앙리 마티스

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1. 개요
2. 생애
3. 화풍의 발전
4. 한국과의 관계
5. 대표작
6. 평가 및 영향
참조

1. 개요

앙리 마티스는 20세기 프랑스의 화가로, 강렬한 색채와 단순한 형태를 특징으로 하는 작품을 통해 현대 미술에 큰 영향을 미쳤다. 1869년 프랑스에서 태어나 법학을 공부하다가 맹장염으로 요양 중 그림에 관심을 갖게 되어 화가로 전향했다. 그는 야수파 운동을 이끌며 대담한 색채를 사용했고, 이후 기하학적 구성과 단순화를 추구하며 니스 시대를 거쳐 종이 오리기(컷아웃) 기법을 발전시켰다. 1954년 사망했으며, 그의 작품은 전 세계 미술관에서 소장되어 있으며, "색채의 마술사"로 불리며 한국에서도 여러 차례 전시회를 통해 소개되었다.

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앙리 마티스 - [인물]에 관한 문서
기본 정보
1913년, 알빈 랭던 코번 촬영
본명	앙리 에밀 브누아 마티스
출생일	1869년 12월 31일
출생지	프랑스 노르파드칼레 르 카토-캉브레지
사망일	1954년 11월 3일
사망지	프랑스 니스
배우자	아멜리에 노엘리 파라이르 (1898년 결혼, 1939년 이혼)
자녀	3명
분야	회화 판화 조각 드로잉 콜라주
사조	야수파 모더니즘 후기 인상주의
스승	아카데미 줄리앙 윌리엄 아돌프 부그로 귀스타브 모로
후원자	거트루드 스타인 에타 콘 클라리벨 콘 마이클 및 사라 스타인 알버트 C. 반스
영향 받은 예술가	존 피터 러셀 폴 세잔 폴 고갱 빈센트 반 고흐 폴 시냐크
영향을 준 예술가	한스 호프만 데이비드 호크니 톰 웨셀만
주요 작품	모자를 쓴 여인 (1905년) 삶의 기쁨 (1906년) 푸른 누드 (1907년) 춤 (1909년) 붉은 아틀리에 (1911년) 달팽이 (1953년)
앙리 마티스 서명

2. 생애

제1차 세계 대전 이후에는 주로 니스에 머무르면서, 모로코·타히티 섬을 여행하였다. 타히티 섬에서는 재혼하여 약 7년 동안 거주하였다. 말년에는 색과 형태가 단순화되었으며, 밝고 순수한 빛의 광휘와 청순하고 명쾌한 선으로 훌륭하게 구성된 평면적인 화면은 '세기의 경이'라고까지 평가받고 있다. 제2차 세계 대전 후에는 방스 예배당의 장식을 맡아 1951년에 완성했는데, 이는 세계 화단의 새로운 기념물로 여겨진다. 그는 조각, 동판화뿐만 아니라 직물 디자인, 삽화 등 새로운 분야에도 뛰어났다. 대표작으로는 <춤>, <젊음> 등이 있다. 피카소는 "앙리 마티스의 배 속에는 태양이 들어 있다"라고 말하며 그의 색채 감각을 인정했으며, 앙리 마티스는 '색채의 마술사'로 불린다.^[97]^[98]^[99]^[100]^[101]^[102]^[103]^[104]^[105]

1889년 맹장염으로 요양하던 중 어머니에게서 화구를 선물 받고 회화에 관심을 갖게 되었다.

1898년 아멜리 파레일과 결혼하고, 인상파 화가 카미유 피사로의 권유로 런던에서 터너를 연구했다.^[98]

마티스의 초기 작풍은 사실적인 것을 지향했지만, 점차 폴 세잔, 폴 시냐크, 빈센트 반 고흐, 폴 고갱 등 후기 인상파의 영향을 받아 자유로운 색채 표현을 추구하게 된다. 1905년 『녹색 줄무늬가 있는 마티스 부인의 초상』, 1909년 『춤 I』 등 대담한 색채를 특징으로 하는 작품을 잇달아 발표하며, 모리스 드 블라맹크, 앙드레 드랭 등과 함께 야수파로 불리게 되었다.

1910년대에는 기하학적 구성에 의한 추상적·구축적 경향이 나타났으며, 큐비즘의 영향과 제1차 세계 대전으로 인한 엄격하고 내성적인 감정이 반영되었다.^[98]

1917년부터 1930년대까지는 주로 남프랑스 니스에서 활동했다. 이 시기에는 우아하고 관능적인 오달리스크를 비롯한 개방적인 작품들을 제작했으며, 이 시기를 "니스 시대"라고 부른다.^[98]

선의 단순화와 색채의 정화를 추구한 결과 종이 오리기 기법에 도달했으며, 마티스에게 가위는 연필보다 더 적합한 스케치 도구였다. 『재즈』 시리즈 등 종이 오리기 작품을 다수 남겼다.

말년에는 남프랑스 방스의 도미니크회 수도원 로사리오 예배당의 내부 디자인과 카술라 디자인을 담당했다. 이 예배당은 마티스 예술의 집대성으로 여겨지며, 종이 오리기를 모티브로 한 스테인드글라스와 흰 타일 위에 검은색의 단순하고 대담한 선으로 그려진 성모자상 등은 20세기 기독교 미술의 대표작으로 평가받는다.

마티스는 녹색을 좋아하여 독특한 아틀리에를 만들었는데, 테이블 위에 다양한 꽃과 키를 넘는 거대한 관엽식물이 가득하여 마치 식물원과 같았다. 그는 새를 매우 좋아하여 많을 때는 300마리나 기르기도 했다고 한다. 꽃과 새들로 가득한 아틀리에에서 수많은 걸작이 탄생했으며, 거장이 말년에 도달한 치유로 가득한 세계, 명화가 탄생한 무대가 바로 이 녹음이 우거진 아틀리에였다.

장 수술로 체력이 저하되자 마티스는 유화 대신 "종이 오리기" 기법으로 작품을 제작했다. 조수에게 색종이를 만들게 하여 가위로 오려 작품을 만들었는데, 건강 변화로 인해 작품에도 변화가 나타나 자연으로부터 받는 감각과 감촉을 직접적으로 표현하게 되었다. 꽃과 식물로부터 느끼는 평온함을 마음의 눈으로 보고 가위를 사용하여 생명력을 느끼게 하는 원색의 종이 오리기에 투영해 나갔다.

1954년 11월 3일 니스에서 심장마비로 사망했다.^[98]

2. 1. 초기 생애와 교육

1869년 12월 31일, 프랑스 북부 노르주 르 카토캉브레지에서 부유한 곡물 상인의 장남으로 태어났다.^[8] 그는 피카르디 지역의 보앵앙베르망드와에서 성장했다. 1887년, 법률을 공부하기 위해 파리로 갔고, 법원 관리로 일했다. 1889년, 충수염(맹장염)으로 요양 중 어머니에게서 미술 도구를 선물 받고 그림을 그리기 시작했다. 그는 나중에 "일종의 낙원"을 발견했다고 묘사했고,^[9] 예술가가 되기로 결심하여 아버지를 크게 실망시켰다.^[10]^[35]

1891년, 파리의 쥘리앙 아카데미와 에콜 데 보자르에서 미술을 공부했다. 귀스타브 모로에게서 가르침을 받았고, 조르주 루오와 평생의 우정을 맺었다. 1894년, 모델 카롤린 조블로와의 사이에서 딸 마르그리트를 얻었다. 1898년, 아멜리 노엘리 파레르와 결혼하여 두 아들 장과 피에르를 낳았다. 마르그리트와 아멜리는 종종 마티스의 모델이 되었다.^[14]

2. 2. 포비즘 시대

1896년, 마티스는 국립미술협회 살롱에 그림을 출품하여 인정을 받기 시작했다. 1898년에는 카미유 피사로의 조언으로 런던으로 가 J. M. W. 터너의 그림을 연구하고, 코르시카로 여행을 갔다. 1900년대 초, 폴 세잔, 빈센트 반 고흐, 폴 고갱 등 후기 인상주의 화가들의 영향을 받아 자유로운 색채 표현을 추구했다. 앙드레 드랭, 모리스 드 블라맹크 등과 교류하며 포비즘(야수파) 운동을 이끌었다.^[39] 1905년 가을 살롱에서 《모자를 쓴 여인》 등을 전시하여 "야수들 사이의 도나텔로"라는 평을 받으며 포비즘의 기수로 떠올랐다.

마티스는 거트루드 스타인과 레오 스타인 남매를 비롯한 스타인 가문과 콘 자매의 후원을 받았다.^[36] 1906년 4월경에는 자신보다 11살 어린 파블로 피카소를 만났는데,^[35] 두 사람은 평생 친구이자 경쟁자로서 긴밀한 관계를 유지했다.

다음은 포비즘 시대 마티스의 주요 작품들이다.

작품명	제작 연도	소장처
룩셈부르크 정원	1901	에르미타주 미술관, 상트페테르부르크, 러시아
접시와 과일	1901	에르미타주 미술관, 상트페테르부르크, 러시아
노트르담의 한순간	1902	올브라이트녹스 미술관, 뉴욕주 버펄로
누(카르멜리타)	1904	보스턴 미술관
사치, 평온 그리고 쾌락	1904	오르세 미술관, 파리, 프랑스^[29]
콜리우르의 풍경	1905	현대미술관, 뉴욕시
열린 창문, 콜리우르	1905	국립미술관, 워싱턴 D.C.
마티스 부인의 초상화 (녹색 선)	1905	덴마크 국립미술관, 코펜하겐, 덴마크
삶의 기쁨	1905–6	바네스 재단, 필라델피아, 펜실베이니아
줄무늬 티셔츠를 입은 자화상	1906	덴마크 국립미술관, 코펜하겐, 덴마크
젊은 선원 II	1906	메트로폴리탄 미술관, 뉴욕시
꽃병, 병, 그리고 과일	1906	에르미타주 미술관, 상트페테르부르크, 러시아
푸른 누드	1907	볼티모어 미술관, 볼티모어, 메릴랜드주
라 쿠아프튀르	1907	슈투트가르트 주립미술관, 슈투트가르트, 독일
빨간 마드라스, 빨간 터번	1907	바네스 재단, 필라델피아, 펜실베이니아^[30]
르 럭스 II	1907–08	덴마크 국립미술관, 코펜하겐, 덴마크
레 트루아 베뉴즈 (세 명의 목욕하는 여인들)	1907	미니애폴리스 예술 연구소, 미니애폴리스^[31]
거북이와 함께 있는 목욕하는 사람들	1908	세인트루이스 미술관, 세인트루이스
그릇 놀이	1908	에르미타주 미술관, 상트페테르부르크, 러시아
라 댄스 (첫 번째 버전)	1909	현대미술관, 뉴욕시
춤과 함께 하는 정물	1909	에르미타주 미술관, 상트페테르부르크, 러시아
라 댄스 (두 번째 버전)	1910	에르미타주 미술관, 상트페테르부르크, 러시아
레 까퓌씬 (춤 II와 함께 있는 금잔화)	1910–12	푸시킨 미술관, 모스크바, 러시아
음악	1910	에르미타주 미술관, 상트페테르부르크, 러시아

2. 3. 니스 시대와 그 이후

1917년, 마티스는 프랑스 리비에라의 도시 니스 교외에 있는 심예로 거처를 옮겼다. 이후 10년 남짓한 기간 동안 그의 작품에는 편안함과 부드러움이 더해졌다. 이러한 "질서로의 복귀"는 제1차 세계 대전 이후 많은 예술 작품의 특징이며, 피카소와 스트라빈스키의 신고전주의뿐만 아니라 드랭의 전통으로의 복귀와 비교할 수 있다.^[45] 마티스의 오리엔탈리스트적인 오달리스크 그림은 이 시대를 특징짓는다. 이 작품은 인기를 얻었지만, 일부 당대 비평가들은 그것을 피상적이고 장식적이라고 여겼다.^[46]

1920년대 후반, 마티스는 다른 예술가들과 활발하게 협업했다. 그는 프랑스인, 네덜란드인, 독일인, 스페인인뿐만 아니라 몇몇 미국인과 최근 미국으로 이민 온 사람들과도 함께 작업했다.

1930년 이후 그의 작품에는 새로운 활력과 더욱 대담한 단순화가 나타났다. 미국의 미술 수집가 앨버트 C. 반스는 마티스를 설득하여 바네스 재단을 위해 대형 벽화인 《춤 II》를 제작하게 했고, 이 작품은 1932년에 완성되었다. 재단은 마티스의 다른 그림 수십 점을 소장하고 있다. 이러한 단순화로의 움직임과 컷아웃 기법의 예고는 그의 그림 《큰 누드상》(1935년)에서도 분명하게 드러난다. 마티스는 이 그림에 몇 달 동안 작업했으며, 그 과정을 22장의 사진으로 기록하여 에타 콘에게 보냈다.^[47]

2. 4. 제2차 세계 대전 시기

1940년 6월 나치의 프랑스 침공 당시, 마티스는 파리에 머물렀지만 니스로 돌아갔다. 뉴욕에서 화랑을 운영하던 아들 피에르는 그에게 도망칠 기회가 있을 때 떠날 것을 간청했지만, 마티스는 비시 프랑스의 니스에 남기로 했다. 1940년 9월, 그는 아들 피에르에게 "마치 탈주하는 것처럼 느껴졌습니다. 만약 가치 있는 모든 사람들이 프랑스를 떠난다면 프랑스는 무엇이 남겠습니까?"라고 편지를 썼다.^[49] 그는 레지스탕스에 가담하지 않았지만, 유명한 예술가 중 한 명이 프랑스에 남기로 한 것은 점령당한 프랑스인들에게 자부심의 원천이 되었다.^[49]

1940년부터 1944년까지 나치가 프랑스를 점령하는 동안, 파리에서의 "퇴폐 예술"에 대한 공격은 군사 독재 하의 독일어권 국가들보다 관대했다. 마티스는 다른 전 포브 화가들과 입체파 화가들과 함께 전시를 허용받았지만, 유대인 예술가들의 모든 작품은 프랑스의 모든 박물관과 화랑에서 제거되었다. 전시하는 모든 프랑스 예술가들은 마티스를 포함하여 "아리아인"임을 보장하는 서약서에 서명해야 했다.^[50]

마티스는 전쟁 기간 동안 대부분 남부 프랑스에 고립되어 있었지만, 그의 가족은 프랑스 레지스탕스에 깊이 관여했다. 그의 아들 피에르는 자신이 대표하는 유대인과 반나치 프랑스 예술가들이 점령된 프랑스를 탈출하여 미국에 입국하도록 도왔다. 1942년, 피에르는 뉴욕에서 "망명 예술가들" 전시회를 열었는데, 이 전시회는 전설적인 전시회가 되었다. 마티스의 별거 중인 아내 아멜리는 프랑스 지하 조직의 타이피스트였고 6개월 동안 투옥되었다. 마티스는 전쟁 중 레지스탕스에서 활동했던 그의 딸 마르게리트가 렌 감옥에서 게슈타포에 의해 고문을 당하고 독일의 라벤스브뤼크 강제 수용소로 보내졌다는 소식을 듣고 충격을 받았다.^[10] 마르게리트는 연합군 공습 중에 멈춘 라벤스브뤼크행 열차에서 탈출하여 살아남았다.^[53] 마티스의 제자 루돌프 레비는 1944년 아우슈비츠 강제 수용소에서 사망했다.^[54]^[55]

2. 5. 말년과 컷아웃

1941년, 앙리 마티스는 십이지장암 진단을 받고 수술을 받았다. 하지만 수술 후 합병증으로 휠체어 생활을 해야 했고, 침대에 누워 지내는 시간이 많아졌다.^[56]^[57] 그림과 조각이 육체적으로 어려워지자, 마티스는 새로운 표현 수단으로 종이를 오려 붙이는 콜라주, 즉 데쿠파주 기법을 본격적으로 사용하기 시작했다.^[56]^[57] 조수들이 물감을 칠한 종이를 다양한 색상과 크기의 형태로 자르면, 마티스는 이것들을 배열하여 활기찬 구성을 만들었다. 처음에는 작은 크기의 작품이었지만, 점차 벽화나 방 크기의 작품으로 발전했다.^[56]^[57]

1943년, 마티스는 방스(Vence), 프랑스로 이주하여 그곳에서 화가의 책인 《재즈》를 위한 첫 번째 주요 종이 오리기 프로젝트를 진행했다.^[60] 이 작품들은 독립적인 그림이라기보다는 책에 들어갈 스텐실 인쇄를 위한 디자인이었다.^[60] 1946년 《재즈》 서문에서 마티스는 "예술가는 결코 자신, 스타일, 명성, 성공의 죄수가 되어서는 안 된다"라고 언급하며, 종이 오리기 기법의 가능성을 강조했다.^[60] 이후 마티스는 1946년 《오세아니아 하늘》과 《오세아니아 바다》와 같은 벽화 크기의 종이 오리기 작품을 제작하며 이 기법을 더욱 발전시켰다.^[62]

1948년부터 1951년까지, 마티스는 방스의 뢰즈미엘 성당 (Chapelle du Rosaire de Vence)의 디자인을 담당했다.^[65] 그는 컷아웃 기법을 활용하여 성당 창문, 카수블(chasubles), 성체 보관함 문 등을 디자인했다.^[65] 특히 컷아웃을 모티브로 한 스테인드글라스와 흰 타일 위에 검은색의 단순하고 대담한 선으로 그려진 성모자상 등은 마티스 예술의 집대성이자 20세기 기독교 미술의 대표작으로 평가받는다.

1952년, 마티스는 고향인 르 카토에 르 카토 마티스 박물관을 설립했다.

1954년 11월 3일, 앙리 마티스는 니스에서 심장마비로 사망하여,^[70] 니스 시미에즈 지역의 수도원 묘지에 안장되었다.^[70]

3. 화풍의 발전

앙리 마티스는 인상주의와 신인상주의의 영향을 받아 그림을 그리기 시작했다. 1892년 파리로 돌아와 미술학교에서 귀스타브 모로에게 배우면서 마르케, 루오와 교류했다. 루브르 박물관에서 옛 거장들의 작품을 공부하고, 폴 세잔, 고흐, 폴 고갱의 작품과 런던에서 본 터너의 작품, 우키요에 등 다양한 예술 사조로부터 영감을 받았다.^[16]

1896년에서 1897년경부터 원색의 대비를 통해 선명한 표현을 시도했으며, 앙데팡당 미술전 출품을 계기로 앙드레 드랭, 모리스 드 블라맹크와 교류하며 포비슴(야수파) 운동을 주도했다. 마티스는 포비슴이 표현 수단의 순수성을 재발견하려는 운동이며, 회화에서 '표현'은 격정적인 감정 표현이 아니라 색과 모양의 배합, 즉 긴밀한 질서를 의미한다고 설명했다.^[29]^[30]

포비슴 이후, 마티스는 색채와 형태의 조화를 추구하며, 보다 단순하고 조형적인 표현을 탐구했다. '동비중(同比重)·순일(純一)·절도(節度)'를 표현의 3원칙으로 삼았다.^[32]^[33] 그는 "균형이 잡힌 무구(無垢)한 그림을 그리고 싶다. 지쳐버린 사람에게 조용한 휴식처를 제공하는 것과 같은 그림을 말이다."라고 하였다.

1941년 복부암 수술을 받은 후, 데쿠파주 기법, 즉 컷아웃(종이 오리기)을 사용하기 시작했다.^[56]^[57] 조수들이 물감을 칠한 종이를 오리고 배열하여 활기찬 구성을 만들었으며, 점차 벽화나 방 크기의 작품으로 발전했다. 그는 이 시기를 "두 번째 삶"이라 불렀다.^[58]^[59] 1948년부터 방스의 뢰즈미엘 성당 (Chapelle du Rosaire de Vence) 디자인을 시작하면서 종이 오리기 기법은 그의 주요 표현 수단이 되었다.^[65]

3. 1. 인상주의와 후기 인상주의의 영향

1892년, 앙리 마티스는 양친을 설득하여 파리로 돌아와 아카데미 줄리앙에서 부그로의 문하생이 되었다. 이후 미술학교에서 귀스타브 모로에게 배웠으며, 이때 동문인 마르케, 루오와 교우를 시작했다. 그는 루브르 박물관에서 옛 거장들의 작품을 공부하고, 인상주의와 신인상주의를 연구했다. 화상 볼라르의 점포에서 폴 세잔, 고흐, 폴 고갱의 데생을 구입하고, 런던으로 여행을 떠나 터너의 작품을 보았다. 또한 우키요에에 열중하는 등 초기 마티스는 다양한 예술 사조로부터 영감을 받았다.^[16]

3. 2. 포비즘 (야수파)

1896년에서 1897년경부터 마티스는 원색의 대비를 통해 선명한 표현을 시도했으며, 앙데팡당 미술전 출품을 계기로 젊은 화가 앙드레 드랭, 모리스 드 블라맹크와 교류하며 더욱 선명한 색채를 추구하게 되었다. 그는 젊은 화가들을 이끌며 포비슴(야수파) 운동을 주도했다. 마티스는 포비슴이 표현 수단의 순수성을 재발견하려는 용기를 북돋우고 추진하는 운동이라고 설명했다. 또한, 그는 회화에서 '표현'을 추구했는데, 이는 격정적인 감정 표현이 아니라 화가가 주체적으로 화면에 만들어 내는 색과 모양의 배합, 즉 긴밀한 질서를 의미하는 것이었다. 1908년 이후, 마티스는 이러한 질서 있는 조형을 탐구했다. 그의 실내화와 정물화에는 인물, 의장, 장신구, 가구, 꽃, 꽃병, 융단 등이 묘사되어 있는데, 이 모든 구성 요소들은 균등한 비중과 조화를 이루며 화면을 구성한다. 다양하면서도 단일한 질서와 조화를 창조하는 것이 그의 과제였다. 그는 '동비중(同比重)·순일(純一)·절도(節度)'를 표현의 3원칙으로 삼았다. 이러한 마티스의 질서 감각은 자연법칙을 중시하는 리얼리즘과는 거리가 있지만, 명석한 형식 감정을 존중하는 라틴적인 조형 정신의 전통을 계승한 것이라고 볼 수 있다.^[29]^[30]^[31]

'''녹색 선''', 1905, 덴마크 국립미술관, 코펜하겐

'''젊은 선원 II''', 1906, 메트로폴리탄 미술관, 뉴욕시

'''빨간 마드라스''', '''빨간 터번''', 1907, 바네스 재단, 필라델피아

'''춤 (마티스)''', 1910, 에르미타주 미술관, 상트페테르부르크

3. 3. 조형적 탐구와 단순화

포비슴 이후, 마티스는 색채와 형태의 조화를 추구하며, 보다 단순하고 조형적인 표현을 탐구했다. 인물, 정물, 실내 풍경 등 다양한 주제를 다루면서, 화면 구성 요소들의 균형과 조화를 중시했다. 그는 '동비중(同比重)·순일(純一)·절도(節度)'를 표현의 3원칙으로 삼았다.^[32]^[33]^[34]

마티스는 "나는 균형이 잡힌 무구(無垢)한 그림을 그리고 싶다. 지쳐버린 사람에게 조용한 휴식처를 제공하는 것과 같은 그림을 말이다."라고 하였다.

''등 시리즈'', 청동, 왼쪽부터 오른쪽: ''등 I'', 1908–09, ''등 II'', 1913, ''등 III'' 1916, ''등 IV'', 1931년경, 모두 뉴욕 현대미술관, 뉴욕

3. 4. 컷아웃 (종이 오리기)

앙리 마티스는 1941년 복부암 수술을 받았지만, 이후 휠체어 생활을 하며 침대에 누워 지내는 시간이 많아졌다. 그림과 조각이 어려워지자, 그는 조수들의 도움을 받아 종이를 오려 붙이는 데쿠파주 기법, 즉 컷아웃(종이 오리기)을 사용하기 시작했다.^[56]^[57] 조수들이 물감을 칠한 종이를 다양한 형태로 자르고, 이를 배열하여 활기찬 구성을 만들었다. 처음에는 작은 작품이었지만, 점차 벽화나 방 크기의 작품으로 발전했다. 이는 회화도 조각도 아닌 독특한 예술 형식이 되었다.^[56]^[57] 그는 이 시기를 "두 번째 삶"이라 불렀고, 이동성은 제한되었지만 예술을 통해 정원을 거닐 수 있었다고 말했다.^[58]^[59]

마티스가 종이 오리기 기법을 처음 사용한 것은 1919년 오페라 ''밤꾀꼬리(Le chant du rossignol)''의 장식 디자인 작업 때였다.^[57] 1937년에서 1938년 사이에는 러시아 발레단(Ballets Russes)을 위한 무대 장치와 의상을 만들면서 이 기법을 사용하기도 했다. 그러나 수술 후 침대에 누워 있던 마티스는 종이 오려 붙이기를 독자적인 예술 형태로 발전시키기 시작했다.^[60]^[61]

1943년, 마티스는 방스(Vence), 프랑스로 이사했고, 그곳에서 ''재즈''라는 책을 위한 첫 주요 종이 오리기 프로젝트를 제작했다. 이 작품들은 스텐실 인쇄를 위한 디자인이었지만, 1946년 ''재즈'' 서문에서 마티스는 종이 오리기 기법의 가능성을 언급하며 "예술가는 결코 자신, 스타일, 명성, 성공의 죄수가 되어서는 안 된다"라고 주장했다.^[60]

''재즈'' 이후, 마티스는 1946년 ''오세아니아 하늘''과 ''오세아니아 바다''와 같은 벽화 크기의 작품을 만들었다. 그의 조수 리디아 델레토르스카야는 새, 물고기, 해양 식물의 실루엣을 방 벽에 고정했다. 이 작품들은 타히티 여행을 떠올리게 했다.^[62]

1954년 5월, 그의 종이 오려 붙이기 작품 ''곡식단''이 5월 살롱(Salon de Mai)에서 성공을 거두었다.^[63] 이 작품은 현재 로스앤젤레스 카운티 미술관(Los Angeles County Museum of Art)에 소장되어 있다.^[64]

1948년, 마티스는 방스의 뢰즈미엘 성당 (Chapelle du Rosaire de Vence) 디자인을 시작했다. 성당 창문, 카수블(chasubles), 성체 보관함 문 디자인을 종이 오리기 기법으로 계획하면서, 이 기법은 그의 주요 표현 수단이 되었다. 1951년 마지막 그림을 완성한 후, 마티스는 사망할 때까지 종이 오려 붙이기를 유일한 표현 수단으로 사용했다.^[65] 이 프로젝트는 마티스와 부르주아 수녀의 우정의 결과였다. 마티스는 무신론자였지만, 두 사람은 방스(Vence)에서 다시 만나 협업을 시작했다.^[66]^[67]

1952년, 마티스는 르 카토 마티스 박물관을 설립했다.

데이비드 록펠러(David Rockefeller)에 따르면, 마티스의 마지막 작품은 포칸티코 힐즈 연합 교회 (Union Church of Pocantico Hills)의 스테인드글라스(stained-glass) 창문 디자인이었다. 1954년 11월 마티스가 사망했을 때 그의 침실 벽에는 모형이 있었고, 설치는 1956년에 완료되었다.^[69]

4. 한국과의 관계

한국에서는 "색채의 마술사"라는 별칭으로 불리며, 앙리 마티스의 작품은 여러 차례 전시회를 통해 소개되었다. 1951년 도쿄 국립박물관에서 열린 "마티스전"은 한국 미술계에도 큰 영향을 미쳤다.^[106] 이 전시회 도록에 실린 글에서 마티스는 1950년 파리 전시를 마지막으로 할 예정이었으나, 궤 이노스케(硲伊之助)의 설득으로 의견을 바꾸었다고 밝혔다. 2004년 국립서양미술관 등에서 대규모 "앙리 마티스전"이 개최되어 초기 회화부터 말년의 작품까지, 그리고 제작 과정을 담은 다큐멘터리 필름도 공개되었다.^[107] 2023년 도쿄도 미술관에서 "마티스전"이 개최되었고, 2024년에는 국립신미술관에서 "마티스 자유로운 형태" 전시가 예정되어 있다.

5. 대표작

여인의 독서 (1894), 파리 현대미술관
분홍 벽 (1898), 파리 현대미술관
미디 운하 (1898), 티센-보르네미사 미술관
노트르담 대성당, 오후의 끝 (1902), 올브라이트녹스 미술관, 뉴욕주 버펄로
사치, 고요, 그리고 쾌락 (1904), 파리 현대미술관
녹색 줄무늬 (1905)
열린 창 (1905)
모자를 쓴 여인 (1905)
콜리우르의 지붕들 (1905)
콜리우르의 풍경 (1905)
삶의 행복 (1906)
젊은 선원 II (1906)
줄무늬 티셔츠를 입은 자화상 (1906)
빨간 마드라스 (1907)
푸른 누드 (1907), 볼티모어 미술관
디저트: 빨강의 조화 (빨간 방) (1908)
거북이와 함께 있는 목욕하는 사람들 (1908), 세인트루이스 미술관, 미주리주
춤 (1909)
제라늄이 있는 정물 (1910)
빨간 작업실 (1911)
대화 (1908–1912)
테라스의 조라 (1912)
금붕어 (1912)
앉아 있는 리파인 (1912)
탕헤르의 창문 (1912)
노란 커튼 (1915)
창문 (1916), 디트로이트 미술관, 미시간주
화가와 그의 모델 (1916–17)
빌라쿠블레 가는 길, 바람막이 (1917), 클리블랜드 미술관
음악 수업 (1917)
니스의 내부 (1920)
니스의 꽃 축제 (1923), 클리블랜드 미술관
팔을 든 오달리스크 (1923), 국립 미술관, 워싱턴 D.C.
노란 오달리스크 (1926)
춤 II (1932), 삼폭화 벽화 (45피트 × 15피트) 필라델피아 바네스 재단
보라색 로브와 아네모네 (1937)
보라색 코트를 입은 여인 (1937)
1940년의 꿈 (1940)
루마니아 블라우스 (1940)
에트루리아 항아리가 있는 실내 (1940), 클리블랜드 미술관
칼 던지는 사람 (1943)
안넬리스, 흰 튤립과 아네모네 (1944), 호놀룰루 미술관
아시아 (1946)
두 명의 소녀, 노란색과 빨간색 배경 (1947)
재즈 (1947)
매화꽃 (1948)
생 마리 드 로제 성당 (1948–1951)
바다의 짐승 (1950)
왕의 슬픔 (1952)
녹색 배경의 검은 잎 (1952)
흑인 여성 (1952)
푸른 누드 II (1952)
달팽이 (1953)
배 (1954) 1961년 뉴욕현대미술관에서 47일 동안 잘못해서 거꾸로 전시되어 작은 소동을 일으켰다.^[91]
부아르뉴 숲 (1902년), 푸시킨 미술관
사치, 고요, 쾌락 (1904년-1905년), 오르세 미술관
녹색 줄무늬가 있는 마티스 부인의 초상 (1905년), 코펜하겐 국립 미술관
빨강의 조화 (1908년), 에르미타주 미술관
춤 I (1909년), 뉴욕 현대 미술관
춤 II (1910년), 에르미타주 미술관
금붕어 (1912년), 푸시킨 미술관
나스터튬과 「춤」, 유화/캔버스 (1912년), 메트로폴리탄 미술관
화가의 딸 (1918년), 오하라 미술관
무늬 있는 배경의 장식적 인체, 유화/캔버스 (1925-26년), 국립 근대 미술관(퐁피두 센터)
터키 의자에 기대앉은 오달리스크, 유화/캔버스 (1927-28년), 파리 시립 근대 미술관
음악 (1939년)
루마니아 블라우스, 유화/캔버스 (1940년), 국립 근대 미술관(퐁피두 센터)
잠자는 여인과 정물, 유화/캔버스 (1940년), 내셔널 갤러리
꿈 (1940년)
재즈 서커스 (1947년), 뉴욕 현대 미술관
붉은 실내, 파란 테이블 위의 정물, 유화/캔버스 (1947년), 노르트라인베스트팔렌 주립 미술관
큰 붉은 실내, 유화/캔버스 (1948년), 국립 근대 미술관(퐁피두 센터)
이집트식 커튼이 있는 풍경 (1948년)
상복 (1950년경), 뉴욕 현대 미술관^[108]
블루 누드 II, 종이 조각 (1952년), 국립 근대 미술관(퐁피두 센터)
앵무새와 인어, 종이 조각 (1952년)
수영장, 종이 조각 (1952년)
꽃과 과일, 종이 조각 (1952-53년)
배, 종이 조각 (1953년)

6. 평가 및 영향

앙리 마티스의 작품 중 상당수는 나치에 의해 압류되거나 약탈당했으며, 강제 매각을 통해 소유권이 변경되었다.^[79] 지난 20년 동안, 여러 마티스 작품들이 제3제국 이전 소유주들의 상속인들에게 반환되었다.^[79]

반환된 작품들은 다음과 같다.

작품명	반환처	이전 소유주
장미색 벽(Le Mur Rose) ^[79]	프랑스 퐁피두 센터(Centre Georges Pompidou)	헨리 풀드의 상속인
앉아 있는 여인(Femme Assise) ^[80]	힐데브란트 구를리트(Hildebrand Gurlitt)의 아들의 은닉물 (뮌헨)
스투르 계곡(La vallée de la Stour) ^[81]	르 쇼드퐁 박물관	안나 야페(Anna Jaffé)

독일 분실 미술품 재단(German Lost Art Foundation)은 분실 미술품 인터넷 데이터베이스(Lost Art Internet Database)에 마티스의 작품 38점을 목록에 올려놓았다.^[82]

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