아트 앤 크래프트 운동

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1. 개요

아트 앤 크래프트 운동은 19세기 후반 산업 혁명으로 인한 대량 생산의 문제점을 비판하며, 수작업과 예술의 통합을 추구한 디자인 및 장식 개혁 운동이다. 윌리엄 모리스의 주도로 시작되어 영국을 중심으로 아르 누보, 분리파 등 각국의 미술 운동에 영향을 미쳤다. 이 운동은 건축, 가구, 장식 예술, 정원 디자인, 예술 교육 등 다양한 분야에 걸쳐 발전했으며, 사회주의 사상과도 연관되었다. 미국, 일본 등에서도 각 지역의 특색을 반영하여 발전했으며, 20세기 초까지 다양한 협회와 공동체를 통해 그 이상이 확산되었다.

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아트 앤 크래프트 운동
개요
윌리엄 드 모건의 예술 및 공예 타일
유형	디자인 운동
시작	1880년경
종료	1920년경
국가	영국 미국 유럽
목표 및 철학
목표	산업화에 대한 반발 수공예 부흥 디자인과 장식 예술 개혁
신념	단순함과 기능성 중시 자연 소재 사용 장인 정신 존중 예술과 삶의 통합 추구
특징
스타일	단순하고 기능적인 디자인 자연에서 영감을 받은 모티프 사용 (꽃, 나무, 동물 등) 수공예의 흔적을 드러내는 마감 따뜻하고 자연스러운 색상
영향
영향 받은 운동	민예 운동 아르 누보 바우하우스 모던 디자인
영향 준 대상	건축 가구 섬유 디자인 도자기 그래픽 디자인 책 디자인
주요 인물
영국	윌리엄 모리스 존 러스킨 찰스 로버트 애슈비 월터 크레인 아서 헤이게이트 매클머도 윌리엄 아서 스미스 벤슨 헤이우드 섬너 조지프 사우스올 찰스 보Voysey 루이스 데이비드슨 헨리 윌슨 메리 배트먼 메이 모리스 데어러드 베스트 루이스 포먼 데이 앤 맥베스 제스 커미클 존 헨리 디어레 줄리아 트렐리언 글래디스 웨어 실버 스튜디오 존 피어슨 윌리엄 드 모건
미국	구스타프 스티클리 엘버트 허버드 형제 그린 버트 헌트 아이린 사전트 윌 브래들리 프랭크 로이드 라이트
일본	야나기 소에쓰
관련 단체 및 운동
단체	아트 workers 길드 세기 길드 예술과 공예 전시회 사회 홈 예술 및 산업 협회 레치워스 가든 시티
운동	민예 운동 소셜 디자인
추가 정보
관련 용어	수공예 디자인 개혁 산업화 비판

2. 기원과 영향

아트 앤 크래프트 운동은 1880년대 빅토리아 시대 영국에서 시작되었다.^[84] 산업 혁명으로 인해 대량 생산된 조악한 상품들이 넘쳐나자, 윌리엄 모리스는 중세 시대의 수작업으로 돌아가 생활과 예술을 통합해야 한다고 주장했다. 그는 모리스 상회를 설립하여 책(켈름스콧 프레스)과 벽지, 가구, 스테인드글라스 등의 인테리어 제품들을 직접 제작했다.^[84]

모리스 상회 제품은 비싸서 부유층만 이용할 수 있다는 비판도 있었지만, 생활과 예술을 일치시키고자 했던 그의 사상은 아르 누보, 분리파, 유겐트 양식 등 다른 나라의 미술 운동에 큰 영향을 주었다.^[85] 미국에서도 아트 앤 크래프트 운동이 일어났는데, 시카고가 그 중심지였으며, 건축가 프랭크 로이드 라이트가 창립자 중 한 명이었다.^[85] 크랜브룩 미술 아카데미를 설립한 조지 고프 부스도 이 운동을 이끌었다.^[86]

일본의 야나기 무네요시는 톨스토이의 근대 예술 비판에 영향을 받아 윌리엄 모리스의 운동에 공감하여 1929년 런던의 켈름스콧 하우스를 방문하기도 했다. 그의 민예 운동은 일상 용품에서 아름다움을 찾으려는 일본 특유의 운동이었지만, 아트 앤 크래프트 운동의 영향도 엿보인다.^[87]

2. 1. 디자인 개혁

1851년 만국 박람회에 전시된 제품들은 지나치게 화려하고, 인위적이며, 사용된 재료의 특성에 대한 고려가 부족하다는 비판을 받았다. 미술사학자 니콜라우스 페브스너는 전시품들이 "표면의 완전성에 대한 기본적인 요구에 대한 무지"와 "세부 사항에서의 저속함"을 드러냈다고 지적했다.^[59]

헨리 콜, 오웬 존스, 매튜 딕비 와이어트, 리처드 레드그레이브와 같은 전시 기획자들은 디자인 개혁을 시작했다.^[13] 이들은 과도한 장식과 비실용적이거나 조악하게 만들어진 제품들을 비판했다. 오웬 존스는 "건축가, 가구 제작자, 벽지 제작자, 직조공, 날염공, 도예가"가 "아름다움 없는 참신함, 또는 지성 없는 아름다움"을 생산한다고 비판했다.

이러한 비판을 바탕으로, 이들은 디자인의 올바른 원칙을 제시하는 여러 출판물을 냈다. 리처드 레드그레이브의 ''디자인에 관한 보충 보고서''(1852)는 디자인과 장식의 원리를 분석하고 "장식 적용에 더 많은 논리를" 촉구했다. 와이어트의 ''19세기의 산업 예술''(1853), 고트프리트 셈퍼의 ''Wissenschaft, Industrie und Kunst''( "과학, 산업 및 예술", 1852), 랄프 워넘의 ''장식 분석''(1856), 레드그레이브의 ''디자인 매뉴얼''(1876), 존스의 ''장식 문법''(1856) 등도 비슷한 주장을 펼쳤다. 특히 ''장식 문법''은 널리 배포되어 1910년까지 아홉 번이나 재인쇄될 정도로 큰 영향을 미쳤다.^[14]

존스는 장식이 "장식되는 대상에 종속되어야" 하고, "장식되는 대상에 대한 장식의 적합성"이 있어야 하며, 벽지나 카펫은 "수평 또는 평면 이외의 어떤 것도 암시해서는 안 된다"고 주장했다.^[14] 이들은 실제와 가깝게 보이도록 만들어진 자연 모티프 대신 평면적이고 단순화된 자연 모티프를 옹호했다. 레드그레이브는 "스타일"은 장식 이전에 견고한 구조를 요구하며, 사용된 재료의 품질에 대한 적절한 인식을 요구한다고 주장하며, "'유용성'이 장식보다 우선해야 한다"고 강조했다.

그러나 이들 19세기 중반의 디자인 개혁가들은 아트 앤 크래프트 운동의 디자이너들만큼 급진적이지는 않았다. 이들은 구조보다는 장식에 더 관심을 가졌고, 제조 방법에 대한 이해가 부족했으며, 산업적 방법에 대해 비판하지 않았다.^[22]

2. 2. 존 러스킨

존 러스킨은 사회 사상가이자 미술 평론가로, 국가의 도덕적, 사회적 건강을 건축의 질 및 노동의 본질과 연관시켰다.^[16] 그는 산업 혁명으로 인한 기계화된 생산과 분업을 "노예 노동"으로 비판하며, 독립적인 노동자가 자신이 만드는 것을 직접 설계하는 건강하고 도덕적인 사회를 옹호했다.^[17] 그는 공장 생산 제품을 "정직하지 못한" 것으로 간주하고 수작업과 장인 정신이 노동에 존엄성을 부여한다고 믿었다.^[17]

러스킨은 비올레르뒤크에게 예술적인 영향을 받았으며, 제자들에게 그를 가르쳤다. 그는 "가치 있는 책은 비올레르뒤크의 사전뿐입니다. 모두가 프랑스어를 배워야 합니다."라고 편지에 쓰기도 했다.^[18]

2. 3. 윌리엄 모리스

산업 혁명으로 대량 생산된 저렴하지만 조악한 상품이 넘쳐나는 상황에 대해, 윌리엄 모리스는 중세 수작업으로 돌아가 생활과 예술을 통일해야 한다고 주장했다. 그는 모리스 상회를 설립하여 책 (켈름스콧 프레스) 및 벽지, 가구, 스테인드글라스 등의 인테리어 제품을 제작했다.^[84]

모리스 상회 제품은 고가여서 부유층만 사용할 수 있다는 비판도 있었으나, 생활과 예술을 일치시키려 한 그의 사상은 아르 누보, 분리파, 유겐트 양식 등 각국 미술 운동에 큰 영향을 주었다.^[85]

3. 사회 및 디자인 원칙

아트 앤 크래프트 운동은 산업 사회와 기계 문명에 대한 비판적 시각을 바탕으로, 수공예 생산과 장인 정신을 옹호했다.

오거스터스 퓨진은 재료, 구조, 기능에 대한 진실성을 옹호했으며, 이는 아트 앤 크래프트 예술가들에게도 중요한 원칙이 되었다.^[70] 그는 저서 『대조』(Contrasts, 1836)에서 현대의 잘못된 건물과 도시 계획을 중세 시대의 훌륭한 사례와 대조하여 보여주었다.^[15]

윌리엄 모리스는 19세기 후반 디자인계의 거목이자 아트 앤 크래프트 운동의 주요한 영향력 있는 인물이었다. 그는 옥스퍼드 대학교 시절 에드워드 번-존스 등과 함께 낭만주의 문학에 대한 사랑과 사회 개혁에 대한 헌신을 결합한 버밍엄 세트를 결성했다.^[23] 이들은 토마스 맬러리의 ''아서 왕의 죽음''에서 영감을 받아 중세주의를 추구했다.

모리스는 디자인뿐만 아니라 제조에도 직접 참여했는데,^[24] 이는 아트 앤 크래프트 운동의 특징이었다. 그는 디자인과 수작업의 분리가 사회적, 미적으로 해롭다고 주장한 존 러스킨의 영향을 받아, "품위 있고 창의적인 인간의 직업이 없으면 사람들은 삶으로부터 단절된다"고 말했다.

1861년, 모리스는 모리스, 마셜, 포크너 사를 설립하여 중세 스타일의 가구와 장식품을 상업적으로 제작했다. 그의 패턴은 동식물에 기반을 두었고, 영국 시골의 토속적 전통에서 영감을 받았다. 일부는 재료의 아름다움과 장인의 솜씨를 보여주기 위해 의도적으로 미완성된 상태로 남겨졌다.^[25]

예술 공예 전시 협회 창립자들은 디자이너가 제작자도 되어야 한다고 주장하는 사람은 거의 없었지만, 제작자의 이름을 밝히는 것은 중요하다고 생각했다.^[32]

아트 앤 크래프트 운동 디자이너 중에는 사회주의자도 많았다. 윌리엄 모리스, T. J. 콥덴-샌더슨, 월터 크레인, C.R. 애쉬비, 필립 웹 등이 대표적이다.^[10]

영국에서 이 운동은 복식 개혁,^[33] 전원주의,^[35] 가든 시티 운동,^[34] 민요 부흥 운동과 관련이 있었다.^[35] 유럽 대륙에서는 건축, 응용 예술, 실내 디자인 및 의상 분야에서 국가 전통을 보존하는 것과 관련이 있었다.^[36]

3. 1. 산업 비판

존 러스킨은 토머스 칼라일의 영향을 받아 산업 혁명기의 기계화된 생산과 분업을 "노예 노동"으로 간주하고, 건강하고 도덕적인 사회는 자신이 만드는 것을 설계하는 독립적인 노동자를 필요로 한다고 생각했다.^[17] 러스킨의 추종자들은 산업 생산보다 수공예 생산을 선호했으며 전통적인 기술의 상실에 대해 우려했지만, 기계 자체보다는 공장 시스템에 더 비판적이었다.^[19]

아트 앤 크래프트 운동에 핵심적인 영향을 미친 섬유 디자이너, 윌리엄 모리스

윌리엄 모리스는 러스킨의 산업 사회 비판에 공감하여 현대 공장, 기계 사용, 분업, 자본주의, 전통적인 수공예 기법의 상실을 비판했다. 그러나 기계에 대한 그의 태도는 일관성이 없었다. 그는 한때 기계에 의한 생산은 "전적으로 악"이라고 말했지만,^[59] 다른 때에는 기계를 사용하여 자신의 기준을 충족하는 제조업체에 작업을 위탁하기도 했다.^[27]

모리스는 예술가는 손으로 작업하는 장인-디자이너여야 한다고 주장했으며,^[59] 중세 시대에 존재했다고 믿었던 자유로운 장인 사회를 옹호했다. 그는 "장인들이 자신의 일에서 즐거움을 느꼈기 때문에", "중세 시대는 평범한 사람들의 예술에서 위대한 시기였다."라고 언급했다.^[69]

모리스와 그의 추종자들은 현대 산업의 분업을 바람직하지 않다고 보았지만, 디자인과 제작을 한 사람이 해야 하는지에 대해서는 의견이 달랐다. 월터 크레인은 디자인과 제작이 동일한 사람에게서 나와야 한다고 강력하게 옹호한 반면, 루이스 포먼 데이는 디자인과 실행의 분리가 현대 사회에서 불가피하며, 전문화가 오히려 디자인과 제작의 질을 높인다고 생각했다.^[31]

3. 2. 사회주의

윌리엄 모리스는 존 러스킨의 산업 사회 비판에 공감하여 현대 공장, 기계 사용, 분업, 자본주의, 전통적인 수공예 기법의 상실을 비판했다.^[59] 그러나 기계에 대한 그의 태도는 일관성이 없었는데, 기계에 의한 생산은 "전적으로 악"이라고 말하면서도,^[59] 다른 때에는 기계를 사용하여 자신의 기준을 충족할 수 있는 제조업체에 작업을 위탁할 의향을 보였다.^[27] 모리스는 사치품도 싸구려 쓰레기도 만들어지지 않는 "진정한 사회"에서는 기계를 개선하고 노동 시간을 줄이는 데 사용할 수 있다고 말했다.^[28]

모리스는 예술가는 손으로 작업하는 장인-디자이너여야 한다고 주장했으며,^[59] 중세 시대에 존재했다고 믿었던 자유로운 장인 사회를 옹호했다. 그는 "장인들이 자신의 일에서 즐거움을 느꼈기 때문에", "중세 시대는 평범한 사람들의 예술에서 위대한 시기였다."라고 말했다.^[69]

모리스의 추종자들 또한 기계 및 공장 시스템에 대해 서로 다른 견해를 가지고 있었다. 찰스 로버트 애시비는 1888년에 "우리는 기계를 거부하지 않고 환영한다. 그러나 우리는 그것을 통제하고 싶어한다."라고 말했다.^[59]^[29] 그러나 자신의 길드와 수공예 학교를 현대적인 제조 방식과 경쟁시킨 후 실패하자 "현대 문명은 기계에 달려 있다"는 것을 인정했다.^[59] 반면에 윌리엄 아서 스미스 벤슨은 산업 조건에서 생산된 금속 세공품에 예술 공예 스타일을 적용하는 데 아무런 거리낌이 없었다.

모리스와 그의 추종자들은 분업이 바람직하지 않다고 믿었지만, 모든 디자인을 디자이너가 어느 정도까지 수행해야 하는지는 논쟁거리였다. 모든 예술 공예 예술가가 상품 제작의 모든 단계를 직접 수행한 것은 아니었으며, 20세기에 이르러서야 그것이 장인 정신의 정의에 필수적인 요소가 되었다. 월터 크레인은 도덕적, 예술적 근거 모두에서 분업에 대해 비판하고 디자인과 제작이 동일한 손에서 나와야 한다고 강력하게 옹호했다.

3. 3. 다른 개혁 운동과의 연관성

영국에서 아트 앤 크래프트 운동은 복식 개혁, 전원주의, 가든 시티 운동, 민요 부흥 운동과 같은 다양한 개혁 운동과 관련되었으며, 이들은 모두 '단순한 삶'이라는 이상을 공유했다. 1881년 에글랜타인 루이자 제브와 메리 프레이저 타일러 등은 노동자 계급, 특히 농촌 사람들에게 비영리적으로 수공예를 장려하여 유용한 직업을 제공하고 취향을 개선하기 위해 홈 아트 앤 인더스트리 협회를 설립했다. 1889년에는 450개의 강좌, 1,000명의 교사, 5,000명의 학생을 보유할 정도로 성장했다.^[37] 1887년에는 월터 크레인을 회장으로 하여 아트 앤 크래프트 전시 협회가 결성되었고, 1888년 런던의 뉴 갤러리에서 첫 전시회를 개최했다.^[38] 모리스 앤 컴퍼니는 이 전시회에 가구, 직물, 카펫, 자수 등을 출품하여 큰 주목을 받았다.^[39]

한편, 유럽 대륙에서는 국가 전통 보존 및 민족주의 운동과 깊이 연관되었다.

4. 발전

19세기 빅토리아 시대에 산업 혁명이 진행되면서 대량 생산으로 저렴하지만 조악한 상품이 넘쳐났다. 윌리엄 모리스는 이러한 상황을 비판하며 중세의 수작업으로 돌아가 생활과 예술을 통일할 것을 주장했다. 그는 모리스 상회를 설립하여 장식된 책(켈름스콧 프레스) 및 인테리어 제품 (벽지, 가구, 스테인드글라스) 등을 제작했다.

모리스 상회의 제품은 고가여서 부유층만 사용할 수 있었다는 비판도 있지만, 생활과 예술을 일치시키려 했던 모리스의 사상은 각국에 큰 영향을 주어 아르 누보, 분리파, 유겐트 양식 등 각국의 미술 운동에 영향을 주었다. 미국에도 아츠 앤 크래프트 운동이 있었는데, 일리노이주 시카고가 그 중심지였고, 건축가 프랭크 로이드 라이트도 창립자 중 한 명이었다.^[85] 미시간주 크랜브룩 미술 아카데미의 창설자인 조지 고프 부스도 운동을 이끌었다.^[86]

일본의 야나기 무네요시도 톨스토이의 근대 예술 비판에 영향을 받아 모리스의 운동에 공감하여 1929년 런던의 켈름스콧 하우스를 방문했다. 야나기의 민예 운동은 일상 용품 속에서 아름다움을 찾으려는 것으로 일본 독자적인 것이지만, 아츠 앤 크래프트의 영향도 보인다.^[87]

4. 1. 협회와 공동체

영국에서는 19세기 말과 20세기 초에 아트 앤 크래프트 아이디어가 확산되면서 많은 협회와 공예 커뮤니티가 설립되었다. 앨런 크로포드는 "미국과는 달리, 영국의 대부분의 아트 앤 크래프트 운동 실천가들은 기계에 대해 강하고, 다소 일관성이 없는, 부정적인 감정을 가지고 있었다"라고 설명한다.^[26] 이들은 '장인'을 자유롭고 창의적인 존재로, '기계'를 영혼 없고 반복적이며 비인간적인 존재로 생각했다.^[26] 이러한 생각은 존 러스킨의 저서 『베니스의 돌』에서 비롯된 것으로, 현대 산업주의에 대한 비판을 담고 있었다.^[26]

예술가이자 도예가인 버나드 리치는 야나기 소에쓰와 함께 일본에서 발전시킨 단순한 공예의 도덕적, 사회적 가치에 대한 많은 아이디어를 영국에 가져왔다.^[48] 이들은 존 러스킨의 영향을 받았으며, 버나드 리치는 1940년에 출판한 《도예가의 책》에서 산업 사회를 비판하며 자신의 생각을 펼쳤다.^[48]

피오나 맥카시는 영국 축제(1951), 디자이너 테렌스 콘란(1931–2020)의 작품, 그리고 1970년대 영국 공예 위원회의 창립에서도 아트 앤 크래프트 철학을 감지했다.

5. 지역별 발전

아트 앤 크래프트 운동은 영국에서 시작되었지만, 그 영향은 전 세계로 퍼져나갔다. 각 지역에서는 그 지역의 문화와 전통에 맞게 운동이 변형되었다.

미국에서는 일리노이주 시카고가 운동의 중심지였으며, 건축가 프랭크 로이드 라이트^[85]와 크랜브룩 미술 아카데미의 설립자 조지 고프 부스^[86]가 주요 인물이었다.

일본에서는 야나기 무네요시가 민예 운동을 이끌었는데, 그는 윌리엄 모리스의 사상에 공감하여 1929년 런던의 켈름스콧 하우스를 방문하기도 했다. 민예 운동은 일상 용품에서 아름다움을 찾으려는 일본 특유의 운동이었지만, 아트 앤 크래프트 운동의 영향도 엿보인다.^[87]

5. 1. 영국 제도

스코틀랜드에서 아트 앤 크래프트 운동의 시작은 1850년대 제임스 발렌타인이 개척한 스테인드글라스 부흥 운동이었다. 그의 주요 작품으로는 던펌린 수도원의 대형 서쪽 창문과 에든버러 세인트 자일스 대성당의 도안이 있다. 글래스고에서는 발렌타인에게서 공부했을 가능성이 있는 다니엘 코티어가 선구자였으며, 윌리엄 모리스, 포드 매독스 브라운, 존 러스킨의 직접적인 영향을 받았다. 그의 주요 작품으로는 페이즐리 대수도원의 ''그리스도의 세례''(c. 1880)가 있다. 그의 추종자로는 스티븐 아담과 동명의 그의 아들이 있었다.^[49]

글래스고 출신의 디자이너이자 이론가인 크리스토퍼 드레서는 최초이자 가장 중요한 독립 디자이너 중 한 명이었으며, 심미주의 운동의 중추적인 인물이었고, 연관된 영일 수교 운동에 크게 기여했다.^[50] 이 운동은 스코틀랜드에서 "놀라운 번영"을 이루었는데, 여기에는 글래스고 예술학교의 재능을 바탕으로 한 '글래스고 스타일'의 발전이 있었다. 켈트 부흥이 여기서 시작되었고, 글래스고 장미와 같은 모티프가 대중화되었다. 찰스 레니 매킨토시와 글래스고 예술학교는 전 세계에 영향을 미쳤다.^[1]^[44]

웨일스 상황은 영국 다른 지역과는 달랐다. 장인 정신에 관한 한, 아츠 앤 크래프트 운동은 ''부흥주의'' 캠페인이었다. 그러나 웨일스에서는 적어도 제1차 세계 대전까지는 진정한 공예 전통이 여전히 존재했다. 석재나 점토와 같은 지역 재료는 당연한 것으로 계속 사용되었다.^[51]

스코틀랜드는 아츠 앤 크래프트 운동에서 스테인드 글라스로 유명해졌고, 웨일스는 도자기[도예]로 유명해졌다. 19세기 중반까지 지역 장인들이 수 세대 동안 사용해 온 무거운 소금 유약은 대량 생산된 도자기가 가격을 떨어뜨리면서 유행에서 벗어났다. 그러나 아츠 앤 크래프트 운동은 그들의 작품에 대한 새로운 인식을 가져왔다. 영국의 갤러리스트인 호레이스 W. 엘리엇은 1885년 에위니 도자기 (17세기로 거슬러 올라감)를 방문하여 지역 작품을 찾고 운동과 양립할 수 있는 스타일을 장려했다.^[52] 그가 다음 20년 동안 런던으로 가져온 작품들은 웨일스 도자기 작품에 대한 관심을 되살렸다.

웨일스에서 아츠 앤 크래프트 운동의 핵심 후원자는 오언 모건 에드워즈였다. 에드워즈는 웨일스인들에게 그들의 언어와 역사를 노출시켜 웨일스 자부심을 갱신하는 데 헌신한 개혁 정치인이었다. 에드워즈에게 "웨일스에 예술과 공예 교육보다 더 필요한 것은 없다."^[53] – 비록 에드워즈는 유약이나 소박한 진정성을 존경하기보다는 웨일스 민족주의를 부활시키는 데 더 기울었다.^[54]

건축에서 클러프 윌리엄스-엘리스는 고대 건축에 대한 관심을 새롭게 하려고 노력했으며, 영국에서 "다져진 흙" 또는 피세^[55] 건축을 부활시켰다.

아일랜드로 퍼져나간 이 운동은, 같은 시기의 문학 부흥^[56]과 시각적으로 조응하며 국가의 문화 발전에 중요한 시기를 대표했으며, 아일랜드 민족주의의 발현이기도 했다. 아일랜드에서는 스테인드글라스 기법이 아트 앤 크래프트 운동에서 인기를 끌었으며, 가장 잘 알려진 예술가로는 해리 클라크가 있으며, 에비 혼도 이에 포함된다. 이 스타일의 건축물로는 코크 시 코크 대학교 부지에 있는 호난 채플 (1916년)이 있다. 아일랜드에서 활동한 다른 건축가로는 에드윈 러스티언스 경 (라오이스 주 헤이우드 하우스, 램베이 섬, 더블린 아일랜드 국립 전쟁 기념 정원), 프레데릭 '파' 힉스 (말라하이드 성 부지 건물 및 원형 탑) 등이 있었다. 아일랜드 켈트 문양은 은세공, 카펫 디자인, 삽화, 수제 가구 등에서 이 운동과 함께 인기를 끌었다.

5. 2. 유럽 대륙

유럽 대륙에서 민족 양식의 부흥과 보존은 아트 앤 크래프트 디자이너들의 중요한 동기였다.^[58] 독일에서는 1871년 통일 이후 고향 보호 연합(Bund für Heimatschutz)과 1898년 칼 슈미트(Karl Schmidt)가 설립한 수공예 미술 연합(Vereinigte Werkstätten für Kunst im Handwerk)이 장려되었다.^[58] 헝가리에서는 카로이 코스가 트란실바니아 건축의 토착 양식을 부활시켰다.^[58]

독일, 오스트리아-헝가리, 러시아와 같이 강력한 제국 아래 여러 다양한 국적의 사람들이 살았던 중앙 유럽에서는 토착 양식의 발견이 민족적 자긍심의 발현과 독립을 위한 노력과 관련되어 있었다.^[58] 영국의 아트 앤 크래프트 실천가들이 이상적인 양식을 중세 시대에서 찾으려 한 반면, 중앙 유럽에서는 외딴 시골 마을에서 찾으려 했다.^[58]

스웨덴 예술가 칼 라르손과 카린 베르괴 라르손은 집을 디자인할 때 아트 앤 크래프트 운동에서 영감을 받았다.

유럽에서 널리 전시된 아트 앤 크래프트 양식의 단순함은 헨리 반 데 벨데와 같은 디자이너와 아르 누보, 네덜란드의 데 스틸, 빈 분리파, 그리고 결국 바우하우스 양식과 같은 스타일에 영감을 주었다.^[59] 펙스너는 이 양식을 장식 없이 단순한 형태를 사용한 모더니즘의 전주곡으로 간주했다.^[59]

대륙 유럽에서 가장 초창기의 아트 앤 크래프트 활동은 1890년경 벨기에에서 시작되었으며, 영국의 양식은 헨리 반 데 벨데, 가브리엘 반 디보엣, 구스타브 세르리에-보비를 포함한 예술가와 건축가, 그리고 라 리브르 에스테티크(자유 미학) 그룹에 영감을 주었다.

20세기 초 오스트리아와 독일에서 아트 앤 크래프트 제품이 칭송받았으며, 그들의 영감 아래 디자인이 빠르게 발전한 반면, 영국에서는 정체되었다. 요제프 호프만과 콜로만 모저가 1903년에 설립한 비너 베르크슈테테는 "예술의 통일"과 수공예라는 아트 앤 크래프트 원칙의 영향을 받았다. 독일 공작 연맹(독일 공예가 연맹)은 독일 기업의 글로벌 경쟁력을 향상시키기 위해 예술가, 건축가, 디자이너, 산업가들의 연합으로 1907년에 결성되었으며, 표준화된 생산을 옹호함으로써 현대 건축 및 산업 디자인의 발전에 중요한 요소가 되었다. 그러나 주요 회원인 반 데 벨데와 헤르만 무테지우스는 표준화에 대해 상반된 의견을 가지고 있었다. 무테지우스는 독일이 무역과 문화의 선도 국가가 되기 위해서는 표준화가 필수적이라고 믿었다. 반 데 벨데는 예술가들이 "명령이나 표준화의 강요에 반대"할 것이며, "예술가는 ... 자발적으로, 그에게 법이나 유형을 부과하는 규율에 복종하지 않을 것"이라고 믿으며, 더 전통적인 아트 앤 크래프트적 태도를 대표했다.

핀란드에서는 헤르만 게젤리우스, 아르마스 린드그렌, 엘리엘 사아리넨이 헬싱키에 이상주의적 예술가 공동체를 설계했으며,^[1] 그들은 영국의 고딕 리바이벌과 유사한 국가 낭만주의 양식으로 작업했다.

헝가리에서는 러스킨과 모리스의 영향으로, 카로이 코스, 알라다르 쾨뢰시푀이-크리슈, 에데 토로츠카이 위간을 포함한 예술가와 건축가 그룹이 트란실바니아의 민속 예술과 토착 건축을 발견했다. 부다페스트 동물원 및 같은 도시의 베케를레 단지를 포함한 코스의 많은 건물들은 이러한 영향을 보여준다.^[60]

러시아에서는 빅토르 하르트만, 빅토르 바스네초프, 옐레나 폴레노바 및 아브람체보 식민지와 관련된 다른 예술가들이 영국에서의 운동과는 별개로 중세 러시아 장식 예술의 품질을 부활시키려 했다.

아이슬란드에서는 솔비 헬가손의 작품이 아트 앤 크래프트의 영향을 보여준다.

5. 3. 북미

미국에서는 '크래프트맨 스타일' 건축, 가구, 장식 예술이 발전했는데, 구스타프 스티클리는 자신의 잡지 ''The Craftsman''에서, 엘버트 허바드는 ''The Fra''에서 관련 디자인을 홍보했다.^[61] 두 사람은 잡지를 통해 뉴욕주 이스트우드에 있는 크래프트맨 워크샵과 엘버트 허바드의 로이크로프트 캠퍼스에서 생산된 상품을 홍보했다. 스티클리의 가구는 "미션 스타일"로 잘못 표기되기도 하는데, 그의 형제들이 설립한 세 회사를 포함한 많은 모방자들이 있었다.

''아메리칸 크래프트맨'' 또는 ''크래프트맨 스타일''은 대략 1910년부터 1925년까지, 즉 미국의 아르 누보와 아르 데코 시대 사이에 유행한 건축, 실내 디자인, 장식 예술 스타일을 지칭한다.^[61] 이 운동은 여성에게 장인, 디자이너, 기업가로서 전문적인 기회를 제공했다는 점에서 주목할 만하며, 칼로 샵스, 페와빅 도자기, 룩우드 도자기, 티파니 스튜디오와 같은 성공적인 기업들이 설립되거나 운영되었다.

미국 공예 운동은 동시대 정치 철학인 진보주의의 미학적 대응이었다. 1897년 10월 시카고에서 공예 협회가 시작되었을 때, 이는 사회 개혁을 위한 최초의 미국 정착촌 중 하나인 헐 하우스에서였다.

미국에 공예 이상을 전파한 것은 저널과 신문 기사였으며, 강연을 후원하는 협회들이 이를 보충했다. 최초의 협회는 1890년대 후반 보스턴에서 조직되었는데, 영향력 있는 건축가, 디자이너, 교육자들이 영국에서 윌리엄 모리스가 시작한 디자인 개혁을 미국에 도입하고자 했다. 이들은 현대 공예품 전시회를 조직하기 위해 만났다. 1897년 1월 4일, 보스턴의 보스턴 미술관 (MFA)에서 첫 번째 회의가 열렸다. 이 회의에는 MFA 이사회의 의장인 찰스 로링 장군, 수집가이자 작가, MFA 이사인 윌리엄 스터지스 비글로우와 덴먼 로스, 화가 로스 터너, ''보스턴 트랜스크립트''의 미술 평론가 실베스터 벅스터, 하워드 베이커, A.W. 롱펠로우 주니어, 건축가 랄프 클립슨 스터지스가 참석했다.

1897년 4월 5일 보스턴 코플리 홀에서 열린 첫 번째 미국 공예 전시회에는 160명의 장인이 제작한 1000개 이상의 물품이 전시되었는데, 그중 절반이 여성이었다.^[62] 이 전시회의 지지자 중에는 하버드 건축 학교 설립자인 랭퍼드 워렌, 리차드 모리스 헌트 부인, 사회 개혁가 아서 아스터 캐리 및 에드윈 미드, 윌 H. 브래들리 그래픽 디자이너가 있었다.

이 전시회의 성공으로 1897년 6월 28일, 공예 협회(SAC)가 설립되었다. 21명의 창립자들은 판매 이상의 관심이 있다고 주장하며, 최고의 품질의 솜씨와 디자인으로 작품을 제작하도록 예술가들을 장려하는 것을 강조했다. 이들은 다음과 같은 신조를 내세웠다.

This Society was incorporated for the purpose of promoting artistic work in all branches of handicraft. It hopes to bring Designers and Workmen into mutually helpful relations, and to encourage workmen to execute their own designs. It endeavors to stimulate in workmen an appreciation of the dignity and value of good design; to counteract the popular impatience of Law and Form, and the desire for over-ornamentation and specious originality. It will insist upon the necessity of sobriety and restraint, or ordered arrangement, of due regard for the relation between the form of an object and its use, and of harmony and fitness in the decoration put upon it.|이 협회는 수공예의 모든 분야에서 예술적 작품을 장려할 목적으로 설립되었습니다. 디자이너와 작업자를 상호 유익한 관계에 두도록 하고, 작업자가 자신의 디자인을 실행하도록 장려하고자 합니다. 작업자들에게 좋은 디자인의 존엄성과 가치에 대한 인식을 고취하고, 법과 형식에 대한 대중의 인내심 부족과 과도한 장식 및 그럴듯한 독창성에 대한 열망을 억제하려 합니다. 절제와 자제, 즉 정돈된 배열, 물건의 형태와 용도 간의 적절한 관계에 대한 적절한 고려, 그리고 그것에 적용된 장식의 조화와 적합성을 주장할 것입니다.^영어

엘버트 허바드가 뉴욕주 버팔로와 뉴욕주 이스트 오로라에서 시작한 로이크로프트 공동체, 뉴욕주 우드스톡의 버드클리프 식민지와 펜실베이니아주 로즈 밸리와 같은 유토피아 공동체, 허버트 J. 햅굿이 건설한 방갈로 및 샤토 주택 단지가 특징인 뉴저지주 마운틴 레이크스와 같은 개발, 그리고 현대 스튜디오 공예 스타일도 영향을 미쳤다. 스튜디오 도자기 - 그루비 페이앙스 컴퍼니, 뉴올리언스의 뉴콤 도자기, 마블헤드 도자기, 테코 도자기, 오버벡과 룩우드 도자기와 메리 체이스 페리 스트래튼의 미시간주 디트로이트의 페와빅 도자기, 콜로라도주 콜로라도 스프링스의 반 브리그 도자기 회사, 그리고 캘리포니아주 파사데나의 어니스트 A. 바체르더가 만든 예술 타일과 찰스 로르프스의 특이한 가구는 모두 공예 운동의 영향을 보여준다.

연방 건축에 대한 공예 스타일의 영향의 예. 면이 있는 돌출창과 석조 기단을 살펴보세요.

미국 공예 운동 박물관(Museum of the American Arts and Crafts Movement)은 2021년 플로리다주 세인트피터스버그에 문을 열었다.^[67]^[68]

5. 4. 아시아

야나기 무네요시는 1920년대부터 민예 운동을 통해 민속 공예를 장려했는데, 윌리엄 모리스와 존 러스킨의 저술에 영향을 받았다.^[69] 1929년 런던의 켈름스콧 하우스를 방문하기도 했다. 민예 운동은 산업화에 맞서 전통 공예를 보존하고자 했으며, 일상 용품 속에서 아름다움(용의 미)을 찾으려는 일본 독자적인 운동이었지만, 아트 앤 크래프트 운동의 영향도 보인다.^[87]

6. 건축

아트 앤 크래프트 운동은 건축 분야에 가장 뚜렷하고 지속적인 영향을 미쳤다.

1913–4년에 건설된 뉴햄프셔주 위니페소키 호수가 내려다보이는 캐슬 인 더 클라우드와 잔디밭의 정면.

미국에서는 구스타프 스티클리의 잡지 ''The Craftsman''과 엘버트 허바드의 ''The Fra''에서 홍보된 디자인을 포함하여, 유럽의 공예 이상을 미국식으로 재해석하려는 다양한 시도가 있었다. 여기에는 "크래프트맨" 스타일의 건축, 가구 및 기타 장식 예술이 포함되었다. 스티클리의 가구는 종종 "미션 스타일"로 잘못 표기되기도 하는데, 그의 형제들이 설립한 세 개의 회사를 포함하여 많은 모방자들이 있었다.

''아메리칸 크래프트맨'' 또는 ''크래프트맨 스타일''은 미국의 아르 누보와 아르 데코 사이(대략 1910년부터 1925년까지)의 건축, 실내 디자인 및 장식 예술 스타일을 나타낸다. 이 운동은 칼로 샵스, 페와빅 도자기, 룩우드 도자기, 티파니 스튜디오와 같은 기업을 통해 여성에게 전문적인 기회를 열어주었다는 점에서 특히 두드러졌다.

미국 공예 운동은 진보주의의 미학적 대응이었다. 1897년 시카고에서 공예 협회가 시작되었을 때, 이는 사회 개혁을 위한 최초의 미국 정착촌 중 하나인 헐 하우스에서였다.

1897년 4월 보스턴 코플리 홀에서 첫 번째 미국 공예 전시회가 열렸는데, 160명의 장인(그중 절반이 여성)이 제작한 1000개 이상의 물품을 선보였다.^[62] 이 전시회의 성공으로 1897년 6월, 공예 협회(SAC)가 설립되었다. 협회는 수공예의 모든 분야에서 예술적 작품을 장려하고, 디자이너와 작업자를 상호 유익한 관계에 두도록 하며, 작업자들에게 좋은 디자인의 존엄성과 가치에 대한 인식을 고취하는 것을 목표로 했다.^[63]

1913–14년에 뉴햄프셔주 오시피 산맥에 건설된 톰과 올리브 플랜트의 산꼭대기 저택인 캐슬 인 더 클라우드는 뉴잉글랜드의 미국 공예 스타일의 훌륭한 예이다.^[64]

엘버트 허바드가 시작한 로이크로프트 공동체, 뉴욕주 우드스톡의 버드클리프 식민지와 펜실베이니아주 로즈 밸리와 같은 유토피아 공동체, 뉴저지주 마운틴 레이크스의 방갈로 및 샤토 주택 단지, 그리고 현대 스튜디오 공예 스타일도 영향을 미쳤다. 스튜디오 도자기와 캘리포니아주 파사데나의 어니스트 A. 바체르더가 만든 예술 타일 등도 공예 운동의 영향을 보여준다.

프랭크 로이드 라이트, 조지 워싱턴 마허 등 시카고 건축가들의 "프레리 양식", 컨트리 데이 스쿨 운동, 그린 앤 그린, 줄리아 모건, 버나드 메이벡 등이 대중화한 주택 스타일인 방갈로와 얼티밋 방갈로는 미국 아츠 앤 크래프트 운동 및 아메리칸 크래프트맨 건축 양식의 몇 가지 예이다. 미션 리바이벌, 프레리 양식, 그리고 '캘리포니아 방갈로'는 오늘날 미국에서 여전히 인기가 있다.

6. 1. 건축 원칙

레드 하우스는 1859년 건축가 필립 웹이 윌리엄 모리스를 위해 런던 벡슬리히스에 설계한 것으로, 초기 예술 공예 스타일을 잘 보여준다. 이 건물은 비례가 잘 잡힌 견고한 형태, 넓은 현관, 가파른 지붕, 뾰족한 창 아치, 벽돌 벽난로, 나무 부속품 등을 특징으로 한다.^[70]

웹은 웅장한 건물을 기반으로 한 고전 및 기타 역사적 양식 부흥을 거부하고 영국 토착 건축을 기반으로 디자인했다. 그는 돌, 타일과 같은 일반적인 재료의 질감을 비대칭적이고 그림 같은 건물 구성을 통해 표현했다.^[70]

예술 공예 운동의 지도자들은 건축가로 훈련받은 경우가 많았다. (예: 윌리엄 모리스, A. H. 맥머도, C. R. 애쉬비, W. R. 레서비) 이 운동이 가장 눈에 띄고 지속적인 영향을 미친 것은 건축 분야였다.

6. 2. 주요 건축물

레드 하우스는 1859년 건축가 필립 웹이 윌리엄 모리스를 위해 런던 벡슬리히스에 설계한 것으로, 초기 아트 앤 크래프트 스타일을 잘 보여준다. 이 건물은 비례가 잘 잡힌 견고한 형태, 넓은 현관, 가파른 지붕, 뾰족한 창 아치, 벽돌 벽난로, 나무 부속품 등이 특징이다. 웹은 웅장한 건물을 기반으로 한 고전 및 기타 역사적 양식 부흥을 거부하고, 영국 토착 건축을 기반으로 하여 돌, 타일과 같은 일반적인 재료의 질감을 비대칭적이고 그림 같은 건물 구성을 통해 표현했다.^[70]

1880년대와 1890년대에 주로 건설된 런던 교외 베드퍼드 파크에는 약 360채의 아트 앤 크래프트 스타일 주택이 있다. 화이트리 빌리지(서리) (1914년에서 1917년 사이에 건설된 280개 이상의 건물)와 다이어스 알름하우스(서섹스) (1939년에서 1971년 사이에 건설)와 같이 여러 개의 자선 주택도 예술 공예 스타일로 지어졌다. 최초의 전원 도시인 레치워스 가든 시티는 예술 공예 이상에서 영감을 받았다.^[34] 최초의 주택은 배리 파커와 레이먼드 언윈이 운동에 의해 대중화된 토착 스타일로 설계되었다.

7. 정원 디자인

거트루드 제킬은 정원 디자인에 미술 공예 운동의 원리를 적용했다. 그녀는 영국의 건축가 에드윈 러티언스 경과 함께 작업했는데, 그녀는 그의 프로젝트를 위해 수많은 조경을 만들었고, 그는 서리주 고달밍 근처에 있는 그녀의 집 먼스테드 우드를 설계했다.^[72] 제킬은 요크 건축가 월터 브리어리의 집인 비숍스반스를 위한 정원을 만들었는데, 브리어리는 미술 공예 운동의 옹호자였으며 "북쪽의 러티언스"로 알려져 있었다.^[73]^[74] 브리어리의 마지막 프로젝트인 요크의 고다드 정원은 캐슬 드로고에서 러티언스와 제킬과 함께 일한 정원사 조지 딜리스톤의 작품이었다.^[75] 고다드 정원은 울타리와 초화 경계를 사용하여 정원을 일련의 야외 공간으로 나누는 등 집의 미술 공예 스타일을 반영한 많은 특징을 통합했다.^[76]

또 다른 주목할 만한 미술 공예 정원은 로렌스 워터버리 존스턴이 설계한 히드코트 매너 가든인데, 이곳 또한 일련의 야외 공간으로 배치되어 있으며, 고다드와 마찬가지로 집에서 멀어질수록 조경이 덜 형식적으로 변한다.^[77] 미술 공예 정원의 다른 예로는 헤스터콤 가든, 라이츠 캐리 매너가 있다.

8. 예술 교육

19세기 후반, 영국의 미술 교육 시스템은 추상적인 디자인에 치중하고 실제 재료를 다루는 실용적인 공예 교육이 부족하다는 비판을 받았다. 이에 1884년 왕립 위원회는 미술 교육이 디자인이 적용될 재료에 더 많은 관심을 기울여야 한다고 권고했다.^[78]

이러한 변화를 주도한 것은 버밍엄 미술 공예 학교였다. 이 학교는 "디자인을 종이 위에서 하는 대신 디자인이 의도된 재료로 작업하면서 실행된 디자인"을 강조하며 전국적인 미술 및 디자인 교육 개혁을 이끌었다. 1889년 외부 심사관 보고서에서 월터 크레인은 버밍엄 미술 학교가 '재료 및 사용법과의 관련성을 고려한 디자인'을 높이 평가했다고 언급했다.^[79] 헨리 페인과 조셉 사우스올의 도움을 받은 버밍엄 학교는 주요 미술 공예 중심지가 되었다.^[80]

다른 지방 자치 단체 학교들도 실용적인 공예 교육을 도입하기 시작했으며, 1890년대에는 미술 노동자 길드 회원들이 미술 학교에 미술 공예 이상을 전파했다. 월터 크레인은 맨체스터 미술 학교와 왕립 예술 대학의 교장을 역임했고, F.M. 심슨, 로버트 애니닝 벨, C.J. 앨런은 각각 리버풀 미술 학교에서 건축, 회화 및 디자인, 조각을 가르쳤다. W. R. 레타비와 조지 프램튼은 런던 카운티 의회(LCC) 교육 위원회의 검사관이자 고문이었으며, 1896년 LCC는 중앙 미술 공예 학교를 설립하고 그들을 공동 교장으로 임명했다.^[81] 캠버웰 미술 공예 학교도 비슷한 시기에 설립되었다.

이러한 미술 공예 운동의 영향은 제2차 세계 대전 이후까지 영국 미술 학교에 지속되었다.^[81]

9. 주요 인물

윌리엄 모리스, 존 러스킨, 오거스터스 퓨진을 비롯하여 찰스 로버트 애쉬비, 월터 크레인, C. F. A. 보이시, 에드윈 러티언스, 찰스 레니 매킨토시, 구스타브 스티클리, 프랭크 로이드 라이트, 야나기 무네요시 등 다양한 분야의 예술가, 디자이너, 건축가, 사회 개혁가들이 아트 앤 크래프트 운동에 참여했다.^[84]^[85]^[87]

주요 인물
이름	활동 분야	비고
찰스 로버트 애쉬비	건축가
월터 크레인	삽화가, 장식 예술가	로열 칼리지 오브 아트 교장 역임
C. F. A. 보이시	건축가
에드윈 러티언스	건축가
찰스 레니 매킨토시	건축가
구스타브 스티클리	가구 디자이너, 건축가
프랭크 로이드 라이트	건축가	시카고를 거점으로 활동^[85]
야나기 무네요시	민예 운동 주도	켈름스콧 하우스 방문^[87]
헨리 콜		런던 디자인 학교 교장
오거스터스 웰비 노스모어 퓨진	건축가	고딕 리바이벌 추진
존 러스킨	사회 사상가, 미술 평론가
단테 게이브리얼 로세티	화가, 시인
리처드 노먼 쇼	건축가
필립 웹	건축가
에드워드 번 존스	화가
E. W. 고드윈	건축가	앵글로 재패니즈 스타일 확립
윌리엄 모리스	사회 사상가, 시인
크리스토퍼 드레서	디자이너, 식물학자
윌리엄 드 모건	화가, 소설가
크리스토퍼 월	스테인드글라스 작가
아서 헤이게이트 매크머도	건축가
알렉산더 피셔	디자이너
어니스트 짐슨	건축가
제시 뉴베리	디자이너
M. H. 베리스코트	건축가

10. 장식 예술 갤러리

11. 참고 문헌

Arts and Crafts movement^영어 관련 서적 및 자료 목록은 다음과 같다.

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참조

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