독일 오페라
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1. 개요
독일 오페라는 1598년 야코포 페리의 다프네가 세계 최초의 오페라로 탄생한 이후, 하인리히 슈츠에 의해 독일어로 제작되며 시작되었다. 1678년 함부르크 오페라의 설립은 독일 오페라 발전에 중요한 전환점이 되었고, 징슈필과 오페라 세리아 등 다양한 형태가 발전했다. 18세기에는 헨델을 비롯한 작곡가들이 이탈리아 오페라를 따랐지만, 징슈필과 멜로드라마도 인기를 얻었다. 19세기 초 낭만주의 시대에는 베버의 자유 사수가 큰 영향을 미쳤으며, 바그너는 총체 예술 개념을 통해 오페라의 혁신을 이끌었다. 후기 낭만주의 시대를 거쳐 모더니즘 시대로 접어들면서 쇤베르크와 베르크의 무조성 오페라가 등장했다. 바이마르 공화국 시기에는 다양한 시도가 이루어졌지만, 나치 정권의 등장으로 많은 작곡가가 박해를 받았다. 2차 세계 대전 이후 독일 오페라는 모더니즘을 계승하며 한스 베르너 헨체, 칼하인츠 슈톡하우젠 등의 작곡가들을 통해 발전해 왔다.
18세기 말, 모차르트가 등장하여 독일 오페라의 전통을 바꾸었다. 크리스토프 빌리발트 글룩은 이탈리아와 프랑스 오페라를 개혁했지만, 독일어 오페라는 그렇지 못했다. 1778년 요제프 2세는 비엔나 부르크극장에 독일어 오페라단인 국립 징슈필을 설립하여 이러한 상황을 바꾸려 했다. 이 시도는 1783년에 중단되었지만, 모차르트의 ''후궁탈출''이 큰 성공을 거두었다. 요한 볼프강 폰 괴테는 이 작품을 높이 평가했다. 이후 몇 년 동안 비엔나에는 독일어 오페라를 공연하는 극장들이 생겨났다. 에마누엘 시카네더는 비덴 극장으로 성공을 거두었다. 1791년 모차르트는 시카네더의 대본으로 ''마술피리''를 작곡했다.[9] 벤첼 뮐러의 Der Fagottist|데어 파고티스트de와 같은 다른 인기 있는 비엔나 마법 오페라들과 함께 공연되었지만, 모차르트의 작품은 평범한 징슈필이 아니었다. 모차르트는 ''마술피리''에서 전통적인 익살스러움에 새로운 진지함을 더했다.
2. 바로크 시대
바로크 시대 독일 오페라는 1627년 하인리히 슈츠(Heinrich Schütz)가 마르틴 오피츠(Martin Opitz)의 번역본 다프네(Dafne) 대본으로 작곡한 다프네(오피츠-슈츠)(Dafne (Opitz-Schütz))(음악 소실)로 시작되었다.[1] [2] [3] 이 오페라는 헤센-다름슈타트의 게오르크 2세와 작센의 소피아 엘레오노라 공주의 결혼을 기념하여 토르가우(Torgau)에서 초연되었다. 초기에는 이탈리아 오페라의 영향이 강했지만, 1644년 지그문트 슈타덴(Sigmund Staden)의 제일비히(Seelewig)가 등장하면서 독일어 징슈필(Singspiel)의 발전이 시작되었다.[4]
1678년 함부르크에 간제마르크트 극장이 설립되면서 독일어 오페라가 본격적으로 발전하기 시작했다.[1] 이 극장은 요한 타일레(Johann Theile)의 아담과 이브를 소재로 한 작품으로 개관하였으며,[1] 라인하르트 카이저(Reinhard Keiser)를 중심으로 발전하였다. 카이저는 100편이 넘는 오페라를 작곡했고, 그중 60편을 함부르크를 위해 작곡했다. 초기에는 종교적인 주제가 주를 이루었으나, 점차 역사적, 신화적 소재로 확장되었다.[1] 륄리의 프랑스 오페라 전통을 수용하여 춤을 포함시키기도 했다.[1] 레치타티보는 독일어로, 아리아는 이탈리아어로 작곡하는 등 다양한 언어를 혼합하여 사용했다.[1] 텔레만의 오르페우스(1726)에는 헨델 오페라에서 가져온 이탈리아어 가사의 아리아와 륄리가 작곡한 프랑스어 합창이 포함되어 있다.[1] 또한, 지역 방언을 사용하는 익살스러운 인물을 등장시키기도 했다.[1] 그러나 1738년 간제마르크트 극장이 파산하면서 독일 오페라는 쇠퇴기를 맞이했다.[3]
2. 1. 탄생
세계 최초의 오페라는 1598년 피렌체에서 야코포 페리(Jacopo Peri)가 작곡한 ''다프네(Dafne)''이다. 30년 후 하인리히 슈츠(Heinrich Schütz)는 시인 마르틴 오피츠(Martin Opitz)의 번역으로 같은 대본을 작곡하여 최초의 독일어 오페라를 만들었다. 슈츠의 ''헤센-다름슈타트의 게오르크 2세와 작센의 소피아 엘레오노라 공주의 결혼을 기념하기 위해 작곡된 것으로 알려져 있다. 토르가우(Torgau)에서 공연되었다.[1] [2] [3] 이탈리아와 마찬가지로 독일과 오스트리아에서 최초의 오페라 후원자들은 왕족과 귀족들이었으며, 알프스 남쪽의 작곡가와 가수들을 선호하는 경향이 있었다. 안토니오 체스티(Antonio Cesti)는 특히 성공적이었는데, 1668년 빈의 황실 법정을 위해 거대한 오페라인 ''황금사과(Il pomo d'oro)''를 제공했다. 이탈리아어 오페라는 바로크와 고전 시대 내내 독일어권 지역에 상당한 영향력을 행사했다. 그럼에도 불구하고, 토착 형태도 발전하고 있었다. 1644년 뉘른베르크(Nuremberg)에서 지그문트 슈타덴(Sigmund Staden)은 독일어 오페라의 한 장르인, 아리아와 대사가 번갈아 나오는 ''징슈필(Singspiel)''을 예고하는 "영적 목가"인 ''제일비히(Seelewig)''를 제작했다. ''제일비히(Seelewig)''는 당시 학교 연극의 예시에서 영감을 받은 도덕적 우화이며, 그 음악이 전해지는 최초의 독일 오페라이다.[4]
2. 2. 함부르크 오페라 (1678-1738)
1678년 함부르크에 간제마르크트 극장이 설립된 것은 중요한 발전이었다. 이 극장은 모국어로 된 오페라를 선호하는 현지 중산층을 대상으로 했다. 이 새로운 오페라 극장은 요한 타일레(Johann Theile)의 작품인, 아담과 이브 이야기를 바탕으로 한 "창조되고, 타락하고, 일으켜 세워진 인간(Der erschaffene, gefallene und aufgerichtete Mensch)" 공연으로 문을 열었다.[1] 그러나 이 극장은 100편이 넘는 오페라를 작곡했고, 그중 60편을 함부르크를 위해 작곡한 라인하르트 카이저(Reinhard Keiser)의 작품이 지배하게 된다. 처음에 함부르크에서 공연된 작품들은 모두 종교적인 주제였는데, 이는 극장이 부도덕하다는 경건주의 교회 당국의 비판을 피하려는 시도였다. 하지만 카이저와 요한 마테손(Johann Mattheson)과 같은 동료 작곡가들은 역사적이고 신화적인 소재를 포함하여 주제의 범위를 넓혔다.[1] 카이저는 외국의 오페라 전통을 활용했는데, 예를 들어 륄리의 프랑스 전통을 모델로 한 춤을 포함시켰다. 그의 오페라의 레치타티보는 관객이 줄거리를 따라갈 수 있도록 항상 독일어였지만, 1703년의 "클라우디우스(Claudius)"부터 그는 화려한 성악적 표현을 가능하게 하는 이탈리아어 아리아를 포함하기 시작했다. 함부르크 스타일의 특징은 절충주의였다.[1] 텔레만의 "오르페우스"(1726)에는 유명한 헨델 오페라에서 가져온 이탈리아어 가사의 아리아와 륄리가 원래 작곡한 가사의 프랑스어 합창이 포함되어 있다.[1] 함부르크 오페라에는 익살스러운 인물도 등장할 수 있었다 (카이저의 1707년 작 "베네치아의 카니발(Der Carneval von Venedig)"에서는 지역 저지작센 방언으로 말하는 인물들이 등장한다). 이는 메타스타시오(Metastasio)가 정의한 고상한 새로운 스타일인 오페라 세리아(opera seria)와 큰 대조를 이룬다.[1] 그러나 가까운 미래는 이탈리아 오페라의 것이었다. 당대 가장 유명한 독일 태생 오페라 작곡가인 헨델은 경력 초기에 함부르크를 위해 네 편의 오페라를 작곡했지만, 곧 이탈리아와 영국으로 건너가 오페라 세리아를 작곡했다.[2] 1738년, 간제마르크트 극장은 파산했고, 독일에서의 진지한 오페라의 운세는 다음 수십 년 동안 쇠퇴했다.[3]
2. 3. 라이프치히와 나움부르크
세계 최초의 오페라는 1598년 피렌체에서 야코포 페리(Jacopo Peri)가 작곡한 ''다프네(Dafne)''이다. 30년 후 하인리히 슈츠(Heinrich Schütz)는 시인 마르틴 오피츠(Martin Opitz)의 번역으로 같은 대본을 작곡하여 최초의 독일어 오페라를 만들었다. 슈츠의 ''헤센-다름슈타트의 게오르크 2세와 작센의 소피아 엘레오노라 공주의 결혼을 기념하기 위해 작곡된 것으로 알려져 있다. 토르가우(Torgau)에서 공연되었다.
3. 고전주의 시대
베토벤은 그의 유일한 오페라인 ''피델리오''에서 ''마술피리''의 요소인 가정 코미디와 진지함을 결합했다. ''피델리오''는 남편을 정치적 투옥에서 구출하는 아내의 이야기이다. 베토벤은 프랑스 혁명의 이상인 자유, 평등, 박애를 표현하고자 했으며, 루이지 케루비니의 구출 오페라에서 영감을 받았다. ''피델리오''는 1805년 초연되었지만 1814년에 최종 버전이 완성되었다. ''피델리오는 독일 레퍼토리의 핵심 작품 중 하나로 인정받고 있다.[1]
3. 1. 오페라 세리아, 징슈필, 멜로드라마
1644년 뉘른베르크(Nuremberg)에서 지그문트 슈타덴(Sigmund Staden)은 아리아와 대사가 번갈아 나오는 ''징슈필(Singspiel)''을 예고하는 "영적 목가"인 ''제일비히(Seelewig)''를 제작했다.[1] ''제일비히(Seelewig)''는 당시 학교 연극에서 영감을 받은 도덕적 우화이며, 그 음악이 전해지는 최초의 독일 오페라이다.[2] 1770년대 중반까지 귀족들의 후원을 받지 못한 독일어 오페라는 생존을 위해 일반 대중에게 의존해야 했고,[3] 이는 극단들이 도시에서 도시로 순회 공연을 해야 함을 의미했다. 징슈필(Singspiel)은 특히 요한 아담 힐러(Johann Adam Hiller)에 의해 가장 인기 있는 독일 오페라 형식이 되었다.[4] 힐러가 1766년에 개작한 징슈필 《변신한 아내들(Die verwandelten Weiber)》은 이 장르의 역사에서 중요한 이정표가 되었지만, 그의 가장 유명한 작품은 《사냥(Die Jagd)》(1770)이다.[4] 이러한 징슈필은 말로 하는 대사와 노래를 섞은 코미디였으며, 영국의 발라드 오페라와 프랑스의 오페라 코믹의 영향을 받았다.[4] 감상적인 줄거리와 매우 단순한 음악을 가진 징슈필은 예술적 세련됨에 있어 당대의 오페라 세리아와는 비교할 수 없었다.[4]
1770년대는 독일어 오페라 역사상 중요한 시기였다.[5] 아벨 자일러(Abel Seyler)의 극단은 진지한 독일어 오페라의 선구자 역할을 했으며, 자일러는 힐러, 게오르크 벤다(Georg Benda), 안톤 슈바이처(Anton Schweitzer) 등에게 오페라 작곡을 의뢰했다.[5] 독일 오페라의 중요한 이정표는 크리스토프 마르틴 비란트(Christoph Martin Wieland)가 대본을 쓰고 자일러가 의뢰한 안톤 슈바이처(Anton Schweitzer)의 《알케스테(Alceste)》(Alceste (Schweitzer))였는데, 1773년 바이마르(Weimar)에서 초연되었다.[6] 《알케스테》는 에른스트 크리스토프 드레스러(Ernst Christoph Dressler)에 의해 "독일 오페라의 모범"이라고 불렸고,[7] 최초의 진지한 독일 오페라로 여겨진다.[8] 또한 1770년대에 게오르크 벤다(Georg Benda)와 같은 작곡가들은 멜로드라마(melodrama)라는 유형의 음악극을 실험하기 시작했는데, 일부 해설가들은 이것을 오페라에 대한 실행 가능한 대안으로 보았다.[9] 독일어권 유럽 전역의 극단에서 인기를 얻은 초기 멜로드라마에는 벤다의 《낙소스의 아리아드네(Ariadne auf Naxos)》(Ariadne auf Naxos (Benda))와 《메데이아(Medea)》(Medea (Benda)) (둘 다 1775년 초연)가 포함된다.[9]
3. 2. 모차르트의 징슈필
18세기 말, 독일 오페라의 전통을 영원히 바꿀 볼프강 아마데우스 모차르트(Wolfgang Amadeus Mozart)가 등장했다. 초기 고전주의 시대의 거장 크리스토프 빌리발트 글룩(Christoph Willibald Gluck)은 이탈리아와 프랑스 오페라를 개혁하는 데 힘썼지만, 독일 레퍼토리에는 그렇지 않았다. 1778년 요제프 2세(Emperor Joseph II)는 비엔나 부르크극장(Burgtheater)에 독일어 오페라단인 국립 징슈필(National Singspiel)을 설립하여 이러한 상황을 바꾸려고 시도했다. 이 실험은 단명하여 1783년에 해체되었지만, 전년도에 젊은 모차르트의 작품인 ''후궁탈출(Die Entführung aus dem Serail)''로 큰 성공을 거두었다. 요한 볼프강 폰 괴테(Johann Wolfgang von Goethe)는 즉시 이 작품의 질을 인식하고 "우리를 모두 놀라게 했다"고 선언했다. 그 후 몇 년 동안 비엔나에는 독일어 오페라를 공연하는 상업 극장들이 생겨났다. 에마누엘 시카네더(Emanuel Schikaneder)는 도시 외곽에 있는 비덴 극장(Theater auf der Wieden)으로 특히 성공을 거두었다. 1791년 모차르트는 시카네더의 대본으로 ''마술피리(The Magic Flute)''를 작곡했다.[9] 벤첼 뮐러(Wenzel Müller)의 Der Fagottist|데어 파고티스트de와 같은 다른 인기 있는 비엔나 마법 오페라(Zauberopern)들과 함께 공연되었지만, 모차르트의 작품은 평범한 징슈필(Singspiel)이 아니었다. 전통적인 익살스러운 요소는 남아 있었지만, 모차르트는 특히 사라스트로와 그의 사제들을 위한 음악에서 새로운 진지함을 더했다. ''후궁탈출''보다 더욱 ''마술피리''는 특히 후대의 평론가들에 따르면 미래 독일 오페라의 방향을 제시했다.
3. 3. 베토벤과 《피델리오》
다음 세대의 가장 위대한 독일 작곡가인 베토벤은 그의 유일한 오페라인 ''피델리오(Fidelio)''에서 ''마술피리''의 요소인 가정 코미디와 진지함을 절묘하게 결합했다. 이 작품은 헌신적인 아내가 남편을 정치적 투옥에서 구출하는 이야기를 다룬다. 1789년 프랑스 혁명(French Revolution) 이후 몇 년 동안은 유럽 역사상 가장 격변의 시기였다. 베토벤은 ''피델리오''를 통해 그 혁명의 이상, 즉 자유, 평등, 박애를 표현하고자 했다. 그는 또한 당대 프랑스 작품, 특히 루이지 케루비니(Luigi Cherubini)의 구출 오페라(rescue opera)에서 영감을 받았다. 베토벤은 본래 오페라 작곡가로서는 재능이 부족했던 것으로 여겨지며, ''피델리오''는 1805년 초연되었지만 그 최종 버전은 1814년에 이르러서야 완성되었다. 그럼에도 불구하고, 피델리오는 걸작으로 널리 인정받고 있으며 독일 레퍼토리의 핵심 작품 중 하나이다.[1]
4. 낭만주의 시대
19세기 초, 낭만주의라는 광범위한 문화 운동이 독일 작곡가들에게 영향을 미치기 시작했다. 낭만주의자들은 중세뿐만 아니라 독일 민속에도 깊은 관심을 보였다. 그림 형제의 동화 모음집과 재발견된 중세 독일 서사시 ''니벨룽겐의 노래''는 이 운동의 주요 영감이 되었다. 또한 나폴레옹의 침략 이후 등장한 새로운 민족주의의 영향으로 독일적 정체성을 추구하는 경향도 흔히 나타났다.
티크, 노발리스, 아이헨도르프, 클레멘스 브렌타노와 같은 작가들에 의해 낭만주의는 이미 독일 문학에 확고히 자리 잡고 있었다. E. T. A. 호프만은 음악 이론가이자 작곡가이기도 했으며, 1816년 베를린에서 오페라 ''운디네''를 작곡했다. 루이스 슈포어의 ''파우스트''(1816년)또한 초기 낭만주의 오페라이다. 호프만과 슈포어는 ''징슈필'' 형식을 출발점으로 삼았지만, 개별적인 곡들을 확장된 장면으로 그룹화하고, 오페라 속 등장인물이나 개념과 관련된 반복되는 음악적 주제인 "회상 동기"를 사용하여 바그너의 레치타티보 사용의 길을 열었다.
독일 낭만주의 오페라 역사상 가장 중요한 획을 그은 작품은 1821년 6월 18일 베를린에서 초연된 칼 마리아 폰 베버의 ''자유 사수(Der Freischütz)''이다. 베버는 유럽 전역에서 조아키노 로시니의 이탈리아 오페라가 지배적인 위치를 차지하는 것을 못마땅하게 여겼고, 독일만의 독특한 오페라 스타일을 확립하고자 했다. 그는 독일 민요와 민속 전통에서 영감을 얻었다. ''자유 사수''는 아펠(Apel)과 라운(Laun)의 ''유령책(Gespensterbuch)''에 나오는 악마와 계약을 맺는 사수에 관한 이야기를 바탕으로 한다. 베버의 강점은 오케스트라의 색채를 통해 분위기를 불러일으키는 능력이었다. 서곡의 첫 소절부터 독일의 원시림 한가운데 있는 것을 알 수 있다. 오페라의 하이라이트는 주인공 막스가 악마와 계약을 맺는 으스스한 늑대 협곡 장면이다. ''자유 사수''는 독일뿐만 아니라 유럽 전역에서 큰 인기를 얻었다.[10]
베버는 결핵으로 요절하고 가사 선택도 좋지 못했기 때문에 오페라 작곡가로서 잠재력을 완전히 발휘하지 못했다. ''자유 사수'' 이후 그의 주요 독일 오페라인 ''에우리안테(Euryanthe)''(1823)는 약한 대본으로 인해 현재는 거의 무대에 오르지 않는다. 그러나 ''에우리안테''는 베버가 말로 하는 대사를 완전히 없애고, 레치타티보와 아리아의 구분이 모호해지는 "통음악(through-composed)" 작품을 만들어, 독일 오페라 발전에 중요한 단계를 나타낸다. 이는 리하르트 바그너를 포함한 후대 작곡가들에게도 영향을 미쳤다.[10]
하인리히 마르슈너는 베버의 가장 중요한 계승자로, "흡혈귀"(1828)와 "한스 하일링"(1833)과 같은 작품에서 고딕 양식과 초자연적인 요소를 더욱 탐구했다.[11] 알베르트 로르칭은 코믹 오페라에서 가장 큰 성공을 거두었다. "차르와 목수"와 같은 작품은 오늘날에도 독일에서 인기가 있지만, 로르칭의 오페라는 해외에서는 거의 상연되지 않는다.[11] 자코모 메이어베어는 독일에서 시작했지만, 이탈리아 오페라와 프랑스 오페라에 대한 공헌으로 더 유명했다. 그는 세 가지 국가적 스타일의 요소들을 융합하여 그랜드 오페라라는 개념을 만들었는데, 이는 바그너의 초기 작품을 포함한 독일 음악 발전에 중요한 영향을 미쳤다.[11]
당시 주목할 만한 오페라로는 오토 니콜라이의 "윈저의 명랑한 아낙네들"(1849)과 프리드리히 폰 플로토의 "마르타"(1847)가 있다.[11] 이후 페터 코르넬리우스("바그다드의 이발사", 1858), 헤르만 괴츠("말괄량이 길들이기", 1874), 칼 골드마르크("시바의 여왕", 1875)가 등장했다.[11]
이 시대의 프란츠 슈베르트와 로베르트 슈만은 주요 작품을 다른 장르에서 작곡했지만 오페라도 작곡했다.[11] 슈베르트는 주로 징슈필 스타일로 12편 이상의 오페라를 작곡했지만, 생전에 거의 공연되지 않았다.[11] 슈만은 오페라 "게노베바"를 1850년 라이프치히에서 초연했지만, 리스트의 칭찬을 받았음에도 지속적인 성공을 거두지는 못했다.[11] 이 두 작곡가의 오페라는 훌륭한 음악을 담고 있지만, 극적인 약점으로 인해 무대 작품으로 칭송받기에는 부족하다는 평가를 받는다.[11]
리하르트 바그너는 음악사에서 가장 혁신적이고 논란이 많은 작곡가 중 한 명으로, 그의 혁신은 독일과 오스트리아뿐 아니라 유럽 전역의 오페라 방향을 바꾸었다. 바그너는 음악, 시, 회화가 융합된 "총체예술(Gesamtkunstwerk)"이라는 새로운 오페라 개념을 점진적으로 발전시켰다. 그의 초기 실험은 베버(<요정들>)와 마이어베어(<리엔치>)의 예를 따랐지만, 가장 중요한 형성적 영향은 베토벤의 교향곡 음악이었을 것이다. 바그너는 자신의 경력이 <네덜란드인의 일기(Der fliegende Holländer)>(1843)로 시작되었다고 믿었다. 뒤이은 <탄호이저>와 <로엔그린>과 함께 이 작품은 "독일 낭만주의 오페라의 절정"으로 묘사되었다.[1]
그의 성숙한 드라마인 <트리스탄과 이졸데>, <뉘른베르크의 명가수>, <니벨룽의 반지>, 그리고 <파르지팔>에서 바그너는 아리아와 레치타티보의 구분을 없애고 "끝없는 선율"을 선호했다. 그는 오케스트라의 역할과 힘을 크게 증대시켜 복잡한 음악 동기의 그물을 가진 악보를 만들었고, 더 큰 표현력을 추구하는 과정에서 조성과 같은 음악적 관습을 위반할 준비가 되어 있었다. 바그너는 게르만이나 아서왕 전설의 이야기를 바탕으로 한 작품들에 새로운 철학적 차원을 가져왔다. 마침내 바그너는 자신의 작품을 원하는 스타일로 공연하기 위해 바이로이트에 자신의 오페라 극장을 건설했다.[2][3]
4. 1. 초기 낭만주의
19세기 초, 낭만주의라는 광범위한 문화 운동이 독일 작곡가들에게 영향을 미치기 시작했다. 낭만주의자들은 중세뿐만 아니라 독일 민속에도 깊은 관심을 보였다. 그림 형제의 동화 모음집과 재발견된 중세 독일 서사시 ''니벨룽겐의 노래''는 이 운동의 주요 영감이 되었다. 또한 나폴레옹의 침략 이후 등장한 새로운 민족주의의 영향으로 독일적 정체성을 추구하는 경향도 흔히 나타났다. 티크, 노발리스, 아이헨도르프, 클레멘스 브렌타노와 같은 작가들에 의해 낭만주의는 이미 독일 문학에 확고히 자리 잡고 있었다. 가장 유명한 독일 낭만주의 작가 중 한 명인 E. T. A. 호프만은 음악 이론가이자 작곡가이기도 했으며, 1816년 베를린에서 오페라 ''운디네''를 작곡했다. 또 다른 중요한 초기 낭만주의 오페라로는 루이스 슈포어의 ''파우스트''(1816년)가 있다. 호프만과 슈포어는 모두 ''징슈필''의 기본 형식을 출발점으로 삼았지만, 개별적인 곡들을 확장된 장면으로 그룹화하기 시작했다. 또한 그들은 오페라 속 등장인물이나 개념과 관련된 반복되는 음악적 주제인 "회상 동기"를 사용했는데, 이것은 바그너의 레치타티보 사용의 길을 열었다.4. 2. 베버
독일 낭만주의 오페라 역사상 가장 중요한 획을 그은 작품은 1821년 6월 18일 베를린에서 초연된 칼 마리아 폰 베버의 ''자유 사수(Der Freischütz)''이다. 베버는 유럽 전역에서 조아키노 로시니의 이탈리아 오페라가 지배적인 위치를 차지하는 것을 못마땅하게 여겼고, 독일만의 독특한 오페라 스타일을 확립하고자 했다. 그는 영감을 얻기 위해 독일 민요와 민속 전통에 눈을 돌렸다. ''자유 사수''는 아펠(Apel)과 라운(Laun)의 ''유령책(Gespensterbuch)''(유령의 책)에 나오는 악마와 계약을 맺는 사수에 관한 이야기를 바탕으로 한다. 베버의 강점은 오케스트라의 색채를 통해 분위기를 불러일으키는 놀라운 능력이었다. 서곡의 첫 소절부터 독일의 원시림 한가운데 있는 것을 알 수 있다. 오페라의 하이라이트는 주인공 막스가 악마와 계약을 맺는 으스스한 늑대 협곡 장면이다. ''자유 사수''는 독일뿐만 아니라 유럽 전역에서 엄청난 인기를 얻었다.[10] 베버는 결핵으로 요절하고 가사 선택도 좋지 못했기 때문에 오페라 작곡가로서 그의 잠재력을 완전히 발휘하지 못했다. ''자유 사수'' 이후 그의 주요 독일 오페라인 ''에우리안테(Euryanthe)''(1823)는 특히 약한 대본으로 인해 현재는 거의 무대에 오르지 않는다. 그러나 ''에우리안테''는 진지한 독일 오페라 발전의 또 다른 중요한 단계를 나타낸다. 베버는 말로 하는 대사를 완전히 없애고, 레치타티보와 아리아의 구분이 모호해지는 "통음악(through-composed)" 작품을 만들었다. 이러한 그의 교훈은 리하르트 바그너를 포함한 후대 작곡가들에게도 영향을 미쳤다.[10]
4. 3. 기타 낭만주의 작곡가
하인리히 마르슈너는 베버의 가장 중요한 계승자로, 낭만주의 오페라 분야에서 "흡혈귀"(1828)와 "한스 하일링"(1833)과 같은 작품에서 고딕 양식과 초자연적인 요소를 더욱 탐구했다.[11] 반면에 알베르트 로르칭은 코믹 오페라에서 가장 큰 성공을 거두었다. "차르와 목수"와 같은 작품의 인기는 오늘날에도 독일에서 계속되고 있지만, 로르칭의 오페라는 해외에서는 거의 상연되지 않는다.[11] 자코모 메이어베어는 독일에서 시작했지만, 이탈리아 오페라와 (특히) 프랑스 오페라에 대한 공헌으로 더 유명했다. 그는 세 가지 국가적 스타일의 요소들을 융합하여 그랜드 오페라라는 개념을 만들었는데, 이는 바그너의 초기 작품을 포함한 독일 음악 발전에 중요한 영향을 미쳤다.[11] 그 당시 주목할 만한 다른 오페라로는 오토 니콜라이의 "윈저의 명랑한 아낙네들"(1849)과 프리드리히 폰 플로토의 "마르타"(1847)가 있다.[11] 이후 페터 코르넬리우스("바그다드의 이발사", 1858), 헤르만 괴츠("말괄량이 길들이기", 1874), 칼 골드마르크("시바의 여왕", 1875)가 등장했다.[11]이 시대의 두 명의 위대한 작곡가로, 주요 작품을 다른 장르에서 작곡했지만 오페라도 작곡한 프란츠 슈베르트와 로베르트 슈만을 언급해야 한다.[11] 슈베르트는 주로 징슈필(Singspiel) 스타일로 12편 이상의 오페라를 작곡했지만, 작곡가 생전에 거의 공연되지 않았다.[11] 슈만은 오페라를 한 편만 작곡했는데, 바로 "게노베바"로 1850년 라이프치히에서 처음 상연되었다.[11] 리스트의 칭찬을 받았지만, 지속적인 성공을 거두지는 못했다.[11] 이 두 작곡가의 오페라에 대한 평결은 일반적으로 훌륭한 음악을 담고 있지만, 훌륭한 무대 작품으로 칭송받기에는 너무 많은 극적인 약점이 있다는 것이다.[11]
4. 4. 바그너
리하르트 바그너는 음악사에서 가장 혁신적이고 논란이 많은 작곡가 중 한 명으로, 그의 혁신은 독일과 오스트리아뿐 아니라 유럽 전역의 오페라 방향을 바꾸었다. 바그너는 음악, 시, 회화가 융합된 "총체예술(Gesamtkunstwerk)"이라는 새로운 오페라 개념을 점진적으로 발전시켰다. 그의 초기 실험은 베버(<요정들>)와 마이어베어(<리엔치>)가 제시한 예를 따랐지만, 가장 중요한 형성적 영향은 아마도 베토벤의 교향곡 음악이었을 것이다. 바그너는 자신의 경력이 <네덜란드인의 일기(Der fliegende Holländer)>(1843)로 진정으로 시작되었다고 믿었다. 뒤이은 두 작품인 <탄호이저>와 <로엔그린>과 함께 이 작품은 "독일 낭만주의 오페라의 절정"으로 묘사되었다.[1] 하지만 이것들은 훨씬 더 급진적인 발전의 서곡에 불과했다.
그의 성숙한 드라마인 <트리스탄과 이졸데>, <뉘른베르크의 명가수>, <니벨룽의 반지>, 그리고 <파르지팔>에서 바그너는 아리아와 레치타티보의 구분을 없애고 "끝없는 선율"의 매끄러운 흐름을 선호했다. 그는 오케스트라의 역할과 힘을 크게 증대시켜 복잡한 음악 동기의 그물을 가진 악보를 만들었고, 더 큰 표현력을 추구하는 과정에서 조성과 같은 받아들여진 음악적 관습을 위반할 준비가 되어 있었다. 바그너는 또한 그의 작품들에 새로운 철학적 차원을 가져왔는데, 이 작품들은 대개 게르만이나 아서왕 전설의 이야기를 바탕으로 했다. 마침내 바그너는 자신의 작품을 자신이 원하는 스타일로 공연하기 위해 전적으로 바쳐진 자신의 오페라 극장을 바이로이트에 건설했다.[2][3]
5. 후기 낭만주의 시대
훔퍼딩크는 바그너의 영향을 받은 다음 세대 작곡가 중 가장 성공한 인물 중 하나였다. 그의 ''헨젤과 그레텔''(1893)은 여전히 오페라의 주요 레퍼토리로 자리 잡고 있다. 훔퍼딘크는 민요와 그림 형제의 이야기에서 영감을 얻었다. ''헨젤과 그레텔''은 어린이들에게 오페라를 소개하는 이상적인 작품으로 여겨지지만, 정교한 관현악법과 레이트모티프의 활용은 바그너의 영향을 보여준다.[1] 이 시대의 다른 오페라 작곡가로는 휴고 볼프와 바그너의 아들 지그프리트가 있다.[1]
리하르트 슈트라우스는 아버지 프란츠 슈트라우스의 반대에도 불구하고 바그너의 영향을 강하게 받았다. 17세에 그는 ''탄호이저'', ''로엔그린'', ''지그프리트''에는 큰 감명을 받지 못했지만, ''반지''의 다른 세 작품과 ''트리스탄과 이졸데''에는 매료되었다. 초기에는 관현악적 음악시로 더 유명했지만, ''살로메''(1905)와 ''엘렉트라''(1909)는 그를 독일 최고의 오페라 작곡가로 만들었다. 이 두 오페라는 음악 체계의 한계를 시험하는 작품으로, 고도로 색채적인 음악은 거친 불협화음과 해결되지 않은 화성을 특징으로 한다. 이는 끔찍한 주제와 결합되어 표현주의를 예고했다.
''엘렉트라''는 슈트라우스가 오스트리아 시인이자 극작가 휴고 폰 호프만슈탈과의 협업을 시작한 작품으로, 호프만슈탈은 그에게 5편의 대본을 더 제공했다. 1911년 ''장미의 기사''에서 슈트라우스는 방향을 바꾸어 모차르트와 빈 왈츠의 세계를 향했다. ''장미의 기사''는 전 세계적으로 큰 성공을 거두었고, 슈트라우스는 이후 ''나크소스 섬의 아리아드네'', ''그림자 없는 여인'', ''인테르메초''와 ''아라벨라'', ''이집트의 헬레네''와 ''다프네'' 등 다양한 작품을 만들었다. 슈트라우스는 1942년 ''카프리치오''로 음악 무대에 작별을 고했다.
프란츠 슈레커, 알렉산더 폰 쳄린스키, 에리히 코른골트는 리하르트 슈트라우스의 《살로메》와 《엘렉트라》와 유사한 영역을 탐구했다. 그들은 리하르트 바그너의 영향, 풍성한 관현악법, 기묘한 화성과 불협화음을 퇴폐적인 주제와 결합하여 표현주의와 지그문트 프로이트의 심리학적 탐구를 반영했다. 세 작곡가 모두 나치 정권 하에서 박해를 받고 잊혔는데, 나치는 그들의 작품을 '퇴폐 음악'으로 규정했다. 한스 피츠너는 보수적인 성향의 바그너 이후 작곡가였다. 그의 주요 오페라 《팔레스트리나》(1917)는 음악적 모더니즘이 아닌 전통과 영감을 옹호한다.[1]
19세기 후반, 빈에서는 오페라보다 가벼운 오페레타가 인기를 얻었다. 오페레타는 매력적인 선율, 코믹한 줄거리, 대사를 특징으로 한다. 빈의 오페레타는 자크 오펜바흐의 프랑스 오페레타에서 영감을 받았다. 프란츠 폰 쥐페의 '''다스 펜시오나트'''(1860)는 독일어 최초의 중요한 오페레타로 여겨지지만, 이 장르에서 가장 유명한 작품은 요한 슈트라우스의 '''박쥐'''(1874)이다. 프란츠 레하르의 '''즐거운 미망인'''(1905)과 에메리히 칼만의 '''집시 남작'''(1915)도 큰 인기를 얻었다. 오스카 슈트라우스와 지그문트 롬베르크도 이 스타일로 작곡했다.
5. 1. 바그너 이후
훔퍼딘크는 바그너의 혁신에 영향을 받은 다음 세대의 가장 성공적인 작곡가 중 한 명이었다. 그의 ''헨젤과 그레텔''(1893)은 여전히 표준 레퍼토리에서 확고한 자리를 차지하고 있다. 훔퍼딘크는 영감을 얻기 위해 민요와 그림 형제의 이야기로 회귀했다. ''헨젤''은 종종 어린이들에게 오페라를 소개하는 이상적인 작품으로 여겨지지만, 매우 정교한 관현악법을 사용하고 레이트모티프를 효과적으로 활용하는데, 이는 모두 바그너의 영향을 보여주는 전형적인 징후이다.[1]이 시대의 다른 오페라 작곡가로는 휴고 볼프 (''코레히도르'', 1896)와 바그너의 아들 지그프리트가 있다.[1]
5. 2. 리하르트 슈트라우스
리하르트 슈트라우스는 아버지 프란츠 슈트라우스의 반대에도 불구하고 바그너의 영향을 강하게 받았다. 17세에 그는 ''탄호이저'', ''로엔그린'', ''지그프리트''에는 감명을 받지 못했지만, ''반지''의 다른 세 작품과 ''트리스탄과 이졸데''에는 완전히 매료되었다. 초기에는 관현악적 음악시로 더 유명했지만, ''살로메''(1905)와 ''엘렉트라''(1909)는 그를 독일 최고의 오페라 작곡가로서의 명성을 빠르게 확립시켰다. 이 두 오페라는 음악 체계의 한계를 시험하는 작품이었다. 고도로 색채적인 음악은 거친 불협화음과 해결되지 않은 화성을 특징으로 한다. 이것은 끔찍한 주제와 결합되어 표현주의를 예고했다.
''엘렉트라''는 또한 슈트라우스가 저명한 오스트리아 시인이자 극작가 휴고 폰 호프만슈탈과의 작업 관계의 시작을 알렸으며, 호프만슈탈은 작곡가에게 5편의 대본을 더 제공했다. 1911년 ''장미의 기사''에서 슈트라우스는 방향을 바꾸어 바그너뿐만 아니라 모차르트와 빈 왈츠의 세계를 향했다. 근대주의 비평가들은 그를 "타협했다"고 비난했지만, ''장미의 기사''는 전 세계 관객들에게 엄청난 성공을 거두었다. 슈트라우스는 비평의 유행을 계속 무시하고, ''나크소스 섬의 아리아드네'', 복잡한 우화 ''그림자 없는 여인'', 가정 드라마 ''인테르메초''와 ''아라벨라'', 신화적인 ''이집트의 헬레네''와 ''다프네''와 같은 희극과 비극을 혼합한 작품들을 제작했다. 슈트라우스는 1942년 ''카프리치오''로 음악 무대에 작별을 고했는데, 이것은 오페라에서 말과 음악의 관계를 탐구하는 "대화 작품"이다.
5. 3. 기타 후기 낭만주의 작곡가
프란츠 슈레커(먼 소리(Der ferne Klang), 1912; 보물 사냥꾼(Der Schatzgräber), 1920), 알렉산더 폰 쳄린스키(《피렌체 비극(Eine florentinische Tragödie), 1917; 《난쟁이》(Der Zwerg), 1922), 에리히 코른골트(《죽은 도시(Die tote Stadt), 1920)는 리하르트 슈트라우스의 《살로메》와 《엘렉트라》와 유사한 영역을 탐구했다. 그들은 리하르트 바그너의 영향, 풍성한 관현악법, 기묘한 화성과 불협화음을 퇴폐적인(Decadent) 주제와 결합하여 예술에서 표현주의(Expressionism)의 지배와 지그문트 프로이트(Sigmund Freud)의 당대 심리학적 탐구를 반영했다. 세 작곡가 모두 나치(Nazi) 정권 하에서 박해를 받고 잊히게 되었는데, 나치는 그들의 작품을 '퇴폐 음악(entartete Musik)'으로 규정했다. 한스 피츠너(Hans Pfitzner)는 보다 보수적인 성향이었지만 또 다른 후기 낭만주의 바그너 이후 작곡가였다. 그의 주요 오페라 《팔레스트리나》(Palestrina), 1917은 음악적 모더니즘이 아닌 전통과 영감을 옹호한다.[1]5. 4. 오페레타의 전성기
19세기 후반, 오페라보다 가볍고 새로운 형태인 오페레타가 빈에서 인기를 얻었다. 오페레타는 즉각적으로 매력적인 선율, 코믹하고(종종 경솔한) 줄거리를 가지고 있으며, 음악적인 "곡" 사이에는 대사가 사용되었다. 빈의 오페레타는 자크 오펜바흐의 프랑스 오페레타 유행에서 영감을 받았다. 프란츠 폰 쥐페의 '''다스 펜시오나트'''(1860)는 일반적으로 독일어로 된 최초의 중요한 오페레타로 여겨지지만, 이 장르에서 가장 유명한 작품은 단연 요한 슈트라우스의 '''박쥐'''(1874)이다. 프란츠 레하르의 '''즐거운 미망인'''(1905)과 에메리히 칼만의 '''집시 남작'''(1915)도 엄청난 히트작이었다. 이러한 스타일로 작곡한 다른 작곡가로는 오스카 슈트라우스와 지그문트 롬베르크가 있다.6. 모더니즘: 제2비엔나악파
모더니즘 오페라는 소위 제2비엔나악파의 아르놀트 쇤베르크와 그의 추종자 알반 베르크의 오페라에서 본격적으로 시작되었는데, 이들은 무조성과 십이음기법(쇤베르크가 체계화)을 지지했다.[12] 쇤베르크의 초기 음악극 작품인 『기대』(1909년 작곡, 1924년 초연)와 『행복한 손』은 화성의 극단적인 색채와 불협화음을 많이 사용했다. 쇤베르크는 또한 때때로 말하기소리를 사용했는데, 그는 이를 "지정된 음정에 따라 높낮이가 변하는 목소리이며, 쉼표가 표시된 곳을 제외하고는 모든 것이 음악의 시간과 리듬에 묶여 있다"라고 설명했다. 쇤베르크는 『모세와 아론』을 자신의 오페라 걸작으로 의도했지만, 미완성으로 남겨두었다.[12]
쇤베르크의 제자인 알반 베르크의 두 오페라, 『보체크』와 『루루』(미완성)는 위에서 설명한 많은 특징들을 공유하지만, 베르크는 쇤베르크의 십이음기법에 대한 자신의 매우 개성적인 해석을 말러적 성격의 보다 전통적인 조성적 선율과 결합했다. 이는 그의 오페라가 논란이 되는 음악과 줄거리에도 불구하고 표준 레퍼토리에 남아 있는 이유를 부분적으로 설명해 준다.[12]
7. 1918-1945: 바이마르 공화국, 전간기 오스트리아, 제3제국
제1차 세계 대전 이후 몇 년 동안, 독일과 오스트리아의 문화는 주변의 정치적 혼란에도 불구하고 번영하였다. 쇤베르크와 베르크와 같은 모더니스트들과 함께 후기 낭만주의 작곡가들은 여전히 활동하였다. 이탈리아 태생의 페루치오 부소니는 독자적인 길을 개척하여 자신의 음악에서 요한 제바스티안 바흐와 아방가르드, 지중해와 게르만 문화를 융합하려고 시도하였다. 그는 자신의 가장 중요한 오페라인 "파우스트 박사(1925)"를 완성하지 못하고 세상을 떠났다. 파울 힌데미트는 "여인들의 희망, 살인자"와 같은 짧고 충격적인 작품으로 오페라 경력을 시작한 후 부소니처럼 바흐로 눈을 돌렸다. 힌데미트는 바흐에게서 영감을 받은 "신고전주의"를 후기 낭만주의의 과잉을 억제하는 방법으로 보았다. "카르디략(1925)"은 이러한 경향의 그의 첫 번째 작품이었다. 힌데미트는 또한 에른스트 크레네크처럼 그의 오페라에서 현대 생활을 무대에 올리는 것("차이토페어"(Zeitoper)라고 불리는 개념)에 관심이 있었다. 크레네크의 "조니는 연주한다(1927)"는 재즈 바이올리니스트를 주인공으로 하고 있다. 쿠르트 바일은 바이마르 공화국의 삶을 더 공개적으로 정치적인 방식으로 반영하였다. 베르톨트 브레히트와의 가장 유명한 협업인 "서푼짜리 오페라(1928)"는 스캔들과 엄청난 흥행 성공을 동시에 거두었다.
아돌프 히틀러의 집권은 이 번영하는 오페라계를 파괴하였다. 역설적이게도 1933년 국회의사당 방화 사건 이후 독일 정부의 자리는 베를린의 국립 오페라 하우스인 크롤 오페라 하우스로 이전되었다. 이곳은 오토 클렘페러의 모험적인 지휘 아래 힌데미트의 "오늘의 뉴스"를 포함하여 1920년대의 많은 혁신적인 작품들의 초연을 보았다. 이제 힌데미트는 제3제국의 출현에 그의 주요 작품인 "화가 마티스"로 응답했다. 이 작품은 적대적인 시대에 살아남으려고 노력하는 예술가의 초상화이다. 힌데미트의 모든 음악 공연이 전년도에 독일에서 금지되었기 때문에 이 작품은 1938년 취리히에서 초연되었다. 1940년 힌데미트는 스위스를 떠나 미국으로 가서 쇤베르크, 바일, 코른골트, 젬린스키를 포함한 대서양 횡단 작곡가들의 이동에 합류하였다. 슈레커는 1934년에 사망했는데, 나치에 의해 교수직에서 해임되었기 때문이다. 유망한 빅토르 울만과 같은 다른 작곡가들은 죽음의 수용소에서 사망하였다. 카를 오르프, 베르너 에크, 그리고 노령의 리하르트 슈트라우스를 포함한 일부 오페라 작곡가들은 최선을 다해 새로운 정권에 순응하기 위해 독일에 남았다.[1]
8. 1945년 이후
제2차 세계 대전 이후 독일 작곡가들은 제3제국의 파괴로 인한 결과와 화해할 방법을 찾아야 했다. 쇼스타코비치와 베르크의 모더니즘은 젊은 작곡가들에게 매력적이었는데, 그들의 작품은 나치에 의해 금지되었고 이전 정권의 오점이 없었기 때문이다. 베른트 알로이스 치머만은 그의 유일한 오페라인 ''병사들(Die Soldaten)''(1965)에서 베르크의 ''보체크(Wozzeck)''를 참고했고, 아리베르트 라임만은 그의 셰익스피어 작품인 ''리어(Lear)''(1978)로 표현주의 전통을 이어갔다. 전후 독일 오페라 작곡가 중 가장 다재다능하고 국제적으로 유명한 인물은 한스 베르너 헨체일 것이다. 그는 베르크의 영향과 베르디와 같은 이탈리아 작곡가들의 영향을 혼합한 일련의 작품들을 만들었다. 그의 오페라에는 ''고독한 거리(Boulevard Solitude)'', ''바사리드(The Bassarids)''(오든의 대본), ''배신당한 바다(Das verratene Meer)''가 있다. 칼하인츠 슈톡하우젠은 일주일의 7일을 기반으로 한 방대한 오페라 시리즈인 ''빛(Licht)''(1977~2003)으로 더욱 아방가르드적인 방향으로 나아갔다. 기젤허 클레베는 문학 작품을 바탕으로 오페라 장르에서 광범위한 작품을 창작했다.[13] 오늘날에도 여전히 오페라를 제작하고 있는 다른 주요 작곡가로는 볼프강 림과 올가 노이비르트가 있다.
참조
[1]
문서
Another prolific composer, Telemann began to eclipse Keiser as the leading opera composer in Hamburg from 1717.
[2]
문서
Only one of Handel's German-language operas, ''Almira'', survives in a reasonably intact state.
[3]
서적
On the Hamburg opera
1994
[4]
음반
Booklet notes to the recording of Keiser's opera ''Croesus''
[5]
서적
Klatschnest Weimar: Ernstes und Heiteres, Menschlich-Allzumenschliches aus dem Alltag der Klassiker
Königshausen & Neumann
2009
[6]
잡지
Schweitzer, A. ''Alceste''
https://www.gramopho[...]
2008-07
[7]
백과사전
Dreßler, Ernst Christoph
[8]
서적
E. T. A. Hoffmann, Cosmopolitanism, and the Struggle for German Opera
Brill
2015
[9]
서적
The Cambridge Companion to The Magic Flute
https://www.cambridg[...]
Cambridge University Press
2023
[10]
음반
Essay by John Warrack in the booklet to Carlos Kleiber's recording of ''Der Freischütz''
Deutsche Grammophon
1973
[11]
서적
Romantic Opera in Germany
2003
[12]
뉴스
Schoenberg: ''Moses und Aron''
https://www.theguard[...]
The Guardian
2001-05-05
[13]
웹사이트
Zeit als Intensität und Qualität
http://www.nmz.de/nm[...]
ConBrio
2005-09
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