콘트라베이스
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1. 개요
콘트라베이스는 15세기 유럽에서 유래한 현악기로, 바이올린 계열 악기인 첼로보다 한 옥타브 낮은 음역을 담당한다. 일반적으로 4현 또는 5현을 사용하며, 4도 간격으로 조율된다. 콘트라베이스는 바이올린 계열과 비올라 다 감바 계열의 특징을 모두 가지고 있으며, 활(아르코) 또는 손가락으로 현을 튕기는 방식(피치카토)으로 연주한다. 클래식 음악에서는 오케스트라의 저음을 담당하며, 재즈, 블루스, 록앤롤 등 다양한 장르에서도 사용된다. 연주자는 베이시스트, 더블 베이시스트 등으로 불리며, 연주 자세, 활 잡는 법, 손가락 기법 등 다양한 연주 기술을 익힌다.
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| 콘트라베이스 | |
|---|---|
| 악기 정보 | |
| 이름 | 콘트라베이스 |
| 다른 이름 | 베이스, 업라이트 베이스, 스트링 베이스, 어쿠스틱 베이스, 어쿠스틱 스트링 베이스, 콘트라베이스 바이올, 베이스 바이올, 베이스 바이올린, 스탠드업 베이스, 불 피들, 도그하우스 베이스, 베이스 피들 |
| 영어 이름 | contrabass, doublebass, stringbass |
| 독일어 이름 | Kontrabass (Kontrabaß), Bassgeige (Baßgeige) |
| 프랑스어 이름 | contrebasse |
| 이탈리아어 이름 | contrabbasso |
| 중국어 이름 | 低音提琴, 低音大提琴 |
 | |
| 분류 | |
| 악기 종류 | 현악기 (활로 연주하거나 뜯어서 연주) |
| 호른보스텔-작스 분류 | 321.322-71 |
| 호른보스텔-작스 분류 설명 | 활로 소리를 내는 현명악기 |
| 제작 및 음역 | |
| 개발 시기 | 15세기–19세기 |
| 음역 | [[파일:Range contrabass.png|130px|가운데]] 각 현의 조율, 실제 소리는 1옥타브 낮음. [[파일:Contrabass range.svg|150px|center]] |
| 관련 악기 | |
| 관련 악기 | 비올 비올라 첼로 베이스 기타 어쿠스틱 베이스 기타 일렉트릭 업라이트 베이스 디잉게후 바잔타르 바이올린족 비올라 다 감바족 비올로네 |
| 연주자 | |
| 연주자 목록 | 콘트라바스 연주자 목록 |
| 음향 | |
| 추가 정보 | |
| 기타 이름 | 불 피들 |
| 참고 자료 | |
| 참고 자료 | 옥스포드 음악 온라인: 더블 베이스 루트비히-반.com – 옥토베이스는 인간 가청 범위 이하를 연주할 수 있는 악기 MTI - 콘트라베이스 비엔나 더블 베이스 아카이브의 실내악 베이스 기초 어쿠스틱 베이스: 어쿠스틱 베이스란? 불 피들 |
2. 역사
콘트라베이스는 비올로네에서 유래되었다고 알려져 있으며, 18세기 이전에는 3개의 현을 가진 악기였다.[12] 19세기에는 조반니 보테시니와 같은 연주자들이 등장하면서 기교적으로 발전했고, 20세기에는 세르게이 쿠세비츠키에 의해 독주 악기로서 위상이 높아졌다.
콘트라베이스는 비올라 다 감바 계열의 악기에서 파생되었지만, 바이올린 계열 악기의 특징도 가지고 있어, 현대에는 두 계열의 중간적인 성격을 가진 악기로 여겨진다.
2. 1. 초기 역사 (15세기~18세기)
콘트라베이스는 15세기에 유럽에서 유래한 현악기 계열인 비올로네(“큰 비올”)의 현대적 후손으로 여겨진다.[12] 20세기 이전의 많은 콘트라베이스는 비올 계열 악기의 전형적인 5~6개 현과는 달리 현이 3개뿐이었다. 콘트라베이스의 비율은 바이올린이나 첼로와 다르다. 예를 들어, 콘트라베이스는 깊이가 더 크고, 대부분의 콘트라베이스는 비올 계열 악기처럼 더 급격한 경사로 어깨 부분이 조각되어 있다. 많은 오래된 콘트라베이스는 현대 연주 기법에 맞춰 어깨 부분을 잘라내거나 경사지게 만들었다.[13]
콘트라베이스는 완전 5도가 아닌 4도(비올과 같이)로 조율되는 유일한 현대 활 현악기이다. 이 악기의 정확한 계보는 아직 논쟁의 여지가 있으며, 콘트라베이스가 비올 계열의 직계 후손이라는 추측은 완전히 해결되지 않았다.
폴 브룬은 그의 저서 ''A New History of the Double Bass''에서 콘트라베이스의 기원이 바이올린 계열의 진정한 베이스라고 주장한다. 그는 콘트라베이스의 외관은 비올라 다 감바와 비슷할 수 있지만, 콘트라베이스의 내부 구조는 바이올린 계열 악기와 거의 동일하고 비올의 내부 구조와는 매우 다르다고 말한다.[14]
콘트라베이스 교수인 래리 허스트(Larry Hurst)는 "현대 콘트라베이스는 바이올린이나 비올 계열의 진정한 구성원이 아니다"라고 주장한다. 그는 "가장 가능성 있는 초기 형태는 비올 계열 중 가장 큰 악기인 비올로네였다. 현존하는 초기 베이스 중 일부는 현대적인 장식이 추가된 비올로네(C자형 음향구멍 포함)이다."라고 말한다.[15] 가스파로 다 살로(Gasparo da Salò)의 악기와 같이 16세기 6현 콘트라베이스 비올로니를 개조한 악기들도 있다.[4]
18세기 동안 콘트라베이스는 독주 악기로서 인기를 누렸으며, 당시 가장 유명한 작곡가들 중 다수가 콘트라베이스를 위한 곡을 작곡했다. 당시 콘트라베이스는 종종 비올로네(비올로네)라고 불렸으며, 지역에 따라 다양한 조율법을 사용했다. "비엔나 조율법"(A1–D2–F2–A2)이 널리 사용되었고, 경우에 따라 5번줄 또는 6번줄이 추가되기도 했다(F1–A1–D2–F2–A2).[32]
콘트라베이스를 위한 가장 오래된 알려진 협주곡은 요제프 하이든이 1763년경에 작곡한 것으로, 아이젠슈타트 도서관 화재로 소실된 것으로 추정된다. 가장 오래된 기존 협주곡은 카를 디터스 폰 디터스도르프의 작품으로, 그는 콘트라베이스를 위한 두 개의 협주곡과 비올라와 콘트라베이스를 위한 신포니아 콘체르탄테를 작곡했다. 이 시대에 협주곡을 작곡한 다른 작곡가로는 요한 바티스트 반할, 프란츠 안톤 호프마이스터(3개의 협주곡), 레오폴트 코젤루흐, 안톤 짐머만, 안토니오 카푸치, 벤첼 피흘(2개의 협주곡), 요하네스 마티아스 슈페르거(18개의 협주곡) 등이 있다. 볼프강 아마데우스 모차르트의 콘체르토 아리아 "Per questa bella mano", K.612 (바리톤, 콘트라베이스 오블리가토, 오케스트라)에는 당시 콘트라베이스 독주를 위한 인상적인 작품이 담겨 있다.
콘트라베이스는 결국 더 낮은 음역과 더 큰 음량을 필요로 하는 오케스트라의 요구에 맞춰 발전했다. 18세기 중후반의 대표적인 콘트라베이스 연주자인 요제프 캠퍼, 프리드리히 피셸베르거, 요하네스 마티아스 슈페르거는 "비엔나" 조율법을 사용했다. 콘트라베이스를 위한 협주곡을 작곡한 바시스트 요한 힌들(1792-1862)은 4도 간격으로 조율하는 방식을 개척했는데, 이는 콘트라베이스와 독주곡에서의 역할에 있어 전환점이 되었다. 바시스트 도메니코 드라고네티는 저명한 음악가였으며, 루트비히 판 베토벤과도 친분이 있었다. 그의 연주는 고향인 이탈리아에서부터 러시아 제국까지 알려졌으며, 런던 필하모닉 협회(Philharmonic Society of London)의 콘서트에서 두각을 나타냈다. 베토벤과 드라고네티의 친분은 그가 교향곡에서 콘트라베이스를 위해 어려운 독립적인 파트를 작곡하도록 영감을 주었을 수 있는데, 5번 교향곡 3악장, 7번 교향곡 2악장, 9번 교향곡 마지막 악장의 인상적인 악절이 그 예이다.
드라고네티는 콘트라베이스를 위한 10개의 협주곡과 콘트라베이스와 피아노를 위한 많은 독주곡을 작곡했다. 1824년 여름 로시니가 런던에 체류하는 동안 그는 드라고네티와 첼리스트 데이비드 살로몬스를 위해 인기 있는 첼로와 콘트라베이스를 위한 이중주곡을 작곡했다. 드라고네티는 종종 위에서부터 G-D-A로 조율된 3현 콘트라베이스를 연주했다. 상위 3현만 사용하는 것은 19세기 오케스트라의 콘트라베이스 독주자와 수석 바시스트들에게 인기가 있었는데, 이는 콘트라베이스의 나무 윗판에 가해지는 압력을 줄여 더욱 공명하는 소리를 낸다고 여겨졌기 때문이다. 또한 19세기에 사용된 저음 E 현은 창자로 만든 두꺼운 줄이었기 때문에 조율하고 연주하기가 어려웠다.
2. 2. 발전기 (19세기)
더블베이스는 15세기에 유럽에서 유래한 현악기 계열인 비올로네(이탈리아어: “큰 비올”)의 현대적 후손으로 여겨진다.[12] 20세기 이전의 많은 더블베이스는 현이 3개뿐이었는데, 이는 비올 계열 악기의 전형적인 5~6개 현이나 바이올린 계열 악기의 4개 현과 다르다. 더블베이스의 비율은 바이올린이나 첼로와 다르다. 예를 들어, 더블베이스는 깊이가 더 크고, 대부분의 더블베이스는 비올 계열 악기처럼 더 급격한 경사로 어깨 부분이 조각되어 있다. 많은 오래된 더블베이스는 현대 연주 기법에 맞춰 어깨 부분을 잘라내거나 경사지게 만들었다.[13] 이러한 수정 이전에는 어깨 부분의 디자인이 바이올린 계열 악기에 더 가까웠다.
더블베이스는 완전 5도가 아닌 4도(비올과 같이)로 조율되는 유일한 현대 활 현악기이다. 이 악기의 정확한 계보는 아직 논쟁의 여지가 있으며, 더블베이스가 비올 계열의 직계 후손이라는 추측은 완전히 해결되지 않았다.
폴 브룬은 그의 저서 ''A New History of the Double Bass''에서 더블베이스의 기원이 바이올린 계열의 진정한 베이스라고 주장한다. 그는 더블베이스의 외관은 비올라 다 감바와 비슷할 수 있지만, 더블베이스의 내부 구조는 바이올린 계열 악기와 거의 동일하고 비올의 내부 구조와는 매우 다르다고 말한다.[14]
래리 허스트(Larry Hurst)는 "현대 더블베이스는 바이올린이나 비올 계열의 진정한 구성원이 아니다"라고 주장한다. 그는 "가장 가능성 있는 초기 형태는 비올 계열 중 가장 큰 악기인 비올로네였다. 현존하는 초기 베이스 중 일부는 현대적인 장식이 추가된 비올로네(C자형 음향구멍 포함)이다."라고 말한다.[15] 가스파로 다 살로(Gasparo da Salò)의 악기와 같이 16세기 6현 콘트라베이스 비올로니를 개조한 악기들도 있다.[4]
19세기에는 오페라 지휘자이자 작곡가, 베이시스트였던 조반니 보테시니(Giovanni Bottesini)가 당대의 "더블베이스의 파가니니"로 여겨졌다. 보테시니의 베이스 협주곡들은 19세기 유행했던 이탈리아 오페라 스타일로 작곡되었는데, 이는 이전에는 볼 수 없었던 방식으로 더블베이스를 활용한 것이다. 그의 작품들은 악기의 최고 음역, 심지어 자연배음과 인공배음의 영역까지 걸쳐 매우 숙련된 연주와 넓은 음역대를 필요로 한다. 많은 19세기와 20세기 초 베이시스트들은 이러한 작품들을 연주할 수 없다고 생각했지만, 2000년대에 들어서는 자주 연주되고 있다. 같은 시기에 체코에서는 프란츠 시만들, 테오도어 알빈 핀데이젠, 요제프 라베, 루드비히 마놀리(Ludwig Manoly), 아돌프 미셰크(Adolf Mišek) 등을 포함한 저명한 베이시스트 학교가 생겨났다. 시만들과 라베는 교육자이기도 했으며, 그들의 교본과 연습곡들은 2000년대에도 여전히 사용되고 있다.
비슷한 저음 현악기인 첼로가 바이올린 계열 악기인 데 반해, 콘트라베이스에 보이는 완만한 어깨 모양, 평평한 뒷판, 4도 조율, 활 사용법(독일식) 등의 특징은 비올라 다 감바 계열에서 유래한다. 현대의 콘트라베이스는 바이올린 계열과 비올라 다 감바 계열의 중간에 위치하는 악기가 되어, 어느 쪽으로 분류할지는 분류자의 생각에 따라 다르다(비올로네 참조).
2. 3. 현대 (20세기~현재)
20세기 초, 보스턴 심포니 오케스트라의 지휘자로 잘 알려진 세르게이 쿠세비츠키는 더블베이스를 독주 악기로 대중화하는데 큰 영향을 주었다. 강철 현과 개선된 세팅 덕분에 더블베이스의 연주 수준이 향상되었고, 더 많은 작곡가들이 더블베이스를 위한 작품을 작곡하게 되었다. 20세기 중반 이후, 니코스 스칼코타스, 에두아르드 투빈, 라르스-에릭 라르손, 귄터 슐러, 한스 베르너 헨체, 프랭크 프로토 등 많은 작곡가들이 더블베이스 협주곡을 작곡했다.[33]존 케이지의 《피아노와 오케스트라를 위한 협주곡》 중 《콘트라베이스를 위한 독주곡》은 독주곡으로 연주되거나 오케스트라 및/또는 피아노의 다른 파트와 함께 연주될 수 있다. 그의 오케스트라 작품 《Atlas Eclipticalis》의 콘트라베이스 독주 파트 또한 독주곡으로 연주 가능하다. 《변주곡 I》, 《변주곡 II》, 《Fontana Mix》, 《카트리지 뮤직》 등 케이지의 불확정적 작품들은 콘트라베이스 독주자를 위해 편곡될 수 있다. 《현악 연주자를 위한 26.1.1499》는 바이올린, 비올라, 첼로 연주자도 연주할 수 있지만, 콘트라베이스 독주자가 연주하는 경우가 많다.
1960년대부터 20세기 말까지 게리 카는 더블베이스를 독주 악기로 널리 알린 선구자였으며, 수백 개의 새로운 작품과 협주곡을 위촉하거나 작곡하는 데 힘썼다. 카는 올가 쿠세비츠키로부터 쿠세비츠키의 유명한 더블베이스를 받았고, 40년 동안 전 세계 콘서트에서 연주한 후 국제 베이시스트 협회에 기증하여 재능 있는 독주자들이 사용할 수 있도록 했다. 이 시대의 또 다른 중요한 연주자인 버트램 투레츠키는 300개 이상의 더블베이스 작품을 위촉하고 초연했다.
1970년대, 1980년대, 1990년대에는 니노 로타, 앨런 리다웃, 장 프랑세, 프랭크 프로토, 아이노유하니 라우타바라, 지안 카를로 메노티, 크리스토퍼 라우스, 헨리 브랜트 등의 작곡가들이 새로운 더블베이스 협주곡을 작곡했다. 피터 맥스웰 데이비스의 서정적인 스트래스클라이드 협주곡 제7번(더블베이스와 오케스트라를 위한)은 1992년 작품이다.
21세기 첫 10년 동안에도 프랭크 프로토, 칼레비 아호, 존 하비슨, 앙드레 프레빈, 존 울리치 등의 작곡가들이 새로운 더블베이스 협주곡을 발표했다.
레인홀트 글리에르는 더블베이스와 피아노를 위한 간주곡과 타란텔라, 전주곡과 스케르초를 작곡했다. 파울 힌데미트는 1949년 리듬이 어려운 더블베이스 소나타를 작곡했고, 프랭크 프로토는 1963년 더블베이스와 피아노를 위한 소나타를 작곡했다. 미에치스와프 바인베르크는 1971년 더블베이스 독주를 위한 소나타 제1번을 작곡했다. 지아친토 셸시는 1972년 "누이트(Nuits)"라는 두 개의 더블베이스곡을 작곡했고, 1976년에는 더블베이스, 콘트라바순 또는 투바와 같은 저음 악기를 위한 "막노간(Maknongan)"을 작곡했다. 빈센트 퍼시케티는 1974년 더블베이스를 위한 우화 XVII, 작품 131을 작곡했다. 소피아 구바이둘리나는 1975년 더블베이스와 피아노를 위한 소나타를 작곡했다. 1976년 미국의 미니멀리스트 작곡가 톰 존슨은 "실패 – 매우 어려운 현악 베이스 독주곡"을 작곡했는데, 이 곡은 연주자가 매우 기교적인 독주를 연주하면서 곡의 어려움과 실수 없이 연주를 완료할 가능성에 대한 텍스트를 낭송해야 하는 곡이다.
1977년 네덜란드-헝가리 작곡가 게자 프리드는 생상스의 《동물의 사육제》 중 "코끼리"를 바탕으로 스코르다투라 더블베이스와 현악 오케스트라를 위한 변주곡 세트를 작곡했다. 1987년 로웰 리버만은 콘트라베이스와 피아노를 위한 소나타 작품 24번을 작곡했다. 페르난도 그릴로는 더블베이스를 위한 "모음곡 제1번"(1983/2005)을 작곡했다. 제이콥 드러크먼은 "발렌타인(Valentine)"이라는 더블베이스 독주곡을 작곡했다. 미국의 더블베이스 독주자이자 작곡가인 버트램 투레츠키는 자신을 위해 작곡된 300개가 넘는 작품을 연주하고 녹음했으며, 실내악, 바로크 음악, 클래식, 재즈, 르네상스 음악, 즉흥 음악 및 세계 음악을 작곡한다.
미국의 미니멀리스트 작곡가 필립 글래스는 팀파니와 더블베이스를 위해 저음역에 초점을 맞춘 전주곡을 작곡했다. 1930년대부터 21세기 첫 10년까지 작곡 활동을 한 이탈리아 작곡가 실바노 부소티는 1983년 "벌거벗은 천사의 얼굴, 콘트라베이스를 위하여(Naked Angel Face per contrabbasso)"라는 베이스 독주곡을 작곡했다. 같은 해 이탈리아 작곡가 프랑코 도나토니는 "렘, 콘트라베이스를 위하여(Lem for contrabbasso)"라는 곡을 작곡했다. 1989년 프랑스 작곡가 파스칼 뒤사팽은 더블베이스를 위한 "인 앤 아웃(In et Out)"이라는 독주곡을 작곡했다. 1996년 레바논 작곡가 카림 하다드는 라디오 프랑스의 프레즌스 페스티벌을 위해 "성스러운 그림자 속에서 자는 자(Ce qui dort dans l'ombre sacrée)"를 작곡했다. 르노 가르시아-폰스는 프랑스의 더블베이스 연주자이자 작곡가로, 재즈, 민속 음악 및 아시아 음악을 활용하여 "오리엔탈 베이스(Oriental Bass)"(1997)와 같은 작품을 녹음한 것으로 유명하다.
최근 더블베이스를 위해 작곡된 중요한 작품으로는 마리오 다비도브스키의 더블베이스와 전자음을 위한 동시성 제11번과 엘리엇 카터의 더블베이스 독주를 위한 피그먼트 III가 있다. 독일 작곡가 게르하르트 슈테이블러는 "…더블베이스 독주와 그랜드 오케스트라를 위한 음악"인 "코-위 코발트(Co-wie Kobalt)"(1989-90)를 작곡했다. 찰스 우오리넨은 더블베이스, 바이올린 및 콩가 드럼을 위한 "스핀오프(Spinoff)" 삼중주, 더블베이스, 투바 및 베이스 트롬본을 위한 "관악기를 위한 삼중주", 그리고 2007년 더블베이스, 호른, 오보에와 클라리넷, 팀파니와 현악기를 위한 "시낙시스(Synaxis)"를 포함한 몇몇 중요한 작품들을 레퍼토리에 추가했다. 우크라이나 작곡가 알렉산더 셰체틴스키의 더블베이스와 피아노를 위한 모음곡 "일곱 개의 스크린 샷"(2005)은 많은 비전통적인 연주법을 포함하는 독주 베이스 파트를 가지고 있다. 독일 작곡가 클라우스 퀴놀은 더블베이스와 피아노를 위해 "오픈 익스팬스(Offene Weite / Open Expanse)"(1998)와 "나흐트슈바르체스 메어, 링숨… (Nachtschwarzes Meer, ringsum…)"(2005)를 작곡했다. 1997년 조엘 쿼링턴은 미국/캐나다 작곡가 레이먼드 루데케에게 "더블베이스와 오케스트라를 위한 협주곡"을 작곡하도록 의뢰했고, 토론토 심포니 오케스트라, 사스카툰 심포니 오케스트라, 노바스코샤 심포니 오케스트라와 함께 연주했다.[33] 작곡가 레이먼드 루데케는 또한 더블베이스, 플루트, 비올라와 내레이션을 위한 작품인 "질문의 책(The Book of Questions)"을 작곡했는데, 이 작품의 텍스트는 파블로 네루다의 작품이다.[34]
2004년 이탈리아 더블베이스 연주자이자 작곡가인 스테파노 스코다니비오는 루치아노 베리오의 2002년 첼로 독주곡인 《세퀀자 XIV》를 《세퀀자 XIVb》라는 새로운 제목으로 더블베이스 편곡했다.
- 프랑수아 라바(1931~) 거장, 작곡가
- 게리 카(1941~) 거장
- 에드가 마이어(1960~) 거장, 작곡가, 교수
3. 구조
콘트라베이스는 바이올린 계열 악기와 비올라 다 감바 계열 악기의 특징을 모두 가지고 있다.
일반적인 콘트라베이스는 지판 끝에서 꼬리핀까지 약 180cm 정도의 높이이다. 전통적인 "풀사이즈"(4/4 사이즈) 베이스는 지판 끝에서 꼬리핀까지 약 189.99cm인 반면, 현대에서 가장 널리 사용되는 크기인 3/4 사이즈 베이스는 지판 끝에서 꼬리핀까지 약 181.86cm이다.[9][10] 연주자의 키와 손 크기에 맞춰 1/2 사이즈나 1/4 사이즈 등 다양한 크기의 콘트라베이스도 있다. 1/2 베이스는 4/4 베이스 길이의 절반이 아니고, 약 15% 정도 작다.[11]
콘트라베이스는 보통 뒷판에 메이플(단풍나무), 앞판에 스프루스(가문비나무), 지판에 에보니(흑단)를 사용하는 등 여러 종류의 목재로 제작된다. 이 악기가 비올라 다 감바의 후손인지 바이올린의 후손인지는 불확실하지만, 전통적으로 바이올린 계열에 속한다. 콘트라베이스는 다른 바이올린 계열 악기와 제작 방식이 거의 동일하지만, 오래된 비올 계열에서 발견되는 특징도 가지고 있다.
개방현의 음은 E1, A1, D2, G2이며, 어쿠스틱 또는 일렉트릭 베이스 기타와 같다. 그러나 목재의 공명, 바이올린과 유사한 제작 방식, 긴 스케일 길이 덕분에 콘트라베이스는 베이스 기타보다 훨씬 풍부한 음색을 낸다. 또한 활을 사용할 수 있으며, 프렛이 없는 지판은 부드러운 글리산도와 레가토를 가능하게 한다.
| 바이올린 형태 | 부제토 형태 | |
|---|---|---|
 |  |
콘트라베이스의 몸체는 조롱박 모양이며 목이 달려 있다. “감바형”, “바이올린형”, “부제토형” 등으로 형태가 다양하다. 중앙의 잘록한 부분은 옛 활줄 악기에서 활 사용에 지장이 없도록 한 흔적이다. 앞판과 뒷판은 독립되어 있으며, 앞판은 곡면이다. 뒷판은 곡면인 라운드백(roundback)과 평면인 플랫백(flatback) 두 가지 구조가 있다. 플랫백 뒷판 안쪽에는 라운드백에는 없는 힘목(브레이스)이 접착되어 있다. 바이올린이나 비올라, 첼로와 달리 어깨가 완만한데, 이는 비올라 다 감바 계열의 흔적이며, 이 때문에 높은 위치에서 연주하기 쉽다. 駒는 활로 특정 현을 긁는 데 적합하도록 현이 닿는 위치가 곡면이지만, 형태의 비율은 다른 바이올린 계열에 비해 높다. 꼬리 부분에는 엔드핀이 있어 이것을 바닥에 꽂고 연주한다.
바이올린 구조와 마찬가지로, 駒의 고음 현 쪽 다리가 닿는 위치에서 앞판 뒷면에 소울(魂柱)이라는 기둥이 서 있으며, 앞판과 뒷면에 닿아 있다. 駒의 저음 현 쪽 다리가 닿는 위치에서 앞판 뒷면에 바스 바(bass bar)라는 힘목(브레이스)이 붙어 있다. 현의 진동은 소울을 지점으로 하여 지렛대 원리에 의해 증폭되어, 주로 바스 바에 의해 앞판 전체를 진동시킨다. 또한 그 일부의 진동은 소울을 통해 뒷판에 전달되어 공명통 전체가 진동한다. 목에서 駒를 거쳐 악기 꼬리 부분의 현 고정 장치까지 현이 매어져 있으며, 현을 누르기 위한 지판이 붙어 있다.
전체 길이는 약 170~200cm 정도이며, 현의 유효 길이도 약 95~120cm 정도이다. 공명통 용적에 따라 3/4, 1/2 등 작은 크기의 악기가 체격이 작은 여성이나 어린이용으로 생산된다. 국가에 따라 기준 크기가 달라 유럽의 3/4 사이즈가 일본의 4/4(풀 사이즈)에 해당한다.
3. 1. 몸체
콘트라베이스의 몸체는 크게 바이올린 형태와 비올라 다 감바 형태, 그리고 덜 일반적인 "부세토" 형태로 나뉜다. 더욱 드문 형태로는 "기타" 또는 "배" 형태도 있다. 악기 뒷면은 둥글게 조각된 형태(바이올린과 유사)와 평평하고 각진 형태(비올 계열과 유사)로 다양하다.[1]콘트라베이스는 현을 지탱하는 나무로 조각된 브릿지, 두 개의 f홀, 현의 볼 엔드가 삽입되는 테일피스(테일피스는 엔드핀 마운트 주위에 고정됨), 페그박스 근처의 장식적인 스크롤, 지판과 페그박스의 연결 부분에 각 현의 홈이 있는 너트, 그리고 악기 상판의 진동을 중공 바디로 전달하고 현의 장력을 지탱하는 튼튼하고 두꺼운 소리판 등 바이올린 계열 악기와 유사한 많은 부분을 가지고 있다.[1]
콘트라베이스는 또한 어깨가 일반적으로 경사지고 뒷면이 종종 각도가 지는 점에서(특히 고음역에서 악기에 더 쉽게 접근할 수 있도록) 바이올린 계열 악기와 다르다. 기계식 조율기가 항상 장착된다는 점도 다르다.[1] 디자인의 표준화가 부족하여 콘트라베이스마다 소리와 외관이 매우 다를 수 있다.[1]
공명통은 조롱박 모양이며 목이 달려 있다. 형태에 따라 “감바형”, “바이올린형”, “부제토형” 등의 변형이 있다. 중앙의 잘록한 부분은 옛 활줄 악기에서 활 사용에 지장이 없도록 한 흔적이다.[4]
바이올린과 마찬가지로 앞판과 뒷판은 독립되어 있으며, 앞판은 곡면이다. 단, 곡면의 뒷판을 가진 라운드백(roundback)과 평면의 뒷판을 가진 플랫백(flatback)이라는 두 가지 구조가 존재한다. 플랫백 뒷판 안쪽에는 라운드백에는 없는 힘목(브레이스)이 접착되어 있다. 바이올린이나 비올라, 첼로와 달리 어깨가 완만한데, 이는 비올라 다 감바 계열의 흔적이며, 이로 인해 높은 위치에서의 연주가 용이해진다. 駒는 활로 특정 현을 긁는 데 적합하도록 현이 닿는 위치가 곡면이지만, 형태의 비율은 다른 바이올린 계열에 비해 높다. 꼬리 부분에는 엔드핀이 있어 이것을 바닥에 꽂고 연주한다.[4]
바이올린의 구조와 마찬가지로, 駒의 고음 현 쪽 다리가 접촉하고 있는 위치에서 앞판의 뒷면에 닿도록 소울(魂柱)이라고 하는 기둥이 서 있으며, 앞판과 뒷면에 접해 있다. 駒의 저음 현 쪽 다리가 접촉하고 있는 위치에서 앞판의 뒷면에 닿도록 바스 바(bass bar)라고 하는 힘목(브레이스)이 접착되어 있다. 현의 진동은 소울을 지점으로 하여 지렛대 원리에 의해 진동이 증폭되어, 주로 바스 바에 의해 앞판 전체를 진동시킨다. 또한 그 일부의 진동은 소울을 통해 뒷판에 전달되어 공명통 전체가 진동하는 것이다. 목에서 駒를 거쳐 악기의 꼬리 부분의 현고정 장치까지 현이 매어져 있으며, 현을 누르기 위한 지판이 붙어 있다.[4]
전체 길이는 약 170cm~200cm 정도이며, 현의 유효 길이도 약 95cm~120cm 정도로, 각각 전체의 약 2할이나 차이가 있으며, 이 비율은 다른 순수한 바이올린 계열 악기보다 훨씬 크다. 또한 공명통의 용적에 따라 3/4, 1/2 등 작은 크기의 악기가 체격이 작은 여성이나 어린이용으로 생산되고 있다. 또한 국가에 따라 기준 크기가 달라 유럽의 3/4 사이즈가 일본의 4/4(풀 사이즈)에 해당한다.[4]
3. 2. 구성 요소
콘트라베이스의 디자인은 크게 바이올린 형태와 비올라 다 감바 형태로 나뉜다. 이 외에도 덜 일반적인 "부세토" 형태나 "기타" 또는 "배" 형태도 있다. 악기 뒷면은 둥글게 조각된 형태(바이올린과 유사)와 평평하고 각진 형태(비올 계열과 유사)로 나뉜다.콘트라베이스는 다음과 같은 구성 요소를 가지고 있다.
- 나무로 조각된 브릿지: 현을 지탱한다.
- f홀: 두 개가 있다.
- 테일피스: 현의 볼 엔드가 삽입되며, 엔드핀 마운트 주위에 고정된다.
- 스크롤: 페그박스 근처의 장식이다.
- 너트: 지판과 페그박스 연결 부분에 있으며, 각 현의 홈이 있다.
- 소리판: 악기 상판의 진동을 중공 바디로 전달하고 현의 장력을 지탱하는 튼튼하고 두꺼운 부분이다.
콘트라베이스는 비올 계열 악기, 특히 비올로네의 영향을 받았다고 볼 수 있다. 예를 들어, 콘트라베이스는 비올처럼 4도 간격으로 조율되며, '어깨'가 목과 만나는 부분이 곡선이다. 활로 연주하는 악기이기 때문에 브릿지는 활 모양의 곡선 형태를 하고 있다. 평평한 브릿지를 사용하면 A현과 D현을 개별적으로 활로 연주하기 어렵다.
콘트라베이스는 어깨가 경사지고 뒷면이 각진 경우가 많다(특히 고음역에서 악기에 쉽게 접근하기 위해). 기계식 조율기가 항상 장착된다는 점도 다른 바이올린 계열 악기와의 차이점이다. 디자인의 표준화가 부족하여 콘트라베이스마다 소리와 외관이 매우 다를 수 있다.
콘트라베이스는 비올론과도 유사하지만, 지판에 프렛이 없고, 현의 개수가 더 적다. 고급 악기의 지판은 에보니로 만들어지지만, 저렴한 악기에는 다른 목재를 사용하고 검정색으로 페인트하거나 염색하기도 한다. 지판은 브릿지와 마찬가지로 곡선으로 제작된다. 평평한 지판과 브릿지는 안쪽 두 현을 개별적으로 활로 연주하기 어렵게 만들기 때문이다. 첼로와 마찬가지로 콘트라베이스의 지판은 E현(첼로의 C현) 아래쪽이 다소 평평하게 되어 있는데, 이를 롬베르크 베벨이라 한다. 대부분의 지판은 연주자가 조정할 수 없으며, 악기 제작자가 조정해야 한다. 소수의 고가 전문가용 베이스에는 조정 가능한 지판이 있다.
콘트라베이스와 바이올린 계열 악기의 중요한 차이점은 페그박스와 조율 메커니즘의 구조이다. 콘트라베이스는 금속 머신 헤드와 기어를 사용하여 조율한다. 조율 페그는 목재 페그와 페그 구멍 사이의 마찰이 충분하지 않아 제자리에 고정되지 않을 수 있기 때문이다. 콘트라베이스 조율 기계의 키는 금속 '웜'을 회전시켜 현을 감는 웜 기어를 구동한다. 키를 돌리는 방향에 따라 현의 장력과 음높이가 조절된다. 이러한 발전으로 인해 테일피스의 파인 튜너는 불필요해졌지만, 소수의 베이시스트는 여전히 사용한다. 콘트라베이스 바닥에는 끝이 스파이크형 또는 고무 처리된 금속 막대인 엔드핀이 있으며, 바닥에 놓인다. 엔드핀은 첼로보다 더 두껍고 견고하다.
완전히 조각된 베이스는 메이플(뒷판, 목, 측판), 스프러스(상판), 에보니(지판, 테일피스)를 사용하여 제작된다. 저렴한 베이스는 라미네이트(합판) 상판, 뒷판, 측판으로 제작되거나, 라미네이트 뒷판과 측판, 조각된 솔리드 우드 상판으로 제작된 하이브리드 모델이다. 버드나무로 만들어진 중저가 베이스도 있으며, 유리섬유나 탄소 섬유로 제작된 베이스도 있다.
사운드포스트와 베이스 바는 내부 구조의 구성 요소이다. 콘트라베이스의 모든 부분은 접착제로 접합되지만, 사운드포스트, 브릿지, 테일피스는 현의 장력으로 고정된다. 사운드포스트가 떨어지면 악기 제작자가 F홀에 삽입된 도구를 사용하여 다시 제자리에 넣어야 한다. 브릿지 아래 사운드포스트의 정확한 위치는 악기가 최상의 소리를 내는 데 필수적이다. 기본적인 브릿지는 각 악기 상판 모양에 맞게 사용자 지정된 나무 조각으로 만들어진다. 전문 베이시스트는 금속 나사 메커니즘이 있는 조절 가능한 브릿지를 사용할 가능성이 더 높다. 금속 조율 기계는 금속 나사로 페그박스 측면에 부착된다. 일부 베이스는 첼로나 비올린의 조율 페그를 모방하여 페그박스 측면에서 돌출되는 비기능적인 장식용 조율 페그를 가지고 있다.
더블베이스의 역사는 현 기술의 발전과 관련이 깊다. 감은 양줄 현의 출현[6]은 이 악기를 더욱 실용적으로 만들었다. 감은 현은 감겨있지 않은 현보다 더 작은 직경으로 저음을 낼 수 있다.[18]
20세기 이전에는 더블베이스 현은 양장으로 만들어졌지만, 강철이 대부분 대체했다. 강철 현은 음정을 더 잘 유지하고 활로 연주할 때 더 큰 소리를 낸다.[19][20][21] 양줄 현은 습도와 온도 변화에 더 취약하고 강철 현보다 더 쉽게 끊어진다.
오늘날 양줄 현은 바로크 앙상블, 로큰빌 밴드, 전통 블루스 밴드 및 블루그래스 밴드에서 주로 사용된다. 경우에 따라 저음 E와 A 현은 은으로 감는다. 양줄 현은 1940년대와 1950년대 녹음에서 들리는 어둡고 "쿵쿵거리는" 소리를 제공한다. 로큰빌과 블루그래스 베이시스트들은 양줄 현으로 슬래핑 연주 스타일을 연주하기 더 쉽기 때문에 선호한다. 양줄 현의 저렴한 대안으로 나일론 현이 있다.
양줄에서 강철로의 변화는 악기 연주 기법에도 영향을 미쳤다. 강철 현은 지판에 더 가깝게 설치할 수 있으며, 저음 현에서 더 높은 위치에서 연주해도 선명한 음색을 낼 수 있다. 현대 강철 현, 특히 더 가벼운 게이지의 낮은 장력 강철 현을 사용하면 베이시스트는 저음 E와 A 현의 높은 위치에서도 선명한 음색으로 연주할 수 있다.
콘트라베이스의 최저음은 표준 4현 베이스의 경우 약 41 Hz의 E₁이며, 5현을 사용하는 경우 C₁(약 33 Hz) 또는 B₀(약 31 Hz)이다. 악기 지판 범위 상단은 일반적으로 G현(G₂)의 개방현 음보다 2옥타브와 5도 높은 D₅ 근처이다. 지판 끝을 넘어 연주하려면 현을 약간 옆으로 당길 수 있다.
콘트라베이스 교향곡 파트에서는 연주자가 배음(플라졸레트 음)을 연주해야 하는 경우가 있다. 베이시스트는 현을 가볍게 닿게 한 다음 현을 튕기거나 활로 긋는다. 활로 긋는 배음은 현대 음악에서 그 "유리 같은" 소리 때문에 사용된다. 자연 배음과 인공 배음은 악기의 범위를 확장한다.
표준 고전 레퍼토리의 오케스트라 파트는 콘트라베이스가 E₁에서 G₃까지 2옥타브와 단3도 범위를 초과하는 것을 거의 요구하지 않는다. 표준 레퍼토리에는 가끔 A₃가 나타난다(예외는 오르프의 ''카르미나 부라나''이다). 20세기와 21세기 오케스트라 파트에서는 상한 범위가 확장된다(예: 프로코피예프의 ''키제 중위 모음곡'' 베이스 독주). 비르투오조 독주자가 자연 배음과 인공 배음을 사용하여 달성할 수 있는 상한 범위는 연주자의 기술에 따라 달라진다.
5현 악기에는 일반적으로 E현 아래의 저음 B(B₀)로 조율된 추가 현이 있다. 드물게 G현 위의 C(C₃)로 조율된 더 높은 현이 추가되기도 한다. 4현 악기는 E현의 범위를 C₁ (때로는 B₀)까지 아래로 확장하는 C 확장을 특징으로 할 수 있다.
전통적으로 콘트라베이스는 옮겨적는 악기이다. 콘트라베이스의 범위 대부분은 표준 베이스 음자리표 아래에 있으므로, 실제 음보다 옥타브 높게 표기된다. 따라서 콘트라베이스 연주자와 첼리스트가 결합된 베이스-첼로 파트에서 연주할 때, 베이스는 첼로보다 1옥타브 낮게 연주한다. 이 옮겨적기는 베이스 연주자가 테너 및 트레블 음자리표(독주 연주와 일부 오케스트라 파트에 사용됨)를 읽을 때에도 적용된다. 테너 음자리표는 작곡가가 첼로와 저음 관악 파트에 사용하기도 한다. 테너 또는 트레블 음자리표를 사용하면 악기의 상한 범위를 표기할 때 직선을 과도하게 사용하는 것을 피할 수 있다. 다른 표기법 전통도 있다. 이탈리아 독주 음악은 일반적으로 실제 음높이로 작성되며, "옛" 독일 방식은 트레블 음자리를 제외하고는 표기된 곳보다 옥타브 낮은 음으로 연주되었다. 음악은 음높이에 맞춰 작성되었다.
콘트라베이스는 다른 오케스트라 현악기들이 5도(완전5도) 간격으로 조율되는 것과 달리, 일반적으로 4도(완전4도) 간격으로 조율된다. 콘트라베이스의 표준 조율법(가장 낮은 음에서 가장 높은 음 순)은 E-A-D-G이다. 이는 베이스 기타의 표준 조율과 같으며, 표준 기타 조율의 가장 낮은 네 개의 현보다 한 옥타브 낮다. 19세기 이전에는 많은 콘트라베이스가 세 개의 현만 가지고 있었다. 카탈루냐(Catalonia)의 많은 코블라(cobla) 밴드에서는 여전히 A-D-G로 조율된 전통적인 3현 콘트라베이스를 사용하는 연주자들이 있다.[25]
고전 음악(Classical music) 레퍼토리 전반에 걸쳐 표준 콘트라베이스의 음역보다 낮은 음표들이 있다. 바로크 음악(Baroque music)에서 두드러지며 고전파(Classical period (music)) 시대에 콘트라베이스는 일반적으로 첼로 파트를 한 옥타브 낮게 연주했는데, 때때로 4현 콘트라베이스의 E 아래 C까지 내려가는 것이 필요했다. 낭만파 음악(Romantic music) 시대와 20세기에 바그너, 말러, 부소니, 프로코피예프와 같은 작곡가들도 낮은 E 아래의 음표들을 요구했다.
표준 콘트라베이스(E-A-D-G)를 사용하는 연주자는 "E" 아래의 음표를 한 옥타브 높게 연주하거나, 전체 악절을 한 옥타브 높게 바꿔서 연주할 수 있다. 또는 곡에서 필요한 가장 낮은 음표(D 또는 C)로 낮은 E 현을 조율할 수 있다. 4현 베이스에는 "낮은 C 확장 현"을 장착할 수 있다(아래 참조). 또는 추가로 낮은 현을 C로(혹은 현대에는 더 일반적으로 B로) 조율한 5현 악기를 사용할 수 있는데, 이 현은 중간 C(middle C)보다 3옥타브와 반음(semitone) 낮다. 몇몇 주요 유럽 오케스트라에서는 5현 베이스를 사용한다.[26]
대부분의 전문 오케스트라 연주자들은 C 확장부가 있는 4현 콘트라베이스를 사용한다.[27] 이것은 베이스 헤드에 장착된 추가적인 지판 부분으로, 최저 현 아래로 지판을 확장하여 4개의 반음을 더 내려갈 수 있게 해준다. 최저 현은 일반적으로 첼로 최저음보다 한 옥타브 낮은 C1로 조율되는데, 이는 베이스 파트가 첼로 파트를 한 옥타브 낮게 더블링하는 경우가 매우 흔하기 때문이다. 드물게 이 현은 낮은 B0로 조율될 수도 있는데, 레스피기의 ''로마의 소나무''와 같이 오케스트라 레퍼토리에 이러한 B 음을 요구하는 몇몇 작품들이 있기 때문이다. 희귀한 경우지만, 일부 연주자들은 최저음이 B인 저음 B 확장부를 가지고 있다. 확장부에는 여러 가지 종류가 있다.
가장 간단한 기계식 확장부는 E 음을 위한 잠금 너트 또는 "게이트"를 제외하고는 지판 확장부에 부착된 기계적 보조 장치가 없다. 확장음을 연주하려면 연주자는 스크롤 아래쪽 영역을 넘어 손을 뻗어 현을 지판에 누른다. 이러한 "핑거드" 확장부의 장점은 연주자가 확장부의 모든 스톱드 노트의 음정을 조정할 수 있으며, 금속 키와 레버에서 나는 기계적인 소음이 없다는 것이다. "핑거드" 확장부의 단점은 G1과 D1 사이를 빠르게 번갈아 연주하는 베이스 라인과 같이 확장부의 저음과 일반 지판의 음표 사이를 빠르게 번갈아 연주하기 어려울 수 있다는 것이다.
가장 간단한 기계적 보조 장치는 C, D, E, 또는 E 음을 누르고 프렛팅할 수 있는 나무 "핑거" 또는 "게이트"를 사용하는 것이다. 이 시스템은 낮은 D와 같은 반복되는 페달 포인트가 있는 베이스 라인에 특히 유용하다.
확장부에 사용되는 가장 복잡한 기계적 보조 장치는 ''머신''이라는 별명의 기계식 레버 시스템이다. 이 레버 시스템은 일반 지판 옆(너트 근처, E 현 쪽)에 레버를 장착하여 확장 지판의 금속 "핑거"를 원격으로 작동시킨다. 가장 비싼 금속 레버 시스템은 연주자가 확장 지판의 음표를 "잠글" 수 있는 기능도 제공한다. 이러한 장치에 대한 한 가지 비판은 원치 않는 금속성 클릭 소음이 발생할 수 있다는 것이다.
나무 "핑거" 확장부 또는 금속 "핑거" 머신 확장부의 기계식 "핑거"가 고정되거나 누르면 손가락으로 연주하는 확장부에서 가능한 것처럼 미세 음정 조정이나 글리산도 효과를 내기 어렵다.
최저 현이 일반적으로 B0인 5현 베이스는 낮은 A를 제공하는 2개 반음 확장부 또는 매우 드문 낮은 G 확장부를 사용할 수 있다.
| 바이올린 형태 | 부제토 형태 | |
|---|---|---|
공명통은 조롱박 모양이며 목이 달려 있다. 형태에 따라 “감바형”, “바이올린형”, “부제토형” 등으로 변형이 있다. 중앙의 잘록한 부분은 옛 활줄 악기에서 활 사용에 지장이 없도록 한 흔적이다.
바이올린과 마찬가지로 앞판과 뒷판은 독립되어 있으며, 앞판은 곡면이다. 단, 곡면의 뒷판을 가진 라운드백(roundback)과 평면의 뒷판을 가진 플랫백(flatback)이라는 두 가지 구조가 존재한다. 플랫백 뒷판 안쪽에는 라운드백에는 없는 힘목(브레이스)이 접착되어 있다. 바이올린이나 비올라, 첼로와 달리 어깨가 완만한데, 이는 비올라 다 감바 계열의 흔적이며, 이로 인해 높은 위치에서의 연주가 용이해진다. 駒는 활로 특정 현을 긁는 데 적합하도록 현이 닿는 위치가 곡면이지만, 형태의 비율은 다른 바이올린 계열에 비해 높다. 꼬리 부분에는 엔드핀이 있어 이것을 바닥에 꽂고 연주한다.
바이올린의 구조와 마찬가지로, 駒의 고음 현 쪽 다리가 접촉하고 있는 위치에서 앞판의 뒷면에 닿도록 소울(魂柱)이라고 하는 기둥이 서 있으며, 앞판과 뒷면에 접해 있다. 駒의 저음 현 쪽 다리가 접촉하고 있는 위치에서 앞판의 뒷면에 닿도록 바스 바(bass bar)라고 하는 힘목(브레이스)이 접착되어 있다. 현의 진동은 소울을 지점으로 하여 지렛대 원리에 의해 진동이 증폭되어, 주로 바스 바에 의해 앞판 전체를 진동시킨다. 또한 그 일부의 진동은 소울을 통해 뒷판에 전달되어 공명통 전체가 진동하는 것이다. 목에서 駒를 거쳐 악기의 꼬리 부분의 현고정 장치까지 현이 매어져 있으며, 현을 누르기 위한 지판이 붙어 있다.
전체 길이는 약 170~200cm 정도이며, 현의 유효 길이도 약 95~120cm 정도이다. 또한 공명통의 용적에 따라 3/4, 1/2 등 작은 크기의 악기가 체격이 작은 여성이나 어린이용으로 생산되고 있다. 또한 국가에 따라 기준 크기가 달라 유럽의 3/4 사이즈가 일본의 4/4(풀 사이즈)에 해당한다.
3. 3. 크기
일반적인 콘트라베이스는 지판 끝에서 꼬리핀까지 약 180cm 정도의 높이이다. 현대에 가장 널리 사용되는 크기는 3/4 사이즈 베이스로, 지판 끝에서 꼬리핀까지 약 181.86cm이다.[9][10] 1/2 사이즈나 1/4 사이즈와 같이 연주자의 키와 손 크기에 맞는 다양한 크기의 콘트라베이스도 있다. 1/2 베이스는 4/4 베이스 길이의 절반이 아니고, 약 15% 정도 작다.[11]전체 길이는 약 170~200cm 정도이며, 현의 유효 길이도 약 95~120cm 정도로, 각각 전체의 약 2할이나 차이가 있으며, 이 비율은 다른 순수한 바이올린 계열 악기보다 훨씬 크다. 또한 공명통의 용적에 따라 3/4, 1/2 등 작은 크기의 악기가 체격이 작은 여성이나 어린이용으로 생산되고 있다. 국가에 따라 기준 크기가 달라 유럽의 3/4 사이즈가 일본의 4/4(풀 사이즈)에 해당한다.
4. 조율
콘트라베이스는 19세기 초까지 현의 수와 조율이 다양했지만, 현재는 4현 또는 5현 악기로 거의 통일되었다. 콘트라베이스는 비올족의 영향을 받아 바이올린족의 5도 간격이 아닌 4도 간격으로 조율된다.
클래식 독주 연주에서는 일반적으로 온음 높게 조율하는 "독주 조율"을 사용하며, 일반적인 조율은 "오케스트라 조율"이라고 한다. 독주 조율 현은 보통 일반 현보다 가늘고, 현의 장력 차이가 커서 별도의 현 세트를 사용한다. 독주 조율과 오케스트라 조율용 악보는 각각 다르게 편곡되며, 쿠세비츠키 협주곡과 같은 일부 독주곡은 두 가지 조율 모두에서 연주할 수 있다.
일부 현대 작곡가들은 스코르다투라를 사용하기도 하는데, 이는 개방현의 음높이를 변경하여 페달 포인트와 배음으로 사용할 수 있는 음표를 추가하는 것이다.
동유럽 일부 지역에서는 독주 조율의 변형으로 (A1–D2–G2–C3) 조율을 사용하며, 이는 오케스트라 조율에서 낮은 E 현을 빼고 높은 C 현을 더한 것이다. 멕시코의 톨롤로체도 이와 같은 조율을 사용한다.
5현 베이스 연주자는 높은 C 현이나 낮은 B 현을 추가할 수 있으며, 추가된 현의 장력을 고려하여 지판과 탑이 더 넓고 두꺼워진다. 6현 더블베이스는 높은 C와 낮은 B음을 모두 갖추어 솔로 및 오케스트라 연주에 유용하다.
4. 1. 일반 조율
일반적인 조율은 4현의 경우, 높은 쪽부터 중앙 C의 옥타브와 완전4도 아래의 G(솔), 그리고 완전4도 간격으로 D(레), A(라), E(미)이며, 각각 제1현=G현, 제2현=D현, 제3현=A현, 제4현=E현이라고 부른다.[69] 5현의 경우에는 더 낮은 현으로 제5현을 더 갖추고 있으며, 레스피기의 경우는 H(시) 또는 베토벤의 경우는 C(도)로 조율한다.
실제 음은 1옥타브(솔로 튜닝에서는 단7도) 낮다.
- 오케스트라 튜닝 - 가장 낮은 음의 현부터 E, A, D, G음으로 하며, 줄과 줄 사이의 음정은 완전 4도이다.
- 솔로 튜닝 - 오케스트라 튜닝보다 장2도 높게 튜닝하여 낮은 순서대로 F#, B(H), E, A음이 된다. 독주인 경우에는 이보다 장2도 높게 조율하는 경우가 있다. 콘트라베이스의 파가니니라고도 불리는 이탈리아의 베이스 연주자, 보테시니가 고안한 이 조율법을 「솔로 튜닝」이라고 부르며, 빛나고 잘 울리는 독주에 적합한 음질로 변한다. 다소 가늘게 만들어진 현(일명 「솔로 현」)을 사용하는 경우도 많다.
일반적으로 조율은 D현 또는 A현부터 시작하여, 플라졸레트(배음)을 사용하여 인접한 현들을 맞춘다.
4현 콘트라베이스에는 가장 낮은 현의 음을 E에서 C까지 각 음으로 바꿀 수 있도록 하는 장치(C장치)를 장착한 것도 있다.[69] 그 경우, 첼로의 최저음보다 1옥타브 낮은 음까지 낼 수 있다.
4. 2. 독주 조율
일반적으로 4현 콘트라베이스의 조율은 높은 쪽부터 중앙 C의 옥타브와 완전4도 아래의 G(솔), D(레), A(라), E(미) 순서이며, 각각 제1현=G현, 제2현=D현, 제3현=A현, 제4현=E현이라고 부른다.[69] 5현 콘트라베이스는 제5현을 추가하여 더 낮은 음을 낼 수 있는데, 레스피기의 경우 H(시), 베토벤의 경우 C(도)로 조율한다.[69]독주 시에는 이보다 장2도 높게 조율하는 「솔로 튜닝」을 사용하기도 한다.[69] 이는 이탈리아의 베이스 연주자 보테치니가 고안한 조율법으로, 빛나고 잘 울리는 독주에 적합한 음질을 낸다. 솔로 튜닝 시에는 다소 가늘게 만들어진 현(일명 「솔로 현」)을 사용하는 경우도 많다.[69]
일반적으로 조율은 D현 또는 A현부터 시작하여, 플라졸레트(배음)을 사용하여 인접한 현들을 맞춘다.[69]
4. 3. C 확장
4현 콘트라베이스에는 가장 낮은 현의 음을 E에서 C까지 각 음으로 바꿀 수 있도록 하는 장치(C장치)[69]가 장착되기도 한다. 이 경우, 첼로의 최저음보다 1옥타브 낮은 음까지 낼 수 있다.4. 4. 기타 조율
일반적인 조율은 4현의 경우, 높은 쪽부터 중앙 C의 옥타브와 완전4도 아래의 G(솔), 그리고 완전4도 간격으로 D(레), A(라), E(미)이며, 각각 제1현=G현, 제2현=D현, 제3현=A현, 제4현=E현이라고 부른다. 5현의 경우에는 더 낮은 현으로 제5현을 더 갖추고 있으며, 레스피기의 경우는 H(시) 또는 베토벤의 경우는 C(도)로 조율한다.[69]독주인 경우에는 이보다 장2도 높게 조율하는 경우가 있는데, 이 조율법을 「솔로 튜닝」이라고 부르며, 빛나고 잘 울리는 독주에 적합한 음질로 변한다. 다소 가늘게 만들어진 현(일명 「솔로 현」)을 사용하는 경우도 많다.[69]
일반적으로 조율은 D현 또는 A현부터 시작하여, 플라졸레트(배음)을 사용하여 인접한 현들을 맞춘다.[69]
4현 콘트라베이스에는 가장 낮은 현의 음을 E에서 C까지 각 음으로 바꿀 수 있도록 하는 장치(C장치)를 장착한 것도 있다. 그 경우, 첼로의 최저음보다 1옥타브 낮은 음까지 낼 수 있다.[69]
5. 연주
콘트라베이스는 다른 현악기처럼 활(아르코)을 사용하거나 현을 튕기는(피치카토) 방식으로 연주한다. 활을 사용할 때는 전통적인 방식 외에 활의 나무 부분을 현에 대고 치는 방식으로 연주할 수도 있다. 오케스트라 레퍼토리와 탱고 음악에서는 아르코와 피치카토가 모두 사용된다. 재즈, 블루스, 로커빌리에서는 현대 재즈의 일부 솔로 및 간헐적인 악보에 활 연주가 요구되는 경우를 제외하고는 피치카토가 일반적이다.[10]
악기의 가장 낮은 음역에서 활로 연주되는 음은 포르티시모(fortissimo)로 연주될 때 어둡고, 무겁고, 강력하거나, 심지어 위협적인 효과를 낸다. 그러나 섬세한 피아니시모(pianissimo)로 연주되는 동일한 저음은 울림이 있고 부드러운 반주 선율을 만들어낼 수 있다. 클래식 콘트라베이스 학생들은 현악 파트 연주자(예: 바이올린과 첼로)가 사용하는 데타셰(détaché), 레가토(legato), 스타카토(staccato), 스포르자토(sforzato), 마르텔레(martelé)("망치" 스타일), 술 폰티첼로(sul ponticello), 술 타스토(sul tasto), 트레몰로(tremolo), 스피카토(spiccato), 소틸레(sautillé) 등 다양한 활 아티큘레이션을 모두 배운다. 술 폰티첼로와 트레몰로를 결합하면 기괴하고 유령 같은 소리를 낼 수 있다.[10]
콘트라베이스는 프렛이 없는 악기이기 때문에, 활이나 손가락으로 현을 뜯거나 활을 대면 현이 눌린 위치 근처의 지판에 진동하면서 소리가 나는데, 이러한 잡음은 음색에 특징을 부여한다.[10]
록빌리 스타일은 핑거보드에서 "슬래핑" 기법을 사용하기 때문에 주법에 상당한 요구를 한다. 베이스 연주는 현의 장력이 상대적으로 높기 때문에 신체적으로 힘들 수 있다. 스케일 길이와 현 간격 때문에 핑거보드의 음 간격이 넓어서 연주자는 저음역의 음들을 연주할 때 손가락을 벌리고 있어야 하며, 베이스라인을 연주하기 위해 자주 포지션을 바꿔야 한다. 모든 프렛이 없는 현악기와 마찬가지로 연주자는 정확한 음높이를 내기 위해 손가락을 정확하게 놓는 법을 배워야 한다. 팔이 짧거나 손이 작은 베이시스트에게는 음 간격이 넓다는 점이 상당한 어려움을 줄 수 있는데, 특히 음 간격이 가장 넓은 최저음역에서 더욱 그렇다. 그러나 엄지 위치 연주법과 같은 연주 기법의 증가와 더 가벼운 게이지의 현을 낮은 장력으로 사용하는 것과 같은 베이스의 개조 등으로 악기 연주 난이도가 완화되었다.[10]
베이스 파트는 상대적으로 빠른 패시지, 더블 스톱 또는 넓은 음역대의 도약이 적다. 이러한 파트는 일반적으로 첼로 파트에 할당된다.[10]
5. 1. 자세
다른 현악기와 마찬가지로 오른손은 활을 이용해 연주하거나 줄을 튕겨 소리를 내고(피치카토), 왼손은 지판을 짚어 음정을 잡는 데 사용한다. 선 자세나 높은 의자에 앉은 자세로 연주한다. 현악합주나 오케스트라의 낮은음자리를 담당하나, 재즈나 포퓰러 음악에서는 마이크로폰의 효과를 이용하여 피치카토 주법을 주로 하며 단독으로 쓰인다.[1] 현악합주나 오케스트라의 경우 첼로의 옥타브 아래를 연주할 경우, 독립적인 효과를 낸다.[1] 또한 재즈인 경우 피치카토를 주로 한 솔로는 리듬 섹션으로 중요할 뿐만 아니라 독주자로서도 점차로 중요한 음악성이 요구되고 있다.[1] 피치카토는 G선이 가장 잘 울린다.[1]서서 연주할 경우, 세운 악기의 옆에 왼쪽 몸통을 대고 왼발과 허리의 왼쪽으로 악기를 지탱하는 경우가 많다. 각 현의 저음 연주에는 왼손의 손가락을 포지션(후술)에 두고, 엄지를 중지에 거의 마주보게 하여 목을 잡는다. 고음부에서는 엄지도 현을 누르는 데 사용하므로 현 위에 두고, 왼쪽 몸통으로 악기를 감싸 안듯이 한다.
교향곡 등 긴 곡을 연주할 때는 의자를 사용하는 경우가 많다. 의자는 앉았을 때와 섰을 때의 자세가 크게 다르지 않도록 높이가 적절한 것(전용으로 설계된 제품이 시판되고 있다)을 사용하며, 서서 연주할 때보다 악기를 약간 기울여 잡는 연주자도 많다.
5. 2. 활 연주 (아르코)
다른 현악기와 마찬가지로 콘트라베이스는 활(아르코(arco))을 사용하거나 현을 튕기는 방식(피치카토(pizzicato))으로 연주한다.[10] 활을 사용할 때는 전통적인 방식으로 사용하거나 활의 나무 부분을 현에 대고 치는 방식으로 연주할 수 있다. 관현악 모음곡 '행성' 등에서 사용되는, 활의 나무 부분을 사용하여 연주하는 콜 레뇨(コル・レーニョ)라는 연주법도 있다.
더블베이스 활은 두 가지 형태가 있다. "프랑스식" 또는 "오버핸드" 활은 모양과 사용법이 오케스트라 현악기의 다른 악기에 사용되는 활과 유사한 반면, "독일식" 또는 "버틀러" 활은 일반적으로 더 넓고 짧으며 "악수"(또는 "손톱톱") 자세로 잡는다.
이 두 활은 팔의 움직임과 현에 가해지는 힘과 무게의 분배 방식을 다르게 한다. 프랑스식 활의 지지자들은 연주자가 활을 잡는 각도 때문에 더욱 기동성이 뛰어나다고 주장한다. 독일식 활의 지지자들은 이 활을 사용하면 현에 더 많은 팔의 무게를 가할 수 있다고 주장한다. 그러나 숙련된 연주자에게는 두 활의 차이가 미미하며, 주요 오케스트라의 현대 연주자들은 두 활 모두를 사용한다.
독일식 활(때때로 버틀러 활이라고도 불림)은 두 가지 디자인 중 더 오래된 것이다. 활의 디자인과 쥐는 방법은 더 오래된 비올 악기 계열에서 유래한다. 개구리 부분에 활시위를 조이는 나사산이 생기기 전의 오래된 비올의 경우, 연주자는 활시위의 긴장도를 유지하기 위해 막대기와 활털 사이에 두 손가락을 넣고 활을 잡았다.[23] 독일식 활 사용을 지지하는 사람들은 독일식 활이 많은 힘을 필요로 하는 강한 활쓰기에 더 쉽다고 주장한다.
프랑스식 활과 비교하여 독일식 활은 개구리가 더 높고, 비올 악기 계열의 직립 악기처럼 손바닥이 위쪽으로 향하도록 잡는다. 전통적으로 올바른 방법으로 잡으면 엄지손가락으로 원하는 소리를 내는 데 필요한 힘을 가한다. 검지는 개구리와 막대기가 만나는 지점에서 활을 잡는다. 검지는 활을 기울일 때 개구리에 위쪽으로 토크를 가하기도 한다. 새끼손가락은 아래에서 개구리를 받치고, 약지와 중지는 활털과 막대기 사이에 놓인다.
프랑스식 활은 19세기 거장 조반니 보테시니에 의해 채택될 때까지 널리 사용되지 않았다. 이 스타일은 더 작은 현악기의 전통적인 활과 더 유사하다. 연주자의 옆구리에 손이 닿도록 손바닥이 베이스를 향하도록 잡습니다. 엄지는 개구리(frog) 옆 활대에 놓이고 다른 손가락들은 활의 반대쪽에 걸쳐 있다. 다양한 스타일은 손가락과 엄지의 곡률을 결정하며, 연주곡의 스타일도 영향을 미친다. 화려하거나 섬세한 곡에는 더욱 뚜렷한 곡선과 가벼운 활 잡기가 사용되는 반면, 더 평평한 곡선과 견고한 그립은 데타셰(détaché), 스피카토(spiccato), 스타카토(staccato)와 같은 활쓰기에서의 제어 용이성을 위해 약간의 힘을 희생한다.
활털에는 로진을 발라 마찰 계수를 높여 현을 문지른다. 사용되는 로진은 다른 현악기보다 점성이 높은 것을 사용하는 연주자가 많지만, 음질이나 연주감의 취향에 따라 다른 현악기의 것을 사용하는 연주자도 있다. 또한, 다른 현악기에는 거의 사용되지 않는 검은색 말총이 사용되는 경우도 있다.
5. 3. 손가락 연주 (피치카토)
재즈나 포퓰러 음악에서는 주로 피치카토 주법을 사용하며, 콘트라베이스는 단독 악기로도 활용된다.[10] 재즈에서 피치카토는 리듬 섹션의 중요한 역할 뿐만 아니라, 독주 악기로서도 그 중요성이 커지고 있다. 피치카토 연주 시 G선이 가장 잘 울린다.[10] 재즈, 블루스, 로커빌리에서는 현대 재즈의 일부 솔로 및 간헐적인 악보에 활 연주가 요구되는 경우를 제외하고는 피치카토가 일반적이다.[10]
클래식 콘트라베이스 연주자는 오케스트라에서 피치카토 파트를 연주하지만, 빠른 패시지보다는 주로 간단한 음표(4분 음표, 2분 음표, 온음표)를 연주한다.[10] 클래식 연주자는 현을 누르는 왼손 손가락을 흔들어 비브라토(vibrato)를 만들어내는데, 이는 활로 연주하는 음과 피치카토 음 모두에 적용된다. 비브라토는 음높이에 파동을 주어 음색에 표현력을 더한다.[10] 매우 낮은 음역의 패시지에서는 현악 파트에 명확한 펀더멘털 베이스(fundamental bass)를 제공하는 것이 주 목적이므로 비브라토를 거의 사용하지 않지만, 중음역 및 고음역의 멜로디는 비브라토를 더 많이 사용하여 연주한다.[10] 비브라토의 속도와 강도는 연주자에 의해 감정적, 음악적 효과를 위해 다양하게 조절된다.[10]
재즈, 로커빌리 및 기타 관련 장르에서는 피치카토 연주가 중심이 된다. 재즈와 점프 블루스(jump blues)에서 베이시스트는 장시간 동안 빠른 피치카토 워킹 베이스(walking bass) 라인을 연주해야 한다.[10] 재즈와 로커빌리 베이시스트는 빠르게 움직이는 3연음과 16분 음표를 포함하는 빠른 솔로 연주를 위해 기교적인 피치카토 기법을 개발한다. 수준 높은 재즈 연주자의 피치카토 베이스라인은 일반적으로 온음표, 2분 음표, 4분 음표 및 간헐적인 8분 음표로 구성된 표준 오케스트라 악보의 피치카토 베이스라인보다 훨씬 복잡하다.[10] 재즈 및 관련 스타일에서 베이시스트는 리듬감을 더하고 베이스라인에 필(fill)을 추가하기 위해 반타악적인 "고스트 노트(ghost note)"를 추가하기도 한다.[10]
대중음악에서 콘트라베이스는 일반적으로 앰프와 함께 연주되며, 거의 항상 손가락으로 연주하는 ''피치카토'' 스타일이 사용된다. 피치카토 스타일은 연주자와 장르에 따라 다르다.[10] 워킹 베이스라인과 느린 템포의 발라드에서는 한 손가락, 두 손가락, 또는 세 손가락의 옆면으로 연주하여 더 강하고 견고한 음색을 내는 것으로 알려져 있다. 일부 연주자들은 빠르게 움직이는 솔로 패시지를 연주하거나 조용한 곡에서 가볍게 연주할 때 손가락 끝을 사용하기도 한다.[10] 앰프를 사용하면 연주자는 악기의 음색을 더 세밀하게 제어할 수 있다. 앰프의 이퀄라이저 제어 장치를 통해 특정 주파수(주로 저음)를 강조하고 다른 주파수(주로 고음, 손가락 소음을 줄이기 위해)를 줄일 수 있기 때문이다.[10]
앰프가 없는 어쿠스틱 베이스의 음색은 악기 자체의 주파수 응답 특성에 의해 제한되어 매우 낮은 음높이가 높은 음높이보다 작게 들릴 수 있다. 앰프와 이퀄라이저를 사용하면 베이스 연주자는 저음 주파수를 증폭하여 주파수 응답을 조절할 수 있다.[10] 앰프는 악기의 지속 시간을 늘려주는데, 이는 발라드 반주나 긴 음을 유지하는 멜로디 솔로에 특히 유용하다.[10]
전통 재즈, 스윙, 폴카, 로큰빌리, 사이코빌리 음악에서는 ''슬랩 스타일''로 연주되기도 한다. 슬랩 스타일은 베이스 라인의 주요 음표 사이에서 현을 지판에 "치는" 활기찬 피치카토의 변형으로, 스네어 드럼과 같은 타악기 소리를 낸다. 주요 음표는 현을 지판에서 당겼다가 놓아 지판에 부딪히게 하여 연주하며, 이를 통해 원하는 음높이와 함께 독특한 타악기적 어택을 만들어낸다.[10] 슬랩 스타일을 능숙하게 사용하는 연주자들은 베이스 라인의 음표 사이에 두 개, 세 개, 네 개 이상의 슬랩을 넣어 매우 리듬감 있고 기교적인 연주를 선보이기도 한다.[10]
5. 4. 왼손 기법
다른 현악기와 마찬가지로 오른손은 활을 이용해 연주하거나 줄을 튕기는 피치카토를 사용하고, 왼손은 지판을 짚어 음정을 잡는 데 사용한다.[10] 콘트라베이스 연주자는 서서 연주하거나 높은 의자에 앉아 악기를 몸에 기대고 현에 편안하게 닿을 수 있도록 약간 안쪽으로 돌리는 자세를 취한다. 이러한 자세는 콘트라베이스의 경사진 어깨의 주요 이유이며, 바이올린 계열의 다른 악기와 구분되는 특징이다. 좁은 어깨는 고음역의 현을 연주하는 데 도움을 준다.[10]클래식 연주자는 현에 닿는 왼손 손가락을 흔들거나 떨어서 비브라토(vibrato)를 사용하는데, 활로 연주되는 음과 피치카토 음 모두에 사용된다. 비브라토는 음높이에 파동을 주어 음색을 추가하며, 현악기 연주에 표현력을 더하는 데 사용된다. 일반적으로 매우 크고 낮은 음역의 패시지에서는 명확한 펀더멘털 베이스(fundamental bass)를 현악 파트에 제공하는 것이 주요 목표이기 때문에 비브라토를 거의 사용하지 않거나 사용하지 않는다. 중음역 및 고음역의 멜로디는 일반적으로 비브라토를 더 많이 사용하여 연주한다. 비브라토의 속도와 강도는 연주자에 의해 감정적이고 음악적인 효과를 위해 다양하게 조절된다.
6. 악보
첼로와 마찬가지로 주로 높은음자리표를 사용하여 기보되지만, 적힌 음보다 1옥타브 낮은 음이 나온다(1옥타브 높게 적는다). 이로써 첼로와 같은 악보를 사용하면 합주 시 저음에 1옥타브의 중첩을 얻을 수 있다. 일반적인 4현 콘트라베이스의 최저음은 E(미)이지만, C장치를 부착하거나 5현 콘트라베이스를 사용하여 더 낮은 음을 낼 수 있도록 하는 것은 첼로의 최저음보다 1옥타브 낮은 음을 얻기 위한 것이다.
독주곡 악보에는 실음으로 표기된 것도 있다. 또한, 솔로 튜닝 시에는 같은 기보로 같은 연주법이 되도록, 단7도 낮은 음이 나는 변조 악기로 쓰여진다. 고음부는 테너 음자리표 또는 바이올린 음자리표를 사용한다. 콘트라베이스 독주곡에는 이 솔로 튜닝으로 쓰여진 것이 많다.
플라조레트에 관해서는 과거부터 여러 가지 기보법이 있으므로 주의를 요한다.
- 일반적인 음표 위에 플라조레트임을 나타내는 기호(｢○｣ 등)를 쓴다. 이 경우, 일반적인 음표와 같은 변조가 되어 있다고 간주하는 경우가 대부분이다.
- 마름모꼴 음표로 실음으로 쓴다.
- 마찬가지로 마름모꼴 음표로, 일반적인 음표와 같은 변조를 하여 쓴다.
- 플라조레트를 내기 위해 누르는 현과 위치만을 지시해 둔다. 예를 들어, D현에서 개방현의 단3도 위인 F 근처에, 개방현보다 2옥타브와 완전5도 위인 A가 나올 수 있는 위치가 있다. 이 A를 연주시키고 싶을 경우, 사용하는 현으로 D를 일반적인 음표로, 닿아야 할 위치(에 가장 가까운 음인 F)를 마름모꼴 음표로, 같은 꼬리로 묶어 화음처럼 쓴다. 이 기보법의 경우, 조표에 따라서도 닿는 위치가 달라지는 경우가 많으므로 특히 주의가 필요하다. 예를 들어, 위의 부분은 조의 형편상 미리 샵이 붙어 있는 경우가 많고, 그 경우 F샵 근처를 닿게 된다. 실음은 위의 A보다 단3도 낮은 F샵이다. 이 기보법은 모리스 라벨 등의 곡에 간혹 보인다.
7. 역할
콘트라베이스는 다른 현악기와 마찬가지로 오른손으로 활을 사용하거나 줄을 튕겨 소리를 내고(피치카토), 왼손으로는 지판을 짚어 음정을 잡는다. 연주자는 서서 연주하거나 높은 의자에 앉아서 연주한다. 현악 합주나 오케스트라에서는 낮은 음자리를 담당하지만, 재즈나 포퓰러 음악에서는 마이크로폰을 사용하여 피치카토 주법으로 단독 연주를 하는 경우가 많다. 현악 합주나 오케스트라의 경우 첼로의 옥타브 아래를 연주하여 독립적인 효과를 낸다.[47] 재즈에서는 피치카토를 주로 사용한 솔로가 리듬 섹션으로서 중요할 뿐 아니라, 독주자로서도 점차 중요한 음악성이 요구되고 있다. 피치카토는 G선이 가장 잘 울린다.[https://terms.naver.com/entry.nhn?docId=3574958&cid=58160&categoryId=58160&expCategoryId=58160]
더블베이스 연주자는 악기를 연주할 때 서서 하거나 앉아서 한다. 악기의 높이는 엔드핀을 조절하여 활이나 손가락으로 원하는 현의 연주 영역에 도달할 수 있도록 한다. 전통적으로 더블베이스 연주자는 독주할 때는 서서 연주하고, 오케스트라나 오페라 피트에서는 앉아서 연주했지만, 현재는 두 자세 모두에 능숙한 연주자가 드물기 때문에 일부 독주자는 앉아서 연주하고 (조엘 쿼린턴(Joel Quarrington), 제프 브래디티치(Jeff Bradetich), 티에리 바르베 등), 일부 오케스트라 베이시스트는 서서 연주한다.
악기의 높은 음역(G3, 중앙 C 바로 아래 G 이상)을 연주할 때는 연주자는 목 뒤에서 손을 옮겨 평평하게 펴고 엄지 손가락의 옆면을 사용하여 현을 누른다. 첼로에서도 사용되는 이 기법을 ''엄지 위치''라고 한다.
록빌리 스타일은 핑거보드에서 "슬래핑" 기법을 사용하기 때문에 주법에 상당한 요구를 한다. 베이스 연주는 현의 장력이 상대적으로 높기 때문에 신체적으로 힘들 수 있다. 또한, 스케일 길이와 현 간격 때문에 핑거보드의 음 간격이 넓어서 연주자는 저음역의 음들을 연주할 때 손가락을 벌리고 있어야 하며, 베이스라인을 연주하기 위해 자주 포지션을 바꿔야 한다.
7. 1. 클래식 음악
다른 현악기와 마찬가지로 오른손은 활을 이용해 연주하거나 줄을 튕겨 소리를 내고(피치카토), 왼손은 지판을 짚어 음정을 잡는 데 사용한다. 선 자세나 높은 의자에 앉은 자세로 연주한다. 현악합주나 오케스트라의 낮은음자리를 담당하나, 재즈나 포퓰러 음악에서는 마이크로폰의 효과를 이용하여 피치카토 주법을 주로 하며 단독으로 쓰인다. 현악합주나 오케스트라의 경우 첼로의 옥타브 아래를 연주할 경우, 독립적인 효과를 낸다. 또한 재즈인 경우 피치카토를 주로 한 솔로는 리듬 섹션으로 중요할 뿐만 아니라 독주자로서도 점차로 중요한 음악성이 요구되고 있다. 피치카토는 G선이 가장 잘 울린다.[32] 18세기 동안 콘트라베이스는 독주 악기로서 인기를 누렸으며, 당시 가장 유명한 작곡가들 중 다수가 콘트라베이스를 위한 곡을 작곡했다. 당시 콘트라베이스는 종종 비올로네(비올로네)라고 불렸으며, 지역에 따라 다양한 조율법을 사용했다. "비엔나 조율법"(A1–D2–F2–A2)이 널리 사용되었고, 경우에 따라 5번줄 또는 6번줄이 추가되기도 했다(F1–A1–D2–F2–A2).[32] 이 악기의 인기는 레오폴트 모차르트(레오폴트 모차르트)의 바이올린 교본(Violinschule) 두 번째 판에 기록되어 있으며, 그는 "5현 비올로네로 어려운 악절을 더 쉽게 연주할 수 있으며, 협주곡, 삼중주, 독주곡 등의 특별히 아름다운 연주를 들었습니다."라고 적었다.콘트라베이스를 위한 가장 오래된 알려진 협주곡은 요제프 하이든(요제프 하이든)이 1763년경에 작곡한 것으로, 아이젠슈타트 도서관 화재로 소실된 것으로 추정된다. 가장 오래된 기존 협주곡은 카를 디터스 폰 디터스도르프(카를 디터스 폰 디터스도르프)의 작품으로, 그는 콘트라베이스를 위한 두 개의 협주곡과 비올라와 콘트라베이스를 위한 신포니아 콘체르탄테(신포니아 콘체르탄테)를 작곡했다. 이 시대에 협주곡을 작곡한 다른 작곡가로는 요한 바티스트 반할(요한 바티스트 반할), 프란츠 안톤 호프마이스터(프란츠 안톤 호프마이스터)(3개의 협주곡), 레오폴트 코젤루흐(레오폴트 코젤루흐), 안톤 짐머만(안톤 짐머만), 안토니오 카푸치(안토니오 카푸치), 벤첼 피흘(벤첼 피흘)(2개의 협주곡), 요하네스 마티아스 슈페르거(요하네스 마티아스 슈페르거)(18개의 협주곡) 등이 있다. 이들 중 많은 사람이 당시 음악계의 주요 인물이었지만, 현대 관객들에게는 대체로 알려지지 않았다. 볼프강 아마데우스 모차르트(볼프강 아마데우스 모차르트)의 콘체르토 아리아 "Per questa bella mano", K.612 (바리톤, 콘트라베이스 오블리가토(오블리가토), 오케스트라)에는 당시 콘트라베이스 독주를 위한 인상적인 작품이 담겨 있다. 이 곡은 오늘날까지도 가수와 콘트라베이스 연주자 모두에게 인기가 있다.
콘트라베이스는 결국 더 낮은 음역과 더 큰 음량을 필요로 하는 오케스트라의 요구에 맞춰 발전했다. 18세기 중후반의 대표적인 콘트라베이스 연주자, 예를 들어 요제프 캠퍼, 프리드리히 피셸베르거, 요하네스 마티아스 슈페르거는 "비엔나" 조율법을 사용했다. 콘트라베이스를 위한 협주곡을 작곡한 바시스트 요한 힌들(1792-1862)은 4도 간격으로 조율하는 방식을 개척했는데, 이는 콘트라베이스와 독주곡에서의 역할에 있어 전환점이 되었다. 바시스트 도메니코 드라고네티(도메니코 드라고네티)는 저명한 음악가였으며, 하이든과 루트비히 판 베토벤(루트비히 판 베토벤)과도 친분이 있었다. 그의 연주는 고향인 이탈리아에서부터 러시아 제국까지 알려졌으며, 런던 필하모닉 협회(Philharmonic Society of London)의 콘서트에서 두각을 나타냈다. 베토벤과 드라고네티의 친분은 그가 교향곡에서 콘트라베이스를 위해 어려운 독립적인 파트를 작곡하도록 영감을 주었을 수 있는데, 베토벤 교향곡 5번 3악장, 베토벤 교향곡 7번 2악장, 베토벤 교향곡 9번 마지막 악장의 인상적인 악절이 그 예이다. 이 부분들은 첼로 파트를 이중주로 연주하는 것이 아니다.
드라고네티는 콘트라베이스를 위한 10개의 협주곡과 콘트라베이스와 피아노를 위한 많은 독주곡을 작곡했다. 1824년 여름 로시니(로시니)가 런던에 체류하는 동안 그는 드라고네티와 첼리스트 데이비드 살로몬스를 위해 인기 있는 첼로와 콘트라베이스를 위한 이중주곡을 작곡했다. 드라고네티는 종종 위에서부터 G-D-A로 조율된 3현 콘트라베이스를 연주했다. 상위 3현만 사용하는 것은 19세기 오케스트라의 콘트라베이스 독주자와 수석 바시스트들에게 인기가 있었는데, 이는 콘트라베이스의 나무 윗판에 가해지는 압력을 줄여 더욱 공명하는 소리를 낸다고 여겨졌기 때문이다. 또한 19세기에 사용된 저음 E 현은 창자로 만든 두꺼운 줄이었기 때문에 조율하고 연주하기가 어려웠다.
19세기에는 오페라 지휘자이자 작곡가, 베이시스트였던 조반니 보테시니(Giovanni Bottesini)가 바이올린 거장이자 작곡가였던 파가니니에 비견될 만큼 당대의 "더블베이스의 파가니니"로 여겨졌다. 보테시니의 베이스 협주곡들은 19세기 유행했던 이탈리아 오페라 스타일로 작곡되었는데, 이는 이전에는 볼 수 없었던 방식으로 더블베이스를 활용한 것이다. 그의 작품들은 악기의 최고 음역, 심지어 자연배음과 인공배음의 영역까지 걸쳐 매우 숙련된 연주와 넓은 음역대를 필요로 한다. 많은 19세기와 20세기 초 베이시스트들은 이러한 작품들을 연주할 수 없다고 생각했지만, 2000년대에 들어서는 자주 연주되고 있다. 같은 시기에 체코에서는 프란츠 시만들, 테오도어 알빈 핀데이젠, 요제프 라베, 루드비히 마놀리(Ludwig Manoly), 아돌프 미셰크(Adolf Mišek) 등을 포함한 저명한 베이시스트 학교가 생겨났다. 시만들과 라베는 교육자이기도 했으며, 그들의 교본과 연습곡들은 2000년대에도 여전히 사용되고 있다.
20세기 초 더블베이스의 선두주자는 보스턴 심포니 오케스트라의 지휘자로 가장 잘 알려진 세르게이 쿠세비츠키(Serge Koussevitzky)였으며, 그는 현대에서 더블베이스를 독주 악기로서 대중화했다. 강철 현과 개선된 세팅을 통해 더블베이스가 개량됨에 따라, 베이스는 이전보다 더 높은 수준에서 연주되고 있으며 점점 더 많은 작곡가들이 더블베이스를 위한 작품을 작곡하고 있다. 20세기 중반과 그 이후 수십 년 동안, 니코스 스칼코타스(Nikos Skalkottas)의 협주곡(1942), 에두아르드 투빈(Eduard Tubin)의 협주곡(1948), 라르스-에릭 라르손(Lars-Erik Larsson)의 콘체르티노(1957), 귄터 슐러(Gunther Schuller)의 협주곡(1962), 한스 베르너 헨체(Hans Werner Henze)의 협주곡(1966), 프랭크 프로토(Frank Proto)의 협주곡 제1번(1968)을 포함하여 더블베이스를 위한 많은 새로운 협주곡들이 작곡되었다.
《콘트라베이스를 위한 독주곡》은 존 케이지(John Cage)의 《피아노와 오케스트라를 위한 협주곡》의 일부이며, 독주곡으로 또는 오케스트라 및/또는 피아노의 다른 파트와 함께 연주될 수 있다. 마찬가지로, 그의 오케스트라 작품 《Atlas Eclipticalis》의 콘트라베이스 독주 파트도 독주곡으로 연주될 수 있다. 《변주곡 I》, 《변주곡 II》, 《Fontana Mix》, 《카트리지 뮤직》 등 케이지의 불확정적 작품들은 콘트라베이스 독주자를 위해 편곡될 수 있다. 그의 작품 《현악 연주자를 위한 26.1.1499》는 바이올리니스트, 비올리스트 또는 첼리스트가 연주할 수도 있지만, 종종 콘트라베이스 독주자가 연주한다.
1960년대부터 20세기 말까지 게리 카(Gary Karr)는 더블베이스를 독주 악기로서 선도적인 지지자였으며, 특히 그를 위해 수백 개의 새로운 작품과 협주곡을 위촉하거나 작곡하는 데 적극적이었습니다. 카는 올가 쿠세비츠키(Olga Koussevitsky)로부터 쿠세비츠키의 유명한 더블베이스 독주 악기를 받았으며, 40년 동안 전 세계의 콘서트에서 연주한 후, 재능 있는 독주자들이 콘서트에서 사용할 수 있도록 국제 베이시스트 협회(International Society of Bassists)에 악기를 기증했다. 이 시대의 또 다른 중요한 연주자인 버트램 투레츠키(Bertram Turetzky)는 300개 이상의 더블베이스 작품을 위촉하고 초연했다.
1970년대, 1980년대, 1990년대에는 니노 로타(Nino Rota)의 《더블베이스와 오케스트라를 위한 디베르티멘토》(1973), 앨런 리다웃(Alan Ridout)의 더블베이스와 현악기를 위한 협주곡(1974), 장 프랑세(Jean Françaix)의 협주곡(1975), 프랭크 프로토(Frank Proto)의 협주곡 제2번, 아이노유하니 라우타바라(Einojuhani Rautavaara)의 《황혼의 천사》(1980), 지안 카를로 메노티(Gian Carlo Menotti)의 협주곡(1983), 크리스토퍼 라우스(Christopher Rouse)의 협주곡(1985), 헨리 브랜트(Henry Brant)의 《고스트 넷츠》(1988), 프랭크 프로토(Frank Proto)의 "카르멘 판타지 for 더블베이스와 오케스트라"(1991)와 "피카소 이후의 네 장면" 협주곡 제3번(1997)을 포함한 새로운 협주곡들이 작곡되었다. 피터 맥스웰 데이비스(Peter Maxwell Davies)의 서정적인 스트래스클라이드 협주곡 제7번(더블베이스와 오케스트라를 위한)은 1992년 작이다.
21세기 첫 10년 동안에는 프랭크 프로토(Frank Proto)의 "파가니니에 관한 아홉 가지 변주곡"(2002), 칼레비 아호(Kalevi Aho)의 협주곡(2005), 존 하비슨(John Harbison)의 《베이스 비올을 위한 협주곡》(2006), 앙드레 프레빈(André Previn)의 바이올린, 더블베이스 및 오케스트라를 위한 이중 협주곡(2007), 존 울리치(John Woolrich)의 《은빛 활에》(더블베이스, 비올라 및 현악기를 위한, 2014) 등의 새로운 협주곡들이 작곡되었다.
레인홀트 글리에르(Reinhold Glière)는 더블베이스와 피아노를 위한 간주곡과 타란텔라 작품 9번 1번과 2번, 그리고 더블베이스와 피아노를 위한 전주곡과 스케르초 작품 32번 1번과 2번을 작곡했다. 파울 힌데미트(Paul Hindemith)는 1949년 리듬이 어려운 더블베이스 소나타를 작곡했다. 프랭크 프로토(Frank Proto)는 더블베이스와 피아노를 위한 소나타 "1963"을 작곡했다. 소비에트 연방에서는 미에치스와프 바인베르크(Mieczysław Weinberg)가 1971년 더블베이스 독주를 위한 소나타 제1번을 작곡했다. 지아친토 셸시(Giacinto Scelsi)는 1972년에 "누이트(Nuits)"라는 두 개의 더블베이스곡을 작곡했고, 1976년에는 더블베이스, 콘트라바순 또는 투바와 같은 저음 악기를 위한 작품인 "막노간(Maknongan)"을 작곡했다. 빈센트 퍼시케티(Vincent Persichetti)는 많은 악기를 위해 "우화(Parables)"라고 부르는 독주곡을 작곡했다. 그는 1974년에 더블베이스를 위한 우화 XVII, 작품 131을 작곡했다. 소피아 구바이둘리나(Sofia Gubaidulina)는 1975년에 더블베이스와 피아노를 위한 소나타를 작곡했다. 1976년 미국의 미니멀리스트 작곡가 톰 존슨(Tom Johnson)은 연주자가 베이스로 매우 기교적인 독주를 연주하는 동시에, 이 곡이 얼마나 어려운지, 실수 없이 연주를 완료할 가능성이 얼마나 적은지에 대한 텍스트를 낭송해야 하는 "실패 – 매우 어려운 현악 베이스 독주곡"을 작곡했다.
1977년 네덜란드-헝가리 작곡가 게자 프리드(Géza Frid)는 생상스(Saint-Saëns)의 《동물의 사육제》의 "코끼리"를 바탕으로 스코르다투라 더블베이스와 현악 오케스트라를 위한 변주곡 세트를 작곡했다. 1987년 로웰 리버만(Lowell Liebermann)은 콘트라베이스와 피아노를 위한 소나타 작품 24번을 작곡했다. 페르난도 그릴로(Fernando Grillo)는 더블베이스를 위한 "모음
7. 2. 재즈
듀크 엘링턴과 함께 연주한 스윙 시대의 연주자 지미 블랜턴과 비밥에서 이 악기의 사용을 개척한 오스카 페티포드가 있다. 마일스 데이비스와 함께 ''킨드 오브 블루''(Kind of Blue) 앨범 작업을 했던 폴 체임버스는 비밥 솔로를 활로 연주한 최초의 재즈 베이시스트 중 한 명으로 명성을 얻었다.[49] 테리 플루메리는 아르코(활 연주) 솔로를 더욱 발전시켜 혼과 같은 기술적인 자유와 명료하고 보컬적인 활 연주음을 얻었고, 오넷 콜먼과의 작업으로 가장 잘 알려진 찰리 헤이든은 프리 재즈에서 베이스의 역할을 정의했다.레이 브라운, 슬램 스튜어트, 닐스-헤닝 외르스테드 페데르센과 같은 베이시스트들이 재즈 역사의 중심에 있었다. 비밥 연주자들에게 인기가 많았던 스튜어트는 활과 옥타브 험밍을 결합하여 솔로를 연주했다. 찰스 밍거스는 뛰어난 기술과 강력한 사운드로 유명한 베이시스트이자 작곡가였다.[50] 스콧 라파로는 솔로이스트 뒤에서 대위법적인 "워킹"에서 베이스를 해방시켜 상호 작용적이고 대화적인 멜로디를 선호함으로써 한 세대의 음악가들에게 영향을 미쳤다. 1950년대 베이스 앰프의 상용화 이후, 재즈 베이시스트들은 악기의 자연적인 볼륨을 증폭하기 위해 증폭을 사용해왔다.
일렉트릭 베이스 기타는 1951년 초부터 재즈에서 간헐적으로 사용되었지만, 1970년대부터 색소폰 연주자 소니 롤린스와 함께 연주한 베이시스트 밥 크랜쇼와 퓨전 선구자 자코 파스토리우스와 스탠리 클라크가 더블 베이스를 베이스 기타로 대체하기 시작했다. 그러나 재즈 퓨전과 라틴풍 재즈 스타일을 제외하고는 더블 베이스가 여전히 재즈에서 주요 베이스 악기이다. 튕긴 더블 베이스의 사운드와 음색은 프랫이 있는 베이스 기타와는 다르다. 더블 베이스는 현이 금속 프랫으로 막히지 않고, 중단되지 않은 지판에 연속적인 음역을 가지고 있기 때문에 베이스 기타와 다른 소리를 낸다. 또한 베이스 기타는 일반적으로 단단한 목재 바디를 가지고 있기 때문에, 더블 베이스의 음향적인 울림 대신 현의 진동을 전자적으로 증폭하여 소리를 생성한다.
솔로 더블 베이스의 사운드와 재즈에서의 기술적 사용은 데이브 홀랜드의 솔로 녹음 ''에메랄드 티어스''(Emerald Tears)(1978)나 미로슬라브 비토우시의 ''에머전스''(Emergence)(1986)에서 들을 수 있다. 홀랜드는 바레 필립스와 함께 연주하는 ''뮤직 프롬 투 베이스''(Music from Two Basses)(1971)라는 앨범을 녹음하기도 했으며, 때때로 첼로로 바꾸어 연주하기도 한다.
1940년대부터 1950년대까지 주목할 만한 재즈 베이시스트로는 듀크 엘링턴 스윙 밴드에서 짧은 기간 활동했던(결핵으로 사망하여 짧게 끝났던) 지미 블랜턴(1918–1942)이 있다. 그의 활동은 이 악기에 새로운 멜로디와 화성적인 솔로 아이디어를 도입했다. 비밥 연주자 디지 길레스피, 오스카 피터슨, 아트 테이텀 및 찰리 파커를 지원했고 모던 재즈 쿼텟을 결성한 것으로 알려진 레이 브라운(1926–2002)도 있다. 하드 밥 베이시스트 론 카터(1937년생)는 3,500장이 넘는 앨범에 참여하여 재즈 역사상 가장 많은 녹음을 남긴 베이시스트 중 한 명이 되었는데, 여기에는 셀로니어스 몽크와 웨스 몽고메리의 LP와 많은 블루 노트 레코드 아티스트의 앨범이 포함된다. 마일스 데이비스 퀸텟(대표적인 모달 재즈 음반인 ''카인드 오브 블루'' 포함)과 1950년대와 1960년대의 다른 많은 리듬 섹션의 멤버였던 폴 체임버스(1935–1969)는 그의 화려한 즉흥 연주로 유명했다.
실험적인 1960년대 이후 시대와 프리 재즈 및 재즈 록 퓨전은 몇몇 영향력 있는 베이시스트들을 배출했다. 작곡가이자 밴드 리더이기도 했던 찰스 밍거스(1922–1979)는 하드 밥을 흑인 가스펠 음악, 프리 재즈 및 클래식 음악과 융합한 음악을 만들었다. 프리 재즈와 포스트 밥 베이시스트 찰리 헤이든(1937–2014)은 색소폰 연주자 오넷 콜먼과의 오랜 관계와 1970년대 실험 그룹인 리베레이션 뮤직 오케스트라에서의 역할로 가장 잘 알려져 있다. 각각 빌 에반스와 오스카 피터슨과 함께 연주했던 에디 고메즈와 조지 머라즈는 피치카토의 유창함과 멜로디적인 프레이징에 대한 기대치를 높였다는 평가를 받고 있다. 퓨전의 거장 스탠리 클라크(1951년생)는 업라이트 베이스와 일렉트릭 베이스 모두에서 뛰어난 기량으로 유명하다. 테리 플루메리는 그의 혼과 같은 아르코의 유창함과 보컬 사운드의 음색으로 주목받는다.
1990년대와 21세기 초 새로운 "젊은 사자들" 중 한 명은 크리스천 맥브라이드(1972년생)였는데, 그는 맥코이 타이너부터 퓨전 거장 허비 행콕과 칙 코리아에 이르기까지 다양한 베테랑들과 공연했고, 2003년의 ''버티컬 비전''과 같은 앨범을 발매했다. 또 다른 주목할 만한 젊은 베이시스트로는 에스페란자 스팔딩(1984년생)이 있는데, 그녀는 27세에 최우수 신인상 그래미상을 수상했다.
7. 3. 대중음악
재즈나 포퓰러 음악에서는 마이크로폰을 사용하여 피치카토 주법으로 단독 연주를 하는 경우가 많다. 현악 합주나 오케스트라에서는 첼로의 옥타브 아래를 연주하여 독립적인 효과를 낸다.[47] 재즈에서는 피치카토를 주로 사용한 솔로가 리듬 섹션으로서 중요할 뿐 아니라, 독주자로서도 점차 중요한 음악성이 요구되고 있다. 피치카토는 G선이 가장 잘 울린다.[https://terms.naver.com/entry.nhn?docId=3574958&cid=58160&categoryId=58160&expCategoryId=58160]1890년경 초기 뉴올리언스 재즈 앙상블(행진곡, 래그타임, 딕시랜드 혼합)은 처음에는 튜바나 수자폰(때로는 베이스 색소폰)이 베이스 라인을 담당하는 행진악단이었다. 1920년대경 음악이 바와 매음굴로 옮겨가면서 더블 베이스가 점차 이러한 관악기를 대체했다.[47] 많은 초기 베이시스트들은 당시 종종 그렇게 불렸던 ''금관 베이스(튜바)''와 ''현악 베이스'' 모두를 연주했다. 베이시스트들은 즉흥적인 "워킹" 베이스 라인(화음 진행을 묘사하는 음계와 아르페지오 기반 라인)을 연주했다.
증폭되지 않은 더블 베이스는 일반적으로 재즈 밴드에서 가장 조용한 악기이기 때문에, 1920년대와 1930년대의 많은 연주자들은 현을 튕기고 당겨서 지판에 리드미컬한 "슬랩" 사운드를 내는 ''슬랩 스타일''을 사용했다. 슬랩 스타일은 단순히 현을 튕기는 것보다 밴드의 사운드를 더 잘 뚫고 나가며, 당시의 녹음 장비가 저음역을 선호하지 않았기 때문에 초기 음반 녹음에서 베이스를 더 쉽게 들을 수 있게 해주었다.[48]
재즈 베이스 연주자는 주어진 화음 진행에 대한 반주 라인이나 솔로를 즉흥적으로 연주할 것으로 기대된다. 또한 다양한 스타일(예: 아프로-쿠반)에 적합한 리듬 패턴을 알고 있어야 한다. 빅 밴드에서 연주하는 베이시스트는 일부 편곡에는 베이스 파트가 기록되어 있기 때문에 기록된 베이스 라인을 읽을 수 있어야 한다.
많은 더블 베이스 연주자들이 재즈의 발전에 기여했다. 예를 들어, 듀크 엘링턴(Duke Ellington)과 함께 연주한 스윙 시대의 연주자 지미 블랜턴(Jimmy Blanton)과 비밥에서 이 악기의 사용을 개척한 오스카 페티포드(Oscar Pettiford)가 있다. 마일스 데이비스(Miles Davis)와 함께 ''킨드 오브 블루''(Kind of Blue) 앨범에서 작업했던 폴 체임버스(Paul Chambers)는 비밥 솔로를 활로 연주한 최초의 재즈 베이시스트 중 한 명으로 명성을 얻었다. 테리 플루메리(Terry Plumeri)는 아르코(활 연주) 솔로의 발전을 더욱 발전시켜 혼과 같은 기술적인 자유와 명료하고 보컬적인 활 연주음을 얻었고, 오넷 콜먼(Ornette Coleman)과의 작업으로 가장 잘 알려진 찰리 헤이든(Charlie Haden)은 프리 재즈에서 베이스의 역할을 정의했다.
레이 브라운(Ray Brown), 슬램 스튜어트(Slam Stewart), 닐스-헤닝 외르스테드 페데르센(Niels-Henning Ørsted Pedersen)과 같은 다른 많은 베이시스트들이 재즈 역사의 중심에 있었다. 비밥 연주자들에게 인기가 많았던 스튜어트는 활과 옥타브 험밍을 결합하여 솔로를 연주했다. 특히, 찰스 밍거스(Charles Mingus)는 그의 뛰어난 기술과 강력한 사운드로 유명한 베이시스트이자 저명한 작곡가였다.[49] 스콧 라파로(Scott LaFaro)는 솔로이스트 뒤에서 대위법적인 "워킹"에서 베이스를 해방시켜 상호 작용적이고 대화적인 멜로디를 선호함으로써 한 세대의 음악가들에게 영향을 미쳤다.[50] 1950년대 베이스 앰프의 상용화 이후, 재즈 베이시스트들은 악기의 자연적인 볼륨을 증폭하기 위해 증폭을 사용해왔다.
일렉트릭 베이스 기타는 1951년 초부터 재즈에서 간헐적으로 사용되었지만, 1970년대부터 색소폰 연주자 소니 롤린스(Sonny Rollins)와 함께 연주한 베이시스트 밥 크랜쇼(Bob Cranshaw)와 퓨전 선구자 자코 파스토리우스(Jaco Pastorius)와 스탠리 클라크(Stanley Clarke)가 더블 베이스를 베이스 기타로 대체하기 시작했다. 그러나 재즈 퓨전과 라틴풍 재즈 스타일을 제외하고는 더블 베이스가 여전히 재즈에서 주요 베이스 악기이다. 튕긴 더블 베이스의 사운드와 음색은 프랫이 있는 베이스 기타와는 다르다. 더블 베이스는 현이 금속 프랫으로 막히지 않고, 중단되지 않은 지판에 연속적인 음역을 가지고 있기 때문에 베이스 기타와 다른 소리를 낸다. 또한 베이스 기타는 일반적으로 단단한 목재 바디를 가지고 있기 때문에, 더블 베이스의 음향적인 울림 대신 현의 진동을 전자적으로 증폭하여 소리를 생성한다.
솔로 더블 베이스의 사운드와 재즈에서의 기술적 사용에 대한 실례는 데이브 홀랜드(Dave Holland)의 솔로 녹음 ''에메랄드 티어스''(Emerald Tears)(1978)나 미로슬라브 비토우시(Miroslav Vitouš)의 ''에머전스''(Emergence)(1986)에서 들을 수 있다. 홀랜드는 바레 필립스(Barre Phillips)와 함께 연주하는 ''뮤직 프롬 투 베이스''(Music from Two Basses)(1971)이라는 대표적인 제목의 앨범을 녹음하기도 했으며, 때때로 첼로로 바꾸어 연주하기도 한다.
==블루그래스와 컨트리 음악에서의 사용==
현악 베이스는 블루그래스 음악에서 가장 일반적으로 사용되는 베이스 악기이며 거의 항상 튕겨서 연주하지만, 일부 현대 블루그래스 베이시스트들은 활을 사용하기도 한다. 블루그래스 베이시스트는 리듬 섹션의 일부이며 빠르든 느리든, 4/4, 2/4 또는 3/4 박자에 관계없이 꾸준한 비트를 유지하는 책임이 있다. 베이스는 화음 진행과 화성도 유지한다. 합판 적층 베이스의 엔겔하르트-링크(이전 케이) 브랜드는 오랫동안 블루그래스 베이시스트들에게 인기 있는 선택이었다. 대부분의 블루그래스 베이시스트는 3/4 사이즈 베이스를 사용하지만, 풀 사이즈와 5/8 사이즈 베이스도 사용된다.
초기 블루그래스 이전의 전통 음악은 종종 첼로로 반주되었다. 첼리스트 나탈리 하스는 미국에서 "...첼로를 사용한 미국 현악 밴드의 오래된 사진과 심지어 오래된 녹음"을 찾을 수 있다고 지적한다. 그러나 "첼로는 민속 음악에서 눈에 띄지 않게 되었고, 오케스트라와 관련되게 되었다."[51] 첼로는 1990년대와 21세기 첫 10년 동안 블루그래스에 다시 등장하지 않았다. 일부 현대 블루그래스 밴드는 크고 다소 부서지기 쉬운 더블 베이스보다 운반이 용이하기 때문에 일렉트릭 베이스를 선호한다. 그러나 베이스 기타는 다른 음악적 사운드를 가지고 있다. 많은 음악가들은 더블 베이스의 느린 공격과 타악기적인 나무 질감의 음색이 특히 솔로 현을 사용할 때 일렉트릭 베이스보다 더 "흙내음 나는" 또는 "자연스러운" 사운드를 제공한다고 생각한다.
블루그래스 베이스 연주에서 일반적인 리듬은 (몇 가지 예외를 제외하고) 4/4 박자의 1박과 3박, 2/4 박자의 1박과 2박, 3/4 박자(왈츠 박자)의 강박에서 튕기는 것을 포함한다. 블루그래스 베이스 라인은 일반적으로 간단하며, 대부분의 노래에서 각 화음의 루트와 5도에 머무른다. 이 규칙에는 두 가지 주요 예외가 있다. 블루그래스 베이시스트는 종종 화음이 바뀔 때 일반적으로 한두 마디 동안 마디의 모든 박자를 연주하는 다이어토닉 ''워크업'' 또는 ''워크다운''을 한다. 또한, 베이스 연주자가 솔로를 할 경우, 매 박자마다 음표를 사용하는 워킹 베이스 라인을 연주하거나 펜타토닉 음계에 영향을 받은 베이스 라인을 연주할 수 있다.
주목받는 초기 블루그래스 베이시스트로는 1944년부터 빌 먼로(Bill Monroe)의 블루 그래스 보이즈(Blue Grass Boys)와 함께 연주했던 하워드 왓츠(세드릭 레인워터로도 알려짐)가 있다.[52] 클래식 베이시스트 에드가 마이어(Edgar Meyer)는 뉴그래스, 올드타임, 재즈 및 기타 장르로 자주 진출했다.
유니온 스테이션(Union Station)의 베이시스트 배리 베일스(Barry Bales)는 2005년 4월 "제가 가장 좋아하는 연주자는 토드 필립스(Todd Phillips)입니다."라고 선언했다. "그는 블루그래스에 대한 사고방식과 연주 방식을 완전히 바꿨습니다."[53]
더블 베이스는 전통적인 컨트리 웨스턴 음악의 표준 베이스 악기였다. 더블 베이스는 여전히 컨트리 음악에서 가끔 사용되지만, 일렉트릭 베이스가 특히 1990년대와 2000년대의 뉴 컨트리와 같이 팝에 영향을 받은 컨트리 스타일에서 더 큰 사촌을 대체했다.
슬랩 베이스는 때때로 블루그래스 베이스 연주에 사용된다. 블루그래스 베이시스트들이 현을 잡아당겨 지판에 부딪히게 하거나 지판에 현을 치면 저음의 베이스 음에 고음의 타악적인 "찰칵" 또는 "슬랩" 소리가 더해져 탭댄서의 발소리와 비슷하게 들린다. 슬래핑은 블루그래스계에서 다소 논란이 되는 주제이다. 마이크 밥(Mike Bub)과 같은 슬래핑 전문가조차도 "모든 공연에서 슬래핑을 하지는 마라" 또는 적절하지 않은 곡에서는 슬래핑을 하지 말라고 말한다. 또한, 라이브 공연에서 슬랩 스타일로 연주하는 블루그래스 베이시스트들은 녹음에서는 슬래핑을 덜 하는 경우가 많다. 밥과 그의 스승인 제리 매코리(Jerry McCoury)은 녹음에서 슬랩 베이스를 거의 사용하지 않는다. 잭 쿡(Jack Cook)과 같은 베이시스트들은 빠른 "클린치 마운틴 보이스(Clinch Mountain Boys) 곡"에서 가끔 슬랩 베이스를 사용하지만, 진 리비아(Gene Libbea), 미시 레인스(Missy Raines), 제니 킬(Jenny Keel), 그리고 배리 베일스(Barry Bales)와 같은 베이시스트들은 슬랩 베이스를 거의 사용하지 않는다.[54]
자신의 ''중급 블루그래스 베이스(Intermediate Bluegrass Bass)'' DVD에서 슬랩 베이스를 가르치는 블루그래스 베이시스트 마크 샤츠(Mark Schatz)는 슬랩 베이스가 "...내가 녹음한 음악에서는 스타일상으로 매우 두드러지지 않았다"고 인정한다. 그는 "전통적인 블루그래스에서도 슬랩 베이스는 산발적으로만 나타나며, 내가 해 온 것의 대부분은 (토니 라이스(Tony Rice), 팀 오브라이언(Tim O'Brien) 등) 보다 현대적인 쪽이었다"고 지적한다. 샤츠는 "...녹음보다는 라이브 상황에서, 특히 솔로를 위해 또는 누군가의 솔로를 가리지 않고 노래나 곡의 특정 부분을 강조하기 위해 슬랩을 사용할 가능성이 더 크다"고 말한다.[55] 얼 게이틀리(Earl Gately)의 또 다른 블루그래스 방법인 ''블루그래스 베이스 연주법 배우기(Learn to Play Bluegrass Bass)''도 블루그래스 슬랩 베이스 기법을 가르친다. 독일 베이시스트 디디 벡(Didi Beck)은 이 비디오에서 보여주는 것처럼 빠른 삼중 슬랩을 연주한다.[56]
1950년대 초, 콘트라베이스는 새롭게 등장하는 록앤롤 음악의 표준 베이스 악기였으며, 빌 헤일리 앤드 히즈 코메츠의 마셜 라일틀이 그 한 예이다. 1940년대에는 블루스와 스윙의 이전 스타일 요소를 통합한 리듬 앤 블루스라는 새로운 스타일의 댄스 음악이 발전했다. 이 스타일의 최초 혁신가인 루이 조던은 그의 그룹인 타임패니 파이브에서 콘트라베이스를 사용했다.[57]
콘트라베이스는 1950년대 내내 팝 라인업의 필수적인 부분으로 남아 있었는데, 새로운 장르인 록앤롤은 주로 리듬 앤 블루스 모델을 기반으로 만들어졌으며, 재즈, 컨트리, 블루그래스에서 파생된 강력한 요소들도 포함되어 있었다. 그러나 이러한 맥락에서 악기를 사용하는 콘트라베이스 연주자들은 본질적인 문제에 직면했다. 그들은 더 큰 소리의 관악기(그리고 나중에는 증폭된 일렉트릭 기타)와 경쟁해야 했기 때문에 베이스 파트를 듣기 어려웠다. 콘트라베이스는 큰 콘서트장에서 피드백 '울림'이 발생하기 쉽기 때문에 증폭하기 어렵다.[58] 또한, 콘트라베이스는 크고 운반이 어려워 투어링 밴드에게도 운송 문제를 야기했다. 일부 그룹에서는 슬랩 베이스가 드러머 대신 밴드의 타악기로 사용되었는데, 이는 1952년 말까지 녹음과 라이브 공연에서 드러머를 사용하지 않은 빌 헤일리 앤드 히즈 새들맨(코메츠의 전신 그룹)의 경우였다. 이전에는 "록 더 조인트"와 "로켓 88"과 같은 헤일리의 버전의 녹음을 포함하여 슬랩 베이스가 타악기로 사용되었다.[59]
1951년, 리오 펜더는 최초의 상업적으로 성공한 일렉트릭 베이스 기타인 프리시전 베이스를 출시했다.[60] 일렉트릭 베이스는 내장된 자석 픽업으로 쉽게 증폭할 수 있었고, 휴대가 간편했으며(일렉트릭 기타보다 1피트 미만 더 길었고), 금속 프렛 덕분에 콘트라베이스보다 조율하기 쉬웠다. 1960년대와 1970년대에는 밴드가 더 큰 소리로 연주하고 더 큰 장소에서 공연했다. 일렉트릭 베이스는 이 시대의 팝과 록 음악이 요구하는 거대하고 고도로 증폭된 경기장을 가득 채우는 베이스 사운드를 제공할 수 있었고, 콘트라베이스는 인기 음악계의 주목에서 멀어졌습니다.
콘트라베이스는 1980년대 중반에 초기 형태의 포크 및 컨트리 음악에 대한 관심이 새롭게 일어나면서 루츠 록과 아메리카나 경향의 일환으로 인기 음악에서 부활하기 시작했다. 1990년대에는 일렉트로-어쿠스틱 수평형 및 콘트라베이스용 픽업 및 앰프 디자인의 개선으로 베이시스트가 어쿠스틱 악기에서 좋은 선명한 증폭된 음색을 얻기가 더 쉬워졌다. 바레네이키드 레이디스와 같이 일부 인기 밴드는 일렉트릭 베이스 대신 콘트라베이스로 사운드를 고정하기로 결정했다. MTV에서 록 밴드가 어쿠스틱 악기만으로 공연하는 '언플러그드' 공연에 대한 트렌드는 콘트라베이스와 어쿠스틱 베이스 기타에 대한 대중의 관심을 더욱 높이는 데 기여했다.
바레네이키드 레이디스의 짐 크리건은 주로 콘트라베이스를 연주하지만, 밴드 활동 전반에 걸쳐 베이스 기타를 점점 더 많이 연주했다. 얼터너티브 록 그룹 올의 크리스 와이즈는 일렉트릭 베이스와 더블 베이스를 함께 사용한다. 호주 포크/팝 그룹 더 시커스의 애솔 가이는 콘트라베이스를 연주한다. 호주 포크록 그룹 존 버틀러 트리오의 섀넌 버챌[61]은 콘트라베이스를 광범위하게 사용하여 "Betterman"과 같은 노래에서 긴 라이브 솔로를 연주한다. 인디/팝 밴드 디파트먼트 오브 이글스의 2008년 앨범 ''인 이어 파크''에서는 "Teenagers"와 "In Ear Park" 노래에서 활을 사용한 콘트라베이스가 매우 두드러지게 등장한다. 노르웨이 옴파 록 밴드 카이저스 오케스트라는 라이브와 녹음 모두에서 콘트라베이스를 전적으로 사용한다.[62]
프랑스 현대 팝 듀엣 "What a day"는 보컬과 타자기와 함께 콘트라베이스 확장 피치카토 기법을 사용한다.[63]
행크 윌리엄스 3세의 베이시스트(제이슨 브라운, 조 벅 및 잭 셰드가 가장 두드러짐)는 행크 3세의 라이브 공연에서 컨트리와 헬빌리 세트 중에 콘트라베이스를 사용했고, 애스잭 세트에서는 일렉트릭 베이스로 전환했다.
1970년대 후반의 록어빌리-펑크 장르인 사이코빌리는 록어빌리의 슬랩 베이스 전통을 계승하고 확장했다. 킴 네크로만과 제프 크레스지와 같은 베이시스트는 베이스를 타악기로 바꾸는 효과를 내는 빠른 슬랩 베이스를 연주하는 능력을 개발했다.
대중음악 장르에서 콘트라베이스는 일반적으로 앰프를 사용하여 연주되며, 거의 전적으로 손가락으로 ''피치카토'' 스타일로 연주된다. 피치카토 스타일은 연주자와 장르에 따라 다양하다. 특히 워킹 베이스라인과 느린 템포의 발라드에서는 한 손가락, 두 손가락 또는 세 손가락의 옆면으로 연주하는 연주자들이 있는데, 이는 더 강하고 견고한 음색을 만든다고 알려져 있다. 어떤 연주자들은 빠르게 움직이는 솔로 패시지 연주나 조용한 곡을 위한 가벼운 플럭킹을 위해 손가락 끝을 더 민첩하게 사용한다. 앰프의 사용은 연주자가 악기의 음색을 더 잘 제어할 수 있게 해준다. 앰프에는 이퀄라이저 제어 장치가 있어 베이시스트가 특정 주파수(종종 저음 주파수)를 강조하는 동시에 일부 주파수(종종 고음 주파수, 손가락 소음이 적게 들리도록)를 줄일 수 있기 때문이다.
앰프가 없는 어쿠스틱 베이스의 음색은 악기의 빈 공간의 주파수 응답 특성에 의해 제한되므로, 매우 낮은 음높이는 높은 음높이보다 크기가 작을 수 있다. 앰프와 이퀄라이저를 사용하면 베이스 연주자는 저음 주파수를 부스트하여 주파수 응답을 변경할 수 있다. 또한 앰프 사용은 악기의 서스테인을 증가시킬 수 있는데, 이는 발라드 반주와 길게 눌러 연주하는 멜로디 솔로에 특히 유용하다.
전통 재즈, 스윙, 폴카, 로큰빌리, 사이코빌리 음악에서는 때때로 ''슬랩 스타일''로 연주된다. 이것은 베이스 라인의 주요 음표 사이에서 현을 지판에 "치는" 활기찬 피치카토 버전으로, 스네어 드럼과 같은 타악기 사운드를 생성한다. 주요 음표는 일반적으로 연주되거나, 현을 지판에서 잡아당겨 놓아 지판에서 반사되도록 하여 예상되는 음높이 외에 독특한 타악기 어택을 생성한다. 이 기법을 종종 매우 싱코페이션되고 기교적인 방식으로 사용한 주목할 만한 슬랩 스타일 베이스 연주자들은 베이스 라인의 음표 사이에 두 개, 세 개, 네 개 또는 그 이상의 슬랩을 삽입하기도 했다.
8. 관련 용어
이 악기를 연주하는 사람을 베이시스트(bassist), 더블 베이시스트(double bassist), 더블 베이스 연주자(double bass player), 콘트라베이시스트(contrabassist), 콘트라베이스 연주자(contrabass player) 또는 베이스 연주자(bass player)라고 부른다. '''콘트라베이스'''와 더블 베이스라는 명칭은 각각 악기의 음역과 첼로보다 한 옥타브 낮은 음역을 사용하는 것에서 유래한다.[6][7] 클래식 연주자들 사이에서는 이 악기를 콘트라베이스(이 악기의 이탈리아어 이름 contrabbassoit에서 유래), '''스트링 베이스'''(튜바(tuba)와 구분하기 위해), 또는 간단히 베이스라고 부른다.
재즈, 블루스, 로큰롤 등 클래식 음악 이외의 장르에서는 이 악기를 베이스 기타(bass guitar)와 구분하기 위해 업라이트 베이스(upright bass), '''스탠드업 베이스'''(standup bass) 또는 어쿠스틱 베이스라고 부른다. 민속 음악과 블루그래스 음악에서는 이 악기를 "베이스 피들"(bass fiddle) 또는 "베이스 바이올린"(bass violin)(드물게 "독하우스 베이스"(doghouse bass) 또는 "불 피들"(bull fiddle)[8])이라고도 한다.
더블 베이스는 때때로 비올로네(violone), 베이스 바이올린(bass violin) 또는 베이스 비올(bass viol)이라고 혼동되어 불리기도 한다. 콘트라베이스 외에도 전자악기로서 일렉트릭 베이스, 신디사이저 베이스(키보드 베이스), 어쿠스틱 악기로서 어쿠스틱 베이스 기타도 있다. 또한, 일렉트릭 업라이트 베이스도 있다. 참고로, 더블 베이스 드럼이라는 용어가 있지만, 이것은 드럼을 구성하는 타악기의 조합에 관한 용어로, 하나의 드럼 세트에 베이스 드럼을 2개 사용하고 있다는 의미에서 더블이며, 본 항목에서 다루는 저음역 악기에 관한 용어는 아니다.
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