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벌레스크

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목차

1. 개요

벌레스크는 문학, 음악, 연극 등 다양한 예술 분야에서 나타나는 풍자적이고 코믹한 표현 방식을 의미한다. 16세기 초 이탈리아에서 문학 용어로 시작되어, 위엄 있는 것을 우스꽝스럽게 모방하는 형태로 발전했다. 17, 18세기에는 하이 벌레스크와 로우 벌레스크로 나뉘어 문학적 패러디와 풍자적 영웅시, 저속한 운문 등을 포함했다. 빅토리아 시대에는 런던 극장에서 오페라, 연극 등을 패러디한 음악극으로 인기를 얻었으며, 미국에서는 민스트럴 쇼와 결합하여 스트립티즈를 포함한 엔터테인먼트 형태로 발전했다. 미국에서는 금주법 시행과 규제로 쇠퇴했지만, 1990년대 이후 네오 벌레스크로 부활했다. 일본에서도 전후 누드 댄스를 중심으로 발전했으나, 최근에는 쇼 댄스 형태로 변화하고 있다.

2. 문학적 기원과 발전

벌레스크는 문학 장르로서 16세기 초 이탈리아에서 시작되었다.[8][51] 위엄 있거나 비장한 주제를 그로테스크하게 모방하는 이 기법은 프란체스코 베르니와 같은 작가들을 통해 발전했으며, 17세기에는 프랑스와 영국 등 유럽 전역으로 퍼져나갔다.[8][51]

윌리엄 셰익스피어의 『한여름 밤의 꿈』 속 극중극이나 미겔 데 세르반테스의 중세 로맨스 풍자와 같이, 초기 유럽 문학에서도 벌레스크 기법이 활용된 사례를 찾아볼 수 있다.[9][10][52][53] 벌레스크는 특정 스타일이나 작가를 과장되게 모방하고 터무니없는 묘사를 결합하여 웃음을 유발하는 방식으로, 파스티슈, 패러디, 그리고 17~18세기 장르인 풍자적 영웅시(또는 가짜 영웅 시) 등과 유사한 특징을 공유한다.[11][54] 이러한 벌레스크 작품이 의도한 효과를 제대로 내기 위해서는 독자나 청중이 패러디의 대상이 되는 원본 작품이나 주제에 대해 미리 알고 있어야 했으며, 이는 당시 독자들에게 높은 수준의 문학적 소양을 요구하는 것이었다.[12][55]

17세기와 18세기를 거치면서 벌레스크는 크게 하이 벌레스크(eng)와 로우 벌레스크(eng)의 두 가지 주요 유형으로 발전했다.[13][14][56][57]

문학에서 시작된 벌레스크의 전통은 후대에도 이어져 레뷰나 스케치 코미디와 같은 공연 예술 형식에서도 그 흔적을 찾아볼 수 있으며,[9][52] 톰 스토파드의 1974년 연극 ''트래버스티''는 이러한 벌레스크 전통을 현대적으로 계승한 장편 연극의 한 예시로 꼽힌다.[15][58]

2. 1. 초기 이탈리아 벌레스크

"벌레스크"라는 단어는 16세기 초 프란체스코 베르니의 ''Opere burlesche''라는 제목에서 처음 등장했다. 이 작품들은 인쇄되기 전에 원고 형태로 널리 유통되었다.[8] 한동안 벌레스크 시는 베르니를 기리기 위해 ''poesie bernesca''로 알려졌다. 문학 용어로서 "벌레스크"는 위엄 있거나 비장한 것을 그로테스크하게 모방하는 것을 의미했으며, 17세기 이탈리아와 프랑스, 그리고 이후 영국으로 퍼져나갔다.[8]

2. 2. 17세기 유럽의 벌레스크

"벌레스크"라는 용어는 16세기 초 프란체스코 베르니의 ''Opere burlesche''라는 제목의 작품에서 처음 사용되었다. 이 작품들은 인쇄술이 발달하기 전 원고 형태로 널리 퍼졌으며, 한동안 벌레스크 형식의 시는 베르니를 기려 'poesie bernesca'라고 불리기도 했다. 17세기에 이르러 벌레스크는 이탈리아와 프랑스, 그리고 영국 등 유럽 전역에서 문학 용어로 널리 사용되기 시작했는데, 이는 위엄 있거나 비장한 주제를 그로테스크하게 모방하는 것을 의미했다.[8][51] 윌리엄 셰익스피어의 희곡 『한여름 밤의 꿈』에 등장하는 피라무스와 티스베의 극중극이나, 프랜시스 보몬트와 존 플레처가 함께 쓴 『불타는 절구의 기사』에서 기사도 로맨스를 풍자한 것이 이러한 모방의 초기 예시로 꼽힌다.[9][52]

17세기 스페인에서는 극작가이자 시인인 미겔 데 세르반테스가 그의 많은 풍자 작품에서 중세 로맨스를 조롱하며 벌레스크 기법을 활용했다. 그의 대표작으로는 1615년에 출판된 『모범 소설』과 『8개의 희극과 8개의 새로운 간주곡』 등이 있다.[10][53] 벌레스크라는 용어는 후대에 제프리 초서나 셰익스피어의 작품, 심지어 고대 그리스와 로마의 고전 문학에도 소급하여 적용되기도 했다.[5][48]

벌레스크는 특정 작가나 작품의 스타일을 의도적으로 과장되게 모방하고, 여기에 터무니없는 묘사를 결합하여 웃음을 유발하는 것을 목표로 했다. 이러한 특징 때문에 벌레스크는 종종 파스티슈, 패러디, 그리고 17세기와 18세기에 유행했던 풍자적 영웅시(또는 가짜 영웅 시)와 비슷한 의미로 사용되기도 한다.[11][54] 벌레스크 작품이 의도한 효과를 제대로 내기 위해서는 독자나 청중이 패러디의 대상이 되는 원본 작품이나 주제에 대해 미리 알고 있어야 했으며, 이는 당시 독자들에게 높은 수준의 문학적 소양을 요구하는 것이었다.[12][55]

17세기와 18세기를 거치면서 벌레스크는 크게 두 가지 주요 유형으로 발전했다. 하나는 하이 벌레스크(eng)로, 학문적이고 고상한 문체를 사용하여 일부러 평범하거나 우스꽝스러운 주제를 다루는 방식이다. 다른 하나는 로우 벌레스크(eng)로, 진지하고 중요한 주제를 오히려 불손하고 조롱하는 듯한 문체로 다루는 것을 의미한다.[13][14][56][57]

2. 2. 1. 하이 벌레스크

『머리카락을 훔친 이야기』에서 패러디의 대상이 된 아라벨라 퍼머


17세기와 18세기의 벌레스크는 크게 두 가지 유형으로 나뉘는데, 그중 하나가 하이 벌레스크(eng)이다. 하이 벌레스크는 학문적이고 고상한 문체를 사용하여, 그와는 어울리지 않는 평범하거나 우스꽝스러운 주제를 다루는 모방 기법을 말한다. 예를 들어 패러디 문학이나 가짜 영웅 시 등이 여기에 해당한다. 하이 벌레스크의 가장 대표적인 예시로는 알렉산더 포프의 『머리카락을 훔친 이야기』가 자주 언급된다.[56]

2. 2. 2. 로우 벌레스크

'''로우 벌레스크'''(Low burlesque)는 진지한 주제를 불손하고 조롱하는 문체로 다루는 것을 의미한다.[14][57] 예를 들어, 사무엘 버틀러의 시 ''후디브라스''는 속어와 같은 일상적인 어휘를 사용하여 풍자적인 저속한 운문(희극시) 형식으로 청교도 기사의 불운을 묘사했다.[14][57] 버틀러는 자신의 희극시에 윤리적인 의미를 부여함으로써 단순한 캐리커처를 풍자로 승화시켰다.[14][57]

3. 음악에서의 벌레스크

18세기 초부터 음악 작품에서도 '벌레스크'라는 용어가 사용되기 시작했다. 이는 문학과 연극에서 유래한 용어로, 음악에서는 진지함과 코믹한 요소를 병치하거나 과장하여 그로테스크하거나 유머러스한 효과를 내는 기법을 설명하는 데 쓰였다.[16] 벌레스크는 클래식 음악뿐만 아니라 재즈와 같은 다양한 장르에서 찾아볼 수 있다.

3. 1. 클래식 음악

18세기 초부터 유럽 전역에서는 진지함과 코믹한 요소를 병치하거나 결합하여 그로테스크한 효과를 내는 음악 작품을 설명하기 위해 "벌레스크"라는 용어를 사용하기 시작했다.[16] 문학과 연극에서 유래한 이 용어는 밝거나 활기찬 분위기를 나타내는 데 쓰였으며, 때로는 진지함과 대조를 이루기도 했다.[16]

패러디보다는 풍자와 과장의 의미로, 이 용어는 19세기 중반부터 1920년대까지 독일어권 무대에서 자주 등장했다. 벌레스크 오페레타는 요한 슈트라우스 2세(''Die lustigen Weiber von Wien'', 1868),[17] 치러(''Mahomed's Paradies'', 1866; ''Das Orakel zu Delfi'', 1872; ''Cleopatra, oder Durch drei Jahrtausende'', 1875; ''In fünfzig Jahren'', 1911),[18] 브루노 그라니히슈테텐(''Casimirs Himmelfahrt'', 1911) 등이 작곡했다. 프랑스에서는 독일어권보다 벌레스크 언급이 덜 일반적이었지만, 그레트리는 "드라메 벌레스크"(''Matroco'', 1777)를 작곡했다.[19] 스트라빈스키는 1916년 1막 실내 오페라 발레인 레나드(The Fox)를 Histoire burlesque chantée et jouée|이스트와르 뷔를레스크 샹테 에 주에프랑스어(불레스크 이야기, 노래하고 연주함)라고 불렀고, 1911년 발레 페트루슈카는 "4개의 장면으로 구성된 벌레스크"라고 칭했다. 후기 예시로는 에른스트 크레네크가 1927년에 작곡한 벌레스크 오페레타 슈베어게비히트(''Schwergewicht'', Heavyweight)가 있다.

일부 관현악 및 실내악 작품도 벌레스크로 지정되었다. 초기 예로는 텔레만의 서곡 모음곡 ''돈 키호테의 벌레스크'' TWV 55와 레오폴트 모차르트의 신포니아 불레스크 (1760)가 있다. 자주 연주되는 또 다른 곡은 리하르트 슈트라우스가 1890년에 작곡한 피아노와 오케스트라를 위한 벌레스크이다.[16] 다른 예는 다음과 같다.

연도작곡가작품명편성
1901막스 레거여섯 개의 벌레스크, Op. 58피아노 연탄
1904벨러 버르토크스케르초 벌레스크, Op. 2피아노와 오케스트라
1911벨러 버르토크세 개의 벌레스크, Op. 8c피아노
1920아놀드 박스벌레스크피아노
1931플로랑 슈미트론도 벌레스크, Op. 78오케스트라
1932올리비에 메시앙환상 벌레스크피아노
1956베르톨트 후멜벌레스크, Op. 13g피아노와 실내 오케스트라
1982베르톨트 후멜벌레스크, Op. 76b목관 5중주



벌레스크는 종종 춤 리듬을 포함하는 기악 작품의 특정 악장을 설명하는 데 사용되기도 한다. 예를 들어 바흐의 건반을 위한 파르티타 3번 (BWV 827)의 '벌레스카'(Burlesca) 악장, 말러의 교향곡 9번의 3악장 '론도-벌레스크'(Rondo-Burleske), 그리고 쇼스타코비치의 바이올린 협주곡 1번의 4악장 '벌레스크'(Burlesque)가 있다.[20]

3. 2. 재즈

벌레스크는 클래식 음악뿐만 아니라 래그타임과 같은 초기 재즈 음악에서도 찾아볼 수 있다. 대표적인 예로 조지 L. 콥의 러시안 래그는 라흐마니노프의 유명한 전주곡 다단조를 패러디한 곡이다. 또한 해리 L. 앨포드의 Lucy's Sextette는 도니체티의 오페라 람메르무어의 루치아에 나오는 유명한 여섯 중창 Chi mi frena in tal momento?ita를 익살스럽게 변형한 곡이다.[21]

4. 빅토리아 시대 연극 벌레스크

빅토리아 시대 벌레스크는 19세기 중후반(1830년대~1890년대) 런던 극장에서 크게 유행했던 연극 장르이다.[59] 때로는 "트래버스티"(travesty)나 "익스트라바간자"(extravaganza)로 불리기도 했다.[59] 주로 잘 알려진 오페라, 연극, 발레 작품을 음악 극 패러디 형식으로 각색하여, 원작의 형식과 내용을 조롱하고 비틀면서 웃음을 유발했다.[23][60]

이 장르의 가장 두드러진 특징 중 하나는 매력적인 여성 배우들이 남성 역할을 맡는 브리치 역할을 연기하며 타이츠를 입고 각선미를 드러내는 것이었다.[64][24] 이는 당시 사회적 규범에 비추어 볼 때 상당히 파격적인 요소였으나, 연극 자체가 노골적으로 외설적인 경우는 드물었다고 평가된다.[64][24] 벌레스크는 1890년대 초 에드워드 시대 뮤지컬 코미디가 부상하면서 점차 유행이 지나갔다.[31][69]

4. 1. 영국 벌레스크의 발전

플로렌스 세인트 존이 ''카르멘 업 투 데이트''에서 공연하는 모습


빅토리아 시대 벌레스크는 "트래버스티"(travesty) 또는 "익스트라바간자"(extravaganza)라고도 불리며[59], 1830년대부터 1890년대까지 런던 극장에서 인기를 끈 장르이다. 이는 잘 알려진 오페라, 연극, 발레 등을 음악극 패러디 형식으로 각색한 것으로, 원작의 극적, 음악적 관습과 형식을 조롱하고 원작의 텍스트나 음악을 인용하거나 파스티슈했다. 표현은 종종 외설적인 스타일을 띠기도 했다. 코미디는 주로 고전적인 주제를 다루면서도 배우들이 현대적인 행동을 하는 부조화와 부조리함에서 비롯되었으며, 역사적 고증에 맞는 의상과 설정 속에서 이러한 현대적 요소가 병치되기도 했다.

마담 베스트리스는 1831년 올림픽 극장을 열고 J. R. 플랜셰의 ''올림픽 레블스''(Olympic Revelseng)를 시작으로 여러 벌레스크 작품을 제작하며 이 장르의 발전에 기여했다.[23][60] 다른 주요 벌레스크 작가로는 H. J. 바이런, G. R. 심스, F. C. 번앤드, W. S. 길버트, 프레드 레슬리 등이 있다.[29][61] 런던 벌레스크의 스타 배우로는 마담 베스트리스 외에 리디아 톰슨 등이 유명했다.[62][63]

빅토리아 시대 벌레스크는 영국의 전통 판토마임과 연관이 있으며, "개그와 '턴'(turn)이 추가된"[24][64] 형태로 발전하기도 했다. 초기에는 발라드 오페라처럼 대중적인 곡에 가사를 붙여 사용했으나[25], 점차 오페라, 오페레타, 뮤직 홀, 레뷰 등 다양한 장르의 음악을 혼합했으며, 때로는 공연을 위해 특별히 작곡된 음악이 사용되기도 했다. 이러한 영국식 벌레스크는 1840년대 뉴욕에도 소개되어 성공을 거두었다.[26][65]

''파우스트 업 투 데이트''의 악보


''루이 블라스와 블레이즈 루에''의 프로그램


벌레스크에서 가장 자주 다룬 소재는 셰익스피어의 희곡이나 그랜드 오페라였다.[27][66][28] 대화는 주로 운문으로 작성되었고, 말장난이 두드러지게 사용되었다.[24][64] 예를 들어 ''맥베스''를 패러디한 작품에서는 맥베스와 뱅코가 우산을 쓰고 등장하면 마녀들이 "만세! 만세! 만세!"(Hail! hail! hail!eng)라고 외치고, 맥베스가 "이 인사는 무슨 뜻인가, 고귀한 테인?"이라고 묻자 "이 '만세'(Hail)의 소나기는 당신의 '통치'(reign)를 예고하는 것입니다."(These showers of 'Hail' anticipate your 'reign'eng)[67][68] 와 같이 답하는 식이었다. 벌레스크의 중요한 시각적 특징 중 하나는 매력적인 여성 배우들이 브리치 역할(남장 역할)을 맡아 타이츠를 입고 다리를 드러내는 것이었지만, 극 자체가 저속할 정도로 외설적인 경우는 드물었다.[24][64]

1860년대부터 1890년대 초까지 벌레스크는 가이티 극장과 로열 스트랜드 극장 같은 특정 런던 극장의 주요 공연 장르가 되었다. 1870년대에는 벌레스크가 한 시간 미만의 짧은 단막극 형태로 공연되는 경우가 많았고, 대중가요나 오페라 아리아 등 관객이 쉽게 알 수 있는 곡들을 파스티슈하거나 패러디했다. 이 시기 주요 배우로는 넬리 패런, 존 도반, 에드워드 테리, 프레드 레슬리 등이 있었다.[29][61][30] 1880년대에 접어들면서 빅토리아 시대 벌레스크는 점차 공연 시간이 길어져, 단막극이 아닌 저녁 시간 전체를 채우는 형태의 공연이 되었다.[29][61] 그러나 1890년대 초, 이러한 형태의 벌레스크는 런던에서 유행이 지났고, 가이티 극장을 비롯한 주요 극장들은 새롭고 더 건전하지만 문학성은 다소 떨어지는 장르인 에드워드 시대 뮤지컬 코미디로 초점을 옮기게 되었다.[31][69]

5. 미국 벌레스크

미국 벌레스크 쇼는 19세기 중반 빅토리아 시대 영국 벌레스크가 뉴욕에 소개되면서 시작되었다. 특히 1868년 영국 배우 리디아 톰슨과 그녀의 극단 British Blondes|영국 금발 여성들eng의 방문은 미국 내 벌레스크 대중화에 크게 기여했다.[32][70] 이후 미국 벌레스크는 당시 유행하던 민스트럴 쇼의 형식과 유머를 받아들이며 점차 독자적인 형태로 발전해 나갔다.[33][71]

초기 미국 벌레스크는 노래, 코미디 스케치, 다양한 볼거리(올리오), 합창 등으로 구성되었으나, 시간이 흐르면서 점차 여성의 신체를 강조하는 스트립티즈 요소가 강해졌다.[34][72] 20세기 초에는 보드빌과 경쟁하는 주요 대중 오락으로 자리 잡았으며, 전국적인 공연 서킷과 민스키스와 같은 유명 극장들이 등장했다.[33][71]

그러나 자유로운 분위기와 함께 술 판매가 성행했던 벌레스크는 금주법 시행으로 큰 타격을 입었다.[35][74] 특히 뉴욕에서는 피오렐로 H. 라과디아 시장의 강력한 단속으로 1940년대 초 사실상 자취를 감추게 되었다.[40][75] 이후 다른 지역에서 명맥을 유지했지만 점차 쇠퇴하였고, 1970년대에는 대중의 관심에서 멀어졌다.[36][76]

최근 수십 년 동안 미국과 유럽에서는 고전 벌레스크에 대한 향수와 현대적 재해석이 결합된 네오-벌레스크가 등장하며 부활의 움직임을 보이고 있다.[40][75][80]

5. 1. 미국 벌레스크의 특징

1898년, 미국의 벌레스크 극단 광고


미국 벌레스크 쇼는 본래 빅토리아 시대 영국 벌레스크의 한 갈래였다. 1840년대부터 영국식 벌레스크가 뉴욕에서 성공적으로 공연되었고, 1868년 영국의 벌레스크 극단 배우 리디아 톰슨과 "British Blondeseng"의 방문 이후 큰 인기를 얻었다.[32][70]

뉴욕의 벌레스크 쇼는 곧 당시 인기를 끌던 민스트럴 쇼의 요소와 구성을 받아들였다. 쇼는 보통 세 부분으로 구성되었다.[33][71]

# 저급 코미디언들의 노래와 외설적이거나 우스꽝스러운 코믹 스케치

# 곡예사, 마술사, 솔로 가수 등이 등장하는 다양한 공연 순서(올리오)와 남성 공연

# 합창단 공연, 때로는 정치나 당시 유행하던 연극을 풍자하는 영국식 벌레스크

공연의 마무리는 주로 이국적인 댄서의 춤이나 레슬링 또는 권투 경기가 장식했다.[33][71] 이러한 공연은 음악당이나 극장뿐만 아니라 클럽과 카바레에서도 열렸다. 20세기 초에는 보드빌과 경쟁하는 두 개의 전국적인 벌레스크 쇼 서킷이 있었으며, 민스키스와 같은 뉴욕의 상설 극단도 인기를 끌었다.[33][71] 여성의 누드에 대한 관심이 높아지면서 미국식 벌레스크의 인기는 절정에 달했다. 동양풍 의상을 입고 에로틱한 춤을 추는 "coocheng" 댄서가 등장한 것도 이 시기이다.[71]

벌레스크 스타 집시 로즈 리


전통적인 벌레스크에서 스트립티즈 중심으로 내용이 점차 바뀌어 갔다. 초기에는 수브레트들이 노래하고 춤추며 몸매를 과시했다. 춤 실력이 부족한 배우들은 대신 화려하고 정교한 무대 의상으로 관객의 시선을 사로잡았다.[34][72] 시간이 흐르면서 노래하고 춤추는 수브레트 대신 스트리퍼들이 쇼의 중심이 되었다. 1932년 미국에는 최소 150명 이상의 스트립 공연자가 활동했다.[34][72]

샐리 랜드, 집시 로즈 리, 템페스트 스톰, 릴리 세인트 시르, 블레이즈 스타, 앤 코리오, 마지 하트 등은 유명한 스타 스트리퍼였다. 마지 하트는 로렌즈 하트와 콜 포터의 노래 가사에 언급될 정도로 유명세를 탔다.[34][72] 1930년대 후반에는 최대 6명의 스트리퍼와 1~2명의 코미디언, 그리고 사회자 1명이 쇼를 이끄는 형식이 일반적이었다. 패니 브라이스, 메이 웨스트, 에디 캔터, 애보트 앤 코스텔로, W. C. 필즈, 재키 글리슨, 대니 토마스, 알 졸슨, 버트 라, 필 실버스, 시드 시저, 대니 케이, 레드 스켈턴, 소피 터커 등 많은 유명 코미디언들이 경력 초기에 벌레스크 쇼 무대에 서기도 했다.[34][72]

벌레스크 업소의 자유로운 분위기는 술을 자유롭게 마실 수 있었던 덕분이기도 했는데, 금주법 시행은 벌레스크에 큰 타격을 주었다.[35][74] 뉴욕에서는 피오렐로 H. 라과디아 시장이 벌레스크를 강력하게 단속하여 1940년대 초에는 사실상 뉴욕에서 벌레스크 사업이 자취를 감추게 되었다.[40][75] 다른 지역에서는 명맥을 유지했지만 점점 더 사람들의 관심에서 멀어졌고, 1970년대 극장에서 누드 공연이 흔해지면서 결국 쇠퇴기를 맞았다.[36][76] 미국 벌레스크의 쇠퇴기와 그 이후를 다룬 영화로는 ''레이디 오브 벌레스크'' (1943),[37][77] ''스트리포라마'' (1953),[38][78] ''그들이 민스키스를 습격한 날'' (1968)[39][79] 등이 있다.

5. 2. 미국 벌레스크의 쇠퇴와 부활

벌레스크 업소의 자유로운 분위기는 술의 자유로운 공급에 힘입은 바가 컸으나, 금주법 시행은 벌레스크에 심각한 타격을 주었다.[35][74] 특히 뉴욕에서는 피오렐로 H. 라과디아 시장이 벌레스크를 강력히 단속하여 1940년대 초까지 사실상 사업을 중단시켰다.[40][75] 미국의 다른 지역에서는 명맥을 유지했지만 점차 대중의 관심에서 멀어졌고, 극장에서 누드 공연이 흔해진 1970년대에 이르러서는 쇠퇴하여 "마지막 초라한 종말"을 맞이했다.[36][76] 이 시기 미국 벌레스크를 다룬 영화로는 ''레이디 오브 벌레스크'' (1943),[37][77] ''스트리포라마'' (1953),[38][78] 그리고 ''그들이 민스키스를 습격한 날'' (1968) 등이 있다.[39][79]

"스테이지 도어 자니", 벌레스크 명예의 전당, 라스베이거스, 2011


미셸 라무르, 2005년 미스 이그조틱 월드


그러나 1990년대 이후 미국과 유럽을 중심으로 벌레스크는 네오 벌레스크라는 이름으로 부활하기 시작했다.[40][75][80] 이는 고전 미국 벌레스크가 보여주었던 화려함과 매력에 대한 향수를 바탕으로 새로운 세대의 관심을 끌었다. 1990년대 초 빌리 매들리의 "시네마", 뉴욕시의 "더 벨벳 해머" 극단, 뉴올리언스의 "더치 와이즈만스 폴리스" 등이 컬트적인 인기를 얻으며 네오-벌레스크 부활에 기여했다.[40][80] 2012년에는 리벨 아틀란틱 시티에 이반 케인의 로열 젤리 벌레스크 나이트클럽이 문을 열기도 했다.[42][81]

주목할 만한 네오-벌레스크 공연자로는 디타 본 티즈와 줄리 아틀라스 뮤즈 등이 있으며,[40][81] 카바레 레드 라이트와 같은 아지트프로프 단체는 정치 풍자나 공연 예술 요소를 벌레스크 쇼에 접목시키기도 한다.[40][81] 밴쿠버 국제 벌레스크 축제나 미스 이그조틱 월드 페이지와 같은 연례 행사도 개최되어 네오-벌레스크의 명맥을 이어가고 있다.[43][82]

6. 일본의 벌레스크

일본에서는 제2차 세계 대전 이전에 도쿄 아사쿠사를 중심으로 경연극, 아사쿠사 오페라 등이 발전하면서 벌레스크가 소개되었다. 배우 에노모토 겐이치 등이 무성 영화에 참여하면서 일본 영화에도 벌레스크 요소가 도입되었다.

전후 일본에서 벌레스크는 주로 누드 댄스를 의미했으며, 초기 스트립 극장에서 주로 공연되었다. 이후 벌레스크의 특징인 치라리즘(살짝 보여주는 방식)이 점차 인기를 잃고, 그랜드 캐바레나 나이트클럽의 쇼, 닛게키 뮤직 홀의 댄서들에게 그 명맥이 이어졌다. 그러나 점차 노골적이고 직접적인 성적 표현이 선호되면서 뮤직 홀이 문을 닫고 그랜드 캐바레가 쇠퇴함에 따라 벌레스크 쇼 역시 쇠퇴의 길을 걷게 되었다.

6. 1. 현대 일본의 벌레스크

과거 일본에서 벌레스크는 주로 누드 댄스를 의미하며 초기의 스트립 극장에서 찾아볼 수 있었다. 이후 그랜드 캐바레, 나이트클럽에서의 쇼나 닛게키 뮤직 홀 등으로 명맥을 이어갔으나, 점차 노골적인 성적 표현이 주류가 되면서 벌레스크 형식의 쇼는 쇠퇴기를 맞았다.

그러나 최근에는 누드를 포함하지 않는 쇼 댄스 형태로 벌레스크가 다시 주목받고 있다. 대표적인 예로 2011년 도쿄 미나토구에 개관한 벌레스크 도쿄를 들 수 있다.[84] 이곳은 누드 요소를 배제한 현대적인 쇼 댄스를 선보이며, 소속 댄서 중 일부는 그라비아 아이돌로 활동하기도 한다.[85] 2021년 개점 10주년 당시에는 소속 댄서 및 그룹의 SNS 총 팔로워 수가 3,548만 명에 달한다고 발표될 정도로 대중적 인기를 얻고 있다.[86]

이 외에도 일본에서는 에로티카 뱀부, 미스 캐발레타, 미와 록, 아쿠아 돌체 등 다양한 벌레스크 댄서들과 그룹 자무라사키 베이비돌 등이 활동하며 현대 일본 벌레스크의 명맥을 잇고 있다.

7. 한국의 벌레스크

한국에서는 일제강점기에 일본을 통해 벌레스크가 처음 들어왔다. 초기에는 주로 연극의 한 형태로 공연되었다.

광복 이후, 특히 1960년대와 1970년대에는 쇼 공연의 한 부분으로 벌레스크가 인기를 끌었다. 이 시기 벌레스크는 주로 여성 무용수들이 화려한 의상을 입고 춤을 추는 형태로 나타났다.

그러나 1980년대 이후 한국 사회가 급격하게 변화하면서 벌레스크는 점차 대중의 관심에서 멀어졌다.

최근에는 새로운 형식의 벌레스크 공연이 시도되면서 다시 주목받을 가능성을 보이고 있다.

8. 비판적 시각

벌레스크는 공연의 특성상 여성을 성적으로 대상화하거나 상품화한다는 비판을 받기도 한다. 특히 미국에서는 벌레스크가 점차 스트립티즈 중심으로 변화하면서 이러한 비판이 더욱 두드러졌는데[34], 이는 선정성 논란으로 이어지기도 했다.

8. 1. 젠더 관점에서의 비판

(내용 없음 - 주어진 원본 소스에는 해당 섹션 제목과 요약에 부합하는 내용이 포함되어 있지 않습니다.)

8. 2. 사회문화적 맥락에서의 비판

미국 벌레스크는 초기에 민스트럴 쇼의 형식과 내용을 받아들였는데[33], 민스트럴 쇼가 인종 차별적인 고정관념을 강화했다는 비판을 받는다는 점에서 벌레스크 역시 이러한 문제로부터 자유롭지 못하다는 지적이 있다. 또한, 저급한 코미디나 외설적인 내용을 담은 코믹 스케치가 포함되었고[33], 점차 스트립티즈 중심으로 공연 내용이 변화하면서[34] 여성의 성적 대상화나 선정성 논란을 불러일으키기도 했다. 이러한 사회적 논란 속에서 뉴욕 시장 피오렐로 H. 라과디아는 벌레스크 공연을 강력하게 단속하여 1940년대 초에는 뉴욕에서 벌레스크 산업이 거의 사라지게 만들었다.[40] 이는 당시 벌레스크가 가진 표현 방식이나 내용이 사회적으로 비판받거나 용인되기 어려운 측면이 있었음을 보여주는 사례이다.

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