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봄의 제전

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1. 개요

《봄의 제전》은 이고르 스트라빈스키가 작곡하고 니콜라이 레리흐가 협력하여 제작한 발레 작품이다. 1913년 파리에서 초연되었으며, 혁신적인 음악 기법과 파격적인 안무로 인해 초연 당시 관객들의 격렬한 반응을 불러일으켰다. 이 작품은 원시적인 러시아의 의식을 바탕으로, 봄을 맞이하는 제전에서 소녀가 희생되는 내용을 담고 있다. 《봄의 제전》은 불협화음, 복잡한 리듬, 변박 등을 사용하여 20세기 음악에 큰 영향을 미쳤으며, 다양한 안무 버전으로 재해석되어 공연되었다.

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봄의 제전
작품 정보
제목 (프랑스어)Le Sacre du printemps
제목 (러시아어)Весна священная (Vesna svyashchennaya)
부제 (프랑스어)Le Sacre du printemps: tableaux de la Russie païenne en deux parties
부제 (한국어)봄의 제전: 2부로 구성된 이교도 러시아의 그림
작곡가이고르 스트라빈스키
기반이교주의 신화
초연일1913년 5월 29일
초연 장소샹젤리제 극장, 파리
발레단발레 뤼스
안무가바슬라프 니진스키
디자이너니콜라스 뢰리히
디아길레프의 1913년 프로덕션 컨셉 디자인
세르게이 디아길레프의 1913년 프로덕션 컨셉 디자인

2. 배경 및 작곡 과정

스트라빈스키, 피카소의 스케치, 1920


세르게이 디아길레프(Sergei Diaghilev), 1909년부터 1929년까지 러시아 발레단의 예술 감독, 레온 박스트(Léon Bakst)가 그림


1909년, 상트페테르부르크에서 이고르 스트라빈스키의 초기 관현악곡 ''불꽃놀이''가 연주되었다. 이 연주를 들은 세르게이 디아길레프는 당시 러시아 발레단을 창단하여 파리에서 활동하며 새로운 작곡가를 찾고 있었다.[6][8] 디아길레프는 스트라빈스키에게 접근하여 처음에는 발레 ''레 실피드''를 위한 편곡을 맡겼고, 그 결과에 만족하여 1910년 시즌을 위한 새로운 발레 음악 작곡을 의뢰했다. 이것이 바로 발레 ''불새''였다.

스트라빈스키는 1909년 겨울부터 1910년 봄까지 안무가 미하일 포킨과 긴밀히 협력하며 ''불새''를 작곡했다. 1910년 6월 파리에서 초연된 ''불새''는 큰 성공을 거두었고[10], 이는 스트라빈스키와 디아길레프의 지속적인 협력 관계를 보장했다. 다음 작품은 ''페트루슈카''(1911)였고, 그 뒤를 이어 ''봄의 제전''이 탄생하게 된다.

''봄의 제전''의 구상은 스트라빈스키가 1910년 상트페테르부르크에서 ''불새''의 마지막 부분을 작곡하던 중 시작되었다. 그는 훗날 자서전에서 당시 "장엄한 이교도 의식에 대한 환상"을 보았다고 회상했다. 현명한 장로들이 원형으로 앉아 봄의 신을 달래기 위해 젊은 처녀가 죽을 때까지 춤추는 것을 지켜보는 장면이었다.[16] 그러나 스트라빈스키는 다른 글에서는 음악적 아이디어가 먼저 떠올랐고, 이교도적 배경은 음악에서 파생된 것이라고 설명하기도 했다.[15] 한편, 스트라빈스키가 1907-08년에 접했던 세르게이 고로데츠키의 시 "야릴라"가 이교도 의식, 장로, 처녀 희생 등 작품의 핵심 요소에 영감을 주었을 가능성도 제기된다.[13][14]

1910년 5월, 스트라빈스키는 이 구상을 러시아 민속 예술과 고대 의식 전문가이자 화가인 니콜라스 로에리히와 논의했다.[18] 로에리히는 디아길레프의 ''폴로베츠인의 춤'' 무대 디자인을 담당한 경험이 있었다. 두 사람은 작품의 초기 제목으로 "위대한 희생"(Velikaia zhertvarus)에 합의했다.[17] 디아길레프 역시 이 계획을 지지했지만, 스트라빈스키가 발레 ''페트루슈카'' 작곡에 집중하게 되면서 ''봄의 제전'' 작업은 잠시 중단되었다.[18][177]

1911년 6월 ''페트루슈카'' 초연 이후, ''봄의 제전'' 작업이 본격적으로 재개되었다. 그해 7월, 스트라빈스키는 스몰렌스크 근처 탈라쉬키노에서 로에리히를 만나 발레의 구조를 최종적으로 확정했다. 이 과정에서 예술 후원자인 마리아 테니셰바 공주의 도움을 받았다.[19] 로에리히는 작품의 2부 구성 시나리오를 주로 구상했으며[20], 러시아 전통 의상을 참고하여 무대와 의상 디자인 작업도 진행했다.[179] 스트라빈스키는 작품의 1부를 "대지의 입맞춤"으로, 2부를 "희생"으로 구상하여 봄을 맞이하는 축제와 희생 제의의 과정을 그렸다.[18] 작품의 부제는 "이교도 러시아의 그림"으로 정해졌다.[17][21]

작곡은 1911년 여름 "봄의 조짐" 부분부터 시작되어[180], 그해 겨울 스위스 클라랑스에서 집중적으로 이루어졌다. 1912년 초에는 오케스트레이션을 제외한 대부분의 곡이 완성되었다. 스트라빈스키는 1912년 봄에 작품을 초연하고 싶어 했으나, 디아길레프는 초연을 다음 해로 미루고 대신 더 큰 규모의 관현악 편성을 요구했다. 이후 스트라빈스키는 몽트뢰에서 오케스트레이션 작업을 계속하여 1913년에 마침내 작품을 완성했다.

2. 1. 제목

원래 프랑스어 제목은 Le Sacre du printemps|르 사크르 뒤 프랭탕fra이다. 이는 1912년 3월 디자이너 레온 박스트가 붙인 것으로, 문자 그대로 번역하면 '봄의 대관식'이라는 의미이다. 작곡가 이고르 스트라빈스키는 이후 "The Coronation of Spring"(봄의 대관식)이라는 번역이 작품의 원래 의미에 더 가깝다고 언급한 바 있으며[169], 평생 이 프랑스어 제목을 사용했다[170].

러시아어 제목은 Весна священная|베스나 스뱌셴나야rus로, 이는 '성스러운 봄'을 의미한다. 이 제목은 프랑스어 제목보다 조금 늦은 1912년 9월 스트라빈스키의 인터뷰에서 처음 등장했다[171].

영어권에서 널리 쓰이는 제목 《The Rite of Spring》은 프랑스어 제목을 번역한 것이다. 한국어 제목 《봄의 제전》 역시 이 영어 제목을 따른 것이다. 한편, 작곡 초기 단계의 기사에서는 《거대한 희생》이라는 제목으로 언급되기도 했다[172].

3. 초연과 반응

1913년, 흥행사 가브리엘 아스트뤼크가 새로 건립한 샹젤리제 극장의 개관 기념 행사의 일환으로 세르게이 디아길레프가 이끄는 러시아 발레단의 공연이 기획되었으며, 《봄의 제전》 초연도 여기에 포함되었다. 디아길레프는 이 기회에 오페라 극장의 두 배에 달하는 의 높은 출연료를 요구했다.[185][186]

《봄의 제전》은 《유희》 초연 2주 후인 1913년 5월 29일, 파리의 샹젤리제 극장에서 피에르 몽퇴의 지휘와 바슬라프 니진스키의 안무로 초연되었다. 객석에는 카미유 생상스, 클로드 드뷔시, 모리스 라벨 등 당시 저명한 음악가와 예술계 인사들이 다수 참석했다. 초연에 앞서 진행된 공개 리허설은 별다른 문제 없이 마무리되었으나[187], 정식 초연 공연은 시작부터 대혼란에 휩싸였다.

곡이 시작되자마자 객석 곳곳에서 조롱하는 소리가 터져 나왔다. 야유는 점점 거세졌고, 작품을 옹호하는 관객들과 반대하는 관객들 사이에 격렬한 언쟁과 욕설이 오갔으며, 급기야 몸싸움까지 벌어졌다. 소음과 발 구르는 소리 때문에 무대 위의 음악이 거의 들리지 않을 지경에 이르렀고, 안무가 니진스키는 무대 뒤편에서 직접 소리를 지르며 무용수들에게 박자를 알려주어야 했다. 혼란 속에서 디아길레프는 극장 조명을 반복해서 껐다 켜도록 지시했고, 극장주 아스트뤼크는 관객들을 향해 "제발 끝까지 들어주십시오!"라고 외쳤다.

특히 보수적인 성향의 작곡가 생상스는 도입부의 높은 음역 파곳 솔로를 듣고 "악기 사용법도 모르는 자의 곡은 듣고 싶지 않다"고 혹평하며 자리를 떠났다고 전해진다. 당시 같은 박스석에 앉아 있던 지휘자 몽퇴의 어머니는 생상스가 "그는 미쳤다"고 중얼거리며 나갔다고 증언했다. 또한 생상스는 1914년 연주회 형식의 공연에서도 도입부를 듣고 파곳 소리라는 것을 믿지 못하며 퇴장했다고도 한다.[188] 하지만 스트라빈스키 본인은 1913년 초연 당시 생상스가 공연장에 없었다고 주장하기도 했다.[189] 스트라빈스키는 자신의 자서전에서 당시 상황을 "불쾌하기 그지없는 시위는 점점 격해져 마침내 끔찍한 소란으로 발전했다"라고 회고했다. 이 초연의 대소동은 1830년 빅토르 위고의 희곡 《에르나니》나 1896년 알프레드 자리의 《위뷔 왕》 초연 때와 비견될 만한 스캔들로 기록되었고, 당시 한 신문은 Le ''massacre'' du Printemps|르 마사크르 뒤 프랭탕프랑스어라는 자극적인 제목을 달았다.

이러한 초연 당시의 소동은 《봄의 제전》만의 특별한 사례는 아니었다. 서양 고전 음악사에서 쇤베르크베베른의 무조음악 작품들, 라벨의 《볼레로》, 바르토크의 《중국의 이상한 관리》 등 여러 작품이 초연에서 격렬한 반발과 소동을 겪었다. 더 거슬러 올라가 바그너의 《탄호이저》 파리 공연이나 R. 슈트라우스의 오페라 《살로메》 등에서도 비슷한 논란이 있었다. 한편, 《봄의 제전》 초연 소동의 주된 원인이 음악 자체보다는 니진스키의 혁신적이고 파격적인 안무와 당시 기준으로 기괴하게 여겨졌던 무대 의상 때문이었다는 분석도 있다.

4. 구성

《봄의 제전》은 총 2부 14개의 장면으로 구성되어 있으며, 연주 시간은 약 34분(제1부 16분, 제2부 18분)이다.[11] 스트라빈스키는 1914년 지휘자 세르게이 쿠세비츠키에게 보낸 메모에서 이 작품을 "이교도 러시아를 대표하는 음악-안무 작품이며, '봄의 창조적 힘의 신비와 거대한 분출'이라는 하나의 아이디어로 통일되어 있다"라고 설명했다. 음악학자 피터 반 덴 투른(Peter van den Toorn)은 이 작품이 특정 줄거리나 서사를 따르기보다는 안무된 일련의 에피소드로 구성되어 있다고 분석했다.[11]

작품의 줄거리는 화가 니콜라이 레리흐가 1910년에 발표한 발레 초안에 기반하며, 레리흐는 대본과 미술을 담당했다. 이 곡은 레리흐에게 헌정되었다. 내용은 기독교가 전파되기 이전 러시아의 원시 종교 세계를 배경으로, 봄을 맞이한 부족의 제전과 태양신 이아릴로에게 바쳐지는 희생 제의를 다룬다. 제1부에서는 봄을 맞은 부족의 춤과 현자의 등장을, 제2부에서는 희생될 처녀의 선택과 죽음에 이르는 과정을 그린다.

세부 구성은 다음과 같다. 각 부의 프랑스어 표제는 1913년 피아노 악보 초판본, 영어 표제는 1967년판 악보를 따른다.[11]


  • 제1부: 대지의 찬양 (L'Adoration de la Terre프랑스어 / The Adoration of the Earth영어)
  • 서주 (Introduction프랑스어 / Introduction영어)
  • 봄의 싹틈과 젊은 남녀의 춤 (Les Augures printaniers프랑스어 / Augurs of Spring영어)
  • 유괴의 유희 (Jeu du rapt프랑스어 / Ritual of Abduction영어)
  • 봄의 론도 (Rondes printanières프랑스어 / Spring Rounds영어)
  • 적대하는 도시의 유희 (Jeux des cités rivales프랑스어 / Ritual of the Rival Tribes영어)
  • 현인의 행렬 (Cortège du sage프랑스어 / Procession of the Sage영어)
  • 대지에의 찬양 (현자) (L'Adoration de la Terre (Le Sage)프랑스어 / Adoration of the Earth (The Sage)영어)
  • 대지의 춤 (Danse de la terre프랑스어 / Dance of the Earth영어)

  • 제2부: 희생 제물 (Le Sacrifice프랑스어 / The Sacrifice영어)
  • 서주 (Introduction프랑스어 / Introduction영어)
  • 젊은 처녀들의 신비로운 모임 (Cercles mystérieux des adolescentes프랑스어 / Mystic Circles of the Young Girls영어)
  • 선택된 처녀의 찬미 (Glorification de l'élue프랑스어 / Glorification of the Chosen One영어)
  • 조상의 초혼 (Évocation des ancêtres프랑스어 / Evocation of the Ancestors영어)
  • 조상의 의식 (Action rituelle des ancêtres프랑스어 / Ritual Action of the Ancestors영어)
  • 신성한 춤 - 선택된 처녀 (Danse sacrale (L'Élue)프랑스어 / Sacrificial Dance (The Chosen One)영어)

4. 1. 제1부: 대지의 찬양 (L'Adoration de la Terre)

제1부 《대지의 찬양》(L'Adoration de la Terre|라도라시옹 드 라 테르프랑스어)은 고대 러시아의 봄 평원을 배경으로 한다. 봄을 맞이한 부족 남녀들이 대지에 감사하며 춤을 추고, 젊은이들은 처녀들을 제전의 희생물로 바치기 위해 데려간다. 현자(유명한 수도사)가 나타나면서 제전은 최고조에 이른다.[11]

《봄의 제전》은 특정한 줄거리보다는 안무된 일련의 에피소드로 구성된다.[11] 제1부의 구성과 줄거리는 다음과 같다.

제1부: 대지의 찬양 (L'Adoration de la Terre) - 구성 및 줄거리[11]
에피소드 (프랑스어 원제)영어 번역줄거리 (스트라빈스키가 1914년 쿠세비츠키에게 보낸 메모 기준[11])
《서주》(Introduction|앵트로뒥시옹프랑스어)서곡 (Introduction)커튼이 오르기 전, 오케스트라 서곡은 스트라빈스키에 따르면 "봄의 피리 떼(두키)"와 유사하다.[12]
《봄의 점괘》(Les Augures printaniers|레 조귀르 프랭타니에프랑스어)
(소녀들의 춤)
봄의 점괘 (Augurs of Spring)
(Dances of the Young Girls)
봄 축제가 언덕에서 시작된다. 한 노파가 나타나 미래를 예언하기 시작한다. 현악기 중심의 복조(E♭7 화음 위에 F♭ 장조 3화음) 화음이 강렬하게 반복되며, 불규칙한 강세 변화가 특징이다.
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《대지의 춤》(Danse de la terre|당스 드 라 테르프랑스어)대지의 춤 (Dance of the Earth)사람들은 열정적인 춤을 추며 대지를 신성하게 하고 하나가 된다. 제1부의 절정을 이루는 격렬하고 역동적인 춤으로, 음악은 갑작스럽게 종결된다.



''봄의 제전''의 자필 악보 첫 페이지


=== 주요 악곡 해설 ===

  • '''서주 (Introduction)'''

제1부의 시작을 알리는 서주는 매우 높은 음역의 독주 바순 멜로디로 시작하여 악기 본연의 소리를 알아보기 어렵게 만든다. 이 멜로디는 리투아니아 민요 "Tu mano seserėle (나의 여동생이여)"를 기반으로 한다.[31][34][35] 고전적인 악기법에 익숙했던 생상스가 혹평하기도 했던 이 부분은 연주가 매우 까다롭다. 스트라빈스키는 악기가 잘 사용하지 않는 음역을 의도적으로 사용하여 독특한 음색을 만들어냈다.[208] 이미 변박자로 시작하며, 다양한 관악기들이 각기 다른 조와 뉘앙스의 멜로디를 격렬하게 연주한다. 음악이 최고조에 달했다가 갑자기 끊기고, 바순이 다시 첫 멜로디를 반음 낮춰 연주하며 마무리된다. 피에르 불레즈는 이 부분을 "가장 기묘하고 흥미로운 어법"이라고 평가했다.

  • '''봄의 싹틈과 젊은 남녀의 춤 (봄의 점괘, Les Augures printaniers)'''

현악기를 중심으로 E♭(내림 마) 장조의 속7화음(G-B♭-D♭-F♭, 악보상 표기는 F♭ 장조 3화음 형태)과 E(마) 장조의 으뜸화음(E-G♯-B)이 동시에 강하게 울려 퍼지는 복조(複調, bitonality) 화음이 특징적이다. 이 화음은 불규칙적인 강세 변화와 함께 반복되며 원시적인 에너지를 표현한다. 처음 듣는 사람에게는 강렬한 불협화음으로 느껴질 수 있다. 동시에 목관악기는 C(다) 장조의 아르페지오스타카토로 연주하여, C장조, E장조, A♭(내림 가)장조(F♭장조와 이명동음 관계)라는 장3도 관계의 세 조성이 연결되는 독특한 화성 구조를 보여준다.

  • '''유괴의 유희 (강탈 의식, Jeu du rapt)'''

음악 평론가 스티븐 존슨 힐(Stephen Johnson Hill)은 이 부분을 "가장 무시무시한 음악적 사냥"이라고 묘사했다. 격렬한 리듬과 불협화음이 특징이며, 플루트의 트릴로 마무리된다.

  • '''봄의 론도 (Rondes printanières)'''

느리고 장중한 주제로 시작하지만, 점차 불협화음적인 포르티시모로 격렬하게 고조된다. 힐은 이를 에피소드 주요 멜로디의 "끔찍한 캐리커처"라고 표현했다.

  • '''적대하는 도시의 유희 (경쟁 부족의 의식, Jeux des cités rivales)'''

금관악기와 타악기가 전면에 나서며 부족 간의 경쟁과 충돌을 묘사한다. 테너 튜바와 베이스 튜바에서 제시되는 멜로디가 반복적으로 나타난다.

  • '''현인의 행렬 (Cortège du sage)'''

장엄한 행렬 음악과 함께 현자가 등장한다. 음악은 잠시 멈추고 "색깔이 탈색된"(힐) 듯한 신비로운 분위기를 연출하며 현자가 대지에 축복을 내리는 장면을 그린다. 이 부분에 이어지는 매우 짧은 '장로의 대지에의 입맞춤'에서는 격렬한 불협화음이 현악기의 플라젤렛 주법으로 연주된다.

  • '''대지의 춤 (Danse de la terre)'''

제1부의 마지막을 장식하는 격렬하고 열광적인 춤이다. 모든 악기가 동원되어 원초적인 에너지를 폭발시키며 대지에 대한 찬미와 경배를 표현한다. 음악은 별도의 종결구 없이 "무딘, 잔인한 절단"(힐)처럼 갑작스럽게 끝맺는다.

4. 2. 제2부: 희생 제물 (Le Sacrifice)

제2부는 쓸쓸한 벌판의 한밤중을 배경으로 신비스러운 의식이 행해지는 장면으로 시작된다. 한 처녀가 희생 제물로 선택되고, 광란의 춤 끝에 법열의 절정에서 대지에 쓰러져 숨을 거둔다. 장로와 젊은이들이 그녀의 시체를 높이 들고 사라지면서 태양에 대한 봄의 제전이 마무리된다.[11] 제2부는 제1부보다 더 큰 일관성을 보이며, 음악은 서주 시작부터 마지막 춤의 결론까지 하나의 큰 호를 그린다.[138]

  • '''제9곡 "서주"''' (Introduction)

목관 악기와 약음기를 사용한 트럼펫이 서주 전반에 걸쳐 두드러지며, 현악기와 플루트의 여러 상승하는 종지로 끝맺는다.[138]

\relative c'''' { \set Staff.midiInstrument = #"violin" \clef treble \numericTimeSignature \time 4/4 \tempo "Largo" 4 = 48 a4~\flageolet( a8\flageolet g\flageolet) a4(\flageolet e8\flageolet d\flageolet) | \time 2/4 g4(\flageolet e)\flageolet }

  • '''제10곡 "처녀들의 신비로운 모임"''' (Cercles mystérieux des adolescentes / Mystic Circles of the Young Girls)

젊은 처녀들이 원을 그리며 신비로운 놀이를 한다.[11] 서주에서 "신비의 원"으로의 전환은 거의 감지할 수 없을 정도로 자연스럽다. 이 부분의 주요 주제는 서주에서 미리 암시되었다.[138]

  • '''제11곡 "선택된 제물에 대한 찬미"''' (Glorification de l'élue / Glorification of the Chosen One)

운명에 의해 한 소녀가 선택되어 영원한 원 안에 두 번 갇히게 되고, 격렬한 춤으로 "선택된 자"로 칭송받는다.[11] 희생자를 선택하는 순간은 마치 질서를 외치는 소리와 같은 시끄럽고 반복적인 화음으로 표현된다.[138]

  • '''제12곡 "선조의 소환"''' (Évocation des ancêtres / Evocation of the Ancestors)

짧은 춤을 통해 젊은이들이 선조들을 불러낸다.[11] 짧은 구절들이 드럼 롤과 함께 번갈아 나타난다.[136]

  • '''제13곡 "선조의 의식"''' (Action rituelle des ancêtres / Ritual Action of the Ancestors)

선택된 처녀는 늙은 현자들의 보살핌을 받는다.[11] 조용하게 시작하지만 점차 일련의 클라이맥스로 고조되었다가, 다시 에피소드를 시작했던 조용한 구절로 갑자기 가라앉는다.[136]

  • '''제14곡 "제물의 춤 (선택된 제물의 처녀)"''' (Danse sacrale (L'Élue) / Sacrificial Dance)

선택된 처녀는 늙은 현자들이 지켜보는 가운데 위대한 "희생의 춤"을 추며 죽음에 이른다.[11] 이 부분은 제1부를 마무리하는 화려한 춤보다 더 절제된 의식으로 작곡되었지만, 오케스트라의 대규모 타악기 섹션이 충분히 활용되어 격렬한 순간들을 포함한다.[136] 스트라빈스키는 이 부분, 특히 작품을 마무리하는 마지막 마디에서 어려움을 겪었다. 갑작스러운 결말은 여러 비평가들에게 비판받았으며, 한 비평가는 음악이 "갑자기 옆으로 쓰러진다"고 평했다. 스트라빈스키 자신도 마지막 화음을 "소음"이라고 폄하했지만, 여러 차례 수정 시도에도 더 만족스러운 해결책을 찾지 못했다.[84]

이 곡은 작곡 기법상 가장 난해하고 체계적으로 쓰인 부분 중 하나로, 5/8, 7/8 등의 변박자를 조합하여 복잡한 리듬의 다성 음악을 만들어낸다.

{ \new PianoStaff << \new Staff \relative c'' { \set Staff.midiInstrument = #"violin" \clef treble \tempo 8 = 126 \override DynamicLineSpanner.staff-padding = #4 \time 3/16 r16 -! r16\fermata | \time 2/16 r -! \time 3/16 r 8-! | r16 8-! | \time 2/8 16-! ->-![ -! -!] } \new Staff \relative c { \set Staff.midiInstrument = #"cello" \clef bass \time 3/16 d,16-! ^\f-! r\fermata | \time 2/16 -! -! | \time 3/16 d16-! 8-! | r16 8-! | \time 2/8 d16^\sf-! -!->[ -! -!] } >> }

올리비에 메시앙은 이 부분을 "리듬의 등장인물(personnages rythmiques)[209]"이라고 불렀고, 피에르 불레즈는 "리듬 세포(cellules rythmiques)", 클라우스 후버는 "리듬 클러스터(rhythmische Cluster)"라고 칭하며 각각 분석 결과를 발표했다. 메시앙에 따르면, 이 곡은 복잡한 변박자 속에서 제시된 리듬 동기들이 "확대하는 동기", "축소하는 동기", "발전하지 않고 정적인 동기"의 세 가지 유형으로 구성되어 있다. 마지막에 울려 퍼지는 화음 중 콘트라베이스 파트는 아래에서부터 D-E-A-D 음으로 구성되어 소리로 죽음을 표현한다.

5. 음악적 특징

『봄의 제전』의 음악은 그 혁신성으로 인해 종종 생생한 표현으로 묘사된다. 1920년 폴 로젠펠드는 이 작품이 "엔진의 리듬으로 쿵쿵거리고, 나사와 플라이휠처럼 소용돌이치고 회전하며, 쇳소리를 내며 갈고 비명을 지른다"라고 썼으며,[120] 뉴욕 타임스의 평론가 도날 헤나한은 "금관악기의 크고 으르렁거리는 화음과 팀파니의 굉음"을 언급했다.[121] 반면 작곡가 줄리어스 해리슨은 이 작품이 스트라빈스키의 "음악이 수세기 동안 지켜온 모든 것, 즉 모든 인간의 노력과 진보를 혐오하며 끔찍한 소리를 내기 위해 밀어내고 있다"며 부정적으로 평가하기도 했다.[122]

스트라빈스키는 『불새』에서 비조성성(서로 다른 조성을 동시에 사용하는 것)을 실험하기 시작했고, 『페트루슈카』에서 이를 더욱 발전시켰다. 분석가 E.W. 화이트에 따르면, 스트라빈스키는 『봄의 제전』에서 이 기법을 "논리적 결론까지 밀어붙였다".[123] 화이트는 또한 강력한 타악기에 의해 강조되는 강하고 불규칙한 박자가 있는 2박자와 3박자의 조합으로 이루어진 복잡한 박자 구조를 지적한다.[124] 음악 평론가 알렉스 로스는 스트라빈스키가 전통적인 러시아 민요를 악보에 적용하고 흡수하는 과정이 불규칙했다고 설명하며, "그것들을 모티브 비트로 분쇄하고, 층층이 쌓아 올린 다음, 입체파 콜라주와 몽타주로 재조립했다"고 묘사했다.[125]
혁신적인 리듬과 박자이 작품의 가장 두드러진 특징 중 하나는 혁신적인 리듬 사용이다. 강력하고 불규칙한 박자 변화가 곡 전체를 지배하며, 특히 제2곡 "봄의 징조(소녀들의 춤)"에서는 현악기가 연주하는 동일한 복조 화음 위에서 액센트 위치를 계속 바꾸며 원시적인 에너지를 만들어낸다. 제14곡 "제물의 춤 (선택된 제물의 처녀)"은 5/8, 7/8 등 변박자를 복잡하게 조합하여 극도로 난해한 리듬의 다성 음악을 구현한 부분으로 유명하다. 올리비에 메시앙은 이 부분의 리듬 구조를 personnages rythmiques|페르소나주 리트미크프랑스어(리듬의 등장인물)[209]라는 개념으로 분석했고, 피에르 불레즈는 "리듬의 세포", 클라우스 후버는 "리듬의 클러스터"라고 부르며 그 복잡성을 설명했다. 메시앙에 따르면, 이 곡의 리듬 동기들은 "확대하는 동기", "축소하는 동기", "발전하지 않고 정적인 동기"의 세 가지 유형으로 구성되어 있다.

이러한 복잡한 변박자는 연주자뿐 아니라 작곡가 자신에게도 어려움을 안겨주었다. 초연 지휘자 피에르 몽퇴는 스트라빈스키의 잦은 개정에 대해 "최초의 판본이 가장 좋다"고 비판했으며, 로버트 크래프트는 스트라빈스키가 직접 지휘하기 어려웠기 때문에 변박자를 단순화하는 개정을 했다고 설명했다. 실제로 스트라빈스키 자신이 지휘하며 박자를 틀리는 초기 녹음도 존재하며, 마지막 '제물의 춤' 장면을 지휘하기 어려워 4분의 4박자로 지휘했다는 일화도 전해진다. 오자와 세이지는 1968년 스트라빈스키가 변박자를 단순화한 버전을 만들었으나, 오자와와 시카고 교향악단 단원들이 예술적 가치에 의문을 제기하여 결국 출판되지 못했다고 증언했다. 레너드 번스타인은 이러한 개정 시도가 저작권 보호 기간을 연장하려는 의도일 수 있다며 비판적인 시각을 보이기도 했다.[204]
불협화음과 다조성스트라빈스키는 이 작품에서 다조성(Polytonality) 기법을 적극적으로 사용하여 강렬한 불협화음을 만들어냈다. 제2곡 "봄의 징조" 시작 부분의 유명한 화음은 마장조의 주화음(E-G♯-B)과 내림가장조의 속화음 제1전위형(G-B♭-D♭-E♭)을 동시에 울리게 한 것으로, 듣는 이에게 강렬한 충격을 준다. 이 화음 구성은 평균율 상으로는 내림가단조 화성단음계와 동일하지만, 동시에 울림으로써 극적인 불협화 효과를 낸다. 또한 이 부분에서 목관악기가 연주하는 스타카토 아르페지오(E-G-C-E-G-E-C-G)는 다장조를 암시하며, 이를 통해 장3도 관계인 다장조, 마장조, 내림가장조가 동시에 연결되는 혁신적인 화성 구조를 보여준다. 이는 베토벤 후기 소나타 등에서 순차적으로 나타나기도 했지만, 동시에 울리는 것은 이 곡이 처음 시도한 것이다. 제7곡 "장로의 대지에의 입맞춤"에서는 현악기의 플라젤렛 주법으로 격렬한 불협화음이 연주되기도 한다.
독특한 관현악법과 음색『봄의 제전』은 대규모 관현악 편성을 효과적으로 사용하여 원시적이고 강렬한 음향을 창출한다. 특히 타악기의 역할이 두드러지며, 전체적으로 강렬하고 때로는 거친 음색을 특징으로 한다.[124] 제1곡 "서주"는 리투아니아 민요를 기반으로 한 선율을 바순이 극도로 높은 음역(C5)에서 연주하며 시작하는데, 이는 당시로서는 매우 파격적인 악기 사용법이었다. 고전적인 악기법에 익숙했던 생상스가 이 부분을 듣고 혹평했다는 일화가 있으며, 다무라 가즈오는 드뷔시의 『목신의 오후에의 전주곡』 첫머리 플루트 독주처럼 악기가 잘 사용하지 않는 음역을 의도적으로 사용한 것이라고 분석했다.[208] 서주 부분에서는 다양한 관악기들이 서로 다른 조와 다른 뉘앙스의 멜로디를 격렬하게 연주하며 혼돈스러운 분위기를 자아낸다.
민속 음악의 차용스트라빈스키는 『페트루슈카』와 마찬가지로 『봄의 제전』에서도 많은 민요를 인용했지만, 대부분 원형을 알아보기 힘들 정도로 변형하여 사용했다.[210] 로렌스 모튼의 연구에 따르면, 제1부의 일부 선율은 폴란드의 안톤 유시케비치가 수집한 리투아니아 민요집에서 유래했으며,[211] 특히 제1곡 "서주"의 바순 선율은 리투아니아 민요 "Tu mano seserėle(나의 여동생이여)"를 기반으로 한다.[208][211] 또한 Ф. М. Истомин|표도르 미하일로비치 이스토민ru과 랴푸노프의 민요집, 림스키-코르사코프가 수집한 러시아 민요 등에서도 일부 소재를 차용한 것으로 보인다.[212] 알렉스 로스는 스트라빈스키가 이러한 민요들을 단순히 인용하는 것을 넘어, 분해하고 재조립하여 완전히 새로운 음악적 재료로 사용했다고 평가했다.[125]
개정판『봄의 제전』은 여러 차례 개정을 거쳐 다양한 판본이 존재한다.[200] 1913년 초연에 사용된 자필보를 시작으로, 1921년, 1929년, 1943년, 1947년, 1965년, 1967년에 관현악판 개정 악보가 출판되었으며, 피아노 연탄판도 1913년과 1968년에 출판되었다. 현재는 1967년판이 주로 사용되지만, 지휘자에 따라 선호하는 판본이 다르며, 여러 판본을 절충하여 연주하는 경우도 있다(예: 로버트 크래프트는 1967년판에 1913년판의 요소를 추가하여 연주).[203] 스트라빈스키의 잦은 개정에 대해 초연 지휘자 몽퇴는 비판적이었으며, 피아노 연탄판은 다른 작품들과 달리 개정이 거의 이루어지지 않았다.[205] 『불새』나 『페트루슈카』와 달리 악기 편성을 축소한 개정판은 없다.

6. 악기 편성

악보는 대규모 오케스트라 편성을 요구하며, 악기 구성은 다음과 같다:[126]

초판 악기 편성[126]
구분악기
목관악기피콜로 1
플루트 3 (셋째는 두 번째 피콜로를 겸함)
알토 플루트 1
오보에 4 (넷째는 두 번째 잉글리시 호른을 겸함)
잉글리시 호른 1
클라리넷 (내림 나 및 가조) 3 (셋째는 두 번째 바셋 클라리넷을 겸함)[214]
클라리넷 (내림 마 및 라조) 1
바셋 클라리넷 1
바순 4 (넷째는 두 번째 콘트라바순을 겸함)
콘트라바순 1
금관악기호른 8 (일곱 번째와 여덟 번째는 테너 바그너 튜바를 겸함)[127]
피콜로 트럼펫 (라조) 1[215]
트럼펫 (다조) 4 (넷째는 내림 마조 베이스 트럼펫을 겸함)
트롬본 3
베이스 튜바 2
타악기팀파니 5 (두 명의 연주자 필요)
큰북
탐탐
트라이앵글
탬버린
심벌즈
고대 심벌즈 (내림 가 및 내림 나조)
귀로
현악기바이올린 I, II
비올라
첼로
더블 베이스



대규모 편성임에도 악곡의 많은 부분은 실내악적인 짜임새를 가지며, 개별 악기나 소규모 악기 그룹이 명확한 역할을 수행한다. 목관악기가 5관 편성을 이루고 바그너 튜바, 베이스 트럼펫 등이 추가된 대규모 관현악 편성이지만, 스트라빈스키의 다른 주요 발레 음악(불새, 페트루시카)과 달리 하프, 첼레스타, 피아노가 사용되지 않는 점이 특징이다. 타악기 역시 불새, 페트루시카에서 사용된 글로켄슈필이나 실로폰 같은 음높이가 있는 타악기는 포함되지 않는다.

1967년 판 악기 편성
구분악기
목관 악기플루트 3 (3번은 피콜로 2번에 교체)
피콜로 1
알토 플루트 1
오보에 4 (4번은 잉글리시 호른 2번에 교체)
잉글리시 호른 1
클라리넷 3 (가조와 내림 나조를 교체. 3번은 베이스 클라리넷 2번에 교체)
작은 클라리넷 1 (라조와 내림 마조를 교체)
베이스 클라리넷 1
바순 4 (4번은 콘트라바순 2번에 교체)
콘트라바순 1
금관 악기호른 8 (7번・8번은 바그너 튜바 교체[206])
피콜로 트럼펫 (라조) 1
트럼펫 (다조) 4 (4번은 베이스 트럼펫 (내림 마조) 교체[207])
트롬본 3
튜바 2
타악기팀파니 7개 (하이 B가 나오는 피콜로 팀파니 1과 일반 팀파니 6): 연주자 2명이 필요
큰북
트라이앵글
탬버린
탐탐
심벌즈
귀로
고대 심벌즈 2: 내림 가 (A♭)와 내림 나 (B♭)
현 5부제1 바이올린
제2 바이올린
비올라
첼로
콘트라베이스



현악 5부의 일반적인 편성 규모는 16형(제1바이올린 16, 제2바이올린 14, 비올라 12, 첼로 10, 콘트라베이스 8)이지만, 발레 공연 시 오케스트라 피트에서는 12형(12-10-8-8-6)으로 축소되기도 한다. 스트라빈스키는 악보의 연습 번호 101에서 제1바이올린을 8개의 보면대(풀트, Pult)로 나누도록 지시하고 있다.

7. 영향

음악 사학자 도널드 제이 그라우트는 "『봄의 제전』은 의심할 여지 없이 20세기 초 가장 유명한 작품이다... 마치 폭발과 같은 효과를 내어 음악적 언어의 요소들을 흩뜨려 놓았고, 그 결과 이전처럼 다시는 결합될 수 없게 되었다."라고 평가했다. 학자이자 평론가인 얀 스마츠니는 레너드 번스타인의 말을 인용하며 이 작품이 "연주자와 청취자에게 끝없는 자극을 제공한다"고 언급했고, 20세기의 가장 영향력 있는 작품 중 하나로 꼽았다.[116][139] 리처드 타루스킨은 『봄의 제전』에 관한 책이 다른 어떤 발레 작품이나 개별 음악 작품보다도 많이 출판되었다는 점을 들어 이 작품의 독보적인 위상을 강조했다.[140] 토마스 포레스트 켈리는 1913년 초연을 "20세기 음악사에서 가장 중요한 단일 사건"으로 간주할 수 있으며, 그 영향은 21세기에도 이어지고 있다고 보았다.[141] 알렉스 로스는 『봄의 제전』을 정신보다는 육체의 음악, 선율이 말의 패턴을 따르고 리듬이 춤의 에너지를 반영하며 음향이 실제 삶의 단단함을 갖는 "두 번째 아방가르드" 시대를 예고한 예언적인 작품으로 묘사했다.[142] 이 작품은 음악에서의 모더니즘의 초기 주요 사례 중 하나로 평가받는다.[143]

『봄의 제전』의 영향을 받은 대표적인 20세기 작곡가로는 스트라빈스키의 동시대인인 에드가르 바레즈가 있다. 그는 1913년 초연에 참석했으며, 로스에 따르면 작품의 "잔혹한 화성과 자극적인 리듬"에 매료되어 이를 자신의 관현악 작품 《아메리카》(1921)에 반영했다.[144][145] 애런 코플런드는 학생 시절 스트라빈스키에게서 큰 영감을 받았으며, 『봄의 제전』을 "전위적인 악센트와 다조 화음의 시대"를 연 걸작으로 여겼다.[146] 그는 스트라빈스키처럼 작은 섹션으로 작곡한 뒤 이를 조합하는 방식을 사용했으며,[147] 로스는 코플런드의 발레 《빌리 더 키드》의 음악이 『봄의 제전』의 '봄의 론도' 섹션에서 직접적인 영향을 받았다고 지적했다.[148] 올리비에 메시앙에게도 『봄의 제전』은 특별한 의미를 지녔는데, 그는 이 작품을 꾸준히 분석하며 리듬과 구성 방식에 대한 영감을 얻었다.[149] 스트라빈스키 자신은 피에르 불레즈와 같은 이들의 지적인 분석에 대해 회의적인 태도를 보이기도 했다.[150]

1940년 월트 디즈니는 애니메이션 영화 《판타지아》에서 레오폴드 스토코프스키가 지휘한 『봄의 제전』 음악을 사용하여 지구의 선사 시대, 생명의 탄생, 공룡의 멸종 등을 묘사했다.[141] 이 영화는 많은 사람에게 영향을 주었는데, 작곡가이자 지휘자인 건터 슐러는 이 영화의 『봄의 제전』 시퀀스를 보고 음악가의 길을 걷기로 결심했다고 밝혔다.[151] 스트라빈스키는 나중에 이 각색에 대해 자신의 이미지와 다르다며 불만을 표했지만, 개봉 당시에는 비판하지 않았다는 기록도 있다.[152]

또한 이 곡의 일부("제물의 춤", 스트라빈스키 지휘, 컬럼비아 심포니 오케스트라 연주)는 보이저 골든 레코드에 수록되어 우주로 보내졌다.[213]

8. 한국에서의 수용과 의의

한국에서는 1950년 9월 21일과 22일, 야마다 카즈오 지휘 아래 일본 교향악단 (현 NHK 교향악단)에 의해 처음으로 공연되었다. 한국 사회는 《봄의 제전》이 지닌 혁신성과 실험 정신을 긍정적으로 평가하며, 기존의 관습과 전통에 도전하는 예술의 역할을 중요하게 여기는 경향이 있다. 특히 민주화 운동과 사회 변혁을 경험한 한국 사회에서 이 작품은 더욱 깊은 의미를 지니는 것으로 받아들여진다. 진보적인 시각에서는 이 작품을 단순한 예술 작품을 넘어 사회적 억압과 권위에 대한 저항, 그리고 새로운 시대정신을 상징하는 것으로 해석하기도 한다. 반면 보수적인 관점에서는 작품의 파격성과 난해함에 대해 비판적인 시각을 보이기도 하지만, 그 예술적 가치와 영향력 자체는 대체로 인정하는 편이다.

9. 다양한 안무 버전

(내용 없음 - 주어진 원본 소스에 해당 섹션 내용을 뒷받침할 정보가 없습니다.)

10. 영화에서의 사용

월트 디즈니가 제작한 애니메이션 영화 《환타지아》(1940년)의 한 에피소드에 《봄의 제전》 음악이 사용되었다. 영화에서는 지구의 탄생부터 생명의 발생, 공룡의 등장과 멸망까지의 과정을 이 곡에 맞춰 장대하게 그려냈다. 당시 생존해 있던 작곡가 스트라빈스키는 후에 영화를 보고 자신의 의도와 다른 해석에 충격을 받았다고 전해진다.

현대 무용 안무가 피나 바우쉬의 《봄의 제전》 안무 일부는 다큐멘터리 영화 《피나》(2011년)에 등장한다.[86] 또한, 2004년 영화 《리듬 이즈 잇!》은 지휘자 사이먼 래틀이 베를린 필하모닉 오케스트라, 안무가 로이스턴 말둠과 함께 베를린의 학생 250명을 모아 《봄의 제전》 발레 공연을 준비하는 과정을 담았다.[106]

《봄의 제전》 초연 당시의 소동은 여러 영화에서 중요한 소재로 다루어졌다. 대표적으로 허버트 로스 감독의 《니진스키》(1980년)와 얀 쿠넨 감독의 《샤넬과 스트라빈스키》(2009년)가 있다.

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