공공미술
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1. 개요
공공미술은 광장, 도로 등 공공 공간에 설치되는 미술 작품을 의미하며, 기념비, 조각, 건축물, 조경 등 다양한 형태를 포함한다. 제2차 세계 대전 이후 미국에서 용어가 생겨나 유럽으로 확산되었으며, 각국 정부, 지방 자치 단체, 기업, 지역 사회와의 협력을 통해 제작된다. 공공미술은 대중 접근성, 지역 사회 참여, 공공 자금 지원, 내구성을 특징으로 하며, 독립형, 통합형, 부착형, 설치형, 덧없는 형태 등 다양한 형태로 나타난다. 최근에는 환경 문제, 지속 가능한 개발, 인터랙티브 아트 등 새로운 주제와 형태를 시도하며, 기념비적인 작품도 제작된다. 하지만, 공공미술은 작품의 미학적 가치, 지역 사회와의 소통 부족, 관리 문제 등으로 인해 논란의 대상이 되기도 하며, 온라인 데이터베이스를 통해 기록, 관리되고 있다.
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2. 역사
공공미술은 고대부터 현대까지 다양한 형태로 존재해 왔으며, 시대와 사회상을 반영하는 중요한 문화적 지표 역할을 수행해왔다.
1930년대에는 국가적 상징을 생산하는 것이 미국의 연방 미술 계획, 소련의 문화 사무국과 같이 선전 목적을 가진 장기적인 국가 프로그램에 의해 규제되기 시작했다. 루즈벨트 대통령의 뉴딜 정책과 같은 프로그램들은 대공황 시기에 공공 미술의 발전을 촉진했지만, 선전적인 목표를 내포하고 있었다.[16] 뉴딜 미술 프로그램은 경제 침체를 언급하지 않으면서 미국 문화에 대한 국가적 자긍심을 키우는 것을 목표로 했다.[16] 비록 문제가 있었지만, FAP와 같은 뉴딜 미술 프로그램들은 예술을 모든 사람에게 접근 가능하게 만듦으로써 예술가와 사회 간의 관계를 변화시켰다.[16]
제2차 세계 대전 이후 미국에서 '공공미술'이라는 용어가 탄생하여[53] 유럽으로 퍼져나갔다. 일본에는 1990년 전후에 용어와 개념이 도입되었지만[54], 그 이전에도 '야외 조각' 등의 명칭으로 실천되었다.
1970년대에는 공공 공간에 대한 시민권 운동, 1960년대 말 도시 재생 프로그램과 예술적 노력 간의 제휴, 조각에 대한 수정된 아이디어에 따라 공공 미술에 대한 접근 방식이 근본적으로 바뀌었다.[23] 공공 미술은 단순한 장식이나 공공 공간에서의 공식적인 국가 역사 시각화를 넘어선 지위를 획득하고 더 대중을 위한 것이 되었다.[16] 이러한 관점은 1970년대 뉴욕에 기반을 둔 공공 미술 기금과 미국 및 유럽의 도시 또는 지역 미술 할당제 프로그램과 같은 도시 문화 정책에 의해 강화되었다. 더욱이, 공공 미술 담론은 장소 특정적인 경향과 현대 미술 실천에서 나타나는 제도적 전시 공간에 대한 비판과 일치하여 국가적 수준에서 지역적 수준으로 이동했다.
2. 1. 고대 및 중세 시대
피라미드나 개선문 등 권력자들이 설계·건설한 기념물, 또는 길모퉁이의 기념비나 동상 등은 가장 역사가 오래되었고, 누구나 본 적이 있는 공공미술이다.[49][50][51][52] 건축물의 세부를 장식하는 조각, 혹은 건축물 자체가 공공 공간이나 도시를 예술 작품으로 채우고 활성화시킨다는 공공미술의 정의를 충족한다고 할 수 있다.2. 2. 근대
기념비나 동상 등 특정 인물이나 사건을 기리는 작품들이 등장했다. 오귀스트 로댕의 '칼레의 시민'과 같이 공공의 발주로 뛰어난 예술 작품이 제작되기도 했다.[53]2. 3. 현대
1930년대 미국에서는 대공황 극복을 위한 루스벨트 대통령의 뉴딜 정책의 일환으로 연방 미술 계획이 추진되었다.[16] 이 계획은 실업 예술가들을 고용하여 벽화나 공공 건축물의 조각을 만들게 하는 등 예술가 지원책이었다.[53] 정부가 직접 예술 지원에 개입하면서, 시민들은 일상에서 예술 작품을 더 쉽게 접할 수 있게 되었다.[53] 뉴딜 정책의 건축 미술(A-i-A)은 미술 할당제 프로그램을 개발했는데, 이는 오늘날에도 사용되는 공공 미술 기금 마련의 구조이다.[16] 이 프로그램은 모든 정부 건물의 총 건축 비용의 0.5%를 현대 미국 미술품 구매에 할당했다.[16]제2차 세계 대전 이후, 미국에서 '공공미술'이라는 용어가 탄생했다.[53] 전후 미국에서는 연방 정부나 지방 정부가 예술가 지원을 위해 적극적으로 예술 작품을 발주했고, 1950년대~1960년대 도시 재개발 정책과 맞물려 도시에 예술 작품이 설치되면서 공공미술이 본격적으로 발전하기 시작했다.
특히 건축비의 일정 비율을 예술품 구입에 사용하도록 하는 '퍼센트 프로그램'이 대표적이다. 1959년 미국 필라델피아 시에서 처음 제정된 이후, 1963년에는 연방 정부 차원에서도 퍼센트 프로그램(0.5%)이 도입되었다.[56] 1965년에는 전미 예술 기금이 설립되어 퍼센트 프로그램 시행 및 공공미술 지원을 재정적으로 뒷받침했다.
1970년대에는 공공 공간에 대한 시민권 운동의 요구, 1960년대 말 도시 재생 프로그램과 예술적 노력 간의 제휴, 그리고 조각에 대한 수정된 아이디어에 따라 공공 미술에 대한 접근 방식이 근본적으로 바뀌었다.[23] 공공 미술은 단순한 장식이나 공공 공간에서의 공식적인 국가 역사 시각화를 넘어선 지위를 획득하고, 더 대중을 위한 것이 되었다.[16]
2. 3. 1. 환경 공공미술
1970년대와 1980년대 사이, 젠트리피케이션과 생태 문제는 공공미술의 주요 주제로 떠올랐다. 랜드 아트 개념에서 나타나는 개인적이고 낭만적인 은둔, 그리고 도시 환경과 자연을 다시 연결하려는 시도는, 미국 예술가 아그네스 데네스의 ''밀밭 - 대결''(1982)과 요제프 보이스의 ''7000 그루의 참나무''(1982)와 같은 프로젝트에서 환경 문제에 대한 예술가들의 주장을 보여준다.[23] 두 프로젝트는 모두 녹색 도시 설계를 통해 환경에 대한 인식을 높이는 데 중점을 두었다. 데네스는 맨해튼 도심에 2에이커(약 8,093 제곱미터, 8093m2) 규모의 밀밭을 조성했고, 보이스는 독일 카셀에 7000그루의 참나무와 현무암 블록을 심었다. 최근에는 버려진 부지를 녹지 공간으로 바꾸는 도시 재생 사업에 공공미술이 활용되기도 한다. 뉴욕 시의 철도 일부를 개조하여 만들어진 하이라인의 위탁 프로그램인 2009년 하이라인 아트와, 2012년부터 야외 현대 미술 전시회를 개최하는 글라이스드라이에크가 베를린의 철도역 일부를 개조하여 만들어진 도시 공원이 그 예시이다.2. 3. 2. 지속 가능한 공공미술
도시 환경 문제에 대한 대응으로 지속 가능성 개념이 등장하면서 공공미술도 이러한 흐름에 발맞춰 변화하고 있다. 지속 가능한 개발은 경제, 사회, 생태적 측면을 모두 포함하며, 지속 가능한 공공미술은 도시 재생 및 해체 계획까지 고려한다. 지속 가능한 예술은 공공 공간의 요구에 부응하는 것을 목표로 한다.론 핀리는 사우스 센트럴 L.A.에서 '갱스타 가드너'(또는 게릴라 가드너)로 활동하며, 식량 안보와 식량 정의를 다루는 공공 음식 정원을 조성하는 방식으로 지속 가능성을 주제로 한 공공미술 작품을 선보였다.[26][27][28]
안드레아 지텔은 참가자들이 적극적으로 참여할 수 있는 ''인디애나폴리스 아일랜드''와 같은 작품을 통해 지속 가능성과 영속 농업을 탐구했다.[29][30]
2. 3. 3. 인터랙티브 공공미술
일부 공공 미술은 관객이 직접 체험할 수 있도록 설계되었다. 예를 들어 음악, 조명, 비디오, 물 등을 이용한 인터랙티브 공공 미술이 있다. 온타리오 과학 센터 앞에는 스티브 만이 만든 분수이자 악기(유압 오르간)가 설치되어 있는데, 사람들은 물줄기를 막아 소리를 낼 수 있다.[32] 1980년 짐 팔라스는 미시간주 디트로이트에 대규모 옥외 만다라 조명 작품 "빛의 세기"(Century of Light)를 설치했는데, 이 작품은 레이더로 감지된 소리와 움직임에 복잡하게 반응했다 (25년 후 실수로 파괴됨).레베카 해커만(Rebecca Hackemann)의 2015년 작품 "공공 발언 머신"(The Public Utteraton Machines)"과 2008, 2013, 2021, 2022년에 제작된 "[https://www.codaworx.com/projects/the-urban-field-glass-project-none/ 도시 현장 유리 프로젝트"(The Urban Field Glass Project) / [https://stanfordmag.org/contents/envisioning-chinatown 비전적 관광 쌍안경](Visionary Sightseeing Binoculars) 2"도 인터랙티브 공공 미술의 예시이다. 공공 발언 머신은 제프 쿤스의 "스플릿 로커"(Split Rocker)와 같은 뉴욕의 다른 공공 미술에 대한 사람들의 의견을 기록하고 온라인에 응답을 표시한다.
2. 3. 4. 새로운 장르의 공공미술
1990년대에 일부 예술가들은 공공 공간에서 예술적 사회 개입을 요구했다. 이러한 노력은 "상황적 예술", "관계적 예술", "참여 예술", 대화 예술, "지역 기반 예술", "행동주의 예술"이라는 용어 외에 "뉴 장르 공공 예술"이라는 용어를 사용했다. 수잔 레이시는 "뉴 장르 공공 예술"을 "정체성 정치 및 사회적 행동주의와 연결된 다양한 관객을 위한 사회 참여적, 상호 작용적 예술"로 정의한다.[16] 멜 친의 Fundred Dollar Bill Project는 상호 작용적이고 사회 운동가적인 공공 예술 프로젝트의 한 예이다.[33] 뉴 장르 공공 예술은 사회 문제를 은유적으로 반영하기보다는 미적 매력을 유지하면서 소외된 집단을 명시적으로 강화하려고 노력했다.[16][34] 한 예로, 큐레이터 메리 제인 제이콥의 1993년 공공 예술 전시회 "액션 속의 문화"는 전통적인 미술관을 방문하지 않는 관객들과의 교류를 통해 사회 시스템을 조사했다.[16]2. 4. 큐레이팅된 공공미술
1970년대 공공 미술 기금과 같은 도시 문화 정책은 공공 미술 담론을 국가적 수준에서 지역적 수준으로 이동시켰다.[23] "큐레이션된 공공 미술"은 공공 미술 제작 방식을 정의하는 데 사용되며, 큐레이터가 주도적인 역할을 하는 것이 특징이다.
큐레이터는 제3자를 위해 공공 미술 작품 제작을 수행하고 감독하거나, 큐레이터-중재자와 협력하여 커뮤니티나 대중이 작품을 위탁하기도 한다. 전자의 경우, 1977년 도리스 C. 프리드먼이 시작한 공공 미술 기금[36]은 미술 할당제를 사용하는 새로운 접근 방식을 도입했다. 2005년 네온 시차 프로젝트를 통한 제네바의 공공 미술 기금도 이에 해당한다. 후자의 경우, 프랑스 재단이 1990년 프랑수아 에르와 함께 시작한 ''새로운 후원자들''[37]은 커뮤니티의 소망에 부응하는 공공미술을 추구한다. 2009년부터 시작된 뉴욕의 하이라인도 유사한 사례이다. 카메룬 두알라에서 1991년에 시작된 doual'art 프로젝트는 커뮤니티, 예술가, 위탁 기관을 연결하는 시스템을 기반으로 한다.
2. 5. 기념비적 공공미술
개인, 단체 또는 사건을 기리는 기념물은 때때로 공공 미술을 통해 표현된다. 예를 들어 마야 린의 워싱턴 D.C. 베트남 전쟁 기념관, 팀 테이트의 뉴올리언스 에이즈 기념비, 그리고 일본 히로시마 평화 기념 공원에 있는 단게 겐조의 ''원폭 희생자 위령비''가 있다.[38]3. 공공미술의 특징
공공미술은 대중에게 공개된 장소에 설치되어 누구나 쉽게 접근할 수 있으며, 작품이 설치되는 장소와 그곳에 사는 사람들과의 관계, 즉 '장소 특정성'을 중요하게 생각한다.[6][16] 사회적인 메시지를 담고 있지만, 보는 사람이 스스로 생각하고 결론을 내릴 수 있도록 열린 결말을 제시한다.[16]
정부, 지방 자치 단체, 기업 등이 설치를 의뢰하고, 커뮤니티나 주민들이 설치 장소의 특성을 고려하여 미술가와 협력하는 등 여러 사람들의 협력과 이해를 통해 만들어진다. 피라미드나 개선문처럼 권력자들이 만든 기념물이나 길모퉁이의 동상도 공공미술의 오랜 역사 중 하나이며, 현대에는 건축물 자체가 공공미술로 여겨지기도 한다.
공공미술 작품은 강풍이나 낙서 등에도 훼손되지 않도록 튼튼하고 유지 보수가 쉬운 재료로 만들어지는 경우가 많지만, 예술 행사 기간 동안만 설치되는 경우에는 쉽게 파손되는 재료를 사용하기도 한다. 영구적으로 전시되는 작품은 건축이나 공원의 일부로 설치되기도 한다. 미술관에서 혼자 감상하는 것과는 달리, 일상 공간에서 여러 사람이 동시에 체험할 수 있다는 특징이 있으며, 작가는 개인적인 표현보다는 공공에 열린 표현을 추구하며, 관람객들은 공동으로 체험하고 그 경험을 공유하면서 새로운 공동체를 만들어나갈 수 있다.[54]
공공미술은 미국에서 대공황 이후 뉴딜 정책의 일환으로 연방 미술 계획이 진행되면서 시작되었다.[53] 실업 상태의 미술가들이 벽화나 공공 건축의 조각을 만드는 일에 참여하면서, 시민들은 예술 작품을 더 가까이에서 접할 수 있게 되었다.
1950년 프랑스에서 처음으로 '1% 프로그램'이 도입된 이후,[53] 1959년에는 미국 필라델피아 시에서, 1963년에는 연방 정부에서 이 제도를 도입했다.[56] 1965년에는 전미 예술 기금이 설립되어 공공미술을 지원하고 있으며, 일본에서도 퍼센트 프로그램 도입을 위한 움직임이 있다.[57]
캐나다 퀘벡 주는 공공 예산으로 지어지는 모든 건물에 대해 건축비의 1%를 예술품에 사용하도록 규정하고 있으며, 뉴욕시는 시 소유의 모든 공공 건축에 대해 건축비의 일정 비율을 예술품에 사용하도록 법으로 정하고 있다.[58] 영국에서는 지방 자치 단체의 재량에 따라 퍼센트 프로그램을 결정할 수 있다.
일본에서는 1961년 우베시에서 시작된 '우베시 야외 조각전'을 계기로, 1964년부터 조각으로 도시를 꾸미는 사업이 시작되었다.[59] 1963년에는 고베시에서 '스마 리큐 공원 현대 조각전'이 시작되어 비슷한 사업이 진행되었으며, 1970년대 후반부터는 '조각이 있는 거리 만들기'가 일본 각지에서 경쟁적으로 이루어졌다.[53]
1990년대에는 기타가와 후람이 연출한 파레 다치카와, 난조 후미오가 연출한 유메오카오카 등이 유명하다.
공공미술은 러시아 혁명 시기 볼셰비키에 의해 정치적인 목적으로 사용되기도 했다. 블라디미르 레닌은 혁명의 영웅들의 조각상을 만들어 설치하는 정책을 추진했다. 키스 해링이나 뱅크시와 같은 일부 예술가들은 낙서나 무단 설치 등 게릴라적인 방식으로 '공공미술'을 제작하기도 하는데, 이러한 '공공미술'은 시민들의 지지를 받기도 하지만, 환경을 악화시킨다는 비판을 받기도 한다.
공공미술이 증가하면서, 지방 자치 단체의 획일적인 사업 추진이나 표현을 둘러싼 논쟁이 발생하기도 하며, 관리 소홀로 방치되는 공공미술은 '''조각 공해'''라고 불리기도 한다. 1981년 뉴욕 포리 스퀘어에 설치되었던 리처드 세라의 '기울어진 아치'는 시민들의 반발로 인해 철거된 대표적인 사례이다.
3. 1. 대중 접근성
공공미술은 물리적 또는 시각적으로 대중에게 접근 가능해야 한다.[13][14] 공공미술이 사유지에 설치된 경우에도 일반 대중의 접근 권한은 여전히 존재한다.[15]공공미술은 "그것이 존재하는 장소와 커뮤니티에 대한 응답으로 만들어진" 장소 특정성과 내용과 대중 간의 관계를 특징으로 한다.[6][16] 체르 크라우스 나이트(Cher Krause Knight)는 "미술의 공공성은 청중과의 교류의 질과 영향에 달려 있다... 가장 공공적인 수준에서 미술은 지역 사회 참여의 기회를 확대하지만 특정 결론을 요구할 수는 없다"며, 사회적 아이디어를 제시하지만 대중이 스스로 결론을 내릴 여지를 남긴다고 말한다.[16]
3. 2. 공공 프로세스 및 공공 자금
공공 미술은 지역 사회의 참여와 협업으로 특징지어지는 경우가 많다.[13][4][16] 공공 예술가와 단체는 건축가, 제작자/건설 노동자, 지역 주민 및 지도자, 디자이너, 자금 지원 기관 등과 협력하여 작업하는 경우가 많다.[17]공공 미술은 지역 사회 예술 교육 및 예술 공연을 포함할 수 있는 공식적인 "공공 장소 예술" 프로그램을 통해 제작되고 제공되는 경우가 많다.[17] 이러한 프로그램은 미술 장려 계획을 통해 정부 기관에서 자금을 지원받을 수 있다.[13][18]
3. 3. 내구성
공공 미술 작품은 안정성과 영구성을 위해 계획되고 설계된다.[5] 물리적인 공공 영역에 설치되거나 노출되기 때문에 안전하고 내구성이 뛰어난 재료가 필요하다. 공공 미술 작품은 자연 환경(태양, 바람, 물)과 인간의 활동을 견딜 수 있도록 설계된다. 미국에서는 이전되거나 판매될 수 있는 갤러리, 스튜디오 또는 박물관 미술 작품과 달리, 공공 미술은 1990년 시각 예술가 권리법(VARA)에 의해 법적으로 보호받으며, 판매 또는 철거를 위해서는 공식적인 제적 절차가 필요하다.[4]
4. 공공미술의 형태
공공미술은 설치되는 맥락이나 환경과 얼마나 물리적으로 통합되는지에 따라 여러 형태로 나눌 수 있다. 이 형태들은 서로 겹쳐질 수 있으며, 특정 환경에 통합되는 형태에 따라 서로 다른 유형의 공공미술이 사용된다.[13][19]
- 독립형: 조각, 동상, 구조물 등이 있다.
- 통합형: 부조, 언덕 조각, 지상 조형물, 암각화, 모자이크, 디지털 조명 등이 있다.
- 부착형: 벽화, 건물 부착 조각 등이 있다.
- 설치형: 대중교통역 미술과 같이 예술 작품과 장소가 상호 내재된 경우이다.
- 덧없는 형태: 공연, 임시 설치 등과 같이 비영구적인 형태이다. 위태로운 돌 균형이나 색깔 있는 연기 등이 있다.[20][21][22]
4. 1. 독립형
독립형 공공미술에는 조각, 동상, 구조물 등이 있다.[13][19]4. 2. 통합형
건물이나 환경에 통합되는 형태로는 부조, 언덕 조각, 지상 조형물, 암각화, 모자이크, 디지털 조명 등이 있다.[13][19]4. 3. 부착형
벽화, 건물 부착 조각 등 표면에 적용되는 형태이다.[13][19]4. 4. 설치형
예술 작품과 장소가 상호 내재된 형태이다. 예를 들어 대중교통역 미술이 있다.[13][19]4. 5. 덧없는 형태
공연, 임시 설치 등과 같이 비영구적인 형태이다. 예를 들어 위태로운 돌 균형이나 색깔 있는 연기 사례가 있다.[20][21][22]5. 논란
공공미술은 작품의 내용, 형태, 설치 과정 등과 관련하여 종종 논란의 대상이 되기도 한다.
1986년 시작된 미국 미시간주 디트로이트의 하이델베르크 프로젝트는 그 현란한 외관으로 인해 수십 년 동안 논란이 되었다.
미술상이나 야외 조각 공모전에서 구입하여 설치 장소를 고려하지 않은 조각은 지역 커뮤니티에서 무시되어 방치되거나, 장소에 비해 너무 작거나 커서 감상에 적합하지 않은 경우도 많다. 이처럼 개인적인 표현과 공공성이 충돌하는 경우도 있다.
조각이 있는 거리를 목표로 많은 조각품이 제작된 도시에서는, 종종 당시의 시 당국만 열심이고 시민과는 작품이 동떨어져 있거나, 시 당국의 후임자가 열의가 없어, 훗날 시민들의 반발("세금 낭비", "작품과 이 장소나 이 도시에 아무런 관련이 없다" 등의 비판)이 발생하기도 한다. 또한 시민과 시청 양쪽으로부터 관심이 사라져, 결국 관리가 이루어지지 않아 더럽고 흉하게 변하는 작품이나 훼손되는 작품이 나오기도 한다.
5. 1. 주요 논란 사례
리처드 세라의 미니멀리스트 작품 ''기울어진 아치''는 1981년 뉴욕 시 폴리 광장에 설치되었으나, 사무실 직원들이 업무에 지장을 준다고 불만을 제기하여 1989년 철거되었다. 공개 법정 심리에서 해당 작품의 지속적인 전시를 반대하는 판결이 내려졌다.[39] 빅터 파스모어의 작품 ''아폴로 파빌리온''은 영국 피터리에서 지역 정치인들과 다른 단체들이 도시의 통치와 자원 할당에 대해 불만을 제기하는 대상이 되었다. 2003년 발틱 현대 미술 센터가 제인 앤 루이즈 윌슨에게 이 작품에 대한 비디오 설치 작품을 의뢰하면서 이 작품의 명성을 회복하기 위한 캠페인이 벌어졌다.샘 듀란트의 ''스캐폴드''(2017)는 워커 아트 센터 정원에 설치되었으며, 정부가 집행한 일곱 건의 교수형에 사용된 교수대를 형상화했다. 아메리카 원주민 단체들은 이 작품을 불쾌하게 여겼는데, 이는 38명의 다코타족이 미국 미네소타주 맨케이토에서 교수형에 처해졌기 때문이다. 작가는 작품을 해체하고 부족 원로들이 불태우고 매장하도록 허락했다.[40]
모리스 아기스의 ''드림스페이스 V''는 영국 체스터-르-스트리트에 설치된 거대한 풍선 미로였는데, 2006년 강풍에 고정 밧줄이 끊어져 약 9.14m 상공으로 날아가면서 안에 갇힌 30명의 사람들 중 두 명의 여성이 사망하고 세 살짜리 여자 아이가 심각한 부상을 입었다.[41]
론 로버트슨-스완의 ''볼트''는 멜버른 시티 스퀘어에 세워진 추상적인 노란색 다각형 구조물로, 시각적으로 너무 혐오스러워서 여러 번 옮겨졌고, 대중들로부터 인종차별적인 색상 은유인 ''옐로우 페릴''로 불렸다.[42][43]
미국에서는 기념물과 추모물과 관련하여 수많은 논란이 있었으며, 이 중 많은 논란은 미국 남북 전쟁 이후 미국 남부 동맹의 군인과 지도자들에게 헌정된 공공 기념물과 관련이 있다.
한국에서도 공공미술이 증가하면서, 일부에서는 지방자치단체가 획일적으로 추진하는 안이한 사업이 비판받거나 표현을 둘러싼 논쟁이 발생하는 작품도 나타난다. 공공미술이 일으키는 불쾌감(의미를 알 수 없는 추상 조각, 진부하고 평범한 조각, 형태·색채·정치적 의도가 불쾌한 것에 대한 혐오감)이나, 관리가 제대로 되지 않아 방치되는 공공미술의 비참한 상태는 종종 "조각 공해"라고 조롱받는다.
6. 온라인 문서화
온라인 공공미술 데이터베이스는 1990년대와 2000년대에 웹 기반 데이터 개발과 함께 등장했다. 온라인 공공미술 데이터베이스는 일반적이거나 선택적(조각 또는 벽화로 제한)일 수 있으며, 정부, 준정부 또는 독립 기관에서 운영될 수 있다. 스미소니언 아메리카 미술관의 미국미술 아카이브와 같은 일부 온라인 데이터베이스는 현재 6,000점 이상의 작품을 보유하고 있다.[44]
국립예술기금, 웨스태프, 퍼블릭 아트 펀드, 크리에이티브 타임 등을 포함하여 수많은 지역의 공공 미술 작품을 다루는 온라인 공공 미술 데이터베이스를 유지 관리하는 수십 개의 비정부 기구 및 교육 기관이 있다.[45] 'Public Art Online'은 영국을 중심으로 공공 미술 작품, 에세이 및 사례 연구 데이터베이스를 유지 관리한다.[46] 영국에 기반을 둔 공공미술 연구소는 6개 대륙의 공공 미술에 대한 정보를 유지 관리한다.[47]
위키프로젝트 공공미술 프로젝트는 2009년에 시작되었으며 전 세계의 공공 미술을 기록하기 위해 노력했다. 이 프로젝트는 학계의 초기 관심을 받았지만, 주로 임시 학생들의 기여에 의존했다.[48] 현재 그 상태는 알려져 있지 않다.
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