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르네상스 음악

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목차

1. 개요

르네상스 음악은 14세기부터 16세기까지 이탈리아를 중심으로 일어난 문화 운동인 르네상스 시대의 음악을 지칭한다. 인본주의 사상의 부상, 인쇄술의 발명, 프랑코-플레미쉬 악파의 다성 음악 스타일의 등장 등 사회적 변화 속에서 르네상스 음악은 발전했다. 르네상스 음악은 다성 음악, 3도와 6도의 협화음 사용, 선법에 기초한 음악, 텍스처의 혼합, 화음 진행에 대한 관심 증가 등의 특징을 보이며, 종교 음악과 세속 음악 모두 발전했다. 주요 형식으로는 미사, 모테트, 샹송, 마드리갈 등이 있었으며, 기악 음악 또한 독립적인 장르로 발전했다. 르네상스 시대에는 다양한 악기들이 사용되었으며, 후기 르네상스 시대에는 이탈리아를 중심으로 로마 악파와 베네치아 악파가 등장하여 다중 합창 양식을 발전시키고, 마드리갈과 모노디 양식이 발전하면서 바로크 음악으로의 전환을 이끌었다.

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르네상스 음악
음악 사조
시기15세기 ~ 16세기
기원
발생 지역유럽
특징
일반적 특징다성 음악의 발전
대위법의 활용
성악 음악의 중요성
주요 장르미사
모테트
샹송
마드리갈
기악곡
주요 작곡가
초기 르네상스기욤 뒤파이
요하네스 오케겜
중기 르네상스조스캥 데 프레
조반니 피에를루이지 다 팔레스트리나
후기 르네상스롤랑 드 라스
토마스 루이스 데 빅토리아
윌리엄 버드
조반니 가브리엘리
관련 음악
이전 시대중세 음악
다음 시대바로크 음악

2. 르네상스 음악의 개념

르네상스는 "재생"을 의미하며, 14세기부터 16세기경까지 고대 그리스·로마 문화를 부흥시키고자 했던 (주로 이탈리아를 중심으로 한) 문화 운동(회화, 조각, 건축, 문학)을 가리킨다. ([르네상스 항목 참조).[1] 동시대 북부 부르고뉴 등지에서도 새로운 예술·문화적 움직임이 나타났는데, 이는 "고대 부흥"이라는 의식과는 직접적인 관련은 없지만, "르네상스 시대"의 예술로 불린다.[1]

음악 분야에서는 이탈리아를 중심으로 고대 그리스·로마 시대의 음악을 부흥시키려는 움직임이 꾸준히 있었으나, 이는 주로 이론적인 논의에 머물렀고 실제 음악 복원이라는 관점에서는 큰 발전을 이루지 못했다.[1] 15세기부터 16세기의 유럽 음악에서 "르네상스 음악"이라고 불리는 대부분의 음악은 고대 서양 음악을 복원한 음악이라는 의미보다는, 미술, 예술, 문화사에서의 "르네상스" 시대에 해당하는 시기의 음악이라는 의미가 강하다.[1]

2. 1. 르네상스 시대의 사회적 배경

르네상스 시대의 음악은 초기 근대 시대를 정의하는 여러 발전의 영향을 크게 받았다. 인본주의 사상의 부상, 고대 그리스와 고대 로마의 문학 및 예술 유산의 부활, 혁신과 발견의 증가, 상업 기업의 성장, 부르주아 계급의 부상, 그리고 종교 개혁이 그것이다. 이러한 변화하는 사회에서 프랑코-플레미쉬 악파의 다성 음악 스타일과 같이 공통적이고 통일적인 음악 언어가 나타났다.

1439년 인쇄술의 발명은 음악과 음악 이론 서적을 더 넓은 지역으로, 더 많은 사람들에게 더 저렴하고 쉽게 배포할 수 있게 했다. 인쇄술이 발명되기 전에는 손으로 음악과 음악 이론 서적을 베껴야 했는데, 이는 시간과 비용이 많이 드는 과정이었다. 부르주아 계급의 등장과 함께 교양 있는 아마추어를 위한 오락 및 여가 활동으로서의 음악에 대한 수요가 증가했다. 샹송, 모테트, 그리고 미사곡이 유럽 전역에 퍼진 것은 다성 음악 기법이 통합되면서 조반니 피에를루이지 다 팔레스트리나, 올랑드 드 라소, 토마스 탈리스, 윌리엄 버드, 토마스 루이스 데 빅토리아와 같은 작곡가들의 작품에서 절정에 이르는 유동적인 스타일로 발전한 것과 일치했다.

저지대 국가의 상대적인 정치적 안정과 번영, 그리고 이 지역의 많은 교회와 대성당에서 번성했던 음악 교육 시스템은 많은 수의 성악가, 기악 연주자, 그리고 작곡가를 훈련시킬 수 있게 했다. 이 음악가들은 유럽 전역, 특히 이탈리아에서 매우 인기가 있었으며, 교회와 귀족 궁정은 그들을 작곡가, 연주자, 그리고 교사로 고용했다. 인쇄술이 인쇄된 음악을 더 쉽게 보급할 수 있게 됨에 따라, 16세기 말에는 이탈리아가 북부의 음악적 영향을 흡수했으며, 베네치아, 로마, 그리고 다른 도시들은 음악 활동의 중심지가 되었다. 이는 백 년 전의 상황을 역전시킨 것이다. 오페라는, 가수가 악기의 반주를 받으며 노래하는 극적인 무대 장르로, 이 시기에 피렌체에서 등장했다. 오페라는 고대 그리스 음악을 부활시키려는 의도적인 시도로 개발되었다.

르네상스는 "재생"을 의미하는 단어로, 고대 그리스·로마의 부흥을 목표로 한 14세기부터 16세기경의 (주로 이탈리아의) 문화 운동 (회화, 조각, 건축, 문학)에 적용되는 개념이다. 동시대의 북방 부르고뉴 등지에서도 새로운 예술·문화의 움직임이 생겨났으며, 이는 "고대의 부흥"이라는 의식과는 직접적인 관계가 없지만 "르네상스 시대"의 예술로 불린다.

음악에 관해서는 고대 그리스·로마 시대의 음악을 부흥시키려는 움직임이 이탈리아를 중심으로 항상 있었지만, 이론을 중심으로 하는 논의에 그쳤으며, 실제 음악의 복원이라는 관점에서는 그만큼의 발전은 없었다. 15세기부터 16세기의 유럽 음악에서 "르네상스 음악"이라고 불리는 것의 대부분은 고대 서양 음악을 복원한 음악이라는 의미가 아니라, 미술, 예술, 문화사에서의 "르네상스" 시대에 대응하는 시대의 음악이라는 의미이다.

3. 르네상스 음악의 특징

르네상스 음악의 주요 특징은 다음과 같다:


  • 선법에 기초한 음악.
  • 4개 이상의 독립적인 멜로디 파트가 동시에 연주되는 풍부한 텍스처. 다성 음악은 르네상스 음악의 특징 중 하나이다.
  • 음악적 텍스처에서 대조보다는 혼합되는 멜로디 라인.
  • 음악의 매끄러운 흐름과 화음 진행에 더 큰 관심을 둔 화성.


다성 음악의 발전은 중세 시대와 구별되는 르네상스 시대의 주목할 만한 악기 변화를 가져왔다. 다성 음악은 더 큰 앙상블의 사용을 장려했고, 전체 보컬 범위에서 조화롭게 어울리는 악기 세트를 요구했다.[2]

르네상스 초기 유럽 음악은 중세 시대와 달리 3도와 6도 음정을 협화음으로 사용하기 시작했다. 14세기 동안 여러 개의 독립적인 멜로디 라인을 동시에 연주하는 다성 음악은 더욱 정교해졌으며, 15세기 초에는 단순화가 이루어져 작곡가들은 멜로디 파트의 매끄러움을 추구했다.

르네상스 시대 말기에는 5도 또는 4도의 근음 진행을 사용하는 선법적 특징이 무너지기 시작했다. 예를 들어 C 장조에서 "D 단조/G 장조/C 장조"와 같이 화음 근음이 4도 간격으로 움직이는 화음 진행은 훗날 바로크 음악 시대의 조성을 정의하는 특징 중 하나로 발전했다.

중세의 8개의 교회선법 대신, 세속음악이 번성하면서 현재의 장음계와 단음계를 닮은 음계가 선호되는 경향을 보였다. 스위스의 음악이론가 하인리히 글라레안은 그의 저서 <12음계론>(1547)에서 새로운 이오니아 정격과 그 변격, 에올리아 정격과 그 변격의 4개 선법을 포함하여 모두 12개 선법을 주장하였다. 이 새로운 선법은 장·단조로 변화하면서 기존의 선법을 대체하고 지배적인 지위를 확립했다.

3. 1. 음악 이론 및 기보법

르네상스 표기법은 현대의 기준으로는 덜 규정적이었다. 르네상스 시대에는 개별 파트만 표기되었고, 악보는 드물었으며, 마디선은 사용되지 않았다. 음표 길이는 오늘날보다 더 컸으며, 박자의 주요 단위는 온음표였다. 아르스 노바 시대부터 각 브레베마다 두 개 또는 세 개의 온음표가 있을 수 있었는데, 이는 현대의 "마디"와 유사하지만, 그 자체가 음표 길이였다.

브레베-온음표 관계는 "완전/불완전 템푸스", 온음표-미니엄(현대의 2분 음표) 관계는 "완전/불완전 프로레이션"이라고 불렸으며, 이들은 서로 모든 가능한 조합으로 존재했다. 3:1은 "완전", 2:1은 "불완전"이라고 불렸다. 특정 음표가 앞에 오거나 뒤따를 때 단일 음표의 값을 반으로 줄이거나 두 배로 늘릴 수 있는 규칙("불완전화" 또는 "변형")도 있었다. 4분 음표와 같이 검은색 음표 머리가 있는 음표는 덜 자주 사용되었다. 이러한 백색 정량 표기법의 발전은 양피지가 아닌 종이의 사용 증가의 결과였는데, 이는 더 약한 종이가 검은색 음표 머리를 채우는 데 필요한 긁힘을 견디기 어려웠기 때문이다.

변화표(예: 음표를 변경하는 올림표, 내림표, 제자리표)는 항상 지정되지는 않았다. 그러나 르네상스 음악가들은 이성부 대위법에 능숙했기 때문에 변화표가 없어도 악보를 올바르게 읽는 데 필요한 정보를 가지고 있었다.[1] 가수는 다른 파트를 고려하여 종지형을 계산하고, 함께 노래할 때 나란한 옥타브와 나란한 5도를 피하거나 다른 음악가들의 결정에 따라 종지형 파트를 변경했다.[1]

4. 르네상스 음악의 발전

르네상스 음악은 양식에 따라 초기, 중기, 후기의 세 시기로 구분된다. 초기에는 존 던스터블을 중심으로 뒤파이와 부르고뉴 악파가 활동했다. 중기에는 조스캥 데 프레를 비롯한 플랑드르 악파가 통모방 양식을 사용한 순환 미사곡, 모테트, 샹송 등을 작곡했다.[1]

15세기 말~16세기 전반, 대항해 시대를 맞이한 스페인과 포르투갈에서는 토마스 루이스 데 빅토리아 등이, 영국에서는 토마스 탈리스와 윌리엄 버드 등이 활동했다.

후기에는 이탈리아에서 로마 악파와 베네치아 악파를 중심으로 마드리갈 등의 세속곡이 발전했고, 모노디 양식과 함께 바로크 음악으로 이어지는 기반이 마련되었다.[1] 반면, 이 시기 독일은 문화적으로 뒤처져 있어 바로크 시대에 들어서야 본격적인 음악 발전이 이루어졌다.

4. 1. 초기 르네상스 (1420-1470년경)

존 던스터블은 3도와 6도 화음을 대륙에 전파하여 르네상스 음악 발전에 큰 영향을 미쳤다.[1][2] 그는 부르고뉴 악파의 음악에서는 결코 들어본 적이 없는 ''la contenance angloise''(영국적 태도)를 선보였다. 마르탱 르 프랑은 이 스타일이 기욤 뒤파이와 질 뱅쇼아에게 영향을 미쳤다고 언급했다.

기욤 뒤파이와 질 뱅쇼아는 부르고뉴 악파의 핵심 인물로, 이탈리아의 우아한 선율과 프랑스의 복잡한 리듬 기법을 결합하여 새로운 음악 양식을 선보였다. 뒤파이는 미사곡, 모테트, 마그니피카트, 찬가 등 다양한 형식으로 작곡했다. 그의 작품 중 일부는 포부르동 기법을 사용했는데, 이는 성가를 화성화하는 단순한 방식이었다.

이 시기의 주요 작곡가로는 존 던스터블, 기욤 뒤파이, 질 뱅쇼아, 오스발트 폰 볼켄슈타인 등이 있다.

4. 2. 중기 르네상스 (1470-1520년경)

요하네스 오케겜, 야코프 오브레흐트, 조스캥 데 프레 등 플랑드르 악파 작곡가들은 통모방 양식을 사용한 순환 미사곡, 모테트 등의 종교곡과 샹송이라는 세속곡을 작곡했다.[1]

16세기 동안, 조스캥 데 프레(1450/1455년경 – 1521년 8월 27일)는 시대 최고의 작곡가로 명성을 얻었으며, 그의 기교와 표현력은 널리 모방되고 존경받았다.[2] 발다사레 카스틸리오네, 마르틴 루터 등 다양한 작가들이 그의 명성에 대해 글을 썼다.[2]

4. 3. 후기 르네상스 (1520-1600년경)

16세기 후반, 르네상스 음악은 이탈리아의 베네치아와 로마를 중심으로 발전했다.
베네치아 악파바로크 음악으로 이어지는 진보적인 경향을 보였으며, 반음계법의 자유로운 사용, 독립된 기악곡 형식의 확립, 화려한 2중 합창의 활용 등이 두드러졌다. 아드리안 빌라르트가 기초를 확립했고, 그의 제자 안드레아 가브리엘리와 조카 조반니 가브리엘리가 이를 발전시켰다. 특히 조반니 가브리엘리는 기악 분야에서 오르간을 위한 리체르카레, 판타지아, 칸초네 등을 발전시켰다.[3]

빌라르트는 산 마르코 대성당의 십자가 모양 예배당 구조를 활용하여 여러 성가대를 나누어 배치하고, 서로 교창을 주고받다가 마지막에 합창으로 클라이맥스에 이르는 복합창 양식(cori spezzatti)을 효과적으로 사용했다. 조반니 가브리엘리는 성부 수를 20성부까지 늘리고, 트럼본, 코르넷과 같은 악기를 삽입하여 기악의 역할을 증대시켰다. 그의 작품 "O Domine Jesu Christe"와 "In ecclesiis"는 이러한 후기 성향을 잘 보여준다. 주요 작곡가로는 클라우디오 메를로와 음악이론가 조세포 차를리노가 있다. 차를리노는 장3화음, 단3화음을 화성의 기초로 확립하여 화성학의 아버지로 불린다.
로마 악파반종교개혁의 영향을 받아 가톨릭 교회의 기능적 요구에 부합하는 교회 음악을 주로 작곡했다. 조반니 피에를루이지 다 팔레스트리나는 대표적인 작곡가로, 100여 곡의 미사곡과 200여 곡의 모테토를 작곡하여 16세기 최고의 교회음악 작곡가로 평가받는다.
조반니 피에를루이지 다 팔레스트리나
그의 음악은 플랑드르 악파의 엄격한 대위법적 기교와 이탈리아의 우아한 가락, 색채와 조화의 감각을 교묘하게 연결한 것이 특징이다. 베네치아 악파와 달리 극적인 표현을 위한 반음계적 진행이나 불협화음 등을 피하고, 자연스러운 음의 움직임과 경쾌한 울림을 중시했다.
플랑드르 악파플랑드르 악파 출신의 오를란도 디 라소는 팔레스트리나와 함께 16세기 르네상스 음악의 최대 거장으로 꼽힌다. 그는 2천 곡이 넘는 종교곡과 세속곡을 작곡했으며, 특히 모테토는 가사의 정확한 표현과 깊은 내면성으로 역사상 가장 뛰어난 곡으로 평가받는다. 그는 독일어 리트, 프랑스어 샹송, 이탈리아어 마드리갈 등 다양한 언어로 된 작품을 써서 국제적인 면모를 보였으며, 바로크 음악을 예고하는 선구적인 역할을 했다.
잉글랜드16세기 잉글랜드는 엘리자베스 1세의 황금시대로, 윌리엄 셰익스피어와 같은 문학 거장들이 등장했다. 이 시대의 음악은 기악과 성악 모두에서 우수한 작품이 많았다. 토머스 탈리스는 대위법에 뛰어났으며, 윌리엄 버드는 교회음악, 세속적 합창곡, 비올을 위한 실내악, 건반악기 음악 등 다양한 분야에서 활약했다. 특히 버드는 버지널을 위한 음악을 작곡하여 건반악기 분야에 큰 공헌을 했다.
기타

  • 1530년경부터 1600년경까지 베네치아에서는 다중 합창 스타일이 발전하여 유럽 전역으로 퍼져나갔고, 이는 바로크 음악 시대의 시작을 알렸다.
  • 1588년부터 1627년까지 영국에서는 마드리갈이 크게 유행했다. 영국 마드리갈은 아카펠라였고, 가벼운 스타일이었으며, 이탈리아 모델을 모방하거나 번역하는 경우가 많았다.
  • ''Musica reservata''는 16세기 후반 이탈리아와 남부 독일에서 유행한 아카펠라 보컬 음악의 스타일 또는 연주 관행으로, 세련됨, 배타성, 노래 가사의 강렬한 감정 표현을 특징으로 한다.
  • 아메리카 대륙에서는 16세기부터 유럽 음악이 보급되었으며, 멕시코 원주민 언어와 유럽 음악 관행을 결합한 독특한 혼성 작품이 등장했다. 에르난도 프랑코, 안토니오 데 살라사르, 마누엘 데 수마야 등이 이 시기 신세계의 대표적인 작곡가들이다.
  • 16세기 말에는 매너리즘 양식이 나타났는데, 세속 음악, 특히 마드리갈에서 복잡성과 극심한 반음계주의를 추구하는 경향이 있었다. 루차스코 루차스키, 루카 마렌치오, 카를로 제수알도 등이 대표적인 매너리즘 작곡가이다.

5. 르네상스 음악의 형식

르네상스 시대에는 종교 음악과 세속 음악이 모두 발전했으며, 다양한 형식이 나타났다.

마드리갈은 이탈리아에서 생겨난 다성가곡 형식으로, 귀족 사회에 어울리는 세련된 르네상스 정신을 담고 있었다.[1] 처음에는 3성부 또는 4성부였으나 점차 5성부가 중심이 되었고, 모방 기법이 많이 쓰였다.[1] 가사 내용을 표현하기 위해 특정 음형이나 화성 진행을 사용하고, 반음계를 활용하여 화성 효과를 풍부하게 만들었다.[1] 이러한 경향은 16세기 말부터 17세기 초까지 더욱 강조되어 가사의 극적인 표현을 추구하면서 새로운 양식으로 이어졌다.[1] 루카 마렌치오는 이탈리아 마드리갈을 완성했으며, 몬테베르디를 비롯하여 영국과 독일에도 큰 영향을 주었다.[1]

16세기 전반, 르네상스 음악의 대표적인 작곡가로 빌라르트가 있다.[1] 그는 플랑드르 출신이지만 1527년 베네치아 산마르코 대성당의 악장이 되었다.[1] 미사, 모테토 등의 교회 음악뿐만 아니라 마드리갈과 기악곡을 작곡했으며, 많은 음악가를 육성하여 베네치아 악파의 시조가 되었다.[1] 플랑드르 악파의 성악 폴리포니 기술에 능숙했지만, 베네치아의 회화적인 풍경에 영향을 받아 점차 간결하고 풍부한 색채 효과와 넓은 음의 울림, 음색의 대비를 가진 음악을 창조했다.[1] 특히 2개의 코러스가 번갈아 노래하고 마지막에 함께 어우러져 절정에 이르는 2중 합창 양식을 처음으로 만들었고, 기악곡에서 리체르카레를 창시했다.[1]

베네치아 악파는 16세기 르네상스 음악을 이탈리아의 베네치아와 로마를 중심으로 발전시켰는데, 그중 베네치아는 17세기 바로크 음악으로 이어지는 진보적인 경향을 대표했다.[1] 반음계의 자유로운 사용, 독립된 기악곡 형식의 확립, 화려한 2중 합창의 활용 등이 주목할 만하다.[1] 빌라르트의 제자인 안드레아 가브리엘리는 특히 2중 합창곡에서 다양하고 풍부한 음의 강도와 색채를 보여주었다.[1] 그의 조카 조반니 가브리엘리는 베네치아 악파를 정점에 올려놓았으며, 기악 분야에서 오르간을 위한 리체르카레, 판타지아, 칸초나 등을 발전시켰다.[1] 빌라르는 성 마가 성당의 십자가 모양 예배당에 두 대로 나누어진 오르간과 성가대석을 통해 스테레오적인 음악 효과를 만들었으며,[1] 복합창 양식(cori spezzatti)을 효과적으로 사용했다.[1]

G. 가브리엘리에 이르러 베네치아 악파는 정점에 이르렀으며, 성부 수를 20성부까지 늘리고 기악의 역할을 증대시켜 트럼본, 코르넷과 같은 악기를 삽입했다.[1] 반주만 하던 기악은 간주의 역할도 담당하며 성악과 대조를 이루었다.[1] 그의 “O Domine Jesu Christe”는 후기 성향을, “In ecclesiis”는 커진 기악의 역할을 잘 보여준다.[1]

독일에서는 민요를 바탕으로 플랑드르풍의 대위법적 수법으로 쓰인 다성가곡이 16세기 전반에 가장 기교적으로 높은 음악 작품이 되었다.[1] 독일의 다성가곡은 이탈리아의 마드리갈처럼 세련되거나 프랑스의 샹송처럼 기지가 넘치지는 않지만, 독일적인 감정인 '감상(感傷)과 동경'을 소박하게 표현했다.[1]

16세기 영국은 엘리자베스 1세의 황금시대로, 문학에서는 셰익스피어가 걸작을 남긴 시대였다.[2] 윌리엄 버드는 교회 음악, 세속 합창곡, 비올을 위한 실내악, 건반악기 음악 등 다양한 분야에서 활약하며 뛰어난 기교와 독창적인 형식, 스타일을 선보였다.[2] 특히 버지널을 위해 작곡된 건반악기 음악은 르네상스 음악의 중요한 유산으로 남아있다.

르네상스 초기 유럽 예술 음악의 특징 중 하나는 3도 음정과 그 역인 6도 음정에 대한 의존도가 높아진 것이었다. 다성 음악은 여러 개의 독립적인 멜로디 라인을 동시에 연주하는 것으로, 14세기 동안 더욱 정교해졌다. 15세기 초에는 단순화가 이루어졌는데, 작곡가들은 멜로디 파트의 매끄러움을 추구했다. 르네상스 음악의 선법적 특징은 5도 또는 4도의 근음 진행이 증가하면서 이 시대 말기에 무너지기 시작했다.

르네상스 음악의 주요 특징은 다음과 같다.


  • 선법에 기초한 음악.
  • 4개 이상의 독립적인 멜로디 파트가 동시에 연주되는 풍부한 텍스처.
  • 음악적 텍스처에서 대조보다는 혼합되는 멜로디 라인.
  • 음악의 매끄러운 흐름과 화음 진행에 더 큰 관심을 둔 화성.

5. 1. 종교 음악 (교회 음악)

르네상스 시대에 걸쳐 사용된 주요 전례(교회 기반) 음악 형식은 미사와 모테트였으며, 시대 말에는 성가 작곡가들이 종교적 용도로 세속 (비종교적) 음악 형식(예: 마드리갈)을 채택하기도 했다. 15세기와 16세기의 미사는 단선율 (단일 멜로디 라인)과 다성 음악 (다중, 독립적인 멜로디 라인)의 두 가지 종류의 소스를 사용했으며, ''칸투스 파르무스'' 관행을 기반으로 하거나, 1500년경부터 시작된 "만연한 모방"의 새로운 스타일로 작곡되었다. 후자의 경우 작곡가들이 다른 성부나 파트가 연주하는 멜로디 및/또는 리듬 모티프를 모방하는 음악을 작곡했다.

미사의 주요 유형은 다음과 같다.

  • 순환 미사 (테너 미사)
  • 의역 미사
  • 모방 미사


미사는 일반적으로 차용한 소스를 기준으로 제목이 지정되었다. ''칸투스 파르무스'' 미사는 동일한 단선율 멜로디를 사용하며, 일반적으로 성가에서 가져오고, 테너에 있으며, 다른 성부보다 더 긴 음표 값을 가진다. 다른 성가 장르로는 마드리갈레 스피리투알레와 라우데가 있었다.

16세기 종교 개혁에도 불구하고 로마 가톨릭 교회는 르네상스 시대를 통틀어 많은 부와 영향력을 가지고 있었으며, 이 시대 음악가들 중 많은 수가 교회에 고용되었다. 따라서 르네상스 음악의 핵심적인 레퍼토리는 가톨릭 교회의 전례를 위한 음악이었다. 미사곡이나 모테트가 이에 해당하며, 보통 다성 음악으로 쓰였고 가사는 라틴어였다. 기욤 뒤파이로 시작하는 종교 음악의 계보에서는 그레고리오 성가나 민중에게 널리 퍼진 세속곡을 고정 선율로 사용한 순환 미사곡이 그 모범이며, 조스캥 데 프레에 의한 통모방 양식의 확립으로 완성 단계에 들어섰다.

작곡가들은 참신함과 의외성을 추구하며 다성 음악을 점점 더 복잡하게 만들었다. 이에 대해, 본래 의식에서 중요한 의미를 차지하는 전례문의 라틴어 구절을 알아듣기가 어려워졌다고 지적하는 사람들이 있었고, 반종교 개혁의 흐름 속에서 트리엔트 공의회는 "가사를 알아듣기 어려울 정도의" 과도한 다성 음악을 전례에서 사용하는 것을 금지했다. 팔레스트리나와 빅토리아의 작품은, 이 트렌트 공의회의 방침에 따라 쓰인 것이라고 할 수 있다.

조반니 피에르루이지 다 팔레스트리나(1525년경-1594년)는 평생을 로마 가톨릭 교회에서 봉사하였으며 100여 곡의 미사곡, 200에 가까운 모테토를 써서 16세기 최고의 교회음악 작곡가가 되었다. 그의 음악의 특징은 플랑드르의 엄격한 대위법적 기교와 이탈리아의 우아한 가락, 그리고 색채와 조화의 감각을 교묘하게 연결한 점에 있다. 오늘날까지 팔레스트리나 음악은 참된 기독교적 정신이 가장 깊고 설득력이 풍부한 표현으로서 높이 평가되고 있다.

그는 반종교개혁의 정신에 자신을 아주 잘 조화시켜서 교회의 요구에 부합되는 교회음악들을 작곡했다. 그의 음악은 절제와 평온함으로 영적인 음악에의 강조를 잘 반영하고 있어, 몇 세기 동안 교회는 그의 미사곡들이 평온함과 속세를 초월한 분위기가 있다고 하여 교회 음악의 모델로 간주했다. 현존하는 그의 미사 중 모테트를 인용하여 작곡한 패러디미사가 53개인데 이 모테트들은 대부분 성가에 기초한 것들이다. 또한 성가나 세속선율을 변형하여 사용한 변용미사도 35개 있으며 그 중 11개는 그레고리오 성가가 아닌 다른 평성가를 변용한 것이다. 그의 7개의 정선율미사는 세속선율을 사용한 미사<무장한 남자>와 6음음계를 사용한 미사<웃레미파솔라>를 제외하고는 모두 그레고리오 성가를 정선율로 사용하였다. 또한 미사<카논>과 같이 카논 기법을 사용한 미사가 5개이고, 미사<마르첼라우스 교황님>과 같이 자유롭게 작곡된 것도 6곡 있다.

마틴 루터(1483-1546)는 1517년에 종교 개혁의 봉화를 올렸다. 그 결과 새로 일어난 교회를 위해 루터는 새로운 교회의 찬송가를 필요로 했다. 그것은 교회에 모이는 신자들이 직접 신에게 기도하며 신을 찬미한다는 목적에서 그때까지 쓰였던 라틴어 대신에 독일어 가사와 단순하고 노래 부르기 쉬운 멜로디로 된 것이었다. 그리고 문학이나 음악에 소양이 많았던 루터 자신도 당시의 우수한 작곡가들의 협력을 얻어 새로운 프로테스탄트의 코랄을 탄생시켰다.

프로테스탄트의 코랄은 독일 국민의 기질과 프로테스탄트 교회의 종교적 내용에 적응한 새로운 독일의 종교가이다. 코랄의 가사와 멜로디는 세 종류로 나눌 수 있는데, 첫째는 전적으로 새로운 가사와 멜로디( 루터 자신의 작품도 포함), 둘째는 가톨릭 성가의 편곡, 셋째는 종교적·세속적 민요의 멜로디와 가사를 개정한 것이다.

5. 2. 세속 음악

프랑스의 샹송, 이탈리아의 프로톨라와 마드리갈, 스페인의 빌라시코 등 다양한 세속 음악 형식이 발전했다.[1] 특히, 이탈리아의 마드리갈은 시적인 가사의 내용을 음악적으로 표현하는 데 중점을 두었으며, 이는 후기 르네상스 음악의 중요한 특징 중 하나가 되었다.[1]

마드리갈은 이탈리아에서 일어난 다성가곡의 형식으로, 귀족사회에 적합한 세련된 르네상스 정신으로 충만한 것이었다.[1] 처음에는 3성 내지 4성의 것이 많았고, 차차 5성부가 중심이 되어 처음에는 부분적이었던 모방 수법이 많이 쓰였다.[1] 또 가사의 내용을 특정음형이나 화성진행을 사용하여 표현하게 되었고, 반음계법을 사용하여 화성효과도 보다 풍부하게 되었다.[1] 이러한 경향은 16세기 말부터 17세기 초에 걸쳐 한층 강조되었으며, 가사의 극적인 표현을 추구하여 마침내는 새로운 양식으로 이끌어갔다.[1] 이탈리아의 마드리갈은 루카 마렌치오가 완성하였다.[1] 그는 몬테베르디를 비롯하여 영국, 독일에도 큰 영향을 주었다.[1]

16세기 영국은 엘리자베스 1세의 황금시대로, 셰익스피어가 불멸의 걸작을 낳은 시대이기도 했다.[2] 이 시대의 음악은 기악이나 성악에도 우수한 작품이 많았다.[2] 영국의 마드리갈의 개척자 윌리엄 버드는 영어의 독특한 리듬감을 살린 뛰어난 대위법 기교를 보여주었다.[2]

한편, 이탈리아 반도에서는 프로톨라라는 형식의 세속곡이 있었다.[3] 샹송보다 단선율이며 선율을 중시하는 경향이 있었다.[3] 후기 르네상스에는 프로톨라에서 발전하여, 마드리갈과 빌라넬라가 만들어지게 된다.[3] 마드리갈에서는 시적으로 쓰인 가사의 내용을 음악적으로 표현하는 것을 추구하는 경향(마드리갈리즘)이 생겨났다.[3]

5. 3. 기악 음악

빌라르트(A. Willaert, 1480/90-1562)가 창시한 리체르카레는 '탐구한다'는 뜻의 이탈리아어에서 유래하며, 16-17세기의 많은 기악곡에 사용된 이름이다. 그 중에서도 가장 중요한 것은 모방적 리체르카레인데, 이는 성악 모테토의 양식을 기악에 적용한 것이다. 모테토와 마찬가지로 여러 개의 주제를 모방적으로 다루며, 기악합주용과 오르간용이 있었으나, 후자가 발달하여 점차 푸가로 이행하였다.[1]

엄격한 대위법과 리체르카레를 악기(처음에는 류트)의 특성을 모아서 자유롭게 변형한 판타지아는 근대적인 의미에서의 환상적인 기분은 없다. 건반악기용 판타지아는 16세기 말부터 17세기 초에 영국의 버지널리스트에게 영향을 주었다. 안드레아 가브리엘리에게 배운 플랑드르의 스벨링크(1562-1621)는 오르간이나 클라비어 연주 및 작곡, 특히 판타지아 등의 작품을 통하여 후세에 큰 영향을 남겼다. 프랑스의 샹송을 기악용으로 편곡한 '프랑스풍의 칸초네'가 널리 애호되었는데, 이러한 종류의 기악형식은 17세기의 소나타나 푸가로 발전함에 있어 중요한 출발점이 되었다.[3]

엘리자베스 1세의 황금시대였던 16세기 영국에서는 건반악기 음악이 발달했다. 윌리엄 버드를 비롯하여 버지널을 위해 음악을 쓴 작곡가들을 버지널리스트라 했으며, 그들의 대표작품은 <파르테니아(Parthenia, 1610)>나 <피츠윌리엄 버지널의 책(Fitzwilliam Virginal Book, 1625년경)> 등의 곡집에 수록되어 있으며, 춤곡, 변주곡, 프렐류드, 판타지아 등이 있다.

순수한 기악 음악으로는 합주 음악(플루트나 비올 및 기타 악기용)과 다양한 앙상블을 위한 춤곡이 있었다. 일반적인 기악 장르로는 토카타, 전주곡, 리체르카르, 칸초나가 있었다. 기악 앙상블이 연주하는(또는 때로는 불리는) 춤곡으로는 바스 당스 (이탈리아어 ''bassadanza''), 투르디옹, 살타렐로, 파반, 갈리아르드, 알르망드, 쿠랑트, 브랑, 카나리, 피바, 라 볼타가 있었다. 다양한 장르의 음악은 류트, 비후엘라, 하프 또는 건반과 같은 독주 악기를 위해 편곡될 수 있었는데, 이러한 편곡을 인타불라투라 (이탈리아어 ''intavolatura'', 독일어 ''Intabulierung'')라고 불렀다.

르네상스 시대의 레퍼토리 중심은 성악곡이었지만, 다양한 상황에서 악기가 사용되었다. 르네상스 전성기까지는 기악만을 위해 작곡된 음악은 거의 보이지 않았고, 유명한 성악곡 편곡 등이 주요 레퍼토리였던 것으로 보인다. 르네상스 말기에는 전례 음악의 일부를 오르간이나 합주에 의한 기악으로 대체하는 일이 이루어졌다. 이 시기의 기악곡에서는 사용 악기를 명시하지 않은 경우도 많았다. 건반 음악이나 류트 음악에서는 리체르카레, 티엔토, 토카타, 합주 음악에서는 칸초네, 소나타와 같은 형식이 생겨났고, 바로크 음악에서의 기악 융성을 이끄는 계기가 되었다.

6. 르네상스 시대의 악기

르네상스 시대에는 기존 악기의 개량 및 새로운 악기들이 등장했다. 현대와 마찬가지로 악기는 금관, 현악, 타악, 목관 악기로 분류할 수 있다.

16세기 초, 악기는 목소리보다 덜 중요하게 여겨져 주로 춤이나 성악 반주에 사용되었다. 기악 음악은 성악에 종속되었고, 레퍼토리 상당 부분은 성악 모델에서 파생되거나 의존했다.

13세기부터 15세기까지 악기는 '오(haut)' (크고 날카로운 야외용)와 '바(bas)' (조용하고 친밀한 실내용)로 구분되었다. 코르넷, 색버트, 태버, 탬버린만이 두 종류 앙상블에서 모두 자유롭게 연주될 수 있었다.

교회 오르간부터 작은 포르타티프, 리갈이라 불리는 리드 오르간까지 다양한 종류의 오르간이 사용되었다.

15세기 후반, 류트 등과 함께 궁정 기악 합주의 중심이었던 비올족은 바이올린족으로 발전하기 시작했다. 이는 이탈리아 상업 자본주의 발전으로 베네치아 극장이 건립되어 오페라와 기악 합주가 시민에게 개방되었기 때문이다. 넓은 극장에 필요한 음량과 새로운 형식의 음악 표현을 비올족으로는 충족시킬 수 없었다. 최초의 바이올린은 16세기 30~40년대에 기원을 찾을 수 있으며, 이후 바이올린족은 비올족과 1세기 이상 세력 다툼을 하며 1705년까지 완성되었다. 이 과정에는 크레모나의 아마티 일가(1535~1684), 구아르네리, 스트라디바리 등 명장들이 참여해 뛰어난 작품들을 남겼다.

6. 1. 금관 악기


  • 슬라이드 트럼펫: 오늘날의 트롬본과 유사하지만, 몸통의 일부가 미끄러지는 대신 마우스피스 근처의 작은 부분과 마우스피스 자체가 고정되어 있다는 점이 다르다. 또한 몸통이 S자 모양이어서 다루기 다소 힘들었지만, 가장 흔히 사용되던 느린 템포의 춤곡에는 적합했다.
  • 코르넷: 나무로 만들어졌으며, 리코더처럼 (한쪽 끝에 바람을 불어넣고 바깥쪽에서 손가락을 위아래로 움직여) 연주하지만, 트럼펫과 같은 컵 마우스피스를 사용한다.
  • 트럼펫: 초기 트럼펫은 밸브가 없었으며, 배음열에 존재하는 음으로 제한되었다. 또한 다양한 크기로 제작되었다.
  • 색버트(때로는 색버트 또는 새그버트): 15세기 중반에 슬라이드 트럼펫을 대체한 트롬본의 다른 이름이다.

6. 2. 현악기


  • 비올: 15세기에 개발된 현악기로, 일반적으로 6개의 현을 가지고 있다. 보통 활로 연주했으며, 스페인의 발현 악기인 비후엘라(이탈리아에서는 ''비올라 다 마노''라고 불림)와 구조적 특성이 유사하다. 주요 차이점은 크기가 더 크다는 것이다. 이로 인해 연주자는 첼로처럼 바닥이나 다리 사이에 악기를 놓을 수 있도록 자세를 바꾸었다. 비후엘라와의 유사점으로는 허리 부분의 날카로운 컷, 유사한 프렛, 평평한 뒷면, 얇은 옆면, 동일한 조율 등이 있다. 이러한 방식으로 연주될 때, 때로는 "팔 위에서" 연주되는 비올과 구별하기 위해 "비올라 다 감바"라고 불리기도 했다. 비올라 다 브라초는 바이올린족으로 발전했다.
  • 리라: 작은 하프와 구조가 유사하지만, 뜯는 대신 픽으로 긁어서 연주한다. 현의 개수는 시대에 따라 4개, 7개, 10개로 다양했다. 오른손으로 연주하고, 왼손으로는 원하지 않는 음을 멈추게 했다. 새로운 리라는 활로 연주하도록 개조되었다.
  • 아이리시 하프: 스코틀랜드 게일어로는 Clàrsach, 아일랜드어로는 Cláirseach라고도 불리며, 중세 시대에는 아일랜드와 스코틀랜드에서 가장 인기 있는 악기였다. 아일랜드 역사에서 차지하는 중요성 때문에 기네스 라벨에서도 볼 수 있으며, 오늘날까지도 아일랜드의 국가 상징으로 여겨진다. 일반적으로 뜯어서 연주한다. 크기는 무릎에 놓고 연주할 수 있는 하프부터 바닥에 놓는 풀 사이즈 하프까지 다양하다.
  • 하디 가디: (휠 바이올린이라고도 함) 현이 바퀴를 지나면서 소리가 나는 악기이다. 크랭크로 바퀴(활)를 돌린다는 점에서 기계적 바이올린과 기능이 비슷하다. 독특한 소리는 주로 "드론 현" 때문인데, 이는 백파이프와 유사한 일정한 음을 제공한다.

현대 프랑스 하디 가디

6. 3. 타악기

삼각 주, 구강 하프, 탬버린, 종, 심벌즈, 럼블 팟, 그리고 다양한 종류의 드럼이 르네상스 시대에 사용된 타악기이다.

  • 탬버린: 탬버린은 틀 드럼의 한 종류이다. 틀을 둘러싼 가죽(벨럼)을 손가락 관절, 손가락 끝, 또는 손으로 쳐서 소리를 낸다. 악기를 흔들어 탬버린에 달린 방울이나 펠릿 벨(둘 중 하나라도 있는 경우)이 "짤랑"거리고 "딸랑"거리게 연주할 수도 있다.
  • 구강 하프: 입 모양으로 소리를 내는 악기이다. 입으로 다양한 모음을 발음하며, 악기 혀의 구부러진 끝에 있는 루프를 뜯어 다양한 진동 음계를 만들어 다른 음색을 낸다.

6. 4. 목관 악기

르네상스 시대의 목관 악기는 파이프 내 공기 기둥의 진동을 통해 소리를 낸다. 파이프의 구멍을 통해 공기 기둥 길이를 조절하여 음높이를 바꾼다. 공기를 진동시키는 방법에 따라 목관 악기는 여러 하위 범주로 나뉜다. 르네상스 시대에는 가로 피리처럼 입구 구멍에 바람을 불거나, 리코더처럼 휘슬 마우스피스에 바람을 부는 방식, 싱글 리드나 더블 리드 마우스피스를 사용하는 방식 등 다양한 톤 생성 방식이 사용되었다.

  • 쇼옴: 동양에서 유래된 쇼옴은 키가 없고 길이가 약 30cm이며, 7개의 손가락 구멍과 1개의 엄지 구멍이 있다. 주로 나무로 만들어졌으며, 밝고 날카로운 소리 때문에 드럼, 트럼펫과 함께 거리에서 자주 사용되었다.[4] 쇼옴 연주자는 리드 전체를 입에 넣고 볼을 부풀린 후 코로 숨을 쉬면서 파이프에 바람을 불어넣는다.
  • 리드 파이프: 짧은 갈대 조각 하나로 만들어졌으며, 4~5개의 손가락 구멍과 갈대로 만들어진 마우스피스가 있다. 리드는 작은 설편을 잘라내지만 베이스는 붙어 있는 형태이다. 색소폰과 클라리넷의 전신이다.
  • 호른파이프: 리드 파이프와 같지만 끝에 벨이 달려 있다.
  • 백파이프/블래더파이프: 양이나 염소 가죽으로 만든 자루를 팔 아래에 넣고 짜서 연주자가 숨을 쉴 때도 소리를 유지한다. 입 파이프 끝에는 역류 방지 밸브 역할을 하는 둥근 가죽 조각이 달려 있다. 리드는 긴 마우스피스 안에 있으며, 금속으로 만들어지고 리드가 바깥에 있었다면 보컬이라 불렸을 것이다.
  • 팬플루트: 한쪽 끝은 막혀 있고 다른 쪽 끝은 열린 여러 개의 나무 튜브로 구성된다. 각 튜브는 크기가 달라 서로 다른 톤을 생성하며, 1옥타브 반의 음역을 가진다. 연주자는 원하는 튜브에 입술을 대고 바람을 불어 소리를 낸다.
  • 가로 피리: 현대 피리와 유사하며, 마개가 있는 끝 부분 근처에 입 구멍이 있고 몸통을 따라 손가락 구멍이 있다. 연주자는 입 구멍에 바람을 불어넣고 피리를 오른쪽 또는 왼쪽에 들고 연주한다.
  • 리코더: 르네상스 시대에 흔히 사용된 악기로, 리드 대신 휘슬 마우스피스를 사용한다. 일반적으로 7개의 손가락 구멍과 1개의 엄지 구멍이 있다.

7. 바로크 음악으로의 전환

후기 르네상스 시대 피렌체에서 시작된 흐름은 고대 그리스의 극적이고 음악적인 형태를 부활시키려는 시도였으며, 이는 단순한 반주 위에 낭송하는 음악 형태인 모노디를 통해 이루어졌다. 이전의 다성 음악 양식과 극명한 대조를 이루는 형태로, 처음에는 세속적인 경향이었다. 이 음악가들은 피렌체 카메라타로 알려져 있다.

마드리갈의 발달과 트리엔트 공의회의 다성 음악 금지로 인해 이탈리아를 중심으로 플랑드르 스타일의 다성 음악을 버리고 가사나 이야기를 극적으로 표출하는 것과 디미뉴션이라고 불리는 장식으로 음악을 화려하게 꾸미는 방식이 발전했다(매너리즘, 몬테베르디의 "제2 작법"). 이러한 움직임 속에서 중요한 또 하나의 요소는 모노디 양식의 출현이다. 이는 고대 그리스의 극 음악을 복원하려는 목적으로 르네상스적인 활동을 한 피렌체의 카메라타에서 생겨난 것으로, 키타로네 등의 반주에 의한 독창 또는 중창 스타일을 취하며, 마드리갈과 마찬가지로 리프레인이 없는 형식을 가지고 있으며, 레치타티보의 원형이 되었다. 카메라타의 야코포 페리 등은 1597년에 음악극 "다프네"를 상연했는데, 이것이 세계 최초의 오페라 상연으로 여겨진다. 이 마드리갈과 모노디 형식의 탐구에서 통주 저음의 개념이 발달하여 바로크 음악으로 이행하게 된다.

참조

[1] 논문 A Light of the Fifteenth Century: Guillaume Dufay https://academic.oup[...] 1935
[2] 웹사이트 Guillaume Dufay: Biography & Music https://study.com/ac[...] 2024-09-11
[3] 논문 A Contribution to Sources of Musica reservata https://www.jstor.or[...] 1957
[4] 간행물


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