이탈리아의 미술
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1. 개요
이탈리아의 미술은 고대 미술부터 현대 미술까지 다양한 시기를 아우르며 발전해 왔다. 에트루리아 미술과 로마 미술은 이탈리아 반도 미술의 초기 형태를 보여주며, 로마 미술은 실용적이고 기념비적인 성격을 띠었다. 중세 시대에는 비잔틴 미술의 영향을 받아 건축 장식과 종교화가 주를 이루었고, 13세기에는 고딕 양식이 유입되었다. 14세기에는 조토 디 본도네를 중심으로 트레첸토 시대로 불리는 원시 르네상스가 시작되었다.
르네상스 시대에는 마사초, 도나텔로, 브루넬레스키 등이 활약하며 고대 그리스-로마 미술을 부활시키고 새로운 예술 양식을 창조했다. 전성기 르네상스 시대에는 레오나르도 다 빈치, 미켈란젤로, 라파엘로 등 거장들이 등장하여 미술의 황금기를 이끌었다. 이후 매너리즘, 바로크, 로코코 시대를 거치며 다양한 양식이 나타났고, 19세기에는 신고전주의, 낭만주의, 마키아이올리, 베리스모 등의 유파가 등장했다. 20세기에는 미래주의, 형이상 회화, 노베첸토 운동, 공간주의, 아르테 포베라, 트랜스아방가르드 등 다양한 현대 미술 운동이 전개되었다. 2017년 이탈리아 문화재 및 경관법 개정을 통해 예술 작품의 공공 및 문화적 가치에 대한 법적 정의가 이루어졌다.
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| 이탈리아의 미술 | |
|---|---|
| 지도 | |
| 개요 | |
| 정의 | 이탈리아의 미술 |
| 로마자 표기 | Italia Misul |
| 주요 시기 | 로마 미술 중세 미술 르네상스 미술 바로크 미술 미래주의 미술 |
| 특징 | 다양한 문화와 역사의 영향을 받아 독특하고 풍부한 예술적 전통을 형성함. |
| 역사 | |
| 고대 로마 미술 | 로마 미술은 그리스 미술의 영향을 받아 발전했으며, 건축, 조각, 회화 등 다양한 분야에서 뛰어난 업적을 남겼다. |
| 중세 미술 | 중세 미술은 비잔틴 미술과 로마네스크 미술, 고딕 미술의 영향을 받아 발전했으며, 종교적인 주제를 다룬 작품들이 많이 제작되었다. |
| 르네상스 미술 | 르네상스 미술은 14세기부터 16세기까지 이탈리아에서 꽃피운 미술 사조로, 인간 중심의 사상과 고대 그리스·로마 문화에 대한 관심이 높아지면서 미술가들은 인체의 아름다움과 자연의 조화를 추구했다. 레오나르도 다 빈치, 미켈란젤로, 라파엘로 등의 거장들이 활동하며 미술의 황금기를 이끌었다. |
| 바로크 미술 | 바로크 미술은 17세기에 등장한 미술 사조로, 웅장하고 화려한 표현과 강렬한 감정 묘사가 특징이다. 카라바조, 베르니니 등의 미술가들이 활동하며 바로크 미술의 발전을 이끌었다. |
| 미래주의 미술 | 미래주의 미술은 20세기에 등장한 미술 사조로, 속도와 역동성, 기술 문명의 발전에 대한 관심을 표현했다. 움베르토 보초니, 자코모 발라 등의 미술가들이 활동하며 미래주의 미술의 발전을 이끌었다. |
| 주요 미술가 | |
| 르네상스 | 레오나르도 다 빈치 미켈란젤로 라파엘로 도나텔로 보티첼리 |
| 바로크 | 카라바조 잔 로렌초 베르니니 아르테미시아 젠틸레스키 |
| 기타 | 조토 디 본도네 두초 디 부오닌세냐 피에로 델라 프란체스카 안드레아 만테냐 티치아노 |
| 주요 미술 작품 | |
| 회화 | 모나리자 - 레오나르도 다 빈치 최후의 만찬 - 레오나르도 다 빈치 아테네 학당 - 라파엘로 천지창조 - 미켈란젤로 봄 - 보티첼리 비너스의 탄생 - 보티첼리 |
| 조각 | 다비드상 - 미켈란젤로 피에타 - 미켈란젤로 성 테레사의 환희 - 잔 로렌초 베르니니 |
| 미술관 및 유적지 | |
| 미술관 | 우피치 미술관 바티칸 미술관 보르게세 미술관 브레라 미술관 |
| 유적지 | 콜로세움 포로 로마노 폼페이 |
| 영향 | |
| 서양 미술 | 이탈리아 미술은 서양 미술 전반에 걸쳐 지대한 영향을 미쳤으며, 특히 르네상스 미술은 서양 미술의 발전에 결정적인 역할을 했다. |
| 건축 | 이탈리아 건축은 고대 로마 건축의 전통을 이어받아 발전했으며, 르네상스 건축과 바로크 건축은 유럽 건축에 큰 영향을 미쳤다. |
| 디자인 | 이탈리아 디자인은 실용성과 아름다움을 동시에 추구하며, 가구, 패션, 자동차 등 다양한 분야에서 세계적인 명성을 얻고 있다. |
| 관련 용어 | |
| 미술 사조 | 르네상스 바로크 미래주의 |
| 미술 기법 | 스푸마토 키아로스쿠로 프레스코 |
2. 고대 미술
에트루리아 미술은 로마가 이탈리아 반도에 제국을 건설하기 시작할 무렵 쇠퇴한, 활기찬 중부 이탈리아 전통의 사례를 보여준다. 현대까지 살아남은 에트루리아 회화는 대부분 무덤에서 발견된 벽 프레스코화이며, 주로 타르퀴니아에서 발견된다. 이는 학자들에게 알려진 이탈리아의 로마 이전 구상 미술의 가장 중요한 사례이다.
프레스코화는 신선한 석고 위에 그림을 그리는 방식으로, 석고가 마르면 그림이 석고의 일부가 되어 벽의 필수적인 부분이 되므로 보존에 도움이 된다. 색상은 분쇄되어 매체에 섞인 다양한 색상의 돌과 광물로 만들어졌으며, 가는 붓은 동물의 털로 만들어졌다. 기원전 4세기 중반부터 명암법이 깊이와 부피를 묘사하는 데 사용되기 시작했다. 때때로 일상생활의 장면이 묘사되지만, 더 흔하게는 전통적인 신화적 장면이 묘사된다. 비례의 개념은 살아남은 프레스코화에서 나타나지 않으며, 종종 신체 일부가 비율에 맞지 않는 동물이나 사람의 묘사를 발견한다. 가장 잘 알려진 에트루리아 프레스코화 중 하나는 타르퀴니아의 암사자 무덤의 프레스코화이다.
로마 미술은 에트루리아 미술과 그리스 미술의 영향을 받아 발전했으며, 실용적이고 기념비적인 성격이 강하다.[3] 특히 로마의 신전과 주택은 에트루리아의 모델을 기반으로 제작되었는데, 연단과 정면에 중점을 둔 점 등이 에트루리아의 영향 요소였다.[3] 대형 에트루리아 가옥은 중앙 홀을 중심으로 그룹을 이루었는데, 이는 나중에 ''아트리움'' 주변에 지어지는 로마 마을의 건축 양식에 영향을 주었다. 공화정 시대에는 그리스 건축 이론과 예시가 지배적이었으며, 제국의 확산과 함께 로마 건축은 넓은 지역으로 퍼져 공공 건물과 일부 대형 개인 건물에 사용되었다.[3]
서기 1세기 경 로마는 세계에서 가장 크고 발전된 도시였으며, 고대 로마인들은 도시의 위생 시스템, 도로, 건물을 개선하기 위해 새로운 기술을 개발했다.[3] 그들은 담수를 도시로 공급하는 수도 시스템과 도시의 폐기물을 제거하는 하수도를 건설했다.[3] 로마인들은 새로운 기술과 재료를 사용하여 시멘트를 더 단단하고 강하게 만들었으며, 이 콘크리트를 사용하여 ''인술라''라고 불리는 대형 아파트 건물을 지었다.[3]
벽화는 부유한 사람들의 집을 장식했으며, 정원 풍경, 그리스와 로마 신화의 사건, 역사적인 장면, 일상 생활의 장면 등을 보여주었다.[3] 로마인들은 모자이크로 바닥을 장식했는데, 화려한 그림과 모자이크는 로마 가옥의 방을 더 크고 밝게 보이게 하고 소유자의 부를 과시하는 데 도움이 되었다.[3]
제국 말기 기독교 시대(서기 350년~500년)에는 벽화, 모자이크 천장과 바닥 작업, 장례 조각이 번성했지만, 원형의 전신 조각과 패널 페인팅은 종교적인 이유로 사라졌다.[4] 콘스탄티누스가 제국의 수도를 콘스탄티노폴리스로 옮기자 로마 미술은 동방의 영향을 받아 비잔틴 양식을 만들어냈다.[5] 성 소피아 대성당은 유스티니아누스 1세 황제 시대의 마지막 로마 미술의 절정을 보여주며, 황제는 라벤나의 유명한 모자이크를 제작하도록 명령했다.[5]
2. 1. 에트루리아 미술
에트루리아 청동 조각상과 테라코타 장례 부조는 로마가 반도에 제국을 건설하기 시작할 무렵 쇠퇴한 활기찬 중부 이탈리아 전통의 사례를 포함한다. 현대에까지 살아남은 에트루리아 회화는 대부분 무덤에서 발견된 벽 프레스코화이며, 주로 타르퀴니아에서 발견된다. 이는 학자들에게 알려진 이탈리아의 로마 이전의 구상 미술의 가장 중요한 사례이다.프레스코화는 신선한 석고 위에 그림을 그리는 것으로 구성되어 있어 석고가 마르면 그림이 석고의 일부가 되어 벽의 필수적인 부분이 되므로 보존에 도움이 된다. 색상은 분쇄되어 매체에 섞인 다양한 색상의 돌과 광물로 만들어졌으며, 가는 붓은 동물의 털로 만들어졌다. 기원전 4세기 중반부터 명암법이 깊이와 부피를 묘사하는 데 사용되기 시작했다. 때때로 일상생활의 장면이 묘사되지만, 더 흔하게는 전통적인 신화적 장면이 묘사된다. 비례의 개념은 살아남은 프레스코화에서 나타나지 않으며, 우리는 종종 신체 일부가 비율에 맞지 않는 동물이나 사람의 묘사를 발견한다. 가장 잘 알려진 에트루리아 프레스코화 중 하나는 타르퀴니아의 암사자 무덤의 프레스코화이다.
2. 2. 로마 미술
로마 미술은 에트루리아 미술과 그리스 미술의 영향을 받아 발전했으며, 실용적이고 기념비적인 성격이 강하다.[3] 특히 로마의 신전과 주택은 에트루리아의 모델을 기반으로 제작되었는데, 연단과 정면에 중점을 둔 점 등이 에트루리아의 영향 요소였다.[3] 대형 에트루리아 가옥은 중앙 홀을 중심으로 그룹을 이루었는데, 이는 나중에 ''아트리움'' 주변에 지어지는 로마 마을의 건축 양식에 영향을 주었다. 공화정 시대에는 그리스 건축 이론과 예시가 지배적이었으며, 제국의 확산과 함께 로마 건축은 넓은 지역으로 퍼져 공공 건물과 일부 대형 개인 건물에 사용되었다.[3]서기 1세기 경 로마는 세계에서 가장 크고 발전된 도시였으며, 고대 로마인들은 도시의 위생 시스템, 도로, 건물을 개선하기 위해 새로운 기술을 개발했다.[3] 그들은 담수를 도시로 공급하는 수도 시스템과 도시의 폐기물을 제거하는 하수도를 건설했다.[3] 로마인들은 새로운 기술과 재료를 사용하여 시멘트를 더 단단하고 강하게 만들었으며, 이 콘크리트를 사용하여 ''인술라''라고 불리는 대형 아파트 건물을 지었다.[3]
벽화는 부유한 사람들의 집을 장식했으며, 정원 풍경, 그리스와 로마 신화의 사건, 역사적인 장면, 일상 생활의 장면 등을 보여주었다.[3] 로마인들은 모자이크로 바닥을 장식했는데, 화려한 그림과 모자이크는 로마 가옥의 방을 더 크고 밝게 보이게 하고 소유자의 부를 과시하는 데 도움이 되었다.[3]
제국 말기 기독교 시대(서기 350년~500년)에는 벽화, 모자이크 천장과 바닥 작업, 장례 조각이 번성했지만, 원형의 전신 조각과 패널 페인팅은 종교적인 이유로 사라졌다.[4] 콘스탄티누스가 제국의 수도를 콘스탄티노폴리스로 옮기자 로마 미술은 동방의 영향을 받아 비잔틴 양식을 만들어냈다.[5] 성 소피아 대성당은 유스티니아누스 1세 황제 시대의 마지막 로마 미술의 절정을 보여주며, 황제는 라벤나의 유명한 모자이크를 제작하도록 명령했다.[5]
3. 중세 미술
중세 시대 전반에 걸쳐 이탈리아 미술은 주로 건축 장식(프레스코화와 모자이크)으로 이루어졌다. 이탈리아의 비잔틴 미술은 표준화된 서체와 훌륭한 색상 및 금 사용이 특징인 매우 형식적이고 세련된 장식이었다. 13세기까지 이탈리아 미술은 거의 전적으로 지역적이었으며, 유럽과 동방의 외부적인 흐름에 영향을 받았다. 1250년경 이후, 여러 지역의 미술은 공통적인 특징을 발전시켜 상당한 통일성과 뛰어난 독창성을 보여주었다.
=== 이탈리아-비잔틴 미술 ===
서로마 제국 멸망 이후, 콘스탄티노폴리스의 지도 아래 로마 제국은 1000년 동안 더 지속되었다.[6] 비잔틴 장인들은 이탈리아 전역의 중요한 프로젝트에 활용되었으며, 14세기까지 이탈리아-비잔틴 미술이라고 불리는 화풍을 찾아볼 수 있다. 이탈리아-비잔틴 양식은 처음에는 표준 비잔틴 성상 양식을 모방하거나 복제한 종교화를 다루었지만, 비잔틴 기법을 훈련받지 않은 화가들이 그렸다. 이들은 비잔틴 성상의 변형으로, 대부분 성모자와 아기 예수를 다루었으며, 다른 주제도 포함되었다. 본질적으로 이들은 프레임이 있는 비교적 작은 휴대용 그림을 서유럽에 도입했다. 매우 자주 금색 배경을 사용했다. 이 화풍은 13세기 말까지 이탈리아 회화에서 지배적인 양식이었으며, 치마부에와 조토가 이탈리아, 적어도 피렌체 회화를 새로운 영역으로 이끌기 시작했다. 그러나 이 양식은 15세기까지, 그리고 일부 지역과 맥락에서는 그 이후에도 지속되었다.[7]
=== 두첸토 (13세기) ===
두첸토는 13세기의 문화를 나타내는 이탈리아 용어이다. 이 시기에는 북유럽에서 시작된 고딕 건축이 이탈리아 남부로 퍼져나갔다. 도미니코회와 프란체스코회의 수도사들은 각각 성 도미니코와 성 프란체스코에 의해 창설되었으며, 이 시기에 인기를 얻고 자금 지원을 받아, 주로 고딕 양식의 저렴하고 덜 장식적인 버전을 사용하여 대규모 건축 프로그램을 시작했다. 대규모 프레스코 벽화는 저렴했으며 신도들을 교육하는 데 사용될 수 있었다. 아시시의 성 프란체스코 대성당은 언덕 위에 있는 서로 위에 있는 두 개의 대형 교회로, 1228년에 시작되어 치마부에, 조토, 시모네 마르티니, 피에트로 로렌체티와 아마도 피에트로 카발리니가 프레스코를 그렸으며, 이들은 이 시대를 대표하는 화가들이다. 
=== 트레첸토 (14세기) ===
트레첸토는 14세기 이탈리아 문화를 지칭하는 용어로, 이탈리아 르네상스의 시작 또는 원시 르네상스 시기로 여겨진다.[21] 조토 디 본도네는 이 시기 대표적인 화가로, 이전의 비잔틴 양식에서 벗어나 사실적이고 생동감 넘치는 인물 표현을 시도했다. 시에나 학파의 화가들인 두초 디 부오닌세냐, 시모네 마르티니, 리포 멤미, 암브로조 로렌체티, 피에트로 로렌체티 형제도 이 시기에 활동하며 독자적인 화풍을 발전시켰다.[21] 조반니 피사노의 제자인 아르놀포 디 캄비오와 티노 디 카마이노, 그리고 보니노 다 캄피오네 등이 이 시대의 중요한 조각가들이다.[21]
3. 1. 이탈리아-비잔틴 미술
서로마 제국 멸망 이후, 콘스탄티노폴리스의 지도 아래 로마 제국은 1000년 동안 더 지속되었다.[6] 비잔틴 장인들은 이탈리아 전역의 중요한 프로젝트에 활용되었으며, 14세기까지 이탈리아-비잔틴 미술이라고 불리는 화풍을 찾아볼 수 있다. 이탈리아-비잔틴 양식은 처음에는 표준 비잔틴 성상 양식을 모방하거나 복제한 종교화를 다루었지만, 비잔틴 기법을 훈련받지 않은 화가들이 그렸다. 이들은 비잔틴 성상의 변형으로, 대부분 성모자와 아기 예수를 다루었으며, 다른 주제도 포함되었다. 본질적으로 이들은 프레임이 있는 비교적 작은 휴대용 그림을 서유럽에 도입했다. 매우 자주 금색 배경을 사용했다. 이 화풍은 13세기 말까지 이탈리아 회화에서 지배적인 양식이었으며, 치마부에와 조토가 이탈리아, 적어도 피렌체 회화를 새로운 영역으로 이끌기 시작했다. 그러나 이 양식은 15세기까지, 그리고 일부 지역과 맥락에서는 그 이후에도 지속되었다.[7]3. 2. 두첸토 (13세기)
두첸토는 13세기의 문화를 나타내는 이탈리아 용어이다. 이 시기에는 북유럽에서 시작된 고딕 건축이 이탈리아 남부로 퍼져나갔다. 도미니코회와 프란체스코회의 수도사들은 각각 성 도미니코와 성 프란체스코에 의해 창설되었으며, 이 시기에 인기를 얻고 자금 지원을 받아, 주로 고딕 양식의 저렴하고 덜 장식적인 버전을 사용하여 대규모 건축 프로그램을 시작했다. 대규모 프레스코 벽화는 저렴했으며 신도들을 교육하는 데 사용될 수 있었다. 아시시의 성 프란체스코 대성당은 언덕 위에 있는 서로 위에 있는 두 개의 대형 교회로, 1228년에 시작되어 치마부에, 조토, 시모네 마르티니, 피에트로 로렌체티와 아마도 피에트로 카발리니가 프레스코를 그렸으며, 이들은 이 시대를 대표하는 화가들이다.3. 3. 트레첸토 (14세기)
트레첸토는 14세기 이탈리아 문화를 지칭하는 용어로, 이탈리아 르네상스의 시작 또는 원시 르네상스 시기로 여겨진다.[21] 조토 디 본도네는 이 시기 대표적인 화가로, 이전의 비잔틴 양식에서 벗어나 사실적이고 생동감 넘치는 인물 표현을 시도했다. 시에나 학파의 화가들인 두초 디 부오닌세냐, 시모네 마르티니, 리포 멤미, 암브로조 로렌체티, 피에트로 로렌체티 형제도 이 시기에 활동하며 독자적인 화풍을 발전시켰다.[21] 조반니 피사노의 제자인 아르놀포 디 캄비오와 티노 디 카마이노, 그리고 보니노 다 캄피오네 등이 이 시대의 중요한 조각가들이다.[21]4. 르네상스 미술
마사초는 카르멜회 산타 마리아 델 카르미네 교회의 브란카치 예배당에 프레스코화를 그려, 많은 르네상스 화가들의 수업 장소가 되었다. 마사초는 이 프레스코화를 통하여 필리포 브루넬레스키의 선 원근법 체계를 활용, 성서 속 장면을 사실적으로 묘사하였다.
도나텔로는 조각에서 인체의 존엄성을 사실적이고 극적인 세부 묘사로 표현하려 했다. 1430년대에 완성된 그의 작품 다비드 상은 골리앗을 죽인 직후의 우아한 청년의 모습을 누드로 표현했는데, 이는 고대 고전 시대 이후 서양 미술에서 제작된 최초의 대형 독립 누드상이었다.
필리포 브루넬레스키는 고대 로마 건축 양식을 부활시킨 최초의 르네상스 건축가로, 아치, 기둥 등 고전 건축 요소를 자신의 디자인에 사용했다. 1442년에 시작되어 1465년경에 완성된 파치 예배당은 새로운 르네상스 양식으로 설계된 최초의 건물 중 하나였다. 브루넬레스키는 또한 선 원근법을 마스터한 최초의 르네상스 예술가였다.
한편, 북이탈리아의 파도바와 베로나는 베네치아에 정복당했지만, 초기에는 오히려 이 두 도시가 신문화와 연결되어 능동적이었다. 젠틸레 다 파브리아노는 국제적인 고딕 양식을 베네치아에 가져왔고, 우아한 성모자, 공상적인 의상, 우화동물 등 장식 문양적인 표현이 북이탈리아에 퍼졌다. 그러나 마솔리노와 같은 화가들이 베네치아에 체재하여 신경향의 양식도 전했다. 필리포 리피, 우첼로, 카스타뇨 등 피렌체의 화가들은 북이탈리아에서 활동했으며, 특히 조토가 파도바의 아레나 예배당에 프레스코화를 그렸고(1306), 도나텔로가 그곳에 10년간(1443∼53) 체재하여 산토의 주제단(主祭壇)과 ⟪가타멜라타 장군 기마상(騎馬像)⟫을 제작한 일은 만테냐에게 큰 자극이 되었다. 조토 디 본도네는 로마 제국 멸망 이후 처음으로 자연을 사실적으로 묘사한 예술가였다.
전성기 르네상스는 15세기 말부터 16세기 초까지 이어졌으며, 레오나르도 다 빈치, 미켈란젤로, 라파엘로 세 거장이 이 시대를 주도했다.[8]
레오나르도 다 빈치는 벽화 ''최후의 만찬''과 초상화 ''모나리자'' 등 르네상스 미술의 대표작을 남겼다.[8] 그는 4,000페이지가 넘는 노트에 그림과 관찰 내용을 기록하고, 인체 골격과 근육을 세밀하게 묘사하는 등 탐구적인 정신을 보여주었다.[8]
미켈란젤로는 조각가, 화가, 건축가, 시인으로 다재다능했으며, 특히 인물 묘사에 뛰어났다.[9] 그의 조각상 ''모세''(1516)는 육체적, 정신적 힘을 보여주며, 시스티나 성당 천장에 그린 프레스코화는 르네상스 미술의 걸작으로 평가받는다.
라파엘로는 미켈란젤로보다 부드러운 윤곽선과 시적인 그림을 그렸으며, 원근법과 섬세한 색상 사용에 능숙했다.[8] 그는 성모 마리아 그림과 초상화를 많이 그렸으며, 프레스코화 ''아테네 학당''에서는 고대 그리스 철학자와 과학자들을 묘사하여 고전 문화와 르네상스 정신의 연결을 시도했다.
도나토 브라만테는 성기 르네상스 건축의 창시자로, 산 피에트로 인 몬토리오의 ''테메토''(1502)를 통해 고전 사원 건축을 연상시키는 중앙 집중식 돔 구조를 선보였다. 그는 교황 율리우스 2세에 의해 교황 건축가로 선택되어 성 베드로 대성전을 새로운 교회로 대체하는 계획을 세웠으나, 그의 사후 오랫동안 완료되지 못했다.
피렌체파는 14세기부터 16세기까지 이탈리아의 피렌체를 중심으로 르네상스 미술의 주류를 이룬 유파이다. 특히 회화에서는 주지적 합리주의(主知的合理主義)·조형적 형태주의(造形的形態主義)가 그 특징으로, 주제에 관련이 있는 것만을 단순화하고 극적으로 묘사하여 고딕과는 다른 형식의 회화를 만들어냈다. 마사초, 브루넬레스키 등의 투시도적 수법과 도나텔로의 조형적 성과를 도입하여 회화적 현실의 표현에 신천지를 개척하였다. 메디치가의 번영에 힘입어 르네상스 회화 발전의 주류가 되었으며, 자연주의(自然主義)는 1400년대 예술의 주류가 되었다. 보티첼리는 이상주의적 경향을 보여주었으며, 레오나르도 다빈치도 사실주의를 완성하면서부터 주관적 정신내용을 표현하였다. 미켈란젤로는 강인한 인체 표현 속에 인간의 정신적 고뇌를 표현하였는데, 그 초월적 방향으로써 피렌체파의 최종적 단계를 장식하였고, 바로크 양식의 선구자가 되었다.
조르조네는 조반니 벨리니 이래 색채를 구사하여 특이한 화풍을 세운 베네치아파를 한층 더 발전시켰다. 그의 《잠자는 비너스》는 밝은 광채 아래 풍만한 미를 드러내어 놓고, 그리스의 조각가도 미치지 못하는 관능미를 현실화하고 있다.
베네치아파 최고의 화가라고 칭송받는 티치아노는 조르조네의 영향을 크게 받았다. 《우르비노의 비너스》(1538？)는 조르조네의 평온한 정원의 정서를 베네치아 시민의 실내로 바꾸어, 한층 더 화려한 색채의 음악적 표현을 더하고 있다. 항구인 베네치아에서는 비잔티움의 광채육리(光彩陸離)한 모자이크가 애호되었는데, 이 시대에는 북방에서 전래한 유채화법이 베네치아에서 채용되어 회화사상 일대 전기(轉機)를 가져오게 하였다.
1520년 라파엘로 산치오가 전년에 죽은 레오나르도 다 빈치의 뒤를 따라 타계함으로써 성기(盛期) 르네상스라고 하는 짧은 황금시대는 종막을 고한다.[21] 피렌체의 여광(餘光)은 프라 바르톨로메오와 안드레아 델 사르토가 계승했다. 전자의 대표작 《피에타》(1510？)는 정적의 땅거미 속에 연출되는 애수(哀愁)의 무언극이며 경건한 도메니코회 수도화가의 기원이 스며 있다. 후자는 《하르파에스의 성모》(1517)와 《세례자 요한》(1515？) 등의 전아(典雅)하고 우미한 종교화를 제작하여 색채화가로서 알려졌다.
4. 1. 초기 르네상스
마사초는 카르멜회 산타 마리아 델 카르미네 교회의 브란카치 예배당에 프레스코화를 그려, 많은 르네상스 화가들의 수업 장소가 되었다. 마사초는 이 프레스코화를 통하여 필리포 브루넬레스키의 선 원근법 체계를 활용, 성서 속 장면을 사실적으로 묘사하였다.도나텔로는 조각에서 인체의 존엄성을 사실적이고 극적인 세부 묘사로 표현하려 했다. 1430년대에 완성된 그의 작품 다비드 상은 골리앗을 죽인 직후의 우아한 청년의 모습을 누드로 표현했는데, 이는 고대 고전 시대 이후 서양 미술에서 제작된 최초의 대형 독립 누드상이었다.
필리포 브루넬레스키는 고대 로마 건축 양식을 부활시킨 최초의 르네상스 건축가로, 아치, 기둥 등 고전 건축 요소를 자신의 디자인에 사용했다. 1442년에 시작되어 1465년경에 완성된 파치 예배당은 새로운 르네상스 양식으로 설계된 최초의 건물 중 하나였다. 브루넬레스키는 또한 선 원근법을 마스터한 최초의 르네상스 예술가였다.
한편, 북이탈리아의 파도바와 베로나는 베네치아에 정복당했지만, 초기에는 오히려 이 두 도시가 신문화와 연결되어 능동적이었다. 젠틸레 다 파브리아노는 국제적인 고딕 양식을 베네치아에 가져왔고, 우아한 성모자, 공상적인 의상, 우화동물 등 장식 문양적인 표현이 북이탈리아에 퍼졌다. 그러나 마솔리노와 같은 화가들이 베네치아에 체재하여 신경향의 양식도 전했다. 필리포 리피, 우첼로, 카스타뇨 등 피렌체의 화가들은 북이탈리아에서 활동했으며, 특히 조토가 파도바의 아레나 예배당에 프레스코화를 그렸고(1306), 도나텔로가 그곳에 10년간(1443∼53) 체재하여 산토의 주제단(主祭壇)과 ⟪가타멜라타 장군 기마상(騎馬像)⟫을 제작한 일은 만테냐에게 큰 자극이 되었다. 조토 디 본도네는 로마 제국 멸망 이후 처음으로 자연을 사실적으로 묘사한 예술가였다.
4. 2. 전성기(고전기) 르네상스
전성기 르네상스는 15세기 말부터 16세기 초까지 이어졌으며, 레오나르도 다 빈치, 미켈란젤로, 라파엘로 세 거장이 이 시대를 주도했다.[8]레오나르도 다 빈치는 벽화 ''최후의 만찬''과 초상화 ''모나리자'' 등 르네상스 미술의 대표작을 남겼다.[8] 그는 4,000페이지가 넘는 노트에 그림과 관찰 내용을 기록하고, 인체 골격과 근육을 세밀하게 묘사하는 등 탐구적인 정신을 보여주었다.[8]
미켈란젤로는 조각가, 화가, 건축가, 시인으로 다재다능했으며, 특히 인물 묘사에 뛰어났다.[9] 그의 조각상 ''모세''(1516)는 육체적, 정신적 힘을 보여주며, 시스티나 성당 천장에 그린 프레스코화는 르네상스 미술의 걸작으로 평가받는다.
라파엘로는 미켈란젤로보다 부드러운 윤곽선과 시적인 그림을 그렸으며, 원근법과 섬세한 색상 사용에 능숙했다.[8] 그는 성모 마리아 그림과 초상화를 많이 그렸으며, 프레스코화 ''아테네 학당''에서는 고대 그리스 철학자와 과학자들을 묘사하여 고전 문화와 르네상스 정신의 연결을 시도했다.
도나토 브라만테는 성기 르네상스 건축의 창시자로, 산 피에트로 인 몬토리오의 ''테메토''(1502)를 통해 고전 사원 건축을 연상시키는 중앙 집중식 돔 구조를 선보였다. 그는 교황 율리우스 2세에 의해 교황 건축가로 선택되어 성 베드로 대성전을 새로운 교회로 대체하는 계획을 세웠으나, 그의 사후 오랫동안 완료되지 못했다.
4. 3. 피렌체파와 베네치아파
피렌체파는 14세기부터 16세기까지 이탈리아의 피렌체를 중심으로 르네상스 미술의 주류를 이룬 유파이다. 특히 회화에서는 주지적 합리주의(主知的合理主義)·조형적 형태주의(造形的形態主義)가 그 특징으로, 주제에 관련이 있는 것만을 단순화하고 극적으로 묘사하여 고딕과는 다른 형식의 회화를 만들어냈다. 마사초, 브루넬레스키 등의 투시도적 수법과 도나텔로의 조형적 성과를 도입하여 회화적 현실의 표현에 신천지를 개척하였다. 메디치가의 번영에 힘입어 르네상스 회화 발전의 주류가 되었으며, 자연주의(自然主義)는 1400년대 예술의 주류가 되었다. 보티첼리는 이상주의적 경향을 보여주었으며, 레오나르도 다빈치도 사실주의를 완성하면서부터 주관적 정신내용을 표현하였다. 미켈란젤로는 강인한 인체 표현 속에 인간의 정신적 고뇌를 표현하였는데, 그 초월적 방향으로써 피렌체파의 최종적 단계를 장식하였고, 바로크 양식의 선구자가 되었다.조르조네는 조반니 벨리니 이래 색채를 구사하여 특이한 화풍을 세운 베네치아파를 한층 더 발전시켰다. 그의 《잠자는 비너스》는 밝은 광채 아래 풍만한 미를 드러내어 놓고, 그리스의 조각가도 미치지 못하는 관능미를 현실화하고 있다.
베네치아파 최고의 화가라고 칭송받는 티치아노는 조르조네의 영향을 크게 받았다. 《우르비노의 비너스》(1538？)는 조르조네의 평온한 정원의 정서를 베네치아 시민의 실내로 바꾸어, 한층 더 화려한 색채의 음악적 표현을 더하고 있다. 항구인 베네치아에서는 비잔티움의 광채육리(光彩陸離)한 모자이크가 애호되었는데, 이 시대에는 북방에서 전래한 유채화법이 베네치아에서 채용되어 회화사상 일대 전기(轉機)를 가져오게 하였다.
4. 4. 후기 르네상스
1520년 라파엘로 산치오가 전년에 죽은 레오나르도 다 빈치의 뒤를 따라 타계함으로써 성기(盛期) 르네상스라고 하는 짧은 황금시대는 종막을 고한다.[21] 피렌체의 여광(餘光)은 프라 바르톨로메오와 안드레아 델 사르토가 계승했다. 전자의 대표작 《피에타》(1510？)는 정적의 땅거미 속에 연출되는 애수(哀愁)의 무언극이며 경건한 도메니코회 수도화가의 기원이 스며 있다. 후자는 《하르파에스의 성모》(1517)와 《세례자 요한》(1515？) 등의 전아(典雅)하고 우미한 종교화를 제작하여 색채화가로서 알려졌다.5. 매너리즘
매너리즘은 성기 르네상스에 완성된 고전주의 예술의 뒤를 이어, 1520년경부터 17세기 초까지 주로 회화를 중심으로 유행하였다.[10] 20세기 초까지는 고전주의 예술을 기교적으로 모방한 쇠퇴기의 예술 양식이라는 부정적인 견해가 강했지만, 제1차 세계 대전 전후부터 성기 르네상스 양식과는 다른 독립된 양식으로 재평가되었다.[10] 그 본질에 대해서는 르네상스에서 바로크로 가는 변천 과정에서 생긴 이행기 예술 양식, 혹은 고전주의 양식에 대한 반발로 나타난 반고전주의적 양식,[10] 16세기 유럽 전체의 정신적 위기를 반영한 양식, 르네상스 문화의 고차원적 미적 단계, 인간의 의식 깊이 잠재하는 비합리적인 것에 대한 충동의 발현 등 다양한 견해가 존재한다.
이러한 양식을 낳게 한 역사적 조건으로는 라파엘이나 미켈란젤로의 완성된 표현에 대한 경도, 뒤러를 통해 전해진 북방 고딕의 강렬한 표현주의 전통, 카를 5세 군대에 의한 '로마 약탈'(1527)이나 종교 전쟁 등 혼란한 시대의 사회적 불안, 퐁텐블로의 프랑수아 1세나 피렌체의 코시모 대공을 비롯한 예술 애호가 군주의 적극적인 보호 정책 등이 있다.
매너리즘의 표현은 극도로 세련된 기교, 곡선을 많이 사용한 복잡한 구성, 비뚤어진 원근법 등을 이용한 의도하지 않은 구도, 명암의 대비나 복잡한 안길이 표현에 의한 강렬한 효과, 환상적인 세부, 때로는 부자연스러운 비례나 현실과 동떨어진 색채 등을 특징으로 하며, 복잡한 우의적, 추상적 내용을 포함하기도 한다.
일반적으로 매너리즘의 발전 단계는 제1기(1520경∼1540경, 폰토르모, 파르미자니노, 베카푸미 등), 제2기(1540경∼1570경, 브론치노, 바사리, 퐁텐블로파 등), 제3기(1570경∼1610경, 아르친보르드, 홀치우스, 스프란헤르, 엘 그레코, 틴토레토 등)로 나뉜다. 제2기부터 각국에 전해진 이탈리아 르네상스 예술의 성숙과 함께 매너리즘은 국제 양식으로서 퐁텐블로, 브뤼셀, 빈, 프라하 등의 궁정 예술로 전파되었다.
건축에서도 '로마 약탈' 이후 1580년경 바로크적 경향이 현저하게 나타날 때까지의 양식은 회화와 공통되는 개성적 스타일 강조, 아카데미즘, 불안감과 자의식 과잉 등을 특징으로 하기에 매너리즘이라 불리며 성기 르네상스 및 바로크와 구별한다. 라파엘의 제자 줄리오 로마노는 매너리즘 건축가의 대표로 여겨지며, 미켈란젤로, 팔라디오, 비뇰라에게서도 개성적 양식과 아카데미즘이 나타난다. 조각에서는 고도로 기교적인 세련된 표현(첼리니, 조반니 볼로냐)에도 매너리즘 개념이 적용된다.
매너리즘은 우아하고 궁정적인 양식으로, 피렌체에서 번성했으며, 대표적인 인물로는 조르조 바사리와 브론치노가 있다. 이 양식은 로소 피오렌티노와 프란체스코 프리마티초에 의해 프랑스 궁정에 소개되었다. 틴토레토는 이 양식의 영향을 받았다.[10] 건축 분야에서는 줄리오 로마노의 작품이 주목할 만하며, 조각 분야에서는 벤베누토 첼리니와 플랑드르 출신의 잠볼로냐가 이 양식을 대표한다.[10]
6. 17-18세기 미술
17세기 초 로마는 이탈리아가 미술 분야에서 다시금 주도권을 잡는 중심지가 되었다. 안토니오 다 코레조는 파르마에서 교회의 천장을 생동감 넘치는 인물들이 구름 위를 부드럽게 떠다니는 모습으로 장식했는데, 이는 바로크 천장화에 깊은 영향을 미쳤다. 카라바조의 격정적인 명암 대비 회화와 볼로냐 출신 카라치 가문의 웅장하고 환상적인 회화는 이탈리아 미술의 바로크 시대를 열었다. 도메니키노, 프란체스코 알바니, 그리고 후기의 안드레아 사키는 카라치 가문의 미술에서 고전적인 의미를 구현한 화가들 중 일부였다.
반면 귀도 레니, 구에르치노, 오라치오 젠틸레스키, 조반니 란프란코, 그리고 후기의 피에트로 다 코르토나와 안드레아 포초는 고전적인 우화 양식으로 철저히 훈련받았음에도 불구하고, 처음에는 카라바조의 방식과 더 유사하게 손짓하는 인물들로 가득 찬 역동적인 구성을 그리는 경향이 있었다. 조각과 건축에서 바로크 양식의 풍요로움과 웅장함의 뛰어난 거장은 잔 로렌초 베르니니였다. 1640년경에는 많은 화가들이 프랑스 출신 망명자 니콜라 푸생에 의해 로마에서 부각된 고전 양식으로 기울었다. 조각가 알레산드로 알가르디와 프랑수아 뒤케스누아 역시 고전주의를 지향했다. 주목할 만한 후기 바로크 예술가로는 제노바 출신 조반니 바티스타 가울리와 나폴리 출신 루카 지오르다노, 프란체스코 솔리메나 등이 있다.
18세기의 주요 인물들은 베네치아 출신이었다. 그중에는 로코코 양식의 뛰어난 대표자인 조반니 바티스타 티에폴로, 건축 화가인 프란체스코 과르디, 카날레토, 조반니 바티스타 피아체타, 베르나르도 벨로토와 로마 고대 유물을 조각한 조반니 바티스타 피라네시가 있었다.
6. 1. 바로크 미술
카라바조의 사실주의와 카라치 가문의 아카데미즘은 17세기 이탈리아 회화의 두 축이었다. 카라바조는 사실주의와 명암법을 통해 바로크 미술의 새로운 지평을 열었으며, 카라치 가문은 고전주의와 바로크 양식을 결합한 아카데미즘을 확립했다.[21] 트리엔트 공의회의 결정에 따라 종교화는 단순·명확해지고, 격렬한 감정 표현을 담게 되었다. 묘사법상으로도 주제를 명확히 하기 위해 세부 묘사는 생략되기도 했다.[21]17세기 초 로마는 이탈리아 미술의 중심지가 되었다. 안토니오 다 코레조는 파르마에서 바로크 천장화에 영향을 미쳤다.[21] 도메니키노, 프란체스코 알바니, 안드레아 사키는 카라치 가문의 미술에서 고전적인 의미를 구현했다. 귀도 레니, 구에르치노, 오라치오 젠틸레스키, 조반니 란프란코, 피에트로 다 코르토나, 안드레아 포초는 역동적인 구성을 그리는 경향이 있었다. 잔 로렌초 베르니니는 조각과 건축 분야에서 바로크 양식의 웅장함을 보여주었다. 1640년경에는 니콜라 푸생의 영향으로 고전 양식이 부각되었다. 조각가 알레산드로 알가르디와 프랑수아 뒤케스누아 역시 고전주의를 지향했다. 주목할 만한 후기 바로크 예술가로는 조반니 바티스타 가울리, 루카 지오르다노, 프란체스코 솔리메나 등이 있다.[21]
6. 1. 1. 카라바조파
카라바조에게서 받은 영향은 그가 로마를 떠난 1607년경에서 1620년경까지, 그 고장에 있으면서 강한 명암의 대비 때문에 테니브러스(tenebrous＝암흑파)라고 불리던 화가들에게 그 자취가 가장 뚜렷이 남아 있다. 그 중 독일인 엘스하이머, 프랑스인 발랭탱, 네덜란드인 테르브르흐·혼토르스트 등이 1620년 전후까지 알프스 북쪽에 이 화풍을 이식(移植)하였다. 이것이 그렇게 급속하게 보급될 수 있었던 것은 카라바조의 예술이 불러일으킨 미학이 기성(旣成)의 미학으로부터 반발을 받고 있었음에도 불구하고 그에 못지않게 젊은 예술가들이 품고 있던 열렬한 찬동(贊同)을 증명해 주는 것이다. 이탈리아인으로서는 로마에 있던 만프레디(1580∼1620), 사라체니(1585∼1652) 특히, 오라치오 젠틸레스키(1565∼1638) 등이 직접 이 화풍을 계승하였다.6. 1. 2. 나폴리파
카라바조가 만년에 작품활동을 한 나폴리의 조반니 바티스타 카라치올로(1570∼1637)도 무시할 수 없는 인물이나, 에스파냐의 후세페 리베라(1588∼1652)는 이곳에 살면서 카라바조의 종교적인 리얼리즘과 조명법(照明法)을 다소 통속화(通俗化)시키면서도 가장 잘 계승하였다. 17세기 중기 이후 카라바시슴은 볼로냐파 등을 수용해 보다 복잡한 기교를 쓰고, 또한 카라바시슴도 회화의 기본적인 구성요소로 되어 누구에게나 이용되게 되는데, 마티아 프레티(1613∼1699), 루카 조르다노(1632∼1705) 등 대화면(大畵面)의 장식가(裝飾家)도 그 유파를 좇았다. 리베라의 영향을 받아 보다 로맨틱한 점에서 주목을 받은 것이 사르바토르 로사(1615∼1673)이다.6. 1. 3. 지방 화가
도시국가의 전통이 강한 이탈리아 각지에서는 나폴리파 이외에도 로마로부터 독립하여 있는 화가들이 적지 않았다. 피렌체의 카를로 도르치는 종교화로, 볼로냐의 사소페라토는 종교화로, 베르가모의 바스케니스는 정물화로 유명했다. 루벤스, 안토니 반 다이크가 체재하였던 제노바의 스트로치는 북방 바로크의 자극을 받은 종교화나 풍속화로, 비첸차의 마페이는 색채의 아름다움으로 각각 알려져 있었다. 또한 로마에서는 프랑스인 니콜라 푸생과 클로드 로랭이 고전주의를 창달시켰고 나폴리에는 환상적인 건축 풍경화가 몬스 데미데리오가 있었다.6. 2. 18세기 베네치아파
안토니오 카날 카날레토(1697∼1768), 프란체스코 과르디(1712∼1793), 바티스타 티에폴로(1696∼1770) 등을 낳은 18세기의 베네치아파는 다시금 황금시대를 맞게 된다. 카날레토는 극명한 시가도(市街圖)를 주로 그린 화가로 영국에서도 활동하였다. 프란체스코 과르디는 인상주의적인 필치로 수향(水鄕)을 경쾌하게 그려 내었다. 티에폴로는 독일과 에스파냐에서도 활약한 대장식가이다.6. 3. 신고전주의로의 이행
18세기 후반, 고대 그리스-로마 미술을 부흥시키려는 신고전주의가 국제적으로 유행했으며, 수많은 고대 유적을 간직한 로마는 그 중심지였다. 판니니와 바토니는 이러한 경향을 촉진시켰고, 고대 미술사가(古代美術史家) 빈켈만의 이상을 보급한 안톤 라파엘 멩스(1728∼1779)도 있었다. 프랑스의 루이 다비드도 로마에서 활동하며 《호라티우스 형제의 맹세》를 그리는 등 신고전주의 양식을 발전시켰다. 고대 미술을 고취한 동판화가(銅版畵家) 조반니 바티스타 피라네시(1720∼1778)도 로마에서 활동했다. 그의 일련의 작품 《감옥(監獄)》은 신고전주의를 넘어 낭만주의에 접근하고 있다.7. 19세기 미술
이탈리아 신고전주의는 신고전주의의 초기 발현으로, 1750년경 바로크 양식에 대한 반발로 발전하여 1850년경까지 지속되었다.[11] 폼페이 재발견 시기에 시작되어, 그랜드 투어를 마치고 돌아온 미술 학생들을 통해 고대 그리스-로마의 이상을 재발견하면서 유럽 전역으로 퍼져나갔다.
이탈리아 신고전주의 미술은 고대 로마와 고대 그리스 미술 및 건축 원리에 기반을 두었을 뿐만 아니라, 빌라 카프라 "라 로톤다"와 같이 이탈리아 르네상스 건축과 그 기본 원리에도 영향을 받았다.[11] 레온 바티스타 알베르티의 저술과 디자인, 필리포 브루넬레스키의 작품에서 고전주의와 신고전주의가 두드러지게 나타났다. 고대 건축, 특히 로마 건축에서 보여지는 대칭, 비율, 기하학 및 부분의 규칙성에 중점을 두었다. 질서 정연한 기둥, 벽기둥, 인방의 배열, 반원형 아치, 반구형 돔, 틈새, 소형 신전의 사용은 고딕 건축 건물들의 더 복잡한 비례 체계와 불규칙한 윤곽을 대체했다. 이 양식은 빠르게 다른 이탈리아 도시와 유럽 대륙 전체로 확산되었다.
처음에는 로마를 중심으로 안토니오 카노바, 자크 루이 다비드 같은 예술가들이 18세기 후반에 활동했고, 이후 파리로 이동했다. 베두테 화가인 카날레토와 조반니 파올로 파이니니는 그랜드 투어 동안 큰 성공을 거두었다. 조각가 안토니오 카노바는 신고전주의 양식의 선구자로, 유럽에서 가장 뛰어난 조각가로 여겨졌다.[12] 프란체스코 아이예츠는 이탈리아 낭만주의의 가장 위대한 대표자이며, 그의 작품들은 보통 중세 배경을 가지고 암호화된 애국적인 리소르지멘토 메시지를 담고 있다. 신고전주의는 르네상스와 바로크 이후, 모든 서양 미술로 퍼져나간 마지막 이탈리아에서 탄생한 양식이었다.
7. 1. 신고전주의
이탈리아 신고전주의는 신고전주의의 초기 발현으로, 1750년경 바로크 양식에 대한 반발로 발전하여 1850년경까지 지속되었다.[11] 폼페이 재발견 시기에 시작되어, 그랜드 투어를 마치고 돌아온 미술 학생들을 통해 고대 그리스-로마의 이상을 재발견하면서 유럽 전역으로 퍼져나갔다.이탈리아 신고전주의 미술은 고대 로마와 고대 그리스 미술 및 건축 원리에 기반을 두었을 뿐만 아니라, 빌라 카프라 "라 로톤다"와 같이 이탈리아 르네상스 건축과 그 기본 원리에도 영향을 받았다.[11] 레온 바티스타 알베르티의 저술과 디자인, 필리포 브루넬레스키의 작품에서 고전주의와 신고전주의가 두드러지게 나타났다. 고대 건축, 특히 로마 건축에서 보여지는 대칭, 비율, 기하학 및 부분의 규칙성에 중점을 두었다. 질서 정연한 기둥, 벽기둥, 인방의 배열, 반원형 아치, 반구형 돔, 틈새, 소형 신전의 사용은 고딕 건축 건물들의 더 복잡한 비례 체계와 불규칙한 윤곽을 대체했다. 이 양식은 빠르게 다른 이탈리아 도시와 유럽 대륙 전체로 확산되었다.
처음에는 로마를 중심으로 안토니오 카노바, 자크 루이 다비드 같은 예술가들이 18세기 후반에 활동했고, 이후 파리로 이동했다. 베두테 화가인 카날레토와 조반니 파올로 파이니니는 그랜드 투어 동안 큰 성공을 거두었다. 조각가 안토니오 카노바는 신고전주의 양식의 선구자로, 유럽에서 가장 뛰어난 조각가로 여겨졌다.[12] 프란체스코 아이예츠는 이탈리아 낭만주의의 가장 위대한 대표자이며, 그의 작품들은 보통 중세 배경을 가지고 암호화된 애국적인 리소르지멘토 메시지를 담고 있다. 신고전주의는 르네상스와 바로크 이후, 모든 서양 미술로 퍼져나간 마지막 이탈리아에서 탄생한 양식이었다.
7. 2. 낭만주의
19세기 이탈리아에서는 낭만주의가 유행했으며, 프란체스코 아이예츠, 주세페 베주올리, 프란체스코 포데스티 등이 대표적인 낭만주의 화가이다. 아이예츠는 '키스'를 통해 이탈리아 통일 운동(리소르지멘토)의 정신을 표현했다.7. 3. 마키아이올리
이탈리아는 자체적인 형태의 인상주의를 창조했는데, 바로 더 유명한 인상주의자들보다 먼저 활동했던 마키아이올리 화가들이다. 대표적인 화가로는 조반니 파토리아, 실베스트로 레가, 텔레마코 시뇨리니, 주세페 아바티가 있다.[13] 마키아이올리 화가들은 프랑스 인상주의의 선구자들이었다. 그들은 빛과 그림자의 영역, 즉 ''마키에''(문자 그대로 얼룩이나 점)가 예술 작품의 주요 구성 요소라고 믿었다. 마키아라는 단어는 19세기에 이탈리아 예술가와 비평가들이 스케치하고 즉흥적인 표현 방식이든 전반적인 효과의 조화로운 폭이든, 그림이나 회화의 반짝이는 특징을 묘사하는 데 일반적으로 사용되었다.
1862년 11월 3일, 가제타 델 포폴로지에 게재된 적대적인 비평은 마키아이올리라는 용어가 처음으로 인쇄물에 등장한 것을 나타낸다. 이 용어는 여러 가지 의미를 내포하고 있었는데, 이들의 완성된 작품이 스케치에 불과하다는 비웃음을 내포하고 있었고, "다르시 알라 마키아"라는 구절을 연상시켰는데, 이는 관용적으로 덤불이나 관목 숲 속에 숨는다는 의미였다. 실제로 이 화가들은 이 야생 지역에서 많은 작품을 그렸다. 이 이름의 의미는 또한 예술가들을 무법자와 동일시했는데, 이는 새로운 예술가 학교가 당시의 엄격한 예술적 표현의 법칙에 따라 예술 규칙 밖에서 활동하고 있다는 전통주의자들의 견해를 반영했다. 아카데믹 미술을 극복하고 전위적으로 나아간 최초의 움직임 중 하나는 인상주의의 참신함을 예상한 몇몇 사람이 혁신적인 색채(「얼룩」)를 사용한 마키아이올리 운동이었다.
베리스모는 대중적인 일상적 주제를 미술에 가져왔다. 다른 작가로는 로렌초 비아니, 주세페 펠리차 다 볼페도 등이 있다.
그러나 당시에는 밀라노의 스카피리아티, 특히 이탈리아 자연주의의 주역인 프란체스코 필리피니였으며, 후기 이탈리아 인상주의를 창시한 클로드 모네에 대항하는 연구자였다.
7. 4. 베리스모
베리스모는 대중적인 일상적 주제를 미술에 가져왔다. 다른 작가로는 로렌초 비아니, 주세페 펠리차 다 볼페도 등이 있다.8. 20세기 이후 미술
20세기 초, 미래주의의 주창자들은 현대 세계에 대한 역동적인 비전을 발전시켰고, 조르조 데 키리코는 기묘한 형이상학적 정적을 표현했으며, 아메데오 모딜리아니는 파리파에 합류했다. 모딜리아니의 대표작으로는 ''누 쿠셰 오 쿠상 블루''(Nu Couché au coussin Bleu)가 있으며, 이는 그의 가장 훌륭한 누드화 작품 중 하나로 평가받는다.[14]
이후 재능 있는 현대 미술가로는 조각가 자코모 만추, 마리노 마리니, 정물 화가 조르조 모란디, 파격적인 화가 루치오 폰타나 등이 있다. 20세기 후반, 특히 밀라노 출신의 이탈리아 디자이너들은 상상력이 풍부하고 독창적인 기능적 작품으로 국제적인 스타일에 깊은 영향을 미쳤다.
이탈리아 미술의 주요 항목은 다음과 같다.
8. 1. 미래주의
미래주의는 1909년 필리포 토마소 마리네티가 파리 신문 ''르 피가로''에 '미래주의 선언'을 발표하면서 시작된 이탈리아의 미술 운동이다.[15] 마리네티는 이 선언을 통해 과거의 예술을 버리고 문화와 사회에서 변화, 독창성, 혁신을 기념하고자 했다. 그는 자동차의 새로운 기술과 속도, 힘, 움직임의 아름다움을 찬양했으며, 전통적인 가치를 전면적으로 거부하고 문화 기관을 파괴할 것을 촉구했다.[15]
마리네티의 선언에 영감을 받은 움베르토 보초니, 카를로 카라, 루이지 루솔로, 자코모 발라, 지노 세베리니는 1910년에 회화에 관한 여러 선언문을 발표했다. 이들은 독창성을 찬양하고 물려받은 예술적 전통에 대한 혐오감을 표현했다.[15] 미래주의자들은 프랑스 큐비스트 화가들과 다중 노출 사진을 통해 현실적인 형태를 여러 이미지와 색상의 중첩된 조각으로 분해하는 법을 배웠고, 이를 통해 현대 생활의 에너지와 속도를 묘사하려 했다.[15]
보치오니는 조각에도 관심을 가져 1912년에 관련 선언문을 발표했다. 그는 자신의 이론을 구현한 ''공간 속의 병의 발전''(1912)과 ''공간 속의 연속성의 고유한 형태''(1913) 등의 조각 작품을 남겼다.[15]
안토니오 산텔리아는 1914년에 건축에 대한 미래주의 선언문을 만들었다.
미래주의는 기계 시대를 특징짓는 힘, 속도, 흥분을 찬양했다.[15] 그러나, 가장 재능 있는 예술가였던[16] 보치오니와 산텔리아가 1916년 군 복무 중에 사망하고, 제1차 세계 대전으로 인한 파괴가 발생하면서 시각 예술에서 중요한 역사적 세력으로서의 미래주의 운동은 사실상 종식되었다.[15]
8. 2. 형이상 회화
형이상 회화는 1917년 카를로 카라와 조르조 데 키리코가 페라라에서 시작한 이탈리아 미술 운동이다. 데 키리코 자신이 채택한 형이상학이라는 단어는 이 운동의 시학의 핵심이다.그들은 시간 속에 멈춘 듯한 인물과 사물로 이루어진 꿈결 같은 이미지를 묘사했다. 형이상 회화 예술가들은 전통적인 원근 공간에서 가시적인 세계의 표현을 받아들였지만, 인물을 마네킹과 같은 모델로, 사물을 이상하고 비논리적인 맥락으로, 비현실적인 빛과 색채, 정지된 인물의 부자연스러운 정지 상태로 배치했다.
8. 3. 노베첸토 이탈리아노
노베첸토 운동은 1922년 밀라노에서 결성된 이탈리아 예술가 그룹으로, 과거 이탈리아의 위대한 구상 미술로의 회귀를 옹호했다.
노베첸토(이탈리아어: 20세기) 운동의 창립 멤버는 평론가 마르게리타 사르파티와 안셀모 부치, 레오나르도 두드레빌, 아킬레 푸니, 지안 에밀리오 말레르바, 피에로 마루시그, 우발도 오피, 마리오 시로니 등 7명의 예술가였다. 사르파티의 지도 아래, 이 그룹은 유럽의 아방가르드 운동을 거부하고 이탈리아의 예술적 전통을 수용함으로써 이탈리아 미술을 쇄신하고자 했다.
노베첸토와 관련된 다른 예술가로는 조각가 마리노 마리니와 아르투로 마르티니, 화가 오토네 로사이, 마시모 캄필리, 카를로 카라, 펠리체 카소라티 등이 있다.
8. 4. 공간주의
공간주의는 이탈리아 예술가 루치오 폰타나가 창시한 운동으로, 1947년부터 1954년 사이에 발표된 선언문을 통해 그 원칙이 반복되었다.[21] 구체 미술, 다다, 타시즘의 요소를 결합한 이 운동의 추종자들은 이젤 회화를 거부하고 새로운 기술 발전을 수용하여 작품에 시간과 움직임을 통합하고자 했다. 폰타나의 찢고 뚫린 회화는 그의 주장을 잘 보여준다.8. 5. 아르테 포베라
아르테 포베라(Arte Povera)는 1960년대 이탈리아에서 시작된 전위적인 미술 운동이다.[21] 이 용어는 이탈리아어로 문자 그대로 "가난한 예술"을 의미한다. 아르테 포베라는 개념 미술, 미니멀리즘, 행위 예술의 측면을 결합하고, 흙이나 신문과 같은 가치 없거나 흔한 재료를 사용하여 예술의 상업화에 저항하고 개념적인 의미를 강조했다.8. 6. 트랜스아방가르드
트랜스아방가르드는 1970년대 후반 이탈리아에서 등장한 미술 운동이다. 아킬레 보니토 올리바가 '트랜스아방가르드'라는 용어를 만들었으며, 이는 다양한 양식과 주제를 혼합하여 절충적이고 다원적인 예술을 추구하는 것을 의미한다. 트랜스아방가르드 미술은 형식적으로는 전통적(대부분 회화나 조각)이며, 비정치적이고, 무엇보다 절충주의적인 것으로 정의된다.9. 이탈리아 미술 관련 법규
2017년 이탈리아 ''문화재 및 경관법''(Codice dei beni culturali e del paesaggio) 개정안에 따르면,[17][20] 예술 작품은 최소 70년 전에 완성된 경우 공공 및 문화적 가치가 있는 것으로 법적으로 정의될 수 있다. 이전 제한은 50년이었다. 가치 저장 수단으로서 예술품의 수출 및 국제 상거래를 더 쉽게 하기 위해, 최초로 개인 소유주와 그 딜러에게 13,500유로 미만의 상업적 가치를 자체 인증할 수 있는 권한이 주어졌다. 이는 공공 행정 허가 없이 국가 경계를 벗어나 유럽 연합으로 상품을 운송할 수 있도록 하기 위함이다.[18][19]
이 법안은 2017년 8월 29일에 통과되어 발효되었다.[20] 지하 또는 해수면 아래에서 발견된 고고학적 유물에 대해서는 공공 허가가 제공되어야 한다.[17]
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