아르누보
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1. 개요
아르누보는 1880년대 말부터 1차 세계 대전까지 유럽과 미국을 중심으로 유행한 예술 양식이다. 자연 형태에서 영감을 얻은 유기적인 곡선과 장식, 새로운 기술과 재료를 활용한 것이 특징이다. 명칭은 프랑스 미술상 지그프리트 빙이 자신의 미술상점 '메종 드 라르 누보'에서 유래했다. 아르누보는 건축, 장식 미술, 그래픽 디자인 등 다양한 분야에 영향을 미쳤으며, 각 지역별로 독자적인 스타일로 발전했다. 1900년 파리 만국 박람회를 기점으로 전성기를 누렸으나, 1910년대 이후 아르데코 양식으로 대체되면서 쇠퇴했다. 아르누보는 1960년대 이후 재조명받았으며, 현재까지도 다양한 예술 분야에 영향을 미치고 있다.
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아르누보 | |
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아르누보 | |
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기간 | 1890-1910년경 |
국가 | 서양 |
로마자 표기 | |
어원 | |
관련 개념 | |
독일어 | 종합예술작품 |
참고 자료 |
2. 명칭
Art Nouveau프랑스어라는 용어는 1880년대 벨기에 잡지 L'Art Moderne에서 예술을 통한 개혁을 추구하는 20명의 화가와 조각가 그룹인 레 뱅(Les Vingt)의 작품을 묘사하기 위해 처음 사용되었다. 이 이름은 프랑스-독일계 미술상인 지그프리트 빙(Siegfried Bing)이 1895년 파리에 개관한 미술관인 Maison de l'Art Nouveau프랑스어('새로운 예술의 집')에 의해 널리 알려지게 되었다.
영국에서는 프랑스어 용어인 Art Nouveau프랑스어가 일반적으로 사용되었지만, 프랑스에서는 Style moderne프랑스어(영국의 '모던 스타일'과 유사) 또는 Style 1900프랑스어이라는 용어로 자주 불렸다.[201] 프랑스에서는 소설가 쥘 베른(Jules Verne)의 이름을 딴 Style Jules Verne프랑스어, 엑토르 기마르(Hector Guimard)의 철과 유리 지하철 입구를 따서 Style Métro프랑스어, Art Belle Époque프랑스어, 또는 Art fin de siècle프랑스어라고도 불리기도 했다.[202]
아르누보는 언어에 따라 다양한 이름으로 알려져 있다.
국가/지역 | 명칭 |
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독일 | Jugendstilde[202] |
이탈리아 | Stile Libertyit |
카탈루냐 | Modernismeca |
영국 | Modern Style |
오스트리아 및 오스트리아-헝가리 제국 인접 국가 | Wiener Jugendstilde(빈의 청년 스타일) 또는 Secessionsstilde(분리파 스타일) (, , , ) |
벨기에 | Style coup de fouet프랑스어(채찍 스타일), Paling Stijlnl(장어 스타일), 또는 Style nouille프랑스어(국수 스타일)[202] |
영국 | 모던 스타일 또는 글래스고 미술학교의 작품 때문에 '글래스고 스타일' |
덴마크 | Skønvirkeda(아름다움의 작품) |
독일 및 스칸디나비아 | Reformstilde(개혁 스타일) 또는 Jugendstilde(청년 스타일)[202], Wellenstilde(파도 스타일) 또는 Lilienstilde(백합 스타일)[201] |
핀란드, 스웨덴, 노르웨이 | 'Jugend' |
에스토니아 | Juugendet |
라트비아 | Jūgendstilslv |
핀란드 | Kalevala Stylefi |
이탈리아 | Stile Libertyit(리버티 스타일), stile florealeit(꽃 스타일) 또는 arte nuovait(신예술)[202] |
일본 | 시로우마(Shiro-Uma)[204] |
네덜란드 | Nieuwe Kunstnl(신예술) 또는 Nieuwe Stijlnl(신스타일)[203][201] |
폴란드 | Secesjapl(분리파) |
포르투갈 | Arte novapt(신예술) |
루마니아 | Arta 1900ro(1900년 예술), Arta Nouăro(신예술), 또는 Noul Stilro(신스타일)[205] |
스페인 | Modernismoes, 카탈루냐어로는 Modernismeca, 그리고 Arte jovenes(젊은 예술) |
스위스 | Style sapin프랑스어(전나무 스타일)[201] |
미국 | 티파니 스타일[203][201] |
러시아 제국 및 후계 국가 (아제르바이잔, 카자흐스탄, 러시아, 우크라이나) | 모던, 회화의 경우 미르 이스쿠스트바(예술의 세계) |
리투아니아 | Modernaslt |
'아르누보'(Art Nouveau)라는 용어는 1880년대 벨기에 잡지 L'Art Moderne에서 예술을 통한 개혁을 추구하는 20명의 화가와 조각가 그룹인 레 뱅(Les Vingt)의 작품을 묘사하기 위해 처음 사용되었다. 이 이름은 프랑스-독일계 미술상인 지그프리트 빙(Siegfried Bing)이 1895년 파리에 개관한 미술관인 Maison de l'Art Nouveau프랑스어('새로운 예술의 집')에 의해 널리 알려지게 되었다.
3. 역사
아르누보는 언어에 따라 다양한 이름으로 알려져 있는데, 몇 가지 예를 들면 다음과 같다.국가 명칭 프랑스 Style moderne프랑스어 (영국의 모던 스타일과 유사) 또는 Style 1900프랑스어[9], Style Jules Verne프랑스어, 엑토르 기마르(Hector Guimard)의 철과 유리 지하철 입구를 따서 Style Métro프랑스어, Art Belle Époque프랑스어, 또는 Art fin de siècle프랑스어[10] 독일 Jugendstilde 이탈리아 Stile Libertyit 카탈루냐 Modernismeca 영국 Modern Style 오스트리아 및 오스트리아-헝가리 제국 Wiener Jugendstilde (빈의 청년 스타일) 또는 Secessionsstilde (분리파 스타일) (szecesszióhu, secesecs, secesiask, secesjapl) 벨기에 Style coup de fouet프랑스어 (채찍 스타일), Paling Stijlnl (장어 스타일), 또는 Style nouille프랑스어 (국수 스타일)[10] 영국 모던 스타일 또는 글래스고 미술학교의 작품 때문에 '글래스고 스타일' 덴마크 Skønvirkeda (아름다움의 작품) 독일 및 스칸디나비아 Reformstilde (개혁 스타일) 또는 Jugendstilde (청년 스타일)[10], Wellenstilde (파도 스타일) 또는 Lilienstilde (백합 스타일)[9] 핀란드, 스웨덴, 노르웨이 'Jugend' 에스토니아 Juugendet 라트비아 Jūgendstilslv 핀란드 Kalevala Stylefi 이탈리아 stile Libertyit (리버티 스타일)[10], stile florealeit (꽃 스타일) 또는 arte nuovait (신예술)[10] 일본 시로우마(Shiro-Uma)[11] 네덜란드 Nieuwe Kunstnl (신예술) 또는 Nieuwe Stijlnl (신스타일)[14][9] 폴란드 Secesjapl (분리파)[12] 포르투갈 Arte novapt (신예술) 루마니아 Arta 1900ro (1900년 예술), Arta Nouăro (신예술), 또는 Noul Stilro (신스타일)[13] 스페인 Modernismoes, 카탈루냐어로는 Modernismeca, 그리고 Arte jovenes (젊은 예술) 스위스 style sapin프랑스어 (전나무 스타일)[9] 미국 루이 컴포트 티파니(Louis Comfort Tiffany)와의 연관성 때문에 때때로 티파니 스타일[2][14][9] 러시아 제국 '모던' 아제르바이잔, 카자흐스탄, 러시아, 우크라이나 '모던' 리투아니아 Modernaslt 회화 미르 이스쿠스트바 (예술의 세계)
아르누보는 빅토리아 시대 영국의 아츠 앤 크래프츠 운동에서 이론적 선구자를 찾을 수 있다. 윌리엄 모리스와 존 러스킨 등은 산업화와 그로 인한 창조성의 고갈을 비판하며, 중세의 길드 정신, 자연 모티프 연구, 세련된 형태 사용으로의 회귀를 주장했다.
프랑스에서는 외젠 에마뉘엘 빌레르 뒤크가 현대적인 소재(특히 철)를 사용하면서도 중세 고딕 건축처럼 장식적, 미적 기능을 부여했다. 록타야르드 성의 프레스코화(1859) 등 그의 작품은 네오 고딕 운동과 아르누보의 관계를 보여주는 예시이다.
1893년 빅토르 오르타가 브뤼셀에 건설한 타셀 저택은 아르누보 양식의 최초 건축물로 여겨진다.[194]
"아르누보"라는 말은 1894년 벨기에의 잡지 L'Art moderne(현대 미술)에서 앙리 반 드 벨데의 예술 작품을 묘사하는 말로 에드몽 피카르가 처음 사용했다. 이 말은 프랑스로 전해져, 1895년 12월 26일, 파리 프로방스 거리 22번지에 화상 사뮤엘 빙의 상점 "메종 드 라르 누보"() 간판으로 등장했다.
아르누보는 과거 양식을 단절하면서도 일용품 장식에 활용하는 예술가들의 활동이었다. 나무, 돌과 같은 전통 소재와 유리, 강철과 같은 새로운 소재가 결합되었다.
꽃, 풀, 나무, 곤충, 동물 등의 모티프가 자주 사용되어 주거 공간에 아름다움을 더하고 자연의 미적 감각을 일깨웠다. 강철 사용은 건축물 고층화를 가능하게 하여 마천루 실현에 기여했다.
아르누보는 제1차 세계 대전을 경계로 쇠퇴했는데, 양식화가 진행되고 비용이 많이 드는 아르누보 디자인은 유선형이고 직선적이며 저렴하게 제조할 수 있는 모더니즘 디자인으로 변화해 갔다. 아르데코 (1920-1940)가 그 뒤를 이었다.
자연을 주요 영감의 원천으로 삼은 아르누보는 보석 예술에도 새로운 생명을 불어넣었다. 에나멜 세공, 오팔, 반귀석과 같은 새로운 소재 사용, 일본 미술에 대한 관심 확산, 다양한 금속 가공 기술에 대한 열정이 새로운 예술적 접근 방식과 장식 주제에 큰 영향을 주었다.
파리와 브뤼셀의 보석 세공사들이 이러한 변화를 이끌었고, 아르누보 양식의 높은 명성으로 나타났다. 보석 예술은 근본적인 변화를 겪었으며, 그 중심에는 보석 세공사이자 유리 장인인 르네 라리크(René Lalique)가 있었다.
3. 1. 기원
윌리엄 모리스의 꽃무늬 디자인과 모리스의 제자들이 설립한 아트 앤 크래프트 운동은 아르누보의 뿌리가 되었다. 필립 웹이 건축 디자인을 맡고 모리스가 실내 디자인을 맡은 레드 하우스(1859년)와 제임스 애벗 맥닐 휘슬러의 피콕 룸은 아르누보의 선구자격 작품으로 꼽힌다. 아트 앤 크래프트 운동은 단테 가브리엘 로세티와 에드워드 번 존스를 비롯한 라파엘 전파 화가들과 셀루인 이미지, 헤이우드 섬너, 월터 크레인, 알프레드 길버트, 오브리 비어즐리 등 1880년대 영국 시각예술가들의 영향을 받았다.[206] 아서 맥머도가 디자인한 의자는 아르누보 디자인의 선구자로 인정받고 있다.[207]
프랑스에서는 건축 이론가이자 역사학자였던 외젠 비올레르뒤크가 중세 미술 연구를 통해 합리주의 이론을 제시하며 아르누보에 영향을 주었다. 그는 기능에 따른 형태 정의, 주예술(건축)과 부예술(장식예술)의 통합, 자연주의적 양식, 인간 환경과 필요에 맞는 건축, 현대 기술과 재료 사용을 강조했다.[208][209][210][211] 비올레르뒤크는 1851년 파리 노트르담 대성당에 아르누보 양식의 벽화를 그렸으며,[212] 1872년 저서 《건축강연》에서 "우리 시대에 주어진 수단과 지식을 사용하고, 오늘날 더 이상 존재하지 않고 방해되는 전통을 배제한다면, 우리는 새로운 건축을 시작할 수 있다. 기능마다 알맞는 재료가 존재하며, 재료마다 알맞은 형태와 장식이 존재한다"고 주장했다.[213] 이 책은 루이스 설리번, 빅토르 오르타, 엑토르 기마르, 안토니 가우디 등 당대 건축가들에게 큰 영향을 미쳤다.
프랑스 화가 모리스 드니, 피에르 보나르, 에두아르 뷔야르는 전통 회화와 장식 미술의 통합에 기여했다. 모리스 드니는 1891년 "나는 그림이 모든 것을 장식해야 한다고 생각한다. 소재나 장면 선택은 아무것도 아니다. 톤, 채색된 표면, 선의 조화를 통해 정신과 정신에 도달할 수 있으며 감정을 깨울 수 있다"고 말했다.[214]
자포니즘 또한 아르누보 양식에 큰 영향을 주었다. 1870년대부터 유럽에 수입된 일본 목판화, 특히 우타가와 히로시게, 가쓰시카 호쿠사이, 우타가와 구니사다 등의 작품은 유럽 예술가들에게 큰 영감을 주었다. 지그프리드 빙은 1888년 월간지 《르 자퐁 아르티티크》를 창간하여 1891년까지 총 36호를 발행하며 구스타프 클림트를 포함한 수집가와 예술가들에게 영향을 미쳤다. 일본 판화의 양식화된 특징은 아르누보 시각미술, 도자기, 보석공예, 가구 등에 나타났다.[204]
3. 2. 발전
빅토르 오르타는 초기 아르누보의 가장 영향력 있는 건축가 중 한 명이었고, 그의 호텔 타셀(1892–1893)은 아르누보의 랜드마크 중 하나이다.[215][216] 오르타는 레오폴 2세의 건축가 알퐁스 발라의 조수로 라컨궁의 철과 유리 왕실 온실을 건설하며 건축을 배웠다. 1892-1893년에 오르타는 이 경험을 바탕으로 벨기에 화학자 에밀 타셀의 주거지를 설계했다. 집의 중심은 계단으로, 벽이 아닌 열린 공간에 휘어진 연철 난간과 채광창으로 장식되었다. 바닥은 가느다란 철제 기둥으로 지탱되었고, 모자이크 바닥과 벽 장식의 꽃과 식물 형태 아라베스크는 이 스타일의 인기 있는 특징이 되었다.[217] 오르타는 짧은 기간에 3개의 타운하우스를 더 지었고, 네 곳 모두 현재 유네스코 세계 문화 유산으로 지정되었다.
안트베르펜 출신의 앙리 반 데어 벨데는 아르누보의 또 다른 창시자였다. 반 데어 벨데는 자신의 거주지인 블루멘베르프(1895)의 인테리어를 디자인했다.[218][219] 집의 외관은 윌리엄 모리스의 거주지 레드 하우스에서 영감을 받았다. 반 데어 벨데는 주거 스타일에 맞는 직물, 벽지, 은식기, 보석류, 옷까지 만들었다.[220] 그는 파리에서 지그프리트 빙을 위해 가구와 장식을 디자인했고, 파리에 위치한 갤러리에 이름을 붙여줬다. 반 데어 벨데는 역동적인 선의 사용을 요구한 초기 아르누보 이론가였다. 1906년, 반 데어 벨데는 벨기에를 떠나 바이마르(독일)로 향했고, 그곳에서 역사적 양식 교육이 금지된 그랜드 듀칼 예술 공예학교를 설립 후 벨기에로 돌아가기 전까지 독일 베르크분트에서 중요한 역할을 했다.[221]
브뤼셀에서 아르누보 건축의 데뷔는 장식 예술에 새로운 영향을 주었다. 주요 예술가로는 연철을 사용한 구스타브 스트로벤, 독창적인 의자와 관절 금속 가구로 유명한 구스타브 세르리에 보비, 잠자리, 나비, 백조, 새 형태의 장신구를 만든 주얼리 디자이너 필립 울퍼스가 있었다.
프랑스-독일 미술상 지그프리드 빙은 아르누보 양식을 홍보하는 데 중요한 역할을 했다. 1891년 빙은 일본 미술 전문 잡지를 창간하여 유럽에서 자포니즘을 널리 알렸다. 1892년, 빙은 피에르 보나르, 펠릭스 발로통, 에두아르 뷔야르, 앙리 드 툴루즈로트레크, 외젠 그라스를 포함한 7명의 예술가 전시회를 조직했다. 이 전시회는 1895년 Societe Nationale de beau-arts에서 전시되었다. 같은 해, 빙은 파리 프로방스 22번지에 미술과 장식 예술의 신작을 볼 수 있는 메종 드 아르 누보 미술관을 열었다. 갤러리의 인테리어와 가구는 앙리 반 데어 벨데가 디자인했다. 메종 드 라르누보는 조르주 쇠라, 폴 시냐크, 앙리 드 툴루즈로트레크의 그림, 루이 컴포트 티파니와 에밀 갈리에의 유리, 르네 랄리크의 보석, 오브리 비어즐리의 포스터 등을 전시했다.
아르누보 양식은 이웃 프랑스에 빠르게 퍼졌다. 오르타의 호텔 타셀을 방문 후 영향을 받은 엑토르 기마르는 1895년과 1898년 사이에 파리 최초의 아르누보 건물 카스텔 베랑제를 지었다. 카스텔 베랑제는 네오고딕 양식과 아르누보 양식이 혼합된 형태로 휘어진 채찍줄과 자연스러운 선의 형태가 특징이다.
파리 시민들은 기마르의 독창적이고 그림 같은 스타일을 환영했다. 카스텔 베랑게르는 파리에서 가장 새로운 파사드 중 하나로 선정되었다. 기마르는 새로운 파리 메트로 시스템의 출입구를 디자인하도록 위임받았는데, 이것은 1900년 파리 만국 박람회를 방문한 수백만 명의 방문객들의 관심을 끌었다.[202]
1900년 파리 만국 박람회는 아르누보의 정점을 찍었다. 1900년 4월부터 11월까지 전 세계에서 약 5천만 명의 방문객을 끌어모았고 건축, 디자인, 유리제품, 가구, 장식품 등을 선보였다. 박람회의 몇 건축물은 아르누보 양식과 보자르 건축양식이 혼합되어 나타났다. 그 중 주요 전시실인 그랑 팔레는 화려한 아르누보 계단과 내부의 전시장과는 전혀 관련이 없는 보자르의 파사드를 보여준다.
박람회는 유럽 전역은 물론 다른 지역의 아르누보 디자이너와 예술가들을 위한 첫 번째 국제적인 쇼케이스였다. 수상자와 참가자는 보스니아 헤르체고비나 전시관의 벽화를 만들고 전시관 레스토랑 메뉴를 디자인한 알폰스 무하, 베를린에서 온 장식가 겸 디자이너 브루노 파울과 브루노 뫼링, 토리노에서 온 카를로 부가티, 바이에른에서 온 베른하르트 판콕, 러시아 건축가 표도르 셰흐텔과 미국의 루이스 컴포트 티파니 앤 컴퍼니 등이 있다. 빈의 건축가 오토 바그너는 심사위원으로 참여하여 빈의 자신의 마을에 위치한 아파트의 아르누보 욕실 모형을 유리 욕조로 만들어 선보였다.[222] 요제프 호프만은 빈의 분리파 디자인을 강조하면서 파리 박람회에서 빈 전시를 디자인했다.[223]
파리 만국 박람회가 단연코 가장 큰 규모였지만, 다른 박람회들은 그 스타일을 대중화하는데 많은 기여를 했다. 1888년 바르셀로나 만국 박람회는 루이스 도메네크 이 몬타네르의 몇몇 건물들과 함께 스페인에서 모더니즘 양식의 시작을 알렸다. 1902년 이탈리아 토리노에서 열린 Esposizione internazionale d'arte decorativa moderna에는 카를로 부가티, 갈릴레오 치니, 유제니오 쿼티와 같은 지역 예술가들과 함께 벨기에의 빅토르 오르타와 빈의 요제프 마리아 올브리치를 포함한 유럽 전역의 디자이너들이 작품이 전시되었다.
3. 3. 쇠퇴
1900년 파리 만국박람회는 아르누보 양식의 절정을 보여준 사건이었다. 이 박람회는 1900년 4월부터 11월까지 전 세계에서 약 5천만 명의 방문객을 유치했으며, 아르누보 양식의 건축, 디자인, 유리 제품, 가구 및 장식품을 선보였다.[35][36] 박람회 건축물은 아르누보와 보자르 양식이 혼합된 형태가 많았는데, 주 전시장인 그랑 팔레는 보자르 양식 외관을 가졌지만 내부는 아르누보 양식으로 화려하게 꾸며졌다.
프랑스 디자이너들은 전시회를 위해 특별한 작품을 제작했다. 앙리 베베르와 조르주 푸케의 보석, 돔의 유리, 세브르 국립 제조원의 도자기, 알렉상드르 비고의 도자기, 에밀 갈레의 조각 유리 램프와 꽃병, 에드워드 콜로나와 루이 마조렐의 가구등 랄리크를 포함한 많은 저명한 공예품 회사들이 참여했다. 지그프리트 빙은 "아르누보 빙"이라는 파빌리온을 선보이며 아르누보 양식으로 완전히 장식된 6개의 인테리어를 전시했다.[35][36]
이 박람회는 유럽 전역과 그 너머의 아르누보 디자이너와 예술가들을 위한 국제적인 무대였다. 알퐁스 무하, 브루노 파울, 브루노 뫼링, 카를로 부가티, 베른하르트 판콕, 표도르 셰흐텔, 루이스 컴포트 티파니 등이 수상하거나 참가했다. 오토 바그너는 심사위원으로 참여했고, 요제프 호프만은 파리 박람회의 비엔나 전시관을 디자인했다.[37][38] 엘리엘 사리넨은 핀란드관의 독창적인 디자인으로 국제적인 명성을 얻었다.
1888년 바르셀로나 만국박람회는 루이스 도메네크 이 몬타네르의 일부 건물과 함께 스페인에서 모더니즘 양식의 시작을 알렸다. 1902년 이탈리아 토리노에서 열린 ''Esposizione internazionale d'arte decorativa moderna''는 빅토르 오르타, 요제프 마리아 올브리히를 포함한 유럽 전역의 디자이너들과 카를로 부가티, 갈릴레오 키니, 우제니오 콰르티 등 현지 예술가들의 작품을 선보였다.
"원시적인 사치"라는 비판을 받은 아르누보는 1911년 이후 쇠퇴하기 시작했다.[183] 1930년대부터 1950년대까지 니콜라우스 페프스너, 지그프리트 기디온, 헨리-러셀 히치콕과 같은 영향력 있는 역사가들은 아르누보를 고려하지 않았다. 아르누보를 다룬 최초의 주요 연구는 1950년대 후반 조니 왓서의 저술을 통해 출판되었다.
4. 특징
아르누보는 19세기 후반 유럽 건축을 지배했던 절충주의 양식에 대한 반발이었다. 초기 아르누보는 벨기에와 프랑스에서 백합, 덩굴, 꽃줄기 등 자연 형태에서 영감을 받아 물결치는 곡선 형태를 띠었으며, 빅토르 오르타의 실내와 루이 마조렐, 에밀 갈레의 장식에서 볼 수 있다.[224] 또한 당시 유럽에서 유행했던 일본주의(자포니즘)에서 차용한 나비와 잠자리 문양도 사용되었다.[224]
''쿠 드 푸에'' 또는 "채찍 모양" 선과 같이 움직임을 표현하는 더욱 양식화된 형태가 자주 사용되었다. 1894년 디자이너 헤르만 오브리스트가 그린 시클라멘 식물에서 묘사되었는데, ''판'' 잡지에 실린 헤르만 오브리스트의 벽걸이 ''시클라멘''(1894)에 대한 설명은 이를 "채찍의 균열로 생성된 갑작스럽고 격렬한 곡선"과 비교했다.[136]
백합, 위스테리아 등 꽃에서 영감을 받은 꽃 형태가 인기를 얻었으며, 특히 루이 컴포트 티파니의 램프, 낭시파와 에밀 갈레의 예술가들이 만든 유리 제품에서 나타났다. 자연에서 차용한 다른 곡선형과 물결치는 형태에는 나비, 공작, 백조 및 수련이 있으며, 많은 디자인은 여성의 머리카락이 백합, 아이리스 및 기타 꽃의 줄기와 얽혀 있는 것을 묘사했다.[137] 빅토르 오르타는 카펫, 난간, 창문, 가구에서, 엑토르 기마르는 난간과 파리 지하철 입구의 램프와 난간에 양식화된 꽃 형태를 광범위하게 사용했다.
1900년 이후에는 장식이 더 순수해지고 선이 더 양식화되었다. 곡선형 선과 형태는 다각형으로, 정육면체 및 기타 기하학적 형태로 발전했다. 이러한 기하학적 형태는 요제프 마리아 올브리히, 오토 바그너, 콜로만 모저, 요제프 호프만의 건축 및 가구, 특히 아르데코와 모더니즘의 도래를 알린 브뤼셀의 스토클레 궁전에서 효과적으로 사용되었다.[59][60][61]
아르누보 건축의 또 다른 특징은 빛의 사용, 내부 공간의 개방, 벽의 제거, 그리고 내부로 최대한의 빛을 끌어내기 위한 채광창의 사용이었다. 빅토르 오르타의 거주지와 그가 지은 다른 집들은 굴곡진 철골에 받쳐진 넓은 천창을 가지고 있었다. 호텔 타셀에서 그는 계단 주변의 벽을 제거하여 계단이 인테리어의 중심 요소가 되도록 했다.
5. 지역별 양식
아르누보는 다양한 국가에서 거의 동시에 등장했지만, 항상 동일하지는 않았다. 각 국가에서는 이러한 지역적 이름이 전체 운동을 설명하는 데 자주 사용되었다.
국가 | 명칭 |
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벨기에 | 채찍양식(Whiplash style), 장어양식(Eel style), 국수양식(Noodle style),[202] 글래스고 스타일("Glasgow style") |
영국 | 모던 스타일, 글래스고 스타일("Glasgow style") |
독일과 스칸디나비아 | 레폼스틸("Reform style"), 유겐트슈틸("Youth style"),[202] 웰렌스틸("Wave style"), 릴렌스틸("Lily style")[201] |
덴마크 | 스코엔비르케(Skønvirke|아름다움의 작품da) |
오스트리아 | 빈 분리파(Hungarian: szecesszió, Czech: secese, Slovak: secesia, Polish: secesja), 분리주의 양식("Secession style") |
이탈리아 | 리버티 양식("Liberty style"),[202] 스틸레 플로레알레(Stile floreale, 꽃의 양식), 아르테 누오바(Arte nuova, 신양식) |
미국 | 티파니 양식("Tiffany style")[203][201] |
네덜란드 | Nieuwe Kunst("New Art"), Nieuwe Stijl("New style")[203][201] |
포르투갈 | Arte nova |
스페인 | Modernismo, Modernisme (in Catalan), Arte joven ("Young Art") |
스위스 | Style Sapin ("Fir tree style")[201] |
핀란드 | Kalevala Style |
러시아 | Модерн ("Modern"), Мир Искусства (Mir Iskusstva, "World of Art") |
일본 | 시로우마[204] |
루마니아 | Arta Nouă ("New Art"), Noul Stil ("New Style")[205] |
6. 주요 예술가 및 작품
윌리엄 모리스의 꽃무늬 디자인과 아트 앤 크래프트 운동은 아르누보의 뿌리가 되었다. 필립 웹이 건축 디자인을 맡고, 모리스가 실내 디자인을 맡은 레드 하우스(1859년)와 제임스 애벗 맥닐 휘슬러의 피콕 룸은 아르누보의 선구적인 작품으로 꼽힌다. 단테 가브리엘 로세티와 에드워드 번 존스를 비롯한 라파엘 전파 화가들과 셀루인 이미지, 헤이우드 섬너, 월터 크레인, 알프레드 길버트, 오브리 비어즐리 등 1880년대 영국 시각예술가들도 아트 앤 크래프트 운동에 영향을 받았다.[206] 아서 맥머도가 디자인한 의자는 아르누보 디자인의 선구자로 인정받고 있다.[207]
프랑스에서는 건축 이론가이자 역사학자인 외젠 비올레르뒤크가 주도하여 중세 미술 연구를 바탕으로 합리주의 이론을 제시했다. 그는 기능이 형태를 정의하고, 예술을 통합하며, 건축은 자연주의적 양식이어야 하고, 인간의 환경과 필요에 적응해야 하며, 현대 기술과 재료를 사용해야 한다고 주장했다.[208][209][210][211] 1872년 저서 《건축강연》에서 "우리 시대에 주어진 수단과 지식을 사용하고, 오늘날 더 이상 존재하지 않고 방해되는 전통을 배제한다면, 우리는 새로운 건축을 시작할 수 있다. 기능마다 알맞는 재료가 존재하며, 재료마다 알맞은 형태와 장식이 존재한다"고 밝혔다.[213] 이 책은 루이스 설리번, 빅토르 오르타, 엑토르 기마르, 안토니 가우디 등 당대 건축가에게 영향을 미쳤다.
프랑스 화가 모리스 드니, 피에르 보나르, 에두아르 뷔야르는 전통 회화와 장식 미술의 통합에 기여했다. 모리스 드니는 1891년 "나는 그림이 모든 것을 장식해야 한다고 생각한다. 소재나 장면 선택은 아무것도 아니다. 톤, 채색된 표면, 선의 조화를 통해 정신과 정신에 도달할 수 있으며 감정을 깨울 수 있다"는 말을 남겼다.[214] 이들은 전통 회화와 장식 회화를 스크린, 유리 등 여러 매체에 담아냈다.
자포니즘은 1870년대 유럽으로 수입된 일본 목판화, 특히 우타가와 히로시게, 가쓰시카 호쿠사이, 우타가와 구니사다 등의 작품에서 비롯된 열풍으로 아르누보 양식에 큰 영향을 주었다. 구스타프 클림트를 포함한 수집가와 예술가들은 일본 판화의 양식화된 특징을 아르누보 양식의 시각미술, 도자기, 보석공예, 가구 등에 반영했다. 빅토르 오르타와 같은 일부 아르누보 예술가들은 극동 미술품, 특히 일본 미술품을 소장하고 있었다.[204]
빅토르 오르타는 초기 아르누보의 가장 영향력 있는 건축가 중 한 명이었고, 그의 호텔 타셀(1892–1893)은 아르누보의 랜드마크 중 하나이다.[215][216] 오르타는 레오폴 2세의 건축가 알퐁스 발라의 조수로 라컨궁의 철과 유리 왕실 온실을 건설하며 건축을 배웠다. 호텔 타셀의 중심 요소는 벽으로 둘러싸이지 않고 열려 있는 계단으로, 휘어진 연철 난간으로 장식되어 있고, 위에는 높은 채광창이 있다. 바닥은 나무 줄기와 같은 가느다란 철제 기둥으로 지탱되어 있다. 모자이크 바닥과 벽 장식에 쓰인 꽃과 식물 형태의 섬세한 아라베스크는 이 스타일의 가장 인기 있는 시그니처가 되었다.[217] 오르타는 솔베이 저택, 반 에트벨드 저택, 오르타 저택 등 세 곳의 타운하우스를 더 지었고, 네 곳 모두 현재 유네스코 세계 문화 유산으로 지정되어 있다.
앙리 반 더 벨데는 자신의 거주지인 블루멘베르프(1895)의 인테리어를 디자인했다.[218][219] 집의 외관은 윌리엄 모리스의 거주지 레드 하우스에서 영감을 받았다. 반 더 벨데는 주거의 스타일에 맞는 직물, 벽지, 은식기, 보석류, 그리고 옷까지도 만들었다.[220] 그는 파리로 가서 지그프리드 빙을 위해 가구와 장식을 디자인했고, 파리에 위치한 갤러리에 이름을 붙여줬다. 또한 반 더 벨데는 역동적인 선의 사용을 요구한 초기 아르누보 이론가이기도 했다. 1906년, 반 더 벨데는 바이마르로 향했고, 그곳에서 역사적 양식의 교육이 금지된 그랜드 듀칼 예술 공예학교를 설립 후 벨기에로 돌아가기 전까지 독일 베르크분트에서 중요한 역할을 했다.[221]
브뤼셀에서는 장식 예술에 새로운 영향을 준 예술가들이 등장했다. 주요 예술가로는 브뤼셀 정면에 바로크 효과를 얻기 위해 연철을 사용한 구스타브 스트로벤, 독창적인 의자와 관절 금속 가구로 유명한 구스타브 세르리에 보비, 그리고 잠자리, 나비, 백조, 새의 형태로 장신구를 만든 주얼리 디자이너 필립 울퍼스가 있었다.
프랑스-독일의 미술상이자 출판사인 지그프리드 빙은 아르누보 양식을 홍보하는 데 중요한 역할을 했다. 1891년 빙은 일본 미술을 전문으로 하는 잡지를 창간하여 유럽에서 자포니즘을 널리 알렸다. 1895년, 빙은 파리 프로방스 22번지에 미술과 장식 예술의 신작을 볼 수 있는 메종 드 아르 누보 미술관을 열었다. 갤러리의 인테리어와 가구는 앙리 반 더 벨데가 디자인했다. 메종 드 라르누보는 조르주 쇠라, 폴 시냐크, 앙리 드 툴루즈로트레크, 루이 컴포르트 티파니, 에밀 갈레, 르네 랄리크, 오브리 비어즐리 등의 작품을 전시했다.
엑토르 기마르는 호텔 타셀을 방문한 후 영향을 받아 1895년과 1898년 사이에 파리 최초의 아르누보 건물 카스텔 베랑제를 지었다. 카스텔 베랑제는 네오고딕 양식과 아르누보 양식이 혼합된 형태로 휘어진 채찍줄과 자연스러운 선의 형태가 특징이다. 파리 시민들은 기마르의 독창적인 스타일을 환영했고, 카스텔 베랑제는 파리에서 가장 새로운 파사드 중 하나로 선정되었다. 기마르는 1900년 파리 만국 박람회를 방문한 수백만 명의 방문객들의 관심을 끈 새로운 파리 메트로 시스템의 출입구를 디자인하도록 위임받았다.[202]
1900년 파리 만국 박람회는 아르누보의 정점을 찍었다. 전 세계에서 약 5천만 명의 방문객을 끌어모았고 건축, 디자인, 유리제품, 가구, 장식품 등을 선보였다. 박람회의 주요 전시실인 그랑 팔레는 화려한 아르누보 계단과 내부의 전시장과는 전혀 관련이 없는 보자르 양식의 파사드를 보여준다. 박람회는 유럽 전역은 물론 다른 지역의 아르누보 디자이너와 예술가들을 위한 국제적인 쇼케이스였다. 알폰스 무하, 브루노 파울, 카를로 부가티, 베른하르트 판콕, 표도르 셰흐텔, 루이스 컴포트 티파니 앤 컴퍼니 등이 참가했다. 빈의 건축가 오토 바그너는 심사위원으로 참여하여 빈의 자신의 마을에 위치한 아파트의 아르누보 욕실 모형을 유리 욕조로 만들어 선보였다.[222] 요제프 호프만은 파리 박람회에서 빈 전시를 디자인했다.[223]
1888년 바르셀로나 만국 박람회는 루이스 도메네크 이 몬타네르의 몇몇 건물들과 함께 스페인에서 모더니즘 양식의 시작을 알렸다. 1902년 이탈리아 토리노에서 열린 Esposizione internazionale d'arte decorativa moderna에는 빅토르 오르타와 조셉 마리아 올브리치를 포함한 유럽 전역의 디자이너들이 작품이 전시되었다.
7. 한국에 미친 영향
일본 미술에서 자극을 받은 아르누보는 역수입 형태로 일본에도 영향을 주었다. 나쓰메 소세키의 『고양이』 등 일련의 책 표지 디자인(하시구치 고요), 요사노 아키코의 시집 『미다레가미』·잡지 『묘조』의 표지(후지시마 다케지)나 스기우라 히스이의 포스터 등에 직접적인 영향이 보인다. 다카바타케 가요의 데뷔작이 된 "중장탕" 광고에는 오브리 비어즐리의 영향이 지적되고 있다. 인테리어에서는 기타큐슈시의 구 마쓰모토 겐지로 저택(현 서일본공업클럽)의 내장(1912년경, 다쓰노 긴고 설계)에 아르누보의 영향이 지적된다.
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붓그림에 압축한 ‘로마의 휴일’…이게 다 포스터라고?
3400년 전 숨진 투탕카멘이 20세기 보석 디자인 역사를 바꿨다
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