미술

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1. 개요
2. 역사
3. 미술의 개념 및 조건
- 3.1. 미술의 정의
- 3.2. 미술의 조건
4. 미술의 종류 및 양식
5. 미술의 표현 태도 및 양식
6. 현대 미술의 동향
7. 미술 감상 및 비평
참조

1. 개요

미술은 인류의 역사와 함께 발전해 온 표현 활동으로, 선사 시대의 동굴 벽화부터 현대의 설치 미술까지 다양한 형태로 존재한다. 서구에서는 18세기 무렵 순수 미술이라는 개념이 등장했으며, 시대와 지역에 따라 다양한 양식과 기법으로 발전해 왔다. 회화, 조각, 공예, 건축, 사진, 디자인 등 다양한 종류가 있으며, 표현의 주제, 이미지, 에스프리, 환경, 사람 등 여러 요소가 작품에 영향을 미친다. 미술 작품은 감상과 비평을 통해 그 가치를 평가받으며, 시대적 변화에 따라 새로운 경향을 보이며 진화한다.

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미술

2. 역사

미술은 선사시대의 동굴 벽화부터 현대의 설치 미술까지, 인류의 삶과 함께 변화하고 발전해왔다.^[9]^[10]^[11]^[12] 일부 학자들에 따르면, 독립적인 범주로서의 순수 미술이라는 개념은 서구의 근세 초기에 발명된 것이라고 한다. 래리 샤이너는 그의 저서 ''미술의 발명: 문화사''(2003)에서 18세기에 그 발명을 위치시킨다.^[9] 폴 오스카 크리스텔러, 피에르 부르디외, 테리 이글턴 등도 유사한 견해를 표명했지만, 발명 시점은 종종 이탈리아 르네상스 시대로 거슬러 올라간다.^[10] 앤서니 블런트는 ''arti di 디세뇨''라는 용어가 16세기 중반 이탈리아에서 등장했다고 지적한다.^[10]

18세기 이전 서구에는 "예술 체계"가 있었는데, 예술가나 장인은 숙련된 제작자나 실무자였고, 예술 작품은 숙련된 작업의 유용한 산물이었으며, 예술의 감상은 삶의 다른 영역에서의 역할과 밀접하게 연결되어 있었다. "예술"은 그리스어 "테크네" 또는 영어 "기술"과 거의 같은 의미였다.^[9] 그러나 고전 시대는 예술에 대한 이론적 저술이 거의 남아 있지 않지만, 실제로는 유사한 구분이 있었다고 주장할 수 있다. 문헌 자료에 남아 있는 예술가의 이름은 그리스 화가와 조각가이며, 부분적으로는 각인 보석 세공인들도 포함된다. 이들 그룹의 여러 개인들은 매우 유명했으며, 사후 수세기 동안 복제되고 기억되었다. 르네상스 이론적 토대의 중요한 부분이었던 개별 예술적 천재의 숭배는 특히 플리니우스에 의해 기록된 바와 같이 고전적 전례를 바탕으로 했다. 고대 그리스 도자기와 같은 다른 유형의 물체에는 제작자나 작업장 소유주의 서명이 있는데, 이는 제품을 광고하기 위한 것이었을 것이다.

조지 쿠블러 등은 "순수 미술" 개념의 쇠퇴를 1880년경으로 거슬러 올라간다. 1900년경 민속 미술이 중요하게 여겨지기 시작하면서 "유행에서 벗어났다."^[11] 결국, 적어도 미술 이론에 관심 있는 사람들 사이에서는 "순수 미술"이라는 용어는 1920년경 산업 디자인 전문가들에 의해 사용되지 않게 되었다.^[12] 이는 이론가들 사이에서 그랬고, 미술 시장과 대중 여론이 따라잡는 데는 훨씬 더 오랜 시간이 걸렸다. 그러나 19세기 후반과 20세기 초의 같은 기간 동안 미술 시장에서 가격 변동은 반대 방향이었으며, 순수 미술 작품이 장식 미술 작품보다 훨씬 더 앞서 나갔다. 미술 시장에서는 1900년경 이전의 작품에 대해 이 용어가 어느 정도 통용되며, 경매나 경매 회사 부서 등의 범위를 정의하는 데 사용될 수 있다. 이 용어는 또한 고등 교육에서도 사용되며, 대학, 학부 및 강좌의 이름에 나타난다. 영어권에서는 주로 북미에서 사용되지만, 프랑스어의 ''beaux-arts''나 스페인어의 ''bellas artes''와 같은 다른 유럽 언어의 동등한 용어에도 마찬가지이다.

미술사는 다음과 같이 시대와 지역별로 분류할 수 있다.

'''시대와 경향'''

선사시대
고대
중세
* 로마네스크 이전
* 로마네스크
* 고딕
르네상스
* 마니에리즘
바로크
로코코
신고전주의
부흥 양식
낭만주의
사실주의
라파엘 전파
근대
* 인상주의
* 상징주의
* 장식미술
* 후기 인상주의
* 아르누보
* 포비즘
* 표현주의
* 입체주의
현대
* 포스트모더니즘
* 개념주의
* 팝
* 미니멀리즘
서양 미술사의 시대

'''지역'''

'''근동 미술'''
* 메소포타미아
* 이집트
* 히타이트
* 페르시아
* 아라비아
* 남아라비아
* 페니키아
* 오스만

'''중앙아시아 미술'''

'''동아시아 미술'''
* 중국
**홍콩
**타이완
* 일본
* 한국
* 티베트

'''남아시아 미술'''
* 인도
* 부탄
* 네와르

'''동남아시아 미술'''
* 인도네시아
* 필리핀
* 베트남
* 태국
* 미얀마
* 말레이시아
* 캄보디아
** 크메르
* 라오스
* 싱가포르
* 브루나이

'''유럽 미술'''
* 미노아
* 키클라데스
* 에트루리아
* 다키아
* 켈트
* 스키타이
* 그리스
* 헬레니즘
* 이베리아
* 로마
* 비잔틴
* 앵글로색슨
* 오토
* 바이킹
* 루스

'''아프리카 미술'''
* 이그보
* 요루바
* 베냉
* 쿠바
* 루바

'''아메리카 미술'''
* 콜럼버스 이전
* 마야
* 무이스카
* 이누이트

'''오세아니아 미술'''
* 오스트레일리아
* 쿡 제도
* 하와이
* 파푸아

'''종교'''

불교
기독교
* 가톨릭
* 프로테스탄트
힌두교
이슬람
자이나
마니교
시크교
도교
부두
보두

'''기법'''

조각
회화
도자기
서예
건축
사진
그래픽 아트
디지털 아트

'''유형'''

추상
미술사
미술 운동
* 목록
구상
장례
순진한
서사
자연주의

'''세부 분류'''

'''고대 미술'''

고대 미술은 고대 문명의 미술을 다루며, 대표적으로 이집트, 메소포타미아, 그리스, 로마 등이 있다.

'''중세 미술'''

중세 시대는 서로마 제국의 멸망부터 르네상스 시대의 도래까지 이어진다. 중세 미술은 이 시기의 유럽 미술을 가리키며, 로마네스크 미술과 고딕 미술을 포함한다.

로마네스크 미술은 11세기부터 12세기까지 서유럽에서 유행한 미술 양식이다. '로마네스크'라는 명칭은 19세기에 고안되었으며, 로마 건축의 특징인 아치를 적극적으로 활용한 점을 반영한다. 대표적인 로마네스크 건축물로는 피사 대성당과 피사의 사탑이 있다.

고딕 미술은 12세기 중반부터 15세기까지 프랑스를 중심으로 발전한 미술 양식이다. 고딕 건축은 높은 천장과 뾰족한 아치, 스테인드글라스 창문이 특징이다. 샤르트르 대성당, 쾰른 대성당 등이 대표적인 고딕 건축물이다.

'''르네상스 미술'''

르네상스 미술은 이탈리아를 중심으로 발전하였으며, 이 시기에는 뛰어난 예술가들이 등장하여 다양한 작품을 남겼다.

'''바로크와 로코코 미술'''

바로크와 로코코 미술은 17세기와 18세기에 유럽에서 유행했던 미술 양식이다. 바로크 미술은 17세기 초 이탈리아 로마에서 시작되어 유럽 전역으로 확산되었으며, 웅장하고 역동적인 표현과 풍부한 색채, 강렬한 명암 대비를 특징으로 한다. 가톨릭 교회의 반종교개혁 운동과 절대왕정의 이념을 반영하여, 종교적, 정치적 권위를 과시하는 데 기여했다.

로코코 미술은 18세기 초 프랑스에서 시작되어 유럽 전역으로 확산되었으며, 섬세하고 우아하며 화려한 장식과 밝고 부드러운 색채를 특징으로 한다. 귀족들의 개인적인 취향과 향락적인 분위기를 반영하여, 실내 장식과 가구, 회화 등 다양한 분야에서 나타났다.

바로크 미술이 권위적이고 남성적인 느낌을 주는 반면, 로코코 미술은 섬세하고 여성적인 느낌을 준다는 점에서 차이가 있다. 바로크 미술은 종교적 주제나 역사적 사건을 주로 다루는 반면, 로코코 미술은 신화 속 사랑 이야기나 귀족들의 일상생활을 주로 다룬다.

'''근대 미술'''

낭만주의(浪漫主義, romanticism^영어)는 사실주의와 함께 서양미술의 커다란 저류의 하나로 볼 수 있다. 그 표현은 동적(動的)이어서 감정의 격렬한 여파(餘波)가 느껴진다. 소용돌이치는 듯한 구도, 대비(對比)를 살린 배색(配色) 등이 그 특징이라 할 수 있겠다. 동적인 구도는 미켈란젤로의 <최후의 심판>이나 그것을 이어받은 틴토레토의 작품에도, 그리고 17세기에는 루벤스 등의 작품에도 보이는데, 18세기 말에서 19세기에 걸쳐 제리코나 들라크루아 등이 고전주의에 대항하여 낭만파를 세웠다. 낭만파는 현실 회피의 경향에서 그 주제도 주로 이야기, 사회적인 사변이나 전쟁 따위의 극적인 장면에서 구했다.

자연주의(自然主義, naturalism^영어)에 따르면 인간도 자연물의 하나이므로 자연 속에 둘러싸여서 생활하여 나가는 이상, 항상 자연에 순응하려고 하여 '자연으로 돌아가라'란 말이 반복되게 된다. 기물이나 건축장식 등에 동식물의 무늬를 붙이거나 또는 기물 따위의 형태 그것 자체를 동물 모양으로 모방하여 만드는 경우가 있는 것도 이러한 마음의 한 표현이다. 자연 현상으로서의 풍경이 독립하여 회화의 주제로서 취급된 것은 17세기 네덜란드로, 터너는 자연현상으로서의 대기(大氣)를 표현의 주제로서 취급하였고, 19세기 후반의 피사로, 모네, 시슬레 등에 의하여 일어난 인상주의(impressionism)는 빛의 움직임에 따라 시시각각으로 변화하는 자연의 표정을 포착하려고 하였다. 사실주의 사람들이 자연이나 인생의 현실적인 진실을 파헤쳐 뽑아내려고 한 데 반하여, 인상파는 솔직하게 자연현상의 아름다움에 순응하려는 태도가 보인다. 세잔 등의 후기인상파는 인상파를 수정하여 사실파와는 다른 각도에서 사물의 본질에 접근했다.

'''현대 미술'''

20세기 초 세잔의 영향으로 피카소나 브라크는 자연의 형체를 해체하여, 그것을 화면 위에 새로운 질서에 의해서 재구성(再構成)하려는 이른바 입체파(cubism)를 일으켰다. 칸딘스키는 자연의 대상과는 관계 없이 형상이나 빛깔이 갖는 성질을 살려서 이것들을 화면에 조립시켜, 음색(音色)이 다른 악기를 모아 교향곡을 만들듯이 새로운 질서와 통일을 도모하려 하였다. 가장 자유롭게, 부정형(不定形)을 가지고 자기 감정을 분방하게 표현하거나, 또는 완성된 결과 등을 문제 삼지 않고 그림물감을 마구 던져 칠하거나, 뿜어 칠하거나 하는 행동을 취할 때의 정신적인 긴장을 소중히 여기는 액션 페인팅(action painting) 따위도 생겼다.

마이클 크레이그-마틴(Michael Craig-Martin)의 ''An Oak Tree'', 1973

개념 미술은 작품에 담긴 개념이나 아이디어가 전통적인 미학적, 물질적 고려 사항보다 우선하는 미술이다. 1960년대에 이 용어가 처음 등장했을 때, 종종 텍스트로 제시됨으로써 시각 예술과 관련된 전통적인 시각 기준에 반하는, 엄격하고 집중적인 '아이디어 기반 미술'을 의미했다. 그러나 1990년대 영국 신예 예술가들과 터너상과의 연관성을 통해, 특히 영국에서 전통적인 회화와 조각 기술을 사용하지 않는 모든 현대 미술의 동의어로서 대중적인 용법이 발전했다.^[20]

사회 변화를 반영하여 다다이즘 운동이 파인아트 내부에서 일어난다. 마르셀 뒤샹이 1917년 뉴욕의 "앙데팡당전"에 익명으로 남성용 소변기를 거의 가공하지 않고 『샘』이라는 제목으로 출품한 사건이 다다이즘 예술의 대표적인 사례이다. 이것은 반예술이라고도 불린다.

20세기 후반이 되면서, 특히 미국의 경제적 번영과 대량 소비 사회를 배경으로 대중문화가 성행하자, 그것을 받아들인 팝아트(American Pop)가 등장한다. 1950년대에 재스퍼 존스는 성조기를 유화로 그렸고, 로이 리히텐슈타인은 1960년대에 신문 연재 만화의 한 컷을 인쇄 잉크의 점까지 포함하여 캔버스에 확대하여 그렸다. 앤디 워홀은 같은 시기에 실크스크린을 이용한 판화를 선호하며, 마릴린 몬로의 얼굴 사진 등을 소재로 삼았다.

현대에는 판화나 사진, 영상(동영상)도 파인아트의 한 분야로 인식되고 있다. 뉴욕 현대미술관과 퐁피두센터가 산업 디자인을 다루는 등의 움직임이 있다.

'''한국 미술'''

삼국시대에는 고구려, 백제, 신라가 각기 독자적인 미술 양식을 발전시켰다. 고구려 미술은 고분 벽화를 통해 엿볼 수 있는데, 강인하고 역동적인 표현이 특징이다. 백제 미술은 부드럽고 우아한 분위기를 풍기며, 일본 미술 발전에 큰 영향을 주었다. 신라 미술은 불교의 영향을 받아 화려하고 섬세한 금속 공예 기술이 발달하였다.

통일신라 시대에는 불교 미술이 더욱 융성하여 석굴암, 불국사 등 뛰어난 조형 예술 작품이 만들어졌다. 고려 시대에는 청자로 대표되는 도자기 공예가 절정을 이루었으며, 귀족 문화를 중심으로 화려하고 세련된 미술이 발달하였다.

조선 시대에는 유교 이념의 영향으로 소박하고 단아한 백자가 유행하였고, 사군자와 같은 문인화가 발달하였다. 또한, 서민들의 삶과 정서를 담은 민화와 풍속화가 등장하여 한국 미술의 다양성을 더했다.

현대에 들어서는 서구 미술의 영향을 받아 다양한 사조와 기법이 등장하였으며, 전통 미술의 요소를 현대적으로 재해석하는 시도도 활발하게 이루어지고 있다. 특히 단색화는 한국 현대 미술의 대표적인 흐름으로 자리 잡았으며, 국제적으로도 주목받고 있다.

2. 1. 미술의 기원과 발전

미술은 선사시대의 동굴 벽화부터 현대의 설치 미술까지, 인류의 삶과 함께 변화하고 발전해왔다.^[9]^[10]^[11]^[12] 일부 학자들에 따르면, 독립적인 범주로서의 순수 미술이라는 개념은 서구의 근세 초기에 발명된 것이라고 한다. 래리 샤이너는 그의 저서 ''미술의 발명: 문화사''(2003)에서 18세기에 그 발명을 위치시킨다.^[9] 폴 오스카 크리스텔러, 피에르 부르디외, 테리 이글턴 등도 유사한 견해를 표명했지만, 발명 시점은 종종 이탈리아 르네상스 시대로 거슬러 올라간다.^[10] 앤서니 블런트는 ''arti di 디세뇨''라는 용어가 16세기 중반 이탈리아에서 등장했다고 지적한다.^[10]

18세기 이전 서구에는 "예술 체계"가 있었는데, 예술가나 장인은 숙련된 제작자나 실무자였고, 예술 작품은 숙련된 작업의 유용한 산물이었으며, 예술의 감상은 삶의 다른 영역에서의 역할과 밀접하게 연결되어 있었다. "예술"은 그리스어 "테크네" 또는 영어 "기술"과 거의 같은 의미였다.^[9] 그러나 고전 시대는 예술에 대한 이론적 저술이 거의 남아 있지 않지만, 실제로는 유사한 구분이 있었다고 주장할 수 있다. 문헌 자료에 남아 있는 예술가의 이름은 그리스 화가와 조각가이며, 부분적으로는 각인 보석 세공인들도 포함된다. 이들 그룹의 여러 개인들은 매우 유명했으며, 사후 수세기 동안 복제되고 기억되었다. 르네상스 이론적 토대의 중요한 부분이었던 개별 예술적 천재의 숭배는 특히 플리니우스에 의해 기록된 바와 같이 고전적 전례를 바탕으로 했다. 고대 그리스 도자기와 같은 다른 유형의 물체에는 제작자나 작업장 소유주의 서명이 있는데, 이는 제품을 광고하기 위한 것이었을 것이다.

조지 쿠블러 등은 "순수 미술" 개념의 쇠퇴를 1880년경으로 거슬러 올라간다. 1900년경 민속 미술이 중요하게 여겨지기 시작하면서 "유행에서 벗어났다."^[11] 결국, 적어도 미술 이론에 관심 있는 사람들 사이에서는 "순수 미술"이라는 용어는 1920년경 산업 디자인 전문가들에 의해 사용되지 않게 되었다.^[12] 이는 이론가들 사이에서 그랬고, 미술 시장과 대중 여론이 따라잡는 데는 훨씬 더 오랜 시간이 걸렸다. 그러나 19세기 후반과 20세기 초의 같은 기간 동안 미술 시장에서 가격 변동은 반대 방향이었으며, 순수 미술 작품이 장식 미술 작품보다 훨씬 더 앞서 나갔다. 미술 시장에서는 1900년경 이전의 작품에 대해 이 용어가 어느 정도 통용되며, 경매나 경매 회사 부서 등의 범위를 정의하는 데 사용될 수 있다. 이 용어는 또한 고등 교육에서도 사용되며, 대학, 학부 및 강좌의 이름에 나타난다. 영어권에서는 주로 북미에서 사용되지만, 프랑스어의 ''beaux-arts''나 스페인어의 ''bellas artes''와 같은 다른 유럽 언어의 동등한 용어에도 마찬가지이다.

2. 2. 서양 미술의 역사

고대 미술은 고대 문명의 미술을 다루며, 대표적으로 이집트, 메소포타미아, 그리스, 로마 등이 있다.

중세 시대는 서로마 제국의 멸망부터 르네상스 시대의 도래까지 이어진다. 중세 미술은 이 시기의 유럽 미술을 가리키며, 로마네스크 미술과 고딕 미술을 포함한다.

로마네스크 미술은 11세기부터 12세기까지 서유럽에서 유행한 미술 양식이다. '로마네스크'라는 명칭은 19세기에 고안되었으며, 로마 건축의 특징인 아치를 적극적으로 활용한 점을 반영한다. 대표적인 로마네스크 건축물로는 피사 대성당과 피사의 사탑이 있다.

고딕 미술은 12세기 중반부터 15세기까지 프랑스를 중심으로 발전한 미술 양식이다. 고딕 건축은 높은 천장과 뾰족한 아치, 스테인드글라스 창문이 특징이다. 샤르트르 대성당, 쾰른 대성당 등이 대표적인 고딕 건축물이다.

르네상스 미술은 이탈리아를 중심으로 발전하였으며, 이 시기에는 뛰어난 예술가들이 등장하여 다양한 작품을 남겼다.

바로크와 로코코 미술은 17세기와 18세기에 유럽에서 유행했던 미술 양식이다. 바로크 미술은 17세기 초 이탈리아 로마에서 시작되어 유럽 전역으로 확산되었으며, 웅장하고 역동적인 표현과 풍부한 색채, 강렬한 명암 대비를 특징으로 한다. 가톨릭 교회의 반종교개혁 운동과 절대왕정의 이념을 반영하여, 종교적, 정치적 권위를 과시하는 데 기여했다.

로코코 미술은 18세기 초 프랑스에서 시작되어 유럽 전역으로 확산되었으며, 섬세하고 우아하며 화려한 장식과 밝고 부드러운 색채를 특징으로 한다. 귀족들의 개인적인 취향과 향락적인 분위기를 반영하여, 실내 장식과 가구, 회화 등 다양한 분야에서 나타났다.

바로크 미술이 권위적이고 남성적인 느낌을 주는 반면, 로코코 미술은 섬세하고 여성적인 느낌을 준다는 점에서 차이가 있다. 바로크 미술은 종교적 주제나 역사적 사건을 주로 다루는 반면, 로코코 미술은 신화 속 사랑 이야기나 귀족들의 일상생활을 주로 다룬다.

낭만주의(浪漫主義, romanticism^영어)는 사실주의와 함께 서양미술의 커다란 저류의 하나로 볼 수 있다. 그 표현은 동적(動的)이어서 감정의 격렬한 여파(餘波)가 느껴진다. 소용돌이치는 듯한 구도, 대비(對比)를 살린 배색(配色) 등이 그 특징이라 할 수 있겠다. 동적인 구도는 미켈란젤로의 <최후의 심판>이나 그것을 이어받은 틴토레토의 작품에도, 그리고 17세기에는 루벤스 등의 작품에도 보이는데, 18세기 말에서 19세기에 걸쳐 제리코나 들라크루아 등이 고전주의에 대항하여 낭만파를 세웠다. 낭만파는 현실 회피의 경향에서 그 주제도 주로 이야기, 사회적인 사변이나 전쟁 따위의 극적인 장면에서 구했다.

자연주의(自然主義, naturalism^영어)에 따르면 인간도 자연물의 하나이므로 자연 속에 둘러싸여서 생활하여 나가는 이상, 항상 자연에 순응하려고 하여 '자연으로 돌아가라'란 말이 반복되게 된다. 기물이나 건축장식 등에 동식물의 무늬를 붙이거나 또는 기물 따위의 형태 그것 자체를 동물 모양으로 모방하여 만드는 경우가 있는 것도 이러한 마음의 한 표현이다. 자연 현상으로서의 풍경이 독립하여 회화의 주제로서 취급된 것은 17세기 네덜란드로, 터너는 자연현상으로서의 대기(大氣)를 표현의 주제로서 취급하였고, 19세기 후반의 피사로, 모네, 시슬레 등에 의하여 일어난 인상주의(impressionism)는 빛의 움직임에 따라 시시각각으로 변화하는 자연의 표정을 포착하려고 하였다. 사실주의 사람들이 자연이나 인생의 현실적인 진실을 파헤쳐 뽑아내려고 한 데 반하여, 인상파는 솔직하게 자연현상의 아름다움에 순응하려는 태도가 보인다. 세잔 등의 후기인상파는 인상파를 수정하여 사실파와는 다른 각도에서 사물의 본질에 접근했다.

20세기 초 세잔의 영향으로 피카소나 브라크는 자연의 형체를 해체하여, 그것을 화면 위에 새로운 질서에 의해서 재구성(再構成)하려는 이른바 입체파(cubism)를 일으켰다. 칸딘스키는 자연의 대상과는 관계 없이 형상이나 빛깔이 갖는 성질을 살려서 이것들을 화면에 조립시켜, 음색(音色)이 다른 악기를 모아 교향곡을 만들듯이 새로운 질서와 통일을 도모하려 하였다. 가장 자유롭게, 부정형(不定形)을 가지고 자기 감정을 분방하게 표현하거나, 또는 완성된 결과 등을 문제 삼지 않고 그림물감을 마구 던져 칠하거나, 뿜어 칠하거나 하는 행동을 취할 때의 정신적인 긴장을 소중히 여기는 액션 페인팅(action painting) 따위도 생겼다.

개념 미술은 작품에 담긴 개념이나 아이디어가 전통적인 미학적, 물질적 고려 사항보다 우선하는 미술이다. 1960년대에 이 용어가 처음 등장했을 때, 종종 텍스트로 제시됨으로써 시각 예술과 관련된 전통적인 시각 기준에 반하는, 엄격하고 집중적인 '아이디어 기반 미술'을 의미했다. 그러나 1990년대 영국 신예 예술가들과 터너상과의 연관성을 통해, 특히 영국에서 전통적인 회화와 조각 기술을 사용하지 않는 모든 현대 미술의 동의어로서 대중적인 용법이 발전했다.^[20]

사회 변화를 반영하여 다다이즘 운동이 파인아트 내부에서 일어난다. 마르셀 뒤샹이 1917년 뉴욕의 "앙데팡당전"에 익명으로 남성용 소변기를 거의 가공하지 않고 『샘』이라는 제목으로 출품한 사건이 다다이즘 예술의 대표적인 사례이다. 이것은 반예술이라고도 불린다.

20세기 후반이 되면서, 특히 미국의 경제적 번영과 대량 소비 사회를 배경으로 대중문화가 성행하자, 그것을 받아들인 팝아트(American Pop)가 등장한다. 1950년대에 재스퍼 존스는 성조기를 유화로 그렸고, 로이 리히텐슈타인은 1960년대에 신문 연재 만화의 한 컷을 인쇄 잉크의 점까지 포함하여 캔버스에 확대하여 그렸다. 앤디 워홀은 같은 시기에 실크스크린을 이용한 판화를 선호하며, 마릴린 몬로의 얼굴 사진 등을 소재로 삼았다.

현대에는 판화나 사진, 영상(동영상)도 파인아트의 한 분야로 인식되고 있다. 뉴욕 현대미술관과 퐁피두센터가 산업 디자인을 다루는 등의 움직임이 있다.

2. 2. 1. 고대 미술

고대 미술은 고대 문명의 미술을 다루며, 대표적으로 이집트, 메소포타미아, 그리스, 로마 등이 있다.

2. 2. 2. 중세 미술

중세 시대는 서로마 제국의 멸망부터 르네상스 시대의 도래까지 이어진다. 중세 미술은 이 시기의 유럽 미술을 가리키며, 로마네스크 미술과 고딕 미술을 포함한다.

로마네스크 미술은 11세기부터 12세기까지 서유럽에서 유행한 미술 양식이다. '로마네스크'라는 명칭은 19세기에 고안되었으며, 로마 건축의 특징인 아치를 적극적으로 활용한 점을 반영한다. 대표적인 로마네스크 건축물로는 피사 대성당과 피사의 사탑이 있다.

고딕 미술은 12세기 중반부터 15세기까지 프랑스를 중심으로 발전한 미술 양식이다. 고딕 건축은 높은 천장과 뾰족한 아치, 스테인드글라스 창문이 특징이다. 샤르트르 대성당, 쾰른 대성당 등이 대표적인 고딕 건축물이다.

2. 2. 3. 르네상스 미술

르네상스 미술은 이탈리아를 중심으로 발전하였으며, 이 시기에는 뛰어난 예술가들이 등장하여 다양한 작품을 남겼다.

2. 2. 4. 바로크와 로코코 미술

바로크와 로코코 미술은 17세기와 18세기에 유럽에서 유행했던 미술 양식이다. 바로크 미술은 17세기 초 이탈리아 로마에서 시작되어 유럽 전역으로 확산되었으며, 웅장하고 역동적인 표현과 풍부한 색채, 강렬한 명암 대비를 특징으로 한다. 가톨릭 교회의 반종교개혁 운동과 절대왕정의 이념을 반영하여, 종교적, 정치적 권위를 과시하는 데 기여했다.

로코코 미술은 18세기 초 프랑스에서 시작되어 유럽 전역으로 확산되었으며, 섬세하고 우아하며 화려한 장식과 밝고 부드러운 색채를 특징으로 한다. 귀족들의 개인적인 취향과 향락적인 분위기를 반영하여, 실내 장식과 가구, 회화 등 다양한 분야에서 나타났다.

바로크 미술이 권위적이고 남성적인 느낌을 주는 반면, 로코코 미술은 섬세하고 여성적인 느낌을 준다는 점에서 차이가 있다. 바로크 미술은 종교적 주제나 역사적 사건을 주로 다루는 반면, 로코코 미술은 신화 속 사랑 이야기나 귀족들의 일상생활을 주로 다룬다.

2. 2. 5. 근대 미술

낭만주의(浪漫主義, romanticism^영어)는 사실주의와 함께 서양미술의 커다란 저류의 하나로 볼 수 있다. 그 표현은 동적(動的)이어서 감정의 격렬한 여파(餘波)가 느껴진다. 소용돌이치는 듯한 구도, 대비(對比)를 살린 배색(配色) 등이 그 특징이라 할 수 있겠다. 동적인 구도는 미켈란젤로의 <최후의 심판>이나 그것을 이어받은 틴토레토의 작품에도, 그리고 17세기에는 루벤스 등의 작품에도 보이는데, 18세기 말에서 19세기에 걸쳐 제리코나 들라크루아 등이 고전주의에 대항하여 낭만파를 세웠다. 낭만파는 현실 회피의 경향에서 그 주제도 주로 이야기, 사회적인 사변이나 전쟁 따위의 극적인 장면에서 구했다.

자연주의(自然主義, naturalism^영어)에 따르면 인간도 자연물의 하나이므로 자연 속에 둘러싸여서 생활하여 나가는 이상, 항상 자연에 순응하려고 하여 '자연으로 돌아가라'란 말이 반복되게 된다. 기물이나 건축장식 등에 동식물의 무늬를 붙이거나 또는 기물 따위의 형태 그것 자체를 동물 모양으로 모방하여 만드는 경우가 있는 것도 이러한 마음의 한 표현이다. 자연 현상으로서의 풍경이 독립하여 회화의 주제로서 취급된 것은 17세기 네덜란드로, 터너는 자연현상으로서의 대기(大氣)를 표현의 주제로서 취급하였고, 19세기 후반의 피사로, 모네, 시슬레 등에 의하여 일어난 인상주의(impressionism)는 빛의 움직임에 따라 시시각각으로 변화하는 자연의 표정을 포착하려고 하였다. 사실주의 사람들이 자연이나 인생의 현실적인 진실을 파헤쳐 뽑아내려고 한 데 반하여, 인상파는 솔직하게 자연현상의 아름다움에 순응하려는 태도가 보인다. 세잔 등의 후기인상파는 인상파를 수정하여 사실파와는 다른 각도에서 사물의 본질에 접근했다.

2. 2. 6. 현대 미술

20세기 초 세잔의 영향으로 피카소나 브라크는 자연의 형체를 해체하여, 그것을 화면 위에 새로운 질서에 의해서 재구성(再構成)하려는 이른바 입체파(cubism)를 일으켰다. 칸딘스키는 자연의 대상과는 관계 없이 형상이나 빛깔이 갖는 성질을 살려서 이것들을 화면에 조립시켜, 음색(音色)이 다른 악기를 모아 교향곡을 만들듯이 새로운 질서와 통일을 도모하려 하였다. 가장 자유롭게, 부정형(不定形)을 가지고 자기 감정을 분방하게 표현하거나, 또는 완성된 결과 등을 문제 삼지 않고 그림물감을 마구 던져 칠하거나, 뿜어 칠하거나 하는 행동을 취할 때의 정신적인 긴장을 소중히 여기는 액션 페인팅(action painting) 따위도 생겼다.

개념 미술은 작품에 담긴 개념이나 아이디어가 전통적인 미학적, 물질적 고려 사항보다 우선하는 미술이다. 1960년대에 이 용어가 처음 등장했을 때, 종종 텍스트로 제시됨으로써 시각 예술과 관련된 전통적인 시각 기준에 반하는, 엄격하고 집중적인 '아이디어 기반 미술'을 의미했다. 그러나 1990년대 영국 신예 예술가들과 터너상과의 연관성을 통해, 특히 영국에서 전통적인 회화와 조각 기술을 사용하지 않는 모든 현대 미술의 동의어로서 대중적인 용법이 발전했다.^[20]

사회 변화를 반영하여 다다이즘 운동이 파인아트 내부에서 일어난다. 마르셀 뒤샹이 1917년 뉴욕의 "앙데팡당전"에 익명으로 남성용 소변기를 거의 가공하지 않고 『샘』이라는 제목으로 출품한 사건이 다다이즘 예술의 대표적인 사례이다. 이것은 반예술이라고도 불린다.

20세기 후반이 되면서, 특히 미국의 경제적 번영과 대량 소비 사회를 배경으로 대중문화가 성행하자, 그것을 받아들인 팝아트(American Pop)가 등장한다. 1950년대에 재스퍼 존스는 성조기를 유화로 그렸고, 로이 리히텐슈타인은 1960년대에 신문 연재 만화의 한 컷을 인쇄 잉크의 점까지 포함하여 캔버스에 확대하여 그렸다. 앤디 워홀은 같은 시기에 실크스크린을 이용한 판화를 선호하며, 마릴린 몬로의 얼굴 사진 등을 소재로 삼았다.

현대에는 판화나 사진, 영상(동영상)도 파인아트의 한 분야로 인식되고 있다. 뉴욕 현대미술관과 퐁피두센터가 산업 디자인을 다루는 등의 움직임이 있다.

2. 3. 동양 미술의 역사

삼국시대에는 고구려, 백제, 신라가 각기 독자적인 미술 양식을 발전시켰다. 고구려 미술은 고분 벽화를 통해 엿볼 수 있는데, 강인하고 역동적인 표현이 특징이다. 백제 미술은 부드럽고 우아한 분위기를 풍기며, 일본 미술 발전에 큰 영향을 주었다. 신라 미술은 불교의 영향을 받아 화려하고 섬세한 금속 공예 기술이 발달하였다.

통일신라 시대에는 불교 미술이 더욱 융성하여 석굴암, 불국사 등 뛰어난 조형 예술 작품이 만들어졌다. 고려 시대에는 청자로 대표되는 도자기 공예가 절정을 이루었으며, 귀족 문화를 중심으로 화려하고 세련된 미술이 발달하였다.

조선 시대에는 유교 이념의 영향으로 소박하고 단아한 백자가 유행하였고, 사군자와 같은 문인화가 발달하였다. 또한, 서민들의 삶과 정서를 담은 민화와 풍속화가 등장하여 한국 미술의 다양성을 더했다.

현대에 들어서는 서구 미술의 영향을 받아 다양한 사조와 기법이 등장하였으며, 전통 미술의 요소를 현대적으로 재해석하는 시도도 활발하게 이루어지고 있다. 특히 단색화는 한국 현대 미술의 대표적인 흐름으로 자리 잡았으며, 국제적으로도 주목받고 있다.

2. 3. 1. 한국 미술

삼국시대에는 고구려, 백제, 신라가 각기 독자적인 미술 양식을 발전시켰다. 고구려 미술은 고분 벽화를 통해 엿볼 수 있는데, 강인하고 역동적인 표현이 특징이다. 백제 미술은 부드럽고 우아한 분위기를 풍기며, 일본 미술 발전에 큰 영향을 주었다. 신라 미술은 불교의 영향을 받아 화려하고 섬세한 금속 공예 기술이 발달하였다.

통일신라 시대에는 불교 미술이 더욱 융성하여 석굴암, 불국사 등 뛰어난 조형 예술 작품이 만들어졌다. 고려 시대에는 청자로 대표되는 도자기 공예가 절정을 이루었으며, 귀족 문화를 중심으로 화려하고 세련된 미술이 발달하였다.

조선 시대에는 유교 이념의 영향으로 소박하고 단아한 백자가 유행하였고, 사군자와 같은 문인화가 발달하였다. 또한, 서민들의 삶과 정서를 담은 민화와 풍속화가 등장하여 한국 미술의 다양성을 더했다.

현대에 들어서는 서구 미술의 영향을 받아 다양한 사조와 기법이 등장하였으며, 전통 미술의 요소를 현대적으로 재해석하는 시도도 활발하게 이루어지고 있다. 특히 단색화는 한국 현대 미술의 대표적인 흐름으로 자리 잡았으며, 국제적으로도 주목받고 있다.

2. 4. 동서양 미술의 교류

표현은 풍토의 차이에 따라 달라지는데, 생각지도 않았던 유사성을 다른 풍토의 조형 속에서 발견할 수도 있다. 이것은 민족의 이동이나 민족 간의 문화 교류가 이루어졌기 때문이다. 한국의 고대 역사에 있어서 문화상의 커다란 변혁 중 하나는 중국 남북조로부터의 불교 전래였다. 이는 단순한 교의(敎義) 전래뿐 아니라 철학, 문학, 건축을 비롯한 모든 조형 문화의 전래이기도 하였다. 당시 국제 국가였던 당(唐)나라는 조형미술에서 직접적이지는 않더라도 인도와의 문화 교류가 이루어졌고, 인도의 간다라 불상은 그리스·로마 조각의 영향을 받아 극히 그리스식(式)이었다. 실크로드는 동서 문화를 연결하는 데 큰 역할을 하였고, 중앙아시아의 여러 가지 집기(什器)들이 고대 한국에도 전래되어 당시 한국의 조형 활동에 큰 영향을 끼쳤다.

''왕희지가 기러기를 보는 모습''; 전선 작; 1235년-1307년 이전; 수권(종이에 먹, 채색, 금 사용); 23.8 x 92.1cm; 메트로폴리탄 미술관

20세기 초 유럽 화가들은 동양 회화에 흥미를 느꼈고, 고갱은 색면(色面)으로써 대상을 파악하여 동양화가 특징으로 하는 그림물감의 평면도(平面塗)를 시도했다. 또한 선묘의 아름다움은 마티스 등의 그림에서도 살려져 있으며, 1950년대에 세계를 휩쓴 앵포르멜의 회화 기법도 동양화의 몰골법과 깊은 유대를 가졌다. 교통 기관이나 보도 기관의 발달에 따라 문화 교류는 더욱 왕성하게 되어 조형 표현도 구역의 차이를 줄였다고는 하나, 결국 그들이 지역의 전통 속에 흡수 융화되어 항상 새로운 문화가 계속하여 생겨나게 된다.

유럽과 미국에서 흔히 지배적인 미술과 장식미술 또는 공예의 개념적 분리는 다른 모든 문화에서 공유되는 것은 아니다. 그러나 전통적인 중국 미술은 비슷한 차이점을 가지고 있었는데, 중국 회화 내에서 주로 풍경을 그린 문인화를 그린 선비들과 궁정 회화와 조각의 학교 장인들을 구분했다. 서구에서 공예품으로 여겨지는 많은 것들, 특히 도자기, 옥 조각, 직조 및 자수 등은 높은 지위를 부여받았지만, 이러한 물건을 만든 노동자들에게까지 그러한 지위가 확대되지는 않았으며, 일반적으로 서구보다 더 익명으로 남아 있었다. 일본과 한국 미술에서도 유사한 구분이 이루어졌다. 이슬람 미술에서는 서예, 건축가, 페르시아 미니어처 및 관련 전통의 화가들에게 일반적으로 가장 높은 지위가 부여되었지만, 이들은 여전히 매우 자주 궁정 직원이었다. 일반적으로 그들은 서구보다 더 일관되게 최고의 페르시아 카펫, 건축 타일 장식 및 기타 장식 매체의 디자인을 제공했다.

라틴 아메리카 미술은 20세기까지 유럽 식민주의의 지배를 받았는데, 20세기에 들어와서 토착 예술이 구축주의 운동에서 영감을 받아 사회주의 원칙에 기반하여 예술과 공예를 통합하면서 다시 부상하기 시작했다. 아프리카에서는 요루바 미술이 종종 정치적, 영적 기능을 가지고 있다. 중국 미술과 마찬가지로 요루바 미술도 종종 서구에서 일반적으로 공예 생산으로 간주되는 것으로 구성되어 있다. 직물과 같은 가장 찬탄받는 예술 작품 중 일부는 이 범주에 속한다.

3. 미술의 개념 및 조건

미술의 표현에 있어서 중요한 것은 표현을 중심으로 표현 이전의 사상과 표현 이후의 작품이 있어 셋이 올바르게 갖추어져야 된다는 것이다. 가령 풍경화를 그릴 때 늘 자기가 좋다고 보아 온 어느 자연 풍경이 있어 그것을 한번 그려보려는 마음이 우선 있어야 하고, 다음 어떻게 그리겠다는 표현의 방법이 마련되어 구체적으로 캔버스에다 유채로 그려 풍경화 작품을 남겨 놓아야 된다는 것이다. 이때 중요한 것이 표현 이전의 아이디어냐, 그 아이디어를 구현하는 능력 즉 표현이냐는 것은 늘 예술상의 문제이지만, 모든 예술의 성립이 표현에서 비롯하므로 미술에서도 역시 표현이 무엇보다도 중요하다고 할 수 있다. 말하자면 예술이 표현인 것과 같이 미술도 표현이다. 미술 표현에 있어서는 재료도 중요하다. 다시 말해서 미술 재료는 미술 표현의 매개체일 뿐더러 그 존립을 좌우하는 중요한 존재이다. 그러기에 미술 발전의 밑바닥에는 늘 재료의 발달이 뒤따른다는 것을 잊어서는 안 된다. 미술은 본질적인 미학적 근거도 갖고 있으나 시대의 변천에 따라 적응하는 시대성도 또한 중요하다. 모든 시대를 통하여 미술은 리얼리티의 구현이라는 것은 그 시대의 모든 문화적 성과를 종합해서 미술이 성립된다는 뜻이기 때문이다. 얼른 생각하기에는 미술은 자연 과학과 별개의 것이라고 하지만 어느 시대이건 가장 위대한 미술은 그 시대의 미술과 자연 과학의 일치에서 오는 종합적인 존재라는 것을 미술사(美術史)는 우리에게 보여주고 있다.

3. 1. 미술의 정의

미술이라는 용어는 사람의 감정이나 뜻을 나타내는 표현으로 사용되었으나, 시대와 문화에 따라 그 의미가 다르게 사용되었다. 중국 당나라 시대에는 공예(工藝)라고 불렀고, 명나라·청나라 시대에는 서화(書畵)라는 말이 오늘날의 미술이라는 의미로 사용되기도 하였다. 한국에서도 '미술'이라는 용어가 들어오기 전까지는 서화라는 용어가 사용되었다.

1960년 전후 서양의 미학 사상이 유입되면서 미술의 영역이 확대되었다. 1800년대 서양에서는 미술을 순수 미술(그림·조각)과 응용 미술(공예·건축)로 구분하였다. 그러나 1950년 전후 미술의 모습이 크게 달라지면서 시각 예술, 공간 예술, 조형 미술과 같은 새로운 용어가 등장하였다. 이러한 용어들은 사진, 디자인, 꽃꽂이 등 새로운 미술 현상을 포괄할 수 있다는 장점이 있었다.

일본에서는 개국 이후 메이지 시대에 서양 문화가 유입되면서 '미술'이라는 용어가 사용되기 시작했다. 1873년 빈 만국 박람회에 참가하면서 출품할 품목의 구분 명칭으로 독일어 Kunstgewerbe 및 Bildende Kunst의 번역어로 '미술'을 채택했다. 또한, 니시 슈는 1872년(1878년 설도 있음) 『미묘학설(美妙学説)』에서 영어의 fine arts를 '미술'로 번역했다고 알려져 있다.^[42]^[43]^[44]

구로카와 마나요시는 '미(美)'라는 글자가 본래 제물로 바치는 양의 크고 살찐 모습을 의미한다는 점에서, 명인이나 천재의 작품에서 발생하는 감명을 표현하기에는 부족하다고 생각했다. 그럼에도 불구하고 '당분간 이 글자를 사용해 두겠다'는 단서를 달고 '미술'이라는 번역어를 공식적으로 제정했다.^[42]^[43]^[44] 이후 '미술'은 fine arts 중 시각 예술에 한정되어 사용되었고, 시, 음악, 연극 등을 포함한 fine arts는 '예술'로 번역되었다.

fine arts는 18세기 유럽에서 확립된 개념으로, 르네상스 이후의 서양 미술에만 적용되는 경향이 있다. 따라서 이 용어를 다른 지역이나 시대에 적용하는 것은 문제가 있을 수 있다. 예를 들어, 동양미술에서는 서(書)를 미술품으로 취급하지만, 서양의 fine arts에는 해당하지 않는다. 또한, 옛 일본 화가들의 작품은 대부분 障壁画로 실내 장식의 역할을 하므로, fine arts의 정의에 부합하지 않는다.

3. 2. 미술의 조건

미술의 표현에 있어서 중요한 것은 표현을 중심으로 표현 이전의 사상과 표현 이후의 작품이 있어 셋이 올바르게 갖추어져야 된다는 것이다. 가령 풍경화를 그릴 때 늘 자기가 좋다고 보아 온 어느 자연 풍경이 있어 그것을 한번 그려보려는 마음이 우선 있어야 하고, 다음 어떻게 그리겠다는 표현의 방법이 마련되어 구체적으로 캔버스에다 유채로 그려 풍경화 작품을 남겨 놓아야 된다는 것이다. 이때 중요한 것이 표현 이전의 아이디어냐, 그 아이디어를 구현하는 능력 즉 표현이냐는 것은 늘 예술상의 문제이지만, 모든 예술의 성립이 표현에서 비롯하므로 미술에서도 역시 표현이 무엇보다도 중요하다고 할 수 있다. 말하자면 예술이 표현인 것과 같이 미술도 표현이다. 미술 표현에 있어서는 재료도 중요하다. 다시 말해서 미술 재료는 미술 표현의 매개체일 뿐더러 그 존립을 좌우하는 중요한 존재이다. 그러기에 미술 발전의 밑바닥에는 늘 재료의 발달이 뒤따른다는 것을 잊어서는 안 된다. 미술은 본질적인 미학적 근거도 갖고 있으나 시대의 변천에 따라 적응하는 시대성도 또한 중요하다. 모든 시대를 통하여 미술은 리얼리티의 구현이라는 것은 그 시대의 모든 문화적 성과를 종합해서 미술이 성립된다는 뜻이기 때문이다. 얼른 생각하기에는 미술은 자연 과학과 별개의 것이라고 하지만 어느 시대이건 가장 위대한 미술은 그 시대의 미술과 자연 과학의 일치에서 오는 종합적인 존재라는 것을 미술사(美術史)는 우리에게 보여주고 있다.

3. 2. 1. 표현의 주제

인간의 행동에는 그 행동을 일으키는 어떤 동인(動因)이 있어야만 한다. 그것은 미적 조형 활동(美的造形活動)에 있어서도 마찬가지이다. 화가가 풍경을 보고 그 아름다움에 감동해서 그 감동을 캔버스 위에 표현한다고 하는 것도 동인일 것이며, 또한 건축가가 건축 의뢰를 받고 그 설계를 시작한다는 것도 하나의 동인일 것이다. 전자의 경우는 작가에게 있어서 극히 행복한 경우일지 모르나 그것만이 순수한 동인으로서 예술적 효과를 높일 수 있는 것이라고 조급하게 단정할 수는 없을 것이다. 문제는 작가가 그 주제에 대해서 얼마만큼의 정열을 쏟을 수 있었는가, 또한 표현의 기술을 통해서 얼마만큼 자신의 미적 감각을 발휘할 수 있었는가 하는 것이다. 주문을 받은 것이든 자발적인 것이든, 예술상의 타락은 작가가 자신의 예술적 양심에 반해서 대중이나 주문자나 혹은 비평가 등에 영합하려고 표현을 속이는 것이라고 하지 않으면 안 된다. 렘브란트는 단체 초상화를 평판적(平板的)인 기념 촬영으로 만들지 않았다. 야경(夜警)은 그의 예술적 의도에서 인물들을 광선의 교착 속에 두어 생활상의 분위기를 살렸는데, 이것은 주문자의 불평을 샀으나 지금은 네덜란드의 국보가 되어 있다.

3. 2. 2. 이미지

이미지라는 말은 심상(心像), 즉 기억이나 상상에 의해서 마음에 떠오르는 상(像)을 뜻하는 것으로서 이미지가 풍부하면 표현도 풍부한 것이 되어, 조형(造形) 표현으로서는 극히 중요하다. 작가의 창조력과 아이디어에 의해서 이미지를 구현시키기 위한 구체적인 안이 나온다.

3. 2. 3. 에스프리

에스프리라는 말은 그 표현에 작자의 신경이 통하고 있어 개성적(個性的)이라는 것을 가리키는데, 그것은 시혼(詩魂)이라는 말로 표현해도 좋고 혹은 작품 속에 숨겨져 있는 인간성이라고 생각해도 좋다. A라는 어느 한 인간을 생각해 보자. A에게는 머리도 있고 몸뚱이도 있으며 손발도 있다. 그것들은 다른 사람들의 눈으로도 볼 수 있으며 그것들이 없어지면 A도 물론 소멸해 버리긴 한다. 그러나 A는 단지 머리와 몸뚱이·손발들을 모아 놓은 것이 아니라 그 가운데 있는 무엇인가가 머리나 몸뚱이나 손발을 움직이게 해서 A다운 행동을 시킴으로써 머리나 몸뚱이나 손발을 특징지어 A라는 사람의 인상을 그와 접촉하는 사람에게 부여해 주는 것이다. 인간이 머리나 몸뚱이나 손발을 갖고 있는 것처럼 조형작품(造形作品)도 제각기 모양을 갖고 빛깔을 가지며, 재료를 갖고 또한 제각기 구성을 갖는다. 그것들은 눈으로 볼 수 있고 작품을 밖에서 지탱해 주고 있는 것이다. 그러나 그것들의 양상을 특징지어주고 작품을 안에서 지탱해 주고 있는 것은 무엇인가. 그것은 어떤 시대에, 어떤 지방에 살고 있던 어느 인간(작자)의 개성이라고 하지 않으면 안 된다. 그것은 작자의 인격이라고 해도 좋고, 또 인간성이라고 해도 좋을 것이다. 작품은 그 가운데 작자의 피가 맥박치며 흐르고 있어서 모양이나 색깔 따위를 특징지어 주고 있는 생명체이다. 따라서 조형 작품을 이해하기 위해서는 그 작품은 안에서 지탱하고 있는 작자 자신의 인간성을 이해함과 동시에 작품을 밖에서 지탱하고 있는 조형성(造形性)을 이해하지 않으면 안 된다.

3. 2. 4. 표현과 환경

인간은 환경의 영향을 받으며 살아가고, 조형 표현도 예외는 아니다. 표현에 영향을 미치는 환경은 시대와 풍토(風土)로 나눌 수 있다.

시대가 달라지면 문화, 정치, 종교, 생활 양식 등이 변화하고, 이는 조형 표현에 영향을 미친다.

원시 시대: 약 2만 년 전 알타미라 동굴 벽화가 대표적이다. 수렵 생활을 하던 인류는 동굴 벽에 동물을 그리며, 동물을 사랑하고 두려워하는 감정을 표현했다. 이는 솔직하고 심리적인 균형을 보여주며, 장식 본능 또한 드러난다.
농경 시작 이후: 집을 짓고 곡물을 저장하기 위한 옹기를 만드는 등 다양한 조형 활동이 나타난다. 마을이 형성되고 민족 이동이 일어나며, 국가와 통치자가 생겨난다. 풍토, 산물, 왕의 지배 면적 등에 따라 문화 발달에 차이가 생기고, 조형 활동도 다양해진다.
이집트: 왕(파라오)은 태양의 아들로 불렸고, 자연물과 자연 현상이 신격화되었다. 왕과 귀족의 궁전, 분묘 중심의 조형 활동이 이루어졌다. 영원한 생명을 믿어 미라를 만들고, 분묘 벽에는 왕의 공적을 그린 그림을 새겼으며, 왕의 상을 세우고 실내에는 일용품과 종자의 상을 만들었다.
그리스: 대리석 산출과 자유, 미를 사랑하는 민족성으로 인해 신을 인간의 이상적인 형상으로 표현했다. 진(眞)과 미가 일치되어 학문이 발전하고, 후세의 규범이 될 만한 조각이 만들어졌다.
종교의 영향: 기독교와 불교 등 종교 중심의 조형 미술이 발달했다. 이슬람교는 우상 숭배를 부정하여 아라베스크 무늬로 장식된 교회를 세웠지만, 그림이나 조각은 없었다. 기독교는 교회 건축과 함께 예수, 성모, 사도 관련 조각과 그림이 제작되었고, 비잔틴 사원에는 스테인드글라스가 사용되었다. 종교 개혁과 함께 일어난 르네상스는 유럽 미술의 황금시대를 열었다.
불교의 전래: 인도에서 시작된 불교는 각지에 불교 미술을 남기며 중국을 거쳐 한국으로 전래되었다. 종교 미술은 왕조나 권력자의 위엄을 나타내거나(예: 네덜란드), 서민 생활과 자연으로 눈을 돌리게 하며 근대화를 이끌었다.
18세기 유럽: 왕, 왕자, 왕비, 공주 등의 초상이 걸리고, 바티칸 궁전에는 장식 과잉의 가구가 놓였다.
19세기 이후: 과학 발전으로 조형 미술도 급속히 근대화되었다. 인상주의에서 후기인상주의, 파리파로 이어지며 표현은 개성적 성격이 강해지고, 데포르메(변형)가 이루어졌다. 조형성이 존중되며 추상화가 촉진되었다.

"역사는 반복된다"는 말처럼 과거로의 복귀 현상도 나타났지만, 이는 새로운 시대정신에 의해 순화(醇化)된 새로운 탄생이었다. 미술은 전통 계승과 함께 새로운 창조를 계속한다.

기후, 산물, 민족, 종교, 생활 양식 등 풍토의 차이도 표현 재료와 방법에 영향을 준다.

유럽: 건조하고 투명한 공기, 대리석 산출, 기독교 신봉 등의 영향으로 합리적 사고방식이 발달했다. 사물을 대할 때 계획적으로 행동하는 경향이 강하다.
한국: 온화한 기후와 아름다운 자연환경으로 인해 평화를 사랑하고 자연을 존중하는 경향이 있다. 고려자기와 조선 백자는 한국의 풍토와 기호를 잘 나타낸다.
유화와 수묵화의 차이:
유화: 캔버스에 그림물감을 덧칠하는 데 적합하며, 사실적 표현에 유리하다. 대상의 재질감을 표현할 수 있고, 계획적인 작업이 필요하다.
수묵화: 심상적인 풍경이나 인물을 즉흥적으로 표현한다. 빛깔은 부정되지만 먹의 농담으로 표현하고, 명암과 음영 대신 묘선과 먹으로 두께와 무게를 표현한다.

유럽과 미국에서는 미술과 장식 미술(공예)을 개념적으로 분리하지만, 다른 문화에서는 그렇지 않다. 중국 미술은 문인화를 그린 선비와 궁정 회화, 조각 장인을 구분했다. 도자기, 옥 조각, 직조, 자수 등은 높은 지위를 받았지만, 제작자는 익명으로 남았다. 일본 미술과 한국 미술에서도 유사한 구분이 있었다. 이슬람 미술에서는 서예가, 건축가, 미니어처 화가 등이 높은 지위를 받았지만, 궁정 직원이었다. 이들은 페르시아 카펫, 타일 장식 등 디자인을 제공했다.

라틴 아메리카 미술은 20세기까지 유럽 식민주의의 지배를 받다가, 구축주의 운동의 영향으로 토착 예술이 부상하며 사회주의 원칙에 기반하여 예술과 공예를 통합했다. 아프리카에서는 요루바 미술이 정치적, 영적 기능을 가지며, 직물과 같이 서구에서 공예로 간주되는 예술 작품이 높은 평가를 받는다.

3. 2. 5. 표현과 사람

아이들이 친구들의 얼굴을 그리면 그 작품은 친구의 얼굴을 닮으면서도 본인의 얼굴과도 닮은 특징이 있다. 아이들 작품에는 성별, 체격, 강약, 대담함, 침착함, 지능 등이 화면에 그려지는 물체의 크기, 선의 굵기, 강약, 형상, 빛깔, 붓 사용 방법 등에 나타난다. 어른, 특히 전문가의 경우 경험, 수업 방법, 의지에 따라 다양한 보상 작용이 생겨 어린이만큼 단적으로 드러나지는 않지만, 성격이나 경험의 차이가 작품에 나타난다. 따라서 표현은 개성적이고 창조적이다. '각인각색(各人各色)'이라는 말처럼 예술적 작품은 모두 다르다. 이는 성장 과정, 기질, 지도자, 경험 등 '사람' 자체가 다르기 때문이다.

같은 시대, 같은 지방, 같은 종류의 작품을 비교하면 이를 알 수 있다. 예를 들어 르네상스 최성기의 3인의 대표적인 예술가 레오나르도 다 빈치, 미켈란젤로, 라파엘로를 살펴보자. 레오나르도 다 빈치는 15세기풍의 사실주의를 발전시켜 명암에 의한 입체감과 공간 표현에 성공했고, 대상의 정신 내용 표출에까지 발전했다. 그의 회화론에서 '훌륭한 화가는 사람과 그 혼의 의향을 그려야 한다'고 말했듯이, <모나리자>, <암굴의 성모>에는 자연의 이법 속에 숨겨진 진실에 대한 추구가 드러난다. 미켈란젤로는 르네상스가 요구하는 '초인'이었으나, 레오나르도 다 빈치가 내면의 진실을 탐구한 반면, 미켈란젤로는 건강하고 굳건하며 넓고 분방하면서도 사려 깊게 르네상스를 연소시켰다. 그의 정열은 29세에 <다비드>를 만든 뛰어난 조형 능력과 어울려 시스티나 성당의 대천장화를 그리게 했다. 라파엘로는 레오나르도 다 빈치와 같은 창조 정신, 미켈란젤로와 같은 조형적 에너지는 없었으나, 각 유파의 특질을 흡수하여 조화롭게 통일하고, 부드럽고 아름다운 많은 성모상을 남겼다.

표현은 작가의 경험, 성격에 따라 개인차가 있으며, 개인에게도 연령에 따라 표현이 달라진다. 표현과 개인의 연령 관계는 개인차가 커서 한마디로 말할 수 없지만, 대체로 노년기는 원숙한 시기로, 자기 취향을 마음대로 발휘하는 시대이다. 고령이 된 후 진가를 발휘하는 사람도 있고, 매너리즘에 빠지는 사람도 있다. 렘브란트는 청년기부터 만년기까지 약 백 점에 가까운 자화상을 그렸는데, 청년기, 장년기의 표현 차이를 통해 이를 알 수 있다.

렘브란트 자화상 1669년작, 사망한 해이지만 다른 자화상에 나타난 그의 모습보다 젊어보인다.

렘브란트의 27세∼28세 작품에서는 초상화가로서 호평을 받아 우쭐거리는 자세가 드러나지만, 렘브란트의 특질이 충분히 발휘되지 않았다. 57세∼58세 작품에서는 인생에 대한 체관이 대범한 웃음으로 나타나고, 그림물감이 두껍게 칠해졌으며, 빛과 빛깔이 융화되어 작품은 심각성과 처절함을 더한다.

그림을 그리는 힘의 발달에도 순서와 단계가 있다. 이를 그림의 발달 단계라고 한다. 연구자에 따라 다소 차이가 있지만, 로웬페르드(미국)의 연구를 기초로 한 6단계설이 많이 쓰인다. 연대의 진전에 따라 발달의 진보도 빨라지는 경향이 있는데, 이는 가정교육, 미술 연구소, 복제화의 보급, 텔레비전을 중심으로 하는 매스컴의 영향 때문이다.

# 척서기(擲書期)：0세∼2세 반(무의미한 선을 그린다)

# 상징기(象徵期)：2세 반∼3세(그리고 난 다음 뜻을 붙인다)

# 전도식기(前圖式期)：3세∼5세(비슷하게 그린다)

# 도식기(圖式期)：5세∼9세(소위 그림답게 그려진다)

# 사실전기(寫實前期)：9세∼14세(형상이나 빛깔이 실물에 가깝게 그려진다)

# 사실기(査實期)：14세∼20세(이른바 사실적으로 표현한다)

어떤 단계에 넣어야 할지 확실치 않은 경우도 있고, 성격, 능력, 환경 차이에 따라 발달이 일정하지 않을 수 있다. 표현이 후퇴하는 어린이도 있다. 그러나 대체로 비슷한 단계를 밟아간다. 어린이의 작품에는 어른의 작품에서 볼 수 있는 예술성은 없다고 생각해야 한다.

4. 미술의 종류 및 양식

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종류	설명	대표 작품
회화	평면 위에 선, 색, 형태 등을 사용하여 이미지를 표현하는 미술	모나리자, 천지창조
조각	입체적인 형상을 만들어내는 미술	다비드상, 생각하는 사람
공예	실용적인 물건에 아름다움을 더하는 미술	도자기, 금속 공예품
건축	공간을 기능적이고 아름답게 구성하는 미술	피라미드, 콜로세움
서예	붓과 먹을 사용하여 글씨를 쓰는 미술	추사 김정희의 세한도
사진	빛을 이용하여 이미지를 기록하고 표현하는 미술	앙리 카르티에 브레송의 작품
디자인	실용적인 목적을 가진 제품이나 환경을 설계하는 미술	산업 디자인, 시각 디자인

4. 1. 평면 미술

4. 1. 1. 회화

회화는 평면에 그림 물감을 칠하는 미술의 한 형태이다.(조각이나 도자기에 그림을 그리는 것과는 다르다.) 일반적으로 여러 가지 색상을 사용한다. 현존하는 선사 시대 회화는 자연적인 암석 표면에 그려졌으며, 특히 습식 회반죽에 프레스코 기법으로 그린 벽화는 최근까지 주요한 형태였다. 목판이나 캔버스에 그린 휴대용 회화는 서구 세계에서 수 세기 동안 가장 중요한 형태였으며, 대부분 템페라 또는 유화로 제작되었다. 아시아 회화는 종이를 더 자주 사용했으며, 동아시아에서는 단색 수묵화 전통이 주류를 이루었다. 책이나 앨범에 들어갈 그림은 서구의 장식사본이든 페르시아 미니어처와 그 터키식(Ottoman miniature) 등가물이든, 다양한 유형의 인도 회화이든 "미니어처"라고 한다. 수채화는 종이에 그림을 그리는 서구식 기법이다. 붓을 사용하지 않고 구아슈, 분필 및 유사한 재료를 사용하는 형태는 사실상 드로잉의 형태이다.

드로잉은 시각 예술의 주요 형태 중 하나이며, 화가에게도 드로잉 기술이 필요하다. 일반적인 도구로는 연필, 펜과 잉크, 먹물 붓, 왁스 크레파스, 크레파스, 목탄, 분필, 파스텔, 마커, 스타일러스 또는 은점 등의 다양한 금속이 있다. 만화 제작과 같은 드로잉의 여러 하위 범주가 있다.

4. 1. 2. 드로잉

드로잉은 시각 예술의 주요 형태 중 하나이며, 화가에게도 드로잉 기술이 필요하다. 일반적인 도구로는 연필, 펜과 잉크, 먹물 붓, 왁스 크레파스, 크레파스, 목탄, 분필, 파스텔, 마커, 스타일러스 또는 은점 등의 다양한 금속이 있다. 만화 제작과 같은 드로잉의 여러 하위 범주가 있다.

4. 1. 3. 판화

판화는 인쇄 과정을 통해 여러 번 재현할 수 있는 종이 위의 이미지 제작을 의미한다. 서구와 동아시아에서 수 세기 동안 중요한 예술 매체였다. 주요 역사적 기법으로는 서구의 판화, 목판화, 에칭과 동아시아의 목판 인쇄가 있으며, 일본의 우키요에 양식이 가장 중요하다. 19세기 석판술과 사진 기술의 발명은 역사적 기법들을 부분적으로 대체했다. 오래된 판화는 미술 올드 마스터 판화와 대중 판화로 나눌 수 있으며, 책 삽화나 지도와 같은 실용적인 이미지는 그 중간에 있다.

모노타이프를 제외하고는 이 과정을 통해 동일한 작품의 복수본을 제작할 수 있으며, 이를 판화라고 한다. 각 판화는 복제본이 아닌 독창적인 작품으로 간주된다. 그 이유는 판화가 다른 매체(예: 회화)의 다른 예술 작품을 재현한 것이 아니라, 처음부터 판화로 디자인된 이미지이기 때문이다. 개별 판화는 인상이라고도 한다. 판화는 기술적으로 매트릭스라고 알려진 단일 원본 표면에서 만들어진다. 일반적인 매트릭스 유형에는 판화 또는 에칭에 사용되는 일반적으로 구리 또는 아연으로 만든 금속판, 석판술에 사용되는 돌, 목판화에 사용되는 나무토막, 린옥스컷에 사용되는 리놀륨, 그리고 실크스크린의 경우 직물 등이 있다. 하지만 다른 종류도 많다. 거의 동일한 여러 개의 판화를 에디션이라고 할 수 있다. 현대에는 각 판화에 서명하고 번호를 매겨 "한정판"을 구성하는 경우가 많다. 판화는 아티스트 북과 같이 책 형태로 출판될 수도 있다. 단일 판화는 하나 또는 여러 가지 기법의 산물일 수 있다.

4. 1. 4. 서예

서예는 시각 예술의 한 유형이다. 현대적인 서예의 정의는 "표현적이고 조화롭고 능숙한 방식으로 기호에 형태를 부여하는 예술"이다.^[14] 현대 서예는 기능적인 손글씨 글씨와 디자인부터 추상적인 손글씨 표현이 문자의 가독성을 훼손할 수도 있고 그렇지 않을 수도 있는 순수 예술 작품에 이르기까지 다양하다.^[14] 고전 서예는 활자체 및 비고전적 손글씨와 다르지만, 서예가는 이 모든 것을 창작할 수 있다. 문자는 역사적으로 규율에 따라 이루어지지만 유동적이고 자발적이며, 쓰는 순간에 즉흥적으로 만들어진다.^[15]^[16]^[17]

린디스파르네 복음서 27r쪽; 8세기; 코턴 도서관(영국 도서관, 런던)

4. 2. 입체 미술

4. 2. 1. 조각

조각은 단단하거나 플라스틱 소재, 일반적으로 돌(암석 또는 대리석)이나 금속, 또는 목재를 형태를 만들어 만든 3차원 예술 작품이다. 일부 조각품은 조각으로 직접 제작되며, 다른 조각품은 조립되거나, 쌓아 올려 구워지고, 용접되고, 주조되거나 주물로 만들어진다. 조각은 성형하거나 변형할 수 있는 재료를 사용하기 때문에 플라스틱 아트의 한 종류로 간주된다. 대부분의 공공 미술은 조각이다. 정원에 여러 개의 조각이 함께 있는 경우 조각 공원이라고 할 수 있다.

돌로 만든 조각은 쉽게 부패하는 재료로 만든 예술 작품보다 훨씬 오래 보존되며, 고대 문화에서 살아남은 작품( 도자기 제외)의 대부분을 차지하는 경우가 많다. 반대로, 목재 조각의 전통은 거의 완전히 사라졌을 수 있다. 그러나 대부분의 고대 조각은 화려하게 채색되었는데, 이는 사라졌다.^[19]

잔 로렌초 베르니니의 ''루이 14세 흉상''; 1665년; 대리석; 105 × 99 × 46 cm; 베르사유 궁전

4. 2. 2. 공예

몇몇 현대적인 예외를 제외하고, 도자기는 미술로 여겨지지 않지만, "고급 도자기"는 특히 고고학에서 유효한 전문 용어로 남아 있다. "고급 도자기"는 고품질의 도자기로, 종종 그림을 그리거나, 주조하거나, 또는 다른 방법으로 장식되며, 많은 시대에서 대중이 사용하거나, 보다 정식적인 목적이 아닌 부엌에서 사용되는 기본적인 실용적인 항아리인 "조잡한 도자기"와 구별된다.

자기 조각상과 같이 도자기가 실용적인 목적이 없더라도, 그것을 만드는 것은 일반적으로 다양한 기술을 가진 많은 참여자들이 관여하는 협력적이고 반산업적인 것이다.

4. 2. 3. 설치 미술

개념 미술은 작품에 담긴 개념이나 아이디어가 전통적인 미학적, 물질적 고려 사항보다 우선하는 미술이다. 1960년대에 이 용어가 처음 등장했을 때는, 종종 텍스트로 제시됨으로써 시각 예술과 관련된 전통적인 시각 기준에 반하는, 엄격하고 집중적인 '아이디어 기반 미술'을 의미했다. 그러나 1990년대 영국 신예 예술가들과 터너상과의 연관성을 통해, 특히 영국에서 전통적인 회화와 조각 기술을 사용하지 않는 모든 현대 미술의 동의어로서 대중적인 용법이 발전했다.^[20]

4. 3. 기타 미술

아방가르드 음악은 종종 공연 예술이자 순수 예술로 간주된다.
전자 미디어 – 아마도 순수 예술을 위한 가장 새로운 매체일 것이다. 제작부터 발표까지 컴퓨터와 같은 현대 기술을 활용하기 때문이다. 비디오, 디지털 사진, 디지털 판화 및 대화형 작품 등을 포함한다.
섬유 예술, 퀼트 아트와 "착용 가능한" 또는 "착용 전" 작품을 포함하여 종종 순수 예술 작품의 범주에 이르며, 때로는 예술 전시의 일부로 포함되기도 한다.
서양 예술 음악 (또는 고전 음악)은 종종 순수 예술로 간주되는 공연 예술이다.
오리가미 – 지난 세기에는 예술가와 과학자들의 기여와 함께 접힌 물질의 거동을 이해하려는 관심이 새롭게 일어났다. 오리가미는 다른 예술과 다르다. 회화는 물질을 추가해야 하고, 조각은 빼야 하지만, 오리가미는 더하거나 빼지 않는다. 오리가미는 변형시킨다. 오리가미 예술가들은 기술과 우주선으로 끝나는 혈통을 가진, 점점 더 시대에 헌신하는 예술의 한계를 넓히고 있다. 계산 측면과 공유 가능한 특성(소셜 네트워크에 의해 강화됨)은 오리가미를 21세기의 전형적인 예술로 만드는 퍼즐의 일부이다.^[23]^[24]^[25]

4. 3. 1. 건축

건축학은 특히 미학적 요소가 강조될 경우, 구조공학이나 건설관리 요소와는 대조적으로 미술의 한 분야로 여겨지는 경우가 많다. 건축 작품은 문화적, 정치적 상징이자 예술 작품으로 인식된다. 역사적인 문명은 종종 그 건축적 업적으로 주로 알려져 있다. 이집트의 피라미드와 로마의 콜로세움과 같은 건물은 문화적 상징이며, 학자들이 다른 방법으로 과거 문명에 대해 많은 것을 발견했을 때조차 대중의 의식 속에서 중요한 연결 고리이다. 도시, 지역 및 문화는 계속해서 자신을 건축 기념물과 동일시하며, 건축 기념물로 알려져 있다.^[18]

4. 3. 2. 사진

사진은 기록성, 예술성, 대중성을 겸비한 매체이다.

순수사진(Fine art photography)은 예술가의 창의적인 비전을 실현하기 위해 제작된 사진을 말한다. 순수사진은 사진저널리즘과 상업사진과 대조된다. 사진저널리즘은 주로 인쇄 매체와 디지털 매체에서 이야기와 아이디어를 시각적으로 전달한다. 순수사진은 주로 예술가의 비전을 표현하기 위해 제작되지만 특정 목적을 진전시키는 데에도 중요한 역할을 해왔다.

노출의 묘사는 순수사진에서 지배적인 주제 중 하나였다.

4. 3. 3. 디자인

디자인은 시각 디자인, 제품 디자인, 환경 디자인 등 다양한 분야를 포함한다. 기능성과 심미성을 동시에 추구하는 것이 디자인의 중요한 역할이다.

4. 3. 4. 뉴미디어 아트

전자 미디어는 아마도 순수 예술을 위한 가장 새로운 매체일 것이다. 제작부터 발표까지 컴퓨터와 같은 현대 기술을 활용하기 때문이다. 비디오, 디지털 사진, 디지털 판화 및 대화형 작품 등을 포함한다.

5. 미술의 표현 태도 및 양식

미술작품은 시대와 사람에 따라 다양한 양식(style)을 가진다. 이러한 표현양식이 모여 유파(流派)를 이루고, 형식적으로 계승되면 양식이 된다.

원시적(原始的, primitive) 양식은 구석기시대나 중석기시대 인류, 그리고 문화적 교류가 없었던 민족의 조형미술 양식으로, 유아의 조형표현과 공통점이 많다. 관심 있는 부분을 과장하여 표현하는 것이 특징이며, 소박하고 치졸하지만 힘과 매력이 넘친다.

아르카이크(archaique) 양식은 미술 발전 초기 단계의 양식으로, 표현은 생경(生梗)하지만 신비성(神秘性)이 풍부하다. 그리스 조각에서는 기원전 7세기에서 기원전 5세기 말까지를 아르카이크 시대로 칭하며, 고졸적(古拙的)인 표현과 직선적·정지적(靜止的)인 정면성(正面性)을 보인다. 이 시기 조각상의 입에는 이른바 아르카이크 스마일(古拙的微笑)이 나타난다.

고전적(古典的, classic) 양식은 그리스·로마 예술을 모범으로 하는 경향으로, 잘 정돈된 엄격한 형식, 냉정성, 명쾌성을 특징으로 한다. 17세기의 푸생은 바로크 예술에 대한 반동으로 목가적(牧歌的)·고전적인 작품을 그렸다. 19세기에는 18세기의 장식성이 강한 루이 왕조 예술에 대한 반동으로, 다비드와 그의 제자 앵그르가 고전주의 작품을 제작했다. 피카소에게도 그리스 조각에서 영향을 받은 신고전주의 시대가 있었다.

아카데미(academic) 양식은 플라톤이 아카데모스 신원(神苑)에서 플라톤 학파를 세운 것에서 유래하며, 상원·학회·학교 등에 쓰이는 말이다. 미술에서는 전통적이고 형식을 존중하며 기초 기술을 중시하는 태도를 의미하며, 관학풍(官學風) 등으로 번역된다. 독창성이 결여되어 무기력한 매너리즘(mannerism)에 빠져 일정한 기술을 타성적으로 반복하는 것을 비판적으로 지칭할 때도 사용된다.

전통적(傳統的, orthodox) 양식은 정통(正統)이나 본도(本道)의 뜻을 가지며, 전통적·정통파적인 기법을 가리킨다.

사실적(寫實的, realism) 양식은 공상을 배격하고 가능한 한 현실에 즉응(卽應)하여 실재의 진실을 추구하는 태도이다. 이집트 미술과 그리스 미술에서도 사실적인 경향을 볼 수 있으며, 르네상스 미술은 사실(寫實)의 정점에 달했다고 할 수 있다. 17세기에도 사실적인 경향이 이어졌고, 근대 쿠르베가 사실주의를 표방하였다. 구소련에서는 레빈 등이 사회적인 사상(事象)을 사실적으로 그려 사회주의적 사실주의의 선구가 되었고, 멕시코 회화에서도 특이한 사실주의가 나타난다. 중국의 화조화(花鳥畵) 등에서 보이는 사실주의는 유럽과 다소 차이가 있으며, 장식적인 경향을 띤다.

낭만주의(浪漫主義, romanticism)는 사실주의와 함께 서양미술의 커다란 흐름 중 하나이다. 동적(動的)인 표현으로 감정의 격렬한 여파(餘波)가 느껴지며, 소용돌이치는 듯한 구도와 대비(對比)를 살린 배색(配色) 등이 특징이다. 동적인 구도는 미켈란젤로의 <최후의 심판>이나 이를 계승한 틴토레토의 작품, 그리고 17세기 루벤스 등의 작품에서 나타난다. 18세기 말에서 19세기에 걸쳐 제리코나 들라크루아 등이 고전파에 대항하여 낭만파를 세웠다. 낭만파는 현실 회피 경향을 보이며, 이야기, 사회적인 사건, 전쟁 등 극적인 장면을 주제로 삼았다.

환상적(幻想的, fantastic) 양식에서 상상력과 환상력은 창조표현의 중요한 요인이다. 블레이크, 고야, 모로, 앙리 루소, 샤갈, 폴 클레 등의 작품에는 환상적인 장면이 묘사되었고, 키리코 등의 초현실파 작품에는 심상적(心象的)인 환영(幻影)이 표현되어 신비성이 느껴진다.

상징적(象徵的, symbolic) 양식은 형상이나 빛깔이 갖는 의미를 단적으로 표현하는 것이다. 가문(家紋)이나 마크 등의 기호는 집, 단체, 물품 등의 의지(意志)를 상징적으로 나타낸다. 르동은 꽃이나 나비 등 어느 순간 사라지는 것들 속에서 영원한 아름다움과 생명을 표현하고자 꽃과 나비를 즐겨 그렸다.

장식적(裝飾的, decorative) 양식은 사물을 꾸미는 태도이다. 즐문토기(櫛紋土器) 등에도 그로테스크하다고 할 만큼 곡선 무늬가 새겨져 있다. 사물을 아름답게 장식하려는 장식 본능은 조형 본능의 중요한 기반을 이룬다. 장식성은 조형 활동 전반에 나타나지만, 모자이크·스테인드글라스·벽화 등은 건축에 적용된다. 장식성이 그 자체, 혹은 그 영역의 기능보다 우선하면 장식 과잉이 된다.

자연주의(自然主義, naturalism)는 인간도 자연의 일부이므로 자연에 순응해야 한다는 관점이다. '자연으로 돌아가라'는 말이 반복되며, 기물이나 건축 장식 등에 동식물 무늬를 사용하거나, 기물 형태 자체를 동물 모양으로 모방하는 경우가 있다. 17세기 네덜란드에서는 풍경이 독립적인 회화 주제로 다루어졌고, 터너는 자연 현상으로서의 대기(大氣)를 표현했다. 19세기 후반 피사로, 모네, 시슬레 등에 의해 일어난 인상파(impressionism)는 빛의 움직임에 따라 시시각각 변화하는 자연의 표정을 포착하려 했다. 사실파가 자연과 인생의 현실적인 진실을 추구한 반면, 인상파는 자연 현상의 아름다움에 순응하는 태도를 보였다. 세잔 등의 후기인상파는 인상파를 수정하여 사실파와는 다른 각도에서 사물의 본질에 접근했다.

표현주의(表現主義, expressionism)는 20세기 전반 독일을 중심으로 전개된 예술 운동으로, 고흐나 뭉크 등의 강렬한 개성 표현에서 영향을 받아 감정 표현을 중시하고 주관의 표현을 강조했다. 20세기 초 프랑스에서 발생한 야수파(fauvism)도 주관주의 미술이며, 마티스, 루오, 뒤피 등이 대표적인 화가이다. 거친 터치의 대담한 표현으로 단순화(單純化)나 데포르메(變形)를 보인다. 동양에서도 주관적인 경향이 강한 작품이 많다.

추상주의(抽象主義, abstractism)의 대표적인 예시는 입체파이다. 20세기 초 세잔의 영향으로 피카소나 브라크는 자연의 형체를 해체하고, 이를 화면 위에 새로운 질서로 재구성(再構成)하는 입체파(cubism)를 일으켰다. 이탈리아에서는 시간의 요소를 도입하여 '미래파'를 일으켰다. 칸딘스키는 자연 대상과 관계없이 형상과 빛깔의 성질을 살려 화면에 조립하여, 음색(音色)이 다른 악기를 모아 교향곡을 만들 듯 새로운 질서와 통일을 추구했다. 이는 이지적·합리적인 화면 구성이라 할 수 있다. 반면, 가장 자유롭게 부정형(不定形)을 가지고 자기 감정을 분방하게 표현하거나, 완성된 결과보다 그림물감을 던지거나 뿜는 행동 자체의 정신적인 긴장을 중시하는 액션 페인팅(action painting) 등도 나타났다.

기능주의(機能主義, functionalism)는 인간 생활과 조형 표현 사이의 불순물을 제거하고 순수한 질서를 확립하고자 하는 것이다. 기능적인 조형 표현의 기반이 되며, 합리적인 추상주의와 연결된다. 설리번의 '형식은 기능에 따른다'는 말은 기능주의의 의도를 정확하게 표현한다.

6. 현대 미술의 동향

20세기 초, 사회 변화를 반영하여 마르셀 뒤샹을 중심으로 다다이즘 운동이 파인아트 내부에서 일어났다. 뒤샹은 1917년 뉴욕의 "앙데팡당전"에 남성용 소변기를 거의 가공하지 않고 『샘』이라는 제목으로 출품하였는데, 이는 반예술이라고도 불리는 다다이즘 예술의 대표적인 사례이다. 음악에서는 1952년 존 케이지의 처음부터 끝까지 무음인 『4분 33초』가 "연주"되었으며, 이는 네오다다와 관련된 작품으로 여겨진다.

20세기 후반, 미국의 경제적 번영과 대량 소비 사회를 배경으로 대중문화가 성행하면서 팝아트(American Pop)가 등장하였다. 1950년대에 재스퍼 존스는 성조기를 유화로 그렸고, 1960년대 로이 리히텐슈타인은 신문 연재 만화의 한 컷을 캔버스에 확대하여 그렸다. 앤디 워홀은 같은 시기에 실크스크린을 이용한 판화를 선호하며, 마릴린 몬로의 얼굴 사진 등을 소재로 삼았다.

현대에는 판화나 사진, 영상(동영상)도 파인아트의 한 분야로 인식되고 있다. 뉴욕 현대미술관과 퐁피두센터는 산업 디자인을 다루고 있으며, 1864년 설립된 오스트리아 왕립미술공예박물관은 1986년 응용미술과 현대미술을 함께 다루는 MAK(오스트리아 국립공예미술관)로 재출발하였다.

6. 1. 주요 미술 운동

20세기 초, 사회 변화를 반영하여 마르셀 뒤샹을 중심으로 다다이즘 운동이 파인아트 내부에서 일어났다. 뒤샹은 1917년 뉴욕의 "앙데팡당전"에 남성용 소변기를 거의 가공하지 않고 『샘』이라는 제목으로 출품하였는데, 이는 반예술이라고도 불리는 다다이즘 예술의 대표적인 사례이다. 음악에서는 1952년 존 케이지의 처음부터 끝까지 무음인 『4분 33초』가 "연주"되었으며, 이는 네오다다와 관련된 작품으로 여겨진다.

20세기 후반, 미국의 경제적 번영과 대량 소비 사회를 배경으로 대중문화가 성행하면서 팝아트(American Pop)가 등장하였다. 1950년대에 재스퍼 존스는 성조기를 유화로 그렸고, 1960년대 로이 리히텐슈타인은 신문 연재 만화의 한 컷을 캔버스에 확대하여 그렸다. 앤디 워홀은 같은 시기에 실크스크린을 이용한 판화를 선호하며, 마릴린 몬로의 얼굴 사진 등을 소재로 삼았다.

현대에는 판화나 사진, 영상(동영상)도 파인아트의 한 분야로 인식되고 있다. 뉴욕 현대미술관과 퐁피두센터는 산업 디자인을 다루고 있으며, 1864년 설립된 오스트리아 왕립미술공예박물관은 1986년 응용미술과 현대미술을 함께 다루는 MAK(오스트리아 국립공예미술관)로 재출발하였다.

6. 2. 한국 현대 미술의 흐름

6. 3. 국제 미술계의 동향

7. 미술 감상 및 비평

미술 작품을 감상할 때는 작품의 형식, 내용, 배경 등을 종합적으로 이해하는 것이 중요하다. 특히 한국 미술 작품을 감상할 때는 전통적인 미의식과 현대적인 감각의 조화를 고려해야 한다.

미술 비평은 객관적이고 논리적인 비평을 통해 미술 작품의 가치를 평가하고 미술 발전에 기여하는 역할을 한다.

한국 미술 비평의 역사적 흐름을 개괄하고 주요 비평가와 비평 이론을 소개한다. 또한 현대 한국 미술 비평의 현황과 과제를 제시하고 건전한 비평 문화 정착의 중요성을 강조한다.

7. 1. 미술 감상의 방법

미술 작품을 감상할 때는 작품의 형식, 내용, 배경 등을 종합적으로 이해하는 것이 중요하다. 특히 한국 미술 작품을 감상할 때는 전통적인 미의식과 현대적인 감각의 조화를 고려해야 한다.

7. 2. 미술 비평의 역할

미술 비평은 객관적이고 논리적인 비평을 통해 미술 작품의 가치를 평가하고 미술 발전에 기여하는 역할을 한다.

7. 3. 한국 미술 비평의 역사와 현황

한국 미술 비평의 역사적 흐름을 개괄하고 주요 비평가와 비평 이론을 소개한다. 또한 현대 한국 미술 비평의 현황과 과제를 제시하고 건전한 비평 문화 정착의 중요성을 강조한다.

참조

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_[44] 서적 黒川真頼全集 https://dl.ndl.go.jp[...] 国書刊行会

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