아트 록
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1. 개요
아트 록은 록 음악의 하위 장르로, 창의적인 객관성, 클래식 음악적 요소, 실험적이고 전위적인 성향을 특징으로 한다. 프로그레시브 록과 동의어로 사용되기도 하며, 사이키델릭과 히피 문화를 거부하고 모더니즘적, 전위적인 접근을 선호하는 경향을 보인다. 1960년대 후반 비틀즈, 핑크 플로이드, 벨벳 언더그라운드 등을 중심으로 태동하여, 1970년대 킹 크림슨, 퀸 등의 영국 밴드들을 통해 전성기를 맞았다. 1980년대 이후 뉴 웨이브, 포스트 펑크 등 다양한 장르에 영향을 미쳤으며, 브라이언 이노, 데이비드 보위 등이 아트 록의 경향을 다른 대중 음악 장르에 성공적으로 접목시켰다. 앤디 워홀의 팝 아트, 필 스펙터의 사운드 프로덕션, 브라이언 윌슨의 실험적인 사운드스케이프 등도 아트 록의 형성에 영향을 미쳤다.
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| 아트 록 | |
|---|---|
| 장르 개요 | |
| 다른 이름 | 해당 없음 |
| 스타일 기원 | 실험 록 아방가르드 사이키델릭 록 민속 재즈 클래식 |
| 문화적 기원 | 1960년대, 미국, 영국 |
| 파생 장르 | 포스트 프로그레시브 포스트 펑크 |
| 관련 토픽 | 예술 음악 아트 팝 아트 펑크 아방가르드 메탈 아방 팝 컨셉트 앨범 재즈 록 노 웨이브 포스트 메탈 포스트 록 프로그레시브 메탈 프로그레시브 팝 프로그레시브 소울 록 오페라 록ism |
2. 정의
비평가 존 록웰은 아트 록을 창의적인 객관성, 클래식 음악적 허세, 실험적이고 전위 예술적인 성향을 노골적으로 드러내는 록 음악의 가장 광범위하고 다양한 장르 중 하나라고 말한다. 1970년대 록 음악에서 "아트"라는 수식어는 일반적으로 "공격적으로 전위적" 또는 "허세 부리는 프로그레시브"를 의미하는 것으로 이해되었다.[4] "아트 록"은 종종 프로그레시브 록과 동의어로 사용된다.[5][3] 역사적으로 이 용어는 적어도 두 가지 관련 있지만 뚜렷한 유형의 록 음악을 설명하는 데 사용되었다. 첫 번째는 프로그레시브 록이고, 두 번째 용법은 사이키델리아와 히피 반문화를 거부하고 벨벳 언더그라운드에 의해 정의된 모더니즘적, 전위적인 접근 방식을 선호하는 그룹을 지칭한다.
아트 록은 낭만주의 음악과 자율적인 전통을 강조하며, 아트 팝이 구현하는 일상적이고 일회적인 미학과 구별된다. 래리 스타와 크리스토퍼 워터맨의 ''미국 대중 음악''은 아트 록을 "록과 유럽 클래식 음악의 요소를 혼합한 록 음악의 한 형태"로 정의하며, 킹 크림슨, 에머슨, 레이크 & 파머, 핑크 플로이드와 같은 영국의 록 밴드를 예로 든다.[6] 일반적인 특징으로는 노래가 아닌 작곡으로 나뉜 앨범 지향적인 음악, 일반적으로 복잡하고 긴 기악 섹션 및 교향곡 편성이 있다.[3] 이 음악은 전통적으로 컨셉 앨범의 맥락에서 사용되었으며, 가사 주제는 "상상력이 풍부"하고 정치적인 경향이 있었다.[3]
아트 록과 프로그레시브 록 사이의 차이점이 확인되었는데, 아트 록은 전위 또는 실험 음악적인 영향을 강조하고 "새로운 음향 구조"를 강조하는 반면, 프로그레시브 록은 클래식 음악 교육을 받은 기악 기술, 문학적 내용 및 교향곡적 특징을 더 강조하는 것으로 특징지어진다.[5] 프로그레시브 록에 비해 아트 록은 "더 도전적이고 시끄럽고 관습적이지 않으며" "클래식 음악의 영향을 덜 받으며" 전위 음악을 더 강조한다.[5] 유사점은 둘 다 록 음악을 새로운 수준의 예술적 신뢰도로 끌어올리려는 주로 영국의 시도를 설명하며,[5] 일반적으로 보컬 지향적인 컨셉 앨범과 록 오페라의 기악적 아날로그가 되었다는 것이다.
아트 록은 고전적으로 구동되는 록 또는 프로그레시브 록-포크 음악 융합을 지칭할 수도 있다.[3] 브루스 에더의 에세이 ''아트 록/프로그 록의 초기 역사''는 '아트 록' 또는 '클래식 록'으로도 알려져 있으며, "밴드가 노래가 아닌 모음곡을 연주하고, 척 베리와 보 디들리 대신 바흐, 베토벤, 바그너의 리프를 차용하며, 칼 퍼킨스나 윌리 딕슨보다는 윌리엄 블레이크나 T. S. 엘리엇에 더 가까운 언어를 사용하는" 음악이라고 말한다.[7]
2. 1. 프로그레시브 록과의 관계
3. 역사
사회적으로는 베트남 전쟁이나 시민권 운동, 학생 운동, 미디어 분야에서는 텔레비전의 보급 등의 진보, 그리고 비틀즈를 중심으로 한 1960년대 후반의 미국 및 영국 음악의 창조적 발전에 따라 가치관이 크게 변화했다. 싱글 히트를 내는 것이 가장 중요했던 대중음악에 변화가 일어나, 앨범을 더 중시하는 밴드의 존재가 두드러졌다. 앨범을 중시했기에 라디오에서의 온에어를 의식한 곡의 시간 제한에 얽매이지 않고 제작하는 것이 가능해졌고, 편곡에도 이전까지 없었던 요소를 도입하는 뮤지션이 등장하기 시작했다.
이러한 경향을 이끈 대표적인 뮤지션으로 크림[26], 바닐라 퍼지[27], 지미 헨드릭스 익스피리언스, 핑크 플로이드, 제퍼슨 에어플레인, 프랭크 자파, 도어즈, 그레이트풀 데드, 벨벳 언더그라운드[28] 등이 꼽힌다. 이전까지 히트 차트를 중시했던 팝 록 밴드 중에서도 일찍부터 그러한 경향이 나타난 예가 있다. 예를 들어 비틀즈는 초기 앨범이 싱글 지향의 곡들을 모은 것이었던 반면, 1967년에 '서전트 페퍼스 론리 하츠 클럽 밴드'[29]라는 컨셉트 앨범을 발표했다. 그리고 같은 해에 데뷔한 트래픽도 루츠 뮤직과 프로그레시브 록을 모두 받아들인 음악성으로 평가받았다. 딥 퍼플의 경우, '딥 퍼플 III'라는 앨범의 초기 일본 제목이 '아름다운 아트 록의 세계'였다. 일본에서는 바닐라 퍼지나 크림이 아트 록의 대표격으로 여겨졌지만, 영미권에서는 프로그레시브 록 밴드 등도 아트 록의 범주에 포함되는 경향이 있었다.
아트 록은 일상적인 미학과 아트 팝에 의해 구현된 소모적인 미와 구별하여, 낭만적이고 자율적인 전통을 강조해 나간다. 래리 스타와 크리스토퍼 워터만의 '아메리칸 포퓰러 뮤직'은 아트 록을 "록의 요소와 유럽의 클래식 음악을 융합한 록 음악의 형태"로 정의하고, 영국의 록 밴드, 킹 크림슨, 에머슨, 레이크 & 파머, 핑크 플로이드를 예로 인용하고 있다.[30] 공통적인 특징으로는, 노래가 아닌 작곡을 중시한 앨범 지향의 음악이 포함되며, 대개 복잡하고 긴 악기 섹션, 교향적인 오케스트레이션을 사용한다.[31] 그 음악은 전통적으로 컨셉트 앨범의 문맥 속에서 사용되며, 그 서정적인 테마는 "상상력"과 정치적인 지향성을 띠었다.[31]
프로그레시브 록은, 고전적인 훈련을 받은 연주 기술 및 철학성에 중점을 두는 것으로 특징지어지며, 교향곡적 요소를 가지는 반면[32], 아트 록은 "더 도전적이고, 노이즈가 많고, 틀에 얽매이지 않는", 전위 음악에 중점을 두고 있다[32]. 유사점은, 둘 다 록 음악을 예술성 높은 수준으로 끌어올리려는 시도를 하고 있다는 것이며[32], 컨셉트 앨범이나 록 오페라의 발상으로 이어진다. 아트 록은, 클래식 요소를 가진 록, 또는 위의 프로그레시브 록을 가리키는 경우도 있다.[33]. 브루스 에더의 에세이 "아트 록/프로그 록의 초기 역사"에서는, "'프로그레시브 록'은 '아트 록' 또는 '클래식 록'으로도 알려져 있습니다"라고 하며 "밴드는 스위트를 연주하는 것이 아니라, 척 베리와 보 디들리 대신 바흐, 베토벤, 바그너에서 리프를 차용하고, 그리고 칼 퍼킨스나 윌리 딕슨보다 윌리엄 블레이크와 T. S. 엘리엇에 가까운 언어를 사용하고 있다"[34]고 했다.
1970년대에는 독일의 크라프트록도 주목받았다.[35] 아트 록과 팝 음악의 경계는 20세기 후반에 더욱 모호해진다. 메리엄-웹스터 온라인 사전에는, 1968년 이후에 발흥한 팝 음악의 흐름으로서 싱글보다 앨범 제작을 중시하는 많은 록 밴드가, 아트 록이 지향하는 웅대한 예술적 의사 표시를 할 목적으로 창조한 음악 장르라고 되어 있다.[36] 1960년대 후반에 진행되면서, 프로그레시브 록의 탄생과 함께, 아트 록은 실험적인 록으로 평가를 얻어갔다. 아트 록에서는, 1970년대 초반에 킹 크림슨이나 퀸 등의 영국 아티스트가 인기를 얻었다.[37]
3. 1. 1960년대: 태동과 발전
20세기 후반, 예술 음악과 팝 음악의 경계는 점차 모호해졌다.[2] Merriam-Webster Online Dictionary에 따르면 "아트 록"이라는 용어는 1968년에 처음 사용되었다.[2] 팝 음악의 지배적인 형식이 싱글에서 앨범으로 전환되면서, 많은 록 밴드들이 웅대한 예술적 표현을 담은 작품을 만들기 시작했고, 아트 록은 번성하게 되었다.[8] 1960년대 후반 프로그레시브 록의 발전과 함께 아트 록은 실험 록과 함께 명성을 얻었다.[8]사회적으로는 베트남 전쟁, 시민권 운동, 학생 운동과 같은 진보적인 움직임, 그리고 미디어 분야에서는 텔레비전의 보급, 비틀즈를 중심으로 한 1960년대 후반 미국 및 영국 음악의 창조적 발전에 따라 가치관이 크게 변화했다. 싱글 히트보다는 앨범을 더 중시하는 밴드들이 두드러지게 나타났다. 앨범을 중시했기에 라디오 방송 시간을 의식한 곡 길이 제한에서 벗어나 자유롭게 제작할 수 있었고, 이전에는 없었던 요소를 편곡에 도입하는 뮤지션들이 등장하기 시작했다.
이러한 경향을 이끈 대표적인 뮤지션으로는 크림,[26] 바닐라 퍼지,[27] 지미 헨드릭스 익스피리언스, 핑크 플로이드, 제퍼슨 에어플레인, 프랭크 자파, 도어즈, 그레이트풀 데드, 벨벳 언더그라운드[28] 등이 꼽힌다. 이전까지 히트 차트를 중시했던 팝 록 밴드 중에서도 일찍부터 그러한 경향을 보인 예가 있다. 예를 들어, 비틀즈는 초기 앨범이 싱글 지향적인 곡들을 모은 것이었지만, 1967년에 서전트 페퍼스 론리 하츠 클럽 밴드[29]라는 컨셉트 앨범을 발표했다. 같은 해 데뷔한 트래픽도 루츠 뮤직과 프로그레시브 록을 모두 받아들인 음악성으로 평가받았다. 딥 퍼플의 경우, '딥 퍼플 III' 앨범의 초기 일본 제목이 '아름다운 아트 록의 세계'였다. 일본에서는 바닐라 퍼지나 크림이 아트 록의 대표격으로 여겨졌지만, 영미권에서는 프로그레시브 록 밴드 등도 아트 록의 범주에 포함되는 경향이 있었다.
아트 록은 일상적인 미학과 아트 팝에 의해 구현된 소모적인 미와 구별하여, 낭만적이고 자율적인 전통을 강조해 나간다. 래리 스타와 크리스토퍼 워터만의 '아메리칸 포퓰러 뮤직'은 아트 록을 "록의 요소와 유럽의 클래식 음악을 융합한 록 음악의 형태"로 정의하고, 영국의 록 밴드, 킹 크림슨, 에머슨, 레이크 & 파머, 핑크 플로이드를 예로 인용하고 있다.[30] 공통적인 특징으로는 노래가 아닌 작곡을 중시한 앨범 지향의 음악이 포함되며, 대개 복잡하고 긴 악기 섹션, 교향적인 오케스트레이션을 사용한다.[31] 그 음악은 전통적으로 컨셉트 앨범의 문맥 속에서 사용되며, 그 서정적인 테마는 "상상력"과 정치적인 지향성을 띠었다.[31]
프로그레시브 록은 고전적인 훈련을 받은 연주 기술 및 철학성에 중점을 두는 것으로 특징지어지며, 교향곡적 요소를 가지는 반면,[32] 아트 록은 "더 도전적이고, 노이즈가 많고, 틀에 얽매이지 않는", 전위 음악에 중점을 두고 있다.[32] 유사점은 둘 다 록 음악을 예술성 높은 수준으로 끌어올리려는 시도를 하고 있다는 것이며,[32] 컨셉트 앨범이나 록 오페라의 발상으로 이어진다. 아트 록은 클래식 요소를 가진 록, 또는 위의 프로그레시브 록을 가리키는 경우도 있다.[33] 브루스 에더의 에세이 "아트 록/프로그 록의 초기 역사"에서는, "'프로그레시브 록'은 '아트 록' 또는 '클래식 록'으로도 알려져 있습니다"라고 하며 "밴드는 스위트를 연주하는 것이 아니라, 척 베리와 보 디들리 대신 바흐, 베토벤, 바그너에서 리프를 차용하고, 그리고 칼 퍼킨스나 윌리 딕슨보다 윌리엄 블레이크와 T. S. 엘리엇에 가까운 언어를 사용하고 있다"[34]고 했다.
3. 1. 1. 주요 음반
요약 및 원본 소스가 제공되지 않아, '아트 록' 문서의 '주요 음반' 섹션 내용을 작성할 수 없습니다.3. 2. 1970년대: 전성기와 쇠퇴
아트 록은 1970년대 초 킹 크림슨과 퀸을 포함한 영국 아티스트들을 통해 가장 큰 인기를 누렸다.[3]
1970년대 초, 핑크 플로이드는 LP의 첫 번째 면 전체를 차지하는 23분짜리 타이틀 트랙을 포함한 ''아톰 하트 마더''를 발매했다. 협력자 론 지신과의 이 실험은 6부분으로 나뉜 모음곡으로, 때때로 합창단과 금관악기를 투어에 활용해야 했던 핑크 플로이드의 가장 긴 단일 곡을 만들어냈다. 이 앨범은 상업적으로 성공하여 영국에서 밴드의 첫 번째 1위를 기록했다. 이는 1960년대 후반 앨범의 사이키델릭적인 시도에서 벗어나 더 길고 진보적인 록 음악 형태로 갱신된 창의성 시대로의 전환을 알렸다.
1970년대 중반에 아트 록 탐험에 대한 열정은 줄어들었다.[3] 그 후 1990년대까지 아트 록은 다양한 대중 음악 장르에 스며들었다.[3] ''브리태니커 백과사전''은 이 장르의 경향이 일부 영국 및 미국 하드 록과 팝 록 아티스트들에 의해 지속되었으며, 브라이언 이노가 1970년대 후반과 1980년대 초 데이비드 보위 및 토킹 헤즈와 협력한 것은 "아트 록 경향을 다른 대중 음악 장르에 성공적으로 주입한" 대표적인 사례라고 언급했다.[3] 보위와 이노는 "베를린 3부작"으로 불리는 일련의 연속 앨범을 공동 작업했으며, ''컨시퀀스 오브 사운드''는 이를 "아트 록 3대 요소"로 특징지으며, 앨범 발매 당시 "실험적인 음반은 보위가 익숙했던 규모로 관객과 연결되지 못했다. ... 뉴 웨이브가 폭발했고, 보위의 후예 세대가 무대에 올랐다."라고 언급했다.[22]
1980년대에는 새로운 세대의 영국 아트 록커들이 록시 뮤직,[23] 예스, 제네시스, 제스로 툴, 에머슨, 레이크 & 파머와 같은 1970년대 밴드들을 대신했다. 언론인 로이 트래킨은 1981년에 "물론, 이러한 핵심 인물들은 여전히 매디슨 스퀘어 가든을 채울 수 있고 예전처럼 많은 음반을 팔 수 있지만, 모험적인 위험 감수와 음악적 혁신의 시대는 오래 전에 사라졌고, 상업적 성공에 대한 자기 만족으로 대체되었다."라고 말했다.[24]
1980년대 초, 아트 록 장르는 밴드들이 아트 록의 특징이었던 실험적이고 아방가르드한 요소를 통합하면서 부상하는 포스트 펑크와 뉴 웨이브 운동에 영향을 미쳤다. 토킹 헤즈와 록시 뮤직과 같은 그룹들은 예술적 표현과 실험적인 사운드에 대한 아트 록의 강조점을 활용하여 대중 음악의 경계를 넓혔다. 특히, 록시 뮤직이 신시사이저와 아트 록에서 영향을 받은 시각적 미학을 사용한 것은 그들의 정체성의 핵심이 되었고, 신스팝과 뉴 웨이브를 포함한 후기 장르에 영감을 주었다.[25]
1970년대 중반에는 아트 록이 전성기를 지나갔지만[38] 그 후 1990년대까지 아트 록은 다양한 대중음악 장르에 스며들었다.[38] 브리태니커 백과사전은 이 장르의 경향이 주로 영국과 미국에서 지속되었다고 언급했다. 다수의 하드 록, 팝 록 아티스트들과 브라이언 이노의 1970년대 후반과 1980년대 초반의 협업에서 특히 데이비드 보위와 토킹 헤즈는 "아트 록 경향의 주입에 성공한 대중음악 장르"의 예시로 꼽혔다.[38] 보위와 이노는 "베를린 삼부작"이라고 불리는 일련의 연속 앨범에서 협력했다. 이는 "컨시퀀스 오브 사운드(Consequence of Sound)"에 의해 "아트 록 3연작"으로 특징지어졌으며, 발매 당시 "실험적인 기록으로 관객과는 관계가 없었고, 보위가 익숙해진 규모였다. 그 후 뉴 웨이브가 폭발했고, 보위의 후손 세대가 무대에 올랐다."[39]
1980년대에는 새로운 세대의 영국 아트 록커와 뉴 웨이브 밴드가 레드 제플린, 핑크 플로이드, 제스로 툴, 에머슨, 레이크 & 파머 등 1970년대 밴드를 대체했다. 저널리스트 로이 트라킨의 설명: "물론, 이들 거물들은 아직 매디슨 스퀘어 가든을 채울 수 있는 힘을 가지고 있지만, 위험을 감수하고 음악을 혁신하는 그들의 날들은 길어졌고, 매우 많은 레코드를 판매하는 - 자기만족에 대한 상업적 성공으로 대체되었다.[40] 트라킨은 XTC를 록 팬들이 접근하기 쉬운 뉴 웨이브 그룹 중 하나로 언급하며, "우리는 바스코 다 가마라고 생각하고 싶다. 대중음악, 새로운 경지를 탐구했고, 이러한 밴드는 지금까지 전혀 유행하지 않았다"라고 답했다.[40]
3. 2. 1. 주요 밴드
필 스펙터(Phil Spector)는 "고전적 웅장함"을 지향하는 사운드의 벽(Wall of Sound) 프로덕션으로 오토르(auteur)로 알려지게 되었으며, 아트 록의 초기 인물로 평가받는다.[1] 리처드 윌리엄스(Richard Williams)는 스펙터가 아티스트 선정, 작곡, 편곡, 녹음 과정 전반을 통제하며 프로듀서의 새로운 개념을 창조했다고 평가했다.[2] 윌리엄스는 스펙터가 록 음악을 공연 예술에서 스튜디오에서만 존재 가능한 예술로 변화시켜 "아트 록의 길을 열었다"고 말한다.[3]
브라이언 윌슨(Brian Wilson) 역시 최초의 오토르 음악 프로듀서 중 한 명으로,[4] 스펙터처럼 녹음 기술을 통해 환상적인 사운드스케이프를 제작하는 것으로 알려졌다.[5] 피터 에임스 칼린(Peter Ames Carlin)은 윌슨이 "예술의 초월적인 가능성과 팝 음악의 주류 접근성을 결합한 새로운 종류의 아트 록"의 선구자였다고 평가했다.[9] 1960년대 중반 이후 음악 프로듀서들은 윌슨과 조지 마틴(George Martin)의 영향으로 녹음 스튜디오를 작곡에 사용되는 악기로 보기 시작했다.[4]
비틀즈(the Beatles), 롤링 스톤스(the Rolling Stones), 킨크스(the Kinks), 더 후(the Who), 10cc(10cc), 더 무브(the Move), 야드버즈(the Yardbirds), 핑크 플로이드(Pink Floyd) 등 1960년대 영국 그룹들은 미술 학교를 통해 음악을 접했다.[6][7] 1960년대 중반까지 이들은 예술과 독창성에 기반한 접근 방식을 옹호했다.[8]
앤디 워홀(Andy Warhol)은 팝 아트와 예술/팝 합성을 통해 "아트 록의 더 자기 의식적인, 캠프 미학"에 영향을 주었다.[9] 벨벳 언더그라운드(Velvet Underground)는 워홀의 영향을 받은 대표적인 밴드이다.[10] 1969년 도어즈(the Doors) 또한 앨범 ''The Soft Parade''에서 아트 록 장르를 탐구했다.[11]
3. 3. 1980년대 ~ 현재: 다양화와 계승
1980년대에는 록시 뮤직,[23] 예스, 제네시스 같은 1970년대 밴드들을 대신하여 새로운 세대의 영국 아트 록 밴드들이 등장했다. 언론인 로이 트래킨은 1981년에 "물론, 이러한 핵심 인물들은 여전히 매디슨 스퀘어 가든을 채울 수 있고 예전처럼 많은 음반을 팔 수 있지만, 모험적인 위험 감수와 음악적 혁신의 시대는 오래 전에 사라졌고, 상업적 성공에 대한 자기 만족으로 대체되었다."라고 말했다.[24]1980년대 초, 아트 록 장르는 부상하는 포스트 펑크와 뉴 웨이브 운동에 영향을 미쳤는데, 이들 밴드는 아트 록의 특징이었던 실험적이고 아방가르드한 요소를 통합했다. 토킹 헤즈와 록시 뮤직과 같은 그룹들은 예술적 표현과 실험적인 사운드에 대한 아트 록의 강조점을 활용하여 대중 음악의 경계를 넓혔다. 특히, 록시 뮤직이 신시사이저와 아트 록에서 영향을 받은 시각적 미학을 사용한 것은 그들의 정체성의 핵심이 되었고, 신스팝과 뉴 웨이브를 포함한 후기 장르에 영감을 주었다.[25]
브리태니커 백과사전은 아트 록의 경향이 일부 영국 및 미국 하드 록과 팝 록 아티스트들에 의해 지속되었으며, 브라이언 이노가 1970년대 후반과 1980년대 초 데이비드 보위 및 토킹 헤즈와 협력한 것은 "아트 록 경향을 다른 대중 음악 장르에 성공적으로 주입한" 대표적인 사례라고 언급했다.[3] 보위와 이노는 "베를린 3부작"으로 불리는 일련의 연속 앨범을 공동 작업했으며, ''컨시퀀스 오브 사운드''는 이를 "아트 록 3대 요소"로 특징지으며, 앨범 발매 당시 "실험적인 음반은 보위가 익숙했던 규모로 관객과 연결되지 못했다. ... 뉴 웨이브가 폭발했고, 보위의 후예 세대가 무대에 올랐다."라고 언급했다.[22]
3. 3. 1. 주요 밴드
비틀즈(the Beatles), 롤링 스톤스(the Rolling Stones), 킨크스(the Kinks), 더 후(the Who), 10cc(10cc), 더 무브(the Move), 야드버즈(the Yardbirds) 및 핑크 플로이드(Pink Floyd)의 멤버를 포함한 1960년대 최고의 영국 그룹들은 미술 학교를 통해 음악을 접하게 되었다.[11] 이 기관은 덜 산업에 적용 가능한 커리큘럼을 가지고 괴짜 재능을 키우는 데 중점을 둔다는 점에서 미국과 달랐다.[12] 1960년대 중반까지, 이러한 행위 중 일부는 이전에는 로큰롤(rock 'n' roll) 및 리듬 앤 블루스(R&B)와 같은 미국에서 파생된 음악 스타일의 정통적인 해석에만 몰두했던 것과는 달리 예술과 독창성에 기반한 접근 방식을 옹호했다.[13]저널리스트 리처드 골드스타인(Richard Goldstein)에 따르면, 캘리포니아 출신의 많은 대중 음악가(브라이언 윌슨(Brian Wilson)과 같은)는 예술가로 인정받기를 원했고, 이러한 열망과 고군분투했다. 골드스타인은 음악적 관습을 위반하는 것과 "진정으로 대중적인 음악"을 만드는 것 사이의 경계가 "강한 자아"를 가지지 못한 사람들(밥 딜런(Bob Dylan)과 비틀즈와 대조적으로)을 "존경스러운 거부로 운명지었고, 실망스러운 판매량을 기록한 몇몇 앨범은 일반적으로 침묵을 의미했다"고 말한다. ... 그들은 배고픈 사람들만이 할 수 있는 것처럼 명성을 갈망했지만, 또한 예술을 만들고 싶어했고, 이 두 가지 충동을 모두 달성할 수 없었을 때 격렬한 혼란의 덩어리로 물러났다."[10]
작가 매튜 배니스터는 "아트 록의 더 자기 의식적인, 캠프 미학"을 팝 아티스트 앤디 워홀(Andy Warhol)과 워홀의 예술/팝 합성을 모방한 벨벳 언더그라운드(Velvet Underground)로 추적한다.[14] 따라서: "워홀은 고등 문화의 비신체성, '거리' 및 세련됨과 록앤롤과 같은 대중 문화 형태의 '즉시성'의 스펙터의 조합을 여러 단계 더 발전시켰다. ... 그러나 워홀의 미학은 스펙터의 미학보다 더 철저하게 완성되었는데, 이는 구식 오토르주의와 팝 아트의 완전히 포스트모던하고 분리된 교리 사이의 과도기적 단계를 나타냈다. ... 워홀의 접근 방식은 아트 록 전반에 걸쳐 반향을 일으켰고, 특히 그의 거리와 무관심의 입장에서 두드러진다."[15] 1969년 도어즈(the Doors) 또한 그들의 네 번째 앨범 ''The Soft Parade''에서 아트 록 장르를 탐구했다.[16]
4. 한국의 아트 록
4. 1. 주요 밴드
필 스펙터(Phil Spector)는 "고전적 웅장함"을 지향하는 사운드의 벽(Wall of Sound) 프로덕션으로 오토르(auteur)로 알려지게 되었으며, 아트 록의 초기 인물로 평가받는다. 그는 록 음악을 공연 예술에서 오직 녹음 스튜디오에서만 존재할 수 있는 예술로 변모시켜 "아트 록의 길을 열었다"고 평가받는다. 브라이언 윌슨(Brian Wilson) 역시 최초의 오토르 음악 프로듀서 중 한 명으로 언급된다. 비치 보이스(The Beach Boys)의 리더였던 그는 녹음 기술을 통해 환상적인 사운드스케이프를 제작하는 것으로 알려졌으며, "예술의 초월적인 가능성과 팝 음악의 주류 접근성을 결합한 새로운 종류의 아트 록"의 선구자로 평가받는다.[9] 윌슨과 비틀즈(the Beatles)의 프로듀서 조지 마틴(George Martin)의 영향으로, 1960년대 중반 이후 음악 프로듀서들은 녹음 스튜디오를 작곡 과정에 사용되는 악기로 보기 시작했다.비틀즈(the Beatles), 롤링 스톤스(the Rolling Stones), 킨크스(the Kinks), 더 후(the Who), 10cc(10cc), 더 무브(the Move), 야드버즈(the Yardbirds), 핑크 플로이드 등 1960년대 영국 그룹들은 미술 학교를 통해 음악을 접했다. 이들은 로큰롤(rock 'n' roll) 및 리듬 앤 블루스(R&B)와 같은 미국 스타일에서 벗어나 예술과 독창성에 기반한 접근 방식을 옹호했다.
작가 매튜 배니스터는 "아트 록의 더 자기 의식적인, 캠프 미학"을 팝 아티스트 앤디 워홀(Andy Warhol)과 벨벳 언더그라운드(Velvet Underground)로 추적한다. 워홀의 접근 방식은 아트 록 전반에 걸쳐 반향을 일으켰다. 1969년 도어즈(the Doors) 또한 앨범 ''The Soft Parade''에서 아트 록 장르를 탐구했다.
5. 영향 및 의의
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