잉태 (영화)
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1. 개요
잉태 (영화)는 에드먼드 엘리아스 머히지 감독의 1980년대 후반 영화로, 신의 죽음과 부활, 지구의 탄생과 고통을 다룬 실험적인 작품이다. 영화는 충격적인 장면으로 시작하여 어머니 지구와 지구의 아들의 기형적인 모습을 통해 창조 신화, 종교, 오컬트적 주제를 다룬다. 독특한 시각 효과와 흑백 필름을 사용하여 제작되었으며, 배급의 어려움으로 인해 개인 상영회를 통해 알려지다가, 평론가 수전 손택의 지지로 극장 개봉을 하게 되었다. 비평가들 사이에서 호불호가 갈렸지만 컬트 영화로 자리 잡았으며, 마릴린 맨슨의 뮤직 비디오에 영향을 미치기도 했다. 머히지는 이 영화를 시작으로 '잉태 사이클'이라는 3부작을 제작했다.
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| 잉태 (영화) - [영화]에 관한 문서 | |
|---|---|
| 기본 정보 | |
 | |
| 장르 | 실험 공포 영화 |
| 감독 | E. 엘리아스 메리지 |
| 제작자 | E. 엘리아스 메리지 |
| 각본가 | E. 엘리아스 메리지 |
| 출연 | Brian Salzberg Donna Dempsey Stephen Charles Barry |
| 촬영 감독 | E. 엘리아스 메리지 |
| 편집자 | Noëlle Penraat |
| 음악 | Evan Albam |
| 개봉일 | 몬트리올 세계 영화제 (1989년 10월 24일) |
| 상영 시간 | 72분 |
| 국가 | 미국 |
| 언어 | 영어 (자막) |
| 스튜디오 | Theatreofmaterial |
| 배급사 | World Artists Home Video |
| 제작 예산 | 33,000 달러 (추정) |
2. 줄거리
영화는 예복을 입고 피를 흘리는 ‘신’(神)이 스스로 배를 가르고 내장을 꺼내어 죽는 장면으로 시작한다. 그 시체 속에서 ‘어머니 지구’가 나타나 신의 시체에서 얻은 정액으로 스스로 임신한다. 광활하고 척박한 곳을 방황하던 어머니 지구는 다 자란 기형적인 남자를 낳는다. ‘지구의 아들’은 한 무리의 무표정한 유목민들을 만나는데, 유목민들은 탯줄 또는 밧줄로 지구의 아들을 묶어 붙잡는다. 지구의 아들은 유기물질을 구토하고, 유목민들은 이것을 축복으로 받아들인다. 마침내 유목민들은 그를 불속으로 끌고 가 불태운다.[1]
어머니 지구는 부활한 아들을 발견하고 그를 도우려 한다. 그녀는 탯줄 또는 밧줄과 유사한 줄로 그를 묶는다. 그때 유목민들이 다시 나타나 어머니 지구를 강간하고 죽인다. 지구의 아들은 죽은 어머니 곁에 남겨져 울부짖는다. 여러 명의 사람들이 나타나 어머니 지구를 옮긴 뒤 시체를 훼손한다. 그 뒤 지구의 아들에게로 와서 그 역시 죽인 뒤 시체를 훼손한다. 사람들은 시체 토막들을 땅 여기저기에 골고루 나눠 심는다. 그 묻힌 곳에 꽃이 우거지게 핀다.[1]
3. 출연진
4. 제작
에드먼드 엘리아스 머히지는 뉴욕 주립 대학교에서 공부했으며, 맨해튼에서 여러 공연을 관람한 후 연극에 관심을 갖게 되었다.[1] 그는 극 중 배우들이 드라마틱한 움직임을 통해 고도로 시각화된 형태의 스토리텔링을 연출하는 것에 매료되었으며, 특히 일본 부토 무용단 산카이주쿠의 공연에 매료되었다.[1][2] 이러한 경험을 바탕으로 머히지는 뉴욕시에 실험 연극 제작 회사인 Theatreofmaterial을 설립했다.[1]
머히지에 따르면 《잉태》의 개발은 1980년대 중후반에 시작되었으나, 일부 자료에서는 1984년에 시작된 것으로 보고 있다. 초기에 링컨 센터에서 오케스트라 반주와 함께 공연하는 댄스 프로덕션으로 기획했으나, 제작비 문제로 인해 영화로 제작하기로 결정했다.
머히지와 Theatreofmaterial 멤버들은 함께 각본을 개발하면서 영화를 무성 영화로 만들고, 영화 내러티브의 전통적인 구조 대신 실험적인 이야기를 선택했다. 이들은 의례적인 호흡 운동을 통해 히스테리 상태에 도달하고, 이러한 경험을 영화에 재현하고자 했으며, 대부분의 감독과 배우들이 피하는 "가장자리 감정"을 이끌어내고자 했다.[1] 히에로니무스 보스, 에드바르드 뭉크, 프란시스코 고야의 그림과 안토냉 아르토, 프리드리히 니체의 철학적 개념이 영화에 큰 영향을 미쳤다. 각본 초고는 6개월 만에 완성되었다.
주요 촬영은 1980년대 중후반에 시작되어 3개월에서 5개월 반 동안 진행되었다.[1] 머리지는 촬영 감독과 특수 효과를 포함하여 제작 과정에서 여러 역할을 맡았으며, 16mm Arriflex 카메라와 흑백 리버설 필름을 사용했다. 영화 ''그리스드 라이트닝''(1977)과 ''아이, 더 쥬리''(1982) 세트에서 일했던 셀리아 브라이언트가 이 영화의 의상 디자이너로 이름을 올렸다.
신이 자신의 배를 가르는 장면, 그리고 그의 잔해에서 어머니 지구(Mother Earth)가 나타나는 장면은 가장 먼저 촬영되었다. 영화의 대부분은 뉴욕시와 뉴저지주 경계에 있는 공사장에서 촬영되었는데, 머리지는 건설 인부들이 일하지 않는 20일 동안 촬영할 수 있도록 허가를 받았다. 건설 현장 직원들은 산의 모습을 촬영해야 할 때 풍경을 만드는 등 때때로 영화 제작진을 도왔다. 타임랩스로 촬영한 일출과 일몰 장면은 감독이 직접 촬영했으며, 샌타페이 또는 앨버커키 근처 산에서 이틀을 보냈다. 땅에서 싹이 트는 식물의 추가 시퀀스는 머리지가 직접 제작한 큰 온실 내부에서 촬영되었다.
머히지는 영화가 시간이 지나면서 손상되고 퇴색된 유물처럼 보이기를 의도했다. 그는 Kin-O-Lux Labs라는 작은 스튜디오에서 필름을 현상하고, 직접 필름을 현상하는 방법을 배웠다. '재사진술' 과정을 통해 필름 릴에서 보이는 스펙트럼에서 거의 모든 회색 중간톤을 제거하여 극단적인 흑백 대비만 남게 되었다.[1]
《잉태》는 시작 자막을 제외하고는 대사가 전혀 없다. 사운드트랙과 음향 효과는 에반 알밤이 작곡하고 믹싱했다. 음악은 앰비언트하고 진혼곡과 같으며, 새의 울음 소리, 곤충 소리, 심장 소리 등 자연의 소리로 강화되었다.
4. 1. 개발 및 사전 제작
에드먼드 엘리아스 머히지는 뉴욕 주립 대학교에서 공부했으며, 맨해튼에서 여러 공연을 관람한 후 연극에 관심을 갖게 되었다.[1] 그는 극 중 배우들이 드라마틱한 움직임을 통해 고도로 시각화된 형태의 스토리텔링을 연출하는 것에 매료되었으며, 특히 일본 부토 무용단 산카이주쿠의 공연에 매료되었다.[1][2] 머히지는 이러한 경험을 바탕으로 뉴욕시에 실험 연극 제작 회사인 Theatreofmaterial을 설립했다.[1]머히지에 따르면 《잉태》의 개발은 1980년대 중후반에 시작되었으나, 일부 자료에서는 1984년에 시작된 것으로 보고 있다. 머히지는 초기에 링컨 센터에서 오케스트라 반주와 함께 공연하는 댄스 프로덕션으로 기획했으나, 제작비 문제로 인해 영화로 제작하기로 결정했다.
머히지는 Theatreofmaterial의 멤버들과 함께 각본을 개발했다. 이들은 영화를 무성 영화로 만들고, 영화 내러티브의 전통적인 구조 대신 실험적인 이야기를 선택했다. 머히지와 Theatreofmaterial은 대부분의 감독과 배우들이 피하는 "가장자리 감정"을 이끌어내고자 했다.[1] 이들은 의례적인 호흡 운동을 통해 히스테리 상태에 도달하고, 이러한 경험을 영화에 재현하고자 했다.[1] 히에로니무스 보스, 에드바르드 뭉크, 프란시스코 고야의 그림과 안토냉 아르토, 프리드리히 니체의 철학적 개념이 영화에 큰 영향을 미쳤다. 각본 초고는 6개월 만에 완성되었다.
머히지는 《잉태》의 각본에 대해 다음과 같이 설명했다.
4. 2. 촬영
주요 촬영은 1980년대 중후반에 시작되어 3개월에서 5개월 반 동안 진행되었다.[1] 머리지는 촬영 감독과 특수 효과를 포함하여 제작 과정에서 여러 역할을 맡았으며, 16mm Arriflex 카메라와 흑백 리버설 필름을 사용했다. 영화 ''그리스드 라이트닝''(1977)과 ''아이, 더 쥬리''(1982) 세트에서 일했던 셀리아 브라이언트가 이 영화의 의상 디자이너로 이름을 올렸다.신이 자신의 배를 가르는 장면, 그리고 그의 잔해에서 어머니 지구(Mother Earth)가 나타나는 장면은 가장 먼저 촬영되었다. 영화의 대부분은 뉴욕시와 뉴저지주 경계에 있는 공사장에서 촬영되었는데, 머리지는 건설 인부들이 일하지 않는 20일 동안 촬영할 수 있도록 허가를 받았다. 건설 현장 직원들은 산의 모습을 촬영해야 할 때 풍경을 만드는 등 때때로 영화 제작진을 도왔다. 타임랩스로 촬영한 일출과 일몰 장면은 감독이 직접 촬영했으며, 샌타페이 또는 앨버커키 근처 산에서 이틀을 보냈다. 땅에서 싹이 트는 식물의 추가 시퀀스는 머리지가 직접 제작한 큰 온실 내부에서 촬영되었다.
4. 3. 후반 작업
머히지는 영화가 시간이 지나면서 손상되고 퇴색된 유물처럼 보이기를 의도했다. 광학 프린터를 사용하여 각 1분 분량을 처리하는 데 8~10시간의 노동이 필요했다. 머히지는 Kin-O-Lux Labs라는 작은 스튜디오에서 필름을 현상하고, 직접 필름을 현상하는 방법을 배웠다. '재사진술' 과정을 통해 필름 릴에서 보이는 스펙트럼에서 거의 모든 회색 중간톤을 제거하여 극단적인 흑백 대비만 남게 되었다.[1]4. 4. 음악 및 음향 효과
《잉태》는 시작 자막을 제외하고는 대사가 전혀 없다. 사운드트랙과 음향 효과는 에반 알밤이 작곡하고 믹싱했다. 음악은 앰비언트하고 진혼곡과 같으며, 새의 울음 소리, 곤충 소리, 심장 소리 등 자연의 소리로 강화되었다.5. 분석
영화 <잉태>는 죽음과 부활, 종교, 신화, 오컬트 등 다양한 주제를 다루고 있다. 특히, 신의 죽음과 부활, '어머니 지구'와 '지구의 아들'의 고통과 희생은 창조 신화와 기독교적 상징을 연상시킨다.
영화는 예복을 입은 '신'이 할복하여 스스로 목숨을 끊는 장면으로 시작한다. 신의 시체에서는 '어머니 지구'가 나타나고, 그녀는 신의 정액으로 스스로 임신한다. 광활하고 척박한 땅을 방황하던 어머니 지구는 기형적인 '지구의 아들'을 낳는다. 지구의 아들은 유목민들에게 붙잡혀 불에 타 죽지만, 어머니 지구에 의해 부활한다. 그러나 유목민들은 다시 나타나 어머니 지구를 강간하고 살해하며, 지구의 아들 역시 죽임을 당한다. 이후 사람들은 이들의 시체를 훼손하여 땅에 묻고, 그 자리에서 꽃이 피어난다. 이러한 과정은 죽음과 부활의 순환을 보여주는 것으로 해석할 수 있다.
5. 1. 죽음과 부활
영화 <잉태>는 죽음과 부활이라는 주제를 중심으로 이야기가 전개된다. 영화 속 인물들은 폭력적인 행위에 시달리며 고통, 죽음, 부활의 과정을 겪는다. 작가 존 케네스 무어는 이러한 묘사가 '지구의 아들'의 여정을 통해 나타나며, 농작물 심기를 위한 인류의 고통스러운 노동에 비유될 수 있다고 설명한다. 즉, 큰 고통을 통해 생명이 탄생하는 것에 대한 비유라는 것이다.무어에 따르면 영화의 등장인물들은 인류와 지구의 특정 측면을 나타내며, 생명, 죽음, 갱신의 묘사는 사계절을 상징한다. 감독 머리지 역시 영화 속 등장인물과 사건들이 생명과 인류가 자연과 겪는 투쟁에 대한 은유라고 말했다.
영화 연구 학자 윌리엄 E.B. 베로네는 관객들이 영화 속 등장인물들에게 가해지는 고통을 통해 그들을 애도하고, 마지막에 등장인물들의 무덤에서 피어나는 꽃을 보며 상징적으로 구원받는다고 주장한다. 제이슨 우드는 영화의 "공포와 부패의 근원으로서의 신체에 대한 환기"가 루이스 부뉴엘과 데이비드 린치의 초현실주의 작품을 연상시킨다고 말했다. 또한, 영화의 거친 모습과 풍경은 러시아 영화 제작자 알렉산드르 소쿠로프의 작품에서 되풀이되는 절망과 황폐함의 주제와 비교되기도 한다.
5. 2. 종교, 신화, 오컬트
영화 ''잉태''는 기독교 신화, 켈트 신화, 슬라브 이교주의, 그리고 다양한 창조 신화와의 연관성으로 주목받았다. 머히지는 영화가 의도적으로 신화의 일부처럼 보이도록 구성했다고 밝혔다. 영화의 전제는 고대 신화에 기초하여 신적 존재의 탄생과 그 이후의 고난을 이야기하며, 지구의 탄생과 고통에 대한 수수께끼 같은 수난극으로 묘사된다.일부 평론가들은 영화 ''잉태''가 죽음과 부활의 근본적인 모티프를 담고 있다고 제안했다. 엘레인 듀트카는 이러한 잠재적인 주제가 머리지가 19세에 겪었던 임사 체험에서 영감을 받았을 수 있다고 보았다.
작가이자 독립 영화 제작자인 존 케네스 무어는 고통, 죽음, 부활의 묘사를 지구의 아들 캐릭터와 그의 여정 속에 담긴 것으로 묘사했다. 무어는 이 캐릭터의 학대가 농작물 심기를 위한 인류의 "고통스러운" 지구 노동에 비유될 수 있으며, 큰 고통을 통해 생명을 낳는 것에 대한 알레고리로 볼 수 있다고 주장한다. 무어에 따르면 영화의 등장인물들은 또한 인류와 지구 자체의 특정 측면을 나타냈으며, 생명, 죽음, 갱신의 묘사는 사계절을 상징했다. 머리지 자신도 영화에 묘사된 등장인물과 사건들이 생명과 인류가 자신과 자연과 겪는 투쟁에 대한 은유라고 말했다.
영화 연구 학자 윌리엄 E.B. 베로네는 관객들이 영화 속 등장인물들에게 가해지는 고통과 고뇌를 통해 그들을 애도하도록 유도한다고 주장한다. 베로네에 따르면, 관객은 ''잉태''에서 등장인물들의 무덤에 피어나는 꽃의 시각화를 통해 상징적으로 "구원을 받는다". 제이슨 우드는 영화의 "공포와 부패의 근원으로서의 신체에 대한 환기"가 부뉴엘과 린치의 초현실주의 작품을 연상시킨다고 말했다. 우드는 영화의 거친 모습과 풍경을 러시아 영화 제작자 알렉산드르 소쿠로프의 작품에서 되풀이되는 절망과 황폐함의 주제와 비교했다.
''Film Comment''의 로버트 디마테오는 영화의 인간 등장인물들에게 "신의 눈"이 적용되어 그들의 움직임과 행동이 곤충에 비유된다고 말했으며, 그들은 "개미가 언덕 위로 먹이를 옮길 때의 방식"으로 움직인다. 언론학자 페니 파파게오르고풀루와 디미트리스 차리토스는 ''잉태 (영화)''가 얽혀있는 신화는 인간, 지구, 그리고 종교 사이의 관계를 확립하기 위해 사용되었다고 주장했다. 그들은 신화와 종교의 이러한 혼합을 통해 ''잉태 (영화)''가 인간의 지구 남용을 나타냈다고 말했다. 파파게오르고풀루와 차리토스는 영화의 등장인물들이 표현상으로는 인간이지만, 창세기 창조 이야기와 이집트 신화를 언급하면서 일련의 "비인간적인" 특징을 부여받았다고 말한다.
영화의 오프닝 시퀀스는 일부 출판물의 초점이 되었으며, 그 상징적 특성에 대해 글을 썼다. 마크 사블로브는 줄거리를 신의 죽음과 부활에 대한 우화로 묘사하며, 원초적 존재의 죽음과 해체를 묘사하고 그 폭력적인 행위가 우주의 창조를 가져오는 창조 신화와 유사점을 보인다. 미술사학자 허버트 S. 린덴버거는 영화의 내러티브가 사회 인류학자이자 민속학자인 제임스 프레이저 경이 쓴 창조 신화에 대한 초기 저작들을 재작업한 것이라고 제안했는데, 프레이저는 자신의 독자들에게 "그들의 조상들의 야만성"으로 충격을 주려 했다. "묻힌 신"과 어머니 지구 캐릭터와 같은 모티프는, 린덴버거가 썼듯이 그리스도와 그의 부활과 성모 마리아에 대한 암시를 포함하여 기독교에 대한 상징적인 거울이었다. 리처드 코리스는 영화 평론에서 영화가 '드루이드교의 렌즈를 통해 성경적 이야기를 연출'하며, 창세기, 탄생, 그리고 그리스도의 고문/죽음 이야기가 기독교와 드루이드교에 깊이 스며든 의례적인 방식으로 재현된다고 주장했다. 어니스트 마티스와 제이미 섹스턴은 이 영화가 "디오니소스적 광란 숭배주의의 요소를 영지주의 및 이교 신화와 결합하여 시각화하려는 가장 진지한 시도를 한다"고 주장했다.
초기 창조론과의 서사적 상관관계는 테드 나이턴에 의해 더욱 자세히 쓰여졌는데, 그는 ''잉태 (영화)''를 창조 행위 자체의 표현으로 묘사했다. 소리와 시각적 측면과 같은 영화의 많은 주제적 요소가 시청자들이 영화의 이야기를 '조각을 맞추는' 데 참여하도록 초청하는 것이라고 말했다. 영화의 서사 구조에 대해 스콧 맥도날드는 우화적인 줄거리가 영화 개봉 당시 생명의 기원과 종교에 대한 많은 대중적 태도를 나타내며, 빈 액셔니즘의 파격적인 스타일로 이야기된다고 말한다.
6. 개봉
《잉태》는 1989년 10월 24일 몬트리올 세계 영화제의 일환으로 몬트리올의 괴테-인스티튜트에서 처음 공개 상영되었다.[1],[2], 1990년 샌프란시스코 국제 영화제에서 5월 5일부터 7일까지 3차례 상영되면서 미국 초연을 가졌으며, 같은 해 10월 22일 뉴욕 현대 미술관에서 상영되었고, 감독 메리지의 영화 소개와 관객과의 토론이 이어졌다. 1991년에는 3월 22일 뉴멕시코 현대 미술 센터, 6월 5일 뉴욕 필름 포럼에서 상영되었다.,,
2010년대 중반 이후, 《잉태》는 여러 영화제에서 상영되었다. 2014년 10월 브루클린 스펙터클 극장의 연례 "Spectober" 행사,, 2015년 10월 28일 제3회 스펙터 페스트에서 영적 속편인 ''Din of Celestial Birds''와 함께 상영된 후 메리지와의 무대 토론,, 2016년 9월 25일 미드타운 맨해튼 뮤직 박스 극장 25주년 기념 행사(메리지의 16mm 필름, 더블 피처로 ''뱀파이어의 그림자'' 상영, 질의응답), 2019년 10월 17일 라이스 미디어 센터 "Low-Fi" 아날로그 영화 시리즈 기념 행사에서 상영되었다.
6. 1. 배급
편집이 완료된 후, 메리지는 《잉태》의 배급을 맡아줄 배급사를 찾기 위해 2년을 보냈다.[1] 메리지는 잠재적 배급사들에게 영화를 상영했지만, 대부분은 특정 장르에 속하지 않아 마케팅이 어렵다는 이유로 거절했다.[1] 그는 처음에는 "모두가 나를 비웃으며 '우리는 이게 뭔지 모르겠다...'라고 말했다"고 말했다.[1] 메리지는 여러 박물관에 영화를 가져갔고, 두 곳에서 관심을 보였지만, 적절한 선택이 아니라고 느껴 두 곳 모두 거절했다.[1] 그 결과 그는 영화를 매우 소중히 여겨, 자신이 신뢰할 수 있다고 생각하는 사람들에게만 상영했다.[1]이러한 개인 상영회를 통해 영화 평론가 톰 러디와 피터 스칼렛은 영화의 시각적 스타일에 매료되었다.[1] 그들은 어떻게 받아들여질지 확신하지 못했지만, 샌프란시스코 국제 영화제에서 여러 차례 상영회를 열었고, 비평가 수전 손택을 위한 상영회도 가졌다.[1] 손택은 자신의 집에서 개인 상영회를 열었고, 《잉태》의 주요 옹호자 중 한 명이 되었으며, 결국 영화의 극장 개봉을 성사시키는 데 중요한 역할을 했다.[1] 손택은 베를린 국제 영화제에 영화 복사본을 가져가 관심을 보이는 시네아스트들에게 비공식적으로 상영했으며, 이를 걸작이라고 묘사했다.[1] 그녀의 상영회 중 한 곳에서 메리지는 베르너 헤어초크 감독이 영화를 "매우 지지했다"고 말했다.[1]
6. 2. 극장 상영
영화는 1989년 10월 24일 몬트리올 세계 영화제의 일환으로 몬트리올의 괴테-인스티튜트에서 처음 공개 상영되었다.[1],[2], 1990년 샌프란시스코 국제 영화제에서 5월 5일부터 7일까지 3차례 상영되면서 미국 초연을 가졌다.또한 그 해 말 뉴욕의 현대 미술관에서 10월 22일에 초연되었으며, 감독 메리지의 영화 소개 후 관객과의 상영 후 토론이 이어졌다. 1991년 3월 22일에는 뉴멕시코의 현대 미술 센터에서 상영되었고, 뉴욕 시의 필름 포럼에서도 1991년 6월 5일에 영화를 상영했다.,,
2010년대 중반 이후, 《잉태》는 여러 영화제에서 상영되었다. 2014년 10월 브루클린의 스펙터클 극장에서 연례 "Spectober" 영화 행사의 일환으로 상영되었고,, 2015년 10월 28일에 열린 제3회 공포 영화제 스펙터 페스트에서 영적 속편인 ''Din of Celestial Birds''와 함께 상영된 후 메리지와의 무대 토론이 이어졌다., 2016년 9월 25일 미드타운 맨해튼의 뮤직 박스 극장에서 25주년 기념 행사 기간 동안 메리지의 개인 16mm 필름으로 상영되었고, 더블 피처로 감독의 다른 영화 ''뱀파이어의 그림자''와 함께 상영되었으며, 메리지와의 질의응답이 이어졌다. 2019년 10월 17일에는 "Low-Fi" 아날로그 영화 시리즈 기념 행사의 일환으로 라이스 미디어 센터에서 상영되었다.
6. 3. 홈 미디어 및 불법 복제
Begotten영어은 1995년에 VHS로 출시되었고, 2001년에는 DVD로 제한적으로 출시되었다. 영화의 희소성 때문에 팬들은 불법 복제 사본과 디지털 영상 불법 복제를 통해 사본을 유통하기 시작했다. 이러한 불법 복제판은 영화가 더 많이 알려지는 데 기여했으며, 곧 합법적인 배급량을 넘어섰다. 이 영화는 일반적으로 암시장에서 발견되며, 이러한 상황은 영화의 컬트 영화 지위를 더욱 높였다.7. 평가
《잉태》는 영화 평론가들로부터 거의 주목을 받지 못했으며, 대부분의 주류 평론가들은 이 영화를 완전히 무시했다. 영화에 대한 제한적인 리뷰는 엇갈리거나 긍정적이었다. 일부 평론가들은 영화의 독특한 시각적 스타일과 공감되는 주제를 칭찬하는 한편, 노골적인 폭력에 대해 언급했다.[1]
일부 평론가들은 《잉태》가 죽음과 부활의 근본적인 모티프를 담고 있다고 제안했다.[2] 엘레인 듀트카에 따르면, 이러한 잠재적인 주제는 머리지가 19세에 겪었던 임사 체험에서 영감을 받았을 수 있으며, 듀트카는 이것이 머리지에게 지속적인 인상을 남겼다고 말한다.
영화 전체에서 세 명의 주요 등장인물은 극심한 폭력 행위에 시달린다. 작가이자 독립 영화 제작자인 존 케네스 무어는 이러한 고통, 죽음, 부활의 묘사를 지구의 아들 캐릭터와 그의 여정 속에 담긴 것으로 묘사했다. 무어는 이 캐릭터의 학대가 농작물 심기를 위한 인류의 "고통스러운" 지구 노동에 비유될 수 있으며, 큰 고통을 통해 생명을 낳는 것에 대한 알레고리로 볼 수 있다고 주장한다. 무어에 따르면 영화의 등장인물들은 또한 인류와 지구 자체의 특정 측면을 나타냈으며, 생명, 죽음, 갱신의 묘사는 사계절을 상징했다. 영화와 등장인물에 대한 이러한 주제적 묘사는 머리지 자신도 공감했는데, 그는 영화에 묘사된 등장인물과 사건들이 생명과 인류가 자신과 자연과 겪는 투쟁에 대한 은유라고 말한다.
영화 연구 학자 윌리엄 E.B. 베로네는 관객들이 영화 속 등장인물들에게 가해지는 고통과 고뇌를 통해 그들을 애도하도록 유도한다고 주장한다. 베로네에 따르면, 관객은 《잉태》에서 등장인물들의 무덤에 피어나는 꽃의 시각화를 통해 상징적으로 "구원을 받는다". 서사 모티프는 죽음과 부패를 상징하며, 제이슨 우드에 의해 확인되었는데, 그는 영화의 "공포와 부패의 근원으로서의 신체에 대한 환기"가 부뉴엘과 린치의 초현실주의 작품을 연상시킨다고 말했다. 우드는 영화의 거친 모습과 풍경을 러시아 영화 제작자 알렉산드르 소쿠로프의 작품에서 되풀이되는 절망과 황폐함의 주제와 비교했다.
뮤어는 처음에는 이 영화에 대한 반응이 엇갈렸지만, 이후 《잉태》를 "지금까지 만들어진 영화 중 가장 충격적인 영화 중 하나"라고 불렀다. 《페이스트》의 나탈리아 키오간은 이 영화를 가장 훌륭하고 가장 불안한 아방가르드 영화 중 하나로 묘사했다. 여러 출판물에서 이 영화를 역대 가장 충격적인 영화 중 하나로 선정했는데, 여기에는 Highsnobiety (2016), 《엔터테인먼트 위클리》 (2017), 스크린 렌트 (2019), 《NME》 (2023)가 포함된다. 마찬가지로, 《잉태》는 여러 영화 목록에서 상위권을 차지했는데, Joblo.com (2012), 와 《나일론》 (2017)에서 4위, 2018년 GamesRadar+에서 20위, 2021년 Complex Magazine에서 23위를 기록했다. 콜라이더와 무비웹과 같은 출판물은 이 영화를 최고의 아방가르드/실험 영화에 포함시켰으며, 후자는 이 영화를 '잊을 수 없는 공포 실험'으로 묘사했다. 2024년, 무비웹은 이 영화를 "역대 가장 무서운 영화 40편" 목록에 포함시켰다.
이 영화는 메리게가 영화 제작 경력을 계속 이어가는 데 발판을 마련하는 데 기여했다. 《잉태》 개봉 10년 후, 메리게는 《뱀파이어의 그림자》를 연출했다. 《뱀파이어의 그림자》의 공동 제작자인 니콜라스 케이지는 《잉태》에 대한 긍정적인 인상을 바탕으로 메리게를 프로젝트 감독으로 고용하는 것을 옹호했다.
메리게는 나중에 가수 마릴린 맨슨에 의해 그의 노래 "안티크라이스트 슈퍼스타"와 "Cryptorchid"의 뮤직 비디오를 연출하도록 고용되었는데, 후자는 《잉태》에서 차용한 이미지를 사용했다. 맨슨은 《잉태》의 열렬한 팬이었으며, 앨범의 아트 디자이너 P. R. 브라운이 앨범의 커버 아트를 개발하는 동안 영감을 얻기 위해 이 영화를 보게 했다. 앨범을 뮤직 비디오로 각색할 준비를 하면서 맨슨은 개인적으로 메리게에게 연락하여 "Cryptorchid"의 뮤직 비디오를 연출할 의향이 있는지 물었다. 맨슨은 《잉태》가 그의 앨범 《안티크라이스트 슈퍼스타》의 전체 녹음 과정 동안 반복 재생되었다고 말했다. "Cryptorchid"의 뮤직 비디오는 1997년 샌프란시스코 국제 영화제에서 초연되어 골든 게이트 공로상을 수상했다. 이후 맨슨이 "그것에 경악했다"고 주장한 Interscope Records에 의해 출시가 금지되었는데, 이는 나치주의적 이미지, 즉 뉘른베르크 집회와 쿠 클럭스 클랜 린치의 이미지를 사용했기 때문이다. "안티크라이스트 슈퍼스타" 역시 어려움을 겪었고 2010년 유튜브에 유출될 때까지 미발표 상태로 남아 있었다.
8. 유산
《잉태》는 점차 컬트적인 추종자들을 얻었으며, 일부 사람들은 이 영화를 감독의 걸작으로 여기고 있다.[1][2] 여러 출판물에서 이 영화를 역대 가장 충격적인 영화 중 하나로 선정했다. 이 영화는 메리게가 영화 제작 경력을 계속 이어가는 데 발판을 마련하는 데 기여했다. 마릴린 맨슨은 《잉태》의 팬으로, 그의 노래 "안티크라이스트 슈퍼스타"와 "Cryptorchid"의 뮤직 비디오 연출을 메리헤에게 맡겼다.
9. 영향
《잉태》는 여러 아방가르드 및 실험 영화에 영향을 미쳤으며, 여러 예술가들이 영감을 얻었다고 언급하고 있다.[1][2] 마이클 포프의 2001년 실험 영화 《네오복서》는 유사한 시각적 스타일과 "인상주의적 신화"를 포함하고 있어 《잉태》와 비교되었다. 파노스 코스마토스에 따르면, 그의 2010년 영화 《블랙 레인보우》의 회상 시퀀스는 《잉태》에서 직접 영감을 받았다. CHUD.com의 조슈아 밀러와의 인터뷰에서 코스마토스는 회상 시퀀스가 "악화되는 과정에 있는 유물과 같은 모습과 느낌"을 갖기를 원했고, 《잉태》의 시각적 스타일이 이러한 시퀀스에 완벽한 모습이었다고 말했다. Mubi.com의 카일 터너는 2015년 실험 영화 《빌 마리》가 영화적 스타일과 역노출의 사용 측면에서 메리히의 영화와 매우 유사하다고 묘사했다.
칸 에브레놀의 2015년 초현실주의 공포 영화 《바스킨》의 일부 장면은 《잉태》와 비교되었다. 제임스 퀸의 2017년 실험 영화 공포 영화 《보이드의 살》은 여러 평론가들에 의해 스타일과 내러티브 측면에서 메리히의 영화와 유사하다고 묘사되었다. 그러나 퀸은 ''Nightmare on Film Street''과의 인터뷰에서 자신의 영화가 같은 범주에 속하지 않는다고 느꼈다고 말했다. 블레이크 윌리엄스의 2018년 아방가르드 SF 영화 《프로토타입》의 특정 장면은 뉴욕 타임스의 글렌 케니에 의해 《잉태》와 비교되었다. 지미 조 로치의 2018년 실험 단편 영화 《Skin of Man》 역시 《잉태》의 영향을 받았다고 한다.
이 영화의 영향력은 음악가들에게도 미쳤다. 앤드루 M. 윌런 학자는 《잉태》와 같은 컬트 및 언더그라운드 영화는 종종 파워 일렉트로닉스와 같은 동일한 주제적 스타일을 공유하며, 이는 기존의 리듬이 없는 노이즈 음악의 한 형태로, 메리히의 영화를 연상시키는 방식으로 청취자와 비평가 모두에게 강한 반응을 불러일으키는 경우가 많다고 썼다. 1997년, 스웨덴 헤비 메탈 밴드 카타토니아는 세 번째 앨범 《사운즈 오브 디케이》를 발매했는데, 이 앨범의 앞면 커버 아트워크로 《잉태》의 스크린샷이 사용되었다. 웹진 《카오스의 연대기》와의 인터뷰에서 밴드 멤버 요나스 렌크세는 이 이미지를 포함시키게 된 배경이 Avantgarde Music 레코드 레이블의 멤버와의 대화에서 비롯되었다고 회상했다. 2001년 노래 "Sterile Nails and Thunderbowels"의 프로모션 비디오에서 스웨덴 블랙 메탈 밴드 사일런서는 《잉태》의 클립을 자신들의 오리지널 영상과 섞어 사용했다. 미국 음악가 졸라 제수스는 2017년 음악 앨범 《오코비》에 이 영화를 주요 영감으로 꼽았으며, ''ARTnews''와의 인터뷰에서 앨범 개발 과정에서 《오코비》의 오디오 및 비주얼 미학에 도움을 주기 위해 이 영화를 반복 재생했다고 밝혔다. 2018년 로체스터 프린지 페스티벌에서 열린 그들의 실험 음악 작곡 《프랑켄슈타인 벰시!》에서 공연자 데이브 에스포지토와 G. E. 슈워츠는 《잉태》의 일부를 1910년 영화 《프랑켄슈타인》과 혼합하여 라이브 기타 음악, 전자 사운드스케이프, 구술 내레이션, 그리고 영화의 이미지에 텍스트로 추가된 시를 곁들였다. 헤비 메탈 잡지 《데시벨》은 텍사스 고딕 록 밴드 소드 콜렉터의 싱글 "Inherit the Scepter"의 뮤직 비디오를 《잉태》 및 아리 애스터의 2019년 민속 공포 영화 《미드소마》와 비교했다.
10. 속편
영화 《잉태》는 메리게와 언론 매체에서 '잉태 사이클'로 묘사되는 3부작 중 첫 번째 작품이다.[1] 이는 창조 신화와 신비주의의 다양한 측면을 파고드는 일련의 단편 영화 속편으로 이어진다.
첫 번째 속편은 14분 분량의 단편 영화 《천상의 새들의 소리》(Din of Celestial Birds)이다.[2] 메리지는 이 영화에서도 각본, 연출, 제작을 맡았으며, 철학가와 예술가들의 집단인 Q6 제작 그룹의 자금 지원을 받았다. 메리지는 장 콕토의 《시인의 피》(1930), 프리츠 랑의 《메트로폴리스》(1927), 오귀스트 뤼미에르와 루이 뤼미에르의 작품과 같은 무성 영화에서 주요 영감을 얻었다. 그는 "가장 단순하고 순수한 형태의 창조"를 묘사하려고 했다. 종교와 신화가 아닌 진화론에 초점을 맞췄으며, "안녕, 환영합니다... 두려워하지 마세요... 위로받으세요... 기억하세요... 우리의 기원..."이라는 자막으로 시작하여 빅뱅을 묘사하는 이미지가 이어진다. 그런 다음 생명과 지구의 진화를 통해 급속도로 진행된 여정 이후, 빛의 아들(스티븐 찰스 배리)이라는 배아 형태의 유사 인간이 하늘을 향해 손을 뻗으며 장면이 지구의 모습으로 전환되는 것으로 절정에 이른다. 《천상의 새들의 소리》는 2006년 9월 6일 텔루라이드 영화제에서 초연되었고, 이후 9월 15일 터너 클래식 무비에서 상영되었다.
메르히게의 3부작은 40분짜리 단편 영화 《Polia & Blastema: A Cosmic Opera》 (다른 제목: 《Polia & Blastema: A Metaphysical Fable》)로 마무리되었으며, 감독의 첫 오페라 시도였다. 이 영화는 메르히게와 동료 감독 데이비드 웩슬러, 그리고 음악가 개빈 갬보아가 Century Guild Creative, Strangeloop Studios, The Teaching Machine이라는 제작사를 통해 협력하여 제작되었다. 이 영화는 단명했던 전위 예술 운동 비엔나 액셔니즘과 철학자 유진 태커의 "[a] world-without-us"로 알려진 초자연적 호러와 해체의 개념에서 영감을 받았다. 영화 제작은 성공적인 킥스타터 캠페인 이후 2016년 중반에 시작되었다.
초연 상영 홍보 자료에서 "영지주의 창조 신화"로 묘사된 이 영화는 시리즈의 전형적인 거친 흑백 시각적 스타일로 판타지와 SF를 포함한 여러 장르를 통합한다. 이야기는 알려지지 않은 상황으로 인해 분리되었다고 믿는 두 존재(니나 맥닐리, 재스민 앨버커키)가 황량하고 지옥 같은 풍경을 여행하는 것을 따라간다. 시공간을 가로지르는 그들의 탐구를 통해, 그들은 자신에 대해 더 많이 알게 되고 마침내 재회한다. 두 존재는 의례적인 황홀경 속에서 서로를 먹어치우며 하나가 되어 새로운 신으로 변모하는 행위로 합쳐진다.
이 영화는 2022년 9월 30일 오페라 필라델피아의 영화 오페라 페스티벌에서 초연되었다.
참조
[1]
웹인용
Begotten
http://movies.nytime[...]
1991-06-05
[2]
웹인용
Cast and Crew information – Allmovie
https://web.archive.[...]
2013-12-14
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