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일렉트로닉 댄스 뮤직

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1. 개요

일렉트로닉 댄스 뮤직(EDM)은 록, 재즈, 힙합과 같이 다양한 하위 장르를 포괄하는 용어이며, 하우스, 트랜스, 테크노, 덥스텝, 트랩 등이 EDM의 인기 있는 하위 장르에 속한다. EDM은 1980년대에 처음 사용되었으며, 2000년대 후반 미국에서 "레이브 문화"를 재브랜딩하기 위해 사용되면서 대중화되었다. EDM은 DJ 문화 이후의 음악적 전통을 가지지 않는, 팝적인 일렉트로닉 댄스 뮤직을 가리키는 협의의 해석도 존재한다. 지난 40여 년 동안 다양한 EDM 장르가 발전해 왔으며, 전자 악기를 사용한 댄스 뮤직은 1970년대 중반의 디스코로 거슬러 올라간다. 2000년대 후반부터 미국과 전 세계적으로 확산되었으며, 2010년대 이후에는 기업화와 상업화에 대한 비판도 제기되었다. EDM은 페스티벌 문화와 약물 사용과 연관되어 있으며, 대한민국에서도 1990년대 후반부터 클럽 문화를 중심으로 발전해왔다.

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일렉트로닉 댄스 뮤직
전자 댄스 음악
EDC 라스베이거스 2012에서 다양한 EDM 아티스트들
EDC 라스베이거스 2012에서 다양한 EDM 아티스트들
다른 이름
한국어댄스 음악
클럽 음악
어원
설명전자 악기로 만들어진 댄스 음악
스타일의 기원
시기1980년대 초 ~ 중반
문화적 기원디스코
일렉트로
신스팝
하우스
테크노
일반적인 악기
악기신디사이저
드럼 머신
시퀀서
샘플러
턴테이블
DAW
파생 형태
파생 장르다양한 전자 음악 하위 장르 (전체 목록은 해당 문서 참조)
하위 장르
하위 장르애시드 하우스
발레아릭 하우스
베이스
빅 룸 하우스
브레이크비트
칠 웨이브
디스코 하우스
드럼 앤 베이스
덥스텝
일렉트로 하우스
글리치 합
하드스타일
하우스
테크노
트랜스
트랩
융합 장르
융합 장르일렉트로닉 록
뉴 웨이브
인디 댄스
힙합
지역적 장면
설명전 세계, 특히 서구 세계에서 성행

2. 정의

일렉트로닉 댄스 뮤직(Electronic Dance Music, EDM)은 록, 재즈, 힙합과 같이 다양한 하위 장르를 포괄하는 용어이며, 명확한 장르를 지칭하는 것은 아니다.[253][254] 하우스, 트랜스, 테크노, 덥스텝, 트랩 등이 EDM의 인기있는 하위 장르에 속한다.[255][256][257][258]

1980년 영국의 프로듀서 리처드 제임스 버지스와 그의 밴드 Landscape는 싱글 "European Man"의 슬리브에서 "일렉트로닉 댄스 뮤직... EDM; 당신의 청취 즐거움을 위해 완벽하게 컴퓨터로 프로그래밍되었습니다." 라는 용어를 사용했다.[94][95]

가디언의 저널리스트 사이먼 레이놀즈는 2000년대 후반 미국 음악 산업에서 EDM이라는 용어를 채택한 것은 미국의 "레이브 문화"를 재브랜딩하고 1990년대 레이브 신과 차별화하려는 시도라고 언급했다.[96] 믹스매그 기사에서는 EDM을 "드롭이 많고, 경기장을 가득 채우며, 주먹을 흔들고, 차트 1위를 차지하며, 대규모 상업적인 메인 스테이지 사운드로 미국을 정복했다... 아마도 일렉트로와 프로그레시브 하우스 사이 어딘가"라고 묘사하며, 이는 물 한 줌을 잡으려는 것처럼 정확히 정의하기 어렵다고 하였다.[96] 영국에서는 EDM을 "댄스 음악" 또는 단순히 "댄스"라고 부르는 것이 더 일반적이다.

EDM은 DJ 문화 이후의 음악적 전통을 가지지 않는, 팝적인 일렉트로닉 댄스 뮤직을 가리키는 협의의 해석도 존재한다.[250][259] 이러한 협의적 해석에서는, 특히 2000년대 후반 이후의 악곡들이 하우스 뮤직의 하위 카테고리에 속하는 경우가 많아, "125~130 BPM 정도의 4 on the floor 비트", "빌드업에서 드롭으로 전개되는 형식" 등이 EDM 전체의 특징으로 설명되기도 한다. 그 태생 때문에, 기존의 테크노나 하우스 뮤직의 뮤지션이나 팬으로부터 구별되어 비판받는 경우도 있다.[261][262]

3. 역사

지난 40여 년 동안 하우스, 테크노, 드럼 앤 베이스, 댄스 팝 등 다양한 EDM 장르가 발전해 왔다. 확립된 EDM 장르 내에서의 스타일적 변형은 소위 하위 장르의 출현으로 이어질 수 있다. 둘 이상의 장르의 요소를 결합하는 하이브리드화는 완전히 새로운 EDM 장르의 출현으로 이어질 수 있다.[1]

전자 악기를 사용한 댄스 뮤직은 1970년대 중반의 디스코로 거슬러 올라간다.[240] 이후 파형 편집 소프트웨어가 이용 가능해지면서 샘플링한 음원의 파형 데이터를 세밀하게 편집할 수 있게 되었다. 1980년대 후반에는 영국의 아티스트들이 이 기법을 사용하여 빅 비트가 발전했다.[240] 1990년대에는 빠른 브레이크비트 리듬과 강조된 저음부가 특징인 드럼 앤 베이스가 유행했다.[240] 2000년대 중반에는 드럼 앤 베이스나 UK 개러지 등을 기원으로 하는 덥스텝이 발전했다. DAW의 발달로 2000년대 후반부터 일렉트로닉 댄스 뮤직은 세계적으로 확산되었다. 미국에서는 덥스텝을 재해석한 브로스텝 등 다양한 서브 장르가 생겨났다.

일렉트로닉 댄스 뮤직은 원래 유럽에서 인기를 얻었지만, 2000년대 후반부터 미국, 그리고 전 세계로 급속히 확대되었다.[242][243][244][245] 계기는 2006년에 개최된 코첼라 페스티벌에 출연한 다프트 펑크가 선보인 피라미드를 본뜬 무대에서의 라이브로 알려져 있으며[246], 그 라이브에서는 최대 수용 인원이 1만 명인 공연장에 4만 명의 사람이 모였다고 한다.[247] 2004년 아테네 올림픽에서는 티에스토, 2016년 리우 올림픽에서는 카이고, 2018년 평창 올림픽에서는 마틴 게릭스가 폐막식에서 퍼포먼스를 했다.[248]

"Electronic dance music"의 머리글자를 나열한 두문자어인 "EDM"[249][250]은, 일렉트로닉 댄스 뮤직이 미국에서 인기를 얻게 된 2000년대 후반에 일렉트로닉 댄스 뮤직 전체를 나타내는 경제 용어로서 미국의 음악 매스 미디어에 의해 만들어졌다.[251][252]

3. 1. 1960년대 - 1970년대: 초기 발전

1960년대 후반, 실버 애플스와 같은 밴드들은 댄스를 위한 전자 음악을 만들기 시작했다.[4] 1970년대에는 자메이카 음악인 덥 음악이 현대 전자 댄스 음악의 중요한 전조 중 하나로 여겨진다.[6] 덥 음악은 리듬을 강조하고, 가사와 멜로디 요소를 분해하고, 반향적인 질감을 가진 리믹스된 레게 트랙이었다.[5] 이 음악은 King Tubby, Errol Thompson, Lee "Scratch" Perry, Scientist와 같은 스튜디오 엔지니어들이 개척했다.[6] 덥 프로듀서들은 보조 전송 라우팅을 창의적으로 사용하여 리버브 및 딜레이와 같은 공간 효과를 부각시켰다.[6] Roland Corporation에서 제조한 Roland Space Echo는 1970년대 덥 프로듀서들이 에코 및 딜레이 효과를 내기 위해 널리 사용했다.[7]

힙합 음악은 1970년대부터 일렉트로닉 댄스 음악의 발전에 어느 정도 영향을 미쳤다.[11] 자메이카계 미국인 DJ 쿨 허크는 자메이카 사운드 시스템 문화에서 영감을 받아 힙합 문화를 발전시켰다.[12]

1970년대 중후반, 조지 맥크레이의 "Rock Your Baby"와 같은 초기 디스코 곡들은 드럼 머신을 사용한 최초의 곡 중 하나였다.[19] 조르지오 모로더와 피트 벨로테는 1977년 도나 서머를 위해 "I Feel Love"를 프로듀싱했는데, 이 곡은 백킹 트랙이 완전히 신시사이저로 제작된 최초의 잘 알려진 디스코 히트곡이 되었다.

1970년대 후반에는 신시사이저를 주요 악기로 사용하는 음악 장르인 '''신스팝'''이 부상했다.[33] 초기 신스팝 선구자로는 일본 그룹 옐로 매직 오케스트라, 영국의 밴드 울트라복스, 휴먼 리그 등이 있었다.

3. 2. 1980년대: 다양한 장르의 등장

1980년대에는 일렉트로닉 악기의 발달, 특히 일본 로랜드 사의 악기들이 일렉트로닉 댄스 뮤직의 출현에 큰 영향을 미쳤다.[47][48][49] 로랜드 TR-808은 아프리카 밤바타의 "Planet Rock"(1982) 이후 댄스 음악 발전에 중요한 역할을 했다.[43] 로랜드 TR-909, TB-303, Juno-60 등은 테크노, 하우스, 애시드와 같은 일렉트로닉 댄스 뮤직에 영향을 미쳤다.[47][48][49]

1980년대 초, 일렉트로(일렉트로-펑크)는 신스팝, 펑크, 부기의 융합으로 등장했다.[50][51][52] 초기 선구자로는 사카모토 류이치, 아프리카 밤바타,[50] 잽,[51] D. 트레인,[52] 시나몬 등이 있다.[52]

일렉트로의 신디사이저로 프로그래밍된 드럼 비트를 제공하는 악기인 Roland TR-808 드럼 머신.


1980년대 초, 시카고의 라디오 DJ인 더 핫 믹스 5와 클럽 DJ 론 하디와 프랭키 너클스는 다양한 스타일의 댄스 음악을 연주했다.[57][58] 여기에는 오래된 디스코 레코드, 일렉트로 펑크 트랙, B-보이 힙합 음악, 일렉트로닉 팝 음악 등이 포함되었다.[57][58]

1980년대 중반, 디트로이트의 DJ 후안 아킨스, 데릭 메이, 케빈 샌더슨은 테크노의 기초를 다졌다. 그들은 시카고 하우스의 영향을 받은 전자 음악과 디트로이트(모타운 포함)의 영향을 받은 펑크 사운드를 융합했다.

Roland TB-303: 베이스 라인 신시사이저는 애시드 하우스에서 두드러지게 사용되었다.


1980년대 후반, 영국에서는 애시드 하우스레이브 문화가 발전했다. 1988년까지 하우스 음악은 유럽에서 가장 인기 있는 클럽 음악 형태가 되었고, 애시드 하우스는 같은 해 영국과 독일에서 주목할 만한 트렌드로 발전했다.

3. 3. 1990년대: 세분화와 발전

1990년대 초, 영국에서는 레이브 씬에서 브레이크비트 하드코어, 정글, 드럼 앤 베이스와 같은 새로운 스타일의 음악이 발전했다.[78] 특히 정글은 1994년에 이르러 주류 음악으로서 인기를 얻기 시작했고, 팬들은 정글리스트라고 불리며 하위 문화를 형성했다.[78] 정글은 래가머핀 사운드, 댄스홀, 랩, 덥 베이스라인, 복잡한 브레이크비트 퍼커션 등 다양한 장르의 요소를 융합한 것이 특징이다.[78] 그러나 엑스터시를 사용한 레이브 씬, 갱 문화와의 연관성 때문에 폭력 및 범죄 활동과 관련된 이미지를 갖기도 했다.[78] 1995년, 일부 정글 프로듀서들은 이러한 이미지에서 벗어나 드럼 앤 베이스라는 새로운 스타일을 추구하기 시작했다.[78]

한편, 1990년대에는 트랜스 음악이 영국과 독일을 중심으로 발전했다.[1] 트랜스는 테크노와 하우스에서 파생되었으며, 멜로디를 강조하여 유럽 전역으로 확산되었다.[1] 인도 고아 주에서도 인기를 얻었다.[72] 트랜스는 대부분 기악곡이지만, 여성 보컬이 포함되기도 하며, 보컬 트랜스라는 하위 장르를 형성하기도 했다.[73][74] 트랜스는 애시드 트랜스, 클래식 트랜스, 하드 트랜스, 프로그레시브 트랜스, 업리프팅 트랜스 등 다양한 하위 장르로 나뉜다.[75] 업리프팅 트랜스는 페리 코르스텐, 아르민 반 뷰렌, 티에스토 등 유명 아티스트들의 영향을 받아 발전했다.[75]

1990년대에는 프로그레시브 하우스, 테크 하우스, 미니멀 테크노, 유로댄스, 게토 하우스, 하드코어, 빅 비트, 디지털 하드코어, 아프로 하우스 등 다양한 하위 장르가 등장했다.[1] 이처럼 다양한 장르와 스타일의 발전은 일렉트로닉 댄스 뮤직의 다양성을 더욱 풍부하게 만들었다.

3. 4. 2000년대: 대중화와 확장

2000년대 중반, 네덜란드 프로듀서 티에스토2004년 하계 올림픽 개막식에서 공연하여 EDM에 대한 전 세계적인 대중의 관심을 이끌었다.[118] 이 공연은 ''가디언''이 선정한 댄스 음악에서 가장 중요한 50가지 사건 중 하나로 꼽혔다.[118] 2003년, ''빌보드''는 댄스 음악의 영향력이 미국 라디오에 커짐에 따라 사상 처음으로 댄스/믹스 쇼 에어플레이 차트를 만들었다.[119] 2005년에는 북미 대중문화에서 댄스 음악의 비중이 눈에 띄게 증가했다.[113]

2000년대에는 덥스텝이 1990년대 후반 사우스 런던에서 시작된 전자 댄스 음악 장르로 발전했다.[79][80] 덥스텝은 듬성듬성한, 싱코페이트 리듬 패턴과 눈에 띄는 서브 베이스 주파수를 포함하는 베이스 라인이 특징이며,[79][80] UK 개러지의 분파로 등장했다.[79] 2000년대 중반에는 일렉트로 하우스가 인기를 얻었으며,[90] 2006년 11월에는 Fedde Le Grand의 "Put Your Hands Up for Detroit"와 Bodyrox와 Luciana의 "Yeah Yeah"의 D. Ramirez 리믹스가 영국 40대 싱글 차트에서 각각 1위와 2위를 차지했다.[90] EDM 트랩 음악은 테크노, 덥, 더치 하우스에서 유래되었으며, 2000년대 후반과 2010년대 초반의 원래 파생된 사우스 힙합에서도 유래되었다.[92]

2000년대 후반부터, 프렌치 하우스 뮤지션 데이비드 게타는 캘리 롤런드와 함께한 "When Love Takes Over"와 같은 여러 크로스오버 히트를 탑 40 차트에서 기록하고,[122] 에이콘 ("Sexy Bitch") 및 블랙 아이드 피스 ("I Gotta Feeling")와 같은 미국 팝 및 힙합 음악 아티스트와의 협업 덕분에 주류 팝 음악에서 두각을 나타내기 시작했다.[122][123] 덥스텝 프로듀서 스크릴렉스는 헤비 메탈 음악의 공격성과 어조와 비교되는 "브로스텝"이라는 더 거친 사운드를 대중화했다.[124][125][126][127]

일렉트로닉 댄스 음악의 인기가 높아짐에 따라, 프로모터와 공연장은 DJ가 전통적인 음악가보다 더 많은 수익을 창출할 수 있다는 것을 깨달았다.[113] 일렉트릭 데이지 카니발 (EDC)과 울트라 뮤직 페스티벌과 같은 일렉트로닉 음악 페스티벌도 규모가 커졌으며,[124][125] 아비치스웨디시 하우스 마피아를 포함한 여러 아티스트들은 클럽보다는 경기장과 스타디움과 같은 주요 공연장에서 투어를 했다.[125] 2011년 12월, 스웨디시 하우스 마피아는 뉴욕시의 매디슨 스퀘어 가든을 매진시킨 최초의 일렉트로닉 음악 아티스트가 되었다.[125] 2013년 1월, ''빌보드''는 새로운 EDM 중심의 댄스/일렉트로닉 송 차트를 도입했다.[128]

2000년대 후반에 일렉트로닉 댄스 뮤직은 미국에서 인기를 얻게 되면서 "EDM"이라는 두문자어가 일렉트로닉 댄스 뮤직 전체를 나타내는 경제 용어로서 미국의 음악 매스 미디어에 의해 만들어졌다.[251][252]

3. 5. 2010년대 이후: 현재

2010년대 EDM 산업은 기업화되어, 라이브 네이션과 같은 대기업들이 EDM 페스티벌과 프로모터들을 인수하며 대규모 투자를 진행했다.[132][133][112][135][136] iHeartMedia, Inc. 등의 라디오 기업들도 EDM과의 협력을 통해 히트 라디오 방송국에서 EDM 관련 프로그램을 제작했다.[137][138][139] 주요 브랜드들은 EDM을 밀레니얼 세대를 대상으로 한 마케팅 수단으로 활용하며, 하이네켄, 안호이저-부시, 세븐 업, T-Mobile US 등의 기업들이 EDM 페스티벌 및 아티스트들과 협업했다.[142][143][183][144][145]

2010년대 중반, EDM 산업의 급성장과 상업화에 대한 비판도 제기되었다.[125] 칼 콕스와 스티브 로울러 등은 DJing의 예술성이 훼손되고 있다고 우려했으며,[125] 아비치데드마우스는 EDM의 동질성을 비판했다.[160][161][162][163][164] ''새터데이 나이트 라이브''에서는 EDM 문화를 풍자하는 콩트가 방영되기도 했다.[165][166][167] 2016년에는 '빅 룸' 일렉트로 하우스의 쇠퇴와 함께 다양한 스타일 변화가 나타났고,[168] 2010년대 말에는 EDM의 주류 음악 시장 점유율이 정체되기 시작했다.[96][169]

한편, 아프리카, 아시아 등 새로운 시장에서 EDM이 성장했다. 국제 뮤직 서밋 보고서에 따르면, 전 세계 일렉트로닉 음악 산업 규모는 2015년 약 69억 달러에 달했으며, 특히 동아시아, 인도, 남아프리카 공화국, 라틴 아메리카 등에서 성장세가 두드러졌다.[170] 가나에서는 Djsky가 EDM을 소개하고 성공적인 페스티벌을 개최했으며,[171][172][173][174][175][176] 에티오피아에서는 Rophnan이 EDM과 전통 음악을 결합하여 인기를 얻었다.[177][178][179] 중국에서도 EDM 시장이 완만하게 성장했으며, Storm 페스티벌 개최 등 다양한 투자가 이루어졌다.[180][181]

2020년, COVID-19 범유행으로 인해 전 세계 EDM 페스티벌이 취소되거나 연기되면서 산업 전체가 큰 타격을 받았다.[203] 울트라 마이애미, 일렉트릭 포레스트, 일렉트릭 주, 일렉트릭 데이지 카니발 등 주요 페스티벌들이 취소 또는 연기되었고,[204][205][206][207][208][209][210] 이로 인해 음악 산업과 관련 기업들은 막대한 경제적 손실을 입었다.[203][211][206] 이러한 상황에서 온라인 스트리밍 형태의 이벤트가 등장하며 새로운 대안으로 떠올랐다.[203]

4. 주요 하위 장르

1980년대 초, 시카고의 라디오 DJ 팀 더 핫 믹스 5(The Hot Mix 5)와 클럽 DJ 론 하디 및 프랭키 너클스는 다양한 스타일의 댄스 음악을 연주했다. 여기에는 오래된 디스코 레코드(대부분 필리 디스코와 살소울 트랙),[57] 일렉트로 펑크 트랙, 새로운 이탈로 디스코, B-보이 힙합 음악, 일렉트로닉 팝 음악이 포함되었다.[58] 일부 DJ들은 릴-투-릴 테이프에 자신이 좋아하는 노래를 직접 편집하여 연주하기도 했으며, 효과, 드럼 머신, 기타 리듬 전자 악기를 섞기도 했다.

1984년 시카고 DJ 제시 손더스가 프로듀싱하고 빈스 로렌스가 공동 작사한 "On and On"은 롤랜드 TB-303 베이스 신시사이저, 미니멀한 보컬, 롤랜드(구체적으로 TR-808) 드럼 머신, 코르그(구체적으로 폴리-61) 신시사이저와 같은 초기 하우스 사운드의 주요 요소를 갖추고 있었다. "On and On"은 때때로 '최초의 하우스 레코드'로 언급되지만,[59][60] J.M. 실크의 "Music is the Key"(1985)도 거론된다.[61]

하우스 음악은 뉴욕시, 뉴어크, 디트로이트를 포함한 미국의 여러 도시로 빠르게 퍼져나갔고, 이들 모두 자체적인 지역 음악 장면을 발전시켰다. 1980년대 중후반에는 하우스 음악이 유럽, 남아메리카와 호주의 주요 도시에서도 인기를 얻었다.[62] 시카고 하우스는 House Master Boyz and the Rude Boy of House의 "House Nation"(1987)과 같은 음반으로 유럽에서 상업적 성공을 거두었다. 이후 MARRS의 "Pump Up The Volume"(1987), S'Express의 "Theme from S'Express"(1988), 콜드컷의 "Doctorin' the House"(1988)와 같은 하우스에서 영감을 받은 음반들이 팝 차트에 진입했다.

차란짓 싱의 인도 라가 앨범 ''Synthesizing: Ten Ragas to a Disco Beat''(1982)는 애시드 하우스 음악의 사운드를 예고했지만, 21세기에 앨범이 재발견되기 전까지는 이 장르에 어떤 영향을 미쳤는지 알려진 바 없다.[63][64][65]

1980년대 디트로이트의 DJ들인 후안 아킨스, 데릭 메이, 케빈 샌더슨은 시카고 하우스의 영향을 받은 전자 음악과 디트로이트 특유의 펑크 사운드를 융합하여 테크노의 기초를 다졌다.[69] 이들은 4/4박자의 킥 드럼, 2, 4, 8분음표마다 나오는 스네어 드럼이나 하이햇을 특징으로 하는 테크노 사운드를 만들어냈다.

1980년대 중반, 스페인, 이비자의 발레아릭에서는 하우스 음악이 번성했다. 이곳은 오래된 바이닐 레코드들과 "무엇이든 좋다"는 태도가 결합되어 약물로 유도된 음악 실험의 중심지가 되었다.[66] 알프레도 피오리토가 중심 인물이었던 클럽 Amnesia는 유럽 전역에서 사람들을 끌어모았다.[67][68]

1988년에는 하우스 음악이 유럽에서 가장 인기 있는 클럽 음악이 되었고, 애시드 하우스는 영국과 독일에서 주목할 만한 트렌드로 떠올랐다. 영국에서는 영국 흑인 카리브인 사운드 시스템을 중심으로 한 창고 파티 하위 문화가 생겨났다. 런던에서는 대니 램플링과 폴 오켄폴드가 각각 Shoom과 Spectrum 클럽을 열면서 이비자의 파티 분위기가 전해졌다. 이 시기 MDMA가 파티 약물로 부각되었다. 맨체스터의 더 하치엔다와 같은 클럽들은 미국의 언더그라운드 댄스 음악의 시험장이 되었다.[70][71]

하우스와 애시드 하우스의 성공은 디트로이트 테크노의 길을 열었고, 이 스타일은 처음에는 시카고, 뉴욕, 잉글랜드 북부의 소수 하우스 음악 클럽에서 인기를 얻었다. 1988년 컴필레이션 앨범 ''Techno: The Dance Sound of Detroit''이 발매되면서 테크노라는 용어가 처음 사용되었다.[69] 데릭 메이의 "Strings of Life"(1987)는 1987-1988년 하우스 음악 붐 동안 테크노의 위상을 높이는 데 크게 기여했다.(세컨드 서머 오브 러브 참조).[70] 1980년대 후반, 하우스, 애시드 하우스, 테크노에 대한 관심이 높아지면서, MDMA에 취한 클럽 관객들은 새벽 2시 이후에도 파티를 계속하기 위해 창고 파티를 찾기 시작했다. 1989년 여름에는 최대 25,000명이 레이브에 참석했다.

트랜스는 1980년대 후반 레이브 현상에서 영국에서 등장하여 1990년대 초 독일에서 더욱 발전하여 테크노와 하우스에서 파생되어 멜로디가 강조되면서 유럽 전역으로 확산되었다. 동시에 트랜스 음악이 유럽에서 발전하는 동안, 이 장르는 인도 고아 주에서도 추종자를 모으고 있었다.[72]

트랜스는 대부분 기악이지만 보컬이 섞일 수 있는데, 전형적으로 메조소프라노에서 소프라노 여성 솔리스트가 부르며, 전통적인 절/후렴 구조가 없는 경우가 많다. 트랜스 음악의 구조화된 보컬 형태는 보컬 트랜스 하위 장르의 기반을 형성하며, 이는 "웅장하고, 하늘을 나는 듯하며, 오페라적"이고 "신디사이저 사이를 떠다니는 몽환적인 여성 보컬"로 묘사된다.[73][74] 트랜스 음악은 애시드 트랜스, 클래식 트랜스, 하드 트랜스, 프로그레시브 트랜스,[75]업리프팅 트랜스를 포함한 여러 하위 장르로 나뉜다.[75] 업리프팅 트랜스는 "앤섬 트랜스", "에픽 트랜스",[75] "상업적 트랜스", "스타디움 트랜스" 또는 "유포릭 트랜스"라고도 알려져 있으며, 페리 코르스텐, 아르민 반 뷰렌, 티에스토등 주요 아티스트들에 의해 발전하였다. 업리프팅 트랜스와 밀접하게 관련된 것은 유로-트랜스로, 이는 광범위한 상업화된 유럽 댄스 음악을 위한 일반적인 용어가 되었다. 테크 트랜스는 트랜스와 테크노의 혼합이며, 보컬 트랜스는 "[트랜스의] 프로그레시브 요소를 팝 음악과 결합"한다.[75] 드림 트랜스 장르는 1990년대 중반에 시작되었으며, 당시 로버트 마일스가 인기를 이끌었다.

올뮤직은 프로그레시브 트랜스에 대해 다음과 같이 말한다. "트랜스가 처음부터 차트에서 큰 인기를 누린 적이 없었기 때문에 트랜스 군중의 프로그레시브 파는 더 상업적이고 차트 지향적인 사운드로 직접 이어졌다. 유로댄스 또는 하우스의 부드러운 사운드를 강조하고 프로그레시브 트랜스는 밀레니엄 말까지 세계 댄스 플로어의 사운드가 되었다. 비평가들은 예측 가능한 브레이크다운과 비트 믹싱 기술의 상대적인 부족에 초점을 맞춘 것을 비웃었지만, 프로그레시브 트랜스는 가장 인기 있는 DJ에 의해 사용되었다."[77]

1990년대 초, 레이브 씬에서 미국 하우스와 테크노와는 구별되는 음악 스타일이 발전했다. 이 음악은 이전의 힙합과 마찬가지로, 샘플링된 싱코페이션된 비트 또는 브레이크비트, 광범위한 음악 장르의 다른 샘플, 그리고 때때로 영화와 텔레비전 프로그램의 음악, 대화, 효과 샘플을 결합했다. 하우스와 테크노와 같은 초기 댄스 음악 스타일에 비해, 소위 '레이브 음악'은 베이스 사운드를 강조하고 더 빠른 템포, 즉 분당 비트 수(BPM)를 사용하는 경향이 있었다. 이 하위 장르는 "하드코어" 레이브로 알려졌지만, 1991년부터 이러한 고속 템포 브레이크비트와 강한 베이스라인, 오래된 자메이카 음악 샘플로 구성된 일부 음악 트랙은 "정글 테크노"라고 불렸으며, 이는 Jack Smooth와 Basement Records의 영향을 받은 장르였고, 나중에는 단순히 "정글"로 불리며 레이브와 영국의 해적 라디오에서 인기 있는 별개의 음악 장르로 인식되었다. 드럼 앤 베이스의 역사를 논할 때, 정글 이전에 레이브 음악이 더 빨라지고 실험적으로 변했다는 점에 주목하는 것이 중요하다.[78]

1994년까지 정글은 주류의 인기를 얻기 시작했고, 이 음악의 팬들 (흔히 정글리스트라고 불림)은 청소년 하위 문화의 더욱 눈에 띄는 부분이 되었다. 이 장르는 래가머핀 사운드, 댄스홀, MC 챈트, 덥 베이스라인, 그리고 점점 더 복잡하고 심하게 편집된 브레이크비트 퍼커션을 포함하여 광범위한 기존 음악 장르의 요소를 통합하고 융합하면서 더욱 발전했다. 엑스터시로 가득 찬 레이브 씬과의 연관성에도 불구하고, 정글은 영국의 힙합 씬에 영향을 미친 갱 문화를 비롯하여, 정글의 종종 공격적이거나 위협적인 사운드와 폭력적 주제 (보통 샘플 선택에 반영됨)의 결과로 폭력 및 범죄 활동과 관련된 일부 연관성을 물려받았다. 그러나 이것은 런던에서 만연한 넓은 레이브 씬과 댄스홀 기반의 자메이카 음악 문화의 긍정적인 평판과 함께 발전했다. 1995년까지, 이러한 문화적 분열에 대한 반작용인지, 아니면 독립적으로인지, 일부 정글 프로듀서들은 레게 영향을 받은 스타일에서 벗어나 편의상 드럼 앤 베이스로 집합적으로 분류될 음악을 만들기 시작했다.[78]

덥스텝은 1990년대 후반 사우스 런던에서 시작된 전자 댄스 음악 장르이다. 듬성듬성한, 싱코페이트 리듬 패턴과 눈에 띄는 서브 베이스 주파수를 포함하는 베이스 라인이 특징이다. 이 스타일은 UK 개러지의 분파로 등장했으며, 2-스텝, 덥 레게, 정글 음악, 브로큰 비트, 그라임과 같은 관련 스타일의 계보를 따른다.[79][80] 영국에서 이 장르의 기원은 1980년대 초 자메이카 사운드 시스템 파티 장면의 성장과 관련이 있다.[80][81]

가장 초기의 덥스텝 릴리스는 1998년으로 거슬러 올라가며, 일반적으로 2-스텝 개러지 싱글 릴리스의 B-사이드로 소개되었다. 이 트랙들은 더 어둡고 실험적인 리믹스로, 보컬의 비중을 줄였으며, 브레이크비트드럼 앤 베이스 요소를 2-스텝에 통합하려고 시도했다. 2001년에는 이와 다른 종류의 어두운 개러지 음악이 런던의 나이트클럽 Plastic People에서 "Forward" 나이트(FWD>>로 스타일화되기도 함)에서 선보이고 홍보되기 시작했으며, 이는 덥스텝 발전에 영향을 미친 것으로 간주되었다. 음악 장르로서의 "덥스텝"이라는 용어는 2002년경 Big Apple, Ammunition, Tempa와 같은 레이블에서 사용되기 시작했으며, 이 시점에는 이러한 리믹스를 제작하는 데 사용된 스타일 경향이 2-스텝 및 그라임과 구별되는 방식으로 더욱 두드러지기 시작했다.[82]

4. 1. 하우스 (House)

1980년대 초, 시카고의 라디오 DJ 팀 더 핫 믹스 5(The Hot Mix 5)와 클럽 DJ 론 하디(Ron Hardy) 및 프랭키 너클스(Frankie Knuckles)는 다양한 스타일의 댄스 음악을 연주했다. 여기에는 오래된 디스코 레코드(대부분 필리 디스코와 살소울 트랙),[57] 일렉트로 펑크 트랙, 새로운 이탈로 디스코, B-보이 힙합 음악, 일렉트로닉 팝 음악이 포함되었다.[58] 일부 DJ들은 릴-투-릴 테이프에 자신이 좋아하는 노래를 직접 편집하여 연주하기도 했으며, 효과, 드럼 머신, 기타 리듬 전자 악기를 섞기도 했다.

1984년 시카고 DJ 제시 손더스가 프로듀싱하고 빈스 로렌스가 공동 작사한 "On and On"은 롤랜드 TB-303 베이스 신시사이저, 미니멀한 보컬, 롤랜드(구체적으로 TR-808) 드럼 머신, 코르그(구체적으로 폴리-61) 신시사이저와 같은 초기 하우스 사운드의 주요 요소를 갖추고 있었다. "On and On"은 때때로 '최초의 하우스 레코드'로 언급되지만,[59][60] J.M. 실크의 "Music is the Key"(1985)도 거론된다.[61]

하우스 음악은 뉴욕시, 뉴어크, 디트로이트를 포함한 미국의 여러 도시로 빠르게 퍼져나갔고, 이들 모두 자체적인 지역 음악 장면을 발전시켰다. 1980년대 중후반에는 하우스 음악이 유럽, 남아메리카와 호주의 주요 도시에서도 인기를 얻었다.[62] 시카고 하우스는 House Master Boyz and the Rude Boy of House의 "House Nation"(1987)과 같은 음반으로 유럽에서 상업적 성공을 거두었다. 이후 MARRS의 "Pump Up The Volume"(1987), S'Express의 "Theme from S'Express"(1988), 콜드컷의 "Doctorin' the House"(1988)와 같은 하우스에서 영감을 받은 음반들이 팝 차트에 진입했다.

차란짓 싱의 인도 라가 앨범 ''Synthesizing: Ten Ragas to a Disco Beat''(1982)는 애시드 하우스 음악의 사운드를 예고했지만, 21세기에 앨범이 재발견되기 전까지는 이 장르에 어떤 영향을 미쳤는지 알려진 바 없다.[63][64][65]

4. 2. 테크노 (Techno)

1980년대 디트로이트의 DJ들인 후안 아킨스, 데릭 메이, 케빈 샌더슨은 시카고 하우스의 영향을 받은 전자 음악과 디트로이트 특유의 펑크 사운드를 융합하여 테크노의 기초를 다졌다.[69] 이들은 4/4박자의 킥 드럼, 2, 4, 8분음표마다 나오는 스네어 드럼이나 하이햇을 특징으로 하는 테크노 사운드를 만들어냈다.

1980년대 중반, 스페인, 이비자의 발레아릭에서는 하우스 음악이 번성했다. 이곳은 오래된 바이닐 레코드들과 "무엇이든 좋다"는 태도가 결합되어 약물로 유도된 음악 실험의 중심지가 되었다.[66] 알프레도 피오리토가 중심 인물이었던 클럽 Amnesia는 유럽 전역에서 사람들을 끌어모았다.[67][68]

1988년에는 하우스 음악이 유럽에서 가장 인기 있는 클럽 음악이 되었고, 애시드 하우스는 영국과 독일에서 주목할 만한 트렌드로 떠올랐다. 영국에서는 영국 흑인 카리브인 사운드 시스템을 중심으로 한 창고 파티 하위 문화가 생겨났다. 런던에서는 대니 램플링과 폴 오켄폴드가 각각 Shoom과 Spectrum 클럽을 열면서 이비자의 파티 분위기가 전해졌다. 이 시기 MDMA가 파티 약물로 부각되었다. 맨체스터의 더 하치엔다와 같은 클럽들은 미국의 언더그라운드 댄스 음악의 시험장이 되었다.[70][71]

하우스와 애시드 하우스의 성공은 디트로이트 테크노의 길을 열었고, 이 스타일은 처음에는 시카고, 뉴욕, 잉글랜드 북부의 소수 하우스 음악 클럽에서 인기를 얻었다. 1988년 컴필레이션 앨범 ''Techno: The Dance Sound of Detroit''이 발매되면서 테크노라는 용어가 처음 사용되었다.[69] 데릭 메이의 "Strings of Life"(1987)는 1987-1988년 하우스 음악 붐 동안 테크노의 위상을 높이는 데 크게 기여했다.(세컨드 서머 오브 러브 참조).[70] 1980년대 후반, 하우스, 애시드 하우스, 테크노에 대한 관심이 높아지면서, MDMA에 취한 클럽 관객들은 새벽 2시 이후에도 파티를 계속하기 위해 창고 파티를 찾기 시작했다. 1989년 여름에는 최대 25,000명이 레이브에 참석했다.

4. 3. 트랜스 (Trance)

트랜스는 1980년대 후반 레이브 현상에서 영국에서 등장하여 1990년대 초 독일에서 더욱 발전하여 테크노와 하우스에서 파생되어 멜로디가 강조되면서 유럽 전역으로 확산되었다. 동시에 트랜스 음악이 유럽에서 발전하는 동안, 이 장르는 인도 고아 주에서도 추종자를 모으고 있었다.[72]

트랜스는 대부분 기악이지만 보컬이 섞일 수 있는데, 전형적으로 메조소프라노에서 소프라노 여성 솔리스트가 부르며, 전통적인 절/후렴 구조가 없는 경우가 많다. 트랜스 음악의 구조화된 보컬 형태는 보컬 트랜스 하위 장르의 기반을 형성하며, 이는 "웅장하고, 하늘을 나는 듯하며, 오페라적"이고 "신디사이저 사이를 떠다니는 몽환적인 여성 보컬"로 묘사된다.[73][74] 트랜스 음악은 애시드 트랜스, 클래식 트랜스, 하드 트랜스, 프로그레시브 트랜스,[75]업리프팅 트랜스를 포함한 여러 하위 장르로 나뉜다.[75] 업리프팅 트랜스는 "앤섬 트랜스", "에픽 트랜스",[75] "상업적 트랜스", "스타디움 트랜스" 또는 "유포릭 트랜스"라고도 알려져 있으며, 페리 코르스텐, 아르민 반 뷰렌, 티에스토등 주요 아티스트들에 의해 발전하였다. 업리프팅 트랜스와 밀접하게 관련된 것은 유로-트랜스로, 이는 광범위한 상업화된 유럽 댄스 음악을 위한 일반적인 용어가 되었다. 테크 트랜스는 트랜스와 테크노의 혼합이며, 보컬 트랜스는 "[트랜스의] 프로그레시브 요소를 팝 음악과 결합"한다.[75] 드림 트랜스 장르는 1990년대 중반에 시작되었으며, 당시 로버트 마일스가 인기를 이끌었다.

올뮤직은 프로그레시브 트랜스에 대해 다음과 같이 말한다. "트랜스가 처음부터 차트에서 큰 인기를 누린 적이 없었기 때문에 트랜스 군중의 프로그레시브 파는 더 상업적이고 차트 지향적인 사운드로 직접 이어졌다. 유로댄스 또는 하우스의 부드러운 사운드를 강조하고 프로그레시브 트랜스는 밀레니엄 말까지 세계 댄스 플로어의 사운드가 되었다. 비평가들은 예측 가능한 브레이크다운과 비트 믹싱 기술의 상대적인 부족에 초점을 맞춘 것을 비웃었지만, 프로그레시브 트랜스는 가장 인기 있는 DJ에 의해 사용되었다."[77]

4. 4. 드럼 앤 베이스 (Drum and Bass)

1990년대 초, 레이브 씬에서 미국 하우스와 테크노와는 구별되는 음악 스타일이 발전했다. 이 음악은 이전의 힙합과 마찬가지로, 샘플링된 싱코페이션된 비트 또는 브레이크비트, 광범위한 음악 장르의 다른 샘플, 그리고 때때로 영화와 텔레비전 프로그램의 음악, 대화, 효과 샘플을 결합했다. 하우스와 테크노와 같은 초기 댄스 음악 스타일에 비해, 소위 '레이브 음악'은 베이스 사운드를 강조하고 더 빠른 템포, 즉 분당 비트 수(BPM)를 사용하는 경향이 있었다. 이 하위 장르는 "하드코어" 레이브로 알려졌지만, 1991년부터 이러한 고속 템포 브레이크비트와 강한 베이스라인, 오래된 자메이카 음악 샘플로 구성된 일부 음악 트랙은 "정글 테크노"라고 불렸으며, 이는 Jack Smooth와 Basement Records의 영향을 받은 장르였고, 나중에는 단순히 "정글"로 불리며 레이브와 영국의 해적 라디오에서 인기 있는 별개의 음악 장르로 인식되었다. 드럼 앤 베이스의 역사를 논할 때, 정글 이전에 레이브 음악이 더 빨라지고 실험적으로 변했다는 점에 주목하는 것이 중요하다.[78]

1994년까지 정글은 주류의 인기를 얻기 시작했고, 이 음악의 팬들 (흔히 정글리스트라고 불림)은 청소년 하위 문화의 더욱 눈에 띄는 부분이 되었다. 이 장르는 래가머핀 사운드, 댄스홀, MC 챈트, 덥 베이스라인, 그리고 점점 더 복잡하고 심하게 편집된 브레이크비트 퍼커션을 포함하여 광범위한 기존 음악 장르의 요소를 통합하고 융합하면서 더욱 발전했다. 엑스터시로 가득 찬 레이브 씬과의 연관성에도 불구하고, 정글은 영국의 힙합 씬에 영향을 미친 갱 문화를 비롯하여, 정글의 종종 공격적이거나 위협적인 사운드와 폭력적 주제 (보통 샘플 선택에 반영됨)의 결과로 폭력 및 범죄 활동과 관련된 일부 연관성을 물려받았다. 그러나 이것은 런던에서 만연한 넓은 레이브 씬과 댄스홀 기반의 자메이카 음악 문화의 긍정적인 평판과 함께 발전했다. 1995년까지, 이러한 문화적 분열에 대한 반작용인지, 아니면 독립적으로인지, 일부 정글 프로듀서들은 레게 영향을 받은 스타일에서 벗어나 편의상 드럼 앤 베이스로 집합적으로 분류될 음악을 만들기 시작했다.[78]

4. 5. 덥스텝 (Dubstep)

덥스텝은 1990년대 후반 사우스 런던에서 시작된 전자 댄스 음악 장르이다. 듬성듬성한, 싱코페이트 리듬 패턴과 눈에 띄는 서브 베이스 주파수를 포함하는 베이스 라인이 특징이다. 이 스타일은 UK 개러지의 분파로 등장했으며, 2-스텝, 덥 레게, 정글 음악, 브로큰 비트, 그라임과 같은 관련 스타일의 계보를 따른다.[79][80] 영국에서 이 장르의 기원은 1980년대 초 자메이카 사운드 시스템 파티 장면의 성장과 관련이 있다.[80][81]

가장 초기의 덥스텝 릴리스는 1998년으로 거슬러 올라가며, 일반적으로 2-스텝 개러지 싱글 릴리스의 B-사이드로 소개되었다. 이 트랙들은 더 어둡고 실험적인 리믹스로, 보컬의 비중을 줄였으며, 브레이크비트드럼 앤 베이스 요소를 2-스텝에 통합하려고 시도했다. 2001년에는 이와 다른 종류의 어두운 개러지 음악이 런던의 나이트클럽 Plastic People에서 "Forward" 나이트(FWD>>로 스타일화되기도 함)에서 선보이고 홍보되기 시작했으며, 이는 덥스텝 발전에 영향을 미친 것으로 간주되었다. 음악 장르로서의 "덥스텝"이라는 용어는 2002년경 Big Apple, Ammunition, Tempa와 같은 레이블에서 사용되기 시작했으며, 이 시점에는 이러한 리믹스를 제작하는 데 사용된 스타일 경향이 2-스텝 및 그라임과 구별되는 방식으로 더욱 두드러지기 시작했다.[82]

5. 사회적 영향

5. 1. 페스티벌 문화

1980년대에는 일렉트로닉 댄스 뮤직(EDM)이 창고, 버려진 격납고, 들판 등 비밀 장소에서 열리는 불법 언더그라운드 레이브 파티에서 자주 연주되었다. 1990년대와 2000년대에는 언더그라운드 레이브 문화가 발전하여 합법적이고 조직적인 EDM 콘서트와 음악 축제가 등장하기 시작했다.[184] 주요 축제는 여러 무대에 걸쳐 다양한 EDM 장르를 선보이며, 정교한 무대 디자인, 복잡한 조명 시스템, 레이저 쇼, 불꽃놀이 등을 통해 시각적인 볼거리를 강조한다.[124][125][183] 레이브 패션 또한 발전하여, ''가디언''은 이를 1990년대 "캔디 레이버"에서 "[a] 베니스 비치와 태양의 서커스, 윌리 웡카 그리고 게이 프라이드 퍼레이드의 중간 지점에 있는 세련되고 섹시하면서도 키치-초현실적인 이미지"로 묘사했다.[124][125][183] 이러한 행사는 조직적인 성격으로 지하 레이브와 달랐으며, 주요 장소에서 개최되고 참석자의 건강과 안전을 보장하기 위한 조치가 이루어졌다.[184]

2013년 오스트리아 플라인펠트에서 열린 EDM 축제


EDM 축제는 브랜딩이 훌륭하다는 평가를 받으며,[185] 개최 도시에 긍정적인 경제적 영향을 미치는 것으로 나타났다.[184] 2014년 울트라 뮤직 페스티벌은 마이애미/사우스 플로리다 지역 경제에 165,000명의 참석자와 2억 2,300만 달러 이상을 가져다주었다.[144] 벨기에의 투모로우랜드 축제의 미국 버전인 투모로우월드의 첫 번째 에디션은 애틀랜타 지역에 8,510만 달러를 가져다주었는데, 이는 그 해 초 NCAA 파이널 포를 개최한 것과 같은 수익이었다.[187] EDC 라스베이거스는 2015년 한 해에만 3억 5,030만 달러의 경제 효과를 클라크 카운티에 안겨주었으며, 3일(6월 19일~21일) 동안 405,000명 이상의 관람객이 참여했다.[188]

EDM과 축제의 인기는 코첼라와 롤라팔루자와 같이 일렉트로닉 음악과 크게 관련이 없는 일부 멀티 장르 축제에서도 더 많은 일렉트로닉 공연을 추가하게 했다. 데드마우스, 캘빈 해리스 및 서브트로닉스와 같은 주요 공연은 각각 롤라팔루자와 코첼라의 메인 무대에서 전체 헤드라인으로 출연하기도 했다.[189][190]

2016년 Spectrum 댄스 뮤직 페스티벌


''글로브 앤 메일''의 러셀 스미스는 상업적인 축제 산업이 "비싼 티켓, 거대한 기업 후원사, 저속한 브로 문화"등을 언급하며 레이브 하위 문화의 원래 원칙과 상반된다고 비판했다.[191] 약물 관련 사건과 참석자들의 행동에 대한 불만은 일렉트로닉 음악 행사에 대한 부정적인 인식과 반대에 영향을 미쳤다.[191][192]

2014년 울트라 뮤직 페스티벌에서 게이트 크래셔 군중이 경비원을 짓밟은 사건 이후, 마이애미 시 의원들은 이 축제의 개최 금지를 고려하기도 했다. 그러나 긍정적인 경제적 효과를 이유로 개최를 허용했지만, 주최측에 안전, 약물 사용 및 음란한 행동 해결을 조건으로 내걸었다.[193][194][195] 2018년, 지속적인 우려로 인해 의원들은 베이프론트 파크와 마이애미 시내에서 개최되는 것을 금지하기로 투표했지만,[196][197][198] 이후 버지니아 키로 옮기려는 제안을 승인했다.[199] 하지만 운송 문제 등으로 인해 울트라는 계약을 철회하고 베이프론트 파크로 돌아가기 위한 합의를 협상했다.[200][201]

영국의 정글 및 드럼 앤 베이스 전문 레코드 레이블인 호스피탈 레코드는 영국과 EDM의 영향력이 큰 기타 국가의 클럽 및 기타 장소에서 Hospitality라는 축제를 운영하고 있다.[202]

5. 2. 약물 사용과의 연관성

댄스 음악은 오락용 약물 사용과 오랫동안 연관되어 왔으며,[212] 특히 "클럽 약물"이라는 이름으로 분류된 광범위한 약물과 연관되어 있다. 러셀 스미스는 약물과 음악 하위 문화의 연관성이 전자 음악에만 국한된 것은 아니라고 언급하며, 사이키델릭 록과 LSD, 디스코 음악과 코카인, 펑크 음악과 헤로인과 같이 특정 약물과 연관된 이전의 음악 장르의 예를 들었다.[191]

위에 그림은 엑스터시의 일반적인 모습이지만, 다양한 모양과 형태가 있습니다.


메틸렌디옥시메탐페타민(MDMA, 엑스터시)는 레이브 문화에서 흔히 사용되는 약물이다.[213] 레이브 환경에서 음악과 조명에서 오는 감각적 효과는 종종 약물과 매우 시너지 효과를 낸다. MDMA는 때때로 LSD, DMT, 사이로시빈 버섯, 케타민과 같은 환각제와 함께 복용하기도 한다.[214] 파라-메톡시암페타민(4-MA)는 MDMA와 유사하지만 효과가 나타나기까지 최대 1시간이 걸릴 수 있으며, 고체온증과 장기 부전을 유발할 수 있다.[215][216]

비의학적 케타민 사용은 레이브 파티 및 기타 파티에서 증가했다.[218] 케타민은 1990년대 말 홍콩에서 댄스 문화에서 급속도로 부상했다.

전자 음악 콘서트와 축제에서 약물 사용으로 추정되는 사망 사고가 여러 건 발생했다. 2010년 일렉트릭 데이지 카니발 행사에서 미성년 참가자가 사망한 후, 로스앤젤레스 메모리얼 콜리세움은 인섬니악 이벤트를 블랙리스트에 올렸다.[222][184][223][224][225] 미국 뉴욕시에서 2013년 일렉트릭 주 행사 중, 그리고 말레이시아 쿠알라룸푸르에서 2014년 퓨처 뮤직 페스티벌 아시아 행사 중 발생한 약물 관련 사망 사고로 인해 두 행사 모두 마지막 날이 취소되었다.[224][226] 라이프 인 컬러는 인도네시아 자카르타에서 열린 어 스테이트 오브 트랜스 650(A State of Trance) 콘서트에서 발생한 다른 약물 관련 사망 사고에 대한 우려로 말레이시아에서 계획된 행사를 취소했다.[227][228][229]

2016년 9월, 아르헨티나 부에노스아이레스시는 타임 워프 페스티벌 행사에서 5명의 약물 관련 사망자와 4명의 부상자가 발생한 후, 향후 법안이 마련될 때까지 모든 전자 음악 행사 금지령을 내렸다.[230][231]

6. 대한민국에서의 EDM

대한민국에서는 1990년대 후반부터 테크노를 중심으로 클럽 문화가 형성되기 시작했으며, 2000년대 초반에는 트랜스가 유행하기도 했다. 2010년대 이후에는 울트라 코리아와 같은 대규모 EDM 페스티벌이 개최되면서 EDM이 대중적인 인기를 얻고 있다. 또한, K팝 아티스트와의 협업을 통해 EDM 요소를 접목한 음악이 등장하기도 한다. 2023년 현재, 대한민국에서 개최되는 주요 EDM 페스티벌로는 울트라 코리아 (UMF Korea), 월드 디제이 페스티벌 (World DJ Festival), EDC 코리아 (Electric Daisy Carnival Korea), 스트라이크 뮤직 페스티벌 (Strike Music Festival) 등이 있다.

7. 용어 논란 및 비판

2000년대 후반, 미국 음악 산업에서 EDM이라는 용어를 사용하기 시작하면서, 사이먼 레이놀즈는 이것이 미국의 "레이브 문화"를 재브랜딩하고 1990년대 레이브 신과 차별화하려는 시도라고 언급했다.[96] 믹스매그 기사에서는 "드롭이 많고, 경기장을 가득 채우며, 주먹을 흔들고, 차트 1위를 차지하며, 대규모 상업적인 메인 스테이지 사운드로 미국을 정복했다"라고 묘사했다.[96]

EDM의 상업화에 대한 비판도 제기되었다. 칼 콕스, 스티브 로울러, 마커스 슐츠 등은 댄스 음악의 과도한 상업화가 DJing의 예술성에 영향을 미쳤다고 우려했다.[125] 콕스는 새로운 EDM DJ들이 취하는 "프레스-플레이" 접근 방식이 그가 "DJ 정신"이라고 부르는 것과는 거리가 멀다고 보았다.[125]

일부 하우스 프로듀서들은 상업적인 EDM의 차별성과 창의성이 부족하다고 비판했다. 아비치는 대부분의 EDM이 "지속성"이 부족하다고 말했고,[160] 데드마우스는 인기 EDM의 동질성을 비판하며 "모두 똑같이 들린다"고 주장했다.[161] 2014년 울트라 뮤직 페스티벌에서 데드마우스는 마틴 게릭스의 "Animals"를 "Old McDonald Had a Farm"의 멜로디로 리믹스한 편집 버전을 연주하며 비판했다.[161][162][163][164]

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