볼리우드
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1. 개요
볼리우드는 1890년대부터 시작된 인도 힌디어 영화 산업을 지칭하며, 뭄바이를 중심으로 성장했다. 초창기에는 다다사헤브 팔케의 '라자 하리시찬드라'(1913)와 같은 무성 영화가 주를 이루었으며, 이후 '알람 아라'(1931)와 같은 유성 영화의 등장으로 급성장했다. 1940년대 후반부터 1960년대 초까지는 '황금기'로 불리며, '아와라', '피야사' 등 비평적으로 호평받는 작품들이 제작되었다. 1970년대에는 '마살라 영화'와 '분노에 찬 젊은이'를 내세운 액션 영화가 인기를 얻으며, '볼리우드'라는 명칭이 널리 사용되었다. 1990년대 이후에는 '뉴 볼리우드' 시대를 맞이하여 낭만적인 뮤지컬 영화가 부흥했으며, 샤룩 칸, 아미르 칸, 살만 칸 등 '3대 칸'을 중심으로 새로운 스타들이 등장했다. 볼리우드는 뮤지컬 형식을 특징으로 하며, 해외 시장에서도 점차 인지도를 높여가고 있다. 그러나 표절 논란과 같은 문제점도 존재한다.
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볼리우드 | |
---|---|
지도 | |
기본 정보 | |
이름 | 힌디 영화 |
로마자 표기 | Bollywood |
힌디어 표기 | बॉलीवुड |
우르두어 표기 | بالیوڈ |
별칭 | 발리우드 |
언어 | 힌디어, 우르두어, 영어 |
국가 | 인도 |
소재지 | 뭄바이, 마하라슈트라주 |
창립 | 1930년대 |
산업 규모 | 세계 최대 규모의 영화 산업 중 하나 |
특징 | |
스타일 | 뮤지컬, 멜로드라마 |
주제 | 사랑, 가족, 사회 문제 |
음악 | 영화의 중요한 요소, 춤과 노래 포함 |
관객 | 인도 및 전 세계의 인도인 디아스포라 |
역사 | |
초기 단계 | 1913년 첫 힌디어 장편 영화 제작 |
황금기 | 1940년대 후반 ~ 1960년대 |
현대 | 기술 발전과 세계화의 영향 |
언어 | |
사용 언어 변화 | 초기에는 우르두어가 우세했으나, 점차 힌디어와 영어 사용 증가 |
영화 언어 | 힌두스탄어 (힌디어와 우르두어의 혼합)를 주로 사용 |
산업 | |
제작량 | 인도에서 제작되는 영화 중 가장 큰 비중 차지 |
관객 수 | 2019년 기준 3억 4100만 명의 관객 |
흥행 수익 | 인도 박스 오피스 점유율이 가장 높음 |
영향력 | 인도 문화와 패션에 큰 영향력 행사 |
문화적 영향 | |
전파 | 인도 문화와 패션을 전 세계적으로 알림 |
역할 | 인도 사회의 변화와 발전에 영향을 미침 |
용어 | |
명칭 유래 | 뭄바이의 옛 이름 "봄베이"와 할리우드의 합성어 |
비판적 시각 | "발리우드"라는 용어가 경멸적인 의미로 사용되기도 함 |
2. 역사
"Bollywood"는 봄베이(뭄바이)와 할리우드의 합성어로, 미국 영화 산업을 가리키는 약칭이다.[12] 콜카타의 서벵골 영화를 가리키는 "Tollywood"가 "Bollywood"보다 먼저 사용되었다.[13] 1932년 ''American Cinematographer'' 기사에서 미국의 엔지니어 윌포드 E. 데밍이 이 용어를 처음 사용했다.[13]
"Bollywood"라는 용어는 1960년대 또는 1970년대 봄베이의 영화 전문지에서 만들어진 것으로 추정되지만, 정확한 창시자는 불분명하다.[14][15] 영화 저널리스트 베빈다 콜라코는 ''Screen'' 잡지의 칼럼 "On the Bollywood Beat"에서 자신이 이 용어를 만들었다고 주장한다.[16] 반면, 작사가이자 영화 제작자인 아밋 칸나가 창시자라는 주장도 있다.[17] "Tollywood"를 거쳐 "Hollywood"에서 유래했는지, 아니면 "Hollywood"에서 직접 영감을 받았는지는 명확하지 않다.
일부 영화 저널리스트와 평론가들은 이 용어가 인도 영화 산업을 할리우드의 열등한 사촌으로 묘사한다고 비판한다.[12][18]
볼리우드는 인도에서 가장 큰 엔터테인먼트 산업으로 오랫동안 인도 사회와 문화에 영향을 미쳐왔다. 음악, 춤, 결혼식, 패션 트렌드의 많은 부분이 볼리우드에서 영감을 받았다. 볼리우드 패션 트렌드세터로는 ''무갈-에-아잠''(1960)의 마두발라와 ''험 아프케 하인 쿤..!''(1994)의 마두리 딕싯이 있다.[107]
볼리우드는 (다른 인도 영화들과 함께) 인도의 이야기의 일부가 되면서 인도의 국가 정체성과 관련이 깊다. 경제학자이자 볼리우드 전기 작가인 메그나드 데사이는 "영화는 실제로 인도에게 스스로의 이야기를, 독립을 위한 투쟁, 국가 통합을 달성하고 세계적인 존재로 부상하기 위한 끊임없는 투쟁의 이야기를 들려주는 가장 활기찬 매체였다"고 말한다.[105]
학자 브리짓 슐체는 인도 영화, 특히 메흐부브 칸의 ''어머니 인도''(1957)가 영국령 인도로부터의 독립 이후 초기의 인도 공화국 국가 정체성 형성에 중요한 역할을 했다고 썼다. 이 영화는 도시와 농촌 시민 모두에게 인도 민족주의에 대한 감각을 전달했다.[106]
볼리우드는 또한 힌디어 영화는 인도 사회에 사회 정치적 영향을 미치며 인도 정치를 반영했다.[108]
볼리우드(힌디어·우르두어 또는 힌두스탄어)와 다른 지역의 영화 산업(타밀어, 마라티어, 벵골어, 텔루구어, 말라얄람어, 칸나다어) 등을 합치면 인도 영화 산업(작품 수, 관객 수 기준)은 전 세계에서 가장 큰 규모를 자랑한다. 인도 영화는 인도뿐만 아니라 다른 남아시아 국가들, 중동, 아프리카 일부, 동남아시아 일부, 전 세계 해외 인도인 사회에서도 인기 있는 문화가 되고 있다. 특히 영국, 캐나다, 오스트레일리아, 미국 등 인도 출신 이민자가 많은 국가에서 인기가 있다.
볼리우드 영화는 로맨스부터 빈곤과 불평등 등 사회 문제를 다룬 심오한 작품까지 내용이 다양하며, 영화 중에 노래하고 춤추는 장면이 많이 삽입되어 볼리우드의 대명사라고 할 수 있다. 또한 영화 대사나 삽입곡 등에서 영어도 점점 늘어나고 있다. 자막과 다국어 사운드트랙을 사용하여 2~3개 국어가 등장하는 영화도 몇몇 제작되고 있다. 볼리우드 영화의 대부분은 뭄바이에 있는 광대한 부지의 촬영소인 "필름 시티(Film City)"에서 제작된다.
2. 1. 초기 역사 (1890년대~1930년대)
1897년, 스티븐슨 교수의 영화 상영회가 캘커타의 스타 극장에서 무대 공연과 함께 열렸다. 스티븐슨의 격려와 카메라를 통해 인도 사진작가인 히랄랄 센(Hiralal Sen)은 그 공연의 장면을 담은 영화 "페르시아의 꽃"(The Flower of Persia, 1898)을 제작했다.[19] H. S. 브하타브데카르(H. S. Bhatavdekar)의 "레슬러들"(The Wrestlers, 1899)은 봄베이의 매달린 정원에서 열린 레슬링 시합을 보여주었다.[20]
다다사헤브 팔케(Dadasaheb Phalke)의 무성 영화 "라자 하리시찬드라"(Raja Harishchandra, 1913)는 인도에서 제작된 최초의 장편 영화이다.[24] 이 무성 영화는 영어, 마라티어, 힌디어 자막을 사용했다. 1930년대까지 인도 영화 산업 전체는 연간 200편이 넘는 영화를 제작하고 있었다. 아르데시르 이라니(Ardeshir Irani)가 제작한 최초의 인도 유성 영화 "알람 아라"(Alam Ara, 1931)는 힌두스타니어हिन्दुस्तानी|힌두스타니hi로 제작되어 상업적으로 성공을 거두었다.[25] 토키와 뮤지컬에 대한 수요가 급증하면서, 당시 힌디어 영화로 알려졌던 힌두스타니 영화와 다른 언어 영화 산업은 빠르게 유성 영화로 전환했다.
2. 2. 도전과 시장 확장 (1930년대~1940년대)
1930년대와 1940년대는 대공황, 제2차 세계 대전, 인도 독립 운동, 분할 등 격변의 시기였다. 많은 영화 제작자들이 사회 문제를 다루거나 인도 독립 투쟁을 배경으로 영화를 만들었다.[26] 1937년, 이라니는 최초의 힌디어 컬러 영화 ''키산 칸야''를 제작했고, 이듬해 ''어머니 인도''의 컬러 버전을 제작했다. 그러나 컬러 영화는 1950년대 후반까지 대중화되지 못했고, 화려한 낭만적인 뮤지컬과 멜로드라마가 주류를 이루었다.1940년대는 봄베이 영화의 상업적 확장과 국가적 인지도 상승을 보여준다. 1943년 인도 최초의 블록버스터 영화 ''키스멧''은 20만인도 루피의 예산으로 1000만인도 루피가 넘는 수익을 거두었다.[27] 이 영화는 인도 독립 운동과 관련된 문제를 다루었고, 1970년대까지 인도 영화 사상 최장기 흥행작이었다.[28] 비말 로이, 사히르 루디안비, 프리트비라지 카푸르 등은 인도의 식민 통치에 대한 전국적인 운동에 참여하며 대중적 인기를 얻었다.[29][30] 독립 운동은 봄베이 영화 감독, 각본가, 작사가들에게 큰 영향을 주었고, 이들은 사회 개혁과 대중의 문제라는 맥락에서 영화를 제작했다.[31]
분할 이전, 봄베이 영화 산업은 라호르 영화 산업(현재 파키스탄 영화 산업의 일부)과 밀접하게 연결되어 있었다. 두 산업 모두 인도 북부와 중부의 공용어인 힌두스타니어(힌디어-우르두어)로 영화를 제작했다.[33] 힌두스타니어 영화 제작의 또 다른 중심지는 벵갈 영화 산업의 캘커타였다.[32][35] 1940년대에는 K. L. 사이갈, 프리트비라지 카푸르, 딜립 쿠마르, 데브 아난드, 모하메드 라피, 누르자한, 샴샤드 베검 등 라호르 산업의 많은 배우, 영화 제작자, 음악가들이 봄베이로 이주했다. 같은 시기 캘커타 영화 산업의 인물들도 봄베이로 이주하면서 봄베이는 힌두스타니어 영화 제작의 중심지가 되었다.[35]
1947년 분할로 인도는 인도 공화국과 파키스탄으로 나뉘었고, 라호르와 캘커타 등 영화 제작 중심지에서 인재 유출이 발생했다.[33][34][35] 여기에는 벵갈, 펀자브(특히 현재의 파키스탄 펀자브)[33]와 북서 국경 주(현재의 카이버 푸크툰크와)[36] 출신의 배우, 영화 제작자, 음악가들이 포함된다. 이러한 사건들은 봄베이 영화 산업이 인도 영화 제작의 최고 중심지로서의 지위를 굳히는 데 기여했다.
2. 3. 황금기 (1940년대 후반~1960년대)
인도의 독립 이후 1940년대 후반부터 1960년대 초까지는 영화 역사가들에게 힌디어 영화의 황금기로 여겨진다.[37][38][39] 이 시기에는 비평가들의 찬사를 받은 힌디어 영화들이 많이 제작되었다. 구루닷트 감독과 압라르 알비 작가의 ''피야사''(1957)와 ''카가즈 케 풀''(1959), 라즈 카푸르 감독과 크와자 아마드 아바스 작가의 ''아와라''(1951)와 ''슈리 420''(1955), 메흐부브 칸 감독과 딜립 쿠마르 주연의 ''안''(1952) 등이 대표적이다. 특히 ''피야사''와 ''카가즈 케 풀''은 인도의 노동 계급 생활, 특히 도시 생활을 다룬 사회적 주제를 다루었다. ''아와라''는 도시를 악몽과 꿈으로 묘사했고, ''피야사''는 도시 생활의 비현실성을 비판했다.[40]메흐부브 칸의 ''어머니 인도''(1957)는 그의 초기작 ''아우라트''(1940)의 리메이크로, 아카데미 외국어 영화상에 노미네이트된 최초의 인도 영화였다. 단 한 표 차이로 수상에는 실패했지만,[41] ''어머니 인도''는 이후 수십 년 동안 힌디어 영화의 전형을 정의했다.[42][43][44] 이 영화는 도적 영화 장르를 탄생시켰고, ''군가 줌나''(1961)에 의해 이 장르가 정의되었다.[45] 딜립 쿠마르가 각본을 쓰고 제작한 ''군가 줌나''는 법의 양쪽에 서 있는 두 형제에 대한 도적 범죄 드라마였으며(이 주제는 1970년대 인도 영화에서 흔해졌다)[46], K. 아시프의 ''무갈-에-아잠''(1960)과 같은 유명한 서사 영화도 이 시기에 제작되었다.[47] 카말 암로히와 비자이 바트도 이 시대의 명성 있는 힌디어 영화 제작자였다.
1950년대와 1960년대 인도에서 가장 인기 있었던 세 명의 남자 배우는 딜립 쿠마르, 라즈 카푸르, 데브 아난드였다. 이들은 각기 독특한 연기 스타일을 가지고 있었는데, 카푸르는 찰리 채플린의 방랑자 캐릭터를, 아난드는 그레고리 팩과 캐리 그랜트와 같은 세련된 할리우드 스타들을 모델로 삼았다. 쿠마르는 말론 브란도와 같은 할리우드 메소드 배우들보다 앞서 메소드 연기를 개척했다. 사타지트 레이는 쿠마르를 "궁극의 메소드 배우"로 묘사했는데,[48][49] 그는 아미타브 바찬, 나세르딘 샤, 샤룩 칸, 나와즈우딘 시디키 등 미래 세대의 인도 배우들에게 큰 영향을 주었다. 수라이야, 나르기스, 수미트라 데비, 마두발라, 미나 쿠마리, 와히다 레만, 누탄, 사다나, 말라 신하, 비자얀티말라와 같은 베테랑 여배우들도 힌디어 영화에 큰 영향을 미쳤다.[68]
상업적인 힌디어 영화가 번성하는 동안, 1950년대에는 병렬 영화 운동이 등장했다.[40] 이 운동은 사회 사실주의를 강조하며 벵갈 영화에 의해 주도되었지만, 힌디어 영화에서도 두각을 나타내기 시작했다. 병렬 영화의 초기 사례로는 크와자 아마드 아바스 감독의 1943년 벵골 기근을 바탕으로 한 (1946),[50] 체탄 아난드 감독과 크와자 아마드 아바스 작가의 (1946),[51] 비말 로이의 ''도 비가 자민''(1953)이 있다. 이들의 비평적 찬사와 ''도 비가 자민''의 상업적 성공은 인도 네오리얼리즘과 인도 뉴 웨이브(병렬 영화와 동의어)를 위한 길을 열었다.[52] 이 운동에 참여한 국제적으로 찬사를 받은 힌디어 영화 제작자로는 마니 카울, 쿠마르 샤하니, 케탄 메타, 고빈드 니할라니, 샤얌 베네갈, 비자야 메타가 있다.[40]
가 초대 1946 칸 영화제에서 황금종려상을 수상한 후,[51] 1950년대와 1960년대 초 힌디어 영화는 칸 영화제 최고 상을 놓고 경쟁했으며, 일부는 영화제에서 주요 상을 수상했다.[53] 구루닷트는 생전에는 주목받지 못했지만 1980년대에 뒤늦게 국제적인 인정을 받았다.[53][54] 영국 잡지 ''사이트 앤드 사운드''가 실시한 영화 평론가 설문조사에서 닷트의 여러 영화가 2002년 최고의 영화 목록에 포함되었고,[55] 타임지의 역대 최고 영화 100선에는 ''피야사''가 역대 최고 영화 중 하나로 선정되었다.[56]
2. 4. 클래식 힌디어 영화 (1970년대~1980년대)
1970년대까지 힌디어 영화는 주제가 정체되어 음악적인 멜로 영화가 주류를 이루었다.[60][57] 살림-자베드(살림 칸과 자베드 악타르) 각본 콤비의 등장은 획기적인 전환점이 되어 업계에 활력을 불어넣었다.[60] 이들은 1970년대 초반 ''잔제르''(1973)와 ''디와르''(1975)와 같은 영화를 통해 거칠고 폭력적인 봄베이 지하세계 범죄 영화 장르를 개척했다.[61][62] 살림-자베드는 메흐부브 칸의 ''어머니 인도''(1957)와 딜립 쿠마르의 ''군가 줌나''(1961)의 시골 배경 주제를 현대적인 도시적 맥락으로 재해석하여 1970년대 인도의 사회경제적 및 사회정치적 분위기를 반영했고,[60][63] 대중의 불만, 환멸,[60] 그리고 전례 없는 빈민가의 성장[66]을 반체제적 주제와 도시 빈곤, 부패, 범죄를 다룬 주제들로 표현했다.[64][65] 아미타브 밧찬[65]이 연기한 "분노에 찬 젊은이"는 ''군가 줌나''에서 딜립 쿠마르의 연기를 현대 도시적 맥락[60][63]과 고통받는 도시 빈민의 모습으로 재해석했다.[66]1970년대 중반, 로맨틱 영화는 거칠고 폭력적인 범죄 영화와 갱스터(봄베이 지하세계) 및 도적(다코잇)에 관한 액션 영화로 자리를 내주었다. 살림-자베드의 각본과 아미타브 밧찬의 연기는 ''잔제르''와 ''군가 줌나''에서 영감을 얻은 범죄 영화 ''디와르''와 같은 영화를 통해 이러한 경향을 대중화시켰다.[46] 이 영화는 경찰과 실제 밀수업자 하지 마스탄을 모델로 한 그의 형제인 갱단 두목(밧찬)을 대립시켰다. 대니 보일에 따르면, ''디와르''는 "인도 영화에 절대적으로 중요한 작품"이었다.[117] 밧찬 외에도 헤마 말리니, 자야 밧찬, 라키, 샤바나 아즈미, 지낫 아만, 파르빈 바비, 레카, 딤플 카파디아, 스미타 파틸, 자야 프라다, 파드미니 콜하푸레 등 여러 배우들이 이러한 추세(1990년대 초까지 지속됨)[67]를 타고 성공을 거두었다.[68]
"볼리우드"라는 이름은 1970년대에 만들어졌는데,[15][16] 당시 상업적인 힌디어 영화의 관습이 정의되었다.[69] 이것의 핵심은 여러 장르(액션, 코미디, 멜로, 드라마, 멜로드라마, 뮤지컬)를 결합한 마살라 영화였다. 마살라 영화는 1970년대 초반 나시르 후세인 감독[70]과 살림-자베드 각본 콤비[69]가 개척하여 볼리우드-블록버스터 형식을 개척했다.[69] 후세인이 감독하고 살림-자베드가 각본을 쓴 ''야돈 키 바라트''(1973)은 최초의 마살라 영화이자 전형적인 "볼리우드" 영화로 여겨진다.[69][71] 살림-자베드는 1970년대와 1980년대에 더욱 성공적인 마살라 영화를 제작했다.[69] 마살라 영화는 아미타브 밧찬을 이 시대 최고의 스타로 만들었다. 만모한 데사이 감독, 카데르 칸 각본의 ''아마르 악바르 앤서니''(1977)는 이 장르의 대표적인 작품이다.[71][72] 데사이는 이 장르를 계속해서 성공적으로 활용했다.
살림-자베드가 각본을 쓰고 아미타브 밧찬이 주연한 블록버스터 ''숄레이''(1975)에는 마살라 영화와 폭력 범죄 영화 두 장르가 모두 나타나 있다. 이 영화는 ''어머니 인도''와 ''군가 줌나''의 도적 영화 관습과 스파게티 웨스턴을 결합하여 1970년대에 유행했던 도적 웨스턴(커리 웨스턴으로도 알려짐)을 탄생시켰다.[45]
샤얌 베네갈, 마니 카울, 쿠마르 샤하니, 케탄 메타, 고빈드 니할라니, 비자야 메타와 같은 일부 힌디어 영화 제작자들은 1970년대 내내 현실적인 병렬 영화를 계속 제작했다.[40][73] 1976년 공공 기업 위원회 조사에서 상업 영화 장려 노력이 부족하다고 비판받았던 영화 금융 공사의 예술 영화 성향에도 불구하고,[74] ''숄레이''(1975)와 같은 영화를 통해 상업 영화가 부상했고, 아미타브 밧찬의 스타 자리가 굳건해졌다. 같은 해에 종교적인 고전 ''자이 산토시 마''도 개봉했다.[74]
1983년까지 봄베이 영화 산업은 연간 약 70억 루피[75] (6억 9,314만 달러,[76] 2024년 기준 17억 1,000만 달러, 1,113억 루피)의 수익을 올렸다. 1986년까지 인도의 연간 영화 제작 편수는 741편에서 833편으로 증가하여 인도는 세계 최대 영화 제작국이 되었다.[77] 1980년대 가장 국제적으로 찬사를 받은 힌디어 영화는 미라 나이르의 ''살람 봄베이!''(1988)로, 1988 칸 영화제에서 카메라 도르를 수상했고 아카데미 외국어 영화상 후보에 올랐다.
2. 5. 뉴 힌디어 시네마 (1990년대~2020년대)
1990년대부터 "뉴 볼리우드"[80]로 알려진 현대 볼리우드는 1990년대 초 인도의 경제 자유화와 관련이 있다.[81] 1990년대 초, 영화계는 가족 중심의 낭만적인 뮤지컬로 다시 방향을 틀었다. ''카야마트 세 카야마트 타크(1988)에 이어 ''메인 파이아르 키야(1989), ''훔 아프케 하인 카운(1994), ''딜왈레 둘하니아 레 자이엔게(1995), ''라자 힌두스타니(1996), ''딜 투 파갈 하이(1997), ''쿠치 쿠치 호타 하이(1998) 등의 블록버스터 영화가 흥행에 성공하며 3대 칸으로 불리는 아미르 칸, 샤룩 칸, 살만 칸을 포함한 새로운 세대의 인기 배우들을 배출했다.[107][82] 이들은 최고 흥행 볼리우드 영화 대부분에 출연했다. 3대 칸은 1980년대 후반과 1990년대 초부터 성공적인 경력을 쌓았으며,[107] 30년 동안 인도 박스오피스를 장악했다.[83][84] 샤룩 칸은 1990년대와 2000년대 대부분의 기간 동안 가장 성공적인 인도 배우였으며, 아미르 칸은 2000년대 중반 이후 가장 성공적인 인도 배우였다.[68][85] 악샤이 쿠마르와 고빈다와 같은 배우들이 주연한 액션 및 코미디 영화도 인기를 얻었다.[86][87]

이 10년 동안 예술 및 독립 영화 분야에 새로운 배우들이 등장했고, 그중 일부는 상업적으로도 성공을 거두었다. 가장 영향력 있는 예로는 람 고팔 바르마 감독, 아누라그 카샤프 각본의 ''사탸''(1998)가 있다. 이 영화의 비평적 및 상업적 성공은 뭄바이 누아르로 알려진 장르의 출현으로 이어졌다.[88] 도시의 사회 문제를 반영한 도시 영화들이 등장한 것이다.[89] 이는 1990년대 말 병렬 영화의 부흥으로 이어졌다.[88] 이 영화들은 비평가들로부터 연기력을 높이 평가받는 배우들을 등장시켰다.
2000년대에는 해외 NRI 및 남아시아 디아스포라 공동체의 성장과 번영으로 볼리우드가 전 세계적으로 인정받게 되었다. 이 시대 인도 경제의 성장과 질 높은 오락에 대한 수요는 인도 영화 산업을 특수 효과 및 애니메이션과 같은 분야의 기술 발전뿐만 아니라 제작 가치, 촬영 및 각본 작성에서 새로운 차원으로 이끌었다.[90] 야쉬 라지 필름 및 다르마 프로덕션을 포함한 일부 대형 제작사들이 새로운 현대 영화를 제작했다.[90] 이 시대 인기 영화로는 ''카호 나... 피야르 하이(2000), ''카비 쿠시 카비 갬...(2001), ''가다르: 에크 프렘 카타(2001), ''라간(2001), ''코이... 밀 가야(2003), ''칼 호 나 호(2003), ''베르-자라(2004), ''랑 데 바산티(2006), ''라게 라호 무나 바이(2006), ''둠 2(2006), ''크리쉬(2006), ''자브 위 메트(2007) 등이 있으며, 새로운 영화 배우들의 부상을 보여준다.
2010년대에는 ''다방(2010), ''싱험(2011), ''엑 타 타이거(2012), ''손 오브 사르다르(2012), ''라우디 라토레(2012), ''첸나이 익스프레스(2013), ''킥(2014), ''해피 뉴 이어(2014)와 같이 대규모 예산의 마살라 영화를 제작하는 등 기존 스타들이 훨씬 젊은 여배우들과 함께 활동하는 모습을 볼 수 있었다. 이러한 영화들은 비평가들의 칭찬을 받지는 못했지만 상업적으로는 성공했다. 아미르 칸 주연 영화 중 (2007)과 ''3 이디엇츠(2009)부터 ''당갈(2016)과 ''시크릿 슈퍼스타(2018)까지는 사회 의식이 강한 독특한 브랜드의 마살라 영화를 재정의하고 현대화하는 데 기여한 것으로 평가받고 있다.[91][92]
2000년대의 대부분의 스타들은 다음 10년 동안에도 성공적인 경력을 이어갔으며, 2010년대에는 다양한 영화에서 새로운 세대의 인기 배우들이 등장했다. 새로운 관례 중 하나로, ''더 더티 픽처(2011), ''카하니(2012), ''퀸(2014), ''핑크(2016), ''라지(2018), ''강구바이 카티아와디(2022), ''크루''와 같이 여성 중심 영화가 괄목할 만한 경제적 성공을 거두기 시작했다.[93]
3. 장르 및 관습
1970년대까지 힌디어 영화는 주제가 정체되어 있었고,[60] 음악적인 멜로 영화가 주류를 이루었다.[57] 살림-자베드(살림 칸과 자베드 악타르) 각본 콤비의 등장은 획기적인 전환점이 되어 업계에 활력을 불어넣었다.[60] 그들은 1970년대 초반에 ''잔제르''(1973)와 ''디와르''(1975)와 같은 영화를 통해 거칠고 폭력적인 봄베이 지하세계 범죄 영화 장르를 개척했다.[61][62] 살림-자베드는 메흐부브 칸의 ''어머니 인도''(1957)와 딜립 쿠마르의 ''군가 줌나''(1961)의 시골을 배경으로 한 주제를 현대적인 도시적 맥락으로 재해석하여 1970년대 인도의 사회경제적 및 사회정치적 분위기를 반영했고,[60][63] 대중의 불만, 환멸,[60] 그리고 전례 없는 빈민가의 성장[66]을 반체제적 주제와 도시 빈곤, 부패, 범죄를 다룬 주제들로 표현했다.[64][65] 아미타브 밧찬[65]이 연기한 "분노에 찬 젊은이"는 ''군가 줌나''에서 딜립 쿠마르의 연기를 현대 도시적 맥락[60][63]과 고통받는 도시 빈민의 모습으로 재해석했다.[66]
1970년대 중반이 되자 로맨틱한 영화는 거칠고 폭력적인 범죄 영화와 갱스터(봄베이 지하세계)와 도적(다코잇)에 관한 액션 영화로 자리를 내주었다. 살림-자베드의 각본과 아미타브 밧찬의 연기는 ''잔제르''와 특히 ''군가 줌나''에서 영감을 얻은 범죄 영화 ''디와르''와 같은 영화를 통해 이러한 경향을 대중화시켰다.[46] 이 영화는 "경찰과 실제 밀수업자 하지 마스탄을 모델로 한 그의 형제인 갱단 두목"(밧찬)을 대립시켰다; 대니 보일에 따르면, ''디와르''는 "인도 영화에 절대적으로 중요한 작품"이었다.[117]
"볼리우드"라는 이름은 1970년대에 만들어졌는데,[15][16] 당시 상업적인 힌디어 영화의 관습이 정의되었다.[69] 이것의 핵심은 여러 장르(액션, 코미디, 멜로, 드라마, 멜로드라마, 그리고 뮤지컬)를 결합한 마살라 영화였다. 마살라 영화는 1970년대 초반 나시르 후세인 감독[70]과 살림-자베드 각본 콤비[69]가 개척하여 볼리우드-블록버스터 형식을 개척했다.[69] 후세인이 감독하고 살림-자베드가 각본을 쓴 ''야돈 키 바라트''(1973)은 최초의 마살라 영화이자 전형적인 "볼리우드" 영화로 여겨진다.[69][71] 살림-자베드는 1970년대와 1980년대에 더욱 성공적인 마살라 영화를 제작했다.[69] 이 장르의 대표적인 작품은 만모한 데사이 감독, 카데르 칸 각본의 ''아마르 악바르 앤서니''(1977)이다.[71][72]
마살라 영화와 폭력 범죄 영화 두 장르 모두 살림-자베드가 각본을 쓰고 아미타브 밧찬이 주연한 블록버스터 ''숄레이''(1975)에 나타나 있다. 이 영화는 ''어머니 인도''와 ''군가 줌나''의 도적 영화 관습과 스파게티 웨스턴을 결합하여 1970년대에 유행했던 도적 웨스턴(커리 웨스턴으로도 알려짐)을 탄생시켰다.[45]
모티 고쿨싱과 위말 디사나야케는 인도 대중 영화의 형성에 영향을 미친 6가지 주요 요인을 제시한다.[94]
- 고대 인도 서사시의 가지치기 구조, 예를 들어 ''마하바라타''와 ''라마야나''와 같이 인도 대중 영화는 종종 여러 개의 하위 줄거리로 갈라지는 플롯을 가지고 있다.
- 고대 산스크리트 희곡은 그 세련된 성격과 음악, 무용, 그리고 몸짓이 "무용과 마임을 극적 경험의 중심으로 하는 활기찬 예술적 단위를 창출"하는 장관에 대한 강조가 특징이다. 드몽포르 대학교의 매튜 존스는 산스크리트어의 개념인 ''라사'', 즉 "배우의 연기로 인해 관객이 느끼는 감정"이 볼리우드 영화에 매우 중요하다고 지적한다.[95]
- 10세기경 산스크리트 극장의 쇠퇴와 함께 인기를 얻은 전통적인 민속극이다. 지역 전통에는 벵골의 야트라, 우타르프라데시의 람릴라, 타밀나두의 테루쿠투가 포함된다.
- 파르시 극장은 "현실과 환상, 음악과 무용, 서사와 장관, 소박한 대사와 무대 연출의 독창성을 융합하여 멜로드라마의 극적 담론으로 통합했다. 파르시 연극에는 조잡한 유머, 아름다운 노래와 음악, 선정성, 눈부신 무대 기술이 담겨 있었다."
- 1920년대부터 1950년대까지 뮤지컬이 인기를 끌었던 할리우드이다.
- 1990년대 이후로 점점 더 영향력이 커지고 있는 서구 뮤지컬 텔레비전(특히 MTV)이다. 그 속도, 카메라 각도, 무용 시퀀스, 음악은 2000년대 인도 영화에서 볼 수 있다. 이러한 접근 방식의 초기 사례로는 마니 랏남의 ''봄베이''(1995)가 있다.
샤르미스타 구프투는 인도-페르시아-이슬람 문화를 주요 영향으로 제시한다. 20세기 초, 우르두어는 인도 북부 전역의 대중 문화 공연의 공용어였으며 나우치 무용, 우르두어 시와 파르시 극장과 같은 대중적인 공연 예술 전통에 자리 잡았다. 우르두어와 관련된 힌디어 방언은 인도 북부에서 가장 널리 이해되었으며, 힌두스타니어는 초기 인도 토키의 표준어가 되었다. "페르시아풍 모험 로맨스"를 바탕으로 한 영화는 "''천일야화'' 영화"라는 인기 장르를 낳았다.[96]
학자 차우두리 딥타키르티와 레이철 드와이어, 그리고 각본가 자베드 악타르는 우르두 문학을 힌디어 영화에 큰 영향을 미친 요인으로 지적한다.[136][97][98]
토드 슈타트만은 1970년대 상업적 볼리우드 마살라 영화에 대한 여러 외국적 영향을 지적하는데, 여기에는 뉴 할리우드, 이탈리아 익스플로이테이션 영화, 그리고 홍콩 무술 영화가 포함된다.[67] 브루스 리 영화(예: ''용쟁호투'')의 인도 내 성공 이후,[102] ''디와르''(1975)와 다른 볼리우드 영화는 1990년대까지 홍콩 영화의 1970년대 무술 영화에서 영감을 받은 격투 장면을 통합했다.[103] 볼리우드 액션 장면은 할리우드가 아닌 홍콩을 모방하여 곡예와 스턴트를 강조하고 쿵후(인도인들이 인식하는 방식으로)와 인도 무술인 페흘와니를 결합했다.[104]
힌디어 영화는 주로 뮤지컬이며, 대본에 매력적인 노래와 춤이 녹아들어 있을 것으로 예상된다.[130] 영화의 성공은 종종 이러한 뮤지컬 넘버의 질에 달려 있다.[131]
인도 관객들은 돈 값어치를 기대하며, 좋은 영화는 일반적으로 ''파이사 바술''(직역하면 "돈 값")이라고 불린다.[132] 노래, 춤, 삼각관계, 코미디, 스릴 넘치는 장면들이 3시간짜리 공연(중간 휴식 시간 포함)에 결합된다. 이러한 영화들을 힌디어로 향신료 혼합물을 뜻하는 단어를 따서 ''마살라 영화''라고 부른다. ''마살라''처럼, 이들은 액션, 코미디, 로맨스의 혼합물이며, 대부분 악당들을 혼자서 물리칠 수 있는 영웅들을 등장시킨다. 보리우드의 줄거리는 종종 멜로드라마적인 경향을 보이며, 운명의 장난을 당하는 연인, 화난 부모, 삼각관계, 가족 유대, 희생, 정치 부패, 납치, 악당, 착한 마음씨의 매춘부, 오랜 잃어버린 친척과 형제자매, 운명의 역전, 그리고 세렌디피티와 같은 공식적인 요소들을 자주 사용한다.
4. 등장인물 및 제작진
볼리우드는 다양한 등장인물과 제작진의 노력으로 발전해왔다. 1940년대 후반부터 1960년대 초반은 힌디어 영화의 황금기로 불리며, 이 시기에는 뛰어난 작품들이 많이 제작되었다.[37][38][39]
감독 및 작가
감독 | 작가 | 주요 작품 및 활동 |
---|---|---|
구루 닷트 | 압라르 알비 | 피야사(1957), 카가즈 케 풀(1959) 등 사회적 주제를 다룬 영화 제작. |
라즈 카푸르 | 크와자 아마드 아바스 | 아와라(1951), 슈리 420(1955) 등 도시 생활을 묘사한 영화 제작. |
메흐부브 칸 | 어머니 인도(1957) 제작, 아카데미 외국어 영화상 후보에 오름.[41] | |
K. 아시프 | 서사 영화 무갈-에-아잠(1960) 제작.[47] | |
카말 암로히 | 명성 있는 주류 힌디어 영화 제작자. | |
비자이 바트 | 명성 있는 주류 힌디어 영화 제작자. | |
살림 칸 | 자베드 악타르 | 1970년대 인도 영화계에 혁명을 일으켰으며,[58] 힌디어 영화계 최고의 각본가로 여겨짐.[59] 잔제르(1973)과 디와르(1975)와 같은 영화를 통해 거칠고 폭력적인 봄베이 지하세계 범죄 영화 장르를 개척.[61][62] |
마니 카울, 쿠마르 샤하니, 케탄 메타, 고빈드 니할라니, 샤얌 베네갈, 비자야 메타 | 병렬 영화 운동에 참여.[40] |
배우
시기 | 배우 | 특징 |
---|---|---|
1950~1960년대 | 딜립 쿠마르, 라즈 카푸르, 데브 아난드 | |
1950~1960년대 | 수라이야, 나르기스, 수미트라 데비, 마두발라, 미나 쿠마리, 와히다 레만, 누탄, 사다나, 말라 신하, 비자얀티말라 | 힌디어 영화에 큰 영향을 미침.[68] |
1970년대 | 아미타브 바찬 | "분노에 찬 젊은이" 이미지를 통해 스타덤에 오름. |
1990년대 | 아미르 칸, 샤룩 칸, 살만 칸 | 3대 칸으로 불리며, 새로운 세대의 인기 배우로 부상.[107][82] |
기타 제작진
- 영화 대본 작가와 작사가: 종종 다른 사람이 썼으며, 초기에는 힌두스탄어로 작성되었다.
- 음악 감독: 특정 작사가와 함께 팀으로 작업하는 경우가 많았다.
- 분장사: 1955년부터 2014년까지 여성 분장사의 회원 자격이 금지되었으나, 인도 대법원의 판결로 금지가 해제되었다.[145] 2015년, 차루 쿠라나(Charu Khurana)가 영화 의상 분장 및 헤어 드레서 협회에 등록된 최초의 여성이 되었다.[146]
5. 노래와 춤
힌디어 영화는 주로 뮤지컬이며, 매력적인 노래와 춤이 극본에 포함될 것으로 예상된다.[130] 영화의 성공은 종종 이러한 뮤지컬 넘버의 질에 달려있다.[131] 영화의 음악, 노래, 춤 부분은 일반적으로 먼저 제작되며, 종종 영화 자체보다 먼저 공개되어 관객을 늘린다.[131]
인도 관객들은 돈 값어치를 기대하며, 좋은 영화는 일반적으로 ''파이사 바술''(직역하면 "돈 값")이라고 불린다.[132] 노래, 춤, 삼각관계, 코미디, 스릴 넘치는 장면들이 3시간짜리 공연(중간 휴식 시간 포함)에 결합된다. 이러한 영화들을 힌디어로 향신료 혼합물을 뜻하는 단어를 따서 ''마살라 영화''라고 부른다.
발리우드 영화 음악은 힌디어 "영화의"에서 유래한 ''필미''라고 불린다. 발리우드 노래는 아르데시르 이라니의 ''알람 아라''(1931)의 노래 "De De Khuda Ke Naam pay pyaare"로 처음 소개되었다.[147] 발리우드 노래는 일반적으로 전문 녹음 가수들에 의해 미리 녹음되며, 배우들은 화면에서 노래 가사에 맞춰 입 모양을 맞춘다(종종 춤을 추면서). 대부분의 배우들은 훌륭한 무용수이지만, 가수이기도 한 배우는 거의 없다. 주목할 만한 예외는 1950년대 여러 주요 영화에 출연하면서 녹음 가수로서 성공적인 경력을 쌓은 키쇼르 쿠마르이다. K. L. 사이갈, 수라이야, 누르 제한은 가수이자 배우로 알려져 있으며, 지난 30년 동안 일부 배우들은 직접 한 곡 이상의 노래를 불렀다.
노래는 영화의 성공과 실패를 결정할 수 있으며, 흥행작이 될지 망작이 될지를 결정한다. "성공적인 음악 트랙이 없는 영화는 거의 없으며, 노래와 춤이 전혀 없는 영화는 더욱 성공하기 어렵습니다".[148] 세계화는 발리우드 음악을 변화시켰으며, 가사는 힌디어와 영어가 점점 더 혼합되고 있다. 살사, 팝, 힙합과 같은 세계적인 트렌드는 발리우드 영화에서 들리는 음악에 영향을 미쳤다.[148]
녹음 가수들은 오프닝 크레딧에 등장하며, 좋아하는 가수의 노래를 듣기 위해 평범한 영화를 보러 가는 팬들도 있다. 주목할 만한 가수로는 라타 망게슈카르, 아샤 보슬레, 기타 닷, 샴샤드 베굼, 카비타 크리슈나무르티, 사다나 사르감, 알카 야그닉, 슈레야 고샬(여성)과 K. L. 사이갈, 키쇼르 쿠마르, 탈라트 마무드, 무케시, 모하메드 라피, 만나 데이, 헤만트 쿠마르, 쿠마르 사누, 우딧 나라얀, 소누 니감(남성)이 있다. 음악 감독으로 알려진 영화 음악 작곡가들도 유명하다. 영화 노래를 현대 리듬으로 리믹스하는 것은 일반적이며, 제작자들은 영화 사운드트랙 앨범과 함께 영화 노래의 리믹스 버전을 발매할 수 있다.
발리우드 영화, 특히 오래된 영화의 춤은 인도 전통 무용을 모델로 한다. 고전 무용, 북인도 사교계 여성(타와이프)의 춤 또는 민속 무용 등이다. 현대 영화에서는 MTV나 브로드웨이 뮤지컬에서 볼 수 있는 서양식 댄스 스타일과 인도 춤이 어우러진다. 서양 팝과 고전 무용은 같은 영화에서 나란히 볼 수 있다. 주인공(남성 또는 여성)은 종종 조연 무용수들과 함께 공연한다. 인도 영화의 많은 노래와 춤은 노래의 구절 사이에 비현실적으로 빠른 장소 이동이나 의상 변경이 포함된다. 주인공이 듀엣으로 춤을 추고 노래를 부르는 경우, 자연 환경이나 건축적으로 웅장한 배경에서 자주 연출된다.
노래는 일반적으로 영화에서 일어나는 행동에 대한 해설을 담고 있다. 노래는 줄거리에 포함될 수 있으므로 등장인물이 노래할 이유가 있다. 등장인물의 생각을 표현하거나 영화의 사건을 예고할 수 있다(예: 두 사람이 사랑에 빠짐). 노래는 종종 "꿈속 장면"으로 언급되는데, 실제로는 일어나지 않을 일들이 일어난다. 노래와 춤 장면은 종종 카슈미르에서 촬영되었지만, 1980년대 후반 이후 카슈미르의 정치적 불안으로 인해[149] 서유럽(특히 스위스와 오스트리아)에서 촬영되었다.[150][151]
마두리 딕싯, 히리틱 로샨, 아이슈와리야 라이 바찬, 슈리데비, 미낙시 세샤드리, 말라이카 아로라 칸, 샤히드 카푸르, 카트리나 카이프, 타이거 슈로프를 포함한 현대 영화 배우들은 무용수로서 인기를 얻었다. 과거의 유명 무용수로는 헬렌[152](카바레 댄스로 유명), 마두발라, 비잔티말라, 파드미니, 헤마 말리니, 뭄타즈, 쿠쿠 모레이[153], 파르빈 바비[154], 와히다 레만[155], 미나 쿠마리[156], 샴미 카푸르[157]가 있다.
영화 제작자들은 영화 개봉 전에 사운드트랙(테이프 또는 CD)을 발매하여 음악이 관객을 끌어들이기를 바란다. 사운드트랙은 종종 영화보다 더 인기가 있다. 일부 제작자는 뮤직 비디오도 발매하는데, 일반적으로(하지만 항상 그런 것은 아님) 영화의 노래를 사용한다.
6. 재정
볼리우드 영화는 수백만 달러가 투입되는 대작으로, 가장 비싼 작품의 제작비는 최대 10억인도 루피 (약 2000만달러)에 달한다. 공상과학 영화 라원은 13.5억인도 루피(약 2700만달러)의 예산으로 제작되어 역대 가장 비싼 볼리우드 영화가 되었다.[158] 1990년대 중후반까지는 세트, 의상, 특수 효과 및 촬영이 세계적인 수준에는 못 미쳤지만, 몇몇 주목할 만한 예외도 있었다. 서구 영화와 텔레비전이 인도에서 더욱 널리 배급되면서, 볼리우드 영화는 같은 제작 수준(특히 액션과 특수 효과 면에서)에 도달해야 한다는 압력이 증가하고 있다. 크리쉬(2006)와 같은 최근 볼리우드 영화는 홍콩 출신의 액션 안무가 토니 청과 같은 국제적인 기술자들을 고용했다. 전문적인 액션과 특수 효과의 접근성이 높아지고 영화 예산이 증가함에 따라 액션과 공상과학 영화가 증가하고 있다.
해외 장면은 흥행에 매력적이기 때문에 뭄바이 영화 제작진은 오스트레일리아, 캐나다, 뉴질랜드, 영국, 미국, 유럽 등지에서 촬영하고 있다. 인도 제작자들은 라가안과 데브다스와 같이 인도에서 촬영된 대작 영화에 대한 자금을 확보하기도 했다.
볼리우드 영화의 자금 조달은 종종 사설 배급사와 몇몇 대형 스튜디오에서 이루어진다. 인도 은행 및 금융 기관은 영화 스튜디오에 대한 대출이 금지되었었지만, 이 금지는 해제되었다.[159] 재정은 규제되지 않으며, 몇몇 저명한 영화 관계자들에게 영향을 미치는 것으로 알려진 뭄바이 지하 세계와 같은 불법적인 출처에서 자금이 유입되기도 한다. 뭄바이 조직 범죄의 청부 살인범들은 2000년 1월 영화 감독이자 스타 흐리틱 로샨의 아버지 라케시 로샨을 총으로 쏘았다. 2001년 중앙수사국은 초리 초리 춥케 춥케의 모든 필름을 압수했는데, 이 영화가 뭄바이 지하 세계 구성원들로부터 자금을 지원받은 것으로 밝혀졌기 때문이다.[160]
볼리우드가 직면한 또 다른 문제는 영화의 광범위한 저작권 침해이다. 영화가 극장에서 개봉되기 전에 불법 DVD 복제본이 종종 유통된다. 최신 영화 제목의 불법 DVD, VCD 및 VHS 복제본 제작은 남부 및 동남아시아 일부 지역에서 확립된 소규모 산업이다. 인도 상공회의소 연합회(FICCI)는 볼리우드 산업이 무허가 홈 비디오 및 DVD로 인해 매년 1억 달러의 손실을 보고 있다고 추산한다. 국내 시장 외에도 이러한 복제본에 대한 수요는 인도계 이민자들 사이에서 크다. 파키스탄 정부가 볼리우드 영화의 판매, 배포 및 방송을 금지했기 때문에 파키스탄 사람들은 불법 복제본을 통해서만 볼리우드 영화를 볼 수 있다. 인도와 남아시아 다른 지역의 소규모 케이블 TV 회사들이 보상 없이 영화를 자주 방송한다. 미국과 영국의 인도계 이민자들이 운영하는 작은 편의점에서는 출처가 불분명한 테이프와 DVD를 정기적으로 판매하고 있으며, 소비자 복제가 문제를 더욱 악화시키고 있다. 인터넷에서 불법 복제 영화를 쉽게 이용할 수 있는 것도 산업 손실에 기여한다.
위성 TV, 텔레비전 및 수입 외국 영화가 인도 국내 엔터테인먼트 시장에 진출하고 있다. 과거에는 대부분의 볼리우드 영화가 수익을 낼 수 있었지만, 이제는 그렇지 않은 영화가 더 많다. 그러나 대부분의 볼리우드 제작자들은 부수적인 권리 판매를 포함한 여러 수익원에서 투자금을 회수하며 수익을 올린다. 볼리우드가 서서히 주목받고 있는 영국, 캐나다, 미국과 같은 서구 국가의 극장에서 수익이 증가하고 있다. 더 많은 인도인들이 이들 국가로 이주함에 따라 고급 인도 영화에 대한 시장이 성장하고 있다. 2002년 볼리우드는 36억 장의 티켓을 판매했고 (극장 티켓, DVD 및 텔레비전을 포함한) 총 수익은 13억달러였으며, 할리우드 영화는 26억 장의 티켓을 판매했고 총 수익은 510억달러였다.
7. 광고
볼리우드 홍보 담당자들은 인터넷을 광고 매체로 활용한다. 대부분의 대규모 예산 영화는 웹사이트를 통해 관객들이 예고편, 스틸컷, 그리고 스토리, 배우, 제작진에 대한 정보를 볼 수 있도록 한다.[166] 발리우드는 다른 제품을 광고하는 데에도 사용된다. 할리우드에서 사용되는 PPL(간접광고)은 발리우드에서도 흔하다.[167] 영화 개봉 전에 영화 음악이나 뮤직비디오를 공개하는 것은 광고의 한 형태로 간주될 수 있다. 인기 있는 곡은 관객을 유치하는 데 도움이 된다고 여겨진다.[165]
많은 인도 예술가들이 손으로 영화 광고판과 포스터를 그렸다. M. F. 후세인은 경력 초기에 영화 포스터를 그렸는데, 인력을 사용하는 것이 인쇄 및 홍보 자료 배포보다 저렴했기 때문이다.[161] 인도 주요 도시의 대부분의 크고 흔한 광고판은 이제 컴퓨터로 인쇄된 비닐을 사용하여 제작된다. 한때 일시적인 것으로 여겨졌던 오래된 손으로 그린 포스터는 수집가들이 찾는 민속 예술이 되었다.[161][162][163][164]
8. 국제 촬영
힌디어 영화는 인도의 중요한 소프트 파워 형태이며, 작가 루파 스와미나탄은 "볼리우드 영화는 새로운 인도의 가장 강력한 세계적 문화 대사 중 하나"라고 언급했다.[110][112] 볼리우드의 인도 세계적 영향력 확장에 대한 역할은 할리우드가 미국의 영향력에 미친 역할과 비교할 만하다.[107]
2000년대에 힌디어 영화는 서구 세계의 뮤지컬 영화에 영향을 미치기 시작했고 미국 뮤지컬 영화의 부흥에 중요한 역할을 했다. 바즈 루어만은 자신의 뮤지컬 영화인 "물랑 루즈!"(2001)이 볼리우드 뮤지컬에서 영감을 받았다고 말했다.[115] "물랑 루즈!"의 성공은 "시카고", "렌트" 등 서구 뮤지컬 영화의 르네상스를 시작했다.[116]
대니 보일의 "슬럼독 밀리어네어"(2008)는 4개의 골든 글로브와 8개의 아카데미상을 수상했는데, 힌디어 상업 영화에 대한 오마주로 여겨진다.[119]
크로노스 콰르텟은 2005년 앨범 "유브 스톨런 마이 하트: 송스 프롬 R.D. 버먼스 볼리우드"를 위해 아샤 보슬레가 부른 여러 R. D. 버먼 작품을 재녹음했는데, 이 앨범은 2006년 그래미 어워드에서 최고의 현대 월드 뮤직 앨범으로 노미네이트되었다.
볼리우드 영화는 스위스, 런던, 파리, 뉴욕 등 해외 로케이션을 점점 더 많이 사용하고 있다. 샤쿤탈라 라오는 "미디어는 세계 경제와 인도의 변화하는 관계를 묘사할 수 있지만, 역동적인 혼합의 순간에도 그 '인도적 특성'을 유지해야 한다"고 말한다.[148]
9. 시상식
필름페어상은 인도에서 힌디어 영화에 수여되는 가장 저명한 상 중 하나이다.[169] 인도의 영화 전문 잡지 ''필름페어''는 1954년에 이 상을 제정했다(1953년 최고 영화를 기념). 처음에는 잡지 편집자의 이름을 따 클레어 상(Clare Awards)으로 알려졌다. 미국 영화 예술 과학 아카데미의 여론 조사 기반 공적 평가 방식을 본떠 개인이 각 부문에 투표할 수 있다. 1956년에는 이중 투표 시스템이 개발되었다.[170]
인도 국립 영화상도 1954년에 제정되었다. 인도 정부는 1973년부터 영화제 감독국(DFF)을 통해 이 상을 후원하고 있다. DFF는 볼리우드 영화, 다른 지역 영화 산업의 영화, 독립/예술 영화를 상영한다. 시상식은 매년 인도 대통령이 주재하는 가운데 열린다. 대중과 전문가 위원회가 선정하는 필름페어상과 달리, 국립 영화상은 정부 패널이 결정한다.[171]
인도 힌디어 영화를 위한 다른 시상식으로는 1995년에 시작된 스크린 어워즈와 2003년에 시작된 스타더스트 어워즈가 있다. 국제 인도 영화 아카데미상(2000년 시작)과 지 시네 어워즈(1998년 시작)는 매년 다른 국가에서 해외에서 개최된다.
10. 국제 시장
볼리우드는 인도의 소프트 파워의 중요한 형태로, 인도의 영향력을 증대시키고 해외에서 인도에 대한 인식을 변화시켰다.[109][110] 특히 독일에서는 볼리우드와 IT 산업이 인도에 대한 세계적 인식을 변화시키는데 기여했다.[111] 작가 루파 스와미나탄은 "볼리우드 영화는 새로운 인도의 가장 강력한 세계적 문화 대사 중 하나"라고 평가했다.[110][112] 볼리우드의 역할은 할리우드가 미국의 영향력에 미친 역할과 비교되기도 한다.[107]
2000년대에 볼리우드는 서구 뮤지컬 영화에 영향을 미치기 시작했고, 미국 뮤지컬 영화 부흥에 중요한 역할을 했다. 바즈 루어만 감독은 자신의 영화 "물랑 루즈!"(2001)가 볼리우드 뮤지컬에서 영감을 받았다고 밝혔으며,[115] 이 영화는 "차이나 게이트"의 노래와 함께 볼리우드 스타일의 댄스 장면을 포함했다. "물랑 루즈!"의 성공은 "시카고", "렌트", "드림걸즈"와 같은 서구 뮤지컬 영화의 르네상스를 이끌었다.[116]
인도 영화 음악은 전 세계 대중음악에도 영향을 미쳤다. 테크노팝 선구자인 호소노 하루오미와 사카모토 류이치는 1978년 전자 음악과 볼리우드에서 영감을 받은 인도 음악의 실험적인 퓨전을 기반으로 한 전자 음악 앨범 "코친 문"을 제작했다.[125] 트루스 허츠의 2002년 노래 "어딕티브"는 라타 만게시카르의 노래에서 영향을 받았다.[126] 블랙 아이드 피스의 2005년 노래 "돈트 펑크 위드 마이 하트"는 1970년대 볼리우드 노래 두 곡에서 영감을 받았다.[127] 크로노스 콰르텟은 2005년 앨범 "유브 스톨런 마이 하트: 송스 프롬 R.D. 버먼스 볼리우드"를 위해 아샤 보슬레가 부른 여러 R. D. 버먼 작품을 재녹음했고, A. R. 라만이 작곡한 "필미" 음악은 여러 음악가들이 샘플링했다.[129]
인도 영화는 나이지리아와 세네갈에서 이집트와 러시아까지 이르는 인도계 이민자들은 물론, 여러 세대의 비인도인들에게도 인기를 얻었다.[245] 소비에트 연방, 중동, 동남아시아,[172] 중국 등지로 진출했으며, 20세기 후반에는 서구 관객과 제작자들에게도 알려지기 시작했다.[90][173] 볼리우드를 포함한 인도 영화 산업은 작품 수와 관객 수를 기준으로 전 세계에서 가장 큰 규모를 자랑한다. 인도 영화는 남아시아, 중동, 아프리카 일부, 동남아시아 일부, 전 세계 해외 인도인 사회에서 인기 있는 문화로 자리 잡았다. 특히 영국, 캐나다, 오스트레일리아, 미국 등 인도 출신 이민자가 많은 국가에서 인기가 높다.
10. 1. 아시아-태평양
볼리우드는 인도뿐만 아니라 아시아-태평양 지역의 여러 국가에서도 큰 인기를 얻고 있다. 남아시아에서는 방글라데시, 네팔, 파키스탄 등 힌디어가 널리 이해되는 국가에서 인기가 높다. 특히 파키스탄에서는 1965년 인도 영화 수입이 금지되었음에도 불구하고 불법 DVD 거래와 케이블 방송을 통해 인기가 지속되었다.[176] 2000년대 후반부터는 일부 영화의 수입이 허가되면서 영화관들이 활기를 되찾고 있다. 아프가니스탄에서도 발리우드 영화가 인기를 끌고 있으며, 샤룩 칸, 마두리 딕싯 등 여러 배우들이 사랑받고 있다.[181]동남아시아, 특히 인도네시아, 말레이시아, 싱가포르 등 해양 동남아시아 국가에서도 발리우드 영화가 인기를 얻고 있다.[184] 1990년대 후반부터 샤룩 칸 주연의 영화들이 큰 성공을 거두면서 인도네시아에서 발리우드의 인기가 다시 높아졌다.[185]
동아시아에서는 일본, 중국, 대한민국에서 일부 볼리우드 영화가 호평을 받았다. 특히 아미르 칸 주연의 《세 얼간이》는 일본과 대한민국에서 큰 성공을 거두었다. 중국에서는 1940~50년대 인도 영화가 인기를 얻었으며, 최근에는 아미르 칸의 영화들이 큰 성공을 거두고 있다. 《당갈》은 중국에서 큰 흥행을 기록하며 비영어권 영화 중 최고 매출을 올리기도 했다.
오세아니아에서는 피지, 오스트레일리아, 뉴질랜드에서 발리우드 영화가 인기를 얻고 있다.[213] 특히 오스트레일리아는 남아시아계 인구가 많고, 인도 영화 제작자들이 선호하는 촬영 장소로도 각광받고 있다.[213]
10. 1. 1. 남아시아
볼리우드 영화는 힌디어가 널리 이해되는 방글라데시, 네팔, 파키스탄 등지에서 인기가 많다. 많은 파키스탄 사람들은 우르두어와 언어적으로 유사하기 때문에 힌디어를 이해한다.[175] 파키스탄은 1965년에 발리우드 영화 수입을 금지했지만,[176] 무허가 DVD[176] 거래와 불법 케이블 방송으로 인해 인기는 계속되었다. 2006년에 컬러로 재개봉된 ''무갈-에-아잠(Mughal-e-Azam)''과 ''타지마할(Taj Mahal)''은 금지 예외였다. 2008년 초 파키스탄 정부는 16편의 영화 수입을 허가했으며,[177] 2009년과 2010년에 더 많은 완화 조치가 이어졌다. 파키스탄의 소규모 영화 산업 대표와 민족주의자들의 반대에도 불구하고,[178] 수년간 저조한 수입을 기록한 후 이익을 내고 있는 영화관 주인들은 발리우드 영화를 환영하고 있다.[178] 파키스탄에서 가장 인기 있는 배우는 발리우드 3대 칸, 즉 살만, 샤룩, 아미르이다. 가장 인기 있는 여배우는 마두리 딕싯(Madhuri Dixit)이다.[179] 1990년대 인도-파키스탄 크리켓 경기 중 파키스탄 팬들은 "''마두리 데도, 카슈미르 렐로!''"("마두리를 달라, 카슈미르를 가져가라!")라고 외쳤다.[180]네팔에서 발리우드 영화는 네팔 영화보다 수익이 더 많으며, 살만 칸, 악샤이 쿠마르(Akshay Kumar), 샤룩 칸은 네팔에서 인기가 있다.
인도 아대륙과의 근접성과 특히 음악에서의 문화적 유사성으로 인해 아프가니스탄에서도 발리우드 영화가 인기가 있다. 샤룩 칸, 아제이 데브건(Ajay Devgan), 써니 드올(Sunny Deol), 아이슈와리아 라이(Aishwarya Rai), 프리티 징타(Preity Zinta), 마두리 딕싯 등이 인기 배우들이다.[181] ''다르마트마(Dharmatma)'', ''카불 익스프레스(Kabul Express)'', ''쿠다 가와(Khuda Gawah)'', ''탈레반으로부터의 탈출(Escape From Taliban)'' 등 아프가니스탄을 다룬 영화를 포함해 여러 편의 발리우드 영화가 아프가니스탄에서 촬영되었다.[182][183]
볼리우드(힌디어·우르두어 또는 힌두스탄어)와 다른 지역의 영화 산업(타밀어, 마라티어, 벵골어, 텔루구어, 말라얄람어, 칸나다어) 등을 합치면 인도 영화 산업은 작품 수와 관객 수를 기준으로 전 세계에서 가장 큰 규모를 자랑한다. 인도 영화는 인도뿐만 아니라 다른 남아시아 국가들, 중동, 아프리카 일부, 동남아시아 일부, 전 세계 해외 인도인 사회에서도 인기 있는 문화가 되고 있다.
10. 1. 2. 동남아시아
발리우드 영화는 동남아시아, 특히 해양 동남아시아에서 인기가 많다. 3대 칸(The three Khans)은 말레이 세계를 포함한 인도네시아, 말레이시아, 싱가포르에서 매우 인기가 있다. 이 영화들은 태국에서도 상당한 인기를 얻고 있다.[184]인도는 인도네시아와 문화적 유대를 맺고 있으며, 발리우드 영화는 1945년 제2차 세계 대전이 끝날 무렵 인도네시아에 소개되었다. 아미타브 밧찬과 살림-자베드의 "분노한 청년" 영화는 1970년대와 1980년대에 인기가 있었지만, 발리우드의 인기는 1980년대와 1990년대에 점차 감소하기 시작했다. 2001년 샤룩 칸의 ''쿨 쿨 호타 하이''(1998)가 개봉되면서 인도네시아에서 부활을 경험했는데, 이 영화는 인도네시아에서 ''타이타닉''(1997)보다 더 큰 흥행 성공을 거두었다. 그 이후로 발리우드는 인도네시아에서 강력한 입지를 확보해 왔는데, 특히 샤룩 칸의 영화인 ''모하바테인''(2000), ''카비 쿠시 카비 감...''(2001), ''칼 호 나 호'', ''찰테 찰테'' 및 ''코이… 밀 가야''(모두 2003년), 그리고 ''비르자라''(2004) 등이 있다.[185]
10. 1. 3. 동아시아
일본, 중국, 대한민국에서 일부 볼리우드 영화가 널리 호평받았다. 메흐부브 칸의 『안(Aan)』(1952년)과 아지즈 미르자의 『라주 반 가야 젠틀맨(Raju Ban Gaya Gentleman)』(1992년) 등 여러 힌디어 영화가 일본에서 상업적으로 성공했다.[186] 1997년 개봉한 『라주 반 가야 젠틀맨』은 이후 2년간 인도 영화 붐을 일으켰고,[186] 『딜 세...(Dil Se..)』(1998년)도 이 붐의 수혜를 입었다.[187] 아미르 칸 주연의 『3 이디엇츠』(2009년)는 일본에서 최고 매출을 기록한 힌디어 영화이며,[188] 일본 아카데미상 후보에도 올랐다.[189] 이 영화는 대한민국에서도 비평적, 상업적으로 성공했다.[190]1940년대와 1950년대에 『콧니스 박사의 불멸의 이야기(Dr. Kotnis Ki Amar Kahani)』, 『아와라(Awara)』, 『2비가 자민(Do Bigha Zamin)』이 중국에서 성공을 거두었고, 여전히 원래 관객들에게 인기가 있다. 1970년대와 1980년대에는 타히르 후세인의 『카라반(Caravan)』, 『누리(Noorie)』, 『디스코 댄서(Disco Dancer)』 등 일부 인도 영화만이 중국에서 상업적으로 성공했다.[191] 라지 카푸르, 나르기스,[209] 미툰 차크라보르티는 중국에서 인기 있는 인도 영화 배우이다.[191] 1980년대에 중국에서 힌디어 영화의 인기는 크게 감소했다.[192] 최근에는 아미르 칸의 영화들이 성공을 거두었고,[191][193] 『라간(Lagaan)』은 2011년 중국에서 전국적으로 개봉된 최초의 인도 영화였다.[192][194] 중국 영화감독 허평은 『라간』(특히 사운드트랙)에 감명을 받아 작곡가 A. R. 라흐만을 고용하여 자신의 영화 『천지영웅(Warriors of Heaven and Earth)』(2003년)의 음악을 맡겼다.[195]
『3 이디엇츠』가 중국에서 개봉했을 당시, 중국은 (만연했던 불법 DVD 유통으로 인해) 세계에서 15번째로 큰 영화 시장이었다. 그러나 불법 시장은 중국 관객들에게 영화를 소개했고, 『3 이디엇츠』는 컬트적인 인기를 얻었다. 더우반 영화 평론 사이트에 따르면, 『3 이디엇츠』는 중국에서 역대 12번째로 인기 있는 영화이며, 중국 영화 중에서는 『패왕별희』만이 더 높은 순위를 기록했다. 그 결과 아미르 칸은 많은 중국 팬을 확보하게 되었다.[193] 『3 이디엇츠』 이후, 칸의 다른 여러 영화(2007년의 타레 자민 파르와 2008년의 가지니 포함)도 컬트적인 인기를 얻었다.[196] 2013년까지 중국은 (미국 다음으로) 세계에서 두 번째로 큰 영화 시장이 되었고, 이는 칸의 『둠 3(Dhoom 3)』(2013년), 『PK』(2014년), 『당갈』(2016년)의 흥행 성공으로 이어졌다.[193] 『당갈』은 중국에서 16번째로 높은 매출을 기록한 영화이며,[197] 세계에서 5번째로 높은 매출을 기록한 비영어권 영화이고,[198] 어떤 시장에서든 최고 매출을 기록한 비영어권 외국 영화이다.[199][200][201] 타레 자민 파르, 『3 이디엇츠』, 『당갈』을 포함한 칸의 여러 영화는 더우반에서 높은 평점을 받고 있다.[202][203] 그의 다음 영화인 『시크릿 슈퍼스타(Secret Superstar)』(2017년)는 『당갈』의 인도 영화 최고 오프닝 주말 기록을 깨고 칸의 지위를[204] "중국 흥행의 제왕"으로 굳혔다.[205] 『시크릿 슈퍼스타』는 2018년 현재 중국에서 가장 높은 매출을 기록한 외국 영화였다.[206] 칸은 중국에서 유명인사가 되었고,[207] 그의 성공은 정치적 긴장에도 불구하고 인도의 소프트 파워[208]로 중국-인도 관계를 개선하는 것으로 여겨진다.[209][204] 중국 시장에서 볼리우드가 할리우드와 경쟁하는 가운데,[210] 칸 영화의 성공은 인도 영화 수입에 대한 중국 배급사의 가격을 인상시켰다.[211] 살만 칸의 『바자랑기 바이잔(Bajrangi Bhaijaan)』과 이르판 칸의 『힌디 미디엄(Hindi Medium)』도 2018년 초 중국에서 히트를 쳤다.[212]
10. 1. 4. 오세아니아
볼리우드는 뉴기니와 같은 일부 태평양 섬에서는 성공적이지 못했지만, 인도계 주민이 많은 피지, 오스트레일리아, 뉴질랜드에서는 할리우드에 이어 두 번째로 인기가 많다.[213] 오스트레일리아에는 많은 남아시아계 디아스포라가 있으며, 볼리우드는 비(非)아시아계 오스트레일리아인들에게도 인기가 있다.[213] 1997년 이후로 오스트레일리아는 점점 더 많은 볼리우드 영화의 배경이 되고 있다.[213] 오스트레일리아의 다양한 장소와 풍경에 매료된 인도 영화 제작자들은 처음에는 노래와 춤 장면을 위한 배경으로 오스트레일리아를 사용했지만,[213] 현재는 오스트레일리아의 장소가 볼리우드 영화의 줄거리에 등장한다.[213] 오스트레일리아에서 촬영된 힌디어 영화는 보통 오스트레일리아 문화를 반영한다. 야시 라지 필름(Yash Raj Films)의 영화 《살람 나마스테(Salaam Namaste, 2005)는 오스트레일리아에서 전적으로 촬영된 최초의 인도 영화로, 2005년 오스트레일리아에서 가장 성공적인 볼리우드 영화였다.[214] 이후 《헤이 베이비(Heyy Babyy, 2007), 《착 데! 인디아(Chak De! India, 2007), 《싱 이즈 킹(Singh Is Kinng, 2008)》 등이 흥행에 성공했다.[213] 《살람 나마스테》 개봉 후 인도를 방문한 존 하워드(John Howard) 총리는 오스트레일리아에서의 인도 영화 제작을 장려하여 관광을 증진하고자 했으며, 스티브 워(Steve Waugh)를 인도 관광 홍보대사로 임명했다.[215] 《살람 나마스테》를 비롯한 여러 볼리우드 영화에 출연한 오스트레일리아 배우 타니아 자에타(Tania Zaetta)는 볼리우드에서의 경력 확장을 열망했다.[216]10. 2. 동유럽 및 중앙아시아
볼리우드 영화는 구 소련(러시아, 동유럽, 중앙아시아)에서 큰 인기를 얻었으며, 러시아어로 더빙되어 상영되었다.[217] 인도 영화는 소련에서 할리우드 영화보다,[218][219] 때로는 소련 자국 영화보다도 더 많은 인기를 누렸다.[220] 1949년 소련에서 개봉된 최초의 인도 영화는 1943년 벵골 대기근을 배경으로 한 크와자 아마드 아바스 감독의 《대지의 아이들》(Dharti Ke Lal, 1946)이었다.[50] 이후 소련에서는 300편이 넘는 인도 영화가 상영되었는데,[221] 대부분 볼리우드 영화였으며, 소련 자국 영화보다 평균 관객 수가 더 많았다.[219][222] 5천만 명 이상의 관객을 동원한 인도 영화는 50편이었던 반면, 할리우드 영화는 41편이었다.[223][224] 《방랑자》(Awaara, 1951), 《디스코 댄서》(Disco Dancer, 1982)와 같은 영화는 6천만 명 이상의 관객을 동원하며,[225][226] 라지 카푸르, 나르기스,[226] 리시 카푸르,[227] 미툰 차크라보르티와 같은 배우들을 소련에 알렸다.[228]독립국가연합(CIS)에서 근무했던 아쇼크 샤르마 외교관에 따르면, CIS에서 볼리우드의 인기는 소련 시절로 거슬러 올라간다. 당시 소련에서는 할리우드 및 기타 서구 영화가 금지되어 있었고, 다른 저렴한 오락거리가 없었기 때문에 볼리우드 영화는 논란의 여지가 없고 비정치적인 것으로 여겨져 소련 시민들에게 저렴한 오락거리를 제공했다. 또한, 제2차 세계 대전의 여파에서 회복 중이던 소련과 마찬가지로, 분할의 재앙과 식민 통치로부터의 해방 투쟁에서 회복 중이던 인도의 영화는 어려움에 처한 대중에게 오락과 함께 희망을 주는 좋은 원천으로 여겨졌다. 양국 국민의 열망과 필요가 상당 부분 일치했으며, 이러한 영화는 러시아어로 더빙되어 소련 전역의 극장에서 상영되었다. 볼리우드 영화는 가족 가치를 강화했는데, 이는 소련 당국에서도 인기 있는 큰 요인이었다.[229]
소련 영화 배급 시스템이 붕괴된 후, 할리우드가 러시아 영화 시장의 공백을 메우면서 볼리우드의 시장 점유율은 감소했다.[217]
폴란드에서는 샤룩 칸이 많은 팬을 보유하고 있다. 2005년 《때로는 기쁘고 때로는 슬프고》(Kabhi Khushi Kabhie Gham..., 2001)가 개봉되면서 폴란드 관객들에게 소개되었고, 《내 마음속에》(Dil Se.., 1998), 《나는 여기 있다》(Main Hoon Na, 2004), 《굿바이》(Kabhi Alvida Naa Kehna, 2006) 등 다른 영화들도 흥행에 성공했다. 볼리우드 영화는 과거 폴란드 최대 일간지였던 《가제타 비보르차》(Gazeta Wyborcza)에서 자주 다루어졌다.[230][231]
《스쿼드》(Squad, 2021)는 벨라루스에서 촬영된 최초의 인도 영화이다. 영화의 대부분은 민스크에 있는 벨라루스필름(Belarusfilm) 스튜디오에서 촬영되었다.[232]
10. 3. 중동 및 북아프리카
힌디어 영화는 아랍 국가에서 인기를 얻었으며,[233] 수입된 인도 영화는 개봉 시 아랍어 자막이 일반적으로 추가된다. 볼리우드는 2000년대 초부터 이스라엘에서 발전하여 케이블 텔레비전에서 인도 영화 전용 채널이 생겼다.[234] MBC 볼리우드와 Zee Aflam은 힌디어 영화와 드라마를 방영한다.[235]이집트에서는 1970년대와 1980년대에 볼리우드 영화가 인기를 끌었다. 그러나 1987년 이집트 정부는 볼리우드 영화 상영을 소수의 영화로 제한했다.[236][237] 아미타브 밧찬은 이집트에서 여전히 인기가 있으며,[238] 이집트를 방문하는 인도 관광객들에게는 "아미타브 밧찬을 아십니까?"라는 질문을 받는다.[179]
두바이 영화관에서는 볼리우드 영화가 정기적으로 상영되고 있으며, 터키에서도 볼리우드의 인기가 높아지고 있다. '바르피!'는 터키에서 극장 개봉 규모가 큰 첫 번째 힌디어 영화였다.[239] 볼리우드는 중앙아시아(특히 우즈베키스탄[240]과 타지키스탄[241])에서도 시청자를 확보하고 있다.
10. 4. 남아메리카
볼리우드 영화는 남아메리카 대부분의 지역에서 큰 영향을 주지 못했지만, 그 문화와 춤은 인정받고 있다. 그러나 수리남과 가이아나에는 남아시아계 사람들이 많이 살고 있어 힌디어 영화가 인기가 있다.[242] 2006년에는 영화 《둠 2》(Dhoom 2)가 리우데자네이루에서 촬영된 최초의 볼리우드 영화가 되었다.[243] 2012년 1월, UTV 모션 픽처스는 페루에서 영화 《구자리시》(Guzaarish (film))를 시작으로 영화를 배급할 것이라고 발표했다.[244]10. 5. 아프리카
힌디어 영화는 원래 레바논 사업가들에 의해 아프리카 일부 지역에 배급되었다.[245] 1950년대에는 힌디어 영화와 이집트 영화가 동아프리카에서 할리우드 영화보다 일반적으로 더 인기가 많았다. 1960년대까지 동아프리카는 인도 영화의 가장 큰 해외 수출 시장 중 하나였으며, 많은 인도 영화의 글로벌 수익의 약 20~50%를 차지했다.[246]어머니 인도(1957)는 개봉 후 수십 년 동안 나이지리아에서 계속 상영되었다. 인도 영화는 하우사족의 의복에 영향을 미쳤고, 노래는 하우사 가수들에 의해 리메이크되었으며, 이야기는 나이지리아 소설가들에게 영향을 주었다. 나이지리아 북부 지역의 택시와 버스에는 인도 영화와 배우들의 스티커가 장식되어 있으며, 인도 영화 포스터는 재봉점과 정비소 벽에 걸려 있다. 인도 영화가 해외 시장을 겨냥하는 유럽과 북미와 달리, 볼리우드 영화는 상당한 인도인 관객이 없음에도 불구하고 서아프리카에서 인기를 얻었다. 그럴 수 있었던 한 가지 설명은 문화적 유사성이다. 터번을 쓰는 모습, 시장의 동물들, 큰 짐을 지고 가는 짐꾼들, 전통적인 결혼식 축하 행사 등이다. 이슬람 문화권에서는 인도 영화가 여성에 대한 "존중"을 보여준다고 여겨졌다. 할리우드 영화는 "수치심이 없다"고 여겨졌다. 인도 영화에서 여성들은 옷을 단정하게 입고, 남성과 여성이 키스하는 장면은 거의 없으며, 노출이 없기 때문에 영화에 "문화"가 있다고 여겨졌고, 할리우드 영화에는 그런 것이 부족하다고 여겨졌다. 후자는 "사람들의 문제를 바탕으로 하지 않는다". 인도 영화는 사회주의적 가치와 수년간의 식민지배에서 벗어나고 있는 개발도상국의 현실을 바탕으로 한다. 인도 영화는 "서구화되지 않고" 새로운 청년 문화를 허용했다.[245] 모리셔스에서 촬영된 첫 번째 인도 영화는 라제시 칸나가 주연한 소텐(1983)이었다.[247]
남아프리카 공화국에서는 인도에서 수입된 영화가 흑인과 인도계 남아프리카인 관객들에 의해 시청되었다.[253] 여러 볼리우드 인물들이 영화와 카메라 밖 프로젝트를 위해 아프리카를 여행했다. 파드마슈리 라루 프라사드 야다브(2005)는 남아프리카 공화국에서 촬영되었다.[248] 딜 조 비 카헤...(2005) 역시 인도계 주민이 많은 모리셔스에서 거의 전적으로 촬영되었다.
그러나 볼리우드는 아프리카에서 인기가 줄어들고 있는 것으로 보인다. 새로운 볼리우드 영화는 더 성적으로 노골적이고 폭력적이다. 나이지리아 시청자들은 오래된 영화(1950년대와 1960년대)가 더 많은 문화를 가지고 있고 서구화되지 않았다고 지적했다.[245] 인도가 열렬히 "탈식민화를 옹호하고… 인도의 정책은 아프리카 영토에서 인종 지배와 차별을 종식시키려는 그의 열정적인 사명감에 의해 전적으로 영향을 받았다"던 시대는 지나갔다.[249] 서아프리카의 영화 산업인 노리우드의 등장도 성적으로 노골적인 인도 영화가 미국 영화와 더 비슷해짐에 따라 볼리우드 영화의 인기 하락에 기여했다.
키쇼어 쿠마르와 아미타브 바찬은 이집트와 소말리아에서 인기가 있었다.[250] 에티오피아에서는 아디스아바바의 시네마 에티오피아와 같은 광장 극장에서 할리우드 영화와 함께 볼리우드 영화가 상영된다.[251] 상업성이 덜한 볼리우드 영화는 북아프리카 다른 지역에서도 상영된다.[252]
10. 6. 서유럽 및 북아메리카
2000년대에 힌디어 영화는 서구 세계의 뮤지컬 영화에 영향을 미치기 시작했고 미국 뮤지컬 영화의 부흥에 중요한 역할을 했다. 바즈 루어만은 자신의 뮤지컬 영화인 "물랑 루즈!"(2001)이 볼리우드 뮤지컬에서 영감을 받았다고 말했으며,[115] 이 영화는 "차이나 게이트"의 노래와 함께 볼리우드 스타일의 댄스 장면을 포함했다. "물랑 루즈!"의 비평적 및 상업적 성공은 "시카고", "렌트", "드림걸즈"와 같은 서구 뮤지컬 영화의 르네상스를 시작했다.[116]인도 영화 작곡가 A. R. 라만은 앤드류 로이드 웨버의 "봄베이 드림스" 음악을 작곡했고, "험 아프케 하인 쿤"의 뮤지컬 버전이 런던 웨스트엔드에서 상연되었다. 스포츠 영화 "라간"(2001)은 외국어 영화상 아카데미상에 노미네이트되었고, 다른 두 편의 힌디어 영화(2002년 "데브다스"와 2006년 "랑 데 바산티")는 영국 아카데미 영화상 비영어권 영화상에 노미네이트되었다.
대니 보일의 "슬럼독 밀리어네어"(2008)는 4개의 골든 글로브와 8개의 아카데미상을 수상했는데, 주류 힌디어 영화에서 영감을 받았으며[117][118] "힌디어 상업 영화에 대한 오마주"로 여겨진다.[119] 또한 "디와르"(1975), "사탸"(1998), "컴퍼니"(2002), "블랙 프라이데이"(2007)와 같은 뭄바이 지하 세계 범죄 영화에서도 영감을 받았다.[117] "디와르"는 홍콩 리메이크 작품인 "더 브라더스"(1979)[120]가 있는데, 이 작품은 존 우의 국제적으로 찬사를 받은 작품인 "영웅본색"(1986)에 영감을 주었다.[120][121] 후자는 홍콩 액션 영화의 영웅혈전 장르의 원형이었다.[122][123]

서구권에서 개봉되어 주류의 관심을 받은 최초의 인도 영화는 메흐부브 칸(Mehboob Khan) 감독이 연출하고 딜립 쿠마르(Dilip Kumar)와 님미(Nimmi)가 주연한 ''아안(Aan)''(1952)이다. 이 영화는 17개 언어로 자막이 제작되어 영국, 미국, 프랑스를 포함한 28개국에서 개봉되었다.[253] ''아안''은 영국 평론가들로부터 극찬을 받았고, ''타임스''는 할리우드 작품과 견줄 만하다고 평가했다.[256] 메흐부브 칸의 후속 작품인 아카데미상 후보에 오른 ''어머니 인도(Mother India)''(1957)는 유럽, 러시아, 동구권, 프랑스령, 라틴 아메리카를 포함한 해외 시장에서 성공을 거두었다.[257]
많은 발리우드 영화들이 영국에서 상업적으로 성공을 거두었다. 영국 박스오피스에서 가장 성공적인 인도 배우는 샤룩 칸(Shah Rukh Khan)으로, 그의 영국계 아시아인 커뮤니티 내 인기는 ''다르(Darr)''(1993), ''딜왈레 둘하니아 레 자이엔게(Dilwale Dulhaniya Le Jayenge)''(1995), ''쿠치 쿠치 호타 하이(Kuch Kuch Hota Hai)''(1998)과 같은 영화들을 통해 발리우드를 영국에 소개하는 데 중요한 역할을 했다.[258] ''딜 세(Dil Se)''(1998)는 영국 박스오피스 톱 10에 진입한 최초의 인도 영화였다.[258] ''딜왈레 둘하니아 레 자이엔게''와 ''카비 쿠시 카비 갬(Kabhi Khushi Kabhie Gham)''(2001)과 같은 여러 인도 영화들은 런던을 배경으로 제작되었다.
발리우드는 프랑스, 독일, 네덜란드,[261] 스칸디나비아에서도 인정받고 있다. 발리우드 영화는 독일어로 더빙되어 독일의 RTL II 채널에서 정기적으로 방영된다.[262] 독일은 영국 다음으로 인도 영화 시장이 큰 유럽 국가이다. 독일에서 가장 유명한 인도 배우는 샤룩 칸(Shah Rukh Khan)으로, ''돈 2(Don 2)''(2011)[231] 와 ''옴 샨티 옴(Om Shanti Om)''(2007)[111]과 같은 영화로 흥행 성공을 거두었다. 그는 독일, 특히 베를린에서 많은 팬층을 확보하고 있으며,[179] (대중지 ''디 타게스차이퉁(Die Tageszeitung)''은 그의 인기를 교황과 비교했다.)[111]

발리우드는 캐나다와 미국, 특히 토론토, 시카고, 뉴욕시와 같은 대도시의 남아시아계 커뮤니티에서 수익 성장을 경험했다.[90] 인도 최대의 제작 및 배급사 중 하나인 야쉬 라지 필름스(Yash Raj Films)는 2005년 9월 미국에서 발리우드 영화가 극장 상영, 비디오 판매, 영화 사운드트랙 판매를 통해 연간 약 1억달러를 벌어들였다고 보고했다.[90] 인도 영화는 다른 비영어권 국가의 영화보다 미국에서 더 많은 돈을 벌고 있다.[90] 1990년대 중반 이후 여러 인도 영화들이 뉴욕, 로스앤젤레스, 밴쿠버 또는 토론토에서 대부분(또는 전부) 촬영되었다.
11. 표절
힌디어 영화계 일부 작가와 음악가들은 제작 일정이 빡빡하고 예산이 적다는 이유로 표절을 하는 경우가 많았다.[263] 다른 인도 영화 산업(텔루구 영화, 타밀 영화, 말라얄람 영화 등)이나 외국 영화(할리우드 및 기타 아시아 영화 포함)에서 아이디어, 줄거리, 곡 등을 베끼는 경우가 많았다.[264]
1990년대 이전에는 인도의 저작권 집행이 느슨했고, 공식 계약을 체결하는 배우나 감독이 거의 없었기 때문에 표절이 처벌 없이 일어났다.[265] 힌디어 영화 산업은 북반구에서 널리 알려지지 않았기 때문에 원작자들은 자신의 작품이 복제되었다는 사실을 몰랐고, 많은 인도인들은 외국 영화와 음악에 익숙하지 않아 관객들이 표절을 알아채지 못했을 수도 있다.[264]
인도의 저작권 집행은 여전히 느슨하지만, 발리우드와 다른 영화 산업들은 서로를 더 잘 알게 되었고 인도 관객들은 외국 영화와 음악에 더 익숙해졌다. 인도 EU 영화 이니셔티브와 같은 단체들은 인도와 유럽 연합의 영화 제작자와 업계 전문가들 사이에 공동체를 조성하고자 한다.[264]
발리우드에서 표절에 대한 일반적인 변명은 제작자들이 인도적 맥락에서 인기 있는 할리우드 영화를 리메이크하려는 것이라는 점이다. 각본가들은 독창적인 각본을 제작하지만, 영화의 성공 여부가 불확실하여 많은 각본이 거부된다.[264] 저임금 각본가들은 창의력 부족으로 비판받기도 했다.[266] 일부 영화 제작자들은 발리우드의 표절을 서구 문화(특히 미국)가 인도 문화에 침투하는 세계화의 필수적인 부분으로 보기도 한다.[266]
'''라즈(2002)''' ('''왓 라이즈 비니스''' 리메이크)와 '''카수르''' ('''재기드 에지''' 리메이크)의 감독인 빅람 바트는 미국 문화의 영향과 발리우드가 흥행작을 제작하려는 열망에 대해 "재정적으로, 특정 작품이 이미 흥행에 성공했다는 것을 알면 더 안전할 것이다. 복제는 인도 전역에 만연해 있다. 우리의 TV 프로그램은 미국 프로그램을 각색한 것이다. 우리는 그들의 영화, 자동차, 비행기, 다이어트 콜라, 그리고 태도까지 원한다. 미국식 생활 방식이 우리 문화에 스며들고 있다."라고 말했다.[266] 마헤시 바트에 따르면, "출처를 숨기면 천재다. 창조적인 영역에는 독창성이라는 것이 없다."라고 말했다.[266]
느린 법적 절차 때문에 영화 저작권 침해 사건이 법정에 회부된 경우는 거의 없지만,[264] '''파트너(2007)'''(2007)와 '''진다(2005)'''의 제작자들은 원작 영화 '''히치'''와 '''올드보이(2003)'''의 소유주와 배급사의 표적이 되었다.[267][268] 미국 스튜디오인 20세기 폭스는 뭄바이에 본사를 둔 B. R. 필름스를 상대로 '''반다 예 빈다스 하이'''가 '''마이 커즌 비니'''의 불법적인 리메이크라고 주장하며 고소했다. B. R. 필름스는 결국 약 20만달러에 합의하여 영화 개봉의 길을 열었다.[269] 일부 스튜디오는 저작권법을 준수하는데, 2008년 오리온 픽처스는 할리우드 영화 '''웨딩 크래셔스'''의 리메이크 권리를 확보했다.[270]
파키스탄의 카왈리 음악가 누스라트 파테 알리 칸은 1990년대 볼리우드에서 활동하는 많은 인도 음악가들에게 영감을 주었다. 그러나 인도 음악 감독들이 칸의 음악을 표절하여 히트 필미(filmi) 노래를 제작한 사례가 많았다.[271][272] 비주 샤가 제작한 영화 ''모흐라(Mohra)''(1994)의 히트곡 "Tu Cheez Badi Hai Mast Mast"는 칸의 유명한 카왈리 노래 "담 마스트 칼란다르"를 표절했고,[271] 영화 ''야라나(Yaarana)''(1995)에 사용된 "Mera Piya Ghar Aya", 영화 ''주다이(Judaai)''(1997)의 "Sanoo Ek Pal Chain Na Aaye" 등이 있다.[271] 칸은 표절에 대해 관대했다고 알려져 있다.[59][273] 아누 말릭은 칸의 음악을 사랑했고, 그의 곡을 사용함으로써 존경을 표현했다고 주장했다.[273] 그러나 칸은 말릭이 그의 노래 "Allah Hoo, Allah Hoo"를 영화 ''우자르(Auzaar)''(1997)에서 "I Love You, I Love You"로 바꾼 것에 대해 "그는 내 경건한 노래 '알라후'를 가져다가 '아이 러브 유'로 바꿨다. 그는 적어도 내 종교 노래에 대해서는 존중해야 한다"라고 말했다.[273]
볼리우드 사운드트랙은 기니의 가수 모리 칸테의 1987년 앨범 ''Akwaba Beach''를 표절하기도 했다. 그의 노래 "Tama"는 바피 라히리의 영화 ''타네다르(Thanedaar)''(1990)의 "Tamma Tamma"와 락슈미칸트-파야랄이 영화 ''훔(Hum)''(1991)의 사운드트랙에서 만든 "Jumma Chumma"에 영감을 주었다. 후자에는 칸테의 "Inch Allah"를 복사한 "Ek Doosre Se"도 포함되어 있다.[274] 그의 노래 "예 케 예 케"는 1990년 볼리우드 영화 ''아그네파트(Agneepath)''의 배경 음악으로 사용되었고, ''타네다르''의 볼리우드 노래 "Tamma Tamma"에 영감을 주었다.[274]
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