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아트 팝

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목차

1. 개요

아트 팝은 포스트모더니즘의 영향으로 고급 문화와 저급 문화의 경계가 해체되는 흐름 속에서 인위성과 상업성을 탐구하는 음악 스타일이다. 개인적 표현보다는 기호의 조작을 강조하며, 팝 아트에서 영감을 받아 패션, 제스처, 장르를 아이러니컬하게 사용한다. 1960년대 비틀즈, 비치 보이스 등의 음악가들이 레코딩 스튜디오를 활용하며 아트 팝의 기원을 열었고, 1970년대 데이비드 보위, 록시 뮤직 등이 글램 록과 결합하여 시각적 요소를 강조했다. 1970년대 후반에는 포스트펑크와 신스팝이 아트 팝의 실험 정신을 이어받았으며, 1990년대 이후 비요크, 칸예 웨스트 등이 다양한 장르와 융합하며 발전했다.

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아트 팝
장르
스타일팝, 팝 아트
문화적 기원1960년대 중반, 영국과 미국
파생 장르
파생 장르글램 록, 포스트 펑크, 신스팝, 베이퍼웨이브
관련 항목
관련 항목아트 록, 인더스트리얼, 아트 팝 뮤지션 목록, 아트 월드, 전위 팝, 상업주의, 익스페리멘탈 팝, 뉴 로맨틱, 파워 팝, 프로그레시브 팝

2. 특징

아트 팝은 포스트모더니즘의 고급 문화와 저급 문화 간 경계 붕괴를 활용하고 인위성과 상업성의 개념을 탐구한다.[24] 이 스타일은 개인적인 표현보다 기호 조작을 강조하며, 아트 록이나 프로그레시브 록이 구현하는 낭만적이고 자율적인 전통과는 달리, 일상적이고 일회적인 미학을 활용한다.[44]

사회음악학자 사이먼 프리스는 팝 음악으로의 예술적 차용이 패션, 제스처, 그리고 역사적 시대와 장르의 아이러니컬한 사용에 특별한 관심을 가지고 있다고 구별했다. 이 스타일의 핵심은 자아를 건설과 인위성의 작품으로 여기는 개념과[46], 용어, 이미지, 과정 및 감정의 발명에 몰두하는 것이다.[47]

아트 팝은 팝 아트에서 영감을 받았으며, 앤디 워홀과 벨벳 언더그라운드는 아트 팝 발전에 큰 영향을 주었다. 1960년대 존 레논, 시드 배럿, 피트 타운젠드, 브라이언 이노, 브라이언 페리와 같은 팝 음악가들은 미술 학교에서의 경험을 바탕으로 예술적인 요소를 팝 음악에 도입하기 시작했다.[49]

아트 팝 아티스트들은 포스트모더니즘 접근 방식, 예술 이론, 패션, 순수 예술, 영화, 전위 문학 등 다양한 예술 형태에서 영향을 받는다. 또한, 전통적인 팝 음악의 관습에서 벗어나 상업 예술로서의 팝의 지위, 인공물과 자기 개념, 역사적 진정성에 대한 의문 등 다양한 아이디어를 탐구한다.

2. 1. 형식주의 추구

아트 팝은 포스트모더니즘에 따른 하위문화와 고급문화의 경계 해체를 배경으로, 인위성과 상업성의 개념을 탐구한다. 이 스타일은 개인적인 표현보다는 기호 조작을 중시하며, 아트 록이나 프로그레시브 록이 구현하는 낭만적이고 자율적인 전통과는 달리, 일상적이고 일회적인 미학을 활용한다.

사회음악학자 사이먼 프리스는 팝 음악으로의 예술적 차용이 패션, 제스처, 그리고 역사적 시대와 장르의 아이러니컬한 사용에 특별한 관심을 가지고 있다고 구별했다. 이 스타일의 특정 공급자들에게 중심적인 것은 자아를 건설과 인위성의 작품으로 여기는 개념과[24], 용어, 이미지, 과정 및 감정의 발명에 대한 몰두였다.[3]

''인디펜던트'' 지의 닉 콜먼은 "아트 팝은 부분적으로 태도와 스타일에 관한 것이지만, 본질적으로 예술에 관한 것이다. 그것은, 만약 당신이 원한다면, 순수한 형식주의를 팝 컨텍스트에서 사회적으로 용인할 수 있는 방법이다."라고 썼다.[4]

문화 이론가 마크 피셔는 아트 팝의 발전이 팝, 예술, 그리고 패션의 삼각 관계에서 진화했다고 썼다.[24] 프리스는 이것이 팝 아트에서 "거의" 직접적으로 영감을 받았다고 말한다.

평론가 스티븐 홀든에 따르면, 아트 팝은 종종 고전 음악과 시의 형식적 가치를 의도적으로 추구하는 모든 팝 스타일을 지칭하지만, 이러한 작품들은 존경받는 문화 기관이 아닌 상업주의적 관심사로 마케팅되는 경우가 많다.[8] ''The Independent''와 ''파이낸셜 타임스''의 작가들은 아트 팝 음악이 일반 대중과의 거리를 두려는 시도를 언급했다.[5][6] 로버트 크리스트가우는 1987년 ''빌리지 보이스''에 아트 팝은 "장인 정신에 대한 매료가 미학적 강박으로 변할 때까지 위로 솟아오르고 안으로 파고드는 결과"라고 썼다.[7]

2. 2. 실험적인 사운드

아트 팝은 포스트모더니즘의 하위/상위 문화 경계 붕괴를 활용하고 인위성과 상업성의 개념을 탐구한다.[43] 이 스타일은 개인적 표현보다 기호 조작을 강조하며, 아트 록이나 프로그레시브 록이 구현하는 낭만적이고 자율적인 전통과는 달리, 일상적이고 일회적인 미학을 활용한다.[44] 사회음악학자 사이먼 프리스는 팝 음악으로의 예술적 차용이 패션, 제스처, 그리고 역사적 시대와 장르의 아이러니컬한 사용에 특별한 관심을 가지고 있다고 구별했다.[45] 이 스타일의 특정 공급자들에게 중심적인 것은 자아를 건설과 인위성의 작품으로 여기는 개념과, 용어, 이미지, 과정 및 감정의 발명에 대한 몰두였다.[46][47]

문화 이론가 마크 피셔는 아트 팝의 발전이 팝, 예술, 그리고 패션의 삼각 관계에서 진화했다고 썼다.[48] 프리스는 이것이 팝 아트에서 "거의" 직접적으로 영감을 받았다고 말한다.[49]

2. 3. 개념적인 접근

아트 팝은 포스트모더니즘에 따른 높은 문화와 낮은 문화의 경계 해체를 배경으로, 인위성과 상업성의 개념을 탐구한다. 이 스타일은 개인적인 표현보다는 기호 조작을 중시하며, 아트 록이나 프로그레시브 록이 구현하는 낭만적이고 자율적인 전통과는 달리, 일상적이고 일회적인 미학을 활용한다.

사회음악학자 사이먼 프리스는 팝 음악으로의 예술적 차용이 패션, 제스처, 그리고 역사적 시대와 장르의 아이러니컬한 사용에 특별한 관심을 가지고 있다고 구별했다. 이 스타일의 특정 공급자들에게 중심적인 것은 자아를 건설과 인위성의 작품으로 여기는 개념과[24], 용어, 이미지, 과정 및 감정의 발명에 대한 몰두였다.[3]

The Independent의 닉 콜먼은 "아트 팝은 부분적으로 태도와 스타일에 관한 것이지만, 본질적으로 예술에 관한 것이다. 그것은, 만약 당신이 원한다면, 순수한 형식주의를 팝 컨텍스트에서 사회적으로 용인할 수 있는 방법이다."라고 썼다.[4]

문화 이론가 마크 피셔는 아트 팝의 발전이 팝, 예술, 그리고 패션의 삼각 관계에서 진화했다고 썼다.[24] 프리스는 이것이 팝 아트에서 "거의" 직접적으로 영감을 받았다고 말한다. 평론가 스티븐 홀든에 따르면, 아트 팝은 종종 고전 음악과 시의 형식적 가치를 의도적으로 추구하는 모든 팝 스타일을 지칭하지만, 이러한 작품들은 존경받는 문화 기관이 아닌 상업주의적 관심사로 마케팅되는 경우가 많다.[8]

The Independent와 Financial Times의 작가들은 아트 팝 음악이 일반 대중과의 거리를 두려는 시도를 언급했다.[5][6] 로버트 크리스트가우는 1987년 The Village Voice에 아트 팝은 "장인 정신에 대한 매료가 미학적 강박으로 변할 때까지 위로 솟아오르고 안으로 파고드는 결과"라고 썼다.[7]

2. 4. 포스트모더니즘적 경향

아트 팝은 포스트모더니즘적인 경향에 따라 고급 문화와 저급 문화의 경계가 허물어지는 배경 속에서, 인위성과 상업성의 개념을 탐구한다.[24] 이 스타일은 개인적인 표현보다는 기호 조작을 강조하며, 아트 록이나 프로그레시브 록이 구현하는 낭만적이고 자율적인 전통과는 달리, 일상적이고 일회적인 미학을 활용한다.[41] 사회음악학자 사이먼 프리스는 아트 팝이 패션, 제스처, 그리고 역사적 시대와 장르의 아이러니컬한 사용에 특별한 관심을 가지고 있다고 구별했다.[43] 이 스타일의 주요 특징은 자아를 건설과 인위성의 작품으로 여기는 개념과[44], 용어, 이미지, 과정 및 감정의 발명에 대한 몰두였다.[45]

''The Independent''의 닉 콜먼은 "아트 팝은 부분적으로 태도와 스타일에 관한 것이지만, 본질적으로 예술에 관한 것이다. 그것은, 만약 당신이 원한다면, 순수한 형식주의를 팝 컨텍스트에서 사회적으로 용인할 수 있는 방법이다."라고 썼다.[4]

문화 이론가 마크 피셔는 아트 팝의 발전이 팝, 예술, 그리고 패션의 삼각 관계에서 진화했다고 썼다.[46] 프리스는 이것이 팝 아트에서 "거의" 직접적으로 영감을 받았다고 말한다.[47] 평론가 스티븐 홀든에 따르면, 아트 팝은 종종 고전 음악과 시의 형식적 가치를 의도적으로 추구하는 모든 팝 스타일을 지칭하지만, 이러한 작품들은 존경받는 문화 기관이 아닌 상업주의적 관심사로 마케팅되는 경우가 많다.[48] ''The Independent''와 ''Financial Times''의 작가들은 아트 팝 음악이 일반 대중과의 거리를 두려는 시도를 언급했다.[5][6] 로버트 크리스트가우는 1987년 ''The Village Voice''에 아트 팝은 "장인 정신에 대한 매료가 미학적 강박으로 변할 때까지 위로 솟아오르고 안으로 파고드는 결과"라고 썼다.[7]

3. 역사

20세기 후반, 예술과 팝 음악의 경계는 점차 모호해졌다.[8] 1960년대에 존 레논, 시드 배럿, 피트 타운젠드, 브라이언 이노, 브라이언 페리와 같은 팝 음악가들은 미술 학교에서의 경험에서 영감을 얻기 시작했다.[8] 프레드 프리스에 따르면, 영국의 미술 학교는 "똑똑한 노동 계급 아이들을 위한 전통적인 탈출구이자 비틀즈와 그 이후의 젊은 밴드들의 온상"이었다.[8] 북미에서 아트 팝은 밥 딜런과 비트 세대의 영향을 받았으며, 포크 음악 싱어송라이터 운동을 통해 더욱 문학적으로 발전했다.[8]

1960년대 사이키델릭 운동은 예술과 상업주의를 결합하여 대중 매체에서 "예술가"가 된다는 것이 무엇을 의미하는지에 대한 질문을 제기했다.[8] 프로그레시브 록 음악가들은 예술적 지위가 개인의 자율성에 달려 있다고 생각했기 때문에, "프로그레시브" 록 그룹은 자신들을 일반적인 팝 관행 "이상"의 연주자이자 작곡가로 제시하는 전략을 사용했다.[8]

아트 팝 발전에 또 다른 주요한 영향은 팝 아트 운동이었다.[8] "팝 아트"라는 용어는 대량 생산 상품의 미적 가치를 설명하기 위해 처음 만들어졌지만, 로큰롤의 현대적 현상(엘비스 프레슬리 포함)에 직접적으로 적용되었다.[8] 프리스는 "[팝 아트는] 낭만주의의 종말을 알리고, 예술가가 없는 예술로 밝혀졌다. 프로그레시브 록은 보헤미안의 마지막 베팅이었다. [...] 이러한 맥락에서 핵심 팝 아트 이론가는 [리처드] 해밀턴이나 [...] 다른 영국 예술가들이 아니라 앤디 워홀이었다. 워홀에게 중요한 문제는 '고급' 예술과 '저급' 예술의 상대적인 장점이 아니라 ''모든'' 예술과 '상업' 사이의 관계였다."라고 말했다.[8] 워홀의 팩토리 하우스 밴드 벨벳 언더그라운드는 워홀의 예술/팝 합성을 모방한 미국의 그룹으로, 그의 단순함에 대한 강조를 반영하고, 예술적 표현의 전통적인 위계를 무시하는 모더니스트 아방가르드 접근 방식을 아트 록에 개척했다.[8]

음악 저널리스트 폴 레스터는 10cc, 록시 뮤직, 스파크스가 "'포스트모던'이라는 용어가 팝 영역에 존재하기 훨씬 전에 서로 다른 장르와 시대를 혼합하고 매치했던 시기"를 "교묘하고 지적인 아트 팝의 황금기"로 정의했다.[15] 벨벳 언더그라운드의 영향은 더 스투지스의 이기 팝과 같은 록 뮤지션들에게 그들의 작품에 대한 자의식을 심어주었다. 이기는 자신의 개성을 예술 작품으로 바꾸도록 영감을 받았고, 이는 다시 가수 데이비드 보위에게 영향을 미쳤다.[15] 1970년대에는 뉴욕의 머서 아트 센터에서 자의식이 강한 예술/팝 커뮤니티가 결집하기 시작했다. 이들은 팩토리가 보여주었던 하이 아트와 로우 아트 간의 협업을 장려했다. 토킹 헤즈의 드러머였던 제리 해리슨은 "벨벳 언더그라운드와 앤디 워홀과 관련된 모든 것들로 시작했다"고 설명했다.[15]

1970년대 초 글램 록 씬은 미술 학교의 감수성에 크게 의존했다.[15] 비틀즈가 'Sgt. Pepper's'에서 사용한 또 다른 자아에 부분적으로 영감을 받아, 글램은 기발한 의상, 연극적인 공연, 소비 팝 문화 현상에 대한 암시를 강조했다.[15] 데이비드 보위, 록시 뮤직, 전 벨벳 언더그라운드 멤버 루 리드와 같은 일부 아티스트들은 아트 록의 모더니스트 아방가르드 분파와 관련된 관행을 이어갔다.[15] 데이비드 보위는 미술 학교 학생이자 화가였으며, 시각적 표현을 그의 작품의 중심적인 측면으로 만들었고, 앤디 워홀과 벨벳 언더그라운드의 작품과 태도에서 아트 팝의 개념을 끌어냈다.[16][17] 록시 뮤직은 프리스에 의해 "전형적인 아트 팝 밴드"로 묘사된다.[16] 프론트맨 브라이언 페리는 팝 아트 선구자 리처드 해밀턴의 영향을 통합했고, 신시사이저 연주자 브라이언 이노는 이론가 로이 애스콧의 사이버네틱스와 예술 연구에서 영감을 받았다.[16] 프리스는 브라이언 페리와 데이비드 보위가 "영국 팝에서 가장 중요한 영향력"으로 남아있다고 주장하며, 그들은 "상업 예술 ''로서'' 팝"에 관심을 가졌고, 글램 록을 진지하게 받아들여야 할 예술 형태로 만들었다고 썼다.[16] 아몬드 화이트에 따르면, 록시 뮤직이 팝 아트 관행에 참여한 것은 "팝의 피상적인 경박함과 깊은 즐거움이 정당하고 매력적인 추구였음을 보여주었다."[3] 1973년 록시 뮤직을 떠난 후, 브라이언 이노는 실험적인 솔로 앨범에서 아트 팝 스타일을 더욱 탐구했다.[3] 그는 동시대 사람들과는 다른 방향으로 앤디 워홀의 주장을 발전시키고, 다양한 인기 음악가들과 협력했다.[3]

문화 이론가 마크 피셔는 1970년대 후반의 포스트펑크, 신스팝, 크라프트베르크의 작품을 아트 팝 전통 내에 위치한 것으로 보았다.[21] 그는 데이비드 보위와 록시 뮤직의 영국식 아트 팝이 재팬의 음악으로 "절정에 달했다"고 말한다.[21] ''더 퀴어터스''는 재팬의 1979년 앨범 ''Quiet Life''를 보위의 ''Low''와 유사한 "매우 유럽적인 형태의 냉담하고 성적으로 모호하며 사려 깊은 아트 팝"으로 규정했다.[21] 브라이언 이노와 존 케일은 데이비드 보위, 토킹 헤즈, 그리고 많은 주요 펑크 및 포스트펑크 레코드의 경력에서 중요한 역할을 했다.[1] 펑크 운동 이후, 포스트펑크 시대에는 보위와 록시 뮤직의 작품에서 구현되었던 예술 학교 전통이 부활했다.[1] 아티스트들은 문학, 미술, 영화, 비판 이론에서 아이디어를 얻어 음악 및 팝 문화적 맥락으로 가져오면서 하이 아트와 로우 컬처 사이의 구분을 거부했다.[22] 멀티미디어 공연과 시각 예술에 대한 강조가 일반화되었다.[22]

피셔는 그레이스 존스, 1980년대의 뉴 로맨틱 그룹, 로신 머피와 같은 후대의 아티스트들을 아트 팝 계보의 일부로 특징지었다.[24] 그는 아트 팝의 발전이 록 음악의 전통적인 악기 구성과 구조를 거부하고 댄스 음악 스타일과 신시사이저를 선호하는 방향으로 진행되었음을 언급했다.[24] ''더 퀴어터스''는 재팬, 크라프트베르크, 데이비드 보위의 작품에 영향을 받은 영국의 뉴 로맨틱 밴드 듀란 듀란을 "아레나를 채울 정도의 수준으로 아트 팝을 개척"하고, 이 스타일을 "바로크적이고 낭만적인 탈출"로 발전시킨 것으로 꼽았다.[21] 비평가 사이먼 레이놀즈는 1970년대 후반과 1980년대에 화려함, 개념주의, 혁신을 결합한 영국 가수 케이트 부시를 "아트 팝의 여왕"이라고 칭했다.[25]

1981년, 퍼포먼스 아티스트 로리 앤더슨은 쥘 마스네의 오페라 르 시드에서 영감을 얻은 "오! 슈퍼맨"을 발표하여 영국 싱글 차트에서 2위를 기록했다.[59]

아이슬란드 출신 가수 비요크는 다양한 예술과 대중문화를 폭넓게 통합하여 아트 팝의 주요 공급자로 평가받는다.[26] 1990년대 동안 그녀는 아트 팝에서 가장 상업적으로 성공한 아티스트가 되었다.[28]

NPR의 배리 월터스에 따르면, 1990년대 랩 그룹 P.M. Dawn은 힙합 팬들에게 비판받았지만, 드레이크와 칸예 웨스트와 같은 아티스트에게 영향을 준 "만화경 아트팝" 스타일을 개발했다.[31] 2013년, 《스핀》은 웨스트가 주도하는 현대 음악에서 "새로운 아트팝 시대"를 언급했는데, 음악가들은 창의적 탐구뿐만 아니라 부와 사치를 나타내는 지표로 시각 예술을 활용한다.[32] 《Fact》는 웨스트의 2008년 앨범 《808s & Heartbreak》을 "아트팝 걸작"으로 칭하며, 이는 이후 힙합 음악에 실질적인 영향을 미쳤다고 평가한다.[33]

그라임스, 줄리아 홀터, 라나 델 레이, FKA 트위그스와 같이 "매력, 개념주의, 혁신, 자율성을 융합하는" 동시대 여성 아티스트들은 케이트 부시의 전통 안에서 활동하는 것으로 묘사된다.[25] 《몬트리올 가제트》는 그라임스를 "아트팝 현상"이자 "진행 중인 예술 작품으로서의 팝 스타에 대한 오랜 전통"의 일부로 묘사하며, 그녀의 성공에서 인터넷과 디지털 플랫폼의 역할에 주목한다.[35]

2012년 《더미》에 실린 글에서, 비평가 아담 하퍼는 현대 자본주의의 요소들과 모호하게 참여하는 것을 특징으로 하는 동시대 아트팝의 가속주의적 시대 정신을 묘사했다.[36] 그는 인터넷 기반 장르 베이퍼웨이브가 제임스 페라로와 다니엘 로파틴과 같은 언더그라운드 아트팝 음악가들로 구성되어 "21세기 초 자본주의의 가장 암울한 예술적 감수성의 기술적, 상업적 최전선을 탐구"한다고 언급한다.[36] 이 장르와 관련된 아티스트들은 가상성과 1990년대의 합성 소스, 예를 들어 기업 무드 음악, 라운지 음악, 뮤작과 같은 아이디어를 활용하면서 온라인 가명을 통해 음악을 발표한다.[36]

3. 1. 1960년대: 태동과 발전

1960년대는 예술과 팝 음악의 경계가 흐려지기 시작한 시기였다. 비틀즈, 비치 보이스 등의 음악가들과 앤디 워홀과 벨벳 언더그라운드 같은 예술가들은 아트 팝의 발전에 큰 영향을 주었다.[8] 이들은 팝 음악을 예술의 경지로 끌어올리고자 했다.

앤디 워홀의 익스플로딩 플라스틱 이네비터블 멀티미디어 공연, 니코 (오른쪽), 1966년.


필 스펙터와 비치 보이스의 브라이언 윌슨은 팝 레코딩에 의사 교향곡적 질감을 도입하기 시작했고, 비틀즈는 현악 사중주와 함께 처음으로 레코딩을 하였다.[8] 레코딩 스튜디오는 단순한 녹음 장소를 넘어 작곡 과정의 일부로 활용되기 시작했다.

브라이언 윌슨의 아트 팝은 음악 역사상 독특한 사례로 평가받으며,[10] 그의 동료 반 다이크 파크스는 윌슨의 능력을 앤디 워홀, 로이 리히텐슈타인과 비교하기도 했다.[11] 비치 보이스의 "Good Vibrations"는 팝과 예술이 상업적으로 결합된 순간을 보여주었다.[9]

프랭크 자파를 포함한 많은 록 밴드들이 싱글에서 앨범으로 전환하며 웅장한 예술적 진술을 담은 작품을 만들기 시작했고, 이는 아트 록이 번성하는 계기가 되었다.[8]

더 후는 매니저에 의해 "최초의 팝 아트 밴드"로 불렸으며, 멤버 피트 타운젠드는 "우리는 팝 아트 의상, 팝 아트 음악, 팝 아트 행동을 대표한다"고 설명했다.[8]

3. 1. 1. 영국

비틀즈를 비롯한 영국의 많은 젊은 밴드들이 미술 학교에서의 경험을 바탕으로 아트 팝을 발전시켰다.[8] 1960년대에 존 레논, 시드 배럿, 피트 타운젠드, 브라이언 이노, 브라이언 페리와 같은 팝 음악가들은 이전의 미술 학교에서의 공부에서 영감을 얻기 시작했다.[8] 프레드 프리스는 영국에서 미술 학교는 "우수한 노동 계급 아이들에게 전통적인 도피처였으며, 비틀즈를 비롯한 젊은 밴드를 육성하는 장소였다"라고 말했다.[8]

또 다른 아트 팝의 발전에 큰 영향을 준 것은 팝 아트 운동이었다.[8] "팝 아트"라는 단어는 대량 생산된 상품의 미적 가치를 표현하기 위해 만들어졌지만, 현대 현상인 로큰롤(엘비스 프레슬리 포함)에도 그대로 적용되었다. 프리스는 "팝 아트는 낭만주의의 종말을 알리는 것이었으며, 예술가가 없는 예술임을 알게 되었다. 프로그레시브 록은 보헤미안들의 마지막 도박이었다"라고 말했다.

3. 1. 2. 미국

밥 딜런과 비트 세대의 영향을 받아 포크 음악의 싱어송라이터 운동을 통해 더욱 문학적인 방향으로 발전하였다.[8]

3. 2. 1970년대: 글램 록과 뉴욕 씬

데이비드 보위, 1974


음악 저널리스트 폴 레스터는 10cc, 록시 뮤직, 스파크스가 "팝 영역에 '포스트모던'이라는 단어가 존재하기 훨씬 전에 서로 다른 장르와 시대를 혼합"했던 시기를 "교묘하고 지적인 아트 팝의 황금기"로 칭했다.[15] 벨벳 언더그라운드의 영향으로 더 스투지스의 이기 팝과 같은 록 뮤지션들은 작품에 대한 자의식을 갖게 되었다. 이기 팝은 자신의 개성을 예술 작품으로 만들도록 영감을 받았고, 이는 데이비드 보위에게 영향을 미쳤다.

1970년대에는 뉴욕 머서 아트 센터를 중심으로 자의식이 강한 예술/팝 커뮤니티가 결집하기 시작했다. 이들은 팩토리가 보여주었던 하이 아트와 로우 아트 간의 협업을 장려했다. 토킹 헤즈의 드러머 제리 해리슨은 "벨벳 언더그라운드와 앤디 워홀과 관련된 모든 것들로 시작했다"고 설명했다.

1970년대 초 글램 록 씬은 미술 학교의 감수성에 크게 의존했다. 비틀즈가 '서전트 페퍼스'에서 사용한 또 다른 자아에 부분적으로 영감을 받아, 글램은 기발한 의상, 연극적인 공연, 소비 팝 문화 현상에 대한 암시를 강조하며 록 음악에서 가장 의도적으로 시각적인 현상 중 하나가 되었다. 데이비드 보위, 록시 뮤직, 전 벨벳 언더그라운드 멤버 루 리드와 같은 아티스트들은 아트 록의 모더니스트 아방가르드 분파와 관련된 관행을 이어갔다.

데이비드 보위는 전 미술 학교 학생이자 화가였으며, 시각적 표현을 그의 작품의 중심적인 측면으로 만들었고, 앤디 워홀과 벨벳 언더그라운드의 작품과 태도에서 아트 팝의 개념을 끌어냈다.[16][17] 록시 뮤직은 프리스에 의해 "전형적인 아트 팝 밴드"로 묘사된다. 프론트맨 브라이언 페리는 그의 멘토인 팝 아트 선구자 리처드 해밀턴의 영향을 통합했고, 신시사이저 연주자 브라이언 이노는 이론가 로이 애스콧의 사이버네틱스와 예술 연구에서 영감을 받았다.

프리스는 브라이언 페리와 데이비드 보위가 "영국 팝에서 가장 중요한 영향력"으로 남아있다고 주장하며, 그들은 둘 다 "상업 예술 ''로서'' 팝"에 관심을 가졌고, 다른 "캠프" 행위와 달리 글램 록을 진지하게 받아들여야 할 예술 형태로 만들었다고 썼다. 이는 프로그레시브 록을 재정의하고 미디어 명성의 측면에서 낭만주의 예술가라는 생각을 되살렸다. 아몬드 화이트에 따르면, 록시 뮤직이 팝 아트 관행에 참여한 것은 효과적으로 "팝의 피상적인 경박함과 깊은 즐거움이 정당하고 매력적인 추구였음을 보여주었다."[3] 1973년 록시 뮤직을 떠난 후, 브라이언 이노는 일련의 실험적인 솔로 앨범에서 아트 팝 스타일을 더욱 탐구했다. 그는 그 해 남은 기간 동안 동시대 사람들과는 다른 방향으로 앤디 워홀의 주장을 발전시키고, 이 시대의 다양한 인기 음악가들과 협력했다.

3. 3. 1970년대 후반 ~ 1980년대: 포스트 펑크와 신스팝

문화 이론가 마크 피셔는 1970년대 후반의 다양한 음악적 발전, 특히 포스트펑크, 신스팝, 그리고 독일 전자 밴드 크라프트베르크의 작품을 아트 팝 전통 내에 위치한 것으로 보았다.[21] 그는 데이비드 보위와 록시 뮤직의 영국식 아트 팝이 영국 그룹 재팬의 음악으로 "절정에 달했다"고 말한다.[21] ''더 퀴어터스''는 재팬의 1979년 앨범 ''Quiet Life''를 보위가 1977년 앨범 ''Low''에서 탐구했던 것과 유사한 "매우 유럽적인 형태의 냉담하고 성적으로 모호하며 사려 깊은 아트 팝"으로 규정했다.[21]

브라이언 이노와 존 케일은 데이비드 보위, 토킹 헤즈, 그리고 많은 주요 펑크 및 포스트펑크 레코드의 경력에서 중요한 역할을 했다.[1] 펑크 운동의 아마추어리즘 이후, 포스트펑크 시대에는 보위와 록시 뮤직의 작품에서 이전부터 구현되었던 예술 학교 전통이 부활했다.[1] 아티스트들은 문학, 미술, 영화, 그리고 비판 이론에서 아이디어를 얻어 음악 및 팝 문화적 맥락으로 가져오면서 하이 아트와 로우 컬처 사이의 일반적인 구분을 거부했다.[22] 멀티미디어 공연과 시각 예술에 대한 강조가 일반화되었다.[22]

피셔는 그레이스 존스, 1980년대의 뉴 로맨틱 그룹, 그리고 로신 머피와 같은 후대의 아티스트들을 아트 팝 계보의 일부로 특징지었다.[24] 그는 아트 팝의 발전이 록 음악의 전통적인 악기 구성과 구조를 거부하고 댄스 음악 스타일과 신시사이저를 선호하는 방향으로 진행되었음을 언급했다.[24] ''더 퀴어터스''는 재팬, 크라프트베르크, 데이비드 보위의 작품에 큰 영향을 받은 영국의 뉴 로맨틱 밴드 듀란 듀란을 "아레나를 채울 정도의 수준으로 아트 팝을 개척"하고, 이 스타일을 "바로크적이고 낭만적인 탈출"로 발전시킨 것으로 꼽았다.[21] 비평가 사이먼 레이놀즈는 1970년대 후반과 1980년대에 상업적인 팝 성공을 포기하지 않으면서 화려함, 개념주의, 혁신을 결합한 영국 가수 케이트 부시를 "아트 팝의 여왕"이라고 칭했다.[25]

1981년, 퍼포먼스 아티스트 로리 앤더슨은 쥘 마스네의 오페라 르 시드에서 영감을 얻은 "오! 슈퍼맨"을 발표하여 영국 싱글 차트에서 2위를 기록했다.[59]

3. 4. 1990년대 이후: 다양한 장르와의 융합

아이슬란드 출신 가수 비요크는 다양한 형태의 예술과 대중문화를 폭넓게 통합하여 아트 팝의 주요 공급자로 평가받는다.[26] 1990년대 동안 그녀는 아트 팝에서 가장 상업적으로 성공한 아티스트가 되었다.[28]

NPR의 배리 월터스에 따르면, 1990년대 랩 그룹 P.M. Dawn은 힙합 팬들에게 "너무 부드럽고, 심사숙고하며, 광범위하다"고 평가받았지만, 결국 드레이크와 칸예 웨스트와 같은 아티스트의 작품에 영향을 준 "만화경 아트팝" 스타일을 개발했다.[31] 2013년, 《스핀》은 웨스트가 주도하는 현대 음악에서 "새로운 아트팝 시대"를 언급했는데, 음악가들은 창의적 탐구뿐만 아니라 부와 사치를 나타내는 지표로 시각 예술을 활용한다.[32] 《Fact》는 웨스트의 2008년 앨범 《808s & Heartbreak》을 "아트팝 걸작"으로 칭하며, 이는 이후 힙합 음악에 실질적인 영향을 미쳐, 자기 과시와 허세에 대한 동시대적 강조를 넘어 스타일을 확장시켰다고 평가한다.[33]

그라임스, 줄리아 홀터, 라나 델 레이, FKA 트위그스와 같이 "매력, 개념주의, 혁신, 자율성을 융합하는" 동시대 여성 아티스트들은 케이트 부시의 전통 안에서 활동하는 것으로 자주 묘사된다.[25] 《몬트리올 가제트》는 그라임스를 "아트팝 현상"이자 "진행 중인 예술 작품으로서의 팝 스타에 대한 오랜 전통"의 일부로 묘사하며, 그녀의 성공에서 인터넷과 디지털 플랫폼의 역할에 특히 주목한다.[35]

2012년 《더미》에 실린 글에서, 비평가 아담 하퍼는 현대 자본주의의 요소들과 모호하게 참여하는 것을 특징으로 하는 동시대 아트팝의 가속주의적 시대 정신을 묘사했다.[36] 그는 인터넷 기반 장르 베이퍼웨이브가 제임스 페라로와 다니엘 로파틴과 같은 언더그라운드 아트팝 음악가들로 구성되어 "21세기 초 자본주의의 가장 암울한 예술적 감수성의 기술적, 상업적 최전선을 탐구"한다고 언급한다.[36] 이 장르와 관련된 아티스트들은 가상성과 1990년대의 합성 소스, 예를 들어 기업 무드 음악, 라운지 음악, 뮤작과 같은 아이디어를 활용하면서 온라인 가명을 통해 음악을 발표할 수 있다.[36]

4. 대표적인 아티스트

아티스트
10cc
아노니
벡
비요크
버글스
브라이언 이노
크리스틴 앤 더 퀸스
데이비드 보위
디보
덩컨 셰이크
그레이스 존스
그라임스
재팬
Jenny Hval
케이트 부시
크라프트베르크
로리 앤더슨
로드
매지컬 클라우즈
로신 머피
P.M. Dawn
페이브먼트
피터 가브리엘
록시 뮤직
스파크스
스테레오랩
토킹 헤즈
피오나 애플


5. 비판

일부에서는 아트 팝이 지나치게 난해하고 대중성이 떨어진다는 비판을 제기하기도 한다. 또한, 예술적인 면모를 과시하기 위해 의도적으로 복잡한 음악을 만든다는 지적도 있다.

《인디펜던트》와 《파이낸셜 타임스》는 아트 팝 음악이 일반 대중과 거리를 두려는 시도를 한다고 언급했다.[5][6] 로버트 크리스트가우는 1987년 《The Village Voice》에서 아트 팝은 "장인 정신에 대한 매료가 미학적 강박으로 변할 때까지 위로 솟아오르고 안으로 파고드는 결과"라고 썼다.[7]

6. 영향

아트 팝은 포스트모더니즘의 고급/저급 문화 경계 붕괴를 활용하고 인위성과 상업성의 개념을 탐구한다.[24] 이 스타일은 개인적 표현보다 기호 조작을 강조하며, 아트 록이나 프로그레시브 록이 구현하는 낭만적이고 자율적인 전통과는 달리, 일상적이고 일회적인 미학을 활용한다.[2] 사회음악학자 사이먼 프리스는 팝 음악으로의 예술적 차용이 패션, 제스처, 그리고 역사적 시대와 장르의 아이러니컬한 사용에 특별한 관심을 가지고 있다고 구별했다.[3]

문화 이론가 마크 피셔는 아트 팝의 발전이 팝, 예술, 그리고 패션의 삼각 관계에서 진화했다고 썼다.[24] 프리스는 이것이 팝 아트에서 "거의" 직접적으로 영감을 받았다고 말한다.[41] 평론가 스티븐 홀든에 따르면, 아트 팝은 종종 고전 음악과 시의 형식적 가치를 의도적으로 추구하는 모든 팝 스타일을 지칭하지만, 이러한 작품들은 존경받는 문화 기관이 아닌 상업주의적 관심사로 마케팅되는 경우가 많다.[8]

아트 팝 아티스트는 포스트모더니즘 접근 방식, 예술 이론, 패션, 순수 예술, 영화, 전위 문학 등 다른 예술 형태의 영향을 받는 경우가 있다.[41] 1960년대 중반부터 브라이언 윌슨, 필 스펙터, 비틀즈와 같은 영국 및 미국의 팝 뮤지션들이 팝 아트 무브먼트의 아이디어를 레코딩에 도입하기 시작했다. 영국의 아트 팝 뮤지션은 미술 학교에서 배운 것을 활용했고, 미국에서는 팝 아티스트 앤디 워홀과 관련 밴드 벨벳 언더그라운드의 영향을 받았으며, 포크 음악의 싱어송라이터 무브먼트와도 교차했다.

아트 팝의 전통은 1970년대 후반부터 1980년대에 걸쳐 포스트 펑크나 신스팝, 영국의 뉴 로맨틱 씬 등의 스타일로 이어졌으며, 기존 록의 악기 편성이나 구조를 부정하고 댄스 스타일과 신시사이저를 선호하는 아티스트들에 의해 더욱 발전했다. 2010년대에는 힙합 아티스트가 비주얼 아트를 도입하고, 베이퍼웨이브 아티스트가 현대의 자본주의와 인터넷의 감성을 추구하는 등 새로운 아트 팝 트렌드가 생겨났다.[37]

참조

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