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오르간

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1. 개요

오르간은 '도구' 또는 '기관'을 의미하는 고대 그리스어 'ὄργανον'(organon)에서 유래된 악기로, 파이프 오르간, 리드 오르간 등 다양한 종류가 있다. 기원전 3세기의 수압식 오르간(히드라울리스)을 시작으로 오랜 역사를 거치며 발전해왔으며, 르네상스 시대, 바로크 시대를 거치며 독자적인 문화를 형성했다. 오늘날에는 교회, 콘서트홀, 스포츠 경기장 등 다양한 곳에서 사용되며, 클래식 음악, 재즈, 대중음악 등 여러 장르에서 중요한 역할을 한다. 파이프, 풍통, 스웰, 건반, 페달, 스톱 등 다양한 구조와 작동 원리를 가지며, 조율을 통해 음정을 맞춘다.

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오르간
지도
기본 정보
악기 분류기명악기 (파이프 및 리드 오르간)
전자악기 (전자 및 전기기계식 오르간)
개발기원전 3세기
음역[[파일:Organ Range.svg|210px|center]](표준 튜닝 오르간)
연주자오르가니스트 목록
오르간 작곡가 목록
제작자:분류:오르간 제작자
관련 문서파이프 오르간
극장 오르간
전자 오르간
해먼드 오르간
앨런 오르간
리드 오르간
오르간 레퍼토리
영어organ
독일어Orgel
프랑스어orgue
이탈리아어organo
중국어管风琴(간체) 管風琴(번체)
그리스어όργανον
이미지
독일 뮌스터 대성당의 오르간
파이프 오르간
독일 뢰타의 성 게오르그 교회에 있는 1721년 제작된 파이프 오르간

2. 어원

(주어진 원본 소스에는 '어원'에 대한 정보가 포함되어 있지 않습니다. 따라서 해당 섹션 내용을 작성할 수 없습니다.)

3. 역사

오르간은 오랜 역사를 가진 악기[3]로, 그 기원은 기원전 3세기경 알렉산드리아의 크테시비오스가 발명한 것으로 알려진 수압식 오르간까지 거슬러 올라간다. 이 초기 오르간은 고대 그리스고대 로마에서 연주되었으며[4], 이후 비잔티움 제국을 거쳐 서유럽으로 전파되었다. 중세 시대를 거치며 오르간은 점차 가톨릭교회의 중요한 전례 악기로 자리 잡았고[4], 이후 세속 음악에서도 오르간 독주회 등을 통해 중요한 악기로 사용되었다.

오르간이라는 이름은 그리스어 "οργανον"(오르가논)에서 유래했는데, 이는 본래 도구나 장기를 의미하는 단어였다. 연주를 위한 조직적인 도구라는 의미에서 악기 명칭으로 사용되었으며, 여러 언어에서 오르간을 지칭하는 단어로 발전했다. 영어 단어 "organ" 역시 악기 외에 기관이나 장기라는 의미를 함께 가지고 있다(:en:Organ 참조).

3. 1. 기원



오르간의 기원은 매우 오래되어 기원전 수세기부터 오르간의 원형이 되는 악기의 존재가 확인된다. 파이프 오르간의 조상으로는 여러 개의 피리를 묶어 부는 형태의 악기들이 있는데, 판파이프, 팬플루트, 시링크스 등이 대표적이다. 중국이나 일본의 생 역시 같은 종류의 악기로 여겨진다. 또한, 두 개의 관을 가진 고대의 이중 리드 악기인 아울로스는 '히드라울리스'(물-공기악기)라는 단어의 어원이기도 하다.

오르간은 비교적 오래된 악기[3]로, 알렉산드리아의 크테시비오스(기원전 285~222년)가 발명한 수압식 오르간에서 그 역사가 시작된다고 본다. 이 초기 오르간은 고대 그리스고대 로마 전역에서 경주나 게임 중에 연주되었다.[4]

초기 중세 시대에는 비잔티움 제국에서 세속(비종교적) 및 황실 법정 음악에 사용되던 오르간이 서유럽으로 퍼져 나갔다. 점차 가톨릭교회의 성찬 예배에서 중요한 위치를 차지하게 되었으며[4], 이후 세속적인 오르간 독주회 악기로서 고전 음악 전통에 다시 등장했다.

초기 오르간의 발달 과정은 다음과 같이 정리할 수 있다.

시기명칭특징관련 인물/지역
기원전 3세기히드라울리스(Hydraulis)수력을 이용한 고대 그리스 오르간, 밸브 사용[5]알렉산드리아의 크테시비오스
기원후 1세기 (적어도)Ptera, Pteron고대 로마 오르간, 휴대용 오르간과 유사한 외형[6]고대 로마
2세기마그레파(Magrepha)건반으로 연주하는 10개 파이프의 고대 히브리 오르간[7][8][9]고대 히브리
8세기 (757년)피핀의 오르간비잔티움 제국 황제 콘스탄티누스 5세가 카롤링거 왕조의 피핀에게 보낸 선물[10]비잔티움 제국, 카롤링거 왕조
9세기자동 플루트 연주기 (자동 수력 오르간 추정)바누 무사 형제가 만든 기계식 오르간바누 무사


3. 2. 수압 오르간

디온 고고학 박물관에 전시되어 있는 1세기 수력 오르간


기원전 264년, 알렉산드리아에 살았던 크테시비오스는 수력으로 공기를 불어넣고, 손으로 밸브를 열고 닫아 소리를 내는 악기인 '''수압식 오르간'''(Hydraulis|히드라울리스la)을 만들었다는 기록이 남아 있다. 수압 오르간은 청동과 나무로 만들어졌으며, 대리석으로 된 원통형 받침대 위에 놓였다. 대리석 안에는 저수조와 피스톤이 설치되어 있어 압축 공기를 위쪽의 파이프로 보냈다. 외형은 파이프 오르간을 기계화하여 세워 놓은 것과 비슷했다. 이후 헤론과 로마건축가 비트루비우스가 이를 개량하면서 지중해 지역에 수압 오르간이 널리 보급되었다.[24]

수압 오르간 연주자들은 연주회에서 기량을 겨루기도 했는데, 델포이의 한 연주회에서는 안티파트로스라는 연주자가 이틀 동안 쉬지 않고 연주하여 명성을 얻었다고 전해진다. 결혼식, 경기장, 취임식, 만찬회, 극장 등 다양한 장소에서 수압 오르간이 연주되었다. 연주자는 여성이 많았지만, 검투사 시합 등에서는 남성이 연주했다는 기록도 있다. 로마 제국네로 황제 역시 수력 오르간 연주를 즐겼다고 알려져 있다.

로마 제국의 세력이 약해지면서 수압 오르간은 지중해 지역에서 점차 쇠퇴했지만, 동로마 제국(비잔티움 제국)에서는 궁정 의식용으로 계속 사용되었다. 테오파네스의 연대기에는 황제 테오필로스가 보석으로 장식된 금제 오르간 2개와 60개의 청동 파이프를 가진 오르간 1개를 제작하게 했다는 기록이 있다. 한편, 수압 오르간은 아라비아 지역으로도 전파되어 개량이 이루어졌다.

그리스 피에리아현의 디온 마을에는 헬레니즘 시대 도시 유적이 남아 있으며, 이곳의 디온 고고학 박물관에는 기원후 1세기에 제작된 것으로 추정되는 수압 오르간이 출토되어 전시되어 있다. 또한 헝가리 부다페스트의 고대 로마 도시 유적인 아퀸쿰에서도 수압 오르간이 출토되었으며, 복원품이 아퀸쿰 박물관에 전시되어 있다.

3. 3. 중세 오르간



중세 시대에는 다양한 종류의 오르간이 사용되었다. 대표적인 예는 다음과 같다.

  • 휴대용 오르간: 크기가 작아 휴대하기 편리했던 중세 악기이다.
  • 포지티브 오르간: 휴대는 가능했지만 휴대용 오르간보다는 크기가 다소 큰 악기이다.
  • 리갈: 리드(簧)와 풀무를 갖춘 휴대용 악기로, 후기 중세에 등장했다. 하모늄이나 리드 오르간의 초기 형태로 볼 수 있다.


유럽에서는 9세기경부터 오르간 제작이 다시 활발해졌다. 초기에는 오르간이 종교 의식과 직접적인 관련은 없었으나, 13세기에 이르러서는 교회의 중요한 악기로 자리 잡게 되었다. 이와 함께 일반 사회에서도 비교적 작은 크기의 오르간이 널리 보급되었다.[25]

3. 4. 르네상스 시대 오르간

15세기 후반부터 16세기 르네상스 시대에는 스톱의 다양한 조합을 통해 음색의 변화를 효과적으로 사용하기 시작했다. 현재 거의 모든 오르간에 채용되고 있는 “슬라이더 체스트(slider chest)”가 발명된 것도 이 시대이며, 슬라이더를 이용하여 스톱을 선택하는 방식이 자리 잡게 되었다.[26]

오르간이 일본에 전래된 것도 이 시기로, 1581년 다카야마 우콘高山右近일본어 통치하의 고츠키高槻일본어 교회에 설치된 파이프 오르간이 일본 최초로 여겨진다.[27]

3. 5. 바로크 시대 오르간

17세기부터 18세기 전반의 바로크 시대는 오르간 문화의 전성기였다. 특히 북독일에서는 신교가 대규모 오르간 건축을 경쟁적으로 시작하면서 오르간의 거대화가 가속화되었다. 이 시기에는 전설적인 오르간 건축 거장으로 평가받는 아르프 슈니트거[28]와 질버만 형제가 활동했다. 오르간은 대중에게 널리 알려졌으며, 부를 축적한 신흥 계층이 자신의 집에 오르간을 두는 경우도 있었다.

3. 6. 심포닉/낭만주의 오르간

19세기부터 20세기 초에는 다양한 8피트 음색을 사용한 교향악적인 설계의 오르간이 제작되었는데, 이를 "심포닉 오르간" 또는 "로맨틱 오르간"이라 부른다. 작곡가들 사이에서 오르간 독주를 위한 교향곡을 작곡하는 것이 유행했던 것을 보면, 이 시대 오르간이 어떤 경향을 가지고 있었는지 짐작할 수 있다. 제작자로는 아리스티드 카바이예-콜(Aristide Cavaillé-Coll)이 특히 유명하다.[29]

3. 7. 네오 바로크 오르간

20세기 독일에서 일어난 “오르간 운동”으로 인해 옛 시대의 오르간이 재평가되면서 바로크 시대 오르간을 모방한 “네오바로크 오르간”이 많이 제작되었다.[30] 그러나 당시에는 과거 오르간에 대한 연구가 부족하여 역사적 오르간을 복원하는 과정에서 많은 실수가 있었다.

현재는 옛 시대의 오르간 제작 기술이 존중되고 있으며, 역사적 악기의 본래 음색에 가깝게 하기 위해 보다 신중한 복원과 복제가 이루어지고 있다.

4. 종류

오르간은 소리를 내는 방식, 구조, 용도 등에 따라 여러 종류로 나눌 수 있다.


  • '''파이프 오르간''': 공기를 파이프로 불어넣어 소리를 내는 가장 전통적인 형태의 오르간이다. 공기는 전통적인 풀무나 전기 모터, 경우에 따라 물의 힘으로 공급된다.
  • '''파이프가 없는 오르간'''
  • * '''리드 오르간''': '''펌프 오르간''' 또는 '''하모늄'''이라고도 불리며, 아코디언이나 하모니카처럼 공기의 힘으로 금속 리드를 진동시켜 소리를 낸다.
  • * '''전자 오르간''': 전기 신호를 만들어 하나 이상의 라우드스피커를 통해 소리를 내는 오르간이다. 해먼드 오르간이 대표적인 전기 기계식 오르간에 속한다.
  • '''기계식 오르간''': 배럴이나 악보와 같은 기계 장치를 이용해 자동으로 연주되는 오르간이다. 오케스트리온 등이 여기에 속한다.


또한, 오르간은 사용되는 장소나 목적에 따라 「교회 오르간」, 「콘서트 오르간」, 「하우스 오르간」, 「극장 오르간」, 「시어터 오르간」, 「시네마 오르간」 등으로 불리기도 한다.

4. 1. 파이프 오르간

네덜란드에 있는 파이프 오르간.


'''파이프 오르간'''은 공기를 파이프를 통해 불어넣어 소리를 내는 악기이다. 공기는 전통적으로 풀무(bellows)를 사용했으나, 현대에는 전기 모터로 공급하는 경우가 많다. 물의 힘을 이용하는 수압식 오르간도 있었다. 16세기 이후 다양한 재료로 만들어진 파이프를 사용하면서 음색과 음량에서 큰 차이를 보이는 악기들이 등장했다. 최근에는 파이프에 전기적인 요소를 결합한 하이브리드 오르간도 늘어나는 추세이다.

파이프 오르간은 그 역사가 오래되었다. 고대 헬레니즘 시대(기원전 1세기)의 수압식 오르간과 같은 전신이 있었고, 초기 비잔틴 제국 시대(4세기 AD) 동지중해 지역에서는 비슷한 구조의 악기가 흔했다. 현재와 같은 형태는 14세기부터 존재해 왔으며, 시계와 함께 산업혁명 이전까지 인간이 만든 가장 복잡한 기계 장치 중 하나로 여겨졌다.

파이프 오르간은 크기가 매우 다양하여, 작은 것은 1m3 정도지만 큰 것은 5층 높이에 이르기도 한다.[12] 교회, 회당, 콘서트홀, 가정 등 다양한 장소에 설치된다. 작은 오르간 중에는 다른 장소로 옮겨 설치하기 쉬운 '''포지티브'''(Positive organeng)이나, 연주하면서 들고 다닐 수 있을 만큼 작은 '''포르타티브'''(Portative organeng)도 있다.

대형 현대 오르간은 보통 여러 단의 건반(매뉴얼)과 발로 연주하는 페달 건반을 갖추고 있다. 파이프들은 여러 줄(rank)로 나뉘어 있으며, 스톱 장치를 조작하여 다양한 음색 조합을 만들어낸다. 오르간 건반은 피아노와 달리 누르는 세기에 따라 소리의 크기가 달라지지 않지만(켜고 끄는 방식), 일부 파이프 그룹을 스웰 박스(swell box)라는 상자에 넣어 덧문을 여닫는 방식으로 소리의 크기를 조절할 수 있다.

볼프강 아마데우스 모차르트는 오르간을 "악기의 왕"이라고 불렀다.[13] 파이프 오르간의 가장 큰 특징 중 하나는 아주 여린 소리부터 모든 파이프를 동원한 압도적인 소리(플레넘, Plenum)까지 폭넓은 음량 표현이 가능하며, 연주자가 원하는 만큼 소리를 길게 지속시킬 수 있다는 점이다. 일부 대형 오르간에는 64피트(약 19.5m) 길이의 파이프가 사용되기도 하는데, 이는 약 8 Hz의 매우 낮은 기본 주파수를 낸다. 예를 들어, 미국 필라델피아의 와나메이커 오르간은 세 개의 교향악단이 동시에 연주하는 것에 버금가는 풍부한 음향을 낼 수 있다고 알려져 있다. 또한, 각기 다른 음색의 파이프 소리를 동시에 내어 다성 음악을 풍성하게 연주할 수 있는데, 이 소리들은 악기 내부가 아닌 연주 공간 안에서 자연스럽게 섞이며 독특한 울림을 만들어낸다.

설치 장소나 용도에 따라 「교회 오르간」, 「콘서트 오르간」, 「하우스 오르간」, 「극장 오르간」, 「시어터 오르간」, 「시네마 오르간」 등으로 불리기도 한다. 마지막 세 가지는 음악 감상 외에 극장의 효과음이나 분위기 연출 목적으로도 사용되었다.

4. 1. 1. 교회 오르간

유럽, 아메리카, 오세아니아의 대부분 파이프 오르간은 그리스도교회에서 찾아볼 수 있다. 교회에 오르간이 도입된 것은 전통적으로 7세기 비탈리아노 교황 시대로 알려져 있다.[14] 오르간은 인성(사람의 목소리), 즉 신도회중이나 합창단, 독창자(cantor or soloist)를 반주하는 데 이상적으로 적합하다. 이는 오르간이 동시에 성악 음역 아래에서 음악적 기반을 제공하고, 성악을 지원하며, 성악 음역 위에서 밝기를 더할 수 있기 때문이다.

대부분의 예배에서는 반주 외에도 독립적인 연주를 위한 독주 오르간 레퍼토리가 포함되는데, 종종 예배 시작 전의 전주곡(prelude)과 예배 종료 후의 후주곡(postlude)으로 연주된다.

오늘날 교회에서 사용되는 오르간은 전통적인 파이프 오르간 외에도, 디지털 신호 처리(digital signal processing, DSP) 칩으로 소리를 생성하는 디지털 오르간이나 전자 오르간, 또는 파이프와 전자 장치를 결합한 형태일 수 있다. 이러한 오르간들은 극장 오르간과 구별하기 위해 교회 오르간 또는 클래식 오르간이라고 부를 수 있다. 그러나 클래식 오르간 레퍼토리는 파이프 오르간을 위해 개발되었고 그 발전에 영향을 미쳤기 때문에, 교회 오르간과 콘서트 오르간의 경계는 점차 모호해지고 있다.

용도나 설치 장소에 따라 「교회 오르간」 외에도 「콘서트 오르간」, 「하우스 오르간」 등의 명칭이 사용되기도 한다.

4. 1. 2. 콘서트홀 오르간

파이프 오르간교회, 회당, 콘서트홀, 가정 등 다양한 장소에 설치되며, 크기 또한 1m3 정도의 작은 것부터 5층 높이에 달하는 거대한 것까지 매우 다양하다.[12] 볼프강 아마데우스 모차르트는 오르간을 "악기의 왕"이라고 칭송하기도 했다.[13]

콘서트홀에 설치되는 파이프 오르간의 가장 큰 특징 중 하나는 가장 미세한 소리부터 가장 강력하고 인상적인 플랭주(Plenum) 음향까지 폭넓은 음량 범위를 가지며, 연주자가 원하는 만큼 소리를 지속할 수 있다는 점이다. 예를 들어, 미국 필라델피아의 와나메이커 오르간은 세 개의 교향악단이 동시에 연주하는 것에 버금가는 풍부한 음향을 자랑한다.

19세기 후반과 20세기 초 미국과 영국에서는 콘서트홀과 같은 세속적인 장소에서 심포니 오르간이 크게 유행했다. 이 오르간은 오케스트라 곡을 편곡하여 연주함으로써 심포니 오케스트라를 대체하고자 하는 시도 속에서 발전했다. 하지만 20세기 중반, 역사적인 오르간 제작 방식을 복원하려는 '''오르겔베베궁'''(Orgelbewegungdeu, Organ reform movementeng)이 확산되면서 심포니 오르간은 점차 인기를 잃게 되었다. 이후 오르간 제작자들은 역사적인 모델에서 영감을 받아 새로운 악기를 만들기 시작했다.

오늘날 현대 오르간 제작자들은 콘서트홀과 같은 세속적인 공간과 교회와 같은 종교적인 공간 모두를 위해 다양한 스타일의 오르간을 제작하고 있다. 설치 장소나 용도에 따라 '''콘서트 오르간'''이라는 명칭이 사용되기도 한다.

4. 1. 3. 극장/영화관 오르간

극장 오르간 또는 시네마 오르간은 무성 영화 상영 시 반주 음악을 연주하기 위해 특별히 고안된 파이프 오르간이다. 심포니 오르간처럼 오케스트라의 역할을 대신하기 위해 만들어졌지만, 극장 오르간은 영화의 장면에 맞는 다양한 효과음을 내는 데 중점을 둔다. 이를 위해 자동차 경적, 초인종, 새 휘파람 소리 등 여러 가지 소리를 모방하는 기계식 타악기나 특수 장치들을 훨씬 더 많이 갖추고 있다. 음색 면에서는 티비아(Tibia) 파이프 계열을 기본 음역으로 사용하며, 클래식 오르간보다 더 깊고 풍부한 효과를 내는 트레물란토(떨림 효과 장치)를 자주 사용한다.

극장 오르간은 일반적으로 클래식 오르간보다 크기가 작다. 이는 '확장(extension)' 또는 '통합(unification)'이라 불리는 설계 방식과 더 높은 공기 압력을 사용하여, 상대적으로 적은 수의 파이프로도 더 다양한 음색과 더 큰 소리를 만들어낼 수 있기 때문이다. 통합 방식은 작은 악기로도 마치 큰 악기처럼 다양한 소리를 낼 수 있게 해주며, 특히 멜로디와 화음 반주로 이루어진 단선율 음악 스타일에 잘 어울린다. 하지만 이러한 설계 때문에 소리가 클래식 오르간에 비해 다소 두껍고 균일하게 들리는 경향이 있다.

미국에서는 미국 극장 오르간 협회(ATOS, American Theatre Organ Society)가 역사적인 극장 오르간들을 보존하는 데 중요한 역할을 하고 있다.

극장 오르간은 설치 장소나 용도에 따라 '시어터 오르간', '시네마 오르간' 등으로 불리기도 한다. 이러한 오르간들은 단순히 음악 감상만을 위한 것이 아니라, 녹음 및 재생 기술이 발달하기 전에 영화관에서 효과음이나 분위기를 만드는 데 중요한 역할을 했다. 예를 들어, 영화 속 음악 연주뿐만 아니라 증기 기관차의 증기 소리나 기적 소리, 동물의 울음소리, 심지어 폭발음까지 오르간의 다양한 스톱(음색 조절 장치)을 활용하여 실감 나게 표현했다.

4. 1. 4. 체임버 오르간

체임버 오르간(Chamber organeng)은 작은 방에 설치하기 적합하게 만들어진 소형 파이프 오르간이다. 보통 건반이 하나만 있고 페달 파이프가 없는 경우도 많지만, 작은 크기에도 불구하고 설치된 공간 전체를 소리로 채울 수 있다. 음역대가 넓지 않아 연주 가능한 곡이 제한적이며, 이 때문에 고전 음악 연주에서 대형 파이프 오르간과 경쟁하기는 어렵다.

체임버 오르간은 특유의 소리와 건반 터치를 가지고 있어, 스톱(음색 조절 장치)을 거의 사용하지 않는 대형 오르간과는 다른 훨씬 친밀한 느낌을 준다. 전통적으로 트래커 작동 방식을 사용했지만, 현대에는 전기 공압식으로 제작되기도 한다.

베토벤 시대 이전의 건반 음악은 피아노하프시코드뿐만 아니라 체임버 오르간으로도 자연스럽게 연주할 수 있다. 특히 음을 길게 지속하는 데 유리하여 바로크 음악 등에서 바소 콘티누오 연주 시 하프시코드보다 선호되기도 한다.

주로 교회나 콘서트홀에 설치되는 대규모 파이프 오르간 외에도, 소형의 탁상형 '''포지티브 오르간'''(Positive organeng)이나 휴대용 '''포르타티프 오르간'''(오르가넷)(Portative organeng) 등이 있다.

한편, 오르간은 사용 목적이나 설치 장소에 따라 「교회 오르간」, 「콘서트 오르간」, 「하우스 오르간」, 「극장 오르간」, 「시어터 오르간」, 「시네마 오르간」 등으로 불리기도 한다. 특히 마지막 세 종류는 음악 감상 목적보다는 극장의 효과음이나 분위기 연출에 주로 사용되었는데, 녹음 및 재생 기술이 발달하기 이전 시대에는 영화 음악 연주 외에도 증기 기관차 소리, 동물 울음소리, 폭발음 등 다양한 효과음을 오르간의 다채로운 스톱을 활용하여 만들어냈다.

4. 2. 리드 오르간 (펌프 오르간)



리드 오르간(reed organ영어)은 펌프 오르간(pump organ영어) 또는 하모늄(harmonium영어)이라고도 불린다. 이 악기는 아코디언이나 하모니카처럼 공기를 불어넣어 금속으로 만든 자유 진동 리드(free reed)를 떨어서 소리를 내는 건반 악기이다. 파이프 오르간과 비교했을 때 크기가 작고 가격이 저렴하며, 운반이 용이하여 전자 오르간이 등장하기 전까지 작은 교회나 가정에서 널리 사용되었다. 하지만 음량이나 표현할 수 있는 음역에는 한계가 있었다. 일반적으로 건반은 1~2단이며, 발 건반(페달보드)은 거의 없다.

리드 오르간은 탄력 있는 금속판(리드)이 바람에 의해 진동하며 소리를 낸다. 리드의 두께, 길이, 무게, 탄성 등에 따라 음높이가 결정되며, 리드의 형태나 미세한 구부림을 통해 음색을 조절하기도 한다. 파이프 오르간처럼 음높이가 다른 여러 종류의 리드(스톱)를 조합하여 다양한 음색을 만들 수 있다. 두 개의 리드 조율을 약간 어긋나게 하여 셀레스테 효과를 내는 스톱도 있다.

대부분의 리드 오르간은 발로 밟는 페달 두 개를 번갈아 움직여 바람을 만들어낸다. 이를 통해 숨 쉬는 구간 없이 지속적인 소리를 낼 수 있다. 건반 아래에 있는 '니 스웰'(knee swell)이라는 장치를 무릎으로 조작하여 음량을 조절하기도 한다. 전동식 송풍 장치가 달린 리드 오르간에는 발 페달 대신 전자 오르간과 같은 볼륨 페달이 달려 있기도 하다.

리드 오르간에는 작동 방식이나 형태에 따라 여러 종류가 있다.

  • 하모늄(Harmonium영어): 바람을 밖으로 밀어내어 리드를 진동시키는 방식. 유럽에서 주로 발전했다.
  • 미국식 리드 오르간(American reed organ영어): 바람을 안으로 빨아들여 리드를 진동시키는 방식. 19세기 후반 미국에서 크게 유행했다.
  • 멜로디온(Melodeon영어): 19세기 중반 미국에서 인기가 있었던 초기 형태의 리드 오르간. (이 이름은 다이어토닉 버튼 아코디언을 가리키기도 하므로 주의해야 한다.)
  • 코드 오르간(Chord organ영어): 1950년 로렌스 해먼드(Laurens Hammond)가 발명한 리드 오르간.[15] 왼손으로 코드를 연주할 수 있는 버튼이 달려 있다. 매그너스(Magnus) 등의 회사에서도 생산했다.[16]


19세기 후반 리드 오르간은 매우 인기 있는 악기였다. 피아노보다 훨씬 저렴하고, 조율이 안정적이며, 가볍고 튼튼하여 운반하기 쉬웠기 때문에 가정용 오락 악기로 널리 보급되었다. 특히 미국에서는 파이프 오르간을 설치하기 어려운 작은 교회에서 회중 찬송 반주용으로 많이 사용되었다. 또한 선교사들을 통해 아시아와 아프리카 등지로 퍼져나갔다.

일본에서는 메이지 시대부터 쇼와 시대에 걸쳐 서양 선교사들이 들여온 리드 오르간이 교육 및 선교 활동에 활발히 사용되었다. 당시 일본에서는 단순히 '오르간'(オルガン)이라고 하면 보통 리드 오르간을 가리켰으며, 파이프 오르간은 '파이프 오르간'(パイプオルガン)이라고 구별해서 불렀다. 또한 '풍금'(風琴, ふうきん)이라는 번역어가 널리 쓰이기도 했다. 야마하(Yamaha)를 비롯한 여러 일본 악기 제조사들이 리드 오르간을 대량 생산하여 학교 음악 교육과 가정 보급에 크게 기여했다.[39] 이는 일본 악기 산업 발전의 기초가 되었다. 오오나카 토라지 등 많은 작곡가들이 리드 오르간을 위한 교육용 곡이나 예술적인 작품을 남겼다.

그러나 20세기 들어 피아노 생산 기술이 발전하고 가격이 저렴해지면서 리드 오르간의 인기는 점차 줄어들었다. 또한 리드 오르간만을 위한 독창적인 음악 작품이 부족했던 점도 쇠퇴의 원인으로 지목된다. 이후 전자 오르간이 등장하면서 리드 오르간은 대부분 대체되었다.

4. 2. 1. 하모늄



펌프 오르간(pump organ), 리드 오르간(reed organ) 또는 하모늄(harmonium)은 전자 오르간이 개발되기 전 주요 오르간 종류 중 하나였다. 이 악기는 아코디언과 유사한 리드를 사용하여 소리를 생성했다. 파이프 오르간에 비해 크기가 작고 저렴하며 휴대성이 뛰어나 소규모 교회와 가정에서 널리 사용되었지만, 음량과 음역이 매우 제한적이었다. 일반적으로 건반은 하나 또는 두 개였으며, 페달보드는 거의 없었다.

하모늄(Harmonium) 또는 거실용 오르간은 보통 여러 스톱과 발로 작동하는 풀무를 갖춘 리드 악기를 말한다.

4. 2. 2. 전자 오르간

1930년대 이후, 파이프가 없는 전자 악기들이 등장하여 파이프 오르간과 유사한 소리를 내고 비슷한 역할을 수행하게 되었다. 이 악기들은 파이프 오르간을 구매하기 어려운 교회나 다른 기관들뿐만 아니라, 전문 및 아마추어 음악가들에게도 널리 보급되었다. 기존 파이프 오르간보다 훨씬 작고 저렴하며, 많은 경우 휴대가 가능하여 오르간 음악이 개인 주택, 댄스 밴드 등 새로운 환경으로 확산되는 계기가 되었고, 기존의 리드 오르간을 거의 완전히 대체하였다.

'''해먼드 오르간'''은 1930년대에 출시된 최초의 성공적인 전자 오르간이다. 회전하는 기계식 톤휠(tonewheel)을 사용하여 소리 파형을 생성했다. 드로바(drawbar) 시스템을 통해 특정 배음의 음량을 조절하여 원하는 음색을 만들 수 있었고, 비브라토와 같은 효과도 제공했다. 초기 해먼드 오르간은 프리앰프만 내장하고 있어 외부 증폭 스피커에 연결해야 했다. 특히 독특한 트레몰로 효과를 내는 회전식 레슬리 스피커가 가장 인기 있는 조합이 되었다.

처음에는 교회 오르간을 대체할 목적으로 개발되었지만, 해먼드 오르간, 특히 B-3 모델은 재즈, 특히 소울 재즈와 가스펠 음악에서 큰 인기를 얻었다. 이러한 장르가 록 음악의 형성에 영향을 미치면서 해먼드 오르간은 록 사운드의 중요한 일부가 되었다. 1960년대와 1970년대에는 에머슨, 레이크 앤 파머, 프로콜 하럼, 산타나, 딥 퍼플과 같은 밴드들이 록과 대중음악에서 널리 사용했다. 2000년대 들어서는 한 사람이 휴대할 수 있을 정도로 가벼운 클론휠 오르간이 등장하면서 다시금 대중음악에서 인기를 얻고 있다.

앨런 오르간 컴퍼니는 해먼드의 전기기계식 방식과 달리, 1938년 설립자 제롬 마코위츠(Jerome Markowitz)가 설계하고 특허를 받은 안정적인 발진기를 기반으로 한 최초의 완전 전자 오르간을 선보였다.[17] 앨런은 1960년대까지 아날로그 음색 생성 기술을 계속 발전시켰다.[18] 1971년에는 노스 아메리칸 로크웰(North American Rockwell)과의 협력을 통해 세계 최초의 상용 디지털 악기를 출시했다.[19] 이 최초의 앨런 디지털 오르간은 현재 스미스소니언 협회에 소장되어 있다.[20]

주파수 분할 오르간은 소리를 내기 위해 기계 부품 대신 발진기를 사용했다. 이 방식은 해먼드 오르간보다 더 저렴하고 휴대가 간편했으며, 음높이를 조절하는 기능(피치 벤딩)도 가능했다.

1940년대부터 1970년대까지는 전통적인 오르간 스톱을 단순화한 소형 오르간이 판매되었다. 이 악기들은 원터치 코드, 리듬 및 반주 장치 등 전자적으로 지원되는 기능을 포함하고 있어 현대 휴대용 건반 악기의 전신으로 여겨진다. 로리 오르간은 이러한 소형(스피넷) 오르간 분야의 선두적인 제조사였다.

1960년대와 1970년대에는 콤보 오르간이라고 불리는 간단하고 휴대가 간편한 전자 오르간이 인기를 끌었다. 특히 팝, 스카(1970년대 후반~1980년대 초반), 록 음악 밴드에서 많이 사용되었으며, 도어스아이언 버터플라이와 같은 당시 록 음악의 특징적인 사운드를 만들었다. 가장 인기 있는 콤보 오르간 제조사로는 파르피사와 복스가 있었다.

대형 악기 시장에서는 콘-셀머와 로저스 악기 같은 회사들이 주파수 분할 방식 대신 각 음표마다 개별 발진기를 사용하는 전자 오르간을 제작했다. 이 방식은 미세한 음높이의 불완전성을 만들어 파이프 오르간에 더 가까운 풍부한 사운드를 제공했다.

하이브리드 오르간은 20세기 초부터[21] 등장했으며, 일부 소리는 실제 파이프로 생성하고 다른 소리나 부족한 부분은 전자 회로 또는 디지털 샘플을 사용하여 보완하는 방식이다. 주요 제조사로는 앨런, 워커, 컴프턴, 위크스, 마셜 & 오글트리, 피닉스, 메킨 오르간, 와이번 오르간, 로저스 악기 등이 있다.

집적 회로(IC)의 개발은 전자 건반 악기 분야에 또 다른 혁명을 가져왔다. 1970년대 이후 판매된 디지털 오르간은 가산 합성 방식을 사용했으며, 이후 1980년대에는 샘플링 기술, 1990년대에는 물리 모델링 합성 기술이 음향 생성에 활용되었다.

가상 파이프 오르간은 MIDI를 사용하여 컴퓨터에 저장된 실제 파이프 오르간 샘플을 재생하는 방식이다. 반면 일반적인 디지털 오르간은 악기 본체 내부의 DSP와 프로세서 하드웨어를 사용하여 소리를 생성하거나 사운드 샘플을 제공한다. 가상 파이프 오르간은 터치스크린 모니터를 통해 가상의 오르간 콘솔을 제어할 수 있어, 기존의 물리적인 콘솔이나 스톱, 커플러 등이 필요 없다. 이러한 기본적인 형태 덕분에 가상 오르간은 다른 디지털 클래식 오르간보다 훨씬 저렴한 비용으로 구현할 수 있다.

4. 2. 3. 디지털 오르간

집적 회로의 개발은 전자 키보드 악기 분야에 또 다른 혁명을 가져왔다. 1970년대 이후 판매된 디지털 오르간은 가산 합성 방식을 사용했으며, 이후 1980년대에는 샘플링 기술, 1990년대에는 물리 모델링 합성이 음향 생성에 활용되었다.

가상 파이프 오르간은 컴퓨터에 저장된 실제 파이프 오르간 샘플에 접근하기 위해 MIDI를 사용한다. 반면 디지털 오르간은 콘솔 내부의 DSP와 프로세서 하드웨어를 사용하여 소리를 생성하거나 사운드 샘플을 제공한다. 터치스크린 모니터를 통해 사용자는 가상 오르간 콘솔을 제어할 수 있으며, 기존 콘솔과 물리적인 스톱 및 커플러 컨트롤은 필요하지 않다. 이런 기본적인 형태의 가상 오르간은 다른 디지털 클래식 오르간보다 훨씬 저렴하다는 장점이 있다.

4. 3. 기계식 오르간

기계식 오르간은 핀이 박힌 배럴이나 악보와 같은 기계적인 수단을 통해 자동으로 연주되는 오르간이다. 작은 것은 연주자의 손 없이 작동하며, 큰 것은 오르간 연주자나 전기 모터 등으로 작동되기도 한다.

기계식 오르간에는 다음과 같은 종류가 있다.

  • 배럴 오르간: 휴대용으로 유명해졌으며, 큰 모델에는 건반이 달려 있기도 하다. (자세한 내용은 하위 섹션 참조)
  • 오르가네트: 19세기 후반 뉴욕에서 만들어진 작고 아코디언과 유사한 악기이다.
  • 오케스트리온: 오케스트라 소리를 모방하도록 설계된 대형 자동 오르간이다.
  • 유원지 오르간 (또는 미국식 밴드 오르간): 주로 회전목마나 유원지에서 사용되는 크고 화려한 오르간이다.
  • 거리 오르간: 주로 길거리 공연에 사용되는 휴대용 또는 이동식 오르간이다. 손으로 돌리는 오르간이 대표적이며, 핀이 나온 원통에 연결된 손잡이를 돌려 연주한다. 메이지 시대 일본에서는 다다미방에서도 연주하기 쉽도록 개량한 종이공명판 오르간이 개발되기도 했다.
  • 댄스 오르간: 주로 댄스홀이나 축제에서 사용되는 대형 오르간이다.


공기 대신 압축된 증기를 사용하는 칼리오페(증기 오르간)도 있다. 19세기 미국에서 발명되었으며, 매우 크고 강한 소리를 내어 주로 야외에서 사용된다.

4. 3. 1. 배럴 오르간

배럴 오르간은 기계식 오르간의 한 종류이다. 휴대용 형태로 오르간 연주자들에 의해 유명해졌으며, 대형 모델에는 사람이 직접 연주할 수 있는 건반이 달려 있기도 하다.

5. 구조 및 작동 원리

오르간은 공기(바람)를 이용하여 파이프를 울려 소리를 내는 건반 악기이다. 오르간의 소리는 다양한 크기와 모양의 파이프에서 만들어지며, 이 파이프들에 압축된 공기를 불어넣어 작동시킨다.

주요 구성 요소로는 소리의 근원이 되는 수많은 '''파이프''', 파이프에 일정한 압력의 바람을 저장하고 분배하는 '''풍통''', 바람을 만들어내는 '''송풍 장치''', 그리고 연주자가 악기를 조작하는 '''연주 기구'''(손건반, 페달 건반, 스톱, 스웰 페달 등)가 모인 '''연주대''' 등이 있다.

연주자가 건반이나 페달을 누르면, 해당 음에 연결된 풍통 내부의 밸브가 열리면서 송풍 장치에서 생성된 바람이 선택된 파이프로 들어가 소리를 내게 된다. 연주자는 스톱을 조작하여 다양한 음색을 조합하고, 스웰 장치 등을 이용하여 음량을 조절함으로써 풍부하고 다채로운 음악 표현을 만들어낸다.

각 구성 요소의 상세한 구조와 작동 방식, 그리고 다양한 종류에 대해서는 아래 하위 항목에서 자세히 설명한다.

5. 1. 파이프

파이프는 오르간 소리의 근원이며, 주로 주석합금이나 목재로 만들어진다. 파이프 오르간의 외관을 장식하는 파이프들도 있지만, 실제로는 훨씬 더 많은 수의 파이프가 오르간 케이스 내부에 배치되어 있다.

파이프가 소리를 내는 방식은 크게 두 가지로 나뉜다.

  • '''플루(flue) 관''': 리코더와 비슷한 원리로, 파이프 아래쪽의 취구를 통해 공기가 들어가면서 소리가 만들어진다.
  • '''리드(reed) 관''': 클라리넷처럼 얇은 판(리드)이 공기의 흐름에 의해 진동하면서 소리를 내는 방식이다.


이 외에도 파이프의 두께나 관의 끝이 열려 있는지(개관), 닫혀 있는지(폐관), 또는 반쯤 열려 있는지(반개관) 등의 구조적인 차이에 따라 다양한 음색을 가진 파이프들이 존재한다.

건반의 각 음에 해당하는 한 줄의 파이프 세트를 '파이프 열'이라고 하며, 각 파이프 열에는 고유한 명칭이 붙어 있다. 연주자는 '스톱(stop)'이라는 장치를 조작하여 원하는 음색의 파이프 열을 선택하여 소리 낼 수 있다. 일반적으로 파이프 열 자체를 스톱이라고 부르기도 한다.

파이프 열의 음고는 '''피트(feet)율'''이라는 단위로 표시한다. 기준이 되는 음높이(보통 피아노의 음높이와 같음)를 내는 파이프 열은 8피트(8')로 표시한다. 이보다 한 옥타브 높은 음을 내는 파이프 열은 4', 한 옥타브 낮은 음을 내는 파이프 열은 16'로 표시한다. 이러한 표기법은 건반의 가장 낮은 '도(C)' 음을 내는 파이프의 길이가 약 약 2.44m 정도 되는 것에서 유래했다.

규모가 큰 대형 오르간에서는 여러 개의 파이프 군을 묶어 각각 독립적인 작은 오르간처럼 구성하는데, 이를 '''디비전(division)'''이라고 부른다. 각 디비전마다 별도의 건반이 할당되어 있어, 이를 통해 다양한 음색과 음량을 조합하고 대비시키는 것이 가능하다.[31]

5. 2. 풍통

오르간의 파이프는 각각 '''풍통'''(wind chest영어, Windladede, sommier프랑스어, somiereit)에 연결되어 있다. 풍통 내부는 일정한 기압으로 가압되어 있으며, 건반을 누르면 밸브(팔레트)가 열려 파이프로 바람을 보내 소리를 내는 구조다.[32]

오래전부터 현재까지 가장 많이 사용되는 풍통 구조는 톤 채널 체스트(tone channel chest영어)다. 이 방식은 각 음높이별로 나뉜 공통된 통로(톤 채널)에 서로 다른 음색의 파이프들을 연결한다. 건반을 누르면 해당 음높이의 채널로 바람이 들어가 연결된 모든 파이프(다른 음색이라도 같은 음높이)가 동시에 소리를 내게 된다. 이 구조는 각 음색이 자연스럽게 섞여 멜로디 선율을 명확하게 연주하는 데 유리하다.

낭만파 시대의 오르간에서는 주로 스톱 채널 체스트(stop channel chest영어)가 채택되었다. 이 방식은 음색(스톱)별로 통로(스톱 채널)를 나누고, 같은 음색의 파이프들을 해당 채널에 연결한다. 특정 스톱을 선택하면 해당 음색의 채널 전체에 바람이 공급되어, 같은 음색의 여러 파이프들이 동시에 울리게 된다. 이는 낭만파 오르간 특유의 풍성하고 개성 있는 음색들이 잘 어우러지도록 만드는 효과가 있다.

5. 3. 송풍 장치

풍압통에 공기를 공급하는 방식은 19세기 중반까지 사람의 힘으로 풀무를 이용하는 것이 일반적이었다. 작은 오르간의 경우 연주자 자신이 직접 풀무를 조작하기도 했지만, 규모가 큰 오르간은 연주자 외에 공기를 불어넣는 역할을 하는 풀무꾼이 따로 필요했다.

19세기 후반에 들어서면서 사람의 힘 대신 증기 기관과 같은 기계 동력을 이용한 송풍 방식이 시도되었다. 20세기 초반부터는 전기를 이용한 송풍 장치가 개발되어 보급되면서 매우 큰 풍압도 비교적 쉽게 얻을 수 있게 되었다.

그러나 20세기 말부터는 전통적인 수동 풀무 방식이 가진 음악적 가치가 재조명되면서, 현대적인 전동 송풍 장치와 더불어 전통적인 수동 풀무를 함께 사용할 수 있도록 설계된 오르간도 제작되고 있다.[24]

5. 4. 스웰

스웰(swell)은 파이프군을 상자(스웰 박스)에 넣고, 가동식의 셔터(스웰 셔터)를 설치하여 연속적인 음량 변화를 얻기 위한 장치이다. 연주자가 페달을 조작하면 셔터가 열리거나 닫히면서 음량 변화가 생긴다. 셔터의 각 판은 과거에는 수평으로 설치되었지만, 작동에 드는 부하가 크기 때문에 현재는 수직으로 설치되는 경우가 많다.

5. 5. 연주 기구

오르간 연주는 다양한 기구를 조작하여 이루어진다. 연주자는 손으로 여러 단의 건반(매뉴얼)을, 발로는 페달 건반을 연주하여 음을 낸다. 다양한 음색을 만들어내기 위해 스톱을 선택하고 조합하며, 이러한 조합을 미리 설정하고 연주 중에 쉽게 변경할 수 있도록 돕는 콤비네이션 장치(음전 조작 기억 장치)도 사용된다.

음량의 점진적인 변화를 표현하기 위해 특정 파이프 그룹을 감싼 상자의 덧문을 여닫는 스웰 페달이나, 점차 많은 스톱을 동원하여 소리를 키우는 크레센도 페달 같은 장치를 조작하기도 한다. 건반을 눌렀을 때 파이프에 공기를 보내 소리를 내게 하는 기계적 연결 장치인 키 액션에는 여러 방식이 있으며, 이는 오르간의 구조와 연주 감각에 영향을 준다. 이러한 모든 조작 장치들은 연주자 앞에 놓인 연주대(콘솔)에 모여 있다.[36] 각 연주 기구의 상세한 구조와 작동 방식은 하위 항목에서 자세히 다룬다.

5. 5. 1. 건반

대오르간은 여러 소규모 오르간의 집합체로, 각 소규모 오르간에 해당하는 건반을 가지고 있다. 이 때문에 여러 단의 건반이 설치되는 경우가 많다. 건반 단은 아래에서부터 첫 번째, 두 번째, 세 번째 순서로 센다.

현대의 오르간은 3단 건반을 갖춘 경우가 많으며, 3단보다 많은 건반은 기본적인 3단 세트 위에 추가된다. 대오르간에서는 보통 4~5단 건반까지가 일반적이며, 그 이상은 드물다.

건반의 배치는 여러 방식이 있는데, 일반적으로는 3단 건반의 경우 가운데 단이 주건반(Hauptwerk 또는 Great)이며, 아래에서부터 포지티프 건반(Positiv 또는 Choir), 주건반, 스웰 건반(Swell) 순서로 배치된다. 하지만 프랑스식 오르간에서는 가장 아래 단이 주건반인 경우가 많다.

5. 5. 2. 페달 (족건반)

많은 오르간은 손으로 연주하는 건반 외에 발로 연주하는 페달 건반(Pedal|페달de, pédale|페달프랑스어, pedal|페달영어, pedale|페달레it, 족건반)을 갖추고 있다. 페달 건반을 위한 독립적인 파이프군 없이 손 건반과 연결된 풀다운(pull-down) 방식의 오르간도 존재한다. 페달 건반의 건반 수와 형태는 역사적으로 다양했으며, 버튼이나 피스톤 같은 형태도 있었다.

페달 건반은 배치 방식에 따라 크게 평면 배치와 입체 배치로 나눌 수 있다.
평면 배치

  • 평행형: 건반이 평행하게 나란히 배열된 형태이다. 건반 간격이 일정하여 넓은 음역에 걸쳐 연주하는 악절에서 옆 방향으로 이동하며 연주하기 쉽다는 장점이 있다. 그러나 저음역과 고음역 건반이 연주자로부터 멀리 떨어져 있어, 안정적인 자세로 모든 음역을 무리 없이 연주하려면 충분한 훈련이 필요하다.
  • 부채꼴/방사형: 건반이 부채꼴처럼 방사형으로 배열되고, 검은 건반 쪽이 원호를 그리는 형태이다. 건반 간격이 일정하지 않아 넓은 음역을 오가며 연주하기는 다소 어렵다는 단점이 있다. 하지만 저음역과 고음역 건반은 뒤쪽 건반일수록 연주자 쪽으로 모이는 경향이 있어, 해당 음역 연주 시 허리의 불안정성을 줄일 수 있다는 장점이 있다. 반면, 발 뒤쪽을 다른 발이 지나가며 연주하거나 발과 발이 가까워지는 중음역 연주 시에는 뒤쪽 건반 간의 간격이 좁아 연주가 어려울 수 있다.

입체 배치

  • 수평형: 건반이 수평으로 나란히 배열된 형태이다. 평면 배치의 평행형처럼 건반 높이가 같아 넓은 음역을 오가며 연주하기 쉽다는 장점이 있다. 마찬가지로 저음역과 고음역 건반이 멀리 있어 안정적인 연주를 위해 훈련이 필요하다.
  • 오목형: 중앙 부분의 건반이 움푹 들어간 형태이다. 건반 높이가 달라 넓은 음역을 오가며 연주하기는 어렵다는 단점이 있다. 그 대신 저음역과 고음역 건반이 위로 올라와 연주자에게 더 가까워지므로 연주자에게 부담이 적다는 장점이 있다.

기타 형태역사적으로 다음과 같은 다양한 형태의 페달 건반도 사용되었다.

  • 버튼식 페달 건반: 건반 형태가 아닌 버튼이 나란히 배열된 형태로, 주로 보조적으로 저음을 연주하는 형식의 오르간에서 볼 수 있다.
  • 발가락 페달 건반: 발가락으로 누르는 작은 페달이 배열된 형태로, 버튼식과 마찬가지로 보조적인 저음 연주에 사용된다.
  • 상자형 페달 건반 (프랑스식): 현재의 페달 건반과 달리 얇은 판 형태의 페달 건반이 나란히 배열되어 있다.
  • 경사진 페달 건반 (이탈리아식): 현재의 페달 건반과 달리 검은 건반 쪽이 위쪽으로 경사지게 올라가는 형태로 설치되어 있다. 흰 건반은 다소 연주하기 어렵고, 연주 시 상체가 뒤로 젖혀지기 쉽다는 약점이 있다.


현재에도 볼 수 있는 많은 페달 건반은 건반 수가 30개 또는 32개로 통일되고 있다.

5. 5. 3. 스웰 페달

스웰(swell)은 파이프군을 상자 형태의 공간(스웰 박스) 안에 넣고, 여닫을 수 있는 셔터(스웰 셔터)를 설치하여 소리의 크기를 연속적으로 변화시킬 수 있게 만든 장치이다. 연주자는 스웰 페달을 조작하여 마치 베네시안 블라인드와 같은 형태의 이 셔터를 열고 닫음으로써 음량을 조절한다. 과거에는 셔터의 각 판을 수평으로 설치했지만, 작동시키는 데 힘이 많이 들어 현재는 수직으로 설치하는 경우가 일반적이다.

초기의 오르간에서는 건반 뒤쪽의 좁은 공간에 스웰 페달이 위치했지만, 현대에는 대부분 건반 위쪽에 설치된다. 처음 설계될 당시 오른발 조작을 기준으로 했기 때문에 현재도 중앙보다는 약간 오른쪽에 위치하는 경우가 많다. 그러나 실제 연주에서는 건반을 연주하지 않는 발을 사용하므로, 반드시 오른발로만 조작해야 하는 것은 아니다. 다만 구조상 왼발로 조작하기에는 다소 불편함이 따를 수 있다.

스웰 셔터가 음량에 미치는 효과는 오르간마다 차이가 있다. 어떤 악기는 셔터를 완전히 닫아도 소리가 크게 줄어들지 않을 수 있으므로, 연주자는 해당 악기의 특성을 미리 파악하고 있어야 한다. 특히 대부분의 오르간에서 스웰 셔터는 열리기 시작하는 초반에 음량 변화 효과가 가장 크며, 절반 이상 열린 상태에서는 변화를 거의 느끼기 어렵다. 따라서 스웰 페달을 섬세하게 다루기 위해서는 셔터가 절반 정도까지 열리는 지점을 잘 파악하는 것이 중요하다.[37]

페달의 작동 방식에도 지역별 차이가 있다. 미국이나 영국식 오르간은 페달을 밟을수록 스웰 셔터가 열리면서 소리가 커지지만, 유럽 대륙의 여러 국가에서는 반대로 작동하는 경우가 많으므로 연주 전에 반드시 확인해야 한다. 또한, 연주가 끝난 후 스웰 셔터를 닫아두면 스웰 박스 내부에 공기가 정체되어 습기가 차거나 녹이 발생하여 악기를 손상시킬 수 있다. 따라서 연주 후에는 스웰 페달을 완전히 열어두는 것이 악기 관리에 좋다.

5. 5. 4. 크레센도 페달

스웰 셔터에 의존하지 않고 강약을 표현하는 또 다른 방법으로 크레센도 페달이 있다. 이 페달을 조작하면 점차적으로 스톱의 수가 늘어나면서 소리가 커지며, 끝까지 밟으면 모든 스톱이 동원되는 투티 상태가 된다.[38] 크레센도 페달은 대부분 스웰 페달과 함께 설치된다. 스톱이 하나씩 추가될 때마다 음량이 단계적으로 커지기 때문에 스웰 페달처럼 아주 매끄러운 강약 조절은 어렵지만, 대신 훨씬 더 큰 폭의 강약 변화를 만들어낼 수 있다. 과거에는 크레센도 페달에서 스톱이 추가되는 순서나 조합이 오르간 제작 시 미리 정해져 있어 연주 표현에 제약이 따랐다. 하지만 현대에는 기억 장치를 활용하여 연주자가 직접 스톱의 조합이나 추가 순서를 설정할 수 있는 오르간도 있다.

5. 5. 5. 스톱

'''주요 문서: 스톱 (오르간)'''

5. 5. 6. 콤비네이션 (음전 조작 기억 장치)

발 페달(Piston/Fußpiston|피스톤/푸스피스톤de, champignon/piston|샹피뇽/피스톤프랑스어, toe piston|토 피스톤영어, pistone|피스토네it)은 발로 가볍게 눌러 켜고 끄는 동작을 하는 페달이다. 현대 오르간에서는 연주자가 미리 기억 장치에 저장해 둔 스톱 조합을 연주 중에 손으로 바꾸기 어려울 때, 발 페달을 사용하여 조합을 변경하는 데 주로 사용된다.

흔히 사용되는 발 페달에는 두 가지 종류가 있다. 하나는 번호가 매겨진 페달로, 저장된 스톱 조합의 번호를 직접 불러오는 방식이다. 다른 하나는 저장된 조합을 순서대로 앞으로 넘기거나 뒤로 넘기는 방식이다. 비슷한 기능을 하는 버튼이 건반 바로 아래 등에 위치하기도 한다.

연주 시 양발이 모두 사용 중일 때는 손으로 동일한 조작을 할 수 있으며, 손과 발이 모두 사용 중일 때는 조수가 대신 손이나 발로 조작하기도 한다. 따라서 오르간 콘솔을 설계할 때는 연주자 본인이 다루기 쉬울 뿐만 아니라, 조수가 조작할 경우에도 손이 쉽게 닿으면서 연주자의 연주를 방해하지 않는 위치에 발 페달을 설치하는 것이 중요하다.

5. 5. 7. 키 액션

키 액션(Key Actioneng)은 건반의 움직임으로 풍통(風箱)의 팔레트(pallet)를 여닫는 구조를 말한다.

'''트래커 액션'''(Tracker Actioneng)은 건반과 팔레트가 기계 장치로 직접 연결된 방식으로, 가장 오래되고 기본적인 구조이다. 건반의 움직임이 직접 팔레트에 전달되므로 연주자가 미세한 표현을 조절하기 용이하다. 또한, 바람의 압력 때문에 건반을 누를 때 독특한 저항감이 느껴지는데, 이는 연주자와 악기 사이의 교감을 높이는 요소로 여겨진다. 이러한 장점 덕분에 현대에도 트래커 액션은 여전히 많이 사용된다.[33]

'''바커 레버 액션'''(Barker Lever Actioneng)은 공기압을 이용한 보조 장치(바커 레버)를 사용하여 건반을 누르는 데 필요한 힘을 줄인 방식이다.[34] 주로 규모가 큰 파이프 오르간에 적용되며, 중소 규모의 오르간에는 잘 쓰이지 않는다. 19세기 초에는 오르간의 풍압이 높아 건반이 매우 무거웠고, 이는 연주자에게 큰 부담이었다. 영국의 찰스 스팩맨 바커(Charles Spackmann Barkereng)가 1832년에 바커 레버를 발명했고, 1839년 프랑스에서 특허를 얻었다. 오르간 제작자 아리스티드 카바예콜(Aristide Cavaillé-Coll)은 이 기술을 자신이 만든 오르간에 적극적으로 도입했다. 바커 레버 액션은 트래커 액션과 건반 감촉은 비슷하지만, 팔레트가 열리고 닫히는 속도를 세밀하게 조절하기는 어렵다는 한계가 있다.

19세기 후반에는 '''뉴매틱 액션'''(Pneumatic Actioneng)이 개발되었다. 이 방식은 건반과 팔레트 사이의 기계적 연결을 공기를 채운 관으로 대체한 것으로, 건반을 파이프에서 멀리 떨어진 곳에 설치할 수 있게 해주었다. 하지만 트래커 액션 특유의 직접적인 건반 감촉은 사라졌으며, 반응 속도가 느리다는 단점이 종종 지적된다.

'''일렉트릭 액션'''(Electric Actioneng)은 전자석을 이용해 팔레트를 여닫는 방식이다. 건반과 풍통 사이를 전선으로 연결하기 때문에 건반의 위치를 매우 자유롭게 배치할 수 있다. 전기 신호 자체는 즉각적으로 전달되지만, 실제 팔레트를 움직이는 기계 장치의 성능에 따라 반응 속도가 항상 빠르지는 않을 수 있다. 건반 자체는 단순한 전기 스위치 역할을 하지만, 기술 발달로 트래커 액션과 유사한 건반 감촉을 구현하려는 시도도 이루어지고 있다.

5. 5. 8. 롤러 보드

롤러 보드(en)는 트래커 액션에서 키의 상하 운동을 옆 방향으로 전달하는 장치이다.[35] 건반을 누르는 움직임으로 팔레트(Palette)를 열고 닫으려면, 이론적으로는 각 건반 바로 위에 해당 파이프가 놓여야 한다. 하지만 많은 오르간에서는 파이프와 키의 위치가 서로 맞지 않기 때문에 롤러 보드가 필요하다.

롤러 보드는 역사적으로 600년 이상 거슬러 올라가 고딕 시대의 오르간에도 이미 사용되었다. 그러나 포지티브(Positiv)와 같은 작은 오르간은 건반과 파이프의 위치 차이가 크지 않아 롤러 보드가 없는 경우도 있다.

5. 5. 9. 연주대

연주대(콘솔, Spielschrankdeu/Spieltischdeu, consolefra/consoleeng, consolleita)는 연주자가 오르간을 조작하는 부분이다. 발음을 제어하는 건반과 페달, 음색을 선택하는 스톱이 기본적인 구성 요소이다.[36] 현대 오르간 중에는 메모리에 스톱 조합을 저장할 수 있는 기능을 갖춘 것도 있으며, 이를 위한 버튼들이 추가되어 있다. 또한, 연주자가 뒤쪽의 지휘자나 콘체르트마이스터를 볼 수 있도록 악보대 위쪽에 거울이나 모니터 TV가 설치된 경우도 있다.

6. 조율

플루트 파이프의 조율은 파이프의 종류에 따라 다른 방식으로 이루어진다. 닫힌 관의 경우, 관 끝에 있는 뚜껑의 위치를 위아래로 조절하여 음높이를 맞춘다. 금속으로 만들어진 열린 관은 제작 방식에 따라 조율법이 다르다. 처음부터 길게 만들어 개구부 끝을 띠 모양으로 잘라내고 말아 올려 파이프의 실제 길이를 조절하거나, 반대로 짧게 만든 후 파이프 상부에 다른 관을 덧대어 슬라이드 방식으로 움직여 조율하기도 한다. 이러한 장치가 없는 경우에는 튜닝 콘(tuning cone)이라는 도구를 사용하여 파이프의 개구부 모양을 직접 변형시킨다. 개구부를 넓히면 음높이가 올라가고, 좁히면 내려간다. 나무로 만들어진 열린 관은 길게 만든 뒤 절개선을 넣고 슬라이드식 조절 장치를 달거나, 짧게 만들고 개구부에 금속 뚜껑을 달아 열린 정도를 조절하여 음높이를 맞춘다. 리드 파이프는 리드의 진동하는 부분의 길이를 조절하여 조율한다.

오르간은 기본적으로 관악기의 원리를 따르므로, 기온 변화에 따른 공기 중 음속의 변화가 음높이 변동을 일으킨다. 그러나 오르간은 구조상 조율이 쉽지 않아서, 특히 냉난방 시설이 부족한 오래된 교회의 오르간과 다른 악기가 함께 연주할 때 문제가 생길 수 있다. 기온 변화만으로도 오르간 전체의 음높이가 몇 Hz 정도 변하는 것은 흔한 일이다. 다만, 같은 스톱 내에서는 모든 파이프가 같은 비율로 음높이가 변하기 때문에 오르간 단독 연주 시 화성에는 큰 영향을 주지 않는다. 하지만 리드 파이프와 플루트 파이프는 온도 변화에 따른 음높이 변화 정도가 서로 다르기 때문에, 플루트 파이프의 음높이에 맞추기 위해 리드 파이프 전체를 한 번에 조율할 수 있는 장치를 갖춘 오르간도 있다.

7. 오르간 음악

가톨릭교회 미사 전례에서 오르간은 중요한 역할을 담당하며, 그 사용은 관련 전례 규정을 따라야 한다. 오르간은 전례 거행에 가장 어울리는 악기로 여겨진다.[40] 전례에 사용되기 전에는 '로마 예식서', 정확히는 《축복 예식서》 제31장의 예식에 따라 축복 과정을 거친다.[41]

미사 중 주례자가 기도하거나 말하는 동안에는 오르간이나 다른 악기 연주가 금지된다. 이는 주례자의 말이 모든 신자에게 명확하게 전달되어야 하기 때문이다.[42] 특정 전례 시기에는 오르간 사용이 제한되기도 한다.


  • 대림 시기: 오르간과 다른 악기 연주는 절제되어야 한다. 이는 예수 성탄 대축일의 기쁨이 너무 일찍 드러나지 않도록 하기 위함이다.[43]
  • 사순 시기: 오르간과 다른 악기는 원칙적으로 노래 반주에만 사용할 수 있다. 다만, 즐거워하여라 주일(사순 제4주일), 대축일, 축일에는 예외적으로 허용된다.[43]
  • 성삼일: 성목요일 주님 만찬 미사대영광송이 끝나면 파스카 성야의 대영광송 전까지 을 치지 않는다. 이 기간 동안 오르간과 다른 악기 역시 노래 반주 외의 독주나 합주는 금지된다.[44]


7. 1. 클래식 음악

오르간은 특히 16세기 이후 서양 고전 음악에서 중요한 위치를 차지해 왔다. 1650년 이전의 가장 중요한 오르가니스트 작곡가로는 스페인의 안토니오 데 카베손(Antonio de Cabezón), 네덜란드의 얀 피터르손 스벨링크(Jan Pieterszoon Sweelinck), 이탈리아의 지롤라모 프레스코발디(Girolamo Frescobaldi) 세 명을 꼽을 수 있다. 스벨링크와 프레스코발디의 영향을 받은 북독일 악파는 17세기 중반부터 크게 발전했으며, 이 악파의 주요 인물로는 디터리히 부크스테후데(Dieterich Buxtehude), 프란츠 툰더(Franz Tunder), 게오르크 뵘(Georg Böhm), 게오르크 필립 텔레만(Georg Philipp Telemann) 등이 있다. 특히 요한 세바스티안 바흐(Johann Sebastian Bach)는 오르간 음악에 대한 기여가 오늘날까지도 최고로 평가받는다.

같은 기간 동안 프랑스 고전 악파도 번성했다. 프랑수아 쿠프랭(François Couperin), 니콜라 르베그(Nicolas Lebègue), 앙드레 래즌(André Raison), 니콜라 드 그리니(Nicolas de Grigny) 등이 당시 프랑스의 대표적인 오르가니스트 작곡가였다. 바흐는 그리니의 오르간 작품을 잘 알고 있었으며 높이 평가했다. 영국에서는 헨델(Handel)이 작곡뿐만 아니라 오르간 연주로도 명성이 높았는데, 그가 자신을 위해 작곡한 오르간 협주곡 중 일부는 오늘날에도 자주 연주된다.

1750년 바흐가 세상을 떠난 후, 피아노가 점차 부상하면서 오르간의 중요성은 다소 줄어들었다. 그럼에도 불구하고 펠릭스 멘델스존(Felix Mendelssohn), 세자르 프랑크(César Franck), 그리고 상대적으로 덜 알려진 A.P.F. 뵈리는 모두 뛰어난 오르가니스트로서 19세기 동안 가치 있는 오르간 작품의 부흥을 이끌었다. 이 부흥은 바흐의 영향을 많이 받았으며, 특히 프랑스에서 인상적인 성과를 거두었다(프랑크는 벨기에 출신이지만 프랑스 음악계에 큰 영향을 미쳤다). 프랑스 낭만주의 오르간 음악의 주요 작곡가로는 샤를 마리 위도르(Charles-Marie Widor), 루이 비에르네(Louis Vierne), 알렉상드르 질망(Alexandre Guilmant), 샤를 투르네미르(Charles Tournemire), 외젠 지구(Eugène Gigout) 등이 있으며, 이 중 비에르네와 투르네미르는 프랑크의 제자였다.

독일에서는 막스 레거(Max Reger)가 리스트(Liszt)(그 자신도 오르간 작곡가였다)와 바그너(Wagner)의 대담한 화성 어법에 많은 영향을 받았다. 폴 힌데미트(Paul Hindemith)는 세 개의 오르간 소나타와 오르간을 실내악단과 결합한 여러 작품을 남겼다. 지그프리트 카르크-엘레르트(Sigfrid Karg-Elert)는 주로 코랄 전주곡과 같은 소규모 오르간 작품을 전문으로 작곡했다.

20세기 프랑스 오르가니스트 작곡가 중에서는 마르셀 뒤프레(Marcel Dupré), 모리스 두루플레(Maurice Duruflé), 올리비에 메시앙(Olivier Messiaen), 장 랑글레(Jean Langlais)가 오르간 레퍼토리에 중요한 기여를 했다. 오르간은 또한 즉흥 연주에도 많이 사용되었으며,[22] 샤를 투르네미르(Charles Tournemire), 마르셀 뒤프레(Marcel Dupré), 피에르 코셰로(Pierre Cochereau), 피에르 팽스마이유(Pierre Pincemaille), 티에리 에스케이(Thierry Escaich)와 같은 뛰어난 즉흥 연주가들이 있다.

일부 작곡가들은 교향곡에서 극적인 효과를 위해 오르간을 사용하기도 했다. 대표적으로 구스타프 말러(Gustav Mahler), 구스타프 홀스트(Gustav Holst), 에드워드 엘가(Edward Elgar), 알렉산더 스크리아빈(Alexander Scriabin), 오토리노 레스피기(Ottorino Respighi), 리하르트 슈트라우스(Richard Strauss) 등이 있다. 카미유 생상스(Camille Saint-Saëns)의 ''오르간 교향곡''은 오르간을 단순히 극적인 효과를 넘어서 관현악의 일부로서 동등하게 다룬다. 프란시스 풀랑크(Francis Poulenc)는 헨델 이후 대중적인 인기를 얻은 유일한 오르간 협주곡을 작곡했다.

오르간 음악은 건반과 페달을 모두 사용하기 때문에 보통 세 개의 악보 줄에 표기된다. 건반으로 연주하는 부분은 다른 건반 악기처럼 위쪽 두 악보 줄에 기록되고, 페달 부분은 세 번째 악보 줄이나 때로는 공간 절약을 위해 두 번째 악보 줄 아래에 표기되기도 했다(초기 방식). 세 악보 줄을 동시에 읽기 쉽도록 마디 선은 가장 아래 두 악보 줄 사이에서 끊어지며, 브레이스는 위쪽 두 악보 줄만 묶는다. 오르간 악보는 연주자가 콘솔 위의 시야를 확보하기 위해 보통 직사각형 또는 가로가 긴 형태로 출판된다.

7. 2. 재즈

전자 오르간, 특히 해먼드 오르간Hammond organeng과 같은 전기 기계식 오르간은 블루스, 재즈, 가스펠, 그리고 1960년대와 1970년대의 록 음악과 같은 여러 대중 음악 장르에서 중요한 역할을 맡아왔다. 본래 파이프 오르간의 저렴한 대안으로 설계되었지만, 비브라토, 회전하는 레슬리 스피커Leslie speakereng, 오버드라이브와 같은 전자 효과와 결합된 독특한 음색은 대중 음악 사운드의 중요한 부분이 되었다.

특히 재즈에서는 1950년대 지미 스미스Jimmy Smitheng해먼드 오르간 B-3 모델을 사용하면서 중요한 악기로 자리 잡았다. 해먼드 오르간은 일반적인 재즈 밴드(콤보) 구성에서 피아노베이스의 역할을 동시에 수행할 수 있다. 이 때문에 해먼드 오르간은 오르간 트리오organ trioeng 편성의 중심 악기로 자주 사용된다. 오르간 트리오는 주로 오르간 연주자(멜로디, 화음, 베이스라인 담당), 드러머, 그리고 재즈 기타나 색소폰 연주자로 구성된 소규모 앙상블이다.

2000년대 이후로는 무게가 많이 나가고 부피가 큰 빈티지 해먼드 오르간 B-3 대신, 휴대성이 훨씬 좋은 클론휠 오르간clonewheel organeng이라 불리는 전자 또는 디지털 오르간을 사용하는 연주자들이 많아졌다.

7. 3. 대중 음악



20세기 대중 오르간 음악 연주자로는 "피아노 래그"를 작곡한 윌리엄 로랜드(William Rowland), 고전 음악과 종교 음악 영역을 모두 아우른 조지 라이트(George Wright, 1920–1998)와 버질 폭스(Virgil Fox, 1912–1980) 등이 있다.

교회식 파이프 오르간은 때때로 록 음악에도 사용된다. 예를 들어 탠저린 드림, 예스와 솔로 활동을 한 릭 웨이크먼, 더 나이스와 에머슨, 레이크 & 파머에서 활동한 키스 에머슨, 프랭크 자파와 함께 활동한 조지 듀크, 스틱스의 데니스 드영, 아케이드 파이어, 뮤즈, 슈퍼트램프 출신 로저 호지슨, 1만 명의 광인의 나탈리 머천트, 빌리 프레스턴 그리고 아이언 버터플라이 등이 파이프 오르간을 활용한 바 있다.

해먼드 오르간을 사용하는 아티스트로는 밥 딜런, 카운팅 크로우스, 핑크 플로이드, 후티 & 더 블로피시, 셰릴 크로, 벌프펙, 슬라이 스톤 그리고 딥 퍼플 등이 있다.

8. 오르간과 스포츠

미국과 캐나다에서는 오르간 음악이 여러 스포츠, 특히 야구, 농구, 아이스하키와 흔히 연관되어 있다.

오르간을 처음 도입한 야구팀은 시카고 컵스(Chicago Cubs)로, 1941년 두 경기 동안 리글리 필드(Wrigley Field)에 오르간을 설치하여 실험했다. 브루클린 다저스(Brooklyn Dodgers)의 홈구장인 에벳츠 필드(Ebbets Field)는 야구계 최초의 전속 오르가니스트인 글래디스 구딩(Gladys Goodding)을 고용했다. 수년에 걸쳐 많은 야구장들이 이러한 추세에 동참했고, 많은 오르가니스트들이 유명해지면서 그들의 구장이나 시그니처 곡과 연관되게 되었다.

참조

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