 무대가 마련되었다.

일본에서는 "아메리칸 뉴 시네마"라는 용어로 불리며, 『현대 영화 용어 사전』(2012)은 아웃로나 안티 히어로를 주인공으로, 반체제를 지향하며 리얼리즘 표현을 기본으로 폭력, 부도덕한 성적 관계를 다루는 것이 특징이라고 설명한다. 가와모토 사부로는 아메리칸 뉴 시네마가 1950년대 미국 사회의 아메리칸 웨이 오브 라이프에 대한 반항으로 만들어졌다고 언급한다. 다야마 리키야는 『더티 해리』, 『스트로 독스』 등을 대표작으로 꼽으며, 미국 영화가 폭력 묘사를 주류로 하는 시대가 왔다고 언급한다.

2.1. 할리우드 스튜디오 시스템의 쇠퇴

파라마운트 사건 판결로 영화 스튜디오의 블록 부킹(block booking)과 영화관 체인 소유가 금지되고, 텔레비전이 등장하면서 할리우드 스튜디오 시스템은 쇠퇴하기 시작했다. 이전에는 로드 설링, 존 프랑켄하이머, 아서 펜, 패디 체이예프스키, 시드니 루멧 등이 텔레비전 분야에서 활동했다.

이 두 가지 요인은 전통적인 스튜디오 시스템과 영화 제작 윤리 강령( 헤이스 코드)을 약화시켰다. 할리우드 스튜디오는 관객을 유지하기 위해 테크니컬러를 더 많이 사용하고, 시네마스코프와 같은 와이드 스크린 프로세스, 스테레오 사운드, 3D 같은 기술을 도입했지만, 큰 성공을 거두지는 못했다. 1957년, 라이프지는 1950년대를 할리우드에게 "끔찍한 10년"이라고 불렀고, 언론은 이를 "뉴 할리우드"라고 칭했다.

1950년대와 1960년대 초, 할리우드는 뮤지컬, 역사 서사시 등 큰 화면과 향상된 사운드를 활용하는 영화가 주를 이루었지만, 관객 점유율은 계속 감소했다. 1960년대 중반에는 매우 낮은 수준까지 떨어졌다. 토라! 토라! 토라!, 진 켈리의 헬로, 돌리!, 줄리 앤드루스 주연의 스타! 등 대작 영화들이 흥행에 실패하면서 스튜디오는 큰 타격을 입었다.

2.2. 사회 문화적 변화

1960년대 미국 사회는 베트남 전쟁, 반전 운동, 민권 운동, 여성 해방 운동 등 다양한 사회 운동이 일어나면서 격동의 시기를 겪었다. 이러한 사회적 변화는 젊은 세대의 가치관과 문화에 큰 영향을 미쳤으며, 기성세대에 대한 불신과 저항 정신을 불러일으켰다. 특히 베이비붐 세대의 젊은이들은 기존의 가치관과 권위에 도전하며 새로운 문화를 창조하고자 했다.

당시 미국 시민들은 베트남 전쟁의 실태를 목격하면서 백악관에 대한 신뢰감이 무너져 갔다. 전쟁에 회의적이 된 국민들은 미국 정부의 모순점에 눈을 돌렸고, 젊은이들의 히피화, 반체제화가 나타났으며, 인종 차별, 마약, 격화된 관헌의 폭력성 등의 현상도 현저해졌다. 이러한 현상은 정치 부패에서 기인한 것으로, 미국 각지에서 규탄 운동이 일어났다.

이러한 1960년대 미국의 상황은 "뉴 할리우드" 영화에 반영되었다. 뉴 할리우드 영화는 반체제적인 인물(주로 젊은이)이 기존 체제에 저항하거나 순간적인 사건에 열정을 쏟지만, 결국 기존 체제에 굴복하거나 비극적인 결말을 맞는 경우가 많았다. 즉, "반 영웅", "반 해피 엔딩"이 뉴 할리우드 영화의 특징이라 할 수 있다. 이는 베트남 전쟁, 대학 분쟁, 히피 문화 등 혼란스러운 세태를 반영한 결과였다.

2.3. 영화 제작 환경의 변화

1967년 8월, 아서 펜 감독의 영화 『우리에게 내일은 없다』가 미국에서 공개되자, 격렬한 폭력 묘사와 범죄 미화로 비판을 받았다. 그러나 폴린 케일은 『뉴요커』지에서 이 작품을 극찬했고, 『TIME』지는 "뉴 시네마: 폭력, SEX, 아트"라는 특집 기사로 다루며 유럽의 새로운 영화 운동과 연결 지었다.

1967년 12월 말 마이크 니콜스 감독의 『졸업』이 공개되었고, 이듬해 2월 아카데미상을 수상했다. 1969년에는 데니스 호퍼 감독의 저예산 영화 『이지 라이더』가 크게 흥행하며, 할리우드 영화계에 새로운 흐름이 시작되었음을 알렸다.

대형 영화사들은 독점 금지법 소송, TV 보급, 젊은이들의 의식 변화 등으로 침체된 상황에서, 새로운 제작자와 배우들을 투입하기 시작했다. 프란시스 포드 코폴라, 마틴 스코세지, 윌리엄 프리드킨, 폴 슈레이더, 테렌스 맬릭 등이 대표적인 감독들이다.

일본에서는 『키네마 준보』지가 1968년 4월, 미국 영화 동향을 소개하며 『우리에게 내일은 없다』, 『어떤 전율』, 『살인의 분배/포인트 블랭크』, 『냉혈』, 『지옥의 천사』(1967)를 "아메리칸 뉴 시네마"로 소개했다.

3. 주요 특징

뉴 할리우드 영화 제작자들은 젊은 관객층을 공략하기 위해 기존 할리우드 시스템에서 벗어나 새로운 시도를 했다. 언론은 이들을 "뉴 할리우드"라고 칭하며, 배우, 시나리오 작가, 감독으로 구성된 이들은 프로듀서 중심의 할리우드 시스템을 변화시켰다.

토드 베를리너는 1970년대가 할리우드 영화 역사상 가장 중요한 형식적 변화를 겪은 시기라고 평가한다. 뉴 할리우드 영화는 기존의 내러티브 방식에서 벗어나, 단순한 내러티브를 탈선시킬 수 있는 장치들을 사용했다. 베를리너는 1970년대 할리우드 영화의 특징적인 내러티브 전략을 다음과 같이 다섯 가지 원칙으로 제시했다.

* 영화의 내러티브 목적에 반하는 정보와 스타일을 부수적으로 넣는 경향.
* 할리우드와 유럽, 아시아 예술 영화 사이에서 자신들의 영화 제작 방식을 위치시킴.
* 일반적인 할리우드 영화보다 불안하고 불편한 반응을 관객에게서 이끌어냄.
* 결말 부분에서 흐릿하게 처리하여, 전통적인 할리우드 영화와 달리 느슨하게 마무리.
* 내러티브의 선형성과 속도감을 방해하여 긴장감을 떨어뜨릴 수 있음.

베트남 전쟁과 리처드 닉슨 대통령의 워터게이트 스캔들 등으로 혼란스러웠던 미국 사회를 반영하듯, 70년대 영화는 남성적 위기를 다루며 비관적인 주제와 결말을 보여주었다. 토마스 샤츠는 1970년대 중반부터 캐릭터가 스토리 전개를 위한 기능을 수행하게 되었다고 지적한다.

미국 영화 협회 영화 등급 시스템 도입과 로케이션 촬영의 증가는 "새로운 현실주의"를 가능하게 했다. 특히 뉴욕은 거친 분위기로 인해 영화 제작자들에게 인기 있는 장소였다. 파나비전 파나플렉스 카메라(1972년)와 스테디캠(1976년) 등의 기술 발전은 야외 촬영을 쉽게 했다. D.A. 페네베이커, 메이즐 형제, 프레데릭 와이즈먼 등의 다큐멘터리 영화도 영향을 주었다.

편집에서도 뉴 할리우드 영화 제작자들은 고전 할리우드보다 자유롭게 현실주의를 추구했다. 편집을 연속성뿐만 아니라 예술적 목적으로도 사용했으며, 이는 유럽 예술 영화와 D. W. 그리피스, 알프레드 히치콕과 같은 고전 할리우드 감독의 영향을 받은 것이다. 점프 컷을 사용한 이지 라이더(실험 영화 제작자 브루스 코너의 영향), 우리에게 내일은 없다의 좌절감, 졸업 주인공의 주관성, 2001: 스페이스 오디세이의 유명한 매치 컷 등이 그 예시이다. 아서 립셋, 스탠 브래키지, 브루스 베일리, 조던 벨슨, 존 휘트니, 스콧 바틀렛, 마야 데렌, 케네스 앵거와 같은 실험 영화 제작자들은 조지 루카스, 프랜시스 포드 코폴라, 마틴 스코세지에게 영향을 주었다. 코폴라, 루카스, 스코세지, 스티븐 스필버그, 존 밀리어스, 폴 슈레이더 등은 USC, UCLA, NYU, AFI에서 교육을 받았으며, "무비 브라츠" 또는 "젊은 터키인"이라고 불렸다.

제작 규약의 폐지는 뉴 할리우드 영화가 정치적 주제, 록 음악, 성적 자유 등 기존에 금기시되던 বিষয়들을 다룰 수 있게 했다. 1960년대 청년 운동은 우리에게 내일은 없다와 빠삐용과 같은 반영웅을 대중문화의 아이콘으로 만들었고, 라이프 잡지는 이지 라이더의 캐릭터들을 "1960년대 후반 반문화의 핵심적인 신화의 일부"라고 칭했다. 이지 라이더는 스튜디오가 젊은 관객에게 접근하는 방식에 영향을 미쳤다. "X" 등급에도 불구하고 미드나잇 카우보이의 성공은 당시 논란이 많았던 주제에 대한 관심을 보여주었으며, 등급 시스템의 약점과 관객의 세분화를 보여주었다.

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3.1. 주제와 내용

뉴 할리우드 영화는 기존 할리우드 영화의 관습에서 벗어나 다양한 주제와 내용을 다루었다. 토드 베를리너는 1970년대가 할리우드 영화 역사상 가장 중요한 형식적 변화를 겪은 시기라고 평가하며, 뉴 할리우드 영화가 고전적인 내러티브 규범에서 벗어난 다섯 가지 원칙을 제시했다.

* 영화의 내러티브 목적에 역행하는 스토리 정보와 스타일 장치를 부수적인 방식으로 통합하는 경향
* 고전 할리우드와 유럽 및 아시아 예술 영화 사이에서 영화 제작 방식을 위치시킴
* 일반적인 할리우드 영화보다 불안하고 불편한 관객 반응 유발
* 절정이나 에필로그에서 흐릿함에 강조점을 두어, 전통적인 할리우드 영화와 달리 느슨한 결말을 맺음
* 내러티브의 선형성과 운동성을 방해하고 서스펜스와 흥분을 생성할 수 있는 잠재력을 훼손

이러한 특징과 함께, 뉴 할리우드는 다음과 같은 주제들을 다루었다.

* 사회 비판: 베트남 전쟁, 리처드 닉슨 대통령의 워터게이트 스캔들 등 당시 미국 사회의 긴장된 갈등을 가혹하게 묘사했다.
* 결함 있는 남성 캐릭터와 비관적 주제: 남성적 위기를 다루며, 비관적인 결론을 내리는 경우가 많았다.
* 캐릭터와 플롯의 관계 변화: 토마스 샤츠는 고전 할리우드 영화와 초기 뉴 할리우드 영화에서는 플롯이 캐릭터의 욕망, 동기, 목표에 따라 유기적으로 나타났지만, 1970년대 중반부터는 캐릭터가 플롯 기능을 수행하는 경향이 나타났다고 지적한다.
* 새로운 현실주의: 미국 영화 협회 영화 등급 시스템이 도입되고 로케이션 촬영이 활발해지면서, 거친 분위기의 뉴욕을 배경으로 한 영화들이 등장했다.
* 실험적 편집: 유럽 예술 영화와 D. W. 그리피스, 알프레드 히치콕 같은 고전 할리우드 감독의 영향을 받아, 점프 컷이나 매치 컷과 같은 실험적인 편집 기법을 사용했다. 이지 라이더는 실험 영화 제작자 브루스 코너의 영향을 받아 점프 컷을 사용했고, 우리에게 내일은 없다는 좌절감을 표현하는 편집을, 졸업은 주인공의 주관성을 드러내는 편집을, 2001: 스페이스 오디세이는 시간의 흐름을 나타내는 매치 컷을 사용했다.
* 반문화적 주제: 제작 규약이 완화되면서, 뉴 할리우드 영화는 기성 체제에 반대하는 정치적 주제, 록 음악, 성적 자유 등 이전에는 금기시되었던 내용들을 다루었다. 우리에게 내일은 없다와 빠삐용과 같은 영화는 반영웅을 대중 문화의 우상으로 만들었으며, 이지 라이더는 젊은 시장에 접근하는 방식에 영향을 미쳤다. "X" 등급에도 불구하고 미드나잇 카우보이의 성공은 당시 논란이 많았던 주제에 대한 관심을 보여주었다.

일본에서는 "아메리칸 뉴 시네마"라는 용어로 뉴 할리우드를 지칭하며, 기존 할리우드 영화와 크게 달라진 특징들을 다음과 같이 정의했다.

* 아웃로나 안티 히어로를 주인공으로 내세우고, 대부분 반체제를 지향한다.
* 리얼리즘 표현을 기본으로 하며, 때로는 폭력의 직접적인 묘사나 부도덕하다고 여겨지는 성적인 관계를 다룬다.
* 이야기 구조, 등장인물, 소재가 기존 할리우드 영화와 크게 다르다.

가와모토 사부로는 아메리칸 뉴 시네마가 1950년대 미국 사회의 "아메리칸 웨이 오브 라이프"에 대한 반항으로 만들어졌으며, 새롭게 등장한 프로테스트 세대의 논리와 감각을 표현한 것이라고 평가했다. 다야마 리키야는 미지와의 조우, 엘리펀트 맨, 스타워즈 등을 아메리칸 뉴 시네마 작품으로 꼽으며, 더티 해리나 스트로 독스와 같은 작품을 통해 미국 영화가 폭력 묘사를 주류로 하는 시대가 왔다고 언급했다.

영어권에서도 뉴 할리우드는 사회에 반기를 드는 등장인물, 해피엔딩의 거부, 성·폭력·마약 등의 노골적인 영상 묘사 등으로 특징지어진다. 오노 지에는 뉴 할리우드가 체제 비판, 폭력, 섹슈얼리티와 같은 주제를 다루며, 할리우드의 형식적·내용적인 관습을 비판, 해체·재구축, 새롭게 해석하고 융합하는 시도를 했다고 평가했다.

3.2. 형식과 스타일

뉴 할리우드 영화 제작자들은 스튜디오 시스템의 제약에서 벗어나 새로운 영화 제작 방식을 추구했다. 그 결과, 다음과 같은 특징적인 형식과 스타일이 나타났다.

* 로케이션 촬영: 스튜디오 촬영 대신 실제 장소에서 촬영하여 현실감을 높였다. 뉴욕은 거친 분위기 덕분에 뉴 할리우드 영화 제작자들에게 인기 있는 장소였다.
* 다큐멘터리 기법: D.A. 페네베이커, 메이즐 형제, 프레데릭 와이즈먼 등의 다큐멘터리 영화의 영향을 받아 핸드헬드 카메라, 자연스러운 조명, 즉흥적인 연기 등 다큐멘터리 기법을 활용하여 사실적인 느낌을 강조했다.
* 실험적인 편집: 점프 컷, 플래시백, 슬로우 모션 등 다양한 편집 기법을 통해 영화의 형식적인 실험을 시도했다. 유럽 예술 영화와 D. W. 그리피스, 알프레드 히치콕과 같은 고전 할리우드 감독의 영향을 받았다.
* 영화 기술의 발전: 1972년에 도입된 파나비전 파나플렉스 카메라, 1976년에 도입된 스테디캠과 같은 영화 기술의 발전은 뉴 할리우드 영화 제작자들이 35mm 카메라로 외부 촬영을 쉽게 할 수 있도록 도왔다.

이러한 형식과 스타일은 뉴 할리우드 영화를 이전의 할리우드 영화와 구별되는 독특한 영화로 만들었으며, 현대 영화에도 큰 영향을 미치고 있다.

4. 주요 인물

뉴 할리우드 영화의 발전에 기여한 주요 인물들은 다음과 같다.

스티븐 하이든은 Grantland에 기고한 글에서 무비 브라츠를 클래식 록의 "영화 버전"에 비유했다. 그는 스필버그를 비틀즈, 스콜세지를 벨벳 언더그라운드, 코폴라를 밥 딜런, 루카스를 핑크 플로이드, 로버트 올트먼을 닐 영, 브라이언 드 팔마를 레드 제플린, 보그다노비치를 비치 보이스, 할 애쉬비를 킨크스에 각각 빗대어 표현했다.

뉴 할리우드 시대를 대표하는 배우들은 다음과 같다.

이 외에도 우디 앨런, 말론 브란도, 엘렌 버스틴, 제임스 칸, 로버트 듀발, 클린트 이스트우드, 해리슨 포드, 존 보이트 등 많은 배우들이 뉴 할리우드 영화에 출연했다.

4.1. 감독

* 로버트 알드리치
* 우디 앨런
* 로버트 올트먼
* 할 애쉬비
* 존 G. 아빌드센
* 존 배덤
* 랄프 박시
* 폴 바르텔
* 로버트 벤튼
* 존 베리
* 피터 보그다노비치
* 제임스 브리지스
* 앨버트 브룩스
* 멜 브룩스
* 존 부어먼
* 존 카펜터
* 존 카사베츠
* 마이클 치미노
* 셜리 클라크
* 래리 코언
* 프랜시스 포드 코폴라
* 로저 코먼
* 웨스 크레이븐
* 마이클 크라이튼
* 조 단테
* 조나단 데미
* 브라이언 드 팔마
* 리처드 도너
* 로버트 다우니 시니어
* 리처드 플라이셔
* 밀로스 포만
* 밥 포시
* 존 프랑켄하이머
* 윌리엄 프리드킨
* 시드니 J. 퓨리
* 울루 그로스바르드
* 몬테 헬먼
* 벅 헨리
* 조지 로이 힐
* 월터 힐
* 아서 힐러
* 토브 후퍼
* 데니스 호퍼
* 존 휴스턴
* 헨리 재글롬
* 노만 주이슨
* 어빈 커쉬너
* 스탠리 큐브릭
* 존 랜디스
* 톰 로플린
* 리처드 레스터
* 조지 루카스
* 시드니 루멧
* 데이비드 린치
* 테렌스 맬릭
* 마이클 만
* 엘레인 메이
* 폴 마주르스키
* 존 밀리어스
* 로버트 멀리건
* 플로이드 무트룩스
* 랄프 넬슨
* 마이크 니콜스
* 앨런 J. 파큘라
* 고든 파크스
* 이반 파서
* 샘 페킨파
* 멜빈 반 피블스
* 래리 피어스
* 아서 펜
* 프랭크 페리
* 로만 폴란스키
* 시드니 폴락
* 밥 라펠슨
* 마이클 리치
* 마틴 리트
* 조지 A. 로메로
* 스튜어트 로젠버그
* 앨런 루돌프
* 리처드 C. 사라피안
* 프랭클린 J. 샤프너
* 제리 섀츠버그
* 존 슐레징어
* 폴 슈레이더
* 마틴 스코세지
* 리들리 스콧
* 돈 시겔
* 조안 믹클린 실버
* 스티븐 스필버그
* 멜 스튜어트
* 제임스 토백
* 클라우디아 웨일
* 해스켈 웩슬러
* 피터 예이츠
* 데이비드 주커, 짐 에이브럼스 그리고 제리 주커

4.2. 배우

뉴 할리우드 시대를 대표하는 배우들은 다음과 같다.

이 외에도 우디 앨런, 말론 브란도, 엘렌 버스틴, 제임스 칸, 로버트 듀발, 클린트 이스트우드, 해리슨 포드, 존 보이트 등 많은 배우들이 뉴 할리우드 영화에 출연했다.

5. 주요 영화

뉴 할리우드를 대표하는 주요 영화는 다음과 같다.

5.1. 1960년대

1960년대에 베이비붐 세대가 성인이 될 무렵, "구 할리우드"는 빠르게 돈을 잃고 있었다. 스튜디오는 크게 변화된 관객 인구 통계에 어떻게 반응해야 할지 확신하지 못했다. 이 기간 동안 시장의 변화는 1960년대 중반의 중년층 고등학교 졸업자 관객에서 더 젊고 부유하며 대학교육을 받은 인구 통계로 이동했다. 유럽 영화, 예술 영화와 상업 영화(특히 이탈리아식 코미디, 프랑스 누벨바그, 스파게티 웨스턴), 그리고 일본 영화가 미국에서 반향을 일으키고 있었다. 소외된 젊은이들의 거대한 시장은 미켈란젤로 안토니오니의 욕망과 같은 영화에서 관련성과 예술적 의미를 찾은 것으로 보였다. 이 영화는 모호한 서사 구조와 과감한 여성 누드를 보여주었다.

이러한 경제 침체기 동안, 그리고 값비싼 영화 실패로 인한 손실 이후 스튜디오가 느낀 절망은 혁신과 위험 감수를 이끌었고, 젊은 감독과 제작자가 더 큰 통제력을 갖도록 했다. 따라서 유럽의 "예술 영화"와 연결성을 찾은 관객을 사로잡기 위해 스튜디오는 많은 젊은 영화 제작자를 고용하여 스튜디오의 통제를 거의 받지 않고 영화를 만들도록 허용했다.

뉴 할리우드 세대를 대표하는 영화는 1967년작 우리에게 내일은 없다(Bonnie and Clyde)였다. 워렌 비티가 제작하고 주연을 맡았으며, 아서 펜이 감독한 이 영화는 노골적인 폭력과 유머, 매력적인 소외된 젊은이들의 주제를 결합하여 관객들에게 큰 인기를 얻었다. 이 영화는 결국 아카데미상에서 아카데미 여우조연상(에스텔 파슨스)과 아카데미 촬영상을 수상했다.

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당시 워너 브라더스의 CEO였던 잭 L. 워너는 1967년 여름, 우리에게 내일은 없다의 러프 컷을 처음 봤을 때 혐오감을 느꼈다. 워너 브라더스의 배급 담당자들도 이에 동의하여, 영화는 낮은 수준의 시사회와 제한적인 개봉을 거쳤다. 뉴욕 타임스의 중산층(middlebrow) 영화 평론가 보슬리 크라우더가 영화에 혹평을 쏟아내면서 그들의 전략은 정당화되는 듯했다. 그는 "그것은 저속하고 멍청한 두 사람의 끔찍한 만행을 마치 재즈 시대의 괴짜들이 밀리언 달러 걸에서처럼 재미와 흥분으로 가득 찬 것처럼 다루는 값싼 익살극이다."라고 썼다. 타임지와 뉴스위크지를 포함한 다른 리뷰들도 마찬가지로 냉담했다.

폭력 묘사, 도덕적 가치에 대한 모호함, 그리고 충격적인 결말은 평론가들을 갈라놓았다. 부정적인 리뷰 중 하나 이후, 타임지는 영화 팬들로부터 편지를 받았고, 저널리스트 피터 비스킨드에 따르면, 폴린 케일 평론가의 긍정적인 영화 리뷰(1967년 10월, 뉴요커)가 다른 평론가들로 하여금 그녀의 견해를 따르고 영화를 재평가하도록 이끌었다(특히 뉴스위크와 타임).

1967년 12월 타임지의 표지 기사는 영화와 미국 뉴 웨이브 시네마의 혁신을 기념했다. 스테판 카너가 쓴 이 영향력 있는 기사는 우리에게 내일은 없다가 장르의 경계를 모호하게 하고, 플롯과 동기의 중요성을 무시함으로써 "뉴 시네마"를 대표하며, "구상과 실행 모두에서 우리에게 내일은 없다는 새로운 스타일, 새로운 트렌드를 알리는 분수령과 같은 영화"라고 주장했다. 비스킨드는 이 리뷰와 일부 평론가들의 입장 변화로 인해 영화가 재개봉될 수 있었고, 이는 영화의 상업적 성공을 증명하고 뉴 할리우드를 향한 움직임을 반영했다고 말한다.

이러한 초기 성공은 스튜디오가 이러한 혁신적인 젊은 영화 제작자들에게 거의 완전한 통제권을 넘겨주는 길을 열었다.

5.2. 1970년대

1960년대에 베이비붐 세대가 성인이 되면서, "구 할리우드"는 빠르게 몰락하고 있었다. 스튜디오는 변화된 관객층에 어떻게 대응해야 할지 확신하지 못했다. 1970년대 중반까지 전체 영화 관람객의 76%가 30세 미만이었고, 그중 64%가 대학교육을 받은 사람이었다. 유럽 영화, 예술 영화와 상업 영화(특히 이탈리아식 코미디, 프랑스 누벨바그, 스파게티 웨스턴), 그리고 일본 영화가 미국에서 반향을 일으키고 있었다.

이러한 경제적 침체와 값비싼 영화 실패로 인한 스튜디오의 절망은, 젊은 감독과 제작자에게 더 큰 통제권을 주는 혁신과 위험 감수로 이어졌다. 스튜디오는 유럽의 "예술 영화"와 연결되기를 원하는 관객을 사로잡기 위해 많은 젊은 영화 제작자를 고용하여 스튜디오의 통제를 거의 받지 않고 영화를 만들도록 허용했다.

이러한 초기 성공은 스튜디오가 이러한 혁신적인 젊은 영화 제작자들에게 거의 완전한 통제권을 넘겨주는 길을 열었다. 1970년대 중반, 페이퍼 문, 뜨거운 오후, 차이나타운, 택시 드라이버와 같은 독창적이고 놀라운 오리지널 영화들이 엄청난 비평적, 상업적 성공을 거두었다. 뉴 할리우드 멤버들의 이러한 성공은 그들 각각으로 하여금 스튜디오와 결국 관객에게 더욱 과도한 요구를 하도록 이끌었다.

70년대 영화는 베트남 전쟁과 리처드 닉슨 대통령의 워터게이트 스캔들과 같은 긴장된 갈등으로 흔들리는 미국을 가혹하게 묘사하는 것과 함께 결함 있는 남성 캐릭터, 비관적인 결론, 비관적인 주제를 특징으로 하는 남성적 위기를 다루었다.

미국 영화 협회 영화 등급 시스템이 도입되고 로케이션 촬영이 더 실행 가능해지면서 "새로운 현실주의"로의 전환이 가능해졌다. 뉴욕은 그 거친 분위기 때문에 이러한 새로운 영화 제작자들에게 인기 있는 장소였다.

영화 기술의 획기적인 발전으로 인해 뉴 할리우드 영화 제작자들은 비교적 쉽게 35mm 카메라 영화를 외부에서 촬영할 수 있었다. 로케이션 촬영이 더 저렴했기 때문에 뉴 할리우드 영화 제작자들은 로케이션 촬영에 대한 취향을 빠르게 발전시켰다.

다음은 일반적으로 "뉴 할리우드" 작품으로 간주되는 주목할 만한 영화의 연대기적 목록이다.

5.3. 1980년대

마틴 스코세이지의 《성난 황소》 (1980), 리들리 스콧의 《블레이드 러너》 (1982)

6. 쇠퇴와 유산

피터 비스킨드는 저서 《이지 라이더, 미친 황소들》에서 뉴 할리우드 운동이 《죠스》와 《스타워즈》의 상업적 성공으로 인해 블록버스터, 광고, 제작 통제의 중요성을 스튜디오들이 깨닫게 되면서 쇠퇴하기 시작했다고 주장한다. (《대부》의 성공이 블록버스터 현상의 전조라고 여겨지긴 했다.)

존 벨튼은 1970년대 중반, 더 젊고 보수적인 관객으로의 인구 통계 변화와 주류 영화에서 정치적으로 덜 파괴적인 주제로의 전환을 지적했다. 토마스 샤츠는 1970년대 중후반을 내쉬빌과 《차이나타운》으로 절정에 달했던 예술 영화 운동이 주요 산업 세력으로서 쇠퇴하는 시기로 보았다.

1970년대 중반, 《타워링 인페르노》(1974)를 필두로 《죠스》(1975), 《록키》(1976), 《스타워즈》(1977), 《슈퍼맨》(1978)과 같은 밝은 상업주의적인 영화가 인기를 얻게 되었고, 스티븐 스필버그나 조지 루카스와 같은 감독들을 할리우드 르네상스라고 부르게 되었다.

베트남 전쟁의 종결과 함께 미국 각지에서 일어났던 반체제 운동도 쇠퇴해 가면서, 뉴 시네마 시대도 서서히 종언을 맞이하게 되었다. 1979년의 《지옥의 묵시록》이 뉴 시네마의 마지막 작품이라는 설도 있다.

뉴 할리우드의 영화는 쿠엔틴 타란티노, 폴 토마스 앤더슨, 노아 바움백과 같은 미래의 주류 및 독립 영화 제작자들에게 영향을 미쳤다. 또한 이탈리아의 폴리치에스코 장르 영화와 10년 후 프랑스의 시네마 뒤 룩 운동에도 영향을 미쳤다. 토드 필립스의 2019년 DC 코믹스 각색 작품인 《조커》는 영화의 시대적 배경과 함께 마틴 스코세지의 고전인 《택시 드라이버》와 《코미디의 왕》에서 영감을 받았으며, 알렉산더 페인의 2023년 영화 《더 홀드오버스》는 할 애쉬비의 작품에서 영감을 얻었다.

아메리칸 엑센트릭 시네마는 뉴 할리우드의 영향을 받은 것으로 언급되었다. 뉴 할리우드는 1960년대 중반부터 1980년대 초반까지 아메리칸 드림의 맥락에서 인류와 사회의 더 어두운 요소에 초점을 맞추고 있으며, 사회 문화적 문제를 반영하고 아메리칸 드림을 추구하는 것이 잠재적으로 무의미하다는 것을 중심으로 주제가 전개되었다.

7. 비판

로스앤젤레스 타임스(Los Angeles Times)의 영화 평론가 마노라 다지스(Manohla Dargis)는 뉴 할리우드를 1970년대 영화 제작의 "황금기"라고 묘사하면서도, "혁명이라기보다는 반란이라는 과대 광고가 동반된 평범한 비즈니스"라고 평가했다.

이 시대는 과도한 퇴폐와 촬영 현장 사고로도 악명이 높았다. 특히, 로즈메리의 아기, 엑소시스트, 환상특급, 오멘과 같은 공포 영화 촬영장의 사건들은 다큐멘터리 시리즈 저주받은 영화들(Cursed Films)의 주제가 되기도 했다. 스티븐 스필버그(Steven Spielberg)는 존 랜디스(John Landis)와 함께 환상특급을 공동 연출/제작했지만, 랜디스가 치명적인 헬리콥터 사고를 처리하는 방식에 혐오감을 느껴 세 배우의 사망 이후 우정을 끝내고 뉴 할리우드의 종말을 공개적으로 요구했다.