고대 그리스 연극
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1. 개요
고대 그리스 연극은 기원전 6세기경 디오니소스 축제를 기반으로 발전했으며, 비극과 희극의 두 가지 주요 형태로 나타났다. 비극은 인간의 비극적인 운명을, 희극은 인간의 어리석음을 다루며, 아테네의 도시 디오니시아에서 경연 대회가 열렸다. 연극은 가면, 의상, 무대 장치를 통해 시각적 효과를 더했으며, 아리스토텔레스의 시학은 이 시기 연극 연구의 기초를 다졌다.
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2. 어원
"비극"의 어원은 τραγῳδία|tragodia|label=nonegrc라는 단어이며, 두 개의 그리스어 단어를 합쳐서 만든 단어이다. τράγος|tragos|label=nonegrc는 "염소"를 뜻하며, ᾠδή|송시|label=nonegrc는 "ἀείδειν|aeidein|노래하다|label=nonegrc"에서 파생된 "노래"를 의미한다.[1]
고대 그리스 연극은 기원전 2000년경 에게해 문명의 농경 제사에서 비롯되었다. 봄에는 풍요를 기원하고 가을에는 수확을 감사하는 의식에서 연극적인 요소가 나타났다. 그리스 신화에 따르면, 최초의 '오르케스타라'는 다이다로스가 아리아드네를 위해 크노소스에 만들었다고 전해진다.
이 어원은 고대 디오니소스 신앙과의 관련성을 보여준다. 그러나 이러한 다산 의례가 비극과 고대 그리스 희극의 기초가 된 과정을 정확하게 알 수는 없다.[2]
3. 기원
미케네 문명 붕괴 이후, 호메로스의 서사시는 극적인 기복(起伏)을 표현하였고, 서정시인들은 제사에서의 기도나 길흉 이야기 등을 바탕으로 합창시(合唱詩)를 만들었다. 아리스토텔레스는 <시학>에서 호메로스의 <일리아스>가 비극의 내면적 구조를 분명히 하였으며, 서정시의 독창자들이 극작가들의 선구가 되었다고 평가했다.
기원전 6세기, 테스피스는 디오니소스 찬가(디튀람보스)에서 배우를 분리하여 비극의 기틀을 마련했다. 그는 '비극의 아버지'로 불리기도 한다. 솔론은 등장인물이 자신의 목소리로 말하는 시를 창작했고, 호메로스의 서사시는 랩소디에 의해 구연되어 연극 발전에 영향을 미쳤다.
3. 1. 초기 그리스 연극
기원전 6세기, 펠로폰네소스반도와 시칠리아 등지에서 연극적 시도가 활발하게 이루어졌다. 아티카 비극의 시조는 이카리아 출신의 테스피스로 알려져 있다. 그의 활동 시기는 솔론 시대(기원전 590년경) 또는 페이시스트라토스 시대(기원전 530년경)로 추정된다. 솔론의 시에는 아이스킬로스 비극의 모랄을 형성하는 망집(妄執)과 파멸의 인과가 나타나기도 했다. 페이시스트라토스 시대에는 아크로폴리스 남쪽 벼랑에 극장의 초석이 놓였다는 고고학적 증거가 있다.[28]
초기 연극은 디오니소스를 중심으로 한 마을 축제 여흥에 문학적, 연기적 요소를 더한 형태였다. 당시 관객석은 나무로 된 벤치여서 오래되면 부서질 염려도 있었다.
당시 비극·희극에서 두드러진 점은 배우(휴포크리테스)의 등장이었다. 비극에서는 천으로 만든 가면을 쓴 배우가 합창대에서 나와 신이나 영웅, 미녀, 사자(使者) 등의 역할을 맡아 합창대와 대사를 주고받고 노래를 맞추었다. 바큐리데스의 작품 <테세우스>는 기원전 5세기 중엽의 작품이지만, 테스피스 등이 연출했던 초기 극시(劇詩)의 모습을 보여준다. 초기 희극은 즉흥적인 아마추어 연극의 색채가 강해 배우 수에 제한이 없었던 것으로 보이나, 비극 배우는 작가, 연출가, 작곡가를 겸하며 연기뿐 아니라 독창 기술도 갖춰야 했다. 테스피스와 같은 창시자에게는 좌장(座長)으로서의 재능이 필요했던 것이다.[29]
비극 배우의 출현으로 관객의 흥미는 새로운 초점을 찾았고, 작가 겸 배우는 새로운 가능성을 개발하기 위해 노력했다. '클라이맥스를, 갈등을, 인간을 어떻게 신화전설로부터 파악하고 재연할 수 있는가'가 비극의 창시기로부터 완성기까지 약 1세기 동안 작가와 연기자들이 직면했던 문제였다.
4. 고전기 연극
그리스 연극은 사회 공동체의 번영과 평화 기원에 뿌리를 두고 있으며, 민주정치의 발달과 밀접하게 연관되었다. 특히 기원전 508년 클레이스테네스의 개혁은 민주정치의 기초를 다졌고, 이는 연극이 시민들의 결속을 강화하는 문화정책의 일환으로 활용되는 계기가 되었다.
디오니소스 극장에서는 기원전 501년부터 비극 상연이 시작되었으며, 부유한 시민들이 제작비를 후원하는 제도가 마련되었다. 기원전 486년부터는 희극 상연도 시작되었다.[9] 이러한 제작 체제는 펠로폰네소스 전쟁 중 일부 감축을 제외하고는 기원전 4세기 후반까지 유지되었다. 레나이온 극장에서도 기원전 440년경부터 디오니소스 극장과 유사한 제작 제도가 운영되었다.
초기 그리스 비극은 주역의 독백 연기가 중심이었으나, 아이스킬로스가 두 명의 배우를 도입하면서 대화극으로 발전하기 시작했다. 소포클레스는 세 명의 배우를 등장시켜 대화 기교를 더욱 정교하게 만들었으며, 이는 등장인물의 성격 묘사를 중요하게 여기는 계기가 되었다. 오이디푸스, 안티고네, 히폴리토스와 같은 인물들은 독자적인 특성을 지닌 인간성을 보여주는 대표적인 예시이다.
희극은 비극보다 늦게 국가의 지원을 받기 시작했지만, 언론의 자유를 바탕으로 비평, 야유, 조소를 자유롭게 표현하며 발전했다. 희극 작가들은 비극을 풍자의 대상으로 삼기도 했으며, 이는 비극이 희극으로부터 영향을 받는 요인이 되기도 했다.
기원전 404년 펠로폰네소스 전쟁에서 아테네가 항복한 이후, 아테네 연극계는 침체기를 맞이했다. 뛰어난 시인이 등장하지 않았고, 부유한 시민들의 후원도 어려워졌다. 기원전 4세기에는 옛 대시인들의 작품을 부활시켜 상연하는 경우가 많았으며, 배우의 수가 줄어들기도 했다. 그러나 이후 연극 상연이 다시 활발해지면서 배우의 연기가 관객의 주요 관심사가 되었다.
기원전 4세기 후반, 정치가 뤼쿠르고스는 3대 비극 시인의 작품이 함부로 개작되는 것을 막기 위해 배우들이 국가 문서고에 보관된 원본을 따르도록 하는 제도를 마련했다. 이 원본은 알렉산드리아 학부로 넘어가 교정을 거친 후 비잔틴 시대를 거쳐 르네상스 시대의 이탈리아까지 전해져 오늘날에 이르게 되었다. 또한 아리스토텔레스와 그의 제자들은 연극 구조 연구를 통해 후세 연극 연구의 기초를 다졌다.
4. 1. 그리스 비극
아리스토텔레스는 "비극은 보다 위대한 인간을 모방한다"고 지적했는데, 이는 인간을 억누르는 신, 운명, 혹은 정체불명의 비합리성에 맞서 싸우는 모습을 통해 그 위대함을 찾을 수 있다는 의미이다.[32]기원전 480년, 페르시아 제국이 아테네 시가지를 파괴한 후 도시를 재건하면서 극장이 건설되었고, 연극은 아테네 문화의 중요한 부분이 되었다. 디오니소스 신을 기리는 축제인 디오니시아제에서는 3명의 극작가가 디오니소스 극장에서 3편의 비극과 1편의 사티로스극을 상연하여 경쟁했다. 아이스킬로스는 두 번째 배우를, 소포클레스는 세 번째 배우를 추가했으며, 고대 그리스 극에서는 연기자가 3명을 넘는 일이 없었다.[33]
대표적인 비극 작가로는 아이스킬로스, 소포클레스, 에우리피데스 등이 있다.
4. 2. 그리스 희극
희극은 인간을 아래에서 지탱하는 강대한 힘 — 성욕, 식욕, 금전욕, 명예욕, 권력욕, 그 밖의 갖가지 생명욕 —을 의지삼아 자기 분수를 모르는 소망에 애태운다는 점에서 비천함을 찾을 수 있다. 평화, 정치적 권력 획득, 빚 면제, 인질 탈환 등 엉터리 목적을 성취하기 위해 기상천외의 수단을 부리는 인간들을 등장시킨다. 그 과정에서 시사문제나 문예, 풍속에 대한 풍자도 왕성하게 나타난다. 그러나 이러한 풍자는 인간의 본능적 욕망을 극대화하는 생명력의 희화화(戱畵化)이며, 그 늠름한 힘을 웃음으로써 찬미한다는 점에서 희극의 본질을 찾을 수 있다.희극은 국가적 지원을 받는 형태가 비극보다 늦게 나타났지만, 언론의 자유는 본래 희극의 본바탕이었다. 비평, 야유, 조소를 자유분방하게 표현하는 것은 자연스러운 대화의 흐름을 파악하는 기교로 발달했다. 희극 작가들은 고상한 척하는 비극을 냉소의 대상으로 삼았기 때문에, 비극 또한 희극 작가들로부터 직간접적으로 큰 자극을 받았다. 아리스토파네스의 <테스모포리아의 여자들>이나 <개구리>에서 볼 수 있듯이, 희극 작가들은 최고의 비극 전문가이기도 했다.
5. 헬레니즘 시대 연극
펠로폰네소스 전쟁에서 스파르타에 패배한 후 아테네의 힘은 쇠퇴했다. 이후 극장에서는 오래된 비극을 재상연하기 시작했다.[11] 연극 전통이 활력을 잃은 것처럼 보였지만, 그리스 연극은 헬레니즘 시대 (기원전 4세기에 알렉산드로스 대왕의 정복 이후의 시대)까지 이어졌다.[11]
헬레니즘 시대의 주요 연극 형태는 비극이 아니라 신희극으로, 평범한 시민들의 삶에 대한 코믹한 에피소드였다.[11] 이 시대의 유일하게 현존하는 극작가는 메난드로스이다.[11] 신희극은 평범한 시민들의 일상 생활에서 일어나는 여러가지 이야기를 다루었다.[10] 신희극에서는 과거 비극에서처럼 신의 모습이나, 외설스러운 의상을 입고 기상천외한 웃음을 유발하던 모습은 더 이상 찾아볼 수 없었다. 또한 시민 전체의 목소리를 대변하던 합창단도 사라졌다.[10]
신희극의 가장 중요한 공헌 중 하나는 로마 희극에 미친 영향으로, 이는 플라우투스와 테렌티우스의 현존하는 작품에서 확인할 수 있다.[11] 플라우투스와 테렌티우스는 신희극의 여러 작품을 모범으로 삼았으며, 라틴어로 번안하거나 번역하는 것에서부터 창작을 시작했다.[10]
6. 그리스 극장
고대 그리스 대부분의 도시는 언덕이나 언덕 근처에 위치해 있었기 때문에, 극장의 관람석은 일반적으로 언덕 경사면에 건설되었다. 이는 '보는 장소'를 의미하는 theatron|테아트론grc이라 불리는 자연스러운 관람 구역을 만들었다. 적합한 언덕이 없는 도시에서는 흙을 쌓아 올리기도 했다.[11] 언덕 기슭에는 지름이 약 약 23.77m인 평평하고 일반적으로 원형인 공연 공간이 있었는데, 이곳은 '춤추는 장소'를 의미하는 orchestra|오케스트라grc로 알려져 있었다.[11] 이곳에서 12~15명 정도의 합창단[12]이 음악 반주와 함께 운문극을 공연했다. 배우와 합창단원이 오케스트라에 출입하는 parodos|파로도이grc 또는 eisodos|에이소도이grc라고 불리는 크고 아치형의 입구가 종종 있었다.
theatre|극장grc이라는 용어는 결국 theatron|테아트론grc, orchestra|오케스트라grc, skené|스케네grc 전체 구역을 의미하게 되었다.
theatron|테아트론grc은 언덕에 지어진 객석이었다. 최초의 좌석은 나무로 만들어졌지만, 기원전 499년경부터는 언덕 측면에 돌 블록을 끼워 넣어 영구적이고 안정적인 좌석을 만드는 것이 일반화되었다. 이것들은 prohedria|프로헤드리아grc라고 불렸으며 사제와 존경받는 몇몇 시민들을 위해 예약되었다. diazoma|디아조마grc는 상부와 하부 좌석 구역을 구분했다.
orchestra|오케스트라grc는 합창대와 배우들이 공연을 펼치는 극장의 가장 아래에 위치한 둥근 공간이었다. 이 단어는 "춤추는 공간"을 의미하며, 초기에는 합창대도 이곳에서 춤을 추었다.[15] 원래는 높이 올려져 있지 않았지만, 그리스 극장은 이후 더 쉽게 볼 수 있도록 무대를 높이게 되었다. 이러한 관행은 개별 등장인물의 극적인 묘사를 포함한 "신희극"이 등장한 이후 일반화되었다. 코리파이오스는 합창대의 우두머리로, 연극의 등장인물과 상호 작용할 수 있는 인물로서 스토리에 참여할 수 있었다. 연극은 종종 아침에 시작하여 저녁까지 이어졌다.
극장들은 많은 배우들과 관객들을 수용하기 위해 대규모로 건설되었는데, 최대 14,000명까지 수용할 수 있었다. 설계자들은 배우들의 목소리가 극장 전체에 들릴 수 있도록 음향을 만들어야 했기 때문에, 물리학과 수학은 이러한 극장 건설에 중요한 역할을 했다. 그리스인들의 음향에 대한 이해는 현재의 기술 수준과 비교해도 매우 훌륭하다.
일부 극장에서는 오케스트라 뒤에 skené|스케네grc라고 불리는 배경이나 무대 벽이 있었다. 기원전 465년 이후, 극작가들은 스케네를 사용하기 시작했으며, 이는 배우들이 의상을 갈아입을 수 있는 공간 역할도 했다. 기원전 425년 이후, skené|스케네grc를 보완하는 paraskenia|파라스케니아grc라고 불리는 석조 무대 벽이 일반화되었다. paraskenia|파라스케니아grc는 출입을 위한 출입구가 있었을 수 있는 측면이 돌출된 긴 벽이었다. paraskenia|파라스케니아grc 바로 뒤에는 현대의 프로시니엄과 유사한 proskenion|프로스케니온grc("무대 앞")이 있었다. 위층은 episkenion|에피스케니온grc이라고 불렸다. 일부 극장에는 logeion|로게이온grc이라고 불리는 오케스트라 위에 연설 공간이 있었다.
근처의 사찰, 특히 무대의 오른쪽에 있는 사찰은 거의 항상 그리스 극장 단지의 일부였다.
6. 1. 무대 장치
기원전 5세기 말, 펠로폰네소스 전쟁 시기까지 스케네는 2층 높이였다. 등장인물의 죽음은 관객 앞에서 살인을 보여주는 것이 부적절하다고 여겨졌기 때문에 항상 스케네 뒤에서 들렸다.고대 그리스 연극에서는 다음과 같은 무대 장치들이 일반적으로 사용되었다.
- 메카네: 배우가 하늘을 나는 듯한 인상을 주는 크레인이다. (데우스 엑스 마키나 참조)[1]
- 에크키클레마: 죽은 등장인물을 관객에게 보여주기 위해 사용된 바퀴 달린 플랫폼이다.[1]
- 피나케스: 배경을 만들기 위해 스케네에 걸어놓은 그림이다.[1]
- 티로마타: 스케네 2층(지면에서 3층)에 설치된 보다 복잡한 그림들이다.[1]
7. 가면
고대 그리스에서 가면을 뜻하는 용어는 ''프로소폰''(prosopon, 문자 그대로 "얼굴")[16]이었으며, 디오니소스 숭배 의식의 중요한 요소였다. 아마도 의례와 축제에 사용되었을 것으로 보인다. 많은 가면은 더 높은 권력을 가진 신들을 숭배하였기 때문에 종교적으로도 매우 중요했다.[16]
현존하는 증거의 대부분은 기원전 5세기의 몇몇 도기 그림에서 발견된다. 그중 하나는 나무에 매달린 신의 가면과 그 아래에 장식된 로브, 그리고 춤을 묘사하고 있으며, ''프로노모스'' 항아리[17]는 배우들이 사티로스 극을 준비하는 모습을 묘사하고 있다.[18] 가면은 유기 물질로 만들어졌고 영구적인 물건으로 여겨지지 않았기 때문에, 공연 후 디오니소스의 제단에 헌납되었으며, 현재 물리적인 증거는 남아 있지 않다. 그럼에도 불구하고, 가면은 아이스킬로스 시대부터 사용된 것으로 알려져 있으며, 고전 그리스 연극의 상징적인 관습 중 하나로 여겨진다.[19]
가면은 또한 극의 일부를 담당하고, 그들이 겪는 사건에 대한 해설을 제공하는 합창단원들을 위해 만들어졌다. 비극 합창단원은 12명 또는 15명이었지만, 모두 동일한 가면을 착용했는데, 이는 하나의 등장인물을 대표하는 것으로 간주되기 때문이다.
5세기의 연극 가면 삽화는 헬멧과 유사한 가면을 보여준다. 얼굴과 머리 전체를 덮고, 눈 구멍과 입을 위한 작은 구멍, 통합된 가발을 갖추고 있다. 이러한 그림들은 실제 공연에서 배우들이 가면을 쓰고 있는 모습을 보여주지 않는다. 대부분 공연 전후 배우들이 가면을 다루는 모습으로 묘사된다. 이는 가면이 어떻게 얼굴에 '녹아들어' 배우가 역할 속으로 사라지게 하는지를 보여준다.[21] 실제로 가면은 대사 암기만큼이나 배우를 변모시켰다. 따라서 고대 그리스의 공연에서는 가면을 쓴 배우와 연극적 등장인물을 구별하지 않았다.
가면 제작자들은 "소품 제작자"를 의미하는 ''skeuopoios''라고 불렸으며, 이는 그들의 역할이 다양한 임무와 과제를 포함했음을 시사한다. 가면은 뻣뻣하게 만든 린넨, 가죽, 나무 또는 코르크와 같은 가벼운 유기 재료로 만들어졌을 가능성이 높으며, 가발은 사람이나 동물의 털로 구성되었다.[22] 이러한 가면이 시각적인 제약을 가했기 때문에 배우가 방향을 잡고 균형을 유지하기 위해서는 소리를 들어야 했다. 따라서 귀는 헬멧 가면 자체가 아니라 상당한 양의 머리카락에 의해 덮였다고 여겨진다. 입 구멍은 비교적 작았고, 공연 중에는 입이 보이지 않도록 했다. Vervain과 Wiles는 이 작은 크기가 1960년대에 처음 제시된 것처럼 가면이 확성기 역할을 한다는 생각을 약화시킨다고 주장한다.[18] 그리스 가면 제작자 Thanos Vovolis는 가면이 머리의 공명기로 작용하여 음향을 향상시키고 품질을 변화시킨다고 제안한다. 이는 에너지와 현존감을 증가시켜 배우가 자신의 캐릭터로 더 완전하게 변신할 수 있게 해준다.[23]
아테네의 디오니소스 극장과 같은 거대한 야외 극장에서 고전적인 가면은 관객들에게 공포감을 조성하여 대규모의 공황 상태를 유발할 수 있었는데, 특히 가면이 과장된 얼굴 특징과 표정을 가지고 있었기 때문이다.[23] 이러한 가면은 배우가 여러 배역으로 나타나고 사라지는 것을 가능하게 하여, 관객이 배우를 특정 인물과 동일시하는 것을 막았다. 가면의 변형은 관객이 성별, 나이, 사회적 지위를 구별하는 데 도움을 주었으며, 예를 들어 오이디푸스가 스스로 눈을 멀게 한 후와 같이 특정 등장인물의 외모 변화를 드러내기도 했다.[24] 또한 아이스킬로스의 ''오레스테이아'' 중 복수의 여신들과 에우리피데스의 ''바카이''에 등장하는 펜테우스와 카드모스와 같이 특정 등장인물과 사건을 위해 특별한 가면이 제작되었다. 합창단이 착용한 가면은 단결과 통일성을 부여하는 동시에 다성적인 인물 또는 단일 유기체를 나타냈으며, 집단 내 각 개인 간의 상호 의존성과 민감성을 높이는 데 기여했다. 한 번에 2~3명의 배우만 무대에 설 수 있었고, 가면은 한 인물에서 다른 인물로 빠르게 전환할 수 있게 했다. 배우는 모두 남성이었지만, 가면을 통해 여성 역할을 연기할 수 있었다.
몇몇 단순한 인물 사이를 전환하며 역할을 해석하는 현대적인 방법은 고대 그리스 극장의 가면 변환에서 유래되었다.[25]
8. 의상
비극 배우들은 코토르누스(부스킨)라는 높은 굽의 부츠를 신어 다른 배우들보다 키를 크게 보이게 했다. 희극 배우들은 소쿠스(soccus) 또는 삭스라고 불리는 얇은 밑창 신발을 신었다. 이런 이유로 연극은 때때로 "삭스와 부스킨"이라고 불린다.
여성 역할을 연기하는 남성 배우들은 가슴 모양을 만들기 위해 가슴에 ''posterneda''라는 나무 구조물을 착용했고, 배에는 부드럽고 여성스러운 모습을 연출하기 위해 ''progastreda''라는 또 다른 구조물을 착용했다.
9. 연극 연구의 기원
기원전 4세기 후반, 철학자 아리스토텔레스와 그의 제자들은 비극 및 희극의 역사, 발생, 발전 과정에 대한 인식을 바탕으로 연극 구조를 연구하였다. 아리스토텔레스는 아테네 국립극장 상연 기록 자료를 편찬하였으며, 이를 토대로 《시학》을 저술하였다. 그의 제자들은 당시 수백 편이나 남아 있던 비극 및 희극 작품들을 정리하여 후대 연극 연구의 기초를 닦았다.
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