표트르 차이콥스키

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1. 개요

표트르 일리치 차이콥스키는 1840년 러시아에서 태어나 1893년 사망한 러시아의 작곡가이다. 그는 낭만주의 시대의 대표적인 작곡가 중 한 명으로, 교향곡, 협주곡, 발레 음악, 오페라 등 다양한 장르에서 수많은 명작을 남겼다. 특히, 교향곡 4, 5, 6번, 발레 '백조의 호수', '잠자는 숲 속의 미녀', '호두까기 인형', 피아노 협주곡 1번, 바이올린 협주곡 등은 오늘날까지도 널리 사랑받는 작품들이다. 그의 음악은 섬세한 감성과 화려한 관현악 기법으로 특징지어지며, 20세기 이후 비평가들의 재평가를 통해 더욱 높은 평가를 받고 있다.

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표트르 차이콥스키 - [인물]에 관한 문서
지도 정보
기본 정보
차이콥스키, 1888년경
본명	표트르 일리치 차이콥스키
원어 이름	Пётр Ильич Чайковский
로마자 표기	Pyotr Ilyich Tchaikovsky
출생	1840년 5월 7일
출생지	러시아 제국 보트킨스크
사망	1893년 11월 6일
사망지	러시아 제국 상트페테르부르크
라틴 문자 서명
키릴 문자 서명
매장지	상트페테르부르크 티흐빈 묘지
경력
직업	작곡가
활동 기간	1866년 - 1893년
학력
학력	상트페테르부르크 음악원
가족
아버지	일리야 차이콥스키
어머니	알렉산드라 아시예르
배우자	안토니나 밀류코바 (1877년 결혼)
음악
장르	교향곡 발레 음악 협주곡 등
주요 작품	작품 목록

2. 생애

차이콥스키는 1840년 5월 7일, 당시 러시아 제국에 속해 있던 비야트카 주의 작은 도시 보트킨스크에서 태어났다.^[10] 그의 아버지 일리야 페트로비치 차이콥스키는 광산부^[11] 소속 중령이자 기술자로 캄스코-보트킨스크 제철소를 관리했다. 그의 할아버지 표트르 페도로비치 차이콥스키는 현재 우크라이나 니콜라이우카인 러시아 제국 예카테리노슬라프 주 니콜라예프카 마을에서 태어났으며,^[12] 처음에는 군의 조수로, 나중에는 비야트카 주 글라조프 시장으로 일했다.^[13]^[14] 그의 증조부^[15]^[16] 피오도르 차이카는 자포로지예 코사크로 1709년 폴타바 전투에서 러시아군에 복무했다.

차이콥스키의 어머니 알렉산드라 안드레예브나는 일리야의 세 번째 아내 중 두 번째였으며, 표트르가 태어나기 몇 년 전에 첫 번째 아내는 사망했다. 그녀는 남편보다 18살 어렸고, 아버지 쪽으로 프랑스과 독일 혈통을 가지고 있었다.^[17] 일리아와 알렉산드라는 음악을 포함한 예술 분야에서 교육을 받았다.^[18] 차이콥스키에게는 형제 자매가 여섯 명 있었는데, 특히 여동생 알렉산드라와 쌍둥이 형제 아나톨리와 모데스트와 가까웠다. 알렉산드라가 레프 다비도프와 결혼하여^[19] 낳은 아이들 중^[20] 블라디미르 다비도프('밥'이라는 별명으로 불림)는 차이콥스키와 매우 가까워졌다.^[22]

1844년, 가족은 22세의 프랑스인 가정교사 파니 뒤르바흐를 고용했다.^[23] 차이콥스키는 다섯 살에 피아노 레슨을 시작했다. 부모는 오케스트리온을 사주고 피아노 연습을 장려했으나, 1850년에 차이콥스키를 상트페테르부르크의 황립 법률학교에 보내기로 결정했다.

아버지의 수입이 불확실해지면서, 부모는 차이콥스키가 빨리 독립하기를 원했을 것이다.^[30] 입학 최소 연령이 12세였고 당시 차이콥스키는 10세였기 때문에 그는 황립 법률학교 예비학교에서 2년 동안 기숙사 생활을 해야 했다.^[31] 2년 후, 차이콥스키는 황립 법률학교로 편입하여 7년 과정의 수업을 시작했다.^[32]

1854년, 14세 때 어머니가 콜레라로 사망하면서 차이콥스키는 큰 정서적 외상을 입었다.^[33] 어머니의 죽음은 차이콥스키가 어머니를 기리는 왈츠를 작곡하게 했다.

1855년, 차이콥스키의 아버지는 루돌프 쿤딩거에게 개인 레슨 비용을 지불하고 아들의 음악 경력을 질문했지만, 쿤딩거는 부정적인 답변을 했다.^[39]^[40] 차이콥스키는 법률학교 졸업 후 법무부 직책을 시도하라는 말을 들었다.^[41]

1859년 차이콥스키는 법률학교를 졸업하고 법무부에서 공무원 생활을 시작했다. 1861년, 러시아 음악 협회에서 니콜라이 자렘바가 가르치는 음악 이론 수업에 참석했다.^[47] 이 수업은 1862년에 개교한 상트페테르부르크 음악원의 전신이었다. 차이콥스키는 음악원에 입학하여, 자렘바에게 화성과 대위법을, 루빈슈타인에게 악기법과 작곡을 공부했다.^[48] 그는 쉴러의 "환희의 송가"를 주제로 한 칸타타 논문으로 은메달을 수상했다.^[10]

1865년 차이콥스키가 졸업하자 루빈슈타인의 형제인 니콜라이 루빈슈타인은 모스크바 음악원의 음악 이론 교수직을 제안했다. 1867년부터 1878년까지 차이콥스키는 교수직과 음악 비평을 병행하며 작곡을 계속했다.^[57]

1856년, 블라디미르 스타소프와 밀리 발라키레프는 러시아 음악에 대한 민족주의적 어젠다에 합의했다. 이들은 "다섯 사람"으로 알려지게 되었다.^[64] 차이콥스키는 '5인조' 구성원 대부분과 우호적인 관계를 유지했다.^[67] 1869년, 발라키레프와 함께 ''로미오와 줄리엣''을 작업했다.^[68]

차이콥스키의 음악적 성공은 드물었고, 그는 평생 비판에 민감했다. 1860년대 후반, 오페라 작곡을 시작했다.

1877년, 37세에 안토니나 밀류코바와 결혼했지만,^[115] 심리적, 성적으로 맞지 않아^[116] 2개월 반 만에 헤어졌다.^[117] 이후 나데즈다 폰 메크의 후원을 받으며^[120] "최고의 친구"라고 불렀지만, 만나지 않기로 합의했다.

결혼 파탄 후 1년 동안 해외에 머물렀던 차이콥스키는 1884년 성 블라디미르 훈장(4등급)을 받으며^[88] 공적인 삶에 참여하기 시작했다. 1887년 11월, 러시아 교향악 콘서트를 듣기 위해 상트페테르부르크를 방문했다.

니콜라이 림스키-코르사코프, 알렉산드르 글라주노프, 아나톨리 랴도프 등은 벨리야예프 서클을 결성했다.^[97] 차이콥스키는 이 서클에서 많은 시간을 보냈고,^[98] 이 관계는 사망할 때까지 지속되었다.^[99]^[100]

1893년 10월 28일, 차이콥스키는 6번 교향곡(《비극》)을 초연했다.^[121] 9일 후인 11월 6일, 53세의 나이로 상트페테르부르크에서 사망했다.

2. 1. 초기 생애 (1840-1862)

표트르 차이콥스키는 1840년 5월 7일 우랄 지방의 외딴 시골 캄스코보스킨스크의 광산촌 숙소에서 태어났다. 아버지 일리야 페트로비치(1795 - 1880)는 우크라이나계 정부 탄광 공학자였고, 하급 관료로 러시아 제국 정부 소유 광산의 감독관을 지내기도 했다. 어머니 알렉산드라는 일부 프랑스계였다.

그는 우크라이나계 사람으로 증조부 표도르 차이카(Fyodor Chaika)가 표트르 대제 때 러시아군 장교로 폴타바 전투에 참전하고 러시아에 정착하였다. 할아버지 표트르 표도르비치 차이카는 페테르부르크에서 의료 훈련, 군의보조원으로 일했고, 아버지 일리야는 러시아 육군 중령, 야금학기술자연구소 산하 과학위원회 위원 등을 지냈다.

어머니인 알렉산드리아는 프랑스인과 독일인의 피가 섞인 러시아 혼혈인 여성으로, 외할아버지 아시에르(Assier)는 독일계 프랑스인이었다. 그러나 외할아버지는 간질병 환자였고, 어머니 알렉산드리아 역시 병약하였다. 그리고 차이콥스키 역시 신체적으로 허약하였다.

표트르에게는 위로 이복누이와 형이 한 명씩 있었고, 친여동생 알렉산드라(1842년생), 1843년생 이폴리트, 쌍둥이 형제인 작가 모데스트 일리치 차이콥스키와 안토니 일리치 차이콥스키 형제가 있었다.

차이콥스키는 4세 때부터 피아노를 치기 시작했으나, 어려서 가정교사를 초빙하여 역사, 지리, 문학, 불어와 독어 등을 배웠는데 어학 쪽에 더욱 재능을 보여 6, 7세에 벌써 독어, 불어를 구사할 정도였다고 한다. 당시 러시아 상류사회의 관습도 있었고 어머니가 프랑스계 여성이었기 때문에 그는 프랑스인 여자 가정교사에게 교육을 받았다. 그는 그 프랑스 출신 가정교사를 무척 좋아했으나 아버지 일리야가 전근 가면서 모스크바로 발령받았다가, 나중에는 상트페테르부르크로 옮기면서 1848년 그 가정교사는 그만두게 되었다.

그녀를 잘 이해하고 따르던 소년 차이콥스키는 그녀와 헤어질 때 받은 충격으로 말수 적은 아이로 변하게 되었다고 한다. 이때의 가정교사와의 이별의 충격은 페테르부르크의 법률학교 기숙사 생활 때까지도 갔다고 한다.

차이콥스키는 다섯 살에 피아노 레슨을 시작했다. 3년 안에 그는 그의 선생님만큼 악보 읽기에 능숙해졌다. 처음에는 지지적이었던 차이콥스키의 부모는 가정교사를 고용하고, 정교한 오케스트라 효과를 모방할 수 있는 일종의 배럴 오르간인 오케스트리온을 사주고, 미적이고 실용적인 이유로 그의 피아노 연습을 장려했다. 그러나 1850년에 차이콥스키를 상트페테르부르크의 황립 법률학교에 보내기로 결정했다.

차이콥스키의 아버지의 수입도 점점 불확실해졌기 때문에, 부모 모두 차이콥스키가 가능한 한 빨리 독립하기를 원했을 것이다.^[30] 입학 최소 연령이 12세였고 당시 차이콥스키는 10세였기 때문에 그는 황립 법률학교 예비학교에서 2년 동안 기숙사 생활을 해야 했으며, 가족과 약 1287.47km 떨어져 있었다.^[31] 2년이 지난 후, 차이콥스키는 황립 법률학교로 편입하여 7년 과정의 수업을 시작했다.^[32]

어머니와의 이른 이별은 차이콥스키에게 평생 지속되는 정서적 외상을 안겨주었고, 1854년 14세 때 어머니가 콜레라로 사망하면서 더욱 심해졌다.^[33] 어머니의 죽음은 또한 차이콥스키가 그의 첫 번째 진지한 작곡 시도인 어머니를 기리는 왈츠를 만들도록 했다. 콜레라에 걸렸지만 완전히 회복된 차이콥스키의 아버지는 수업이 소년의 마음을 차지할 것이라는 희망으로 그를 즉시 학교로 돌려보냈다.^[34] 고립된 차이콥스키는 동료 학생들과의 우정으로 이를 보상했고, 이는 평생 지속되었다.^[35]

학교에서 공식적인 우선순위는 아니었지만 음악은 또한 차이콥스키와 그의 또래 사이의 간극을 메웠다. 그들은 정기적으로 오페라에 갔고,^[36] 차이콥스키는 합창 연습 중에 그와 그의 친구들이 불렀던 주제에 따라 학교의 하모늄에서 즉흥 연주를 했다.^[37]

1855년, 차이콥스키의 아버지는 루돌프 쿤딩거와의 개인 레슨 비용을 지불하고 아들의 음악 경력에 대해 그에게 질문했다. 소년의 재능에 감명을 받았지만, 쿤딩거는 미래의 작곡가나 연주자를 암시하는 것은 아무것도 보지 못했다고 말했다.^[39] 그는 나중에 그의 평가가 러시아에서 음악가로서의 자신의 부정적인 경험과 차이콥스키가 같은 대우를 받지 않기를 바라는 마음에 근거한 것이라고 인정했다.^[40] 차이콥스키는 과정을 마친 다음 법무부의 직책을 시도하라는 말을 들었다.^[41]

2. 2. 법률학교와 음악원 시절 (1850-1865)

차이콥스키는 1850년 상트페테르부르크의 법률학교 예과에 입학하여, 동급생 알렉세이 아푸흐틴과 평생 친구로 지냈다. 법률학교 졸업 후 법무성에 임용되어 관리로 근무했으나, 적성에 맞지 않아 1860년 안톤 루빈시테인이 주재한 음악 교실에 입학했다.^[106] 이 음악 교실은 러시아 최초의 음악원으로 개편되었고, 차이콥스키는 제1기생이 되었다.

법률학교 재학 중에는 산발적으로 성악, 피아노, 화성법 레슨을 받았고, 잦은 관현악단 공연과 오페라 극장 출입으로 부족한 음악 교육을 보충했다. 1854년 어머니의 죽음은 그에게 큰 충격을 주었다.

1862년 법무부 서기로 재직하면서 상트페테르부르크 음악원 야간반에 입학했다. 법무부 서기직에 흥미를 느끼지 못하고 공문서를 찢어 씹어 먹는 일도 있었다. 결국 공무원직을 사임하고 상트페테르부르크 음악원 주간반으로 전반하여 음악에만 전념했다.

1864년 알렉산드르 오스트롭스키의 연극 폭풍의 서곡을 작곡했다. 그의 스승 안톤 루빈스타인은 이 곡의 형식에 얽매이지 않는 점과 가벼운 분위기에 놀랐다고 한다. 1865년 말, 루빈스타인 형제의 천거로 모스크바 음악원의 화성법 교수로 임명되었다.

2. 3. 모스크바 음악원 교수 시절과 작곡 활동 (1866-1877)

1865년 차이콥스키가 졸업하자 니콜라이 루빈슈타인은 그에게 곧 개교할 모스크바 음악원의 음악 이론 교수직을 제안했다. 교수직 급여는 한 달에 50RUB에 불과했지만, 그 제안 자체가 차이콥스키의 사기를 북돋아 주었고 그는 열렬히 그 직책을 수락했다. 그는 그의 작품 중 하나인 '특징적인 춤곡'의 첫 공개 공연 소식에 더욱 고무되었다. 이 곡은 1865년 9월 11일 파블롭스크 공원의 콘서트에서 요한 슈트라우스 2세가 지휘했다(차이콥스키는 나중에 이 작품을 '건초 소녀의 춤'으로 개명하여 그의 오페라 보예보다에 포함시켰다).^[56]

1866년 그의 교향곡 1번 G단조(겨울날의 환상) 작품 13을 작곡하던 중 계속되는 과로로 스트레스를 받으면서 한때 정신적 위기를 겪기도 했지만, 주변의 격려와 호응으로 겨우 이겨냈다. 1866년 1월 모스크바에 집을 마련하면서 편안하게 정착했다.

1867년부터 1878년까지 차이콥스키는 작곡을 계속하면서 교수직과 음악 비평을 병행했다.^[57] 이 활동을 통해 그는 다양한 현대 음악에 접하게 되었고 해외 여행 기회를 얻었다.^[58] 그의 비평에서 그는 베토벤을 칭찬했고, 브람스를 과대평가되었다고 생각했으며, 존경했음에도 불구하고 슈만의 악보가 좋지 않다고 비판했다.^[59] 그는 바이로이트(독일)에서 초연된 바그너의 ''니벨룽의 반지''의 무대 연출에는 감탄했지만 음악에는 감탄하지 않았고, ''라인의 황금''을 "때때로 매우 아름답고 놀라운 디테일이 반짝이지만, 대체로 있을 법하지 않은 넌센스"라고 불렀다.^[60] 그가 다룬 반복되는 주제는 러시아 오페라의 열악한 상태였다.^[61]

1860년대에는 러시아의 민족주의 음악파인 러시아 5인조의 지도자 밀리 발라키레프와 교류했으며, 그를 통해 미하일 글린카의 영향을 받기도 했다. 초기의 곡들 중 상당수는 민족주의적인 경향을 띄었는데, 이는 밀리 발라키레프와 미하일 글린카의 영향 때문이었다. 1860년대 말과 1870년대 초의 작품들은 상트페테르부르크에서 활동하던 민족주의 작곡가들의 음악 분위기와 동질성을 보여주고 있다.

1867년 곡 <폭풍우>를 작곡했을 무렵에는 베를리오즈의 영향을 받았으며 1868년 발라키레프를 통해 러시아 5인조로 알려진 민족주의 음악가들과도 교류하게 되었다. 차이콥스키가 자주 만난 음악가들은 무소그르스키, 보로딘, 림스키-코르사코프 등이었다. 한편 발라키레프는 젊은 차이콥스키의 교향적 환상곡을 비판하였으며 관현악작품인 환상서곡 <로미오와 줄리에>의 형성을 지도하였다.

1869년 발라키레프의 제안으로 서곡 〈로미오와 줄리엣〉을 작곡했다. 차이콥스키를 알았던 사람들이 말하는 그의 본질적인 매력은 민족주의적 희가극 〈대장장이 바쿨라(Vakula the Smith)〉(1874, 초연 1876)에서 가장 잘 나타나고 있으며 이 오페라를 개작한 〈귀여운 구두〉에서는 러시아 5인조 가운데 가장 독창적인 작곡가인 모데스트 무소르크스키가 니콜라이 고골리의 우크라이나 민화를 각색한 오페라 〈소로친스크의 시장(Sorochintsy Fair)〉과 유사한 장점을 지녔다. 그러나 차이콥스키의 오페라는 무소르크스키가 작곡한 그 어떤 오페라보다도 발라키레프의 민속음악적 어법과 더욱 밀접한 관계가 있다.

1870년 이후 그는 발라키레프 일파와는 다소 거리를 유지하면서 지냈는데, 그 까닭은 <로미오와 줄리엣>의 작곡과 개정에 발라키레프가 도움을 주었지만 차이콥스키는 발라키레프의 5인조나 페테르부르크의 문하생들과는 달리 음악원에서 전문적으로 공부한 음악가였다는 자부심과, 그는 일찍이 자신의 제 1교향곡을 작곡할 때부터 서구적인 방향으로 가기로 결심했기 때문이었다. 그러나 그는 계속 러시아 민요에 대한 관심을 잃지 않았고 그래서 현악 4중주 1번의 느린 악장에는 우크라이나 노래와 비슷한 곡조를 사용하기도 하였다. 그러나 그는 열혈 민족주의자는 아니었다.

1860년대 러시아를 방문한 이탈리아 오페라단의 프리마돈나인 데지레 아르토에게 빠졌다. 그러나 데지레 아르토와의 관계는 오래가지 못했다. 당시 러시아에서는 동성애자들에 대한 시선이 굉장히 부정적이었기 때문에 차이콥스키는 자신이 게이라는 사실을 숨기기 위해 사랑하지 않는 여자와 억지로 결혼할 수밖에 없었다. 1870년대 중반에 그는 신경쇠약과 우울증에 걸려 고생하였다.

1877년 안토니나 밀류코바(혼후 이름: 안토니나 차이콥스카야)와 결혼 후 즉시 별거를 하였고 이 휴유증으로 신경쇠약 치료 차 해외로 가기도 했고, 같은 해 철도 경영자 부호의 미망인 폰 메크 부인을 알게 돼 재정적 지원을 받으면서부터 교직을 떠나 창작활동에 전념했다.

2. 4. 후원과 창작의 절정기 (1877-1890)

1876년 차이콥스키는 자신의 작품을 지지하는 부유한 미망인 나데즈다 폰 메크를 만나 특별한 인연을 맺었다. 폰 메크 부인은 차이콥스키에게 충분한 연금을 지급하여 그가 교수직에서 벗어나 작곡에만 몰두할 수 있게 했다. 곧 차이콥스키는 모스크바 음악원 교수직을 사퇴하고 자신만의 작업실에서 작곡 활동에 전념하거나, 피아노 연주, 지휘 등으로 나날을 보냈다. 차이콥스키는 나데츠다를 만나고 싶어했지만 그녀의 뜻에 따라 두 사람은 한 번도 만나지 못했다.^[96] 1877년 교향곡 4번을 작곡하고, 1877년 말부터 1878년까지는 푸슈킨의 시에서 영감을 얻어 작곡한 오페라 〈예브게니 오네긴〉을 발표하였다.

1878년 피아노 소나타 G장조 작품 37을 발표했고, 그 해부터 1879년까지 관현악 모음곡 1번 D단조 작품 43을 작곡했다. 또한 폰 메크 부인 외에도 또 다른 후원자인 황제 알렉산드르 3세 대관식 행사 음악 등을 작곡했다. 이 무렵 그는 상업적인 성공을 목적으로 최초의 오페라 〈오를레앙의 처녀〉를 작곡하여 1879년에 완성했다. 본래 이 곡은 예술적인 목적으로 작곡했지만, 〈예브게니 오네긴〉이 대중적인 성공을 거둘 만큼 극적이지 못하다고 판단하여 상업적인 목적으로 발표한 것이다. 1878년 바이올린 협주곡 D장조 작품 35, 1880년 〈현을 위한 세레나데〉 C장조 작품 48, 〈이탈리아 기상곡〉 작품 45 등을 작곡했으며, 1880년 말에는 나폴레옹과 알렉산드르 1세의 전투를 묘사한 〈1812년 서곡〉 작품 49를 작곡했는데, 이 곡은 큰 인기를 얻었으며 시연 직전 실제 대포를 발사하여 화제를 모으기도 했다.

1887년 11월, 차이콥스키는 러시아 작곡가들의 음악에만 전념하는 러시아 교향악 콘서트를 듣기 위해 상트페테르부르크를 방문했다. 한 공연에서는 수정된 그의 교향곡 1번이 처음으로 전곡 연주되었고, 다른 공연에서는 차이콥스키가 이미 교류하고 있던 니콜라이 림스키-코르사코프의 교향곡 3번 최종 버전이 연주되었다.^[96]

림스키-코르사코프는 알렉산드르 글라주노프, 아나톨리 랴도프를 비롯한 여러 민족주의 성향의 작곡가, 음악가들과 함께 상인이자 아마추어 음악가였으며 영향력 있는 음악 후원자이자 출판업자인 벨리야예프 서클을 결성했다.^[97] 차이콥스키는 이 서클에서 많은 시간을 보냈고, '5인조'보다 훨씬 더 편안하게 지냈으며 자신의 음악을 그들의 음악과 함께 선보이는 것에 대한 자신감이 점점 커졌다.^[98] 이 관계는 차이콥스키가 사망할 때까지 지속되었다.^[99]^[100]

1892년, 차이콥스키는 프랑스 프랑스 아카데미 미술학교(Académie des Beaux-Arts) 회원으로 선출되었는데, 이는 러시아인으로서는 두 번째 영예였다(첫 번째는 조각가 마르크 안토콜스키였다).^[101] 이듬해, 영국의 캠브리지 대학교는 차이콥스키에게 명예 음악 박사 학위를 수여했다.^[102]

2. 5. 말년과 죽음 (1891-1893)

1889년부터 4년간 순회 공연을 하였고, 모두 성공하였다. 원래 발레곡인 《호두까기 인형》을 연주회용으로 개작한 《호두까기 인형 모음곡》역시 성공을 거두었다. 계속된 연주와 대중적 성공에도 불구하고 그의 정신질환과 조울증 증세는 호전되지 않았다. 1890년 10월 4일 폰 메크 부인은 갑자기 재산을 잃었다며 결별을 통보하는 편지를 보내왔다. 10월 말부터 폰 메크 부인과의 관계와 연금이 끊기자 병세가 더욱 악화되었다. 하지만 오페라《스페이드의 여왕》에서 벌어들이는 인세가 손실을 충당했기 때문에 큰 경제적 어려움은 겪지 않았다. 1891년부터는 국가연금의 수혜자가 되었다. 폰 메크 부인의 일방적인 결별은 그에게 큰 충격을 주었는데, 죽기 직전 병상에서 정신착란을 일으키며 그녀의 이름을 격분한 목소리로 반복해서 불렀다고 한다.^[103]

폰 메크 부인이 차이콥스키의 후원을 중단한 이유는 정확하게 알려져 있지 않은데, 밀류코바와의 관련설 혹은 폰 메크 부인의 사위인 바이올리니스트 블라디슬라프 파클스키가 차이콥스키가 동성애자라는 사실을 장모에게 알렸기 때문이라는 설 등이 있다.^[103]

1893년 8월 차이콥스키는 교향곡 6번 B단조 작품 74를 완성하고 그해 10월 상트페테르부르크에서 초연을 지휘했지만, 청중들은 야유를 보내거나 호응하지 않았고 그는 실망했다. 그러나 차이콥스키는 망상에 빠져 그릇된 기대를 가졌으며 자신의 작품을 쟁점으로 부각시키려 했다. 차이콥스키는 곧 방송에 출연, 프로그램을 통해 자신의 교향곡 6번에 대한 '신비한' 해설과 더불어 그는 이 작품 안에 그의 모든 영혼을 쏟아서 설명하였으나 청중들로부터 외면을 당했다.^[103]

1893년 11월 6일 콜레라로 상트페테르부르크에서 향년 53세로 사망했다. 그러나 1979년 소련의 문화성에서 부검한 결과 비소 중독이라는 결론이 나와 사인에 대해서는 논란의 여지가 있다. 그의 6번째 작품이자 총결산이랄 수 있는 《비창 교향곡》을 자신의 지휘로 상트페테르부르크에서 초연하고 1주일 후였다. 게다가 교향곡 7번을 동시 작곡하다 미완성으로 남기고 세상을 떠났다.^[103]

3. 주요 작품

차이콥스키는 교향곡, 협주곡, 오페라, 발레 음악, 실내악 등 다양한 장르의 음악을 작곡했다.

그의 작품은 모차르트와 같은 18세기 고전주의 형식을 따르기도 하고, 러시아 5인조의 영향을 받은 민요풍의 선율을 사용하기도 했다. 또한, 말년의 교향곡들에서는 강렬한 감정을 표현하는 독자적인 음악 어법을 보여주기도 했다.^[143]

미국의 음악 평론가 해럴드 숀버그는 차이콥스키의 음악이 "달콤하고, 무궁무진하며, 초감각적인 선율"을 가졌다고 평했다.^[144] 차이콥스키는 서양식 선율, 러시아 민요풍 선율, 실제 민요 등 다양한 선율을 사용했다.^[142]

하지만, ''그로브 음악사전''에 따르면, 이러한 선율적 재능은 양날의 검과 같았다. 러시아 민요 선율은 자체 완결성이 강해 서양 음악의 발전 방식과 맞지 않았고,^[145] 낭만주의 시대의 독립적인 선율은 소나타 형식에 적합하지 않아 구조적인 발전에 어려움이 있었다.^[146]

차이콥스키는 조성에서도 러시아와 서양 음악의 차이에서 오는 어려움을 겪었지만, 뛰어난 조성 감각으로 다양한 조성 기법을 사용했다.^[142]

주요 작품은 다음과 같다.

종류	작품명
협주곡
발레 음악
극음악
관현악곡
실내악곡
피아노곡
합창곡
오페라

3. 1. 교향곡

차이콥스키는 다음의 교향곡들을 작곡했다.

교향곡 1번 '겨울날의 환상' (1866년, 1874년)
교향곡 2번 '소러시아' (1872년, 1879년)
교향곡 3번 '폴란드' (1875년)
교향곡 4번 (1877-78년)
교향곡 나단조 '만프레드' (1885년)
교향곡 5번 (1888년)
교향곡 내림마장조 (미완성)
교향곡 6번 '비창' (1893년)
〈후세의 보필판〉교향곡 제7번 변호장조, 또는 「미완성 교향곡 '지즈니'」

차이콥스키는 '인생'이라는 제목의 교향곡 작곡을 시작했지만, 중간에 폐기했다. 후에 이 초고를 피아노 협주곡으로 편곡하려 했지만, 제1악장만 완성되었다. 이것이 피아노 협주곡 제3번 변호장조 작품 75이다. 1950년대에 러시아 작곡가 세묜 보가티레프가 피아노 협주곡 제3번 및 기타 자료를 보필·재구성하여 4악장의 교향곡으로 편집한 것이 "교향곡 제7번 변호장조"로 불리고 있다. 2005년에 러시아 작곡가 표트르 크리모프가 다시 유사한 시도를 하여 3악장의 교향곡으로 발표했다. 일본에서는 이 크리모프 판을 "차이콥스키의 미완성 교향곡 '지즈니'"라고 부르며, 일본 초연과 녹음이 이루어졌다.

3. 2. 협주곡

피아노 협주곡 제1번 로 단조 작품 23 (1874-75년)
쓸쓸한 세레나데(바이올린과 관현악을 위한) 작품 26 (1875년)
로코코 주제에 의한 변주곡(첼로와 관현악을 위한) 마장조 작품 33 (1877년)
바이올린 협주곡 니 장조 작품 35 (1878년)
피아노 협주곡 제2번 가 장조 작품 44 (1879-80년)
피아노와 관현악을 위한 협주적 환상곡 가 장조 작품 56 (1884년)
기묘한 소품(첼로와 관현악을 위한) 작품 62 (1887년)
피아노 협주곡 제3번 변장조 작품 75 (1893년)
<편곡> 헝가리풍 협주곡(피아노와 관현악을 위한)(1892년): 원곡은 소피아 멘터 작곡으로 되어 있으나, 리스트의 작곡이라는 설도 존재한다.

3. 3. 관현악곡

차이콥스키는 가벼운 살롱 음악부터 장대한 교향곡까지 폭넓은 스타일과 감정의 범위를 보여주었다. 그의 작품 중 일부, 예를 들어 《로코코 주제에 의한 변주곡》은 모차르트(그가 가장 좋아하는 작곡가)와 같은 18세기 작곡가들을 연상시키는 "고전" 형식을 사용한다. 다른 작품들, 예를 들어 그의 《소 러시아》 교향곡과 오페라 《장인 바쿨라》는 특히 민요의 사용에서 '5인조'의 음악적 관습과 유사한 것들을 시도한다.^[142] 그의 마지막 세 개의 교향곡과 같은 다른 작품들은 강렬한 감정 표현을 가능하게 한 개성적인 음악적 표현 방식을 사용한다.^[143]

교향곡 제1번 토단조 작품 13 「겨울날의 환상」(1866년, 1874년)
교향곡 제2번 하단조 작품 17 「소러시아」(1872년, 1879년)
교향곡 제3번 다장조 작품 29 「폴란드」(1875년)
교향곡 제4번 헤단조 작품 36 (1877-78년)
만프레드 교향곡 작품 58 (1885년)
교향곡 제5번 호단조 작품 64 (1888년)
교향곡 제6번 로단조 작품 74 「비창(Pathétique)」(1893년)
〈후세의 보필판〉교향곡 제7번 변호장조, 또는 「미완성 교향곡 '지즈니'」
* 차이콥스키는 '인생'이라는 제목의 교향곡 작곡을 시작했지만, 중간에 폐기했다. 후에 이 초고를 피아노 협주곡으로 편곡하려 했지만, 제1악장만 완성되었다. 이것이 피아노 협주곡 제3번 변호장조 작품 75이다. 1950년대에 러시아 작곡가 세묜 보가티레프가 피아노 협주곡 제3번 및 기타 자료를 보필·재구성하여 4악장의 교향곡으로 편집한 것이 "교향곡 제7번 변호장조"로 불리고 있다. 더 나아가, 2005년에 러시아 작곡가 표트르 크리모프가 다시 유사한 시도를 하여 3악장의 교향곡으로 발표했다. 일본에서는 이 크리모프 판을 "차이콥스키의 미완성 교향곡 '지즈니'"라고 부르며, 일본 초연과 녹음이 이루어졌다.
피아노 협주곡 제1번 로 단조 작품 23 (1874-75년)
쓸쓸한 세레나데(바이올린과 관현악을 위한) 작품 26 (1875년)
로코코 주제에 의한 변주곡(첼로와 관현악을 위한) 마장조 작품 33 (1877년)
바이올린 협주곡 니 장조 작품 35 (1878년)
피아노 협주곡 제2번 가 장조 작품 44 (1879-80년)
피아노와 관현악을 위한 협주적 환상곡 가 장조 작품 56 (1884년)
기묘한 소품(첼로와 관현악을 위한) 작품 62 (1887년)
<편곡> 헝가리풍 협주곡(피아노와 관현악을 위한)(1892년): 원곡은 소피아 멘터 작곡으로 되어 있으나, 리스트의 작곡이라는 설도 존재한다.
피아노 협주곡 제3번 변장조 작품 75 (1893년)
서곡 「폭풍우」 작품 76 (1864년)
덴마크 국왕 즉위 기념 서곡 작품 15 (1866년)
환상곡 「운명」 작품 77 (1868년)
환상 서곡 「로미오와 줄리엣」 (1869년, 1870년, 1880년)
니콜라이 루빈슈타인의 생일을 위한 세레나데 (1872년)
환상 서곡 「템페스트」 작품 18 (1873년)
슬라브 행진곡 작품 31 (1876년)
환상곡 「프란체스카 다 리미니」 작품 32 (1876년)
모음곡 제1번 D단조 작품 43 (1878-79년) (6곡)
이탈리아 기상곡 작품 45 (1880년)
현악 세레나데 C장조 작품 48 (1880년)
서곡 「1812년」 작품 49 (1880년)
대관식 축전 행진곡 (1883년)
모음곡 제2번 C장조 작품 53 (1883년) (5곡)
모음곡 제3번 G장조 작품 55 (1884년) (4곡)
현악을 위한 엘레지 「이반 사마린의 추억에」 (1884년)
법학생 행진곡 (1885년)
모음곡 (제4번) G장조 「모차르티아나(Mozartiana)」 작품 61 (1887년) (4곡)
환상 서곡 「햄릿」 작품 67a (1888년)
교향적 발라드 「지방 총독」 작품 78 (1890-91년)
발레 모음곡 「호두까기 인형」 작품 71a (1892년)

3. 4. 실내악곡

차이콥스키의 실내악곡은 다음과 같다:

현을 위한 세레나데 C 장조
플로렌스의 추억
현악 6중주곡 라단조 작품 70 "피렌체의 추억" (1887-92년)
현악 4중주곡 내림라장조 (1865년) (제1악장만)
현악 4중주곡 제1번 라장조 작품 11 (1871년)
현악 4중주곡 제2번 바장조 작품 22 (1874년)
현악 4중주곡 제3번 내림마단조 작품 30 (1876년)
피아노 3중주곡 가단조 작품 50 "위대한 예술가의 추억을 위하여" (1882년)
그리운 고향의 추억(바이올린과 피아노를 위한) 작품 42 (1878년)
피아노 소나타 올림다단조 작품 80 (1865년) - 4악장 구성
「하프살의 추억」 작품 2 (1863년, 1864년, 1867년) - 제1곡「성터」, 제2곡「스케르초」, 제3곡「무언가」
50개의 러시아 민요 (1868-69년) - 민요를 4손 연탄곡으로 편곡한 작품.
6개의 소품 작품 19 (1873년)
같은 주제에 의한 6개의 소품 작품 21 (1873년)
사계(12개의 개성적인 묘사) 작품 37a (1875-76년) - 잡지 「누벨리스트」의 기획으로 시와 함께 매달 실린, 각 달에 유래하는 12개의 소품
중급 정도의 12개의 소품 작품 40 (1876-78년) - 제2곡「슬픈 노래」, 제6곡「무언가」
피아노 소나타 사장조 작품 37 「그랜드 소나타」 (1878년) - 4악장 구성
어린이를 위한 음악집(24개의 쉬운 소품) 작품 39 (1878년)
6개의 소품 작품 51 (1882년) - 제4곡「나타 왈츠」, 제6곡「감상적인 왈츠」
「둠카」다단조 작품 59 (1886년) - 「러시아의 농촌 풍경」이라는 부제
18개의 소품 작품 72 (1893년)

3. 5. 발레 음악

차이콥스키는 다음 3개의 발레 음악을 작곡했다.

백조의 호수
잠자는 숲 속의 공주
호두까기 인형

미국의 음악 평론가이자 언론인인 해럴드 쇼엔버그(Harold C. Schonberg)는 차이콥스키의 "달콤하고, 무궁무진하며, 초감각적인 선율의 원천"에 대해 언급했는데, 이는 그의 음악이 청중들에게 지속적인 성공을 거두도록 보장한 특징이다.^[144] 차이콥스키의 선율 양식은 그의 작품만큼이나 넓었다. 때로는 서양식 선율을 사용하고, 때로는 러시아 민요 스타일로 작곡한 독창적인 선율을 사용했으며, 때로는 실제 민요를 사용하기도 했다.^[142] ''그로브 음악사전(The New Grove)''에 따르면, 차이콥스키의 선율적 재능은 두 가지 면에서 그의 최악의 적이 될 수도 있었다.

첫 번째 어려움은 그의 민족적 유산에서 비롯되었다. 서양의 주제와 달리 러시아 작곡가들이 작곡한 선율은 자체적으로 완결되는 경향이 있었다. 진보와 지속적인 발전이 아닌 정체와 반복의 사고방식으로 기능했던 것이다. 기술적인 측면에서 볼 때, 대조적인 제2주제를 도입하기 위해 새로운 조로 조옮김하는 것은 매우 어려웠는데, 이는 러시아 음악에는 존재하지 않았던 문자 그대로 외국의 개념이었기 때문이다.^[145]

두 번째로 선율이 차이콥스키에게 불리하게 작용한 방식은 그가 낭만주의 시대의 대다수 작곡가들과 공유했던 어려움이었다. 그들은 하이든, 모차르트, 베토벤과 같은 고전주의 작곡가들이 선호했던 것과 같은, 소나타 형식에 잘 맞는 규칙적이고 대칭적인 선율 형태로 작곡하지 않았다. 오히려 낭만주의 작곡가들이 선호했던 주제는 그 자체로 완전하고 독립적이었다.^[146] 이러한 완결성은 서로 결합하여 구조적 요소로 사용하는 것을 방해했다. 이러한 어려움 때문에 낭만주의 작곡가들은 "천부적인 교향곡 작곡가가 아니었다".^[147] 차이콥스키와 같은 작곡가가 할 수 있는 일은 긴장감을 고조시키고, 흥미를 유지하며, 청중을 만족시키기 위해 수정하면서도 본질적으로 반복하는 것뿐이었다.^[148]

3. 6. 오페라

예브게니 오네긴
스페이드의 여왕
마제파
지방관(1867-68년)(작곡자에 의해 파기되어 단편만 현존)
운디네(1869년)
만드라고라(1870년)(미완성)
오프리치니크(1870-73년)
대장장이 바쿨라 작품 14(1874년)(개정되어 체레비치키로 개제)
예브게니 오네긴 작품 24(1878년)
오를레앙의 처녀(1879년, 1882년)
마제파(1881-83년)
체레비치키(1885년)(대장장이 바쿨라의 개작)
차로데이카(1885-87년)
스페이드의 여왕 작품 68(1890년)
이올란타 작품 69(1891년)

4. 음악적 특징

차이콥스키는 가벼운 실내악부터 장대한 교향곡까지 폭넓은 스타일과 감정 범위를 보여주었다. 그의 작품 중 일부는 모차르트와 같은 18세기 작곡가들을 연상시키는 "고전" 형식을 사용했는데, 《로코코 주제에 의한 변주곡》이 대표적이다. 《소 러시아》 교향곡과 오페라 《장인 바쿨라》처럼 '5인조'의 음악적 관습과 유사하게 민요를 사용한 작품도 있다.^[142] 반면, 마지막 세 개의 교향곡과 같이 강렬한 감정 표현을 위한 개성적인 음악적 표현 방식을 사용한 작품도 있다.^[143]

차이콥스키에게 영향을 준 서구 작곡가로는 로베르트 슈만이 대표적이다. 슈만은 형식 구조, 화성법, 피아노 작법에 큰 영향을 미쳤다.^[127] 보리스 아사피예프는 슈만이 형식적인 영향뿐만 아니라 음악적 연극성과 자기 표현의 모범으로서도 영향을 주었다고 언급한다.^[128] 프란츠 리스트와 리하르트 바그너 또한 차이콥스키의 관현악 스타일에 영향을 주었다.^[129] 요한 제바스티안 바흐의 작품이 재발견된 후 프란츠 라흐너, 쥘 마스네, 요아힘 라프에 의해 시작된 관현악 모음곡 작곡의 후기 낭만주의 경향은 차이콥스키가 자신의 관현악 모음곡을 시도하는 데 영향을 주었을 것이다.^[130]

차이콥스키의 스승 안톤 루빈슈타인의 오페라 "악마"는 "예브게니 오네긴"의 마지막 장면의 모델이 되었다.^[131] 레오 델리브의 발레 "코펠리아"와 "실비아"는 "잠자는 숲 속의 미녀"에, 조르주 비제의 오페라 "카르멘"은 "스페이드의 여왕"에 영향을 주었다.^[132] 루트비히 판 베토벤, 볼프강 아마데우스 모차르트, 미하일 글린카, 아돌프 아담 등 과거 작곡가들의 영향도 엿보인다.^[133] 베토벤의 현악 사중주는 차이콥스키의 현악 사중주 시도에 영향을 주었을 것이다.^[136] 이 외에도 엑토르 베를리오즈, 펠릭스 멘델스존, 자코모 마이어베어, 조아키노 로시니,^[137] 주세페 베르디,^[138] 빈첸초 벨리니,^[139] 카를 마리아 폰 베버,^[140] 앙리 리톨프^[141] 등이 차이콥스키의 작품에 관심을 가졌다.

미국 음악 평론가 해럴드 C. 숀버그는 차이콥스키의 "달콤하고, 무궁무진하며, 초감각적인 선율의 원천"을 언급하며, 이것이 그의 음악이 청중에게 지속적인 성공을 거두게 한 특징이라고 말했다.^[144]

피아노 협주곡 제1번은 작곡 당시 니콜라이 루빈슈타인에게 "연주 불가능"이라는 평가를 받았고,^[242] 바이올린 협주곡 역시 레오폴트 아우어에게 초연을 거절당하고 에두아르트 한슬릭에게 혹평을 받았다. 교향곡 제6번 '비창'도 초연 당시 반응이 좋지 않았지만, 차이콥스키는 이 곡을 자신의 최고 걸작이라 말했다. 백조의 호수는 1877년 볼쇼이 극장 초연이 실패했으나, 사후 2년 뒤 마리우스 프티파 등이 안무 등을 바꿔 재공연하여 큰 인기를 얻었다.

차이콥스키는 정교회 성가(『성 요한 크리소스토모스 성체례전』등)도 작곡했는데, 러시아 정교회의 사전 허가 없이 작곡하여 소송으로 번지기도 했다. 이고르 스트라빈스키와 세르게이 프로코피예프는 차이콥스키를 높이 평가했지만, 드미트리 쇼스타코비치는 그렇지 않았다.^[243] 구 소비에트 연방 시대에는 차이콥스키의 종교적, 애국적 작품 제목이 변경되거나, 러시아 제국 국가 인용이 삭제되기도 했다.

4. 1. 선율

브라운과 음악학자 한스 켈러, 다니엘 지토미르스키에 따르면, 차이콥스키는 4번 교향곡을 작곡하면서 대규모 구조에 대한 해결책을 찾았다. 그는 본질적으로 주제의 상호 작용을 피하고, 지토미르스키의 표현을 빌리자면 소나타 형식을 "개요"로만 유지했다.^[154] 이 개요 안에서 초점은 주기적인 교체와 병치에 맞춰졌다. 차이콥스키는 켈러가 음악적 주제, 조, 그리고 화성 사이의 "새롭고 격렬한 대조"라고 부르는 것으로 서로 다른 음색과 주제의 자료 덩어리를 나란히 배치했다.^[155] 브라운과 켈러에 따르면 이 과정은 운동량을 형성하고^[156] 강렬한 드라마를 더한다.^[157] 와랙은 결과물이 독일식 의미에서 "두 선율의 독창적인 에피소드적 처리이지, 그것들의 교향적 발전이 아니다"라고 비판했지만,^[158] 브라운은 그것이 당시 청중을 "종종 매우 격렬한 여러 부분들의 연속을 통해 이끌어, 근본적으로 새로운 종류의 교향곡 경험"(브라운의 이탤릭체)으로 이어졌다고 반박한다. 그것은 오스트리아-독일 교향곡처럼 합산을 기반으로 하는 것이 아니라 축적을 기반으로 작동하는 것이다.^[156]

이러한 축적, 선율적, 구조적 복잡성과 작곡가의 성향 덕분에 차이콥스키의 음악은 매우 표현력이 풍부해졌다.^[159] 이러한 강렬함은 러시아 음악에는 전혀 새로운 것이었고, 일부 러시아인들은 차이콥스키의 이름을 도스토예프스키의 이름과 나란히 놓았다.^[160] 독일 음악학자 헤르만 크레츠슈마르는 차이콥스키의 후기 교향곡에서 "심리적 대조를 중심으로 자유롭게, 때로는 극적으로 발전하는 삶의 충만한 이미지를 제공한다... 이 음악은 진정으로 살아 있고 느껴지는 경험의 흔적을 지니고 있다"고 평가한다.^[161] 리온 보트스타인은 이 논평을 상세히 설명하면서, 차이콥스키의 음악을 듣는 것은 "일상적인 경험과 연결된 심리적 거울이 되어, 청취자 자신의 감정적 자아의 역동적인 본질을 반영한다"고 제안한다. 음악과의 이러한 적극적인 참여는 "청취자에게 감정적, 심리적 긴장과 감정의 극단을 보여주는 전망을 열어주었고, 마치 자신의 '진정으로 살아 있고 느껴지는 경험'이나 깊이 개인적인 의미에서 강렬함을 추구하는 것을 연상시키기 때문에 관련성을 지녔다".^[162]

4. 2. 화성

브라운에 따르면, 조성은 차이콥스키에게 잠재적인 함정이 될 수 있었다. 러시아의 창의성은 관성과 자기 폐쇄적인 장면에 초점을 맞추는 경향이 있었던 반면, 서양의 조성은 이러한 경향에 역행하여 음악을 전진시키고, 더 큰 규모로 음악의 형태를 만들었기 때문이다.^[149] 조성의 변화, 즉 한 조에서 다른 조로의 변화는 조성과 소나타 형식 모두에서 중요한 원리였다. 소나타 형식은 18세기 중반 이후 주요 서양 대규모 음악 구조였다. 조성 변화는 장기간에 걸쳐 조성에 대한 흥미를 유지하고, 음악적 주제 간의 명확한 대조를 제공하며, 그 주제들이 서로 어떻게 관련되어 있는지 보여주었다.^[150]

차이콥스키에게 유리하게 작용한 한 가지는 법률학교 재학 시절 그의 음악 교사였던 루돌프 쿤딩거를 "놀라게 했던" "조성에 대한 재능"이었다.^[151] 상트페테르부르크 음악원에서 배운 것에 더해 이러한 재능은 차이콥스키가 그의 음악에서 다양한 조성을 사용할 수 있게 했다. 그의 첫 두 현악사중주곡의 서양 조성 및 질감 기법부터, 두 번째 교향곡 피날레 중간 부분에서 전음계를 사용하는 것까지, 전음계는 보통 '5인조'가 더 자주 사용했던 기법이었다.^[142]

C 음계로 오름차순하는 시퀀스는 같은 간격으로 계속되는 네 개의 연속적으로 높아지는 부분(초: C-D, D-E 등)을 가지고 있습니다.

위에서 언급했듯이, 반복은 차이콥스키 음악의 자연스러운 부분이었으며, 러시아 음악의 필수적인 부분이기도 하다.^[163] 선율 내에서의 시퀀스(같은 음성에서 높거나 낮은 음고로 곡조를 반복)^[164] 사용은 극도로 길어질 수 있었다.^[142] 반복의 문제는 시간이 지남에 따라, 리듬감이 더해지더라도 반복되는 선율은 정적인 상태를 유지한다는 것이다.^[165] 차이콥스키는 선율, 음조, 리듬, 음색을 별개의 요소가 아닌 통합된 하나의 단위로 다룸으로써 음악적 흐름을 유지했다.^[166]

리듬이나 프레이징의 미묘하지만 눈에 띄는 변화를 주거나, 다른 조로 조옮김하거나, 선율 자체를 바꾸거나, 연주 악기를 바꿈으로써 차이콥스키는 청중의 흥미가 떨어지는 것을 막을 수 있었다. 반복 횟수를 늘림으로써 그는 음악적이고 극적인 긴장감을 고조시켜 브라운의 표현대로 "거의 견딜 수 없을 정도의 강렬한 감정적 경험"으로 만들 수 있었고, 그 긴장감의 절정과 해소 시점을 조절할 수 있었다.^[167] 음악학자 마틴 쿠퍼는 이러한 방식을 음악 작품을 통합하는 미묘한 형태라고 부르며, 차이콥스키가 이를 높은 수준으로 발전시켰다고 덧붙인다.^[168]

4. 3. 관현악법

다른 후기 낭만주의 작곡가들처럼 차이콥스키는 음악적 효과를 위해 관현악법에 크게 의존했다.^[169] 그러나 차이콥스키는 그의 관현악법의 "관능적인 풍요로움"과 "관능적인 음색의 기교"로 유명해졌다.^[170] 글린카와 마찬가지로 차이콥스키는 밝은 기본 색깔과 음색의 날카로운 대조를 추구하는 경향이 있었다.^[171] 그러나 3번 교향곡부터 차이콥스키는 더 넓은 범위의 음색을 실험하기 시작했다.^[172] 차이콥스키의 작곡은 그의 동료들 중 일부에 의해 주목받고 칭찬받았다. 림스키-코르사코프는 상트페테르부르크 음악원에서 그의 제자들에게 정기적으로 그것을 언급했고, "모든 효과를 추구하는 것을 피하고, 건강하고 아름다운 음색을 제공하는 것"이라고 불렀다.^[173] 이 음색은 음악학자 리처드 타루스킨이 지적했듯이 본질적으로 독일적 효과를 지닌다. 두 개 이상의 악기가 동시에 멜로디를 연주하는 차이콥스키의 전문적인 사용( 더블링이라고 하는 관행)과 악기의 기묘한 조합에 대한 그의 감각은 "개별 악기의 음색이 완전히 혼합되어 사라지는 일반적인 관현악적 음색"을 만들어냈다.^[174]

4. 4. 형식

차이콥스키는 때때로 특이한 악절을 실험하기도 했지만, 더 자주 견고하고 규칙적인 악절을 사용했는데, 이는 그의 춤곡에서 효과적이었다. 때로 그의 리듬은 매우 두드러져서 음악의 주요 표현 수단이 되기도 했다. 또한, 러시아 민요에서 흔히 볼 수 있듯이, 대규모 교향곡 악장에서 움직임이나 진행을 모방하는 수단이 되기도 했다. 브라운은 이를 "합성적인 추진력"이라 표현했는데, 선율적 또는 주제적 요소의 상호 작용을 통해 엄격한 소나타 형식에서 생성되는 운동량을 대체했다. 이러한 상호 작용은 일반적으로 러시아 음악에서는 일어나지 않는다.^[152]

차이콥스키는 "현악을 위한 세레나데"와 "로코코 주제에 의한 변주곡"과 같은 작품에서 18세기 유럽풍 파스티슈 양식으로 작곡하는 데 매우 재능이 있음을 보여주었다. 차이콥스키는 발레 "잠자는 숲 속의 미녀"와 오페라 "스페이드의 여왕"에서 모방에서 완전한 소환으로 옮겨갔다. 알렉산드르 베누아가 "과거주의(passé-ism)"라고 부르는 이러한 기법은 시간 초월적이고 즉각적인 분위기를 만들어 과거를 현재인 것처럼 보이게 한다.^[175] 실용적인 측면에서 차이콥스키는 특정 구조적 문제의 해결책을 과거 양식에서 찾을 수 있을 것이라고 생각했기 때문에 과거 양식에 매료되었다. 그의 로코코 파스티슈는 또한 그 자신이 저항할 수 없이 이끌린 것처럼 느낀 자신의 세계보다 더 순수한 음악 세계로의 탈출을 제공했을 수도 있다. (이런 의미에서 차이콥스키는 부분적으로 작곡적 자기 발견의 한 형태로 신고전주의로 향한 이고르 스트라빈스키와는 반대 방식으로 활동했다.) 차이콥스키의 발레에 대한 매력은 프랑스적 우아함의 전통 속에서 자유롭게 무용 음악을 작곡할 수 있는 동화 같은 세계로의 유사한 피난처를 제공했을 수도 있다.^[176]

5. 평가와 영향

차이콥스키의 음악은 초기에는 다양한 평가를 받았지만, 시간이 지나면서 점점 더 많은 호평을 받게 되었다. 특히 1880년대 이후에는 러시아 국내외에서 그의 음악에 대한 긍정적인 평가가 늘어났다.

차이콥스키의 음악은 대중에게 어필하는 특징, 즉 강렬한 감정, 직접적이고 설득력 있는 표현, 다채로운 관현악 편성 등으로 인해 많은 사랑을 받았다. 그러나 일부 비평가들은 이러한 특징들이 작품의 피상성으로 이어진다고 비판하기도 했다.

차이콥스키는 소나타 형식을 엄격하게 따르지 않고, 음조와 주제 그룹을 병치하는 방식을 사용했는데, 이는 때때로 독창성이 아닌 약점으로 여겨지기도 했다.

20세기 중반, 노골적인 감정 표현에 대한 멸시가 있었지만, 21세기에 들어서면서 이러한 태도가 변화했고, 비평가들은 차이콥스키의 선율성, 독창성, 장인 정신에 대해 더 긍정적으로 평가하기 시작했다.

차이콥스키의 음악은 대중에게는 꾸준한 인기를 얻었으며, 그의 가장 인기 있는 작품들은 상징적인 사운드 바이트를 만들어냈다. 그의 멜로디는 독창적인 화성과 관현악법과 어울려 우아하게 표현되어 항상 관객의 호응을 얻었다. 미국과 영국을 포함한 많은 국가에서 그의 팬층은 베토벤에 이어 두 번째로 많을 정도로 인기가 높다.^[126]

차이콥스키는 여러 면에서 선구자였다. 나데즈다 폰 메크의 후원 덕분에 러시아 최초의 전업 전문 작곡가가 되었으며,^[196] 서구 작곡 기법과 러시아 민요 및 기타 토착 음악 요소를 통합하여 독창적이고 깊이 개인적인 스타일을 구축했다. 그는 교향곡과 프로그램 음악에도 영향을 미쳤다.^[196]

차이콥스키는 그의 음악 작품에서 기술과 높은 기준을 결합하여 '다섯 사람'의 동시대 작곡가들과 구별되었다.^[198] 그는 러시아 민족적 특징을 반영하는 음악을 만들고 싶어했지만, 최고의 유럽 표준에 따라 그렇게 하고자 했다.^[199]

차이콥스키는 그의 음악으로 러시아를 넘어서려는 영감을 받았다.^[201] 그는 자신의 작품뿐만 아니라 다른 러시아 작곡가들의 작품을 외국 관객에게 직접 소개한 최초의 러시아 작곡가였다.^[202]

그의 초기 작품인 피아노 협주곡 제1번은 현재는 매우 유명하지만, 작곡 당시에는 니콜라이 루빈슈타인에 의해 "연주 불가능"으로 평가받았다.^[242] 바이올린 협주곡 역시 레오폴트 아우어에게 "연주 불가능"이라는 이유로 초연을 거절당했다.^[242] 교향곡 제6번 '비창'도 초연 당시에는 부정적인 평가를 받았지만, 차이콥스키는 이 곡을 자신의 모든 작품 중 최고의 걸작이라고 여겼다.

백조의 호수는 초연에서 실패했지만, 사후 마리우스 프티파 등에 의해 재공연되어 큰 인기를 얻었다. 현재는 가장 유명한 발레 작품 중 하나가 되었다.

차이콥스키는 정교회 성가도 작곡했는데, 이는 러시아 정교회의 사전 허가 없이 작곡된 것이어서 한때 소송으로까지 번지기도 했다.

스트라빈스키와 프로코피예프는 차이콥스키를 높이 평가했지만, 쇼스타코비치는 그를 전혀 평가하지 않았다.^[243]

구 소련 시대에는 차이콥스키의 종교적, 애국적인 작품의 제목이 변경되거나, 러시아 제국 국가의 인용이 삭제되는 등의 일이 있었지만, 소련 붕괴 후 원전으로 복귀되었다.

차이콥스키의 업적을 기념하여 러시아에는 여러 음악학교, 오케스트라, 콩쿠르 등에 그의 이름이 붙여졌다. 차이콥스키 국제 콩쿠르는 세계적인 권위를 자랑하는 콩쿠르 중 하나이다. 모스크바 음악원은 "차이콥스키 기념 국립 모스크바 음악원"으로 개명되었다. 모스크바 방송 교향악단은 차이콥스키 심포니 오케스트라(Tchaikovsky Symphony Orchestra)라고도 불린다.

보트킨스크에 있는 차이콥스키의 생가와 클린의 집은 모두 박물관이 되어 그의 업적을 기념하고 있다.

6. 한국과의 관계

1970년대부터 표트르 차이콥스키의 음악이 광고 삽입곡 등으로 한국에 본격적으로 소개되었다.^[1] 낭만주의적이고 아름다운 선율로 인기를 얻었다.^[1]

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