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제임스 애벗 맥닐 휘슬러

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목차

1. 개요

제임스 애벗 맥닐 휘슬러는 1834년 미국에서 태어나 1903년 사망한 미국의 화가이다. 그는 '예술을 위한 예술'을 추구하며, 회화가 현실 재현이 아닌 색채와 형태의 조화로운 구성에 중점을 두어야 한다고 주장했다. 휘슬러는 1860년대부터 런던과 파리를 오가며 활동하며, '흰색 심포니 1번: 흰옷 입은 소녀', '휘슬러의 어머니', '야상곡: 푸른색과 금색 – 올드 배터시 다리' 등 다양한 작품을 제작했다. 그의 작품은 일본 미술의 영향을 받았으며, 음악 용어를 제목에 사용하여 회화의 음악성을 강조했다. 1877년에는 비평가 존 러스킨을 명예훼손으로 고소하여 승소했으나 경제적 어려움을 겪기도 했다. 휘슬러는 심미주의 운동의 선구자로서, 렘브란트, 벨라스케스, 고대 그리스 조각 등에서 영감을 받아 자신만의 독창적인 스타일을 개발했으며, 전 세계 예술가들에게 영향을 미쳤다.

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제임스 애벗 맥닐 휘슬러 - [인물]에 관한 문서
기본 정보
제임스 맥닐 휘슬러 자화상
자화상 (1872년경), 디트로이트 미술관
본명제임스 애벗 맥닐 휘슬러
출생일1834년 7월 10일
출생지미국 매사추세츠주 로웰
사망일1903년 7월 17일
사망지영국 런던
국적미국
배우자베아트리스 고드윈 (1888년 결혼, 1896년 사망)
부모조지 워싱턴 휘슬러
안나 맥닐 휘슬러
경력
분야회화
사조토널리즘 (창시자)
스승샤를 글레르
주요 작품휘슬러의 어머니
수상1884년, 바이에른 독일 왕립 뮌헨 미술 아카데미 명예 회원
1892년, 프랑스 레지옹 도뇌르 훈장
1898년, 국제 조각가, 화가 및 판화가 협회 창립 멤버 및 초대 회장
소속
소속왕립 영국 미술가 협회 (RBA)

2. 생애

미국 매사추세츠주 로웰에서 토목 기사의 아들로 태어난 휘슬러는 아버지의 일 때문에 어린 시절 러시아 상트페테르부르크에서 몇 년을 보냈다. 이후 미국으로 돌아와 웨스트포인트의 미국 육군사관학교에 잠시 다녔으나 중퇴하고, 워싱턴 D.C.에서 동판화 기술을 익혔다.

1855년 파리로 건너가 샤를 글레르의 아틀리에에서 미술 공부를 시작했지만, 귀스타브 쿠르베의 사실주의에 더 큰 영향을 받았다. 파리에서는 앙리 팡탱라투르, 알퐁스 르그로 등과 교류하며 예술적 기반을 다졌다. 1859년부터는 런던에도 아틀리에를 두고 활동하며 로세티 형제 등 라파엘 전파 화가들과 교류했다.

1863년 파리 낙선전에 출품된 ''흰색 심포니 1번: 흰옷 입은 소녀''는 그에게 큰 명성을 안겨주었다. 이 작품은 색채의 조화를 중시하는 그의 예술관을 보여주는 대표적인 예로, 이후 그의 작품에는 '심포니', '녹턴' 등 음악 용어를 사용한 제목이 자주 등장하게 된다.

휘슬러는 런던과 파리를 오가며 활동했으며, 후원자 프레더릭 레이랜드의 저택 식당 장식(공작의 방)을 맡기도 했다. 1879년부터 1880년까지는 베네치아에서 머물며 많은 에칭과 파스텔화를 제작했다. 런던으로 돌아온 후 1886년에는 영국 미술가 협회 회장으로 선출되는 등 영국 화단에서 중요한 위치를 차지했다. 1903년 런던에서 생을 마감했다.

2. 1. 초기 생애

제임스 애벗 맥닐 휘슬러는 1834년 7월 10일 매사추세츠주 로웰에서 애나 맥닐 휘슬러와 조지 워싱턴 휘슬러의 첫째 아이로 태어났다.[3][4][5] 그의 아버지는 저명한 철도 기술자였고, 어머니는 독실한 신앙인이었다. 남동생 윌리엄 맥닐 휘슬러는 후에 남부 연합군의 외과 의사가 되었다. 휘슬러는 생애 처음 3년을 로웰의 워든가 243번지 집에서 보냈는데,[6] 이 집은 현재 그를 기리는 박물관인 휘슬러 하우스 미술관으로 운영되고 있다.[7] 후년에 휘슬러는 자신의 출생지를 러시아 상트페테르부르크라고 주장하며 "나는 내가 원할 때, 원하는 곳에서 태어날 것이며, 로웰에서 태어나는 것을 원치 않는다"고 말하기도 했다. 또한 그는 미국 남부 출신인 어머니와의 연관성을 강조하며 자신을 가난한 남부 귀족으로 내세우려 했으나, 미국 남북 전쟁 당시 남부 연합에 대해 실제로 어느 정도 공감했는지는 불분명하다. 그는 어머니가 돌아가신 후 어머니의 처녀 성인 '맥닐'을 자신의 중간 이름으로 추가했다.[10]

휘슬러는 어릴 때 변덕스럽고 화를 잘 내는 성격이었으며, 병을 앓고 나면 게으름을 피우는 경향이 있었다. 그의 부모는 그림 그리기가 아들의 변덕스러운 성격을 진정시키고 집중력을 높이는 데 도움이 된다는 것을 발견했다.

1837년, 아버지가 스토닝턴 철도 건설에 참여하게 되면서 가족은 로웰을 떠나 코네티컷주 스토닝턴으로 이사했다. 이 시기에 휘슬러의 동생 세 명이 유아기에 사망하는 아픔을 겪었다.[6] 1839년에는 아버지가 보스턴 앤 올버니 철도의 수석 엔지니어가 되면서 가족의 형편이 크게 나아졌고,[8] 매사추세츠주 스프링필드에 저택을 마련했다. 이 저택 자리에는 현재 우드 역사 박물관이 들어서 있다. 가족은 1842년 말 러시아로 떠나기 전까지 스프링필드에서 살았다.[9]

1842년(또는 1843년), 아버지 조지 휘슬러가 러시아 제국의 모스크바-상트페테르부르크 철도 건설 감독을 맡게 되면서 가족은 상트페테르부르크로 이주했다. 어린 휘슬러는 러시아에서 몇 년간 거주하며 미술 교육을 받았고, 제국 예술 아카데미에 입학하기도 했다. 1847년부터 1848년까지 가족은 잠시 런던에서 지냈는데, 이때 휘슬러는 매형인 프랜시스 시모어 헤이든으로부터 예술적 영향을 받았다.

1849년, 아버지가 콜레라로 사망하면서 가족은 미국 코네티컷주 폼프렛으로 돌아왔다. 1851년, 휘슬러는 웨스트포인트에 있는 미국 육군사관학교에 입학했다. 그의 아버지가 과거 제도 교관으로 근무했던 곳이기도 하다. 그러나 휘슬러는 사관학교 생활에 잘 적응하지 못했고, 특히 화학 과목 성적이 좋지 않아 1854년에 퇴교 처분을 받았다. 이후 약 1년간 워싱턴 D.C.의 미국 해안 측량국(U.S. Coast Survey)에서 지형도 동판화 제작자로 일했다. 하지만 이 일에도 만족하지 못하고 결국 화가의 길을 걷기로 결심하여 1855년 프랑스 파리로 건너갔다.

2. 2. 웨스트포인트와 초기 경력

휘슬러, 1847–1849년경


1849년 아버지가 콜레라로 사망하자, 휘슬러 가족은 어머니의 고향인 코네티컷주 폼프렛으로 돌아왔다.[12] 가족은 제한된 수입으로 검소하게 생활해야 했고, 휘슬러의 예술가로서의 계획은 불투명해졌다.

1851년, 휘슬러는 미국뉴욕주 웨스트포인트에 있는 미국 육군사관학교에 입학했다. 이는 그의 아버지가 과거 제도를 가르쳤던 곳이기도 했다. 그러나 그는 규율에 얽매이는 사관학교 생활에 잘 적응하지 못했고, 학업보다는 그림 그리기에 더 몰두하는 경향을 보였다. 결국 1854년, 화학 과목에서 낙제점을 받아 퇴학 처분을 받았다.

사관학교를 나온 후, 휘슬러는 약 1년간 워싱턴 D.C.에서 지형도 동판화 제작자로 일했다. 이 시기에 그는 동판화, 즉 에칭 기술을 익힐 수 있었다. 하지만 이 일에 만족하지 못하고 예술가의 길을 걷기로 결심한 그는 1855년 프랑스 파리로 이주하여 본격적인 미술 공부를 시작했다.

2. 3. 프랑스와 영국에서의 예술 활동

''흰색 심포니 1번: 흰옷 입은 소녀''(1862), 미국 워싱턴 D.C. 국립 미술관


제임스 애벗 맥닐 휘슬러, 파리, c.1863, 에티엔 카르자 촬영


1855년 파리로 건너간 휘슬러는 샤를 글레르의 아틀리에에서 미술을 공부했다. 그러나 그는 전통적인 화풍에 만족하지 못하고, 당시 혁신적인 화가로 평가받던 귀스타브 쿠르베의 사실주의에 강한 공감을 느꼈다. 파리에서 그는 화가 앙리 팡탱라투르, 알퐁스 르그로와 함께 '3인회'를 결성하며 교류했다.

1859년에는 런던에도 아틀리에를 마련하고 로세티 형제 등 라파엘 전파 화가들과 교류하기 시작했다. 이후 런던과 파리를 오가며 활동했으며, 1860년부터 런던 로열 아카데미에 작품을 출품했다.

1861년 잠시 파리로 돌아가 그의 첫 유명 작품인 ''흰색 심포니 1번: 흰옷 입은 소녀''를 그렸다. 이 작품은 그의 연인이자 사업 매니저였던 조앤나 히퍼난을 모델로 한 것으로, 휘슬러 자신은 흰색의 다양한 색조를 탐구한 작품으로 의도했지만, 당시 비평가들과 대중은 다양한 해석을 내놓았다. 비평가 쥘-앙투안 카스타냐리는 그림 속 인물이 잃어버린 순수함을 상징한다고 보았고, 다른 이들은 윌키 콜린스의 인기 소설 ''흰옷을 입은 여자''나 다른 문학 작품과 연관 지었다. 영국에서는 일부 비평가들이 이를 라파엘 전파 양식의 그림으로 간주하기도 했다. 그림에서 히퍼난은 왼손에 백합을 들고 늑대 가죽 러그 위에 서 있으며, 늑대 머리는 보는 사람을 향하고 있다.

이 초상화는 보수적인 로열 아카데미 전시에서 거부당했지만, 런던의 한 개인 갤러리에서 '흰옷 입은 여자'라는 제목으로 전시되었다. 1863년에는 파리의 낙선전에 출품되어 큰 주목을 받았다. 이 전시는 나폴레옹 3세가 공식 살롱에서 거부된 작품들을 대중에게 선보이기 위해 특별히 후원한 것이었다.[15] 휘슬러의 그림은 에두아르 마네의 더욱 충격적인 작품 ''풀밭 위의 점심''에는 미치지 못했지만 상당한 관심을 끌었다. 전통주의자들의 비판에 맞서 휘슬러의 지지자들은 이 그림이 예술의 본질은 자연의 사실적 묘사가 아니라 조화로운 색상 배열에 있다는 그의 이론을 잘 보여주는 작품이라고 옹호했다.

2년 후 휘슬러는 히퍼난의 또 다른 초상화를 흰색으로 그렸는데, 이번에는 그가 새롭게 관심을 갖게 된 아시아 모티프를 보여주며, 제목을 ''작은 흰 소녀''라고 붙였다. 1864년에 완성된 그의 ''도자기 나라의 공주''와 ''황금 병풍''은 그의 연인을 더욱 강조된 아시아 복장과 환경에서 다시 묘사했다.

이 시기에 휘슬러는 프랑스 사실주의의 지도자 귀스타브 쿠르베와 가까워졌지만, 히퍼난이 쿠르베를 위해 누드로 모델이 되자 휘슬러는 격분했고, 히퍼난과의 관계는 무너지기 시작했다.

1864년 1월, 휘슬러의 어머니가 런던에 도착하여 아들의 보헤미안적인 삶을 뒤엎고 일시적으로 가족 간의 긴장을 악화시켰다. 그는 즉시 히퍼난을 다른 곳으로 옮겼다.

1866년부터 휘슬러는 예술가들에게 인기 있는 지역인 런던 첼시에 집을 두었다.[16] 1876년부터 이듬해까지는 후원자였던 부호 프레더릭 레이랜드의 런던 저택 식당 벽면을 공작 그림으로 장식하는 작업을 맡았다. 이 장식은 후에 방 통째로 워싱턴 D.C.의 프리어 미술관으로 옮겨졌다. 1879년부터 1880년까지는 베네치아에서 보냈지만 다시 런던으로 돌아와, 1886년에는 영국 미술가 협회 회장으로 임명되는 등 명실상부 영국 화단의 중심 인물이 되었다. 1903년에 런던에서 사망했다.

2. 4. 성숙기의 활동

1866년, 휘슬러는 칠레 발파라이소를 방문했는데, 그는 정치적인 이유 때문이라고 밝혔으나 명확한 증거는 없다.[17] 이 여행에서 그는 푸른색 또는 옅은 녹색 계열의 색채로 항구의 야경을 그린 첫 세 점의 야간 그림(처음에는 "달빛"이라 불림)을 제작했다.

런던으로 돌아온 후, 그는 다음 10년 동안 여러 점의 야상곡을 더 그렸다. 이 그림들은 주로 템스 강과 불꽃놀이로 유명했던 유원지 크리모른 가든을 소재로 삼았다. 휘슬러는 해상 야상곡을 그릴 때 매우 묽게 희석한 물감을 바탕으로 사용하고, 가볍게 두드리는 기법으로 배, 불빛, 해안선을 암시적으로 표현했다.[17] 일부 템스 강 그림들은 히로시게의 일본 판화와 구성 및 주제 면에서 유사성을 보인다.[17]

''야상곡: 푸른색과 금색 – 올드 배터시 다리'' (1872), 테이트 브리튼, 런던


1872년, 휘슬러는 그의 후원자이자 아마추어 음악가인 프레데릭 레이랜드가 음악에서 영감을 받은 제목을 제안한 것에 대해 감사를 표했다. 그는 레이랜드에게 보낸 편지에서 "야상곡"이라는 제목이 비평가들을 짜증나게 하면서도, 자신이 표현하고자 하는 시적인 분위기를 정확히 전달한다고 만족감을 나타냈다.[17] 이 시기부터 휘슬러는 자신의 작품에 "야상곡", "교향곡", "화음", "습작", "구성" 등 음악 용어를 사용한 제목을 붙이기 시작했다. 이는 작품의 색조 조화와 구성을 강조하고, 서사적인 내용의 중요성을 줄이려는 의도였다.[17] 휘슬러의 야상곡은 그의 가장 혁신적인 작품들 중 하나로 평가받는다. 또한, 프랑스-프로이센 전쟁 이후 미술상 폴 뒤랑 뤼엘에게 야상곡 몇 점을 보내면서 프랑스 예술계에 자신의 발전된 "예술 이론"을 알릴 기회를 가졌다.[17]

''회색과 검은색의 배열 1번''(1871), 일반적으로 ''휘슬러의 어머니''로 알려짐, 오르세 미술관, 파리


휘슬러의 어머니, 안나 휘슬러, c. 1850년대


1871년경, 휘슬러는 다시 초상화 작업에 몰두하여 그의 가장 유명한 작품 중 하나인 ''회색과 검은색의 배열 1번''을 완성했다. 이 작품은 보통 ''휘슬러의 어머니''로 더 잘 알려져 있다. 어머니의 편지에 따르면, 어느 날 모델이 약속을 지키지 않자 휘슬러가 어머니에게 대신 모델이 되어 달라고 부탁했다고 한다. 처음에는 서 있는 자세를 요구했으나 어머니가 힘들어하자 앉은 자세로 바꾸었다. 이 그림을 완성하기까지 수십 번의 모델링이 필요했다.[17]

제한된 색채를 사용한 이 엄격한 초상화는 색조의 조화와 구도에 대한 휘슬러의 또 다른 탐구를 보여준다. 단순해 보이는 디자인이지만, 커튼, 벽의 그림, 바닥 무늬와 인물의 얼굴, 드레스, 의자의 곡선이 서로 균형을 이루고 있다. 휘슬러는 그림의 서사적 내용은 중요하지 않다고 말했지만,[17] 이 작품은 독실했던 어머니에 대한 경의를 표하는 것이기도 했다. 어머니는 아들과 함께 살면서 그의 생활을 안정시키고 후원자를 찾는 데 도움을 주었다.[17]

당시 영국 미술계는 감상주의와 화려한 장식을 선호했기 때문에, 이 그림의 반(反)빅토리아적인 단순함은 대중과 비평가들에게 부정적인 반응을 얻었다. 비평가들은 이를 실패한 "실험"으로 간주했고, 영국 왕립 아카데미는 처음에는 전시를 거부했다가 윌리엄 복살 경의 설득으로 마지못해 받아들여 눈에 잘 띄지 않는 곳에 걸었다.[17]

''휘슬러의 어머니''는 처음부터 오늘날까지 패러디, 조롱, 숭배 등 다양한 반응을 불러일으켰다. 어떤 이들은 "노년 여성의 위엄", "애도의 엄숙함", "어머니의 완벽한 상징"으로 해석했지만, 다른 이들은 풍자의 대상으로 삼았다.[19] 휘슬러 자신도 이 그림을 자주 전시하고 초기 복제품 제작을 승인하며 대중화에 기여했다.[20] 이 그림은 운송 중 열차 화재로 소실될 뻔한 위기를 넘기기도 했다.[17] 결국 프랑스 정부가 구입하여 공공 컬렉션에 포함된 최초의 휘슬러 작품이 되었으며, 현재 파리 오르세 미술관에 소장되어 있다.

''휘슬러의 어머니'' 1934년 발행


미국의 대공황 시기에는 "백만 달러짜리 그림"으로 불리며 1933-34년 시카고 세계 박람회에서 큰 인기를 끌었다. 휘슬러의 미학 이론과는 별개로, 전 세계 대중에게 보편적인 어머니의 상징으로 받아들여졌다. 이러한 인기 덕분에 1934년 미국에서는 이 그림을 도안으로 한 우표가 발행되기도 했다.[21] 2015년, ''뉴요커''의 비평가 피터 쉴달은 "미국 외부에 있는 가장 중요한 미국 작품"이라고 평가했다.[22] 미술사학자 마사 테데스키는 이 그림이 그랜트 우드의 ''아메리칸 고딕'', 레오나르도 다 빈치의 ''모나리자'', 에드바르드 뭉크의 ''절규''와 함께 미술사적 중요성을 넘어 대중문화 속에서 즉각적인 의미를 전달하는 아이콘이 되었다고 설명했다.[23]

''휘슬러의 작업실'' 1865, 자화상


휘슬러의 다른 중요한 초상화로는 역사가 토마스 칼라일(1873), 그의 연인 모드 프랭클린(1876), 런던 은행가의 딸 시슬리 알렉산더(1873), 사교계 명사 뫼 부인(1882), 비평가 테오도르 뒤레(1884) 등이 있다. 1870년대에는 후원자 프레데릭 레이랜드와 그의 아내 프랜시스의 전신 초상화도 그렸다.[17]

왕립 아카데미 전시회에서 자신의 작품이 제대로 평가받지 못하고 불리한 위치에 걸리는 것에 실망한 휘슬러는 1874년 첫 개인전을 열었다. 이 전시회는 휘슬러의 예술 이론에 맞춰 전시장 자체를 그림과 조화롭게 디자인하고 장식한 것으로 주목받았다.[17]

''앨리스 버트'', c. 1895, 미국 국립 미술관


하지만 휘슬러는 동시대의 다른 미국인 망명 화가 존 싱어 사전트만큼 초상화가로서 큰 성공을 거두지는 못했다. 이는 그의 절제된 기법, 모델을 미화하지 않으려는 경향, 그리고 그의 좋지 않은 평판 때문일 수 있다. 또한 그는 작업 속도가 매우 느렸고 모델에게 극도로 긴 시간 동안 자세를 유지하도록 요구했다. 화가 윌리엄 메리트 체이스는 휘슬러의 초상화 모델을 섰던 경험에 대해 "그는 진정한 폭군이었다. 매일 해 질 녘까지 그림을 그렸고, 내 팔다리는 피로로 아팠고 머리는 어지러웠다"고 불평했다.[17]

''흑과 금의 야상곡: 떨어지는 로켓'' (1874),
디트로이트 미술관


1877년, 휘슬러는 저명한 비평가 존 러스킨을 명예훼손으로 고소했다. 러스킨은 그로스베너 갤러리에 전시된 휘슬러의 그림 ''흑과 금의 야상곡: 떨어지는 로켓''에 대해 자신의 정기 간행물 ''포스 클라비게라'' 1877년 7월 2일 자에서 혹평했다. 러스킨은 에드워드 번-존스의 작품은 칭찬하면서 휘슬러에 대해서는 "대중의 얼굴에 물감 통을 던지고는 200기니를 요구하는 허풍선이"라고 비난했다.[17]

휘슬러는 이 비평을 보고 격분하여 러스킨을 고소했고, 1000GBP의 손해배상과 소송 비용을 청구했다.[17] 러스킨의 정신 질환 발병과 휘슬러의 재정 악화로 재판은 지연되어 1878년 11월 25일과 26일에 열렸다.[17] 러스킨 측 변호인인 법무장관 존 홀커 경은 휘슬러를 신문했다.

: 홀커: "''흑과 금의 야상곡: 떨어지는 로켓''의 주제는 무엇입니까?"

:

: 휘슬러: "야간 작품으로 크레모르 가든스의 불꽃놀이를 묘사합니다."

:

: 홀커: "크레모르의 풍경이 아닙니까?"

:

: 휘슬러: "만약 '크레모르의 풍경'이었다면, 보는 사람들에게 실망만을 안겨주었을 것입니다. 이것은 예술적인 배치입니다. 그래서 저는 그것을 '야상곡'이라고 부르는 것입니다..."

:

: 홀커: "''흑과 금의 야상곡''을 그리는 데 시간이 얼마나 걸렸습니까? 얼마나 빨리 끝냈습니까?"

:

: 휘슬러: "아, 저는 며칠 만에 '뚝딱' 그렸습니다. 하루는 작업하고, 다른 하루는 마무리하는 데 썼습니다..." [그림 크기는 24 3/4 x 18 3/8인치]

:

: 홀커: "이틀간의 노동으로 200기니를 요구하시는 건가요?"

:

: 휘슬러: "아닙니다. 평생의 노력으로 얻은 지식을 요구하는 것입니다."[30]

휘슬러는 많은 동료 예술가들이 자신을 지지해 줄 것으로 기대했지만, 대부분은 평판에 해가 될까 두려워 증언을 거부했다. 배심원단 역시 작품에 대해 조롱 섞인 반응을 보였다. 러스킨 측 증인인 에드워드 번-존스 등이 더 설득력 있는 증언을 했고, 러스킨 본인은 건강 문제로 불참했다. 결국 배심원단은 휘슬러의 손을 들어주었지만, 손해배상액은 단 1퍼딩(가장 작은 단위의 동전)에 불과했고 소송 비용은 각자 부담하게 되었다.[31]

이 소송으로 인한 막대한 비용과 타이트 스트리트에 "화이트 하우스"를 짓는 데 들어간 부채 때문에 휘슬러는 1879년 5월 파산했다.[32] 그의 작품, 소장품, 집은 경매에 넘어갔다. 아이러니하게도 러스킨의 소송 비용을 모금했던 런던 미술 협회는 이후 휘슬러에게 베네치아 에칭 작업을 의뢰하여 그의 재정 회복을 도왔다. 휘슬러는 재판 직후인 1878년 12월, 재판 기록을 담은 소책자 ''휘슬러 대 러스킨: 예술과 예술 평론가''를 출판했고,[34] 이는 나중에 그의 저서 ''적을 만드는 우아한 기술''(1890)에 포함되었다. 재판의 유명세가 경력에 도움이 되기를 바랐던 휘슬러의 기대와 달리, 그는 오히려 후원자들 사이에서 인기를 잃었다. 그의 채권자 중에는 그의 소유물 매각을 감독한 옛 후원자 레이랜드도 있었다.[17] 휘슬러는 자신의 재정적 몰락의 원인을 항상 레이랜드에게 돌렸다.[17]

2. 5. 후기 생애



존 러스킨과의 재판 이후, 휘슬러는 베네치아에서 12개의 에칭 제작을 의뢰받았다. 그는 이 제안을 받아들여 여자 친구 모드 프랭클린과 함께 베네치아로 가서 존 싱어 사전트 등 다른 예술가들과 함께 낡은 궁전에 머물렀다.[36] 그는 베네치아의 독특한 매력을 발견하며 작업에 몰두했다. 재정적 어려움과 소더비 경매에서 전 재산을 팔아야 했던 암울한 상황에서 벗어나고자 노력했으며, 미국 영사관 파티에 참석해 특유의 재치 있는 입담으로 사람들을 사로잡기도 했다.[36]

휘슬러는 베네치아에서 매우 생산적인 시간을 보냈다. 당초 3개월 예정이었던 작업 기간은 14개월로 늘어났고, 이 기간 동안 50점 이상의 에칭, 여러 점의 녹턴, 수채화 몇 점, 그리고 100점이 넘는 파스텔화를 완성하며 베네치아의 분위기와 섬세한 건축미를 담아냈다.[36] 그의 베네치아 작업은 특히 프랭크 뒤베넥과 로버트 블룸 등 현지의 미국 미술가들에게 영향을 주었고, 이들은 휘슬러의 화풍을 따라 하며 그의 기법과 영향을 미국으로 전파했다.[36]

런던으로 돌아온 후 그의 파스텔화는 좋은 반응을 얻으며 잘 팔렸다.[36] 재정적으로는 여전히 어려웠지만, 자신을 우상화하며 "휘슬러의 제자"라는 칭호를 받아들인 젊은 세대의 영국 및 미국 화가들로부터 존경을 받으며 힘을 얻었다. 이들은 미국으로 돌아가 휘슬러의 도발적인 태도, 날카로운 재치, 미학적 선언에 대한 이야기를 퍼뜨리며 그의 명성을 높였다.[36]

1881년 1월, 어머니 안나 휘슬러가 세상을 떠났다. 휘슬러는 어머니를 기리기 위해 그녀의 처녀 성인 '맥닐'을 자신의 미들 네임으로 공식 사용하기 시작했다.[36]

1885년, 휘슬러는 자신의 첫 저서인 [https://www.whistler.arts.gla.ac.uk/miscellany/tenoclock/ ''10시 강연'']을 출판했다. 이 강연록은 "예술을 위한 예술"이라는 그의 신념을 명확히 드러낸다. 당시 빅토리아 시대에는 예술이 도덕적 또는 사회적 기능을 수행해야 한다는 생각이 지배적이었으나, 휘슬러는 예술 그 자체가 목적이며 예술가의 책임은 사회가 아닌 예술 자체에 있다고 주장했다. 그는 예술가가 본 것을 그대로 재현하거나 도덕적 교훈을 주는 대신, 자신의 해석을 통해 표현해야 한다고 보았다.[36] 또한 "자연은 거의 옳지 않다"고 말하며 예술가가 자신의 비전으로 자연을 개선해야 한다고 주장했다.[36]

오스카 와일드는 시가 회화보다 우월하다는 점 등 몇몇 부분에서는 휘슬러와 의견이 달랐지만, ''10시 강연''을 걸작이라 칭하며 찬사를 보냈다.[36] 그러나 이후 휘슬러는 와일드가 자신을 조롱했다고 느꼈고, 허버트 비비안이 쓴 글로 인해 두 사람의 우정은 완전히 금이 갔다.[36][37] 와일드는 훗날 자신의 소설 ''도리안 그레이의 초상''에서 살해당하는 화가 배질 홀워드의 모델로 휘슬러를 사용하며 그를 상징적으로 "살해"했다는 해석도 있다.[36]

''바로우, 브뤼셀'', 1887, 에칭 및 드라이포인트


휘슬러는 1884년 영국 예술가 협회(Society of British Artists)에 가입했고, 1886년 6월 1일 회장으로 선출되었다. 이듬해 빅토리아 여왕 즉위 50주년 행사에서 협회를 대표하여 여왕에게 직접 그린 삽화가 담긴 앨범을 증정했고, 이에 감명받은 여왕은 협회에 '왕립(Royal)' 칭호를 하사했다. 이는 회원들에게 큰 환영을 받았지만, 곧 휘슬러가 왕립 협회 회원들에게 왕립 아카데미 탈퇴를 제안하면서 내부 갈등이 불거졌다. 이 문제는 다른 모든 협회 활동을 압도할 정도로 커졌고, 결국 1888년 5월, 9명의 회원이 휘슬러의 사임을 요구했다. 6월 4일 연례 회의에서 그는 18대 19표(기권 9표)로 재선에 실패했고, 휘슬러와 그의 지지자 25명은 협회를 탈퇴했다.[38] 휘슬러는 반대파가 자신의 '기행'과 '비영어권' 배경을 문제 삼아 자신을 몰아냈다고 여겼다.[36]

오랜 연인이었던 모드 프랭클린과의 관계가 악화되자, 휘슬러는 갑작스럽게 전 제자이자 사망한 친구인 건축가 에드워드 윌리엄 고드윈의 미망인 베아트리스 고드윈(비트리스 또는 트릭시)에게 청혼했다. 휘슬러는 이전부터 그녀를 모델로 ''붉은 색조화: 램프의 불빛''이라는 초상화를 그린 바 있었다.[39] 1888년 여름, 두 사람은 연인 관계임을 공개했고, 친구들의 권유로 서둘러 결혼을 준비했다. 격분한 모드 프랭클린의 방해를 우려해 비밀리에 진행된 결혼식은 1888년 8월 11일 하원 채플린의 주례로 열렸다.[36] 결혼 직후 부부는 파리로 떠났다.[36]

''분홍색, 빨간색 및 보라색의 구성'', 1883–1884, 신시내티 미술관, 신시내티, 오하이오


런던과 파리에서 휘슬러의 명성은 더욱 높아졌고, 비평가들의 긍정적인 평가와 함께 새로운 작품 의뢰가 이어졌다.[36] 1890년에는 자신의 논쟁적인 글들을 모은 ''적을 만드는 부드러운 기술''을 출판하여 화제를 모았다.[36] 같은 해, 그는 미국의 부유한 사업가 찰스 랭 프리어를 만나 중요한 후원자를 얻게 되었고, 프리어는 훗날 휘슬러의 작품을 가장 많이 소장한 인물 중 한 명이 되었다.[36] 이 시기 휘슬러는 초상화 작업 외에도 초기 컬러 사진술과 석판화를 실험하며 런던 건축물과 여성 누드를 주제로 한 작품들을 제작했다.[36]

1891년, 친구인 시인 스테판 말라르메의 도움으로 프랑스 정부가 그의 대표작 ''휘슬러의 어머니''를 4000FRF에 구입했다. 이는 미국 수집가들이 지불했을 금액보다 훨씬 적었지만, 휘슬러는 프랑스 국가 컬렉션에 포함되는 것을 더 큰 영예로 여겼다.[36]

런던 개인전에 대한 미온적인 반응에 실망한 휘슬러는 1892년 아내 트릭시와 함께 파리로 이주하여 파리 뤼 뒤 바 110번지에 정착하고, 몽파르나스의 노트르담데샹 거리에 큰 작업실을 마련했다.[36][36] 그는 모네, 로댕, 툴루즈 로트렉, 말라르메 등 옛 친구들의 환영을 받으며 활발히 활동했다. 그러나 경력의 정점에서 아내 베아트리스가 암 진단을 받았다. 부부는 1896년 2월 치료를 위해 런던으로 돌아와 사보이 호텔에 머물렀다. 휘슬러는 아내를 간병하며 호텔 창밖으로 보이는 템스강 풍경을 석판화로 그렸다.[40] 베아트리스는 그해 5월 10일에 세상을 떠났다.[36]

1899년, 찰스 프리어는 휘슬러에게 또 다른 사업가 친구인 리처드 앨버트 캔필드를 소개해주었다. 캔필드는 뉴욕과 로드아일랜드 등지에서 고급 도박장을 운영하는 인물이었지만, 세련된 예술 취향을 가진 문화인이기도 했다. 그는 휘슬러의 친구이자 후원자가 되었으며, 1901년 5월 휘슬러에게 자신의 초상화를 의뢰했다. 휘슬러는 1902년 3월부터 1903년 5월까지 병약한 몸으로 캔필드의 초상화 작업에 매달렸고, 이 작품은 그의 마지막 완성된 초상화가 되었다. 휘슬러는 이 초상화를 '그의 존경'이라고 불렀다. 두 사람은 휘슬러가 사망할 때까지 편지를 주고받았다.[41]

휘슬러는 생애 마지막 7년 동안 몇 점의 미니멀리즘적인 수채화 풍경화와 마지막 유화 자화상을 그렸다. 1898년에는 미술 학교를 열었지만 건강 악화와 불규칙한 출강으로 인해 1901년 문을 닫았다.[36] 그는 69세 생일을 엿새 앞둔 1903년 7월 17일 런던에서 사망했다.[36] 그의 유해는 런던 서부 치즈윅의 치즈윅 구 묘지에 안장되었다.[42]

휘슬러의 전 재산은 처제인 로잘린드 버니 필립에게 상속되었다. 그녀는 평생 동안 휘슬러의 명성을 지키고 그의 예술 작품과 유산을 관리했으며, 그중 상당수는 글래스고 대학교에 기증되었다.[44] 휘슬러의 친구이자 판화가, 미술 평론가 부부였던 조셉 페넬과 엘리자베스 로빈스 페넬은 1908년 그의 전기를 출판했으며, 이들이 수집한 방대한 휘슬러 관련 자료는 의회 도서관에 기증되었다.[43]

3. 작품 세계

사실주의 미술 운동의 영향을 받아, 휘슬러는 1858년 첫 출품작인 La Mère Gérard프랑스어를 그렸다. 이듬해 1859년에는 런던으로 거처를 옮겨 At the Piano영어(피아노 앞에서)를 제작하며 본격적인 활동을 시작했다. 이 시기 그는 런던에 머물면서도 파리의 친구들과 교류를 이어갔다. ''피아노 앞에서''는 초기 작품임에도 그의 재능을 보여주었으며, 왕립 아카데미에 전시되기도 했다. 같은 해 제작된 Harmony in Green and Rose: The Music Room영어(녹색과 장미의 조화: 음악실)에서는 혁신적인 구도를 시도하며 새로운 표현에 대한 관심을 드러냈다.

1860년경 런던에서 그는 Thames Set영어(템스 강 세트)라는 에칭 연작과 Thames in Ice영어(얼음 속의 템스 강) 같은 초기 인상주의적 작품을 제작하며, 제한된 색상 팔레트를 사용한 자신만의 색조 조화 기법을 발전시키기 시작했다.

휘슬러는 점차 탐미주의적 경향을 강화하며, 현실 재현보다는 색채와 형태의 조화로운 구성을 중시하는 예술관을 발전시켰다. 작품 제목에 '심포니', '야상곡', '어레인지먼트' 등 음악 용어를 사용한 것은 회화가 음악처럼 자율적인 예술 형태라는 그의 신념을 반영한다. 이러한 생각은 동시대 인상파나 폴 세잔과 유사한 면이 있지만, 휘슬러는 주로 차분하고 절제된 색조를 사용하여 인상파와는 다른 독자적인 양식을 구축했다.

특히 19세기 후반 유럽에서 유행한 자포니즘은 휘슬러의 작품 세계에 큰 영향을 미쳤다. 그는 우키요에 판화 등 일본 미술의 영향을 받아 비대칭적 구도, 장식적인 요소, 평면적인 색채 등을 작품에 도입했다. 1864년부터 자포니즘 경향의 작품을 시도했으며, 일본 낙관에서 영감을 받은 나비 모양의 서명을 사용하기 시작했다. 런던 템스 강의 야경을 그린 '푸른색과 금색의 야상곡-올드 배터시 브리지'는 이러한 일본 미술의 영향을 잘 보여주는 예이다.

그러나 그의 혁신적인 작품은 때로 논란을 일으키기도 했다. 1877년 그로브너 갤러리에 출품한 '흑과 금의 야상곡-떨어지는 불꽃'은 밤하늘의 불꽃놀이를 극도로 단순화하여 거의 추상 회화에 가깝게 표현한 작품이었다. 당대의 저명한 비평가 존 러스킨은 이 작품을 보고 혹평했으며, 이에 휘슬러는 러스킨을 명예훼손으로 고소하기에 이르렀다[65]. 휘슬러는 소송에서 상징적인 승소를 거두었지만, 막대한 소송 비용으로 경제적 어려움을 겪기도 했다. 이 사건은 당시 예술계의 보수성과 새로운 예술 사조 사이의 갈등을 보여주는 대표적인 사례로 남았다.

3. 1. 주요 작품 경향

휘슬러는 탐미주의의 대표적인 화가로 여겨지며, '예술을 위한 예술'이라는 신념 아래 회화가 현실 세계를 단순히 재현하는 것을 넘어, 색채와 형태의 조화로운 구성을 통해 미적 경험을 전달해야 한다고 주장했다. 그는 자신의 작품 제목에 '심포니', '야상곡', '어레인지먼트(Arrangement)' 등 음악 용어를 자주 사용하여, 회화가 음악처럼 추상적이고 자율적인 예술 형태임을 강조하고자 했다. 이는 현실의 서사나 교훈적 내용보다는 순수한 시각적 아름다움과 감각적 효과를 중시하는 그의 예술관을 반영한다.

이러한 생각은 동시대의 인상파 화가들이나 후대의 폴 세잔과 같은 예술가들과 유사한 측면이 있으나, 휘슬러의 작품은 종종 수수하고 거의 단색조에 가까운 색채를 사용하여 차분하고 정적인 분위기를 자아낸다는 점에서 구별된다. 그는 빛과 색채의 순간적인 효과를 포착하려 했던 인상파와 달리, 절제된 색조 안에서의 미묘한 변화와 전체적인 화면의 조화를 탐구했다. 초기 작품인 ''피아노 앞에서''(1859)는 절제된 색상 속에서도 검은색과 흰색의 효과적인 대비, 뛰어난 구도 감각을 보여주며 그의 재능을 드러냈다. 1860년경 제작한 ''템스 강 세트'' 에칭과 초기 인상주의적 유화들을 통해 그는 제한된 색상 팔레트를 기반으로 한 색조 조화 기법을 발전시키기 시작했다.

휘슬러의 예술에서 두드러지는 또 다른 특징은 일본 미술, 특히 우키요에 판화의 영향이다. 19세기 후반 유럽에서는 자포니즘이 유행했으며, 휘슬러는 이러한 흐름을 적극적으로 수용했다. 그는 1862년 런던 만국 박람회 등을 통해 일본 미술을 접한 후, 1864년부터 자포니즘 경향의 작품을 제작하기 시작했다. ''작은 흰 소녀''(1864년 완성)를 비롯해 ''토지의 여인 리젠'', ''황금의 스크린'' 등의 작품에서는 모델에게 기모노 풍의 의상을 입히거나 배경에 일본풍의 병풍, 도자기 등을 배치하여 동양적인 분위기를 연출했다. 1868년 작 '살색과 녹색의 변주=발코니'에서는 우키요에의 비대칭적이고 장식적인 구도를 차용하기도 했다.

그의 대표작 중 하나인 '푸른색과 금색의 야상곡-올드 배터시 브리지'는 런던 템스 강의 야경을 그린 작품으로, 다리의 일부만을 극단적으로 잘라내 아래에서 올려다보는 듯한 파격적인 구도, 거의 단색에 가까운 푸른 색조, 수묵화처럼 번진 듯한 윤곽선 등에서 일본 미술의 영향을 강하게 보여준다.

휘슬러는 자신의 서명에도 일본 미술의 영향을 반영했다. 1860년대부터 그는 일본 도자기의 낙관에서 영감을 받아 자신의 이니셜 'JW'를 조합한 모노그램을 디자인했고, 이는 점차 단순화되어 특징적인 나비 모양의 서명으로 발전했다. 1880년경에는 여기에 침을 추가하여, 섬세한 미적 감각과 날카롭고 도발적인 성격을 동시에 상징하는 표식으로 삼았다. 그는 이 서명을 그림뿐 아니라 직접 디자인한 액자에도 신중하게 배치했으며, 나아가 전시 공간 전체의 디자인까지 고려하며 총체적인 미적 조화를 추구했다.

휘슬러의 예술은 때로 급진성 때문에 논란을 일으키기도 했다. 1877년 그로브너 갤러리에 출품한 '흑과 금의 야상곡-떨어지는 불꽃'은 밤하늘의 불꽃놀이를 극도로 단순화하여 거의 추상 회화에 가깝게 표현한 작품이었다. 이에 대해 당대의 저명한 비평가 존 러스킨은 "대중의 얼굴에 물감 통을 내던진 것과 같다"고 혹평했다. 휘슬러는 이 비평이 자신의 명예를 훼손했다며 러스킨을 고소했고, 법정 다툼 끝에 상징적인 승소를 거두었다.[65] 그러나 이 소송으로 인해 막대한 비용을 부담하게 되어 경제적으로 큰 어려움을 겪기도 했다. 이 사건은 당시 휘슬러의 예술이 얼마나 혁신적이었으며, 기존의 예술 관념과 충돌했는지를 보여주는 사례이다.

3. 2. 대표작

휘슬러는 사실주의 운동의 입장을 반영하여 1858년 첫 출품작 La Mère Gérard프랑스어를 그렸다. 이듬해 런던에서 그린 At the Piano영어(피아노 앞에서, 1859)는 런던의 음악실을 배경으로 조카와 그녀의 어머니를 그린 초상화로, 그의 초기 재능을 보여주는 중요한 작품이다. 한 평론가는 이 작품이 "색채에 대한 진정한 감각과 훌륭한 구도 및 디자인 능력을 갖추고 있어, 예술가들 사이에서 매우 드문 자연에 대한 정확한 이해를 보여준다"고 평가했다. 검은색 옷의 어머니와 흰색 옷의 딸을 효과적으로 대조하며, 스승 샤를 글레르의 조언에 따라 색상을 절제하여 사용했다. 이 작품은 왕립 아카데미에 전시되며 주목받았다.

1861년 파리에서 그린 Symphony in White, No. 1: The White Girl영어(흰색 심포니 1번: 흰옷 입은 소녀, 1862)는 그의 첫 유명 작품이 되었다. 연인이자 사업 매니저였던 조앤나 히퍼난을 모델로 한 이 그림은 흰색을 사용한 단순한 연구로 시작되었으나, 보는 이들에 따라 다양하게 해석되었다. 비평가 쥘-앙투안 카스타냐리는 잃어버린 순수함을 상징한다고 보았고, 다른 이들은 윌키 콜린스의 소설 ''흰옷을 입은 여자''나 라파엘 전파 양식과 연관 지었다. 그림 속 히퍼난은 백합을 들고 늑대 가죽 러그 위에 서 있는데, 이는 남성성과 욕망을 상징한다는 해석도 있다. 보수적인 왕립 아카데미는 전시를 거부했지만, 1863년 살롱 드 레퓌제에 전시되어 주목받았다.[15] 휘슬러의 지지자들은 이 그림이 예술은 현실 묘사가 아닌 색채의 조화로운 배열에 본질적으로 관심을 가져야 한다는 그의 이론을 보여주는 예라고 주장했다.

휘슬러는 동양 미술, 특히 일본 미술에 깊은 관심을 보였으며, 이는 그의 작품에 큰 영향을 미쳤다. 1863-1865년에 그린 The Princess from the Land of Porcelain영어(도자기 나라의 공주)는 연인 히퍼난을 모델로 동양적인 복장과 배경 속에서 묘사한 작품으로, 그의 자포니즘 경향을 잘 보여준다. 이 작품은 이후 피콕 룸의 중심 작품이 된다.

1871년 제작된 Arrangement in Grey and Black No. 1영어(회색과 검은색의 배열 1번), 통칭 ''휘슬러의 어머니''는 그의 가장 유명한 작품이다. 모델이 나타나지 않자 어머니 안나 맥닐 휘슬러에게 모델을 부탁하여 그리게 되었다고 전해진다. 처음에는 서 있는 자세를 시도했으나, 어머니가 힘들어하자 앉은 자세로 변경하여 수십 번의 모델링 끝에 완성했다. 이 작품은 제한된 색상 팔레트를 사용하여 톤의 조화와 구도의 균형을 탐구한 휘슬러의 예술적 시도를 보여준다. 단순해 보이는 구성이지만 커튼, 벽의 그림, 바닥 등의 요소들이 정교하게 균형을 이루고 있다. 휘슬러 자신은 그림의 서사적 내용보다는 형식적 측면에 중점을 두었지만, 독실했던 어머니에 대한 경의를 표하는 작품이기도 하다. 당시 영국 빅토리아 시대의 화려한 장식과 감상주의적 경향과는 거리가 먼 단순함 때문에 초기에는 비평가들로부터 "실패한 실험"이라는 혹평을 받았고, 영국 왕립 아카데미에서도 좋은 위치에 전시되지 못했다. 그러나 시간이 흐르면서 이 그림은 어머니의 보편적인 상징으로 널리 사랑받게 되었으며, 수많은 패러디와 오마주의 대상이 되었다.[19] 프랑스 정부가 구입하여 현재 파리 오르세 미술관에 소장되어 있으며, 미국 대공황 시기에는 "백만 달러 그림"으로 불리며 큰 인기를 끌었고, 1934년에는 미국 우표 도안으로 사용되기도 했다.[21] 피터 쉴달은 "미국 외부에 있는 가장 중요한 미국 작품"이라고 평가했으며,[22] 마사 테데스키는 이 작품이 모나리자, 절규 등과 함께 대중문화 속에서 즉각적인 의미를 전달하는 아이콘이 되었다고 언급했다.[23]

휘슬러는 템스 강의 야경을 그린 일련의 Nocturne영어(야상곡) 시리즈로도 유명하다. Nocturne: Blue and Gold – Old Battersea Bridge영어(푸른색과 금색의 야상곡: 올드 배터시 다리, 1872-1875)는 런던 템스 강의 배터시 다리를 그린 작품으로, 몽환적인 분위기와 섬세한 색채 표현이 특징이다. 다리의 일부만을 아래에서 올려다보는 듯한 독특한 구도, 단색조에 가까운 색채, 수묵화처럼 번진 듯한 윤곽선 등에서 우키요에를 비롯한 일본 미술의 영향을 엿볼 수 있다. 현재 테이트 미술관에 소장되어 있다.

''도자기 나라의 공주''가 설치된 프리어 미술관의 ''피콕 룸''


Harmony in Blue and Gold: The Peacock Room영어(파랑과 금의 조화: 피콕 룸, 1876–1877)은 휘슬러의 실내 장식 예술의 걸작으로, Anglo-Japanese style영어(영일풍)의 대표적인 예로 꼽힌다. 후원자 프레데릭 레이랜드가 자신의 도자기 컬렉션을 전시하기 위해 꾸민 식당을 휘슬러에게 일부 수정을 의뢰했으나, 휘슬러는 청록색과 금색을 주조로 공작새 깃털 문양을 방 전체에 화려하게 그려 넣으며 원래의 디자인을 완전히 뒤덮었다. 그는 레이랜드가 스페인에서 가져온 고가의 가죽 벽 장식까지 덮어버리며 자신의 예술적 비전을 강하게 밀어붙였다. 이 일로 레이랜드와의 관계는 악화되었지만, 피콕 룸 자체는 독창적인 예술 공간으로 인정받았다. 1904년 미국의 산업가 찰스 랭 프리어가 방 전체를 구입하여 디트로이트의 자택으로 옮겼고, 그의 사후 워싱턴 D.C.의 스미소니언 협회 산하 프리어 미술관에 영구 설치되어 1923년부터 대중에게 공개되고 있다.[27]

Nocturne in Black and Gold – The Falling Rocket영어(검은색과 금색의 야상곡: 떨어지는 불꽃, 1875)은 밤하늘의 불꽃놀이를 거의 추상에 가깝게 표현한 작품이다. 1877년 그로브너 갤러리 출품 당시, 영향력 있는 비평가 존 러스킨은 이 그림을 보고 "대중의 얼굴에 물감 통을 던져버린 것과 같다"고 혹평했다. 이에 격분한 휘슬러는 러스킨을 명예훼손으로 고소했다.[65] 재판에서는 승소했지만, 상징적인 손해배상금만 받았고 막대한 소송 비용 때문에 결국 파산하여 집을 팔아야 했다. 이 사건은 당시 예술계의 보수성과 새로운 예술 사조 사이의 갈등을 보여주는 유명한 일화로 남았다. 이 작품은 현재 디트로이트 미술관에 소장되어 있다.

이 외에도 휘슬러는 Thames Set영어(템스 강 세트)와 같은 에칭 시리즈, 석판화, 드라이포인트 등 판화 작업에도 뛰어난 재능을 보였다. 그의 판화는 섬세한 선과 톤의 표현으로 높은 평가를 받으며, 렘브란트에 버금가는 판화가로 여겨지기도 한다. 또한, 그는 자신의 작품에 일본 낙관에서 영감을 받은 나비 모양의 서명을 사용했으며, 시간이 지나면서 침이 달린 형태로 변형시켜 자신의 섬세하면서도 날카로운 예술가적 기질을 표현했다.

  • ''피아노 앞에서'' (At the Piano), 1859년
  • ''흰색 심포니 1번: 흰옷 입은 소녀'' (Symphony in White, No. 1: The White Girl), 1862년, 워싱턴 국립 미술관
  • ''도자기 나라의 공주'' (The Princess from the Land of Porcelain), 1863–1865년, 프리어 미술관 (피콕 룸 내)
  • ''회색과 검은색의 배열 1번'' (Arrangement in Grey and Black No. 1) / ''휘슬러의 어머니'', 1871년, 오르세 미술관
  • ''푸른색과 금색의 야상곡: 올드 배터시 다리'' (Nocturne: Blue and Gold – Old Battersea Bridge), 1872–1875년경, 테이트 미술관
  • ''검은색과 금색의 야상곡: 떨어지는 불꽃'' (Nocturne in Black and Gold – The Falling Rocket), 1875년, 디트로이트 미술관
  • ''파랑과 금의 조화: 피콕 룸'' (Harmony in Blue and Gold: The Peacock Room), 1876–1877년, 프리어 미술관

4. 러스킨과의 재판

1877년, 휘슬러는 영향력 있는 비평가 존 러스킨이 자신의 그림 ''흑과 금의 야상곡 - 떨어지는 로켓''을 혹평하자 그를 명예훼손으로 고소했다.[65] 휘슬러는 로열 아카데미 전시회의 대안으로 여겨지던 그로스베너 갤러리에 이 작품을 에드워드 번-존스 등 다른 예술가들의 작품과 함께 전시했다. 라파엘 전파와 J. M. W. 터너의 지지자였던 러스킨은 1877년 7월 2일 자신의 정기 간행물 ''포스 클라비게라''에서 번-존스를 칭찬하며 휘슬러를 공격했다.

> 구매자를 보호하는 것만큼이나 미스터 휘슬러의 명성을 위해서라도, 그로스베너 갤러리의 설립자인 커츠 린지 경은 아티스트의 무지한 자만심이 고의적인 사기 행각으로 비칠 정도로 심한 작품을 갤러리에 들여서는 안 되었다. 나는 이전에도 런던 빈민가 사람들의 뻔뻔함을 많이 보고 들었지만, 감히 허풍선이가 대중의 얼굴에 페인트 한 통을 던지고 200기니 (화폐)를 요구할 것이라고는 예상하지 못했다.

이 비평을 본 휘슬러는 친구 조지 헨리 보우튼에게 "지금까지 나에게 가해진 비판 중 가장 저급한 스타일이다"라고 말하며 변호사를 찾아가 러스킨에게 명예훼손 소송을 제기했다. 휘슬러는 손해배상금 1,000파운드와 소송 비용을 받고자 했다. 러스킨의 정신 질환 발병으로 재판이 지연되고 휘슬러의 재정 상황은 계속 악화되어, 결국 이 사건은 1878년에 법정으로 넘어갔다.

1878년 11월 25일과 26일, 잉글랜드 웨일스 고등법원 재판소에서 존 월터 허들스턴 남작과 특별 배심원단 앞에서 심리가 열렸다.[29] 러스킨 측 변호인인 법무장관 존 홀커 경은 휘슬러를 반대 심문했다.

홀커: "''흑과 금의 야상곡: 떨어지는 로켓''의 주제는 무엇입니까?"

휘슬러: "야간 작품으로 런던 크레모르 가든스의 불꽃놀이를 묘사합니다."

홀커: "크레모르의 풍경이 아닙니까?"

휘슬러: "만약 '크레모르의 풍경'이었다면, 보는 사람들에게 실망만을 안겨주었을 것입니다. 이것은 예술적인 배치입니다. 그래서 저는 그것을 '야상곡'이라고 부르는 것입니다..."

홀커: "''흑과 금의 야상곡''을 그리는 데 시간이 얼마나 걸렸습니까? 얼마나 빨리 끝냈습니까?"

휘슬러: "아, 저는 며칠 만에 '뚝딱' 그렸습니다. 하루는 작업하고, 다른 하루는 마무리하는 데 썼습니다..."

홀커: "이틀간의 노동으로 200기니 (화폐)를 요구하시는 건가요?"

휘슬러: "아닙니다. 평생의 노력으로 얻은 지식을 요구하는 것입니다."[30]

휘슬러는 많은 동료 예술가들이 자신을 지지해 줄 것으로 기대했지만, 평판에 해가 될 것을 우려한 그들은 증언을 거절했다. 휘슬러 측 증인들은 설득력이 부족했고, 배심원들 역시 작품에 대해 조롱 섞인 반응을 보였다. 반면 러스킨 측 증인인 에드워드 번-존스 등은 더 인상적인 증언을 했으며, 러스킨 본인은 건강 문제로 불참했다. 결국 배심원단은 휘슬러의 손을 들어주었으나, 손해 배상금은 상징적인 액수인 단 1퍼딩 (영국 동전)에 불과했고 소송 비용은 각자 부담하게 되었다.[31]

이 재판은 예술의 본질과 가치, 그리고 예술가의 창작 자유에 대한 중요한 질문을 던졌다. 휘슬러는 법정에서 자신의 작품 가치가 단순히 노동 시간에 있는 것이 아니라, 평생에 걸쳐 쌓아온 예술적 지식과 경험에 있음을 강조하며 예술가의 자율성을 옹호했다.

그러나 재판 결과는 휘슬러에게 재정적 파탄을 안겨주었다. 막대한 소송 비용과 에드워드 윌리엄 고드윈과 함께 설계하여 1877–78년에 지은 타이트 스트리트의 저택("화이트 하우스") 건축 비용으로 인해 1879년 5월 파산 선고를 받았다.[32] 그의 작품, 수집품, 집은 모두 경매에 넘어갔다. 아이러니하게도 러스킨의 소송 비용을 모금했던 런던 미술 협회는 이후 휘슬러가 "베네치아의 돌" 에칭 작업을 하도록 지원하여 그의 재정 회복을 도왔다.

휘슬러는 재판 직후인 1878년 12월, 재판 과정을 담은 소책자 ''휘슬러 대 러스킨: 예술과 예술 평론가''를 출판했고,[34] 이 내용은 훗날 그의 저서 ''적을 만드는 우아한 기술''(1890)에도 포함되었다. 재판의 유명세가 자신의 경력에 도움이 되기를 바랐던 휘슬러의 기대와 달리, 그는 오히려 후원자들 사이에서 인기를 잃었다. 그의 채권자 중에는 과거 후원자였던 프레데릭 리처즈 레이랜드도 있었으며, 그는 휘슬러의 자산 매각을 감독했다. 휘슬러는 레이랜드를 자신의 재정적 파탄의 원인으로 지목하며, 그를 풍자하는 캐리커처를 여러 점 그렸다.

5. 유산과 영향

휘슬러는 렘브란트, 벨라스케스, 고대 그리스 조각 등 다양한 예술에서 영감을 받아 자신만의 독창적이고 영향력 있는 스타일을 개발했다.[7] 그는 회화뿐만 아니라 판화, 파스텔, 수채화, 드로잉, 석판화 등 다양한 매체에 능숙했으며, 500점 이상의 회화 작품을 남겼다.

휘슬러는 심미주의 운동의 선구자로서 "예술을 위한 예술" 철학을 적극적으로 옹호하고 글을 쓰고 강연했다. 그는 제자들에게 단순한 디자인, 절제된 기법, 과도한 기교의 회피, 그리고 최종 결과물의 조화로운 색조를 강조했다.[7] 당시 빅토리아 시대에는 예술이 도덕적 또는 사회적 기능을 수행해야 한다는 관념이 지배적이었으나, 휘슬러는 예술 그 자체가 목적이며, 예술가의 책임은 사회가 아닌 예술 자체에 있다고 주장했다. 그는 예술가가 자신이 본 것을 단순히 재현하거나 도덕적 교훈을 주는 것이 아니라 해석해야 한다고 보았다.[57] 또한 "자연은 거의 옳지 않다"고 말하며, 예술가는 자신의 비전을 통해 자연을 개선해야 한다고 주장했다.

탐미주의의 대표적인 화가로 평가받는 휘슬러의 회화 기법은 현실 세계를 2차원 평면에 재현하기보다 색채와 형태의 조합을 통해 조화로운 화면을 구성하는 데 중점을 두었다. 작품 제목에 "심포니", "야상곡", "어레인지먼트(Arrangement)" 등 음악 용어를 자주 사용한 것은 회화가 현실 세계의 재현이 아니라 색채와 형태로 이루어진 자율적인 예술이라는 그의 신념을 반영한다. 이러한 생각은 인상주의 화가나 폴 세잔과 통하는 면이 있지만, 휘슬러는 차분하고 단색조에 가까운 색채를 주로 사용하여 빛과 색채의 효과를 추구한 인상주의와는 다른 길을 걸었다.

휘슬러의 작품에는 일본 미술, 특히 우키요에의 영향이 두드러진다. 1860년대 영국에서는 1862년 런던 만국 박람회 이후 일본 미술 공예품이 소개되었고, 휘슬러는 이를 적극적으로 수용했다. 1864년에는 자포니즘 경향의 작품을 시도했으며, 일본의 낙관처럼 나비 모양의 서명을 사용하기 시작했다. 1868년에는 우키요에의 구도를 차용한 '살색과 녹색의 변주: 발코니'를 제작했다. 대표작 중 하나인 '푸른색과 금색의 야상곡-올드 배터시 브리지'는 런던 템스 강의 다리를 그린 것이지만, 다리의 일부만을 아래에서 올려다보는 독특한 구도, 단색에 가까운 색채, 수묵화 같은 번진 윤곽선 등에서 일본 미술의 영향을 엿볼 수 있다.

1877년 런던의 그로브너 갤러리에 출품한 '흑과 금의 야상곡-떨어지는 불꽃'은 거의 추상 회화에 가까울 정도로 대상을 극도로 단순화한 작품이었다. 당대의 저명한 비평가이자 라파엘 전파의 지지자였던 존 러스킨조차 이 작품을 이해하지 못하고 "마치 물감 통 안의 내용을 쏟아놓은 것 같다"고 혹평했다. 이 때문에 휘슬러는 명예 훼손으로 러스킨을 고소하기에 이르렀다[65]。휘슬러는 소송에서 승소했지만, 막대한 소송 비용을 지불하기 위해 자택을 매각하게 되었다.

휘슬러는 생전에 영어를 사용하는 전 세계의 많은 예술가들에게 영향을 미쳤다. 휘슬러는 사실주의, 인상주의, 상징주의 화가들과 중요한 교류를 하고 아이디어와 이상을 교환했다. 예술가 월터 시커트는 그의 제자였고,[55] 작가 오스카 와일드는 그의 친구였다. 그의 토널리즘은 존 싱어 사전트, 윌리엄 메리트 체이스, 헨리 샐럼 허블, 윌리스 시버 애덤스 (그는 베네치아에서 친구가 되었다) 및 아서 프랭크 매튜스를 포함한 많은 미국 예술가들에게 심오한 영향을 미쳤다. 휘슬러는 1890년대 후반 파리에서 매튜스를 만났고 휘슬러의 토널리즘을 샌프란시스코로 가져가 세기말 캘리포니아 예술가들 사이에서 이 기법을 널리 사용하게 했다. 휘슬러는 또한 1880년대 호주에서 일어난 하이델베르크 학교 운동, 즉 호주 인상주의에 주요한 영향을 미쳤다.[56] 미국 평론가 찰스 카핀은 1907년에 다음과 같이 적었다.

> 그는 몇몇 추종자와 모방자를 끌어들이는 것 이상을 해냈고, 예술 세계 전체에 영향을 미쳤다. 의식적으로든 무의식적으로든 그의 존재는 수많은 작업실에서 느껴지며, 그의 천재성은 현대 예술적 사고에 스며들고 있다.[4]

''제임스 애벗 맥닐 휘슬러''
1940년 발행에 헌정됨


1940년 휘슬러는 미국 우체국이 미국의 유명한 작가, 시인, 교육자, 과학자, 작곡가, 예술가 및 발명가를 기념하는 35개의 우표 세트인 유명 인사 시리즈를 발행하면서 미국 우표에 기념되었다.

소설가 헨리 제임스는 "휘슬러를 잘 알아서 '기이한 런던 출신 남부인'을 모델로 여러 소설 속 인물을 만들었고, 특히 ''로데릭 허드슨''과 ''비극의 뮤즈''에서 그랬다." 휘슬러는 "또한 헨리 제임스의 가장 매력적인 조연 중 하나인 ''대사들''의 조각가 글로리아니로 등장했는데, 그의 성격, 삶의 방식, 심지어 집까지 휘슬러를 기반으로 했다."[57]

조지 듀 모리에의 1894년 소설 ''트릴비''에는 휘슬러를 묘사하기 위한 캐릭터인 "게으른 견습생" 조 시블리가 등장한다.[58][59] "휘슬러는 소송을 위협했고, 후속 판에서 그 캐릭터는 다른 캐릭터로 대체되었다."[60] 휘슬러는 또한 마르셀 프루스트의 소설 ''잃어버린 시간을 찾아서''의 캐릭터인 화가 엘스티르의 모델이기도 했다.[61][57]

휘슬러가 태어난 매사추세츠주 로웰의 집은 현재 휘슬러 하우스 미술관으로 보존되어 있다. 그는 런던 서부의 치즈윅에 있는 치즈윅 구 묘지에 묻혔다.[42]

참조

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