바순
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1. 개요
바순은 16세기 둘시안에서 기원하여 바로크, 고전, 낭만 시대를 거쳐 현대까지 발전한 이중 리드 목관악기이다. 둘시안을 개량하여 바로크 바순이 등장했고, 마르탱 오테테르가 현대 바순의 기본 형태를 개발했다. 고전 시대에는 음역과 기교가 향상되어 모차르트의 바순 협주곡과 같은 작품이 작곡되었고, 낭만 시대에는 알멘뢰더와 헤켈의 개량으로 연주성이 더욱 향상되었다. 현대 바순은 독일식(헤켈)과 프랑스식(뷔페) 두 가지 주요 형태로 나뉘며, 오케스트라, 실내악, 취주악 등 다양한 앙상블에서 사용된다. 바순은 저음역의 낭랑함과 테너 음역의 부드러움을 특징으로 하며, 플리킹, 위스퍼 키와 같은 특수한 주법을 사용한다.
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| 바순 | |
|---|---|
| 악기 정보 | |
| 이름 | 바순 |
| 영어 이름 | bassoon |
| 독일어 이름 | Fagott 파고트 |
| 프랑스어 이름 | basson 바송 |
| 이탈리아어 이름 | fagotto 파고토 |
| 중국어 이름 | 低音管 (Dīyīn guǎn) 巴松管 (Bāsōng guǎn) 大管 (Dà guǎn) |
 | |
| 분류 | 목관악기 - 더블 리드 |
| 음역 | [[파일:Range bassoon.png|210px|가운데]] |
| 관련 악기 | 테너 파곳 콘트라바순 둘시안 오보에 |
| 호른보스텔-작스 분류 | 422.112–71 |
| 호른보스텔-작스 분류 설명 | 키로 소리 내는 더블 리드 기명악기 |
| 개발 시기 | 18세기 초반 |
| 음역 (표기) | (A1) B♭1–E5 (A♭5) |
| 음역 (파일) | [[File:Bassoon-technical-range.ogg]] |
| 연주자 | |
| 클래식 음악 연주자 | 클래식 음악#파곳 연주자 |
2. 역사
바순의 역사는 16세기 중반 둘시안에서 시작되어 바로크, 고전, 낭만 시대를 거쳐 현대에 이르기까지 발전해 왔다.
; 기원 (둘시안)
16세기 중반, 현대 바순의 전신으로 여겨지는 둘시안이 등장했다.[8][34] 둘시안은 금속제 크룩에 장착된 이중 리드, 비스듬하게 뚫린 음공, 자체적으로 접히는 원추형 보어를 가졌다는 점에서 바순과 많은 특징을 공유한다.[8][34] 둘시안은 소프라노부터 그레이트 베이스까지 8가지 크기로 제공되었으며, 주로 관악 합주에서 베이스를 담당하여 필요에 따라 다이내믹을 다양하게 변화시키는 능력을 보여주었다.[8]
둘시안은 8개의 지공과 2개의 키를 가지고 있어 연주할 수 있는 음이 제한적이었다.[8] 17세기 후반, 바로크 바순은 둘시안을 개량한 것이 아니라 새롭게 발명된 악기였다.[35] 바흐 등의 작곡가들에 의해 18세기까지 둘시안과 바로크 바순이 함께 사용되었다.[35]
; 바로크 시대 (17세기 후반 ~ 18세기 초)
17세기 중반, 둘시안은 현대 바순의 전신으로 여겨지며,[8] 두 악기는 금속제 크루크(보컬)에 꽂는 이중 리드, 비스듬하게 뚫린 음공, 이중으로 접힌 원뿔형 보어 등 많은 특징을 공유한다.[34] 16세기 중엽까지는 소프라노부터 그레이트 베이스까지 8가지 크기로 사용 가능했다. 둘시안의 풀 콘소트(합주단)는 드물었으며, 주요 기능은 당시 전형적인 관악기 합주에 저음을 제공하는 것이었다.
정황 증거는 바로크 바순이, 낡은 둘시안의 단순한 개량이라기보다는, 오히려 새롭게 발명된 악기였음을 보여준다. 둘시안은 즉시 대체되지 않고, 바흐 등에 의해 18세기에도 계속 사용되었다.[35] 진정한 바순을 개발한 사람은 마르탱 오테테르 (1712년 사망)일 가능성이 높다. 1650년대 어느 시점에 오테테르가 4개의 부분(벨, 베이스 조인트, 부츠, 윙 조인트)으로 나뉘는 바순을 고안했다고 주장하는 역사가도 있다. 이 구성으로 인해 일체형 둘시안과 비교하여 보어를 기계 가공할 때 정밀도가 크게 향상되었다. 오테테르는 또한 2개의 키를 추가하여 음역을 B까지 확장했다[35]。다른 관점에서는 오테테르는 초기 바순 개발에 관여한 몇 명의 장인 중 한 명으로 여겨진다.[36] 1700년경에는 네 번째 키(G♯)가 추가되었다. 안토니오 비발디, 바흐, 게오르크 필립 텔레만과 같은 작곡가들이 요구가 많은 음악을 쓴 것은 이 종류의 악기를 위해서였다. 낮은 E를 위한 5번째 키는 18세기 전반 동안 추가되었다.
장바티스트 륄리는 16명(후에 21명) 편성 앙상블에서 현악기와 함께 오보에와 바순을 포함했다. 안토니오 체스티는 1668년 오페라 『황금 사과/Il pomo d'oro영어』에 바순을 도입했다.[1] 조제프 보댕 드 보와모르티에, 미셸 콜레트, 요한 에른스트 갈리아르/Johann Ernst Galliard영어, 얀 디스마스 젤렌카, 요한 프리드리히 파쉬 등의 작곡가들은 바순을 위해 독주곡과 합주곡을 썼다. 안토니오 비발디는 바순을 37개의 협주곡에서 다루며 바순의 명성을 높였다.[1]
; 고전 시대 (18세기 중반 ~ 19세기 초)
바순은 저음역의 맑은 음색으로 베이스 라인의 명확성을 부여하는 데 자주 사용되었지만, 고전 시대에는 악기의 기술 발전으로 더 많은 조에서 연주할 수 있게 되었다.[2] 요제프 하이든은 "고별 교향곡"에서 바순을 올림 바단조로 연주했다.[2] 작곡가들은 바순 특유의 음색, 유연성, 기교적인 능력을 활용하기 시작했는데, 루트비히 판 베토벤의 클라리넷과 바순을 위한 3개의 듀엣(WoO 27)과 니콜로 파가니니의 바이올린과 바순을 위한 듀엣이 그 예이다.[10] 볼프강 아마데우스 모차르트는 바순 협주곡 B♭장조, K. 191에서 음역의 대비, 스타카토 연주, 표현력 있는 소리를 통해 바순의 모든 표현 측면을 활용했으며, 특히 두 번째 악장의 노래하는 듯한 음색으로 유명했다.[2] 이 협주곡은 오늘날까지도 바순 레퍼토리에서 가장 중요한 작품 중 하나로 여겨진다.[1]
바순이 인간의 목소리와 유사하다는 점은 고전 시대에 많은 작곡가들이 활용한 또 다른 특징이었다. 1730년 이후 독일 바순의 음역은 B♭4까지 확장되었으며, 프랑스 악기의 경우 훨씬 더 높이 확장되었다.[11] 기술 발전으로 인해 바순의 테너 음역의 소리가 더욱 공명하게 되었고, 이 음역에서의 연주는 특히 오스트리아-게르만 음악 세계에서 인기를 얻었다. 요제프 프뢰리히와 같은 교육자들은 학생들에게 성악과 같이 연습하도록 가르쳤다.[2] 카를 마리아 폰 베버의 바순 협주곡 F장조, 작품 75 (J. 127)에서 G.F. 브란트의 연주는 인간의 목소리에 비유되기도 했다.[2]
오케스트라에서 바순의 역할은 국가에 따라 달랐다. 빈 오케스트라에서 이 악기는 모차르트의 피가로의 결혼 서곡, K 492에서처럼 다른 악기를 보강하여 앙상블에 3차원적인 소리를 제공했다.[2] 그는 또한 바순이 어떤 악기와 짝을 이루느냐에 따라 음색을 바꾸도록 했다.[2] 독일과 스칸디나비아 국가는 일반적으로 두 대의 바순만 사용했지만, 프랑스에서는 19세기 후반에 오케스트라에서 네 대까지 늘렸다.[11] 요한 크리스티안 바흐는 바순을 위한 두 개의 협주곡을 썼다.[2] 독립 전쟁 이후, 바수니스트는 공개 공연을 하는 관악대에서 발견되었다.[2] 1800년까지 적어도 한 대의 바순이 미국 해병대 밴드에 있었다.[2]
; 낭만 시대 (19세기)
19세기에는 악기 제조 기술과 음향학 지식이 정교해지면서 바순의 연주성이 크게 향상되었다. 독일의 카를 알멘뢰더는 고트프리트 베버의 도움을 받아 4옥타브 음역을 가진 17키 바순을 개발했다. 알멘뢰더는 키 시스템을 증설하고 재배열하여 음정, 반응성, 연주 기술의 용이성을 개선하는 방법을 설명하는 1823년 논문을 발표했고, 후속 논문에서 그의 아이디어를 더욱 발전시켰다. 쇼트에서의 그의 고용은 그에게 이러한 새로운 디자인에 따라 악기를 제작하고 테스트할 수 있는 자유를 주었고, 그는 그 결과를 쇼트의 사내 저널인 ''Caecilia''에 게재했다. 알멘뢰더는 1846년 사망할 때까지 악기를 출판하고 제작했으며, 루트비히 판 베토벤은 그의 논문을 접한 후 새로 제작된 악기 중 하나를 요청했다. 1831년, 알멘뢰더는 쇼트를 떠나 파트너인 요한 아담 헤켈과 함께 자신의 공장을 설립했다.
헤켈과 그의 두 세대에 걸친 후손들은 바순을 계속 개량했으며, 그들의 악기는 표준이 되었고 다른 제작자들이 이를 따랐다. 헤켈 악기는 뛰어난 노래 소리 품질(알멘뢰더 악기의 주요 단점 중 하나를 개선한 것)로 인해 개량된 비엔나 시스템, 뵘 스타일의 바순, 그리고 아돌프 색스의 아버지인 샤를 조제프 색스가 고안한 완전한 키 악기와 경쟁했다.
낭만 시대 작곡가들은 바순의 서정적인 음색과 기교적인 표현력을 활용한 작품을 많이 작곡했다. 주세페 베르디는 그의 ''진혼 미사''와 같은 작품에서 악기의 서정적이고 노래하는 목소리를 사용하여 감정을 불러일으켰다.[2] 엑토르 베를리오즈의 ''환상 교향곡, 작품 14''의 다섯 번째 악장과 같이 매우 짧고 공격적인 소리로 묘사될 수 있는 바순의 독특한 스타카토 소리에 대한 강조가 시작되었다.[11] 폴 뒤카는 ''마법사의 제자''에서 두 개의 빗자루가 생생하게 살아나는 모습을 묘사하기 위해 스타카토를 활용했다.[11] 니콜라이 림스키코르사코프의 ''세헤라자데,'' 작품 35에서 클라리넷 다음의 바순 솔로와 카덴차, 리하르트 바그너의 ''탄호이저''는 바순의 음역과 기교를 시험하는 솔로의 예시이다.[2] 모데스트 무소르크스키의 ''민둥산의 하룻밤''에서 바순은 다른 저음 악기와 함께 포르티시모로 연주하여 "악마의 목소리"를 불러일으킨다.[11]
; 현대 (20세기 이후)
19세기에 악기와 연주자에 대한 요구가 증가했고, 특히 더 큰 볼륨을 필요로 하는 대규모 콘서트홀과 뛰어난 기교를 가진 작곡가 겸 연주자의 부상으로 더 많은 개선이 이루어졌다. 제조 기술과 음향 지식의 발달은 악기의 연주성을 크게 향상시켰다.[2]
현대 바순은 두 가지 뚜렷한 주요 형태로 존재하며, 부페(또는 "프랑스") 시스템과 헤켈("독일") 시스템이 있다. 세계 대부분의 지역에서는 헤켈 시스템을 사용하며,[2] 뷔페 시스템은 주로 프랑스, 벨기에, 그리고 라틴 아메리카의 일부 지역에서 사용된다.[2] 갈랑드롬과 같이 다양한 악기 제작자들이 여러 종류의 바순을 제작해 왔다. 영어 사용 국가에서는 헤켈 시스템이 보편적이므로, 현대 바순에 대한 영어 참조는 항상 헤켈 시스템을 의미하며, 부페 시스템은 언급될 때 명시적으로 구분된다.[2]
20세기에 걸쳐 악기는 매우 다재다능해졌다. 이 시점에서 악기는 3옥타브를 연주할 수 있었고, 다양한 트릴을 구사할 수 있었으며, 모든 음역과 다이내믹 수준에서 안정적인 음정을 유지했다.[2] 이고르 스트라빈스키의 ''봄의 제전'' 시작 부분에서 바순은 러시아의 덴치크바를 모방하기 위해 가장 높은 음역에서 연주한다.[2] 작곡가들은 또한 스트라빈스키의 "자장가"(불새)와 장 시벨리우스의 교향곡 5번 E-플랫 장조, 작품 82와 같이 바순의 중간 음역을 위해 작곡했다.[2] 세르게이 프로코피예프의 ''유머러스한 스케르초''에서 들을 수 있듯이, 바순의 스타카토 소리를 계속 강조했다.[2] 세르게이 프로코피예프의 피터와 늑대에서는 할아버지 역을 바순이 연주한다.
20세기 초부터 현재까지 대부분의 오케스트라는 3~4명의 바순 연주자를 보유하고 있으며, 4번째 연주자는 일반적으로 콘트라바순도 담당한다.[11] 음색, 비브라토 및 프레이징 사용에 대한 더 큰 강조가 바순 교육에서 나타나기 시작했으며, 많은 사람들이 마르셀 타뷔토의 음악적 프레이징 철학을 따랐다.[2] 모리스 라벨의 ''스페인 광시곡''의 바순 카덴차와 스트라빈스키의 옥텟에서 사용된 멀티 핑거 트릴이 있다.[2]
20세기에 바순은 협주곡 독주자로서의 역할이 줄어들었고, 그럴 경우 반주 앙상블은 더 부드럽고 조용해졌다.[2] 또한, 행진 밴드에서는 더 이상 사용되지 않았지만, 여전히 하나 또는 두 개의 바순을 포함하는 콘서트 밴드에서는 존재했다.[2] 1900년대 중반에 방송과 녹음의 인기가 높아지면서 바순 연주자들에게 새로운 기회가 생겼고, 라이브 공연이 서서히 감소하게 되었다.[2] 20세기 후반과 21세기 초의 바순을 위한 새로운 음악의 대부분은 종종 확장된 기법을 포함했으며, 독주 또는 실내악 설정을 위해 작곡되었다. 확장된 기법을 포함한 작품 중 하나는 루치아노 베리오의 ''시퀀차 XII''로, 미분음 운지, 글리산도 및 음색 트릴을 요구했다.[2] 존 윌리엄스의 ''다섯 개의 신성한 나무''와 앙드레 프레빈의 ''바순과 피아노를 위한 소나타''와 같은 다양한 협주곡과 바순 및 피아노 작품이 작곡되었다. 피터 시켈레의 ''소나타 아바순나타''와 같은 "연주" 작품도 있었는데, 이 작품은 바순 연주자에게 음악가이자 배우가 되도록 요구했다.[2]
2. 1. 기원 (둘시안)
16세기 중반, 현대 바순의 전신으로 여겨지는 둘시안이 등장했다.[8][34] 둘시안은 금속제 크룩에 장착된 이중 리드, 비스듬하게 뚫린 음공, 자체적으로 접히는 원추형 보어를 가졌다는 점에서 바순과 많은 특징을 공유한다.[8][34] 둘시안은 소프라노부터 그레이트 베이스까지 8가지 크기로 제공되었으며, 주로 관악 합주에서 베이스를 담당하여 필요에 따라 다이내믹을 다양하게 변화시키는 능력을 보여주었다.[8]둘시안은 8개의 지공과 2개의 키를 가지고 있어 연주할 수 있는 음이 제한적이었다.[8] 17세기 후반, 바로크 바순은 둘시안을 개량한 것이 아니라 새롭게 발명된 악기였다.[35] 바흐 등의 작곡가들에 의해 18세기까지 둘시안과 바로크 바순이 함께 사용되었다.[35]
2. 2. 바로크 시대 (17세기 후반 ~ 18세기 초)
17세기 중반, 둘시안은 현대 바순의 전신으로 여겨지며,[8] 두 악기는 금속제 크루크(보컬)에 꽂는 이중 리드, 비스듬하게 뚫린 음공, 이중으로 접힌 원뿔형 보어 등 많은 특징을 공유한다.[34] 16세기 중엽까지는 소프라노부터 그레이트 베이스까지 8가지 크기로 사용 가능했다. 둘시안의 풀 콘소트(합주단)는 드물었으며, 주요 기능은 당시 전형적인 관악기 합주에 저음을 제공하는 것이었다.정황 증거는 바로크 바순이, 낡은 둘시안의 단순한 개량이라기보다는, 오히려 새롭게 발명된 악기였음을 보여준다. 둘시안은 즉시 대체되지 않고, 바흐 등에 의해 18세기에도 계속 사용되었다.[35] 진정한 바순을 개발한 사람은 마르탱 오테테르 (1712년 사망)일 가능성이 높다. 1650년대 어느 시점에 오테테르가 4개의 부분(벨, 베이스 조인트, 부츠, 윙 조인트)으로 나뉘는 바순을 고안했다고 주장하는 역사가도 있다. 이 구성으로 인해 일체형 둘시안과 비교하여 보어를 기계 가공할 때 정밀도가 크게 향상되었다. 오테테르는 또한 2개의 키를 추가하여 음역을 B까지 확장했다[35]。다른 관점에서는 오테테르는 초기 바순 개발에 관여한 몇 명의 장인 중 한 명으로 여겨진다.[36] 1700년경에는 네 번째 키(G♯)가 추가되었다. 안토니오 비발디, 바흐, 게오르크 필립 텔레만과 같은 작곡가들이 요구가 많은 음악을 쓴 것은 이 종류의 악기를 위해서였다. 낮은 E를 위한 5번째 키는 18세기 전반 동안 추가되었다.
장바티스트 륄리는 16명(후에 21명) 편성 앙상블에서 현악기와 함께 오보에와 바순을 포함했다. 안토니오 체스티는 1668년 오페라 『』에 바순을 도입했다.[1] 조제프 보댕 드 보와모르티에, 미셸 콜레트, , 얀 디스마스 젤렌카, 요한 프리드리히 파쉬 등의 작곡가들은 바순을 위해 독주곡과 합주곡을 썼다. 안토니오 비발디는 바순을 37개의 협주곡에서 다루며 바순의 명성을 높였다.[1]
2. 3. 고전 시대 (18세기 중반 ~ 19세기 초)
바순은 저음역의 맑은 음색으로 베이스 라인의 명확성을 부여하는 데 자주 사용되었지만, 고전 시대에는 악기의 기술 발전으로 더 많은 조에서 연주할 수 있게 되었다.[2] 요제프 하이든은 "고별 교향곡"에서 바순을 올림 바단조로 연주했다.[2] 작곡가들은 바순 특유의 음색, 유연성, 기교적인 능력을 활용하기 시작했는데, 루트비히 판 베토벤의 클라리넷과 바순을 위한 3개의 듀엣(WoO 27)과 니콜로 파가니니의 바이올린과 바순을 위한 듀엣이 그 예이다.[10] 볼프강 아마데우스 모차르트는 바순 협주곡 B♭장조, K. 191에서 음역의 대비, 스타카토 연주, 표현력 있는 소리를 통해 바순의 모든 표현 측면을 활용했으며, 특히 두 번째 악장의 노래하는 듯한 음색으로 유명했다.[2] 이 협주곡은 오늘날까지도 바순 레퍼토리에서 가장 중요한 작품 중 하나로 여겨진다.[1]바순이 인간의 목소리와 유사하다는 점은 고전 시대에 많은 작곡가들이 활용한 또 다른 특징이었다. 1730년 이후 독일 바순의 음역은 B♭4까지 확장되었으며, 프랑스 악기의 경우 훨씬 더 높이 확장되었다.[11] 기술 발전으로 인해 바순의 테너 음역의 소리가 더욱 공명하게 되었고, 이 음역에서의 연주는 특히 오스트리아-게르만 음악 세계에서 인기를 얻었다. 요제프 프뢰리히와 같은 교육자들은 학생들에게 성악과 같이 연습하도록 가르쳤다.[2] 카를 마리아 폰 베버의 바순 협주곡 F장조, 작품 75 (J. 127)에서 G.F. 브란트의 연주는 인간의 목소리에 비유되기도 했다.[2]
오케스트라에서 바순의 역할은 국가에 따라 달랐다. 빈 오케스트라에서 이 악기는 모차르트의 피가로의 결혼 서곡, K 492에서처럼 다른 악기를 보강하여 앙상블에 3차원적인 소리를 제공했다.[2] 그는 또한 바순이 어떤 악기와 짝을 이루느냐에 따라 음색을 바꾸도록 했다.[2] 독일과 스칸디나비아 국가는 일반적으로 두 대의 바순만 사용했지만, 프랑스에서는 19세기 후반에 오케스트라에서 네 대까지 늘렸다.[11] 요한 크리스티안 바흐는 바순을 위한 두 개의 협주곡을 썼다.[2] 독립 전쟁 이후, 바수니스트는 공개 공연을 하는 관악대에서 발견되었다.[2] 1800년까지 적어도 한 대의 바순이 미국 해병대 밴드에 있었다.[2]
2. 4. 낭만 시대 (19세기)
19세기에는 악기 제조 기술과 음향학 지식이 정교해지면서 바순의 연주성이 크게 향상되었다. 독일의 카를 알멘뢰더는 고트프리트 베버의 도움을 받아 4옥타브 음역을 가진 17키 바순을 개발했다. 알멘뢰더는 키 시스템을 증설하고 재배열하여 음정, 반응성, 연주 기술의 용이성을 개선하는 방법을 설명하는 1823년 논문을 발표했고, 후속 논문에서 그의 아이디어를 더욱 발전시켰다. 쇼트에서의 그의 고용은 그에게 이러한 새로운 디자인에 따라 악기를 제작하고 테스트할 수 있는 자유를 주었고, 그는 그 결과를 쇼트의 사내 저널인 ''Caecilia''에 게재했다. 알멘뢰더는 1846년 사망할 때까지 악기를 출판하고 제작했으며, 루트비히 판 베토벤은 그의 논문을 접한 후 새로 제작된 악기 중 하나를 요청했다. 1831년, 알멘뢰더는 쇼트를 떠나 파트너인 요한 아담 헤켈과 함께 자신의 공장을 설립했다.헤켈과 그의 두 세대에 걸친 후손들은 바순을 계속 개량했으며, 그들의 악기는 표준이 되었고 다른 제작자들이 이를 따랐다. 헤켈 악기는 뛰어난 노래 소리 품질(알멘뢰더 악기의 주요 단점 중 하나를 개선한 것)로 인해 개량된 비엔나 시스템, 뵘 스타일의 바순, 그리고 아돌프 색스의 아버지인 샤를 조제프 색스가 고안한 완전한 키 악기와 경쟁했다.
낭만 시대 작곡가들은 바순의 서정적인 음색과 기교적인 표현력을 활용한 작품을 많이 작곡했다. 주세페 베르디는 그의 ''진혼 미사''와 같은 작품에서 악기의 서정적이고 노래하는 목소리를 사용하여 감정을 불러일으켰다.[2] 엑토르 베를리오즈의 ''환상 교향곡, 작품 14''의 다섯 번째 악장과 같이 매우 짧고 공격적인 소리로 묘사될 수 있는 바순의 독특한 스타카토 소리에 대한 강조가 시작되었다.[11] 폴 뒤카는 ''마법사의 제자''에서 두 개의 빗자루가 생생하게 살아나는 모습을 묘사하기 위해 스타카토를 활용했다.[11] 니콜라이 림스키코르사코프의 ''세헤라자데,'' 작품 35에서 클라리넷 다음의 바순 솔로와 카덴차, 리하르트 바그너의 ''탄호이저''는 바순의 음역과 기교를 시험하는 솔로의 예시이다.[2] 모데스트 무소르크스키의 ''민둥산의 하룻밤''에서 바순은 다른 저음 악기와 함께 포르티시모로 연주하여 "악마의 목소리"를 불러일으킨다.[11]
2. 5. 현대 (20세기 이후)
19세기에 악기와 연주자에 대한 요구가 증가했고, 특히 더 큰 볼륨을 필요로 하는 대규모 콘서트홀과 뛰어난 기교를 가진 작곡가 겸 연주자의 부상으로 더 많은 개선이 이루어졌다. 제조 기술과 음향 지식의 발달은 악기의 연주성을 크게 향상시켰다.[2]현대 바순은 두 가지 뚜렷한 주요 형태로 존재하며, 부페(또는 "프랑스") 시스템과 헤켈("독일") 시스템이 있다. 세계 대부분의 지역에서는 헤켈 시스템을 사용하며,[2] 뷔페 시스템은 주로 프랑스, 벨기에, 그리고 라틴 아메리카의 일부 지역에서 사용된다.[2] 갈랑드롬과 같이 다양한 악기 제작자들이 여러 종류의 바순을 제작해 왔다. 영어 사용 국가에서는 헤켈 시스템이 보편적이므로, 현대 바순에 대한 영어 참조는 항상 헤켈 시스템을 의미하며, 부페 시스템은 언급될 때 명시적으로 구분된다.[2]
20세기에 걸쳐 악기는 매우 다재다능해졌다. 이 시점에서 악기는 3옥타브를 연주할 수 있었고, 다양한 트릴을 구사할 수 있었으며, 모든 음역과 다이내믹 수준에서 안정적인 음정을 유지했다.[2] 이고르 스트라빈스키의 ''봄의 제전'' 시작 부분에서 바순은 러시아의 덴치크바를 모방하기 위해 가장 높은 음역에서 연주한다.[2] 작곡가들은 또한 스트라빈스키의 "자장가"(불새)와 장 시벨리우스의 교향곡 5번 E-플랫 장조, 작품 82와 같이 바순의 중간 음역을 위해 작곡했다.[2] 세르게이 프로코피예프의 ''유머러스한 스케르초''에서 들을 수 있듯이, 바순의 스타카토 소리를 계속 강조했다.[2] 세르게이 프로코피예프의 피터와 늑대에서는 할아버지 역을 바순이 연주한다.
20세기 초부터 현재까지 대부분의 오케스트라는 3~4명의 바순 연주자를 보유하고 있으며, 4번째 연주자는 일반적으로 콘트라바순도 담당한다.[11] 음색, 비브라토 및 프레이징 사용에 대한 더 큰 강조가 바순 교육에서 나타나기 시작했으며, 많은 사람들이 마르셀 타뷔토의 음악적 프레이징 철학을 따랐다.[2] 모리스 라벨의 ''스페인 광시곡''의 바순 카덴차와 스트라빈스키의 옥텟에서 사용된 멀티 핑거 트릴이 있다.[2]
20세기에 바순은 협주곡 독주자로서의 역할이 줄어들었고, 그럴 경우 반주 앙상블은 더 부드럽고 조용해졌다.[2] 또한, 행진 밴드에서는 더 이상 사용되지 않았지만, 여전히 하나 또는 두 개의 바순을 포함하는 콘서트 밴드에서는 존재했다.[2] 1900년대 중반에 방송과 녹음의 인기가 높아지면서 바순 연주자들에게 새로운 기회가 생겼고, 라이브 공연이 서서히 감소하게 되었다.[2] 20세기 후반과 21세기 초의 바순을 위한 새로운 음악의 대부분은 종종 확장된 기법을 포함했으며, 독주 또는 실내악 설정을 위해 작곡되었다. 확장된 기법을 포함한 작품 중 하나는 루치아노 베리오의 ''시퀀차 XII''로, 미분음 운지, 글리산도 및 음색 트릴을 요구했다.[2] 존 윌리엄스의 ''다섯 개의 신성한 나무''와 앙드레 프레빈의 ''바순과 피아노를 위한 소나타''와 같은 다양한 협주곡과 바순 및 피아노 작품이 작곡되었다. 피터 시켈레의 ''소나타 아바순나타''와 같은 "연주" 작품도 있었는데, 이 작품은 바순 연주자에게 음악가이자 배우가 되도록 요구했다.[2]
3. 종류
3. 1. 독일식 (헤켈) 바순
19세기에는 악기와 연주자의 능력에 대한 요구가 증가했고, 특히 더 큰 음량을 필요로 하는 대규모 콘서트홀과 뛰어난 기교를 가진 작곡가 겸 연주자의 부상으로 더 많은 개선이 촉진되었다. 제조 기술과 음향 지식의 발달은 악기의 연주성을 크게 향상시켰다.현대 바순은 두 가지 뚜렷한 주요 형태로 존재하며, 부페(또는 "프랑스") 시스템과 헤켈("독일") 시스템이 있다. 세계 대부분의 지역에서는 헤켈 시스템을 사용하며, 부페 시스템은 주로 프랑스, 벨기에, 그리고 라틴 아메리카의 일부 지역에서 사용된다. 희귀한 갈랑드롬과 같이 다양한 악기 제작자들이 여러 종류의 바순을 제작해 왔다. 영어 사용 국가에서는 헤켈 시스템이 보편적이므로, 현대 바순에 대한 영어 참조는 항상 헤켈 시스템을 의미하며, 부페 시스템은 언급될 때 명시적으로 구분된다.
현대 바순의 설계는 연주자이자 교사이자 작곡가인 카를 알멘뢰더의 영향을 크게 받았다. 독일의 음향 연구원인 고트프리트 베버의 도움을 받아 그는 4옥타브에 걸쳐 음역을 가진 17키 바순을 개발했다. 알멘뢰더는 키 시스템을 증설하고 재배열하여 음정, 반응성, 연주 기술의 용이성을 개선하는 방법을 설명하는 1823년 논문으로 바순 개량을 시작했다. 후속 논문에서 그의 아이디어를 더욱 발전시켰다. 쇼트에서의 그의 고용은 그에게 이러한 새로운 디자인에 따라 악기를 제작하고 테스트할 수 있는 자유를 주었고, 그는 그 결과를 쇼트의 사내 저널인 ''Caecilia''에 게재했다. 알멘뢰더는 1846년 사망할 때까지 악기를 출판하고 제작했으며, 루트비히 판 베토벤은 그의 논문을 접한 후 새로 제작된 악기 중 하나를 요청했다. 1831년, 알멘뢰더는 쇼트를 떠나 파트너인 요한 아담 헤켈과 함께 자신의 공장을 설립했다.
헤켈과 그의 두 세대에 걸친 후손들은 바순을 계속 개량했으며, 그들의 악기는 표준이 되었고 다른 제작자들이 이를 따랐다. 헤켈 악기는 뛰어난 노래 소리 품질(알멘뢰더 악기의 주요 단점 중 하나를 개선한 것)로 인해 개량된 비엔나 시스템, 뵘 스타일의 바순, 그리고 아돌프 색스의 아버지인 샤를 조제프 색스가 고안한 완전한 키 악기와 경쟁했다. F.W. 크루스페는 1893년에 운지법 시스템을 개혁하려는 늦은 시도를 했지만 성공하지 못했다. 악기를 개선하려는 다른 시도로는 24키 모델과 싱글 리드 마우스피스가 있었지만, 둘 다 음색에 부정적인 영향을 미쳐 폐기되었다.
20세기에 접어들면서 헤켈 스타일의 독일 바순 모델이 이 분야를 지배했다. 헤켈은 20세기 초에 1,100대 이상의 악기를 제작했으며(시리얼 번호는 3,000부터 시작), 영국의 악기 제작자들의 악기는 변화하는 음높이 요구 사항에 더 이상 적합하지 않아 주로 군악대에서 사용되었다.
볼 베어링 제조로의 1940년대 전쟁 시기의 짧은 전환을 제외하고, 헤켈사는 현재까지 계속해서 악기를 생산해 왔다. 헤켈 바순은 많은 사람들에게 최고로 여겨지지만, 약간 다른 연주 특성을 가진 다양한 헤켈 스타일의 악기가 여러 다른 제조업체에서 생산되고 있다.
바순의 메커니즘은 대부분의 현대 목관악기에 비해 원시적이기 때문에 제작자들은 가끔 바순을 "재창조"하려는 시도를 해왔다. 1960년대에 자일스 브린들리는 전기적으로 작동하는 메커니즘을 사용하여 음정과 음색의 균일성을 개선하는 것을 목표로 하는 "논리 바순"을 개발하기 시작했으며, 이는 인간의 손으로는 관리하기 어려운 키 조합을 가능하게 했다. 브린들리의 논리 바순은 시판되지 않았다.
3. 2. 프랑스식 (뷔페) 바순
19세기에 악기와 연주자의 능력에 대한 요구가 증가했고, 특히 더 큰 볼륨이 필요한 대규모 콘서트홀과 뛰어난 기교를 가진 작곡가 겸 연주자의 부상으로 더 많은 개선이 촉진되었다. 제조 기술과 음향 지식의 발달은 악기의 연주성을 크게 향상시켰다.[9]현대 바순은 두 가지 뚜렷한 주요 형태로 존재하는데, 뷔페(프랑스) 시스템과 헤켈(독일) 시스템이다. 세계 대부분의 지역에서는 헤켈 시스템을 사용하며, 뷔페 시스템은 주로 프랑스, 벨기에, 라틴 아메리카의 일부 지역에서 사용된다.[9] 뷔페 시스템 바순은 헤켈보다 약간 일찍 기본적인 음향 특성을 갖추었다. 그 후, 더욱 보수적인 방식으로 계속 발전해왔다. 헤켈 바순의 초기 역사는 음향과 키 작업 모두에서 악기의 완전한 개조를 포함했지만, 뷔페 시스템의 개발은 주로 키 작업의 점진적인 개선으로 이루어졌다.[9] 뷔페의 이러한 최소한의 접근 방식은 헤켈 바순에서 발견되는 음정의 일관성, 조작의 용이성, 파워의 증가를 개선하지 못했지만, 일부 사람들은 뷔페가 더 보컬적이고 표현적인 품질을 가지고 있다고 생각한다.[9] 지휘자 존 훠울즈는 1934년에 헤켈 스타일 바순의 지배를 한탄하며, 헤켈 바순이 호른과 소리가 너무 균일하다고 생각했다.[9] 현대 뷔페 시스템은 22개의 키를 가지고 있으며, 그 범위는 헤켈과 동일하다. 뷔페 악기는 고음역에서 더 뛰어난 기능을 가지고 있어 E5와 F5에 훨씬 쉽게 도달하고 공기 저항도 적다.[9]
헤켈 바순에 비해 뷔페 시스템 바순은 더 좁은 구멍과 더 단순한 메커니즘을 가지고 있어 많은 음에 대해 다르고 종종 더 복잡한 운지를 필요로 한다. 헤켈과 뷔페 사이를 전환하려면 광범위한 재교육이 필요하다.[9] 프랑스 목관 악기의 음색은 일반적으로 다른 곳에서는 흔하지 않은 보컬적 품질을 더 많이 가지고 있으며, 뷔페 바순도 예외는 아니다. 이 소리는 뷔페 바순을 위한 작곡에 효과적으로 사용되었지만, 헤켈 바순의 음색보다 덜 융합되는 경향이 있다.[9] 모든 바순과 마찬가지로 음색은 개별 악기, 리드 및 연주자에 따라 크게 다르다. 실력이 부족한 연주자가 연주할 경우, 헤켈 바순은 평평하고 나무 같은 소리가 날 수 있지만, 좋은 연주자는 생생하고 노래하는 듯한 음색을 만들어내는 데 성공한다. 반대로, 연주가 서투른 뷔페는 윙윙거리고 코맹맹이 소리가 날 수 있지만, 좋은 연주자는 따뜻하고 표현적인 소리를 만들어내는 데 성공한다.[9]
영국은 한때 프랑스 시스템을 선호했지만,[37] 뷔페 시스템 악기는 더 이상 영국에서 생산되지 않으며, 프랑스 시스템의 마지막 주요 영국 연주자는 1980년대에 은퇴했다. 그러나 일부 지역에서 계속 사용되고 독특한 음색을 가지고 있어, 뷔페는 특히 원산지인 프랑스에서 현대 바순 연주에서 자리를 잡고 있다.[9] 뷔페 모델 바순은 현재 뷔페 크람폰과 아틀리에 뒤카스(Ducasse) (프랑스 로망빌)에서 파리에서 제작된다. 셀머사는 2012년경 프랑스 시스템 바순 제작을 중단했다.[38]
4. 구조
바순은 리드를 포함하여 6개의 주요 부분으로 분해된다. 벨은 위로 뻗어 있으며, 바순 조인트(또는 롱 조인트)는 벨과 부트를 연결한다. 부트(또는 버트)는 악기의 하단에 위치하며 자체적으로 접혀 있다. 윙 조인트(또는 테너 조인트)는 부트에서 보컬까지 뻗어 있으며, 보컬(또는 크룩)은 윙 조인트를 리드에 연결하는 구부러진 금속 튜브이다.
벨 조인트의 선단부는 크게 "저먼 벨"과 "프렌치 벨"이라는 2가지 형태가 있으며, 외관상의 특징이 되고 있다. "5피스 모델" (일명 젠틀맨 시스템)이라는, 컴팩트하게 수납할 수 있는 모델도 있다. 조립했을 때의 높이는 135 cm 전후이지만, 긴 관을 두 번 접는 구조의 악기이므로 관의 총 연장은 약 260 cm에 달한다.
바순의 보어는 오보에나 색소폰처럼 원뿔형이며, 부츠 조인트의 두 인접한 보어는 악기 바닥에서 U자형 금속 커넥터로 연결된다. 보어와 음공 모두 정밀 가공되며, 각 악기는 적절한 조율을 위해 수작업으로 마감된다. 바순의 벽은 보어를 따라 다양한 지점에서 더 두껍다. 여기서 음공은 보어 축에 대해 각도로 뚫려 있어 외부의 구멍 사이의 거리를 줄여준다. 이는 평균적인 성인 손가락으로 덮을 수 있도록 보장한다. 넓게 떨어진 구멍 사이의 거리를 복잡한 키 시스템으로 닫아 연주가 용이하며, 이 키 시스템은 악기 전체 길이에 걸쳐 확장된다. 바순의 전체 높이는 1.34미터에 이르지만, 튜브가 자체적으로 접혀 있다는 점을 고려하면 총 발음 길이는 2.54미터이다.
4. 1. 구성 요소
바순은 리드를 포함하여 6개의 주요 부분으로 분해된다. 벨은 위로 뻗어 있으며, 바순 조인트(또는 롱 조인트)는 벨과 부트를 연결한다. 부트(또는 버트)는 악기의 하단에 위치하며 자체적으로 접혀 있다. 윙 조인트(또는 테너 조인트)는 부트에서 보컬까지 뻗어 있으며, 보컬(또는 크룩)은 윙 조인트를 리드에 연결하는 구부러진 금속 튜브이다.바순의 보어는 오보에나 색소폰처럼 원뿔형이며, 부츠 조인트의 두 인접한 보어는 악기 바닥에서 U자형 금속 커넥터로 연결된다. 보어와 음공 모두 정밀 가공되며, 각 악기는 적절한 조율을 위해 수작업으로 마감된다. 바순의 벽은 보어를 따라 다양한 지점에서 더 두껍다. 여기서 음공은 보어 축에 대해 각도로 뚫려 있어 외부의 구멍 사이의 거리를 줄여준다. 이는 평균적인 성인 손가락으로 덮을 수 있도록 보장한다. 넓게 떨어진 구멍 사이의 거리를 복잡한 키 시스템으로 닫아 연주가 용이하며, 이 키 시스템은 악기 전체 길이에 걸쳐 확장된다. 바순의 전체 높이는 1.34미터에 이르지만, 튜브가 자체적으로 접혀 있다는 점을 고려하면 총 발음 길이는 2.54미터이다.
4. 2. 재료
바순의 몸체는 주로 단풍나무로 만들어지며, 플라타너스 단풍나무나 설탕 단풍나무와 같은 중간 경도의 나무가 선호된다. 덜 비싼 모델은 주로 학생용 및 야외 사용을 위해 폴리프로필렌 및 에보나이트와 같은 재료로도 만들어진다. 금속 바순은 과거에 만들어졌지만 1889년 이후 주요 제조업체에서 생산되지 않았다.4. 3. 리드 제작
바순 연주자는 자신의 연주 스타일에 맞게 리드를 직접 제작하는 경우가 많다.[7][30] 리드는 아룬도 도낙스 갈대를 재료로 하여[7] 여러 단계를 거쳐 제작된다.
초보 연주자는 전문 리드 제작자에게서 구매하거나 스승이 만든 리드를 사용하기도 하지만,[31] 숙련된 연주자는 대개 직접 리드를 제작한다.[7] 상업적으로 제작된 리드도 판매되지만, 연주자의 스타일에 맞게 추가 조정이 필요한 경우가 많다.[30]
리드 제작은 먼저 갈대 튜브를 세 개 또는 네 개의 조각으로 나누는 것으로 시작한다.[7][31] 이후 갈대를 다듬고 원하는 두께로 ''구부려'' 껍질을 부착한 채로 둔다. 침지 후, 구부러진 갈대는 적절한 모양으로 잘리고 껍질 쪽에서 재료를 제거하여 프로파일링한다.[7][31] 프로파일링된 갈대를 다시 침지한 후 중간에 접고, 껍질에 평행선을 새겨 원통형 모양을 유지하도록 돕는다.[7][31]
그 후, 놋쇠 와이어 코일 또는 루프를 감고, 실로 감싸 보호한다.[7][31] 원뿔형 강철 맨드릴을 삽입하고 펜치로 눌러 맨드릴 모양에 맞춘다.[7][30] 이때 생성된 공동의 윗부분을 "목"이라고 하며, 그 모양은 리드의 최종 연주 특성에 영향을 미친다.[7][30] 하부는 리머를 사용하여 리밍하고, 리드가 보컬에 맞도록 한다.[7][30]
건조 후에는 와이어를 조이거나 교체하고, 하단을 밀봉한 후 실로 감싼다.[7][30] 마지막으로 리드 블랭크의 끝을 잘라내어 개구부를 만들고, 칼이나 기계를 사용해 팁에 경사를 만든다.[7][30] 리드의 경도, 프로파일, 연주자의 요구에 따라 추가 조정이 필요할 수 있으며,[7][30] 낮은 음자리표의 "e" 음이 낮으면 리드를 짧게 "클리핑"해야 할 수도 있다.[7][32][33]
5. 음역 및 음색
5. 1. 음역
바순의 음역은 B1(낮은음자리표 아래 첫 번째 음)에서 시작하여 약 4옥타브에 가까운 G5(높은음자리표 위)까지이다.[6][26] 대부분의 악보는 C5 또는 D5 이상의 음을 거의 사용하지 않지만, 이고르 스트라빈스키의 ''봄의 제전'' 오프닝 솔로는 D5까지 올라간다.[6] 이보다 높은 음도 가능하지만, 연주하기 어렵고 음색이 균일하여 잉글리시 호른에서 동일한 음높이로 연주할 수 있어 거의 사용되지 않는다.[6]프랑스 바순은 극도로 높은 음역에서 더 나은 기교를 가지므로, 이를 위해 작곡된 레퍼토리에는 매우 높은 음이 포함될 가능성이 높지만, 프랑스식 시스템을 위한 레퍼토리는 독일식 시스템에서 수정 없이 연주할 수 있으며 그 반대도 가능하다.[6]
바순은 조옮김하지 않는 악기이므로, 연주되는 음이 기보된 음과 일치한다.[6] 다른 목관악기와 마찬가지로 가장 낮은 음은 고정되어 있지만, 악기에 특수한 확장을 추가하면 A1을 연주할 수 있다.[6]
(A1) '''B1–E5''' (A5)
()
5. 2. 음색
바순의 음색은 저음역에서는 낭랑하며, 테너 음역에서는 노래하듯 부드러운 소리가 난다. 베토벤의 교향곡 4번(스타카토 패시지)이나 림스키코르사코프의 세헤라자데(서정적인 패시지)에서 이러한 음색이 잘 나타난다.6. 주법
바순은 연주자 앞에서 비스듬히 위치하지만, 플루트, 오보에, 클라리넷과는 달리 연주자의 손만으로는 쉽게 지탱할 수 없다. 일반적으로 추가적인 지지대가 필요하다. 가장 일반적인 것은 부츠 조인트 바닥에 부착하여 앉기 전에 의자 시트에 놓는 시트 스트랩, 부츠 조인트 상단에 부착된 넥 스트랩 또는 숄더 하네스이다. 첼로나 베이스 클라리넷에 사용되는 것과 같은 스파이크를 부츠 조인트 바닥에 부착하여 바닥에 놓기도 한다. 넥 스트랩이나 유사한 하네스를 사용하거나 시트 스트랩을 벨트에 묶으면 서서 연주하는 것이 가능하다. 서서 연주할 경우에는 "밸런스 행어"라고 불리는 장치를 사용할 수도 있다. 이는 악기와 넥 스트랩 사이에 부착되어 지지점을 무게 중심에 가깝게 위치시켜 양손 사이의 체중 배분을 조정한다.
바순은 양손을 정위치(왼손이 오른손보다 위에)에 두고 연주한다. 앞면에는 5개의 메인 키(관객 쪽)와 6번째 키가 있으며, 후자는 오픈 스탠딩 키로 조작된다. 앞면의 5개의 추가 키는 각각의 손의 새끼손가락으로 조작한다. 악기 뒷면(연주자 쪽)에는 엄지손가락으로 조작하는 12개 이상의 키가 있으며, 정확한 키의 수는 모델에 따라 다르다.
오른손을 안정시키기 위해 많은 바순 연주자는 "클러치(목발)" 또는 핸드 레스트라고 불리는 콤마 모양의 조절 가능한 장치를 사용한다. 클러치는 부츠 조인트에 장착된다. 클러치는 나사로 고정되어 있으며, 바순에서 돌출된 거리를 조정할 수도 있다. 연주자는 오른손 엄지와 손바닥이 연결되는 부분의 곡면을 클러치에 대고 사용한다. 또한 클러치는 오른손의 피로를 방지하고, 핑거 홀이나 키 위에서 손가락의 배를 수평으로 유지할 수 있게 한다.
다른 목관악기에는 없는 바순의 주법으로 "플리킹(플릭)"이라고 하는 것이 있다. 플리킹은 미들 옥타브의 특정 음의 시작 부분에 왼손 엄지로 하이 A, C, 및 D 키를 순간적으로 누르는(플리킹하는) 주법이며, 낮은 음에서 깨끗한 슬러를 얻을 수 있다. 이 주법을 사용하면 사용하지 않을 때 발생하는 크래킹(짧은 중음 연주)을 제거할 수 있다. 또 다른 방법으로는 "벤팅(벤트)"이라는 방법이 있다. 이는 음표 시작 시 일시적으로 열리는(플리킹하는) 대신, 레지스터 키를 운지의 일부로 사용한다(계속 누르고 있는다). 이 방법은 "유러피언 스타일"이라고도 한다. 벤팅은 음정을 약간 올릴 수 있기 때문에 고음역을 맞출 때 유용할 수 있다. 바순 연주자 중에는 명확한 아티큘레이션을 위해 텅잉 시 A와 B를 플릭하는 사람도 있지만, 플리킹(또는 벤팅)은 사실상 거의 슬러를 위해서 사용된다.
플리킹은 더 높은 음으로 슬러로 연결하기 위해 사용되는 반면, 위스퍼 키는 더 낮은 음을 위해 사용된다. 중간 C 바로 아래의 A에서, 왼손 엄지로 위스퍼 키를 누르고, 음이 지속되는 동안 그대로 유지한다. 저음은 높은 옥타브로 깨질 수 있으므로, 이를 통해 크래킹을 방지할 수 있다. 고음역과 저음역 사이의 슬러에서 음을 적절하게 발음하기 위해서는 플리킹과 위스퍼 키의 사용 모두 특히 중요하다.
일반적으로 바순은 공장에서 엄격하게 조율되지만, 그럼에도 불구하고 연주자는 호흡 지지, 앙부쉬어, 리드의 성질에 따라 음높이를 제어하는 데 상당한 자유도를 가지고 있다. 또한 연주자는 많은 음의 음정을 조정하기 위해 대체 운지(얼터너티브 핑거링)를 사용할 수도 있다. 다른 목관악기와 마찬가지로, 바순의 길이는 음정을 낮추기 위해 길게 하거나, 음정을 높이기 위해 짧게 할 수 있다. 바순에서는 보컬을 다른 길이의 것으로 바꾸는 것이 바람직하다(보컬에는 길이를 나타내는 번호가 있으며, 일반적으로 0번이 가장 짧고, 3번이 가장 길지만, 다른 번호를 사용하는 제조 회사도 있다). 그러나 보컬을 약간 밀어 넣거나 빼냄으로써 피치를 크게 조정할 수도 있다[45]。
파곳의 앙부쉬어는 낭랑하고 둥글며 풍부한 음색을 내는 데 매우 중요한 요소이다. 입술은 모두 치아 위로 말려 올라가며, 윗입술이 더 "오버바이트(Overbite)"에 가깝게 위치하는 경우가 많다. 입술은 리드의 전체 둘레에 미세한 근육의 압력을 가하며, 이를 통해 음정과 배음을 크게 제어한다. 따라서 음이 변할 때마다 항상 앙부쉬어를 조절해야 한다. 입술을 리드에 어느 정도 위치시키느냐에 따라 음색(입 안의 리드가 적으면 더 날카로운 소리가 나고, 입 안의 리드가 많으면 부드럽고 작은 소리가 난다)과 리드 압력에 대한 반응 방식 모두에 영향을 미친다.
파곳의 앙부쉬어에 사용되는 근육 조직은 주로 입술 주변에 있으며, 리드에 압력을 가하여 원하는 소리를 내는 데 필요한 모양을 만든다. 턱을 올리거나 내리면서 구강을 조절하면 더 나은 리드 컨트롤이 가능해진다. 그러나 턱 근육은 싱글 리드에 비해 위쪽 수직 방향의 압력에는 많이 사용되지 않으며, 실질적으로 매우 높은 음역에서만 사용된다. 그러나 더블 리드를 다루는 학생은 입술 및 기타 부위의 근육 제어가 아직 발달 중이므로, 종종 이러한 근육을 사용하여 리드를 "깨물어" 버리는 경우가 있다. 그러나 이것은 리드의 개구부를 수축시키고 블레이드의 진동을 억제하기 때문에 일반적으로 날카롭고 "막힌" 소리가 난다.
적절한 앙부쉬어 외에도 학생은 횡격막, 목, 목, 가슴 윗부분의 근육 조절과 제어를 확실히 익혀야 한다. 이것들은 모두 기압을 높이거나 방향을 잡는 데 사용된다. 기압은 더블 리드 악기의 음색, 음정, 투영에 매우 중요한 요소이며, 앙부쉬어만큼, 혹은 그 이상으로 이러한 품질에 영향을 미친다.
원하는 음정을 내기 위해 부정확한 양의 근력이나 기압으로 파곳의 소리를 어택하면 음정이 나빠지거나, 크래킹(깨짐) 또는 중음이 발생하거나, 잘못하여 부정확한 부분음을 내거나, 또는 리드가 전혀 소리를 내지 않게 된다. 이러한 문제는 리드의 개별 품질에 따라 악화된다. 리드는 내인성 및 외인성 이유로 인해, 행동에 일관성이 없다.
근육의 필요성과 리드의 편차는 파곳 연주자(및 오보에 연주자)가 모든 리드, 다이내믹, 연주 환경에서 일관된 제어를 할 수 있는 앙부쉬어를 익히는 데 어느 정도 시간이 필요하다는 것을 의미한다.
6. 1. 기본 주법
바순은 연주자 앞에서 대각선으로 잡고 연주한다. 플루트, 오보에, 클라리넷과 달리 연주자의 손만으로는 지지하기 어렵기 때문에, 일반적으로 시트 스트랩이나 넥 스트랩을 사용하여 악기를 지지한다.
바순은 양손으로 키를 조작하여 연주하며, 왼손은 악기 위쪽에, 오른손은 아래쪽에 위치한다. 각 손가락과 엄지손가락은 여러 개의 키를 조작한다.
오른손의 안정성을 위해 많은 바순 연주자는 "크러치" 또는 손 받침대를 사용한다.
바순의 특수한 주법 중 하나는 "플리킹"으로, 왼손 엄지손가락으로 특정 음표의 시작 부분에서 높은 음역의 키를 순간적으로 눌러 낮은 음표에서 깨끗한 슬러를 얻는 기술이다. 또한 "위스퍼 키"는 낮은 음역에서 음이탈을 방지하기 위해 사용된다.
바순은 공장에서 정밀하게 튜닝되지만, 연주자는 호흡, 엠부셔, 리드 프로파일을 통해 음정을 조절할 수 있다.
바순의 운지법은 다른 목관악기보다 연주자 간에 차이가 크며, 복잡한 메커니즘과 음향 특성으로 인해 다양한 운지법이 존재한다.
왼손 엄지는 9개의 키를 조작하며, 위스퍼 키는 F2와 G3 사이의 음과 특정 다른 음에서 눌러야 한다. 오른손 엄지는 4개의 키를 조작하며, 그 중 큰 원형 키("팬케이크 키")는 E2에서 B1까지의 가장 낮은 음에 사용된다.
파곳의 앙부쉬어는 둥글고 풍부한 음색을 내는데 매우 중요하며 리드 컨트롤에도 영향을 준다.
6. 2. 특수 주법
바순에서는 멀티포닉스, 플러터텅잉, 순환 호흡, 더블 텅잉, 배음 주법과 같은 특수 주법을 사용할 수 있다.[16] 바순의 플러터텅잉은 혀를 떠는 일반적인 방법 외에 목 뒤에서 가글하는 방식으로도 가능하다.[16]특정 음에서 왼손 엄지손가락으로 특정 키를 순간적으로 눌러 음정을 조절하는 '플리킹' 주법이 있다. 이는 낮은 음표에서 깨끗한 슬러를 얻기 위해 사용되며, "크래킹"이나 짧은 다중 음향을 제거한다.[16] 이와 유사한 "벤팅"은 음표 시작 부분에서 잠시 열리는 것이 아니라 전체 운지법의 일부로 레지스터 키를 사용하는 방법으로, 음정을 약간 높여 튜닝에 유리할 수 있다.[16]
저음역에서는 왼손 엄지손가락으로 위스퍼 키를 눌러 음색을 조절한다. 위스퍼 키는 중간 C 바로 아래의 A부터 그 아래까지의 음에서 왼손 엄지손가락으로 누르고 음표가 지속되는 동안 유지하여 낮은 음표가 더 높은 옥타브로 크래킹되는 것을 방지한다.[16]
바순의 멀티포닉스는 다양하며, 특정 대체 운지를 사용하여 낼 수 있지만, 일반적으로 엠부셔의 위치에 크게 영향을 받는다.[16] 또한, 특정 운지를 사용하면 악기의 실제 음역보다 낮은 음을 낼 수 있다.[16]
7. 앙상블에서의 역할
7. 1. 오케스트라
바순은 오케스트라에서 저음역과 중음역을 담당하며, 베이스 라인을 보강하거나 독주 악기로서 서정적인 선율을 연주한다.[2] 라인하르트 카이저와 장-밥티스트 륄리의 작품과 같은 오페라 오케스트라에 포함되기 시작했다.[1] 안토니오 비발디는 39개의 콘체르토에 이 악기를 등장시켜 그 중요성을 드높였다.[1]요제프 하이든은 그의 교향곡 45번 ("고별 교향곡")에서 바순을 올림 바단조로 연주한다.[2] 작곡가들은 베이스 라인을 단순히 보강하는 기능뿐만 아니라 바순 특유의 음색, 유연성, 기교적인 능력을 활용하기 시작했다.[10] 모차르트는 바순 협주곡 B♭장조, K. 191에서 바순의 모든 표현 측면을 활용했으며, 특히 두 번째 악장의 노래하는 듯한 음색으로 유명했다.[2]
바순이 인간의 목소리와 유사하다는 점은 고전 시대에 많은 작곡가들이 활용한 특징이다.[2] 1730년 이후 독일 바순의 음역은 B♭4까지 확장되었으며, 프랑스 악기의 경우 훨씬 더 높이 확장되었다.[11] 카를 마리아 폰 베버의 바순 협주곡 F장조, 작품 75 (J. 127)에서 G.F. 브란트의 연주는 인간의 목소리에 비유되기도 했다.[2]
오케스트라에서 바순의 역할은 국가에 따라 달랐다. 빈 오케스트라에서 이 악기는 모차르트의 피가로의 결혼 서곡에서 바이올린과 같은 다른 악기를 보강하여 앙상블에 3차원적인 소리를 제공했다.[2] 독일과 스칸디나비아 국가의 오케스트라는 일반적으로 두 대의 바순만 사용했다. 그러나 프랑스에서는 19세기 후반에 오케스트라에서 그 수를 네 대까지 늘렸다.[11]
낭만 시대 동안 바순의 역할은 지지적인 저음 악기 역할과 기교 있고 표현력 있는 솔로 악기 역할 사이에서 다양했습니다. 주세페 베르디는 그의 ''진혼 미사''와 같은 작품에서 악기의 서정적이고 노래하는 목소리를 사용하여 감정을 불러일으켰다.[2] 엑토르 베를리오즈의 ''환상 교향곡, 작품 14''의 다섯 번째 악장과 같이 매우 짧고 공격적인 소리로 묘사될 수 있습니다. 폴 뒤카는 ''마법사의 제자''에서 두 개의 빗자루가 생생하게 살아나는 모습을 묘사하기 위해 스타카토를 활용했다.[11]
독일 오케스트라에는 바순이 두 대만 있는 것이 일반적이었다.[11] 프랑스에서는 엑토르 베를리오즈가 두 대 이상의 바순을 사용하는 것을 유행시켰는데, 그는 종종 세 대 또는 네 대의 바순을 위한 악보를 썼다.[2]
니콜라이 림스키코르사코프의 ''세헤라자데,'' 리하르트 바그너의 ''탄호이저''는 바순 연주자가 트리플 텅잉을 해야 하고 E5까지의 음역을 연주해야 했다.[2] 모데스트 무소르크스키의 ''민둥산의 하룻밤''에서 바순은 다른 저음 악기와 함께 포르티시모로 연주하여 "악마의 목소리"를 불러일으킨다.[11]
20세기에는 이고르 스트라빈스키의 ''봄의 제전''(The Rite of Spring)의 시작 부분으로, 바순은 러시아의 덴치크바를 모방하기 위해 가장 높은 음역에서 연주한다.[2] 세르게이 프로코피예프의 피터와 늑대에서는 할아버지 역을 바순이 연주한다.
관현악 설정에서 20세기 초부터 현재까지 대부분의 오케스트라는 3~4명의 바순 연주자를 보유하고 있으며, 4번째 연주자는 일반적으로 콘트라바순도 담당한다.[11] 모리스 라벨의 ''스페인 광시곡''(Rapsodie espagnole)의 바순 카덴차와 스트라빈스키의 옥텟(Octet)에서 사용된 멀티 핑거 트릴이 있다.[2]
바순은 플루트, 오보에, 클라리넷, 호른과 함께 표준적인 관악 5중주의 일부이다. 다른 목관 악기와의 다양한 조합으로 연주되는 경우도 많다. 리하르트 슈트라우스의 『이중 소협주곡』에서는 바순을 클라리넷을 협주곡 악기로 조합하고 있다.
바순 4중주도 최근 인기를 모으고 있다. 바순은 음역이 넓고, 음색의 변화가 풍부하기 때문에, 동종 악기와의 앙상블에 적합하다. 피터 시클리의 『바이로이트의 마지막 탱고』(『트리스탄과 이졸데』의 주제에서 유래)는 인기 있는 작품이다.
7. 2. 실내악
바순은 목관 5중주를 비롯하여 다양한 실내악 편성에서 중요한 역할을 한다. 플루트, 오보에, 클라리넷, 호른과 함께 표준적인 목관 5중주의 일부를 구성하며,[2] 다른 목관 악기와의 다양한 조합으로 연주되기도 한다. 리하르트 슈트라우스의 이중 소협주곡에서는 바순과 클라리넷이 함께 협주 악기로 사용된다.[2] 또한, 오보에, 클라리넷, 색소폰, 바스 클라리넷, 바순으로 구성된 "리드 5중주"라는 앙상블에도 사용된다.[2]최근에는 바순 4중주도 인기를 얻고 있다. 바순은 넓은 음역과 풍부한 음색 변화를 가지고 있어 동종 악기 앙상블에 적합하다.[2] 피터 시클리의 ''바이로이트의 마지막 탱고''( 트리스탄과 이졸데의 주제에서 유래)는 바순 4중주의 대표적인 작품 중 하나이다.
7. 3. 취주악
바순은 취주악에서 저음역을 담당하며, 특유의 음색으로 앙상블에 깊이를 더한다.[2] 20세기에 들어 바순은 3옥타브를 연주하고 다양한 트릴을 구사할 수 있게 되었으며, 모든 음역과 다이내믹 수준에서 안정적인 음정을 유지하게 되었다.[2] 이고르 스트라빈스키의 ''봄의 제전'' 시작 부분에서 바순은 가장 높은 음역에서 연주되며 러시아의 덴치크바를 모방한다.[2] 또한 스트라빈스키의 "자장가"불새(The Firebird)와 장 시벨리우스의 교향곡 5번 E-플랫 장조, 작품 82(Symphony No. 5 in E-flat major, Op. 82)와 같이 바순의 중간 음역을 위한 곡도 작곡되었다.[2] 세르게이 프로코피예프의 ''유머러스한 스케르초''(Humorous Scherzo)에서처럼 바순의 스타카토 소리가 강조되기도 하였으며,[2] 세르게이 프로코피예프의 피터와 늑대에서는 할아버지 역을 바순이 연주한다.20세기 초부터 현재까지 대부분의 오케스트라는 3~4명의 바순 연주자를 보유하고 있으며, 4번째 연주자는 일반적으로 콘트라바순을 담당한다.[11] 모리스 라벨의 ''스페인 광시곡''(Rapsodie espagnole)의 바순 카덴차와 스트라빈스키의 옥텟(Octet)에서 사용된 멀티 핑거 트릴처럼 바순은 기교와 기술 측면에서 유창해야 했다.[2]
낭만 시대에 완전히 확립된 현대 교향악단에서는 일반적으로 2개의 바순이 필요하며, 작품에 따라서는 4명 이상의 연주자가 필요한 경우도 있다. 바순은 모리스 라벨의 『볼레로』와 같은 서정적인 역할, 차이콥스키의 교향곡과 같은 성악적 역할, 쇼스타코비치의 9번과 같은 고뇌에 찬 울부짖음 등 다양한 양식으로 곡에 통합되었다. 그 민첩성으로 인해, 『피가로의 결혼』 서곡의 유명한 런닝 라인(비올라와 첼로와의 중주)과 같은 패시지에 적합하다.
관악 앙상블은 대개 2개의 바순과 때로는 콘트라바순을 포함하며, 각각 독립적인 파트를 담당한다. 허버트 오웬 리드의 『멕시코의 축제』는 바순을 눈에 띄게 다루고 있으며, 말콤 아놀드의 『』의 관악 앙상블 편곡판도 마찬가지이며, 이 곡은 콘서트 밴드의 단골 곡이 되었다.
바순은 플루트, 오보에, 클라리넷, 호른과 함께 표준적인 관악 5중주의 일부이며, "리드 5중주"라고 불리는 앙상블(오보에, 클라리넷, 색소폰, 바스 클라리넷, 바순)에도 사용된다. 리하르트 슈트라우스의 『이중 소협주곡』에서는 바순을 클라리넷을 협주곡 악기로 조합하고 있다. 바순 4중주도 최근 인기를 모으고 있는데, 피터 시클리의 『바이로이트의 마지막 탱고』(『트리스탄과 이졸데』의 주제에서 유래)는 인기 있는 작품이다.
7. 4. 재즈 및 대중음악
바순은 재즈 악기로는 드물게 사용되며, 재즈 앙상블에서는 거의 찾아보기 어렵다.[2] 1920년대에 Garvin Bushell이 자신의 공연에 바순을 도입하면서 처음 등장했다.[2] 특히 Paul Whiteman의 그룹, Alec Wilder의 특이한 8중주와 몇몇 다른 세션에서 이 악기를 사용했다. 그 후 수십 년 동안 교향악 재즈가 쇠퇴하면서 이 악기는 간헐적으로만 사용되었지만, 1960년대에는 Yusef Lateef와 칙 코리아와 같은 아티스트들이 바순을 자신들의 음반에 포함시켰다. Lateef는 다양하고 절충적인 악기 구성을 통해 바순을 자연스럽게 추가했다 (예: 6명의 관악기 섹션의 일부로 바순을 포함하고 몇몇 솔로를 특징으로 하는 ''The Centaur and the Phoenix'' (1960) 참조). 한편 Corea는 플루트 연주자 Hubert Laws와 함께 바순을 사용했다.[2]최근에는 Illinois Jacquet, Ray Pizzi, Frank Tiberi, 그리고 Marshall Allen이 색소폰 연주 외에 바순을 연주하기도 했다. 프리 재즈 연주자인 바순 연주자 Karen Borca는 바순만 연주하는 몇 안 되는 재즈 뮤지션 중 한 명이다. 그 외에는 Michael Rabinowitz, 스페인 바순 연주자 Javier Abad, 제임스 라센 등이 있다. Katherine Young은 Anthony Braxton의 앙상블에서 바순을 연주하고 있다. Lindsay Cooper, Paul Hanson, 브라질 바순 연주자 Alexandre Silvério, Trent Jacobs, 그리고 Daniel Smith도 현재 재즈에서 바순을 사용하고 있다. 프랑스 바순 연주자 Jean-Jacques Decreux[39]와 Alexandre Ouzounoff[40]는 모두 재즈를 녹음했으며, Buffet 시스템 악기의 유연성을 효과적으로 활용했다.
전자 픽업과 앰프를 함께 사용하여 바순은 재즈와 록 음악 환경에서 어느 정도 사용되기 시작했다.[2][1] 그러나 바순은 록 밴드의 정규 멤버로서는 여전히 매우 드문 악기이다. 1960년대의 몇몇 팝 음악 히트곡들에서 바순이 사용되었는데, 예를 들어 스모키 로빈슨 앤 더 미라클스(Smokey Robinson and the Miracles)의 "The Tears of a Clown"(바순 연주자는 Charles R. Sirard[41]), 도노반의 "Jennifer Juniper", 하퍼스 비자르(Harpers Bizarre)의 "59th Street Bridge Song", 그리고 The New Vaudeville Band의 "Winchester Cathedral"에서 사용된 둠파 바순이 있다. 1974년부터 1978년까지 바순은 영국의 아방가르드 음악 밴드 헨리 카우(Henry Cow)에서 린지 쿠퍼가 연주했다. 레너드 니모이의 노래 "The Ballad of Bilbo Baggins"에도 바순이 등장한다. 1970년대에는 영국의 중세/프로그레시브 록 밴드 그리폰(Gryphon)에서 브라이언 걸랜드가 연주했으며, 미국의 밴드 앰브로시아(Ambrosia)에서는 드러머 버레이 드러먼드가 연주했다. 벨기에의 록 인 오퍼지션 밴드 유니버스 제로(Univers Zero) 역시 바순 사용으로 유명하다.
최근에는 These New Puritans의 2010년 앨범 ''Hidden''에서 이 악기를 광범위하게 사용했는데, 그들의 주요 작곡가인 잭 바넷은 녹음 전에 여러 차례 "바순을 위한 많은 곡을 쓰고 있다"고 주장했다.[43] 록 밴드 베터 댄 에즈라(Better Than Ezra)는 어니스트 헤밍웨이의 ''A Moveable Feast''에 나오는 구절에서 이름을 따왔는데, 이 구절에서 작가는 짜증나는 수다쟁이의 말을 듣는 것이 "에즈라가 바순을 배우는 것"보다 낫다고 언급하며 에즈라 파운드를 지칭했다.
영국의 사이키델릭 록/프로그레시브 록 밴드 나이프월드(Knifeworld)에는 클로이 헤링턴이 바순 연주자로 참여하고 있으며, 그녀는 또한 실험 음악 바로크 팝 오케스트라 크롬 후프(Chrome Hoof)에서도 활동하고 있다.
피오나 애플(Fiona Apple)은 2004년 앨범 ''Extraordinary Machine''의 오프닝 트랙에서 바순을 사용했다.
2016년에는 영국의 "그라임" 아티스트 스톰지(Stormzy)의 앨범 ''Gang Signs and Prayers''에 바순이 등장했다. 영국의 바순 연주자 루이스 왓슨이 연주한 바순은 이 장르에서 전형적으로 사용되는 전자 신디사이저 베이스 라인에 맞춰 "Cold"와 "Mr Skeng" 트랙에서 들을 수 있다.
8. 주요 제조사
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