창의성의 개념에 대한 역사

2. 용어 및 개념

고대 그리스에는 "창조하다" 또는 "창조자"에 해당하는 용어가 없었다. "''poiein''"("만들다")이라는 표현은 시(''poiesis'')와 그것을 만든 ''poietes''(시인 또는 "제작자")에게 특별히 적용되었다.^[12] 플라톤은 ''국가''에서 "화가가 무엇인가를 만든다고 말할 수 있을까?"라고 물었으며, "당연히 아니다. 화가는 단지 모방할 뿐이다."라고 대답했다.^[12] 고대 그리스인에게 창조자와 창의성의 개념은 행동의 자유를 의미한 반면, 그리스인의 예술 개념은 법과 규칙에 대한 복종을 포함했다. 예술(그리스어로 "''techne''")은 "규칙에 따라 사물을 만드는 것"이었다. 그리스인에게 예술은 창의성을 포함하지 않았으며, 창의성이 포함된 예술은 나쁜 일이었다.^[12] 자연은 완전하고 법칙의 지배를 받으므로 인간은 자연의 법칙을 발견하고 그에 복종해야 했다. 예술가는 발명가가 아니라 발견자였다.^[13]

시의 경우에는 예외적으로 창조하는 사람으로 이해되었다. 음악에는 자유가 없었다. 시각 예술에서 자유는 폴리클리투스가 고안한 신체 비율에 의해 제한되었고, 그는 이를 "카논"(canon, "측정"이라는 의미)이라고 불렀다. 플라톤은 ''티마이오스''에서 좋은 일을 하려면 영원한 모델을 생각해야 한다고 주장했다. 로마인 키케로는 예술이 "우리가 알고 있는 것"("quae sciuntur")을 포용한다고 썼다.^[14] 아리스토텔레스는 시가 현실의 모방인지, 그리고 그것이 진실에 대한 고착을 요구하는지에 대해 의구심을 가지고 있었다. 그것은 오히려 "진리도 거짓도 아닌" 것의 영역이었다.^[15]

로마 시대에 이러한 그리스 시대의 개념은 부분적으로 도전을 받았다. 호레이스는 시인뿐만 아니라 화가도 그들이 원하는 것은 무엇이든 대담하게 할 수 있는 특권을 누릴 자격이 있다고 썼다(''quod libet audendi''). 필로스트라투스는 "시와 예술 사이에 유사점을 발견할 수 있고 그것들이 상상력을 공유한다는 것을 발견할 수 있다"고 썼다. 카시오도루스는 "시인과 산문가의 예술 뿐만 아니라 조각가의 손도 신성한 영감의 축복을 받았다."라고 썼다. 라틴어는 그리스어보다 "창조"("''creatio''")와 "''창조자''"에 대한 용어가 있었고, "''facere''"와 "''creare''"라는 두 가지 표현이 있었다. 그리스어에는 동일한 의미를 가진 단어가 "''poiein''" 하나뿐이었다. 그럼에도 불구하고 두 라틴어 용어는 거의 같은 것을 의미했다.^[16]

이후 기독교 시대에 근본적인 변화가 일어났다. "''creatio''"는 하나님의 "무에서 창조"("''creatio ex nihilo''")라는 행위를 뜻하게 되었다. 따라서 ''"creatio"''는 ''"facere"''("만들다")와 다른 의미를 취했고 인간의 기능에 더 이상 적용되지 않았다. 카시오도루스는 "만든 것과 창조된 것은 다르다. 우리는 만들 수 있지만 누가 창조할 수는 없기 때문이다."고 하였다.^[17]

르네상스 시대에는 관점의 변화가 생겼다. Marsilio Ficino는 예술가가 자신의 작품을 "생각한다"(''"excogitatio")''라고 썼다. 라파엘로는 자신의 아이디어에 따라 그림을 형성하였다. 레오나드로 다 빈치는 "자연에 존재하지 않는 모양"을 사용하였다. 미켈란젤로는 예술가는 자연을 모방하기보다 자신의 비전을 실현한다고 하였다. 조르지오 바사리는 "자연은 예술에 의해 정복된다"고 하였다. 파올로 베로네세는 화가들이 시인, 광인과 같은 자유를 누리고 있다고 말했다. 페데리코 추카리는 예술가는 "새로운 세계, 새로운 낙원"을 형성한다고 하였다. 체사레 체사리아노는 건축가는 "반신(半神)"이라고 하였다. 요하네스 틴크토리스는 작곡가가 하는 일에 새로움을 요구했고 작곡가를 "''새로운'' 노래를 만드는 사람"으로 정의했다.^[19] G.P. 카프리아노는 시인의 발명이 "무에서" 나온다고 주장했다(1555).^[20]

사르비에프스키는 "마지막 라틴 시인"으로 알려진 17세기 폴란드 시인이자 시 이론가였다. 그는 인간의 창의성과 관련하여 "창조"라는 단어를 처음으로 사용한 사람이었다. 그는 시인이 "''새롭게 창조한다'' "("''de novo creat''")라고 썼다. 사르비에프스키는 심지어 "신의 방식으로"("''instar Dei''")라는 말도 추가했다.^[21] 그러나 사르비에프스키는 창의성을 시의 독점적인 특권으로 여겼다. 그는 "다른 예술은 단지 모방하고 복제할 뿐 창조하지는 않는다."라고 하였다. 앙드레 펠리비엔은 화가가 "말하자면 창조자"라고 썼다. 그라시안은 "예술은 자연의 완성이다, 마치 두번째 신인 듯 한..."이라고도 하였다.^[22]

18세기까지 창의성의 개념은 예술 이론에서 더 자주 등장했다. Joseph Addison은 상상력이 "창조와 같은 것을 담고 있다"고 썼다. Voltaire는 "진정한 시인은 창의적이다"(1740)라고 선언하였다. 그러나 이 두 작가의 경우 이는 시인과 창작자 사이의 ''비교에 불과하였다.''^[23] 드니 디드로는 상상력은 단순히 "형태와 내용의 기억"이며 "아무것도 창조하지 않는다"고 생각했다. 18세기 프랑스에서 인간의 창의성에 대한 관념이 저항에 부딪혔다. 샤를 바퇴는 "인간의 마음은 ''엄밀히 말해서 창조할 수 없으며'', 모든 제품에는 모델의 낙인이 있다."라고 썼다. 뤽 드 클라피에르 보브나르그, Étienne Bonnot de Condillac도 비슷한 효과에 대해 이야기하였다.^[24]

19세기 예술은 예술을 창의성으로 인식하고자 노력한 이전 세기의 저항에 대한 보상을 받았다. 이제 예술은 창의성으로 여겨졌을 뿐만 아니라 ''그 자체''로 그렇게 여겨졌다.^[26] 20세기 전환기에 과학(예: Jan Łukasiewicz)과 자연(예: Henri Bergson)에 대한 창의성의 논의가 시작되었을 때, 일반적으로 이는 고유한 예술적 개념에서 과학과 자연적 개념으로의 전이로 간주되었다.^[28] 창의성에 대한 ''과학적'' 연구는 J. P. 길포드가 1950년 미국 심리학회에 보낸 연설에서 시작된 것으로 간주되며, 주제에 대한 관심을 모으는데 큰 도움이 되었다.^[29]

2. 1. 고대 그리스

2. 2. 고대 로마와 중세 시대

2. 3. 르네상스 시대

2. 4. 17세기

2. 5. 18세기

2. 6. 19세기 이후