영국 연극
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1. 개요
영국 연극은 중세 시대부터 시작되어 르네상스 시대를 거쳐 왕정복고 시대, 18세기, 낭만주의 시대, 빅토리아 시대를 거치며 발전해 왔다. 특히 셰익스피어는 영국 연극의 황금기를 이끌었고, 20세기에는 존 오즈번의 《성난 얼굴로 돌아보라》가 새로운 흐름을 제시했다. 1968년 극장법 폐지로 검열이 사라진 후, 앨런 에이크본, 캐럴 처칠 등 새로운 극작가들이 등장했다. 라디오 드라마, 국립 극장 설립, 웨스트 엔드 극장의 발전도 영국 연극의 중요한 부분이다.
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| 영국 연극 | |
|---|---|
| 개요 | |
 | |
| 일반 정보 | |
| 국가 | 영국 |
| 형태 | 다양한 형태의 극장 예술 |
| 특징 | 역사적 깊이 현대적 혁신 다양한 장르 포괄 |
| 역사 | |
| 기원 | 고대 종교 의식 및 축제 |
| 중세 시대 | 순회 극단 및 도덕극 발전 |
| 16세기 | 르네상스 시대, 윌리엄 셰익스피어 등장 |
| 17세기 | 왕정 복고 시대, 여성 배우 등장 |
| 18세기 | 연극 대중화 및 극장 건물 발전 |
| 19세기 | 빅토리아 시대, 다양한 연극 장르 발전 |
| 20세기 이후 | 실험극, 부조리극 등 새로운 형태 등장 |
| 주요 극장 | |
| 런던 웨스트엔드 | 상업 연극 중심지 |
| 로열 셰익스피어 컴퍼니 | 셰익스피어 작품 전문 공연 |
| 국립 극장 | 다양한 레퍼토리 공연 |
| 글로브 극장 | 셰익스피어 시대 양식 복원 |
| 에든버러 프린지 페스티벌 | 세계 최대 규모의 공연 예술 축제 |
| 장르 | |
| 전통극 | 셰익스피어 희곡, 벤 존슨 희곡 등 |
| 현대극 | 조지 버나드 쇼, 해럴드 핀터 등 |
| 뮤지컬 | 앤드루 로이드 웨버 작품, 레 미제라블, 오페라의 유령 등 |
| 실험극 | 새로운 형식과 내용 탐구 |
| 부조리극 | 부조리한 인간 조건 탐구 |
| 영향 | |
| 사회적 영향 | 사회 문제에 대한 인식 제고, 토론 촉진 |
| 교육적 영향 | 문학 교육, 역사 교육, 문화 교육 기여 |
| 경제적 영향 | 관광 산업 활성화, 일자리 창출 |
| 특징 | |
| 다양성 | 다양한 배경의 극단 및 예술가 활동 |
| 혁신성 | 새로운 기술 및 연출 기법 도입 |
| 국제성 | 해외 극단과의 교류 활발 |
2. 고전극
엘리자베스 1세 시대(1558-1603)를 포함하여 제임스 1세, 찰스 1세 시대까지의 영국 연극을 통칭하며, 청교도 혁명으로 극장이 폐쇄된 1643년까지를 가리킨다.
2. 1. 시대별 구분
편의상 세 시기로 구분한다.- 제1기는 키드(T.Kyd, 1557-95)를 비롯하여 말로, 존 릴리 등 이른바 '대학 수재들'(케임브리지 대학, 옥스퍼드 대학 출신의 극작가들)이 대표하는 1580-90년대, 즉 엘리자베스 왕조 연극의 상승 발전기이다.
- 제2기는 셰익스피어를 중심으로 벤 존슨, 보먼트(F. Beaumont, 1584-1616), 존 플레처가 활약한 1590-1610년대의 전성기이다.
- 제3기는 '자코비안 드라마(제임스 왕조 연극)'의 주도자인 존 웹스터, 포드, 매신저로 대표되는 1610-30년대의 쇠퇴기 또는 퇴폐기라고 할 수 있다.
2. 2. 제1기 (셰익스피어 이전)
세네카풍 유혈비극의 절정을 이루는 것은 토머스 키드의 《에스파냐 비극(The Spanish Tragedy)》(1587)이다. 이 작품은 복수의 테마, 망령, 연쇄적 살인, 광기, 극중극의 효과적 사용 등이 햄릿의 원형을 생각하게 하며 셰익스피어의 비극에도 영향을 미쳤다. 특히 마스턴이나 존 웹스터 등 일련의 비극에 계승되었다.[18]키드와 전후하여 극단에 등장했던 말로는 셰익스피어와 같은 해에 태어났으나 《탬벌레인 대왕》, 《포스터스 박사》, 《말타섬의 유태인》, 《에드워드 2세》 등 개성적인 비극을 잇달아 발표하여 셰익스피어의 선구자로 천분을 발휘했다. 특히 웅대한 여운을 지닌 정열적인 무운시(無韻詩)를 구사하여 극적 효과를 올렸다. 《탬벌레인 대왕》은 유럽·소아시아에 걸친 광대한 지역을 무대로 하여 초인형(超人型)의 영웅을 배치한 스케일의 크기와 신선한 박력 등으로 엘리자베스 왕조의 사람들을 압도하고 영국 르네상스 연극을 대표하는 획기적인 작품이 되었다. 또한 《에드워드 2세》나 《말타섬의 유태인》의 바라바스와 같은 성격창조로 셰익스피어의 성격 비극에 영향을 미치는 등 엘리자베스 왕조 비극의 발전에 큰 공헌을 했다.
한편, 희극 분야에서는 《알렉산더와 캠퍼스피》, 《엔디미온》 등에서 이탈리아 르네상스의 보티첼리를 상기시키는 풍순(豊醇)하고 우아한 세계를 창조해 낸 릴리가 주로 궁정귀족을 위해 활약했다. 그러나 그는 이 때문에 늘 일반대중의 기호를 만족시키는 극단의 주류에서 벗어난 고독한 존재였으며, 셰익스피어 초기의 희극이나 낭만희극뿐 아니라 18세기를 거쳐 현대에까지 흐르고 있는 영국 연극의 전통의 하나인 하이 코미디(高級喜劇)의 선구자로서 공적을 남겼다.
이 밖에 《파리스의 규탄》(1581), 《노처(老妻)의 이야기》(1590) 등으로 서정적 목가적이거나 공상적인 낭만희극의 세계에 유머와 풍자를 교묘하게 묘사를 한 조지 피일(1558?-1596), 《제임스 4세》(1594), 《수도사 베이컨과 수도사 번게이》(1591), 《광기(狂氣)의 올란도》(1594) 등으로 희극, 비극, 환상, 감상이 기묘하게 혼합된 세계를 묘사한 로버트 그린(1558?-1592)이 셰익스피어의 선구자로서 주목되고 있다.
2. 3. 제2기 (셰익스피어 시대)
셰익스피어는 1592년부터 1596년 사이, 이전 시대에 활약했던 극작가들이 잇달아 사망하거나 은퇴하면서 극단의 독보적인 존재로 20년 가까이 군림하며 엘리자베스 왕조 연극을 융성기로 이끌었다. 벤 존슨은 '기질 희극'이라는 독창적인 세계를 확립하고, 《볼포네》, 《연금술사》 등 사실적인 풍자 희극을 통해 인간의 어리석음과 탐욕을 비판했다. 그는 셰익스피어가 비극에 전념한 17세기 초, 인간의 어리석음, 악덕, 탐욕 등을 통렬하게 폭로하는 사실적인 풍자 희극에서 독특한 날카로움을 보여주었다. 고전주의적 입장을 취한 그는 낭만주의 경향이 짙은 당시 극단에서는 고립되었지만, 왕정 복고기의 풍속 희극에서 선구자적 역할을 한 독특한 존재였다.이 시기에는 토머스 데커의 《구두장이의 휴일》(1600)과 같은 사실적인 시민 희극, 토머스 헤이우드의 《온정으로 살해당한 여자》(1603)와 같은 가정 비극의 원형이 탄생했다. 또한 존 마스턴의 《안토니오의 복수》(1600), 조지 채프먼의 《비시 담부아의 복수》(1610) 등 세네카풍 복수 비극이 계속되었다.
2. 4. 제3기 (셰익스피어 이후)
존 웹스터의 《백마(白魔)》(1611-12), 《말피 공작부인》(1614), 시릴 터너(1575-1620)의 《복수자의 비극》, 《무신론자의 비극》 등이 나왔으며 잔인한 살인, 죽음과 퇴폐로 가득 찬 일련의 공포 비극으로 대표되는 이 시기는 셰익스피어의 은퇴와 함께 엘리자베스조 연극이 쇠퇴하는 경향을 보였다. 이 퇴폐적 분위기는 1620-30년대에 최고조에 달해 광적인 정열과 병적인 정신상태를 다룬 존 포드(1586-1639)의 《상심(傷心)》, 《가엾도다, 창부(娼婦)》(1633)를 비롯하여 필립 매신저(1583-1640)의 《순교의 처녀》(1620), 《로마의 배우》(1626), 토머스 미들턴(1580-1627)의 《바뀐 아이》(1622), 제임스 셜리의 《매국노》(1631), 《추기경》(1641) 등 수많은 비극이 쏟아져 나왔다.한편 희극 분야에서 필립 매신저의 《구채신반제법(舊債新返濟法)》(1621-2), 《도회의 여자》(1632), 셜리의 《재원(才媛)》(1628), 《쾌락을 좇는 여자》(1635) 등이 존슨식 풍자 희극에서 후대의 풍속 희극으로 이어지는 작품으로 주목받았으나, 몇 해 후 극장 폐쇄령과 함께 엘리자베스 왕조의 연극도 완전히 종말을 맞이했다.
2. 5. 극장 구조와 상연 형태
당시 극장은 '공설 극장'과 '사설 극장' 두 종류로 나뉘었다. 공설 극장은 여관 안뜰에서 발전한 형태로, 원형 또는 다각형(8각형~6각형) 모양의 옥외 극장이었다. 무대는 앞, 중간, 뒤 세 부분으로 구성되어 입체적인 연출이 가능했다. 무대 중앙과 내부 무대 사이의 간막이 구실을 하는 막 외에는 관람석과 무대를 차단하는 막이 없었고, 독백이나 대사를 읊을 때도 관람석과 가장 가까운 무대 전방에서 직접 관객에게 이야기하는 식의 친근감을 자아낼 수 있었다. 조명 장치는 없고 오후 2시부터 햇볕 아래에서 상연되어 시간, 장소, 정경 묘사 등은 모두 대사에 의존해야 했다.입장료는 마당의 일반석이 1페니, 앉아서 볼 수 있는 상석도 3펜스라는 저렴한 가격이었다. 반면 사설 극장은 귀족 저택의 홀을 개조한 장방형 옥내 극장으로, 겨울철에 주로 이용되었고 인공 조명, 대도구, 막을 사용하는 등 근대 극장의 원형과 유사했다. 입장료는 공설 극장의 몇 배(6펜스에서 2실링 반)나 비쌌고, 귀족이나 상류 계층을 위한 극장이었다.
공설 극장의 대표적인 예로는 시어터 극장(1576), 글로브 극장(1599), 로즈 극장(1587), 포춘 극장(1600) 등이 있으며, 사설 극장으로는 블랙프라이어즈 극장이 있었다.
2. 6. 극단과 배우
당시 배우들은 사회적으로 낮은 신분이었기 때문에 귀족의 후원을 받는 극단에 소속되어 활동했다. 1580년대의 대표적인 극단인 '여왕 극단'을 대신하여 1590년대부터 17세기 초까지는 '궁내 장관 극단'과 '해군 장관 극단'이 큰 세력을 떨쳤다.셰익스피어가 소속된 '궁내 장관 극단'은 시어터 극장과 글로브 극장을 중심으로 활동했다. 겨울철에는 블랙플라이어즈 극장도 함께 사용하며 셰익스피어의 거의 모든 작품과 벤 존슨, 보먼트, 존 웹스터 등의 작품을 상연했다. 1603년 제임스 1세가 즉위하면서 '국왕 극단'으로 이름이 바뀌었고, 왕실의 보호 아래 전성기를 누렸다. 셰익스피어는 극단의 간부 배우로 활동하며 《햄릿》의 망령 역, 벤 존슨의 《각자는 각자 나름》 등에 출연했다. 리처드 버비지(1567-1619)는 극장 창설자 제임스 버비지의 아들로, 당대 최고의 비극 배우로 명성을 떨쳤다. 그는 리처드 3세, 햄릿, 오셀로, 리어왕 등 셰익스피어 비극의 주인공 역을 거의 도맡았으며, 특히 성격 묘사에 뛰어난 연기력을 보였다.
'해군 장관 극단'은 필립 헨즈로와 그의 사위 에드워드 알렌(1566-1626)을 중심으로 로즈 극장, 포춘 극장을 무대로 활동하며 주로 크리스토퍼 말로의 작품을 상연했다. 알렌은 탬벌레인, 포스터스, 바라바스 등 인기 배역을 맡아 버비지와 경쟁하는 일류 비극 배우로 명성을 떨쳤다.
당시에는 여배우가 없었으며, 여자 역은 변성기 이전의 소년 배우(주로 성가대 출신의 소년 배우 극단에 소속)가 맡았다. 궁내 장관 극단 소속의 윌리엄 캠프와 로버트 어밍은 피터, 터치스턴, 페스테 등의 어릿광대 역을 능숙하게 소화하여 인기를 얻었다.
3. 중세 연극 (500-1500)
극장은 로마 제국에 의해 현재의 영국에 유럽으로부터 도입되었으며, 전국에 관람석이 건설되었다. 중세 시대에 이르러 극장은 머머스 극과 함께 발전했는데, 이는 모리스 댄스와 관련된 초기 형태의 길거리 연극이었다. 성 게오르기우스와 용, 로빈 후드와 같은 주제를 다룬 민속 이야기였으며, 배우들은 공연을 위해 마을을 돌아다녔다.[1]
기독교 주제를 다룬 중세의 미스터리 극과 도덕극은 종교 축제에서 공연되었다. 중세 콘월어 시기에서 살아남은 가장 중요한 문학 작품은 1400년경에 쓰여진 9000행의 종교 드라마인 ''An Ordinale Kernewek''("콘월 경전")이다. 콘월 문학에서 현존하는 가장 긴 작품은 1504년에 쓰여진 것으로 추정되는 연극인 ''Bywnans Meriasek''(메리아섹의 생애)이다.
늦은 중세 시대의 완결된 또는 거의 완결된 4개의 영어 성경 연극 모음집이 있다.
- 48개의 마당극으로 구성된 ''요크 사이클''은 14세기 중반부터 1569년까지 요크 시에서 공연되었다.
- 32개의 마당극으로 이루어진 ''타운리 극''은 중세 시대 후반에 잉글랜드 웨이크필드 마을에서 그리스도의 성체 축일 축제 즈음에 공연되었을 가능성이 높다.
- ''루두스 코벤트리에''(또는 N 타운 극 또는 ''헤게 사이클''이라고도 함)는 최소 3개의 오래된, 관련 없는 연극을 수정하여 편집한 것이다.
- 24개의 마당극으로 구성된 ''체스터 사이클''은 엘리자베스 시대에 오래된 중세 전통을 재구성한 것으로 여겨진다.[2]
이러한 성경 연극들은 내용이 매우 다양하다. 대부분은 ''루시퍼의 타락'', ''인간의 창조와 타락'', ''카인과 아벨'', ''노아의 방주'', ''아브라함과 이삭'', ''탄생'', ''라자로의 부활'', ''수난'', ''부활''과 같은 에피소드를 담고 있다. 다른 마당극에는 ''모세'' 이야기, ''예언자들의 행렬'', ''그리스도의 세례'', ''광야에서의 유혹'', ''성모 마리아 승천 및 대관식''이 포함되었다. 주어진 사이클에서, 연극은 새롭게 등장하는 중세 길드에 의해 후원되었다.[1]
중세 시대의 종교 기반 미스터리 극에서 성장한 도덕극은 중세 시대와 튜더 시대 초기의 연극 엔터테인먼트의 장르이다. 당시 이 극들은 "막간극"으로 알려졌다.[3] 도덕극은 주인공이 다양한 의인화된 도덕적 속성을 만나 그가 악한 삶보다 신성한 삶을 선택하도록 유도하는 알레고리의 한 유형이다. 이 극들은 15세기와 16세기 동안 유럽에서 가장 인기가 있었다.
4. 르네상스 연극 (1500-1660)
엘리자베스 1세 시대에는 연극을 포함한 예술이 번성했다. 윌리엄 셰익스피어는 《햄릿》(1603), 《오셀로》(1604), 《리어왕》(1605)과 같은 비극, 《한여름 밤의 꿈》(1594–96) 및 《십이야》(1602)와 같은 희극, 《헨리 4세, 1부》와 같은 역사극 등 약 40편의 희곡을 썼다. 이 작품들은 오늘날까지 전 세계 극장에서 공연되며, 셰익스피어는 세계적인 극작가로 인정받고 있다. 엘리자베스 시대는 셰익스피어의 영향으로 "셰익스피어 시대"라고 불리기도 한다. 벤 존슨, 크리스토퍼 말로, 존 웹스터 등도 이 시대의 중요한 극작가들이다.[4]
영국 극작가들은 런던에 정착한 이탈리아 배우들의 영향으로 이탈리아 모델에 관심을 가졌다. 존 플로리오는 아버지가 이탈리아인이었으며 제임스 1세 궁정의 왕실 언어 교사이자 셰익스피어의 친구로서, 많은 이탈리아어와 문화를 잉글랜드에 소개했다. 초기 엘리자베스 시대 희곡으로는 토마스 새크빌과 토마스 노턴의 《고르보덕》(1561)과 토마스 키드의 《스페인 비극, 또는 히에로니모가 다시 미쳤다》(1582년에서 1592년 사이)가 있다. 《스페인 비극》은 복수극이라는 새로운 장르를 확립했으며, 셰익스피어의 《햄릿》에 영향을 준 것으로 알려져 있다.[4]
스코틀랜드에서는 데이비드 린지의 《세 개의 스테이티스에 대한 유쾌한 풍자》(1552)가 스코틀랜드어 극 전통을 보여주는 예시이다. 제임스 웨더번은 1540년경 스코틀랜드어로 반가톨릭 비극과 희극을 썼으나 망명했다. 스코틀랜드 종교 개혁에서 드라마는 선전적 가치가 있었지만, 교회는 대중적 오락에 대한 태도를 굳혔다. 스코틀랜드 드라마는 종교적 반대와 1603년 이후 왕과 궁정의 부재로 인해 대중적인 예술 형태로 성공하지 못했다.[5]
웨일스에서는 젠트리가 다른 형태의 예술 후원을 찾으면서 르네상스 극장의 발전이 제한적이었다. 1600년경에 제작된 헨리슨과 초서의 시에서 익명으로 각색된 ''트로일러스 아 크레스디''와 같은 웨일스 문학 드라마의 예시가 남아있다. 잉글랜드와 비교할 만한 도시 중심지가 없어 정기적인 무대를 지원할 수 없었기 때문에 도덕극과 막간극은 여관 마당 극장과 박람회에서 계속 유통되었고, 방문 극단이 잉글랜드 레퍼토리를 공연했다.[8]
5. 왕정복고 시대 연극 (1660-1710)
1642년부터 1660년까지 잉글랜드 공화국 시대 동안, 영국 극장은 종교적, 이념적 이유로 청교도들에 의해 폐쇄되었다.[9] 1660년 왕정 복고와 함께 런던 극장이 다시 문을 열자, 찰스 2세 (재위 1660–1685)의 개인적인 관심과 지원 아래 극장은 번성했다. 시의적절한 글과 최초의 전문 여배우의 등장 (셰익스피어 시대에는 모든 여성 역할은 소년들이 연기했다)은 다양한 사회 계층의 관객을 끌어들였다. 왕정 복고 시대의 새로운 장르는 영웅 비극, 애정 비극, 그리고 왕정 복고 시대 희극이었다. 오늘날 제작자와 관객의 관심을 가장 많이 끄는 왕정 복고 시대의 연극은 희극으로, 윌리엄 위처리의 ''시골 아내'' (1676), 최초의 전문 여성 극작가인 아프라 벤의 ''방랑자'' (1677), 그리고 존 밴브루의 ''재발'' (1696) 등이 있다.[9] 왕정 복고 시대 희극은 성적 노골성으로 유명하거나 악명 높은데, 이는 찰스 2세 개인과 그의 바람둥이 귀족적 정신에 의해 장려되었다.[9]
아일랜드 연극에 대한 기록된 역사는 적어도 1601년까지 거슬러 올라가지만, 주목할 만한 초기 아일랜드 극작가로는 ''세상의 방식'' (1700)의 작가인 윌리엄 콩그리브 (1670–1729), 후기 왕정 복고 시대 극작가인 조지 파커 (?1677–1707), ''모집관'' (1706), 그리고 18세기에 런던 무대에서 가장 성공한 두 명의 극작가인 올리버 골드스미스 (?1730–74), ''굴복하는 것은 정복한다'' (1773)와 리처드 브린즐리 셰리던 (1751–1816), ''스캔들 학교'' (1777)가 있다.[9] 18세기 앵글로-아일랜드 드라마에는 찰스 매클린 (?1699–1797)과 아서 머피 (1727–1805)도 포함된다.[9]
1737년 면허법에 의해 제정된 검열로 인해 아우구스투스 시대 드라마는 종말을 맞이했다. 1737년 이후, 강력한 정치적 또는 철학적 견해를 가진 작가들은 더 이상 생계를 유지하는 첫 번째 희망으로 무대를 선택하지 않게 되었고, 소설은 평범한 인간만을 포함하는 극적 구조를 갖기 시작했는데, 이는 심각한 작가들에게 무대가 닫혔기 때문이다.[9]
6. 18세기 연극
18세기에 들어서면서, 고상하고 도발적인 왕정 복고 코미디는 인기를 잃고 감상 코미디, 조지 릴로의 런던의 상인 (1731)과 같은 가정적인 시민 비극, 그리고 이탈리아 오페라에 대한 압도적인 관심에 자리를 내주었다. 이 시기에는 대중 오락이 그 어느 때보다 중요해졌으며, 박람회 가판대 풍자와 영국 뮤직 홀의 조상 격인 혼합 형태가 등장했다. 이러한 형태는 정통 영국 드라마를 희생하며 번성했고, 영국 드라마는 오랜 쇠퇴기에 접어들었다. 19세기 초에는 더 이상 연극 무대로 표현되지 않고, "작은 방"에서 개인적으로 읽기 위해 쓰인 밀실극으로 대체되었다.
7. 낭만주의 시대 연극 (1798-1836)
퍼시 비시 셸리와 조지 고든 바이런 경은 당대의 가장 중요한 문학 극작가였다(셸리의 희곡은 세기 후반에 공연되었다). 셰익스피어는 엄청난 인기를 누렸으며, 17세기와 18세기의 극장 공연용으로 대폭 수정된 버전이 세기 전반에 걸쳐 점차 제거되면서 원본에 더 가까운 텍스트로 공연되기 시작했다.
멜로드라마, 경극, 오페라, 셰익스피어와 고전 영국 드라마, 팬터마임, 프랑스 희극 번역본, 그리고 1860년대부터는 프랑스 오페레타가 빅토리아 시대의 풍자극과 함께 인기를 누렸다.
스코틀랜드 "국가 드라마"는 1800년대 초, 스코틀랜드를 주제로 한 연극이 스코틀랜드 무대를 장악하면서 등장했다.[13] 기존의 스코틀랜드 테마 연극 레퍼토리에는 존 홈의 ''더글라스''(1756)와 램지의 ''더 젠틀 셰퍼드''(1725)가 포함되었으며, 이 두 작품은 아마추어 극단 사이에서 가장 인기 있는 연극이었다.[13] ''더글라스''는 초창기 관객 중 한 명으로부터 "Whaur's Yer Wullie Shakespeare Noo?"라는 야유를 받았으며, 찬반 논쟁을 벌이는 여러 팸플릿의 대상이 되기도 했다.[14][15] 월터 스콧은 드라마에 깊은 관심을 갖고 있었으며, 에든버러 왕립 극장의 주주가 되었다.[17] 베일리의 하이랜드 테마 연극인 ''더 패밀리 레전드''는 1810년 스콧의 도움으로 에든버러에서 처음 공연되었으며, 스코틀랜드 국가 드라마를 활성화하려는 의도적인 시도의 일환이었다.[16] 스콧은 또한 다섯 편의 연극을 썼으며, 그중 ''핼리던 힐''(1822)과 ''맥더프의 십자가''(1822)는 애국적인 스코틀랜드 역사극이었다.[17] 웨이버리 소설의 각색 작품들은 대형 특허 극장보다는 주로 작은 극장에서 처음 공연되었으며, 여기에는 ''호수의 여인''(1817), ''미들로디언의 심장''(1819), 그리고 이 기간 동안 스코틀랜드에서 1,000회 이상 공연된 ''롭 로이''가 포함되었다. 또한 ''가이 매너링'', ''래머무어의 신부''와 ''애벗''도 무대 각색되었다. 이처럼 인기가 높았던 연극들은 연극 관람의 사회적 범위와 관객 규모를 확장시켰으며, 이 세기의 나머지 기간 동안 스코틀랜드의 연극 관람 관행을 형성하는 데 기여했다.[13]
8. 20세기 연극
20세기 영국 연극은 크게 세 시기로 나눌 수 있다. 1956년 존 오즈번의 《성난 얼굴로 돌아보라》는 영국 연극의 르네상스를 알리는 신호탄이었다.
19세기 말, 그라인의 '독립극장'과 윌리엄 아처의 '신세기 극장' 창설은 20세기 초 영국 연극의 개혁을 이끌었다. 이 시기에는 사회적, 도덕적 문제를 다루는 '사회문제극'과 사회 사상을 고취하는 '사상극'이 유행했으며, 실험적인 레퍼토리 극장이 영국 각지에 설립되었다.
버나드 쇼는 헨리 아서 존스와 함께 사실적인 문제극을 확립했다. 그는 입센의 옹호자였을 뿐만 아니라, 희극적 구성과 날카로운 대사, 독자적인 철학으로 연극을 사회극의 속박에서 해방시켰다. 그의 전성기는 1910년대였으며, 1940년대까지 작품 활동을 이어갔다. 그랜빌 바커, 제임스 매슈 배리, 존 골즈워디 등도 같은 계열의 작가로 활동했다. 특히, 골즈워디는 쇼보다 더 자연주의적인 작품으로 성공을 거두었다.
1920년대와 30년대에는 문제극이 쇠퇴하고 시극(詩劇)이 다시 등장했다. 오든과 이셔우드는 시와 산문을 혼합한 사회 비평적인 시극을 썼으나, 예이츠와 T. S. 엘리엇만이 주목받았다. 1945년 이후, 전후 시인들의 활약으로 시극이 부흥하여 엘리엇의 작품이 상업적 성공을 거두고 크리스토퍼 프라이가 등장하며 절정에 달했다.
30년대 대표 작가로는 존 보인턴 프리스틀리와 제임스 브라이디가 있다. 한편, 희극에서는 19세기의 풍속희극을 계승한 서머셋 몸과 노엘 카워드가 활약했다. 특히 카워드는 오스카 와일드 이후 가장 세련된 고급 희극 작가로 평가받았다.
전후 영국 극계는 시극의 부흥 외에는 큰 주목을 받지 못했다. 유스티노프와 래티건이 새로운 극작가로 등장했으나, 영속적인 가치를 지닌 작품은 드물었다. 텔레비전의 보급으로 많은 극장이 문을 닫았고, 순회공연도 감소했다. 이러한 상황 속에서 '올드빅'을 중심으로 한 셰익스피어극 상연이 예술적 성과를 거두었으며, 유럽 작가들의 작품도 공연되었다.
1940년부터 영국 정부는 레퍼토리 극단에 보조를 시작했고, 1963년에는 영국 최초의 국립극장이 탄생하여 로렌스 올리비에가 극장장으로 임명되었다.
20세기 말에는 에드워드 시대 뮤지컬 코미디가 뮤지컬 무대를 지배했다.[27] 조지 버나드 쇼와 J. M. 싱은 영국 연극에 큰 영향을 미쳤다.[28] 쇼는 에드워드 시대 극장을 통해 결혼, 계급, 전쟁, 여성의 권리 등 사회적 문제를 다루었다.[29]
노엘 코워드는 1920년대 이후 《건초열》, 《사적인 삶》, 《삶의 설계》, 《쾌활한 정신》 등 다수의 희곡을 발표하며 성공을 거두었다. 1930년대에 W. H. 오든과 크리스토퍼 이셔우드는 베르톨트 브레히트의 영향을 받은 시극을 공동 집필했다. T. S. 엘리엇은 《스위니 아고니스테스》를 시작으로 시극 부활을 시도했다.
손더스 루이스는 웨일스어로 《블로데우에드》 등 주목할 만한 희곡을 발표했다. 제임스 브라이디는 현대 스코틀랜드 연극의 창시자로 여겨지며, 시민 극장과 스코틀랜드 최초의 드라마 대학 설립에 참여했다.
8. 1. 1945년 이후
에든버러 페스티벌 프린지는 1947년 8개의 극단이 초대받지 않고 초대 에든버러 국제 페스티벌에 나타나면서 시작되었다.[30] 이 중 7개 극단은 에든버러에서, 1개 극단은 던펌린 수도원에서 중세 도덕극 "에브리맨"을 공연했다. 이들은 대규모 극장 관객을 활용하여 자신들의 대안적인 극을 선보이고자 했다. 프린지라는 명칭은 이듬해(1948년) 스코틀랜드 극작가이자 언론인인 로버트 켐프가 "공식 페스티벌 드라마의 주변에는 이전보다 더 많은 사적 기업이 있는 것 같다... 나는 우리 중 일부가 저녁 시간에 집에 없을까 봐 두렵다!"라고 쓴 데서 유래했다.[30] 1963년 트래버스 극장의 창시자인 존 캘더, 짐 헤인스, 리처드 데마르코에 의해 프린지의 예술적 자질이 확립되었다.릴리안 베이리스 아래의 새들러스 웰스는 잉글리시 국립 오페라(ENO)로 발전한 오페라단, 국립 극장으로 발전한 극단, 잉글리시 로열 발레로 발전한 발레단을 육성했다.
로열 셰익스피어 컴퍼니는 스트랫퍼드 어폰 에이번에서 주로 셰익스피어 작품을 제작한다. 1961년 3월 20일, 셰익스피어 기념 극장이 로열 셰익스피어 극장으로, 컴퍼니가 로열 셰익스피어 컴퍼니로 알려질 것이라는 왕실 발표와 함께 공식적으로 설립되었다.
1950년대 후반과 1960년대 초에 발전한 영국 극장의 중요한 문화 운동은 키친 싱크 리얼리즘(또는 "키친 싱크 드라마")이었다.[31] 앵그리 영맨이라는 용어는 종종 이 예술 운동의 구성원들에게 적용되었다. 이는 사회적, 정치적 문제를 탐구하기 위해 노동 계급의 가정 생활을 묘사하는 사회적 리얼리즘의 스타일을 사용했다. 존 오스본의 ''분노를 되돌아보라''(1956)는 전후 시대 응접실 극에 도전하며 앵그리 영맨의 대표작으로 꼽힌다.
1950년대에 사무엘 베켓의 부조리극 ''고도를 기다리며''(1955)는 영국 드라마에 깊은 영향을 미쳤다.[32] 부조리극은 해롤드 핀터(The Birthday Party, 1958), 톰 스토파드(''로젠크란츠와 길덴스턴은 죽었다'', 1966)에게 영향을 미쳤다.[33]
''프린지 밖에서''는 피터 쿡, 더들리 무어, 앨런 베넷, 조나단 밀러가 쓰고 공연한 코미디 무대 레뷰였다. 1960년대 초 런던과 뉴욕시의 브로드웨이 극장에서 공연되었으며, 1960년대 영국 풍자의 부상에 결정적인 영향을 미친 것으로 널리 알려져 있다.
치체스터 페스티벌 극장은 영국의 최초의 현대식 돌출 무대 극장이었다. 1968년 극장법은 1737년부터 영국에서 존재했던 무대 검열 시스템을 폐지했다.
앨런 에이크본은 《어처구니없는 인물》(1975), 《노먼 정복》 3부작 (1973), 《침실 소극》(1975), 《우리끼리만》(1976) 등 중산층 결혼 생활을 다룬 작품으로 상업적 성공을 거두었다. 캐럴 처칠, 마이클 프레인, 데이비드 헤어, 데이비드 에드거 등 새로운 극작가들이 등장했다.
브라이언 프리엘의 《번역》은 1980년 북아일랜드의 데리 길드홀에서 처음 공연되었다.[36] 이 연극은 언어와 소통, 아일랜드 역사, 문화 제국주의 등 다양한 문제를 다루었다.
1970년, 미국 배우이자 연출가인 샘 와나메이커는 셰익스피어 글로브 트러스트를 설립하고, 1997년 셰익스피어 글로브가 재건되어 개관했다.
9. 라디오 드라마
1950년대와 1960년대 동안 많은 주요 영국 극작가들이 BBC에서 경력을 시작하거나 라디오를 위해 작품을 각색했다. 카릴 처칠은 라디오 극작가로 활동하며 드라마 제작 경험을 쌓았고, 조 오턴[38]과 톰 스토파드[38]의 첫 전문 작품도 BBC 라디오 드라마였다. 존 모티머는 1955년 자신의 소설을 각색하며 라디오에 데뷔했고, 1957년에는 오리지널 라디오 드라마를 발표했다.[39]
브렌던 비한[41], 안젤라 카터, 수잔 힐[40]도 라디오 극작가로 활동했다.
대표적인 라디오 드라마로는 딜런 토머스의 ''우유 나무 아래에서''(1954), 사무엘 베케트의 ''모두가 쓰러지리라''(1957), 해롤드 핀터의 ''약간의 통증''(1959), 로버트 볼트의 ''사계절의 사나이''(1954)[42] 등이 있다. 사무엘 베케트는 1950년대와 1960년대에 여러 편의 단편 라디오 극을 썼다.[44]
10. 국립 극장
1840년대부터 '진지한 연극'을 기념해야 한다는 요구가 있었고, "셰익스피어 위원회"가 극작가의 생가를 국가를 위해 매입하면서 '진지한 드라마'의 중요성에 대한 인식이 나타났다. 1879년 코미디 프랑세즈가 가이티 극장에서 공연한 것이 계기가 되어 수도에 "모범적인 연극"을 선보일 수 있는 건축물, 셰익스피어를 위한 영구적인 기념관, 최고의 영국 연기를 대표하는 지원받는 극단, 그리고 연극 학교가 필요하다는 요구가 제기되었다.[46] 1948년 런던 카운티 의회가 로열 페스티벌 홀 근처에 부지를 제공했고, 1949년 영국 의회에서 재정 지원을 제공하는 "국립 극장법"이 통과되었다.[47] 1962년 7월, 로열 국립 극장 건설을 감독할 위원회가 설치되었고, 국립 극단 운영 및 올드 빅 극장 임대를 담당할 별도의 위원회가 구성되었다. 이 극단은 새로운 사우스 뱅크 건물이 개관하는 1976년까지 올드 빅에 머물렀다.
이후 연극계는 문화 정책 분권화의 결과로 20세기 말 단일 국립 극장에서 4개로 재편되었다.[48] 스코틀랜드와 웨일스에는 런던의 로열 국립 극장을 보완하기 위해 국립 극단이 설립되었다. 테아트르 게네들라에소날 킴루(웨일스 웨일스어 국립 극장), 스코틀랜드 국립 극장, 웨일스 국립 극장(웨일스 영어 국립 극단)이 그것이다.
11. 웨스트 엔드 극장
런던 웨스트 엔드에는 많은 수의 극장이 있으며, 특히 샤프츠베리 애비뉴를 중심으로 자리 잡고 있다.
'''웨스트 엔드 극장'''은 런던의 "극장가"에 있는 대형 극장에서 상연되는 주류 전문 극장을 가리키는 대중적인 용어이다.[50] 뉴욕의 브로드웨이 극장과 함께 웨스트 엔드 극장은 일반적으로 영어를 사용하는 세계에서 상업적으로 가장 수준 높은 연극으로 여겨진다.[50] 웨스트 엔드 쇼를 관람하는 것은 런던에서 흔한 관광 활동이다.
20세기의 다작 뮤지컬 작곡가인 앤드루 로이드 웨버는 "역사상 가장 상업적으로 성공한 작곡가"로 불린다.[51] 그의 뮤지컬은 수년 동안 웨스트 엔드를 장악했으며, 뉴욕의 브로드웨이 극장과 전 세계로 진출했을 뿐만 아니라 영화로도 제작되었다. 로이드 웨버의 뮤지컬은 원래 엘레인 페이지가 주연을 맡았으며, 그녀는 지속적인 성공으로 영국 뮤지컬계의 퍼스트 레이디로 알려지게 되었다.[52]
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