칸타타

"오늘의AI위키"는 AI 기술로 일관성 있고 체계적인 최신 지식을 제공하는 혁신 플랫폼입니다.
"오늘의AI위키"의 AI를 통해 더욱 풍부하고 폭넓은 지식 경험을 누리세요.

1. 개요
2. 칸타타의 구분
3. 역사적 배경
- 3.1. 17-18세기
- 3.2. 19세기 이후
4. 주요 작곡가 및 작품 목록
5. 한국의 칸타타
- 5.1. 일제강점기
- 5.2. 해방 이후
참조

1. 개요

칸타타는 가사의 내용에 따라 세속 칸타타와 교회 칸타타로 구분되며, 오페라, 오라토리오와 유사한 형식을 갖는다. 17세기 초 이탈리아에서 시작되어 독일, 프랑스 등 유럽 각국에서 발전했으며, 바로크 시대에는 세속 칸타타가, 독일에서는 교회 칸타타가 발달했다. 19세기 이후에는 다양한 형태의 칸타타가 작곡되었으며, 20세기에는 칼 오르프의 '카르미나 부라나'와 같은 작품이 대중적인 인기를 얻었다. 칸타타는 요한 세바스티안 바흐, 헨델, 베토벤, 브람스 등 수많은 작곡가들에 의해 다양한 형태로 창작되었다.

더 읽어볼만한 페이지

칸타타 - 바르샤바의 생존자
바르샤바의 생존자는 아르놀트 쇤베르크가 작곡한 작품으로, 제2차 세계 대전 중 바르샤바 게토 생존자의 이야기를 다루며, 영어 내레이션과 독일어, 히브리어를 사용하고 12음 기법과 슈프레히슈티메를 활용하여 홀로코스트의 잔혹함을 표현한다.
칸타타 - 올림픽 찬가
올림픽 찬가는 1896년 하계 올림픽에서 처음 연주되었고, 스피리돈 사마라스가 작곡하고 코스티스 팔라마스가 작사했으며, 1958년 IOC 총회에서 공식 올림픽 찬가로 지정되어 올림픽 행사에서 연주된다.
성악곡 - 오페라
오페라는 음악, 노래, 연기로 서사적 이야기를 표현하는 서양 음악극의 한 장르로, 레치타티보와 아리아, 앙상블, 합창 등을 활용하며, 시대에 따라 오케스트라 역할 강화 및 아리아와 레치타티보 구분 변화, 다양한 음역과 특징을 지닌 오페라 가수의 존재, 이탈리아에서 시작하여 여러 국가에서 독자적인 전통을 형성하며 발전해 온 역사를 지니고 있고 현대에는 다양한 매체를 통해 소비된다.
성악곡 - 오라토리오
오라토리오는 로마의 성 필립 네리 오라토리오에서 기원한 종교적인 음악극으로, 성악과 오케스트라를 사용하여 종교적 주제를 다루며 17세기 이탈리아에서 발전하여 다양한 형태로 변화해왔다.
성악 - 카운터테너
카운터테너는 변성기 이후 훈련된 가성이나 두성으로 높은 음역을 구사하는 남성 성악가이며, 2차 세계 대전 이후 부흥기를 맞았고, 다양한 시대의 오페라와 오라토리오에서 역할을 수행한다.
성악 - 벨칸토
벨칸토는 '아름다운 노래'라는 이탈리아어에서 유래하여 18~19세기 초 유럽에서 유행한 이탈리아 성악 스타일로, 아름다운 음색, 레가토, 화려한 기교, 운율적인 노래, 감정 표현, 명확한 악절 방식 등을 특징으로 하며 헨델, 모차르트, 로시니 등에게 영향을 주었고 쇠퇴 후 마리아 칼라스 등의 노력으로 부활하여 명맥을 이어오고 있다.

칸타타

2. 칸타타의 구분

가사의 내용에 따라 세속 칸타타(실내 칸타타)와 교회 칸타타의 두 가지로 나눈다.^[5]

대규모 이탈리아 독창 칸타타는 오페라의 한 장면과 구분하기 어려운 경향이 있었으며, 마찬가지로 교회 칸타타(독창 또는 합창)는 소규모 오라토리오 또는 오라토리오의 일부와 구분하기 어려웠다.^[5] 이는 바흐의 교회 칸타타(약 200곡이 현존함, 바흐 칸타타 목록 참조)나 헨델의 ''찬송가''를 살펴보면 명확히 알 수 있다.^[5] 요한 세바스티안 바흐의 경우, 일부 대규모 칸타타는 실제로 오라토리오라고 불리며, ''크리스마스 오라토리오''는 실제로 여섯 다른 날에 공연될 목적으로 만들어진 여섯 개의 교회 칸타타 모음집이지만, 전체적으로는 어떤 고전 오라토리오와 마찬가지로 완벽한 예술적 전체를 이룬다.^[5]

바로크 시대에 "칸타타"라는 용어는 일반적으로 원래의 이탈리아어 용법을 유지하여, 종종 여러 부분으로 나뉘고 일반적으로 이탈리아풍 스타일인 긴 세속적인 성악곡을 묘사하는 데 사용되었다.^[5] 동시에, 여러 명의 가수와 다양한 악기가 종종 사용되는 유사한 규모의 성악곡이 루터교 교회 예배에 대한 수요가 매우 높았다.^[5] 이러한 곡들은 일반적으로 ''geistliche Konzerte''(단수: ''geistliches Konzert'', 신성한 콘체르토를 의미)라고 불렸다.^[5] 이러한 곡들 중 많은 수가 단순히 서두의 가사로 불렸다.^[5] 전례 또는 기타 경우를 위한 이러한 곡들은 바흐뿐만 아니라 디트리히 부크스테후데, 크리스토프 그라우프너, 고트프리트 하인리히 슈톨첼, 게오르크 필립 텔레만 등 많은 작곡가에 의해 작곡되었다.^[5] 바흐협회 편집자들은 바흐의 대부분의 전례 곡을 위해 "성스러운 칸타타"를 편리한 총칭으로 채택했다.^[5] 그 후 이 용어는 필립 슈피타에 의해 하인리히 쉬츠 이후의 작곡가들의 유사한 작품을 가리키는 데 소급 적용되었다.^[5] 귀족 사회의 행사를 위해 많은 세속 칸타타가 작곡되었다.^[5] 이들은 형식적으로 성스러운 칸타타와 매우 유사하여, 바흐의 ''크리스마스 오라토리오''에서 볼 수 있듯이 많은 곡들이 패러디(부분적으로 또는 완전히)되어 성스러운 칸타타가 되었다.^[5]

2. 1. 세속 칸타타

세속 칸타타는 교회의 예배 이외의 목적으로 쓰여, 주로 작곡가가 봉사하고 있는 영주나 친지들의 결혼, 탄생(성인의 축하)을 위하여 연주되었다. 역사적으로는 세속 칸타타가 보기보다 오래되었으며, 17세기 초엽 이탈리아에서 탄생하여 발전하였다. 이탈리아에서는 특히 아리아와 레치타티보가 교대로 된 독창용 칸타타가 번성하였고, 카리시미, 체스티, 레그렌치 등의 손을 거쳐, 나폴리 악파의 스카를라티의 800곡이나 되는 칸타타에 의하여 정점에 이르렀다.

2. 2. 교회 칸타타

교회 칸타타는 일요일이나 교회력의 각 축제일을 위한 예배용 음악으로 작곡된 것이다. 17세기 말부터 18세기에 걸쳐 독일에서 발달하였는데, 코랄 가락이 즐겨 쓰였고 합창이 매우 중요시되었다. 교회 칸타타의 종류로는 코랄 가락이 여러 가지 수법에 의하여 마지막 이외의 악장에 들어 있는 코랄 칸타타, 시편(詩篇)의 가사로 된 시편 칸타타, 성서의 격언으로 시작하는 격언 칸타타 등이 있다. 교회 칸타타의 작곡가로서는 북스테후데, 텔레만, 요한 세바스티안 바흐 등이 있다. 특히 바흐의 현존하는 200곡이나 되는 교회 칸타타는 걸작으로 평가받는다. 바흐는 세속 칸타타도 20여 곡을 남겼다. 특히 《커피 칸타타》, 《농민 칸타타》는 일반에게 잘 알려져 있다. 바흐 시대의 칸타타는 극히 소수인으로 연주되었다. 보통 가수 12명, 악기주자 13명 정도로서, 많아도 전부 40을 넘는 일은 없었다. 바흐 이후 칸타타는 모차르트, 베토벤, 슈베르트, 슈만, 베버, 브람스 등에 의해서도 작곡되었으나, 이러한 칸타타는 오라토리오와 구별하기 어렵다.

2. 3. 현대 칸타타

1900년 이후에도 실내악 형식과 대규모 형식의 칸타타가 모두 작곡되었다.^[8] 일반인에게 가장 인기 있는 20세기 고전 음악 중 하나는 칼 오르프의 《카르미나 부라나》(1935~1936)이다.^[8]

세기 초반에는 세속 칸타타가 다시 주목받았고, 19세기 성스러운 칸타타의 전통도 계속되었다. 랄프 본 윌리엄스는 《미지의 영역을 향하여》(1907), 《신비로운 노래 5곡》(1911), 《튜더 초상 5곡》(1936)과 《산크타 치비타스》(1926), 《베네디키테》(1930), 《도나 노비스 파켬》(1936), 《호디》(1954) 등의 성스러운 칸타타를 작곡했다. 조제프 릴란트는 1928년 《가난의 노래》 작품번호 92번과 1938년 《베니 크레아토르》 작품번호 123번과 같은 세속 및 성스러운 칸타타를 작곡했다. 벨라 바르토크는 1930년 루마니아 민화를 바탕으로 한 세속 칸타타인 《세속 칸타타》를 작곡했다. 아르놀트 쇤베르크의 《구레 리더》는 20세기 최대 규모의 세속 칸타타 중 하나로 발전했다. 폴 힌데미트는 《세레나데》 작품번호 35번(1924), 《젊은이들에게 음악에 정진하도록 촉구하다》(1932), 《이테 안젤리 벨로체스》(1953~55)를 칸타타로 지정했다. 안톤 베베른의 마지막 세 작품 중 두 작품은 세속 칸타타이다. 칸타타 1번 작품번호 29번(1938~39)과 칸타타 2번 작품번호 31번(1941~43)은 모두 힐데가르트 요네의 텍스트를 설정한 것이다. 에른스트 크레넥 또한 "무대 칸타타"인 《츠빙부르크》 작품번호 14번(1922)과 《전시 칸타타》 작품번호 95번(1943)을 작곡했다. 세르게이 프로코피예프는 《세메로 이크》(1917~18; 개정 1933)를 작곡했고, 1939년에는 영화 음악에서 따온 칸타타 《알렉산더 네프스키》를 초연했다. 그는 두 편의 축제 칸타타, 《10월 혁명 20주년 기념 칸타타》 작품번호 74번과 《번영하라, 위대한 조국》 작품번호 114번을 작곡했다.

1930년부터 20세기 중반까지 소련에서는 혁명 기념이나 국가 지도자를 칭송하는 애국적인 칸타타가 자주 의뢰되었다. 드미트리 쇼스타코비치의 《조국의 시》 작품번호 47번(1947)과 《태양은 우리 조국 위에 빛나네》 작품번호 90번(1952), 그리고 프로코피예프의 《즈드라비차!》(스탈린에게 경례)(1939) 등이 그 예이다. 드미트리 카발레프스키는 《위대한 조국》 작품번호 35번(1941~42), 《아침, 봄, 평화의 노래》 작품번호 57번(1957~58), 《레닌주의자들》 작품번호 63번(1959), 《우리 고향에 대하여》 작품번호 82번(1965) 등 네 편의 칸타타를 작곡했다.

1940년 에이토르 빌라-로보스는 세속 칸타타 《만두 사라라》를 작곡했다. 프란시스 풀랑크는 1943년 칸타타 《피쥐르 위맹》 FP 120번을 작곡했다. 이고르 스트라빈스키는 1951~52년에 《칸타타》, 《설교, 서사시, 기도》(1961)를 작곡했다. 루이지 논노는 1955~56년에 《일 칸토 소스페소》를 작곡했다. 한스 베르너 헨체는 《극단의 동화의 칸타타》와 《무한한 찬미의 노바에》(모두 1963년)를 작곡했으며, 《실내악》(1958, 개정 1963), 《시칠리아의 뮤즈》(1966), 《엘 시마론》(1969~70)과 같이 칸타타로 간주될 수 있는 다른 많은 작품도 작곡했다. 칼하인츠 슈톡하우젠의 《모멘테》(1962~64/1969)는 종종 칸타타로 묘사된다. 벤자민 브리튼은 《천국의 동료들》(1937), 《어린 양 안에서 기뻐하라》 작품번호 30번(1943), 《성 니콜라스》 작품번호 42번(1949), 《칸타타 아카데미카》 작품번호 62번(1959), 《칸타타 미세리코르디움》 작품번호 69번(1963), 《파이드라》 작품번호 93번(1975)을 칸타타로 지정했다. 알베르토 히나스테라는 《마법의 아메리카를 위한 칸타타》 작품번호 27번(1960), 《보마르조》 작품번호 32번(1964), 《밀레나》 작품번호 37번(1971)의 세 작품을, 고트프리트 폰 아이넘은 1973년 《후대를 향하여》를 작곡했다. 미키스 테오도라키스는 《사두개인에 따르면》과 《칸토 올림피코》라는 칸타타를 작곡했다. 허버트 블렌딩어의 《삶의 한가운데에서》는 1980년 초연되었고, 그의 《때때로 정적이 나를 부른다》(1992)와 《오직 기도하는 자들만이 이룰 수 있다》(1995)가 있다. 이반 에로드는 1988/89년에 《복음의 소리》 작품번호 56번을 작곡했다. 아이반 무디는 1995년 《계시록》을 작곡했다. 마크 알버거, 에릭 베르그만, 데이브 브루벡, 카를로스 차베스, 오스발트 클루브나, 피터 맥스웰 데이비스, 노먼 델로 조이오, 루카스 포스, 로이 해리스, 아르튀르 오네거, 앨런 호바네시안, 드미트리 카발레프스키, 리비 라르센, 욘 레이프스, 피터 메닌, 디미트리 니콜라우, 크시슈토프 펜데레츠키, 앨런 페테르손, 다니엘 핑크햄, 얼 로빈슨, 네드 로렘, 윌리엄 슈먼(《자유로운 노래》), 로저 세션스, 지그프리트 슈트로흐바흐, 마이클 티펫, 쿠르트 바일과 외르크 비트만(《칸타타》), 얀 리안트 드리잘(《크리스마스 칸타타》)도 칸타타를 작곡했다.

현대 칸타타는 전통적인 칸타타와는 분명히 구분되며 한 주제를 가지고 다양한 장르의 음악을 조합한 공연이다. 특히 크리스마스 칸타타는 다양한 장르의 크리스마스 음악과 함께 성탄 메시지를 포함하여 성탄의 의미 전달에도 큰 비중을 두고 있다.

3. 역사적 배경

17세기 초, 오페라와 오라토리오와 동시에 칸타타라는 용어가 등장했다.^[2] 그 이전에는 모든 "고급" 음악이 성악이었다. 기악 음악의 부상과 함께 기악곡이 소나타에 구현될 만큼 충분히 발전하면서 이 용어가 등장했다. 17세기 초부터 18세기 후반까지, 바소 콘티누오(그리고 아마도 몇몇 독주 악기) 반주가 있는 한두 명의 독창자를 위한 칸타타는 이탈리아 성악 실내악의 주요 형태였다.^[3]

칸타타는 처음에는 선언적인 서술이나 장면을 레치타티보로 구성되었으며, 간격을 두고 반복되는 원시적인 아리아에 의해 통합되었다. 교회 음악에서 자코모 카리시미(Giacomo Carissimi)의 훌륭한 예를 찾을 수 있으며; 헨리 퍼셀(Henry Purcell)의 영국 성악 독창곡(''미친 톰''과 ''미친 베스'')은 이러한 고풍스러운 형태를 통해 얻을 수 있는 최대한의 것을 보여준다. 다 카포 아리아의 부상과 함께 칸타타는 레치타티보로 연결된 두세 개의 아리아 그룹이 되었다. 게오르크 프리드리히 헨델(George Frideric Handel)의 수많은 이탈리아 이중창과 삼중창은 다소 큰 규모의 예이다. 그의 라틴어 모테트 ''Silete Venti''(소프라노 독창)는 교회 음악에서 이 형태의 사용을 보여준다.^[4]

3. 1. 17-18세기

## 이탈리아

교회의 예배 이외의 목적으로 쓰여, 주로 작곡가가 봉사하고 있는 영주나 친지들의 결혼축하, 탄생축하(성인의 축하)를 위하여 연주된 세속 칸타타는 역사적으로 17세기 초엽 이탈리아에서 탄생하여 발전하였다. 이탈리아에서는 특히 아리아와 레치타티보가 교대로 된 독창용 칸타타가 번성하였고, 카리시미, 체스티, 레그렌치 등의 손을 거쳐, 나폴리 악파의 스카를라티의 800곡이나 되는 칸타타에 의하여 정점에 이르렀다.^[2]

17세기 초, 오페라와 오라토리오와 동시에 등장한 칸타타는 처음에는 선언적인 서술이나 장면을 레치타티보로 구성되었으며, 간격을 두고 반복되는 원시적인 아리아에 의해 통합되었다. 자코모 카리시미(Giacomo Carissimi)의 교회 음악에서 훌륭한 예를 찾을 수 있으며; 헨리 퍼셀(Henry Purcell)의 영국 성악 독창곡(''미친 톰''과 ''미친 베스'')은 이러한 고풍스러운 형태를 통해 얻을 수 있는 최대한의 것을 보여준다. 다 카포 아리아의 부상과 함께 칸타타는 레치타티보로 연결된 두세 개의 아리아 그룹이 되었다. 게오르크 프리드리히 헨델(George Frideric Handel)의 수많은 이탈리아 이중창과 삼중창은 다소 큰 규모의 예이다. 그의 라틴어 모테트 ''Silete Venti''(소프라노 독창)는 교회 음악에서 이 형태의 사용을 보여준다.^[4]

1589년에 페라라(Ferrara)에서 출판된 체사레 데스테(Cesare d'Este)와 비르지니아 데 메디치(Virginia de' Medici)의 결혼식을 위한 『칸타타 파스토랄레(Cantata pastorale)』가 현재 알 수 있는 최초의 칸타타 작품이다. 초기 칸타타는 양식적으로 확립되어 있지 않았으며, 엘레아노르 카를로리(Eleonora Carlori)는 1670년경까지의 칸타타를 단일 아리아로 이루어진 "아리에타 코르타(arietta corta)"와 가사에 따라 아리아와 레치타티보가 구분되는 "아리에타 디 피우 파르티(arietta di più parti)"로 분류하고 있다. 알레산드로 그란디(Alessandro Grandi)나 루이지 로시(Luigi Rossi)가 작곡한 칸타타의 대부분은 모노디(Monodi) 양식에 따른 가락 변주 형식의 작품이다. 자코모 카리시미(Giacomo Carissimi)나 안토니오 체스티(Antonio Cesti)가 작곡한 칸타타가 되면, 일반적으로 복수의 아리아를 포함하며, 레치타티보, 아리오소(Arioso), 아리아의 구별이 명확해지고, 레치타티보에서는 가사의 고조와 함께 서정적으로 되어 아리오소로 이행한다.

당시 이탈리아의 칸타타는, 의인화된 영혼이나 육체가 등장하는 윤리적인 작품도 있지만, 대부분은 목가적이거나 역사적 소재에 의한 연애를 다룬 것이며, 오페라의 한 장면과 비슷했지만, 연기 등을 수반하지는 않고, 음악과 가사 모두에서 보다 친밀한 분위기를 지니고 있었다. 칸타타 작곡의 중심지는 로마였으며, 많은 작품이 높은 감상 능력을 가진 소수의 귀족 계급의 후원자를 위해 연주될 것을 목적으로 작곡되었다.

17세기 말에서 18세기 초, 이탈리아 음악 전반에 걸쳐 형식화가 진전되고, 칸타타에서도 레치타티보와 아리아가 한층 더 구별되고, 아리아는 확대되어 독립된 악장이 된다. 이러한 전개는 알레산드로 스트라델라(Alessandro Stradella) 등에 의해 추진되었고, 알레산드로 스카를라티(Alessandro Scarlatti)의 작품에서 전형적으로 나타난다. 스카를라티가 작곡한 약 600곡의 칸타타 중 약 500곡은 소프라노 독창과 통주 저음을 위한 작품이며, 1703년부터의 제2차 로마 시대에 작곡한 칸타타에서는, 2곡의 다 카포 아리아(Da Capo Aria) 앞에 각각 레치타티보를 수반하는 악장 편성이 기본이 되었다.

스카를라티 사후, 실내 칸타타의 작곡은 조반니 보논치니(Giovanni Bononcini), 레오나르도 빈치(Leonardo Vinci), 레오나르도 레오(Leonardo Leo) 등에 계승되지만, 빈치나 레오의 칸타타에서는 4성의 현악 합주와 통주 저음에 의한 반주가 일반적이 되고, 18세기 후반에 이르면, 오페라의 아리아와 거의 구별이 없어져, 독립된 형식은 상실하게 된다.

## 독일

교회 칸타타는 일요일이나 교회력(歷)의 각 축제일을 위한 예배용 음악으로 작곡된 것이다. 교회 칸타타는 17세기 말부터 18세기에 걸쳐 독일에서 발달하였는데, 코랄 가락이 즐겨 쓰였고 합창이 매우 중요시되었다. 교회 칸타타의 종류로는 코랄 가락이 여러 가지 수법에 의하여 마지막 이외의 악장에 들어 있는 코랄 칸타타, 시편(詩篇)의 가사로 된 시편 칸타타, 성서의 격언으로 시작하는 격언 칸타타 등이 있다. 교회 칸타타의 작곡가로서는 북스테후데, 텔레만, 요한 세바스티안 바흐 등이 있다. 특히 바흐의 현존하는 200곡이나 되는 교회 칸타타는 걸작으로 평가받는다. 바흐는 세속 칸타타도 20여 곡을 남겼다. 특히 《커피 칸타타》, 《농민 칸타타》는 일반에게 잘 알려져 있다. 바흐 시대의 칸타타는 극히 소수인으로 연주되었다. 보통 가수 12명, 악기주자 13명 정도로서, 많아도 전부 40을 넘는 일은 없었다. 바흐 이후 칸타타는 모차르트, 베토벤, 슈베르트, 슈만, 베버, 브람스 등에 의해서도 작곡되었으나, 이러한 칸타타는 오라토리오와 구별하기 어렵다.

바로크 시대에 "칸타타"라는 용어는 일반적으로 원래의 이탈리아어 용법을 유지하여, 종종 여러 부분으로 나뉘고 일반적으로 이탈리아풍 스타일인 긴 세속적인 성악곡을 묘사하는 데 사용되었다. 동시에, 여러 명의 가수와 다양한 악기가 종종 사용되는 유사한 규모의 성악곡이 루터교 교회 예배에 대한 수요가 매우 높았다. 이러한 곡들은 일반적으로 ''geistliche Konzerte''(단수: ''geistliches Konzert'', 신성한 콘체르토를 의미)라고 불렸다. 이러한 곡들 중 많은 수가 단순히 서두의 가사로 불렸다.^[5] 전례 또는 기타 경우를 위한 이러한 곡들은 바흐뿐만 아니라 디트리히 북스테후데, 크리스토프 그라우프너, 고트프리트 하인리히 슈톨첼, 게오르크 필립 텔레만 등 많은 작곡가에 의해 작곡되었다. 바흐협회 편집자들은 바흐의 대부분의 전례 곡을 위해 "성스러운 칸타타"를 편리한 총칭으로 채택했다. 그 후 이 용어는 필립 슈피타에 의해 하인리히 쉬츠 이후의 작곡가들의 유사한 작품을 가리키는 데 소급 적용되었다.^[5] 귀족 사회의 행사를 위해 많은 세속 칸타타가 작곡되었다. 이들은 형식적으로 성스러운 칸타타와 매우 유사하여, 바흐의 ''크리스마스 오라토리오''에서 볼 수 있듯이 많은 곡들이 패러디(부분적으로 또는 완전히)되어 성스러운 칸타타가 되었다.

200곡 가까이 남아 있는 요한 제바스티안 바흐의 칸타타는 이 장르에 있어 중요한 업적이다.^[6]

그의 칸타타는 보통 바로크 오케스트라를 위해 작곡되었는데, 현악기 파트, 오보에 파트, 그리고 통주 저음 악단으로 구성되었으며, 크리스마스나 부활절과 같은 축제에는 타악기와 금관악기가 추가되기도 했다. 성악 파트는 4부 합창과 독창자로 구성되었다. 바흐는 독창자 한 명만을 위한 칸타타도 몇몇 작곡했다 (예: BWV 51).

크리스토프 그라우프너(Christoph Graupner)는 헤세-다름슈타트(Hesse-Darmstadt) 궁정의 호프카펠마이스터(Hofkapellmeister)였으며, 거의 50년간의 재직 기간 동안 1,400곡이 넘는 칸타타를 작곡하여 이 장르에 가장 중요한 기여를 한 인물이다. 바흐의 칸타타 중 극소수만이 반주가 있는 코랄을 포함하는 반면(성악 파트는 대개 악기 파트로 이중창으로 처리됨), 그라우프너의 코랄은 거의 대부분 정교한 리토르넬로 부분을 특징으로 한다.^[7] 이는 바흐의 라이프치히 교회 신도들이 함께 노래할 것으로 예상되었지만, 다름슈타트 궁정은 그렇지 않았기 때문일 가능성이 있다. 또한, 그라우프너의 많은 칸타타는 샤름(chalumeau), 플루트 다무르(flûte d'amour), 오보에 다무르(oboe d'amore), 비올라 다무르(viola d'amore), 트럼펫(trumpet), 호른(horn), 팀파니(timpani)와 같이 정교한 오케스트라 효과를 활용하고 이국적인 악기를 사용한다. 참조: 크리스토프 그라우프너의 칸타타 목록(List of cantatas by Christoph Graupner).

바로크 시대 독일의 칸타타는 이탈리아와 달리 주로 종교 음악 분야에서 발전했다는 점에서 차이가 있다. 독일의 교회 칸타타는 협의로는, 교회 음악에 마드리갈레 양식의 자유시를 채용한 에르트만 노이마이스터(1671년 - 1756년)와 그의 계승자들의 가사에 기초한 작품을 말하지만, 오늘날에는 17세기에 작곡된 종교 작품을 포함하여 프로테스탄트 교회 예배에서 연주된 여러 개의 독립된 악장으로 구성된 성악곡으로 일반적으로 받아들여진다.

17세기의 오래된 유형의 교회 칸타타는 주로 성구에 기초한 성악과 기악을 위한 콘체르토, 절 형식의 아리아 및 코랄 편곡을 구성 요소로 한다. 이와는 대조적으로 노이마이스터는 당시 오페라를 본보기로 하여, 운율이 불규칙하고 행의 길이도 일정하지 않은 소위 마드리갈레 양식의 레치타티보와 다 카포 아리아를 채용하고, 작품에 따라 이에 성구나 코랄의 시구를 조합한 새로운 종교시를 창작했다. 노이마이스터가 1700년부터 1717년까지 출판한 『5년치 교회 예배용 가사집 (Fünffache Kirchen-Andachten)』은 요한 필립 크리거(1649년 - 1725년), 필립 하인리히 에를레바흐(1657년 - 1714년), 게오르크 필립 텔레만(1681년 - 1767년) 등에 의해 곡이 붙여졌다. 18세기 전반에는 이러한 새로운 유형의 교회 칸타타가 다량으로 작곡되었으며, 대표적인 작곡가로는 1000곡 이상의 작품이 현존하는 게오르크 필립 텔레만, 크리스토프 그라우프너(1683년 - 1760년) 외에 요한 제바스티안 바흐(1685년 - 1750년), 고트프리트 하인리히 슈텔첼(1690년 - 1749년) 등이 있다.

한편, 독일에서도 17-18세기를 통해 독일어나 이탈리아어로 된 독창을 위한 세속 칸타타가 작곡되었지만, 이러한 작품들은 이탈리아 칸타타의 보다 직접적인 영향을 받았다. 또한, 바흐의 세속 칸타타처럼 도시나 궁정의 축전을 위해 작곡된 다성부를 위한 작품도 존재하지만, 이러한 종류의 작품은 당시에는 오히려 "세레나데(serenata)", "음악극(dramma per musica)" 등으로 불리는 것이 일반적이었다.

## 프랑스

프랑스에서는 18세기 전반, 파리의 살롱 발전을 배경으로 “칸타타 프랑세즈(cantate française)”라 불리는 프랑스어 성악곡이 많이 작곡되었다. 칸타타 프랑세즈라는 명칭이 음악 작품에 처음 사용된 것은 1706년에 출판된 장-바티스트 모랑(Jean-Baptiste Morin, 1677년 - 1754년)의 곡집에서였다. 전형적인 프랑스 칸타타는 레치타티보와 아리아가 각 3곡씩 번갈아 나오는 6악장 형식의 독창곡으로, 프랑스 음악과 이탈리아 음악의 융합을 목표로 하였다. 이탈리아 기원의 기본적인 악곡 구성과 기악 반주법과, 장-바티스트 륄리(Jean-Baptiste Lully, 1632년 - 1687년)가 프랑스 오페라에서 개척한 프랑스어 낭송법, 우아한 음의 오르내림과 섬세한 장식을 수반한 프랑스풍 선율 양식을 결합한 것이었다. 프랑스 칸타타의 대표적인 작곡가로는 앙드레 캄프라(André Campra, 1660년 - 1744년), 니콜라 베르니에(Nicolas Bernier, 1664년 - 1734년), 루이-니콜라 클레랑보(Louis-Nicolas Clérambault, 1676년 - 1749년) 등이 있다.

프랑스 칸타타는 18세기 프랑스에서 이탈리아 음악의 유행과 함께 작곡되었고, 18세기 프랑스 음악 양식보다 화려하고 화성적으로 풍부하게 하는 데 기여했지만, 18세기 중엽에는 보다 간결한 칸타티유(cantatille)에 자리를 내주었다.

3. 1. 1. 이탈리아

교회의 예배 이외의 목적으로 쓰여, 주로 작곡가가 봉사하고 있는 영주나 친지들의 결혼축하, 탄생축하(성인의 축하)를 위하여 연주된 세속 칸타타는 역사적으로 17세기 초엽 이탈리아에서 탄생하여 발전하였다. 이탈리아에서는 특히 아리아와 레치타티보가 교대로 된 독창용 칸타타가 번성하였고, 카리시미, 체스티, 레그렌치 등의 손을 거쳐, 나폴리 악파의 스카를라티의 800곡이나 되는 칸타타에 의하여 정점에 이르렀다.^[2]

17세기 초, 오페라와 오라토리오와 동시에 등장한 칸타타는 처음에는 선언적인 서술이나 장면을 레치타티보로 구성되었으며, 간격을 두고 반복되는 원시적인 아리아에 의해 통합되었다. 자코모 카리시미(Giacomo Carissimi)의 교회 음악에서 훌륭한 예를 찾을 수 있으며; 헨리 퍼셀(Henry Purcell)의 영국 성악 독창곡(''미친 톰''과 ''미친 베스'')은 이러한 고풍스러운 형태를 통해 얻을 수 있는 최대한의 것을 보여준다. 다 카포 아리아의 부상과 함께 칸타타는 레치타티보로 연결된 두세 개의 아리아 그룹이 되었다. 게오르크 프리드리히 헨델(George Frideric Handel)의 수많은 이탈리아 이중창과 삼중창은 다소 큰 규모의 예이다. 그의 라틴어 모테트 ''Silete Venti''(소프라노 독창)는 교회 음악에서 이 형태의 사용을 보여준다.^[4]

1589년에 페라라(Ferrara)에서 출판된 체사레 데스테(Cesare d'Este)와 비르지니아 데 메디치(Virginia de' Medici)의 결혼식을 위한 『칸타타 파스토랄레(Cantata pastorale)』가 현재 알 수 있는 최초의 칸타타 작품이다. 초기 칸타타는 양식적으로 확립되어 있지 않았으며, 엘레아노르 카를로리(Eleonora Carlori)는 1670년경까지의 칸타타를 단일 아리아로 이루어진 "아리에타 코르타(arietta corta)"와 가사에 따라 아리아와 레치타티보가 구분되는 "아리에타 디 피우 파르티(arietta di più parti)"로 분류하고 있다. 알레산드로 그란디(Alessandro Grandi)나 루이지 로시(Luigi Rossi)가 작곡한 칸타타의 대부분은 모노디(Monodi) 양식에 따른 가락 변주 형식의 작품이다. 자코모 카리시미(Giacomo Carissimi)나 안토니오 체스티(Antonio Cesti)가 작곡한 칸타타가 되면, 일반적으로 복수의 아리아를 포함하며, 레치타티보, 아리오소(Arioso), 아리아의 구별이 명확해지고, 레치타티보에서는 가사의 고조와 함께 서정적으로 되어 아리오소로 이행한다.

당시 이탈리아의 칸타타는, 의인화된 영혼이나 육체가 등장하는 윤리적인 작품도 있지만, 대부분은 목가적이거나 역사적 소재에 의한 연애를 다룬 것이며, 오페라의 한 장면과 비슷했지만, 연기 등을 수반하지는 않고, 음악과 가사 모두에서 보다 친밀한 분위기를 지니고 있었다. 칸타타 작곡의 중심지는 로마였으며, 많은 작품이 높은 감상 능력을 가진 소수의 귀족 계급의 후원자를 위해 연주될 것을 목적으로 작곡되었다.

17세기 말에서 18세기 초, 이탈리아 음악 전반에 걸쳐 형식화가 진전되고, 칸타타에서도 레치타티보와 아리아가 한층 더 구별되고, 아리아는 확대되어 독립된 악장이 된다. 이러한 전개는 알레산드로 스트라델라(Alessandro Stradella) 등에 의해 추진되었고, 알레산드로 스카를라티(Alessandro Scarlatti)의 작품에서 전형적으로 나타난다. 스카를라티가 작곡한 약 600곡의 칸타타 중 약 500곡은 소프라노 독창과 통주 저음을 위한 작품이며, 1703년부터의 제2차 로마 시대에 작곡한 칸타타에서는, 2곡의 다 카포 아리아(Da Capo Aria) 앞에 각각 레치타티보를 수반하는 악장 편성이 기본이 되었다.

스카를라티 사후, 실내 칸타타의 작곡은 조반니 보논치니(Giovanni Bononcini), 레오나르도 빈치(Leonardo Vinci), 레오나르도 레오(Leonardo Leo) 등에 계승되지만, 빈치나 레오의 칸타타에서는 4성의 현악 합주와 통주 저음에 의한 반주가 일반적이 되고, 18세기 후반에 이르면, 오페라의 아리아와 거의 구별이 없어져, 독립된 형식은 상실하게 된다.

3. 1. 2. 독일

교회 칸타타는 일요일이나 교회력(歷)의 각 축제일을 위한 예배용 음악으로 작곡된 것이다. 교회 칸타타는 17세기 말부터 18세기에 걸쳐 독일에서 발달하였는데, 코랄 가락이 즐겨 쓰였고 합창이 매우 중요시되었다. 교회 칸타타의 종류로는 코랄 가락이 여러 가지 수법에 의하여 마지막 이외의 악장에 들어 있는 코랄 칸타타, 시편(詩篇)의 가사로 된 시편 칸타타, 성서의 격언으로 시작하는 격언 칸타타 등이 있다. 교회 칸타타의 작곡가로서는 북스테후데, 텔레만, 요한 세바스티안 바흐 등이 있다. 특히 바흐의 현존하는 200곡이나 되는 교회 칸타타는 걸작으로 평가받는다. 바흐는 세속 칸타타도 20여 곡을 남겼다. 특히 《커피 칸타타》, 《농민 칸타타》는 일반에게 잘 알려져 있다. 바흐 시대의 칸타타는 극히 소수인으로 연주되었다. 보통 가수 12명, 악기주자 13명 정도로서, 많아도 전부 40을 넘는 일은 없었다. 바흐 이후 칸타타는 모차르트, 베토벤, 슈베르트, 슈만, 베버, 브람스 등에 의해서도 작곡되었으나, 이러한 칸타타는 오라토리오와 구별하기 어렵다.

바로크 시대에 "칸타타"라는 용어는 일반적으로 원래의 이탈리아어 용법을 유지하여, 종종 여러 부분으로 나뉘고 일반적으로 이탈리아풍 스타일인 긴 세속적인 성악곡을 묘사하는 데 사용되었다. 동시에, 여러 명의 가수와 다양한 악기가 종종 사용되는 유사한 규모의 성악곡이 루터교 교회 예배에 대한 수요가 매우 높았다. 이러한 곡들은 일반적으로 ''geistliche Konzerte''(단수: ''geistliches Konzert'', 신성한 콘체르토를 의미)라고 불렸다. 이러한 곡들 중 많은 수가 단순히 서두의 가사로 불렸다.^[5] 전례 또는 기타 경우를 위한 이러한 곡들은 바흐뿐만 아니라 디트리히 부크스테후데, 크리스토프 그라우프너, 고트프리트 하인리히 슈톨첼, 게오르크 필립 텔레만 등 많은 작곡가에 의해 작곡되었다. 바흐협회 편집자들은 바흐의 대부분의 전례 곡을 위해 "성스러운 칸타타"를 편리한 총칭으로 채택했다. 그 후 이 용어는 필립 슈피타에 의해 하인리히 쉬츠 이후의 작곡가들의 유사한 작품을 가리키는 데 소급 적용되었다.^[5] 귀족 사회의 행사를 위해 많은 세속 칸타타가 작곡되었다. 이들은 형식적으로 성스러운 칸타타와 매우 유사하여, 바흐의 ''크리스마스 오라토리오''에서 볼 수 있듯이 많은 곡들이 패러디(부분적으로 또는 완전히)되어 성스러운 칸타타가 되었다.

200곡 가까이 남아 있는 요한 제바스티안 바흐의 칸타타는 이 장르에 있어 중요한 업적이다.^[6]

그의 칸타타는 보통 바로크 오케스트라를 위해 작곡되었는데, 현악기 파트, 오보에 파트, 그리고 통주 저음 악단으로 구성되었으며, 크리스마스나 부활절과 같은 축제에는 타악기와 금관악기가 추가되기도 했다. 성악 파트는 4부 합창과 독창자로 구성되었다. 바흐는 독창자 한 명만을 위한 칸타타도 몇몇 작곡했다 (예: BWV 51).

크리스토프 그라우프너(Christoph Graupner)는 헤세-다름슈타트(Hesse-Darmstadt) 궁정의 호프카펠마이스터(Hofkapellmeister)였으며, 거의 50년간의 재직 기간 동안 1,400곡이 넘는 칸타타를 작곡하여 이 장르에 가장 중요한 기여를 한 인물이다. 바흐의 칸타타 중 극소수만이 반주가 있는 코랄을 포함하는 반면(성악 파트는 대개 악기 파트로 이중창으로 처리됨), 그라우프너의 코랄은 거의 대부분 정교한 리토르넬로 부분을 특징으로 한다.^[7] 이는 바흐의 라이프치히 교회 신도들이 함께 노래할 것으로 예상되었지만, 다름슈타트 궁정은 그렇지 않았기 때문일 가능성이 있다. 또한, 그라우프너의 많은 칸타타는 샤름(chalumeau), 플루트 다무르(flûte d'amour), 오보에 다무르(oboe d'amore), 비올라 다무르(viola d'amore), 트럼펫(trumpet), 호른(horn), 팀파니(timpani)와 같이 정교한 오케스트라 효과를 활용하고 이국적인 악기를 사용한다. 참조: 크리스토프 그라우프너의 칸타타 목록(List of cantatas by Christoph Graupner).

바로크 시대 독일의 칸타타는 이탈리아와 달리 주로 종교 음악 분야에서 발전했다는 점에서 차이가 있다. 독일의 교회 칸타타는 협의로는, 교회 음악에 마드리갈레 양식의 자유시를 채용한 에르트만 노이마이스터(1671년 - 1756년)와 그의 계승자들의 가사에 기초한 작품을 말하지만, 오늘날에는 17세기에 작곡된 종교 작품을 포함하여 프로테스탄트 교회 예배에서 연주된 여러 개의 독립된 악장으로 구성된 성악곡으로 일반적으로 받아들여진다.

17세기의 오래된 유형의 교회 칸타타는 주로 성구에 기초한 성악과 기악을 위한 콘체르토, 절 형식의 아리아 및 코랄 편곡을 구성 요소로 한다. 이와는 대조적으로 노이마이스터는 당시 오페라를 본보기로 하여, 운율이 불규칙하고 행의 길이도 일정하지 않은 소위 마드리갈레 양식의 레치타티보와 다 카포 아리아를 채용하고, 작품에 따라 이에 성구나 코랄의 시구를 조합한 새로운 종교시를 창작했다. 노이마이스터가 1700년부터 1717년까지 출판한 『5년치 교회 예배용 가사집 (Fünffache Kirchen-Andachten)』은 요한 필립 크리거(1649년 - 1725년), 필립 하인리히 에를레바흐(1657년 - 1714년), 게오르크 필립 텔레만(1681년 - 1767년) 등에 의해 곡이 붙여졌다. 18세기 전반에는 이러한 새로운 유형의 교회 칸타타가 다량으로 작곡되었으며, 대표적인 작곡가로는 1000곡 이상의 작품이 현존하는 게오르크 필립 텔레만, 크리스토프 그라우프너(1683년 - 1760년) 외에 요한 제바스티안 바흐(1685년 - 1750년), 고트프리트 하인리히 슈텔첼(1690년 - 1749년) 등이 있다.

한편, 독일에서도 17-18세기를 통해 독일어나 이탈리아어로 된 독창을 위한 세속 칸타타가 작곡되었지만, 이러한 작품들은 이탈리아 칸타타의 보다 직접적인 영향을 받았다. 또한, 바흐의 세속 칸타타처럼 도시나 궁정의 축전을 위해 작곡된 다성부를 위한 작품도 존재하지만, 이러한 종류의 작품은 당시에는 오히려 "세레나데(serenata)", "음악극(dramma per musica)" 등으로 불리는 것이 일반적이었다.

3. 1. 3. 프랑스

프랑스에서는 18세기 전반, 파리의 살롱 발전을 배경으로 “칸타타 프랑세즈(cantate française)”라 불리는 프랑스어 성악곡이 많이 작곡되었다. 칸타타 프랑세즈라는 명칭이 음악 작품에 처음 사용된 것은 1706년에 출판된 장-바티스트 모랑(Jean-Baptiste Morin, 1677년 - 1754년)의 곡집에서였다. 전형적인 프랑스 칸타타는 레치타티보와 아리아가 각 3곡씩 번갈아 나오는 6악장 형식의 독창곡으로, 프랑스 음악과 이탈리아 음악의 융합을 목표로 하였다. 이탈리아 기원의 기본적인 악곡 구성과 기악 반주법과, 장-바티스트 륄리(Jean-Baptiste Lully, 1632년 - 1687년)가 프랑스 오페라에서 개척한 프랑스어 낭송법, 우아한 음의 오르내림과 섬세한 장식을 수반한 프랑스풍 선율 양식을 결합한 것이었다. 프랑스 칸타타의 대표적인 작곡가로는 앙드레 캄프라(André Campra, 1660년 - 1744년), 니콜라 베르니에(Nicolas Bernier, 1664년 - 1734년), 루이-니콜라 클레랑보(Louis-Nicolas Clérambault, 1676년 - 1749년) 등이 있다.

프랑스 칸타타는 18세기 프랑스에서 이탈리아 음악의 유행과 함께 작곡되었고, 18세기 프랑스 음악 양식보다 화려하고 화성적으로 풍부하게 하는 데 기여했지만, 18세기 중엽에는 보다 간결한 칸타티유(cantatille)에 자리를 내주었다.

3. 2. 19세기 이후

19세기에는 칸타타가 17~18세기의 칸타타와는 거의 관련이 없는 다양한 성악 작품으로 작곡되었다.^[8] 독창용 칸타타에는 프란츠 요제프 하이든, 루이 엑토르 베를리오즈 등의 작품이 있지만, 많은 경우 독창 부분을 포함하는 합창과 관현악을 위한 작품에 칸타타라는 명칭이 사용되었다. 특히 루트비히 판 베토벤이 1814년 빈 회의 때 작곡한 「영광스러운 순간(Der glorreiche Augenblick)」처럼 기념식전이나 특별한 행사에서는 대규모 칸타타가 선호되어 작곡되었다. 이 때문에 칸타타와 오라토리오, 오드 사이에는 장르로서의 차이가 거의 없어지고, 칸타타는 오라토리오보다 일반적으로 연주 시간이 짧다는 경향만이 인정될 뿐이다.^[8]

19세기 초 칸타타에서는 합창이 오라토리오보다 더 서정적이고 노래와 같은 음악의 매개체가 되었으며, 베토벤의 영광스러운 순간(Der glorreiche Augenblick), 베버의 ''주빌레 칸타타(Jubel-Kantate)'', 멘델스존의 ''발푸르기스의 밤(Die erste Walpurgisnacht)''에서 볼 수 있듯이 화려한 클라이맥스가 푸가 형식으로 나타날 가능성을 배제하지 않았다.^[8] 안톤 브루크너는 여러 개의 이름날 칸타타, 축제 칸타타와 두 개의 세속 칸타타( ''게르마넨추크(Germanenzug)''과 헬골란트('Helgoland'')] )를 작곡했다. 브루크너의

4. 주요 작곡가 및 작품 목록

요한 제바스티안 바흐의 칸타타는 200여 곡이 남아있으며, 이 장르의 중요한 업적으로 평가받는다.^[6] 그의 칸타타는 바로크 오케스트라를 위해 작곡되었으며, 현악기, 오보에, 통주 저음 악단으로 구성되었고, 축제에는 타악기와 금관악기가 추가되었다. 성악 파트는 4부 합창과 독창자로 구성되었다. 바흐는 독창자 한 명만을 위한 칸타타도 작곡했다(BWV 51). 크리스토프 그라우프너는 헤세-다름슈타트(Hesse-Darmstadt) 궁정의 호프카펠마이스터(Hofkapellmeister)로 재직하며 1,400곡이 넘는 칸타타를 작곡하여 이 장르에 크게 기여했다.^[7] 그라우프너의 칸타타는 정교한 리토르넬로 부분을 특징으로 하며, 다양한 악기를 활용한 오케스트라 효과를 보여준다.

주요 작곡가 및 작품은 다음과 같다.

J. S. 바흐: 우리는 주께 감사하나이다(제29번), 하느님의 시간이야말로 가장 좋은 시간(제106번), 깨어나라 부르는 소리가 들린다(제140번), 마음과 입과 행위와 삶으로(제147번), 수다 떨지 말고 조용히(일명 “커피 칸타타”)(제211번), 우리의 새 영주에게(일명 “농민 칸타타”)(제212번)
부크스테후데: 우리의 예수의 사고
비발디: 비참한 나의 마음, 가지에 장난치며, 동경의 눈이여, 밤은 깊어가고, 태어난 고통으로, 불실한 마음, 눈물과 한탄, 의심의 그림자를 드리우며, 황금빛 비처럼, 이러한 알 수 없는 오솔길로, 하늘에 붉은 빛이 서고, 산비둘기를 찾아 헛되이, 늦었는데, 기쁨의 아이들
헨델: 파르나소스 산의 축제, 사냥에서, 운명의 때로부터, 정말일까, 필레노는 떠나 버렸다, 거짓된 희망, 온화한 때에, 그 일을 생각하는 사이에, 나는 느낀다, 자스민 꽃, 나는 듣는다, 너는 아름답고, 나를 경멸하는 것은, 사랑의 신이 보고 있다
라모: 오르페, 조급함, 아킬론과 오리테, 테티스, 충실한 목자
하이든: 폭풍, 지금 어떤 의심이, 아플라우스스
베토벤: 고요한 바다와 행복한 항해, 영광의 순간, 황제 요제프 2세의 장례 칸타타
모차르트: 회개하는 다비드, 프리메이슨의 기쁨
슈베르트: 요제프 슈펜두를 찬양하는 칸타타, 포겔의 생일을 위한 칸타타 “봄의 아침”
로시니: 랑스로의 여행 또는 금빛 백합이 피는 숙소, 샤를 10세의 대관식을 위한 칸타타
도니체티: 테레사와 장파르도니, 사포, 크리스토퍼 콜럼버스
베버: 첫 선율, 환영, 전쟁과 승리
베를리오즈: 제국, 에르미니, 클레오파트라의 죽음, 살다나팔의 죽음
멘델스존: 결혼 칸타타, 첫 번째 발푸르기스의 밤
브루크너: 단념, 자 이제 친구여 즐거운 축제에, 헬골란트
드뷔시: 숲의 디아나, 방탕자, 엘레네, 검투사, 봄, 선택받은 처녀
라벨: 밀라, 알리사, 아르시오네
비제: 클로비스와 클로틸드
베르디: 만민의 찬가
푸치니: 아름다운 이탈리아 아이들, 유피터 찬가
차이콥스키: 모스크바, 환희에 바쳐, 모스크바 공업 박람회 개막 칸타타, 페트로프 활동 50주년 기념 칸타타
레스피기: 그리스도
브람스: 리날도
드보르자크: 유령 신부, 미국의 깃발
바르토크: 마법에 걸린 사슴
파레: 야니차
생상스: 프로메테우스의 결혼, 밤
시벨리우스: 대학 축전 칸타타, 니콜라이 2세의 대관식을 위한 칸타타, 풀려난 여왕, 코노우의 시에 의한 칸타타, 나의 조국, 대지의 노래, 대지에 대한 찬가
베베른: 칸타타 제1번, 제2번, 제3번
스트라빈스키: 별의 왕, 바벨
밀호: 주님을 찬양하는 칸타타, 불꽃의 성, 초서의 텍스트에 의한 칸타타, 방탕자의 귀환, 카를로스, 성인식을 위한 칸타타, 종이와 스테로판과의 결혼, 격언 칸타타, 사원소, 빵과 시링크스
림스키-코르사코프: 스비테 잔카, 호메로스보다, 현자 올레그의 노래
R. 슈트라우스: 능력 있는 사람에게는 행복이 빨리 온다
프로코피예프: 알렉산더 네프스키, 스탈린에 대한 찬사, 이름 없는 소년의 발라드
오르프: 카르미나 부라나
쇼스타코비치: 나의 조국에 태양은 빛난다, 반형식주의적 라욕
브리튼: 칸타타 미제리코르디움, 페드라, 성 니콜라스
말러: 슬픔의 노래
라흐마니노프: 봄
오네거: 크리스마스 칸타타
신시 깨끗함: 해도 동정
마유미 토오루: 반야심경
오타니 센쇼: 탄이쇼
스기야마 코이치: 칸타타 오르비스 - 영화 “이데온 발동편”에서
후카이 시로: 평화를 위한 기도
사토 신: 흙의 노래
시미즈 오사무: 수하찬찬
미조카미 히데오: 칸타타 ‘하코다테 환상’
오키 마사오: 인간을 돌려줘
미에다 시게아키: 칸타타 ‘천애’

5. 한국의 칸타타

5. 1. 일제강점기

5. 2. 해방 이후

참조

_[1] 서적 Cantata Oxford University Press
_[2] 웹사이트 Cantata Definition: What Is a Cantata in Music? https://www.mastercl[...] 2022-02-08
_[3] 서적 Cantata Macmillan Publishers
_[4] 서적 In Musical Forms Meridian Books
_[5] 웹사이트 Cantata, § II: The German cantata to 1800 http://www.oxfordmus[...] 2017-07-06
_[6] 웹사이트 What is a Cantata? http://www.emmanuelm[...] 2018-04-22
_[7] 서적 The Cantata Chorales of Christoph Graupner
_[8] 웹사이트 Cantata in a Castle http://sophiehunter.[...]

칸타타