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앤디 워홀

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목차

1. 개요

앤디 워홀은 1928년 펜실베이니아 주 피츠버그에서 태어난 미국의 예술가로, 팝 아트의 선구자로 평가받는다. 그는 상업 미술을 전공하고, 뉴욕에서 잡지 삽화 및 광고 분야에서 경력을 시작했다. 캠벨 수프 캔, 마릴린 먼로 등 대중적인 이미지를 실크 스크린 기법으로 제작하여 미국 문화의 물질성을 표현했다. 1960년대에는 팩토리를 설립하여 다양한 예술가들과 교류하며 영화 제작에도 참여했다. 1987년 사망 이후 그의 작품 가치는 꾸준히 상승하여, 2022년에는 '샷 세이지 블루 마릴린'이 경매에서 가장 비싼 미국 미술 작품으로 판매되었다. 그의 유산은 앤디 워홀 시각 예술 재단과 앤디 워홀 미술관을 통해 이어지고 있다.

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앤디 워홀 - [인물]에 관한 문서
기본 정보
1980년의 워홀
1980년의 워홀
인물 정보
본명앤드루 워홀라 주니어
출생일1928년 8월 6일
출생지미국 펜실베이니아주 피츠버그
사망일1987년 2월 22일
사망지미국 뉴욕주 뉴욕
묘소세인트 존 더 뱁티스트 비잔틴 가톨릭 공동묘지, 펜실베이니아주 베델 파크
국적미국
직업판화, 회화, 영화, 사진
스타일팝 아트, 현대 미술
사조팝 아트
훈련카네기 멜론 대학교
영향첼시 걸스 (1966년 영화)
플라스틱 폭발은 불가피 (1966년 이벤트)
캠벨 수프 캔 (1962년 그림)
마릴린 디프티크 (1962년 그림)
파트너제드 존슨 (1968–1980)
서명

2. 생애

1928년 펜실베이니아주 피츠버그에서 슬로바키아(당시 체코슬로바키아) 출신 이민자 가정에서 태어났다.[10] 그의 부모는 독실한 가톨릭 신자였으며, 워홀 자신도 평생 교회를 다녔다. 본래 가족의 성씨는 '바르홀라'(Varchola)였으나 영어식인 워홀로 바꾸었다. 위로 두 형이 있었고,[18] 육체 노동자였던 아버지는 워홀이 13세이던 1942년에 사망했다.[20] 이후 어머니 줄리아 워홀라가 아들들을 키웠다. 워홀은 쉔리 고등학교를 졸업한 후[21] 카네기 공과대학(현 카네기멜론 대학교)에서 상업 미술을 전공했다.[26] 1949년 대학 졸업 후 뉴욕 시로 이주하여 잡지 삽화와 광고 제작 분야에서 경력을 쌓기 시작하며 명성을 얻었다.

2. 1. 초기 생애 및 교육

워홀의 어린 시절 집. 3252 Dawson Street, 피츠버그 사우스 오클랜드 지역, 피츠버그, 펜실베이니아


어린 워홀(오른쪽)과 그의 어머니 줄리아 워홀라, 그리고 그의 형 존(왼쪽); 1930년경


앤디 워홀은 1928년 8월 6일, 미국 펜실베이니아주 피츠버그에서 태어났다.[10][361] 본명은 앤드루 워홀라(Andrew Warhola)이다. 그의 부모는 오스트리아-헝가리 제국 미코(Mikó, 현재 슬로바키아 북동부 미코바(Miková)) 출신의 루신인 노동계급 이민자 온드레이 워홀라(Ondrej Warhola, 미국식 이름 앤드루 워홀라 시니어; 1889–1942)[11][359]와 줄리아 워홀라(Júlia Varcholová-Zavacká, 결혼 전 성씨 자바츠카; 1891–1972)[12][360]였다.[13][14] 이민 전 가족의 성씨는 '''바르홀라'''(Varchola|바르홀라slk, Вархола|바르홀라rue)였으나, 미국으로 이민 오면서 영어식인 워홀(Warhol)로 바꾸었다.

워홀의 아버지는 1912년 미국으로 이주하여 탄광에서 일했고,[15] 어머니는 1921년 피츠버그로 와서 합류했다.[16] 가족은 처음에는 55 Beelen Street에 살다가 나중에는 피츠버그 오클랜드 지역의 3252 Dawson Street로 이사했다.[17] 워홀에게는 폴(Paul, 1922–2014)과 존(John, 1925–2010)이라는 두 명의 형이 있었고,[18] 오스트리아-헝가리에서 유아기에 사망한 누나 마리아도 있었다.[15] 폴의 아들인 제임스 워홀라는 어린이 책 삽화가로 활동했다. 부모는 독실한 루테니아 가톨릭 신자였으며, 가족은 성 요한 크리소스톰 비잔틴 가톨릭 교회에 다녔다. 워홀 자신도 평생 교회에 다녔다.

워홀은 허약한 체질이었고 피부 미백과 햇빛 알레르기가 있었으며 코가 붉었다고 전해진다. 초등학교 3학년 때 성홍열의 합병증으로 여겨지는 신경계 질환인 시덴함 무도병(Sydenham's chorea, 성 비투스 무도병)을 앓았다. 이 병은 팔다리가 자신의 의지와 상관없이 움직이는 증상을 유발했다.[19] 병으로 인해 침대에 누워 지내는 동안 그는 그림을 그리고 라디오를 들으며 침대 주변에 영화 배우들의 사진을 모았다. 워홀은 훗날 이 시기가 자신의 성격, 기술, 그리고 선호도를 형성하는 데 매우 중요했다고 회상했다. 육체 노동자였던 아버지는 워홀이 13세이던 1942년 사고로 사망했고,[20] 이후 어머니 줄리아가 홀로 아들들을 키웠다.

어린 시절부터 예술적 재능을 보였던 워홀은 아르바이트를 하며 지역 고등학교인 쉔리 고등학교에 다녔고, 1945년 졸업 당시 스콜라스틱 예술 및 문예상을 수상했다.[21] 고등학교 졸업 후 피츠버그의 카네기 공과대학(Carnegie Institute of Technology, 현재의 카네기멜론 대학교)에 입학하여 상업 미술을 전공했다.[362] 대학 시절 그는 캠퍼스 현대 무용 클럽과 보 자르 협회(Beaux Arts Society)에 가입했으며,[22][23] 학생 미술 잡지인 "카노(Cano)"의 미술 감독으로 활동하며 1948년에는 표지 그림을, 1949년에는 전면 삽화를 그렸다.[24][25] 이 두 작품은 그의 첫 출판물로 여겨진다.[25] 워홀은 1949년 시각 디자인(pictorial design) 전공으로 미술 학사 학위를 받고 졸업했다.[26][362] 같은 해 뉴욕 시로 이주하여 잡지 삽화와 광고 제작 분야에서 경력을 쌓기 시작했다.

2. 2. 뉴욕에서의 초기 활동 (1950년대)

1949년 대학 졸업 후 뉴욕으로 이주하여, ''글래머'' 잡지의 신발 그림을 그리는 것을 시작으로 상업 미술가로서 경력을 시작했다.[27][28] 1950년대에 들어서면서 ''보그''나 ''하퍼스 바자'' 같은 유명 잡지의 광고와 일러스트를 그리며 점차 이름을 알렸다. 이 시기 신발 제조업체 이스라엘 밀러를 위해 디자이너로 일했으며,[28][29] 선화에 잉크를 묻혀 종이에 찍어내는 방식인 '블로티드 라인'(blotted line영어)이라는 초기 판화 기법을 개발하여 사용했다. 이 기법은 기본 이미지를 반복하고 다양한 변형을 만드는 데 유용했다.[28] 미국 사진작가 존 코플란스는 워홀의 신발 그림에 대해 "각 신발에 독특한 개성과 툴루즈-로트렉 스타일의 세련미를 부여하면서도 모양과 스타일, 버클 위치까지 정확하게 표현했다"고 회상했다.

1952년, 워홀은 신문 광고 미술 부문에서 "아트 디렉터스 클럽 어워드"(''Art Director's Club Award'')를 수상하며 상업 디자이너이자 일러스트레이터로서 성공 가도를 달렸다. 그러나 동시에 고객의 요구에 따라 끊임없이 그림을 수정해야 했고, 사생활에서의 대인 관계 문제로 어려움을 겪는 등 고뇌의 시기를 보내기도 했다. 이러한 경험은 그가 훗날 내면을 버리고 표층을 추구하는 예술관을 형성하는 데 영향을 주었다. 같은 해, 알렉산더 이올라스에 의해 발굴되어 뉴욕 휴고 갤러리에서 첫 개인전을 열었으나 큰 호응을 얻지는 못했다.[30][31]

1956년에는 뉴욕 현대 미술관(MoMA)에서 열린 그룹 전시에 처음으로 참여했으며,[30][31] 프로덕션 디자이너 찰스 리산비와 함께 세계 여러 나라를 여행하며 예술과 문화를 접했다.[32] 1957년에는 뉴욕의 보들리 갤러리에서 그의 독특한 잉크 그림으로 제작된 신발 광고들을 전시했다.[33]

워홀은 작업 방식으로 에피다이아스코프를 이용해 사진을 캔버스에 투사한 뒤 그 윤곽을 따라 그리는 방법을 자주 사용했다.[34] 그는 자신의 "첫 남자 친구"였던 에드워드 왈로비치의 사진을 활용했는데,[35] 왈로비치의 1956년경 사진 ''담배를 피우는 젊은이''는 1958년 사이먼 & 슈스터에서 출판된 월터 로스 소설 ''불멸자''의 표지 디자인에 사용되기도 했다.[36][37][38]

이 시기 워홀은 음반 산업의 급격한 확장에 발맞춰 RCA 레코드의 의뢰를 받아 또 다른 프리랜서 아티스트인 시드 모러와 함께 앨범 커버 및 홍보 자료를 디자인했으며,[39] 티파니 & Co.와 같은 고급 브랜드의 광고 작업도 수행했다.[40]

2. 3. 팝 아트의 탄생과 팩토리 (1960년대)

1960년, 일러스트레이션 분야를 떠나 순수 미술의 세계로 발을 들였다. 초기에는 『배트맨』, 『딕 트레이시』, 『슈퍼맨』 등 만화를 소재로 한 작품들을 제작했다. 그러나 당시 계약했던 레오 카스텔리 갤러리에서 비슷한 아메리칸 코믹을 주제로 활동하던 로이 리히텐슈타인의 작품을 접한 후, 이 주제에서는 손을 떼었다. 이 시기 미국은 눈부신 경제 성장을 이루고 있었다.

1961년에는 주변에서 흔히 볼 수 있는 캠벨 수프 캔과 달러 지폐를 모티브로 한 작품을 선보였다. 이는 팝 아트가 탄생하는 중요한 계기가 되었다.

1962년부터는 실크 스크린 기법을 도입하여 작품을 대량으로 생산하기 시작했다. 작품의 소재 역시 대중적이고 화제가 될 만한 것들을 선택했다. 마릴린 먼로가 갑작스럽게 세상을 떠나자, 워홀은 즉시 영화 『나이아가라』의 홍보 사진에서 먼로의 상반신 이미지를 가져와 마릴린 디프티치와 같은 작품을 제작했으며, 이후 색상을 바꿔가며 지속적으로 생산했다. 또한 비행기 사고, 자동차 사고, 자연재해 등 신문의 헤드라인을 장식하는 사건 사고 보도 사진들도 작품의 소재로 활용했다.

워홀과 팩토리(The Factory)에 모인 앤디와 그의 동료들


1964년에는 뉴욕에 '''팩토리'''(''The Factory'')라는 이름의 스튜디오를 설립했다. 이곳은 알루미늄 포일과 은색 물감으로 뒤덮인 공간이었으며, 공장에서 제품을 대량 생산하듯 작품을 만들어낸다는 개념을 시각화한 곳이었다. 워홀은 이곳에서 '아트 워커'(art worker, 예술 노동자)들을 고용하여 실크 스크린 판화, 신발 디자인, 영화 등 다양한 작품을 제작했다. 팩토리는 믹 재거(롤링 스톤스), 루 리드(벨벳 언더그라운드), 트루먼 카포티(작가), 이디 세즈윅(모델) 등 당대의 여러 예술가들이 교류하는 중심지가 되었다.[363]

1965년에는 벨벳 언더그라운드(The Velvet Underground, 이하 '''V.U.''')의 데뷔 앨범 제작을 맡았다. 워홀은 V.U.의 음악을 듣고 협업을 제안했으며, 배우이자 모델인 니코를 영입하여 밴드에 합류시켰다. 1967년 3월 발매된 그들의 첫 앨범 『The Velvet Underground & Nico』에서는 워홀이 프로듀싱과 앨범 커버 디자인을 담당했다. 실크 스크린으로 제작된 '바나나' 그림의 앨범 커버는 매우 유명해졌다. 앨범 자체는 전위적인 음악 스타일 때문에 상업적으로 큰 성공을 거두지는 못했지만, 훗날 음악사적으로 높이 재평가받게 된다. 워홀은 V.U.의 음악을 자신의 영화 사운드트랙으로 사용하기도 했다. 그러나 두 번째 앨범 제작 즈음에는 워홀과 V.U.의 관계가 정리되었다. 워홀과 V.U.의 관계는 다큐멘터리 영화 『루 리드: 록앤롤 하트』(''Lou Reed: Rock and Roll Heart'')에 잘 나타나 있다. 워홀 사후, V.U.의 멤버였던 루 리드와 존 케일은 재결합하여 워홀을 추모하는 앨범 『송스 포 드렐라』(1990년)를 발표했다. 'Drella'는 드라큘라와 신데렐라를 합친 단어로, 워홀에 대한 그들의 복합적인 인상을 나타낸다고 전해진다.

예술 활동 외에도 워홀은 이 시기에 명성과 유명인에 대한 언급으로도 주목받았다. 1968년, 그는 "미래에는 누구나 15분 동안 세계적인 유명인사가 될 수 있을 것이다."라는 말을 남겼다.[364] 1970년대 후반, 그는 이 예언이 현실화되었다고 언급했지만, 언론의 반복되는 질문에 지쳐 나중에는 이 말을 "15분 안에 모든 사람이 유명해질 것이다"(In 15 minutes everybody will be famous.영어)로 바꾸고 더 이상의 언급을 피했다.[365]

2. 4. 저격 사건과 이후 (1968년 ~ 1987년)

1968년 6월 3일, 팩토리의 직원이었던 밸러리 솔라나스가 스튜디오에 들어와 워홀에게 세 발의 총을 쏘았다. 처음 두 발은 빗나갔으나, 세 번째 총알이 그의 양쪽 폐, 지라(비장), 위, 식도, 간을 관통했다.[121] 당시 40세였던 워홀은 중태에 빠졌고 병원에서는 사망 선고까지 내렸으나 기적적으로 살아남았다. 그러나 이 사건의 후유증으로 평생 완전히 회복하지는 못했다. 솔라나스는 급진적 페미니즘 단체 "전 남성 말살단(S.C.U.M.)"의 멤버였으며, 팩토리의 단골이기도 했다. 그녀는 워홀에게 자신이 쓴 영화 시나리오를 건네거나 그의 영화에 출연한 적도 있었다. 솔라나스는 체포 후 정신감정에서 편집조현병(정신 분열증) 진단을 받았고, "그(워홀)는 내 삶의 너무 많은 부분을 통제하고 있었다"고 진술했다. 재판 결과 "해를 끼칠 명확한 의도는 없었다"는 이유로 3년간 정신 병원에 입원 조치되었다. 솔라나스는 퇴원 후 페미니즘 활동을 이어가다 1988년 폐렴으로 52세에 사망했다. 이 사건은 1995년 《나는 앤디 워홀을 쏘았다》(I Shot Andy Warhol)라는 제목으로 영화화되었다.

1970년대부터 1980년대까지 워홀은 사교계 인사들의 의뢰를 받아 초상화 실크 스크린 프린트를 다수 제작했다. 1970년에는 〈라이프〉지에 의해 비틀즈와 함께 '1960년대에 가장 영향력이 있던 인물'로 선정되었다. 1972년, 리처드 닉슨 미국 대통령의 중국 방문에 맞추어 마오쩌둥의 초상화를 제작했다. 같은 해 어머니가 피츠버그에서 사망했으며, 이후 전 세계에서 개인전을 활발히 개최하게 된다. 1974년에는 처음으로 일본을 방문했다.

1980년대 워홀은 비평적, 재정적 성공을 다시 거두었는데, 이는 부분적으로 장 미셸 바스키아, 줄리안 슈나벨, 데이비드 살레와 같은 신표현주의 작가들과 프란체스코 클레멘테, 엔초 쿠키 등 유럽 트랜스아방가르드 운동의 멤버들을 포함한 젊은 예술가들과의 교류 덕분이기도 했다. 워홀은 또한 거리 예술계에서도 인정을 받았는데, 그래피티 예술가 팹 5 프레디는 캠벨 수프 캔 그림으로 기차 전체를 칠하며 그에게 경의를 표하기도 했다.[121]

1980년 맨해튼 유대인 박물관에서 열린 그의 전시회 ''20세기의 유대인 초상 10점''은 비평가들의 혹평을 받았다. 유대교와 유대인에게 큰 관심이 없었던 워홀은 자신의 일기에 "그것들은 팔릴 것이다"라고 적었다.[120] 같은 해, 워홀은 미술 수집가 스튜어트 피바르 등과 함께 뉴욕 예술 아카데미 설립에 참여했다.[122] 이 기관은 "예술가를 훈련시키는 전통적인 방법을 부활시키는 것"을 목표로 했다.[123] 피바르에 따르면, 워홀은 모더니즘이 끝나고 신고전주의 시대가 오고 있다고 생각했다.[123]

1981년, 워홀은 피터 셀러스, 루이스 앨런과 협력하여 워홀의 모습을 본뜬 실물 크기의 자동 인형 로봇을 이용한 순회 공연 ''A No Man Show''를 기획했다.[124] 이 ''앤디 워홀 로봇''은 워홀의 일기를 낭독하는 연극 형식이었다.[125][126] 워홀은 "나도 기계가 되고 싶어요, 그렇지 않아요?"라고 말하기도 했다.[127]

1982년부터 1986년 사이에는 재해와 신화를 모티브로 한 일련의 작품들을 창조했다. 1983년에는 뉴욕 미국 자연사 박물관에서 열린 전시회 ''워홀의 동물: 위험한 종''을 위해 멸종 위기 종을 주제로 한 실크스크린 인쇄물을 제작했다.[130] 그는 제작된 150세트 중 10세트를 야생 동물 보호 단체에 기증하여 기금 마련에 사용하도록 했다.[130]

1983년부터 1984년까지는 일본 TDK의 비디오 카세트 테이프 광고에 출연했다. '지금 사람을 자극한다'[366]는 카피와 함께, 컬러바 영상이 나오는 텔레비전을 어깨에 메고 서툰 일본어로 "아카, 미도리, 아오, 군조이로…키레이(예뻐)"라고 말하는 모습은 시청자들에게 강한 인상을 남겼다. 확대된 컬러바 영상을 배경으로 트라이앵글을 들고 고양이 분장을 한 여성이 다가가는 버전이나, 심벌즈를 울리며 "소리, 소리, 소리, 아빠!"라고 말하는 버전도 있었다.

1984년 사라예보 동계 올림픽을 앞두고는 데이비드 호크니, 사이 트웜블리 등 15명의 예술가와 함께 아트 앤 스포츠 컬렉션에 스피드 스케이터 인쇄물을 기증했으며, 이는 올림픽 공식 포스터에 사용되었다.[131] 같은 해, 잡지 ''배니티 페어''는 프린스의 앨범 ''퍼플 레인''과 동명 영화의 성공을 기념하는 기사를 위해 워홀에게 그의 초상화 제작을 의뢰했다.[132] 이 작품 ''오렌지 프린스 (1984)''는 워홀의 초기 유명인 초상화 중 하나인 1962년 마릴린 먼로 시리즈와 유사한 구성을 사용했으며,[133] 밝은 오렌지색 배경에 녹색과 파란색 하이라이트를 사용하는 등 워홀 특유의 팝 컬러 팔레트가 특징이다.[134][135][136] 또한 1984년에는 밴드 더 카스(The Cars)의 앨범 《하트비트 시티》의 싱글 〈Hello Again〉의 뮤직 비디오를 제작했으나, 첫 번째 버전은 내용이 과격하다는 이유로 방송 금지 처분을 받았다.

1985년 9월, 워홀과 바스키아가 공동 작업한 전시회 ''회화''가 토니 샤프라지 갤러리에서 열렸으나 부정적인 평가를 받았다.[137] 같은 달, 워홀의 우려에도 불구하고 그의 실크스크린 시리즈 ''여왕 즉위''가 레오 카스텔리 갤러리에서 전시되었다.[138] 워홀은 일기에 "그것들은 유럽만을 위한 것이어야 했다. 여기 아무도 왕족에 대해 신경 쓰지 않고 또 다른 나쁜 리뷰가 될 것이다"라고 적었다.

워홀의 마지막 작품군에는 1986년 제작된 레닌의 초상화 등이 포함된다. 이 레닌 초상화 중 하나는 훗날 러시아의 올리가르히로 알려진 보리스 베레조프스키가 소유하게 되었다. 1987년 1월, 워홀은 밀라노 팔라초 델레 스텔리네에서 열린 자신의 마지막 전시회 ''최후의 만찬'' 개막식에 참석했다.[139]

워홀은 강렬한 할리우드 글래머에 대한 애정을 표현하기도 했다. "나는 로스앤젤레스를 사랑합니다. 나는 할리우드를 사랑합니다. 그들은 너무 아름다워요. 모든 것이 플라스틱이지만 나는 플라스틱을 사랑합니다. 나는 플라스틱이 되고 싶어요."[128] 그는 때때로 패션 런웨이를 걷기도 했으며, 졸리 에이전시와 포드 모델스 소속으로 제품 홍보 모델로 활동하기도 했다.[129] 1987년 2월 17일, 뉴욕 맨해튼의 클럽 '터널'에서 열린 사토 타카노부의 패션쇼에 재즈 뮤지션 마일스 데이비스와 함께 모델로 참가했다.[140][141] 당시 몸 상태가 좋지 않았고 이탈리아에서 막 귀국한 상태였는데, 이것이 그의 마지막 공식 석상 모습이 되었다.

1987년 2월 21일, 뉴욕 코넬 의료 센터에서 담낭 수술을 받은 후 다음 날인 22일, 페니실린 알레르기 반응으로 상태가 급변하여 심장마비로 사망했다. 향년 58세. 평생 독신으로 살았다. 피츠버그의 세례자 성 요한 가톨릭 공동 묘지에 묻혔다.

3. 작품 세계

캠벨 수프 캔(Campbell's Soup Cans)


1950년 대학 졸업 후 뉴욕으로 이주한 앤디 워홀은 '보그'(''VOGUE'')나 '하퍼스 바자'(''Harper's BAZAAR'') 같은 잡지의 광고와 일러스트레이션 작업을 통해 상업 미술계에서 경력을 시작했다. 1952년에는 "아트 디렉터스 클럽 어워드"(''Art Director's Club Award'')를 수상하며 성공을 거두었지만, 상업적인 요구에 부응하는 과정에서의 어려움은 훗날 그의 예술관에 영향을 미치기도 했다.

1960년대 초, 워홀은 상업 미술계를 떠나 순수 미술로 방향을 전환했다. 초기에는 만화 캐릭터를 소재로 삼기도 했으나, 곧 캠벨 수프 캔, 코카콜라 병, 지폐 등 대중에게 친숙한 이미지를 작품의 주제로 삼기 시작했다. 이는 당시 부상하던 팝 아트 운동의 중요한 흐름과 맥을 같이했다. 특히 1962년부터는 실크 스크린 기법을 적극적으로 활용하여 작품을 제작했는데, 이는 단순히 대량 생산된 상품 이미지를 차용하는 것을 넘어 작품 자체를 대량으로 생산하는 혁신적인 방식이었다. 그는 뉴욕에 '팩토리'(The Factory)라는 스튜디오를 설립하고 조수들을 고용하여 마치 공장에서 물건을 찍어내듯 작품을 제작했다.

워홀의 작품 세계는 미국의 물질 문화와 대중문화를 반영하는 것으로 평가받는다. 그는 마릴린 먼로, 엘비스 프레슬리와 같은 유명인의 초상이나 상품 이미지 등을 반복적으로 사용하여 명성을 얻었다. 화려한 색채와 기계적인 생산 방식은 현대 소비 사회의 단면을 보여주는 동시에, 예술가의 유일무이한 창작이라는 전통적인 개념에 도전하는 것이었다. 워홀 자신은 "나를 알고 싶다면 작품의 표면만 봐 주세요. 뒷면에는 아무것도 없습니다"라고 말하며, 예술가의 내면보다는 작품 자체의 표면적인 이미지와 그것이 불러일으키는 대중적 소통에 집중하는 태도를 보였다.

그는 회화뿐만 아니라 영화 제작, 벨벳 언더그라운드 밴드의 매니지먼트, 잡지 ''Interview'' 창간, 저술 활동 등 다양한 매체를 넘나들며 전방위적인 활동을 펼쳤다. 예술과 상업, 고급문화와 대중문화의 경계를 허물며 현대 미술과 문화 전반에 큰 영향을 미쳤다. 스스로 '비즈니스 아티스트'를 자처하며 예술 활동 자체를 하나의 사업으로 인식하는 면모를 보이기도 했다.[218]

3. 1. 주요 특징

워홀의 작품 세계는 대부분 ‘미국의 물질문화’와 연관되어 있다. 그는 돈, 달러 기호, 식품, 잡화, 구두, 유명인, 신문 스크랩 등을 그렸는데, 그에게 이런 주제들은 미국 문화의 가치를 의미했다. 예를 들어, "코카콜라는 언제나 코카콜라다. 대통령이 마시는 코카콜라는 내가 마시는 코카콜라와 같은 그 콜라다"라는 그의 말처럼, 대중에게 익숙하고 유명한 이미지를 통해 20세기 미국의 문화적 정체성을 표현하고자 했다.

그는 화려한 색채로 같은 도판을 대량으로 생산할 수 있는 실크 스크린 기법을 주로 사용했다. 이를 통해 마릴린 먼로나 엘비스 프레슬리와 같은 대중 스타의 이미지, 유명 상품, 달러 기호 등 미국 사회에 널리 퍼진 이미지들을 작품의 소재로 삼았다. 그의 작품은 고전 예술이나 모더니즘과는 다른 명쾌함으로 팝 아트의 대표 주자로 자리매김하며 상업적으로도 큰 성공을 거두었다. 그러나 한편으로는 이러한 작품들이 미국의 자본주의와 대중문화가 지닌 대량소비의 이면, 즉 비인간성, 진부함, 공허함을 드러낸다는 해석도 존재한다. 보편성을 추구한 그의 작품은 당대 사회의 자본주의와 매스미디어의 단면을 반영하는 동시에, 사고나 죽음과 같은 어두운 이미지 또한 다루었다.

워홀은 스스로에 대해 "나를 알고 싶다면 작품의 '''표면만''' 봐주세요. 뒷면에는 아무것도 없습니다"라고 말하며 예술가의 내면보다는 작품의 표면적인 측면을 강조했다. 그는 유명한 것에 대한 애정을 숨기지 않았으며, 스타, 정치인, 사건, 상품 등 당대에 유명한 것들을 작품의 주제로 삼는 이유에 대해 "그것이 유명하고 또 내 자신도 그것을 사랑하기 때문"이라고 밝히기도 했다. 또한 그 자신도 미국의 유명 인물이 된 후에도 페이스를 흐트러뜨리지 않고 유명인을 연기하며 작품을 계속 제작하는 것을 이상으로 삼았다.

그는 '비즈니스 아트'의 팬임을 자처하며 "나는 비즈니스 아트에 뛰어들었다. 나는 예술 사업가 또는 사업가적인 예술가가 되고 싶었다. 사업을 잘하는 것은 가장 매혹적인 종류의 예술이다."라고 말했다.[218] 이러한 태도는 때로 비판의 대상이 되기도 했지만, 시간이 흐르면서 그의 피상성과 상업성이 오히려 "우리 시대의 가장 훌륭한 거울"로서 1970년대 미국 문화의 시대정신을 포착했다는 재평가도 이루어지고 있다.[120]

워홀은 회화나 드로잉뿐만 아니라 영화 감독 및 제작, 록 밴드 벨벳 언더그라운드의 매니지먼트, 저술 활동 등 다양한 매체를 넘나들며 작업했다. 사진, 조각, 연극, 패션, 퍼포먼스 아트 등 여러 분야에서 활동하며 예술, 상업, 일상생활 사이의 경계를 허무는 것을 자신의 창작 철학의 핵심으로 삼았다.

3. 2. 실크 스크린



앤디 워홀은 작업에 실크 스크린(silk screen) 기법을 적극적으로 활용했다. 그는 과거 신발 산업에서 일하며 잉크를 종이에 찍어내는 블라티드 라인(blotted line)이라는 초기 인쇄 기법을 개발한 경험이 있었다.

1960년대 미술계로 옮겨온 워홀은 초기에는 배트맨, 딕 트래이시, 슈퍼맨 등 만화를 모티브로 삼았으나, 로이 리히텐슈타인의 유사한 작품을 접한 후 이 주제에서 손을 뗐다. 1961년부터는 캠벨 수프 캔이나 지폐처럼 일상에서 흔히 볼 수 있는 대상을 그리기 시작했고, 1962년에는 실크 스크린 프린트를 이용하여 작품을 대량으로 생산하기 시작했다. 그는 대중적으로 화제가 되는 소재를 즐겨 다루었다. 1962년 메릴린 먼로가 갑작스럽게 사망하자, 영화 《나이아가라》 속 그녀의 사진을 잘라 다양한 색을 입혀 대량으로 제작했다. 또한 제트기 사고, 자동차 사고, 재난 등 당시 신문에 보도된 사건 사진들을 작품의 소재로 활용했다.

워홀은 "예술 노동자"들을 고용하여 뉴욕의 스튜디오인 《팩토리》(The Factory)에서 판화, 신발, 영화, 책 등을 만들었다. 그는 실크 스크린 기법을 통해 작품 자체를 대량 생산했으며, 이는 마치 공산품을 만드는 과정과 유사했다. 초기에는 아크릴 물감 등으로 캔버스에 직접 그리기도 했지만, 1960년대 이후에는 주로 실크 스크린을 사용했다. 이 기법은 작가가 직접 인쇄 과정에 참여하지 않아도 작품을 만들 수 있어 대량 생산에 매우 적합했다. 워홀은 팩토리에서 기계처럼 작품을 찍어냈지만, 때로는 같은 판을 사용하면서 의도적으로 프린트를 어긋나게 하거나 잉크를 과도하게 사용하여 번지게 하는 등 변화를 주기도 했다.

워홀의 작품 세계는 대부분 ‘미국의 물질문화’와 깊은 관련이 있다. 그는 돈, 달러 기호, 식품, 잡화, 구두, 유명인, 신문 스크랩 등을 그렸으며, 그에게 이러한 주제들은 미국 문화의 가치를 상징했다. 예를 들어, "코카콜라는 언제나 코카콜라다. 대통령이 마시는 코카콜라는 내가 마시는 코카콜라와 같은 그 콜라다"라는 그의 말처럼, 그는 대중에게 익숙하고 유명한 이미지를 통해 20세기 미국의 문화적 정체성을 표현하고자 했다.

화려한 색채의 도판을 대량으로 생산할 수 있는 실크 스크린 기법을 통해, 워홀은 마릴린 먼로나 엘비스 프레슬리 같은 스타의 이미지뿐만 아니라 상품, 달러 기호 등 미국 사회에 널리 퍼진 상징들을 작품화했다. 그의 작품은 고전 예술이나 모더니즘과는 다른 방식으로, 풍요로운 미국 사회를 명쾌하게 보여주는 팝 아트이자 상업 회화로서 큰 인기를 얻었다. 그러나 한편에서는 그의 작품이 미국 자본주의와 대중문화가 내포한 대량소비의 성격, 진부함, 공허함을 표현한다는 해석도 존재한다. 보편성을 추구한 그의 작품은 작가 자신과 대중이 매일 접하는 자본주의 및 매스미디어와 밀접하게 연관되어 있었으며, 동시에 사고와 죽음이라는 무거운 주제도 다루었다.

워홀은 자신에 대해 "나를 알고 싶다면 작품의 표면만 봐 주세요. 뒷면에는 아무것도 없습니다"라고 말하며, 예술가의 내면보다는 작품의 표면적인 측면을 강조했다. 그는 유명한 것에 대한 애정을 숨기지 않았으며, 스타, 정치인, 사건, 패션 상품 등을 주제로 삼은 이유에 대해 "그것이 유명하고 나 자신도 그것을 사랑하기 때문"이라고 밝혔다.

실크 스크린 기법으로 다룬 주요 모티프는 다음과 같다.

구분예시
상품캠벨 수프 캔 (캠벨 수프 캔), 샤넬 N°5, 코카콜라, 앱솔루트 보드카 병, 브릴로 박스 등 유명 상품
유명인엘비스 프레슬리, 엘리자베스 테일러, 잉그리드 버그먼, 크리스토퍼 리브, 하노버 왕자비 카롤린, 지미 카터, 존 F. 케네디, 재클린 케네디, 트루먼 카포티, 마이클 잭슨, 메릴린 먼로, 말런 브랜도, 믹 재거, 프린스, 체 게바라, 마오쩌둥, 무하마드 알리, 블라디미르 레닌, 존 고티, 사카모토 류이치, 야마구치 사요코
캐릭터미키 마우스, 미니 마우스, 아톰
기타지폐, 원자폭탄, 권총, 자유의 여신상, 전기의자, 석양, 꽃, 최후의 만찬



그가 제작한 초상화는 당시 고액의 비용에도 불구하고 많은 유명 인사들이 자신의 모습을 작품으로 남기기를 원할 정도로 인기가 높았다.

3. 3. 영화

1963년부터 1968년 사이에 앤디 워홀은 600편 이상의 언더그라운드 영화를 제작했다.[220][234] 이 영화들은 대부분 뉴욕의 팩토리 스튜디오에서 만들어졌으며, 많은 작품이 실험 영화 스타일을 띠고 있어 일반에 널리 공개되지는 않았다. 워홀은 라 몬테 영의 정적인 음악 공연에 영향을 받아 변화가 거의 없는 정적인 영상 스타일을 추구하기도 했다.[219] 그는 자신의 영화가 "본질적으로 같을 뿐만 아니라 세부 사항까지 완전히 정확하게 같음"을 원했다고 말한 바 있다.

초기 영화들은 주로 일상적인 모습을 조용히 관찰하는 형식을 취했다. 대표적인 작품으로는 시인 존 지오르노가 6시간 동안 잠자는 모습을 담은 ''잠'' (Sleep, 1964)[223], 여러 커플의 키스 장면을 보여주는 ''키스'' (Kiss, 1964)[224], 예술가 로버트 인디애나가 45분간 버섯을 먹는 ''먹기'' (Eat, 1964)[224] 등이 있다. 35분짜리 영화 ''블로우 잡'' (Blow Job, 1964)은 데버렌 북월터의 얼굴만을 보여주며 구강 성교를 암시하는 파격적인 작품이었다.[225] 엠파이어 스테이트 빌딩을 8시간 동안 촬영한 ''엠파이어'' (Empire, 1965)[219]나 앤서니 버지스의 소설 시계태엽 오렌지를 각색한 ''비닐'' (Vinyl, 1965)도 이 시기의 주요 작품이다. 또한 워홀은 팩토리 방문객들의 짧은 흑백 초상화 영상인 스크린 테스트(Screen Tests) 시리즈를 다수 제작했다.[220][234] 이러한 실험적인 시도들은 영화 제작자 조나스 메카스로부터 1964년 독립 영화상을 받는 등[226] 언더그라운드 영화계에서 주목받았다. 1964년에는 DC 코믹스의 허가 없이 배트맨을 캠프적으로 해석한 ''배트맨 드라큘라'' (Batman Dracula)를 제작하여 자신의 미술 전시회에서만 상영하기도 했다.[227]

밤하늘을 배경으로 밝게 빛나는 엠파이어 스테이트 빌딩의 거칠고 흑백의 정지된 프레임
1965년 영화 ''엠파이어''의 스크린샷


워홀의 영화 중 처음으로 일반에 공개되어 상업적으로 큰 성공을 거둔 작품은 ''첼시 걸스'' (Chelsea Girls, 1966)이다.[224] 뉴욕의 유명한 첼시 호텔을 배경으로 여러 인물의 이야기를 다룬 이 영화는 두 개의 16mm 필름을 동시에 영사하는 혁신적인 방식을 사용했다.[224] 각기 다른 이야기가 담긴 두 화면이 동시에 상영되며, 특정 장면에 맞춰 한쪽 필름의 소리를 키우는 방식으로 진행되었다. 중간중간 가수 니코의 모습이 삽입되기도 했다. 이 영화는 언더그라운드 영화로서는 이례적으로 미국 전역에서 개봉하며 큰 반향을 일으켰다. 이 외에도 ''엠파이어'', ''포 스타스'' (Four Stars, 1967) 등이 있다.

1969년작 ''블루 무비'' (Blue Movie)는 워홀이 직접 감독한 마지막 영화로 알려져 있다.[228][229] 워홀의 슈퍼스타 중 한 명인 비바와 배우 루이 왈든이 실제로 성관계를 갖는 장면을 담아[228] 당시 큰 논란을 일으켰으며, 포르노의 황금기를 대표하는 포르노그래피 영화 중 하나로 평가받는다.[230][231]

1968년 워홀이 총격을 당한 사건 이후, 그의 조감독이었던 폴 모리세이가 팩토리의 영화 제작을 실질적으로 이끌게 되었다.[233] 모리세이는 워홀 브랜드 하에 좀 더 대중적이고 서사 중심적인 B급 착취 영화 스타일의 작품들을 만들었다.[233] 조 달레산드로가 주연을 맡은 ''플레쉬'' (Flesh, 1968), ''쓰레기'' (Trash, 1970), ''히트'' (Heat, 1972) 등이 대표적이다.[233] 1970년대에 들어 워홀은 이전 작품들과는 다른 경향을 보이며, 조 달레산드로나 우도 키어를 주연으로 한 호러 영화 ''악마의 피'' (Blood for Dracula, 1974)나 ''프랑켄슈타인'' (Flesh for Frankenstein, 1974) 등의 총감수를 맡기도 했다. 워홀이 제작에 참여하고 그의 연인이었던 제드 존슨이 감독한 ''앤디 워홀의 배드'' (Bad, 1977)는 모리세이와 달레산드로 없이 제작되었다.[233] 이 후기 영화들은 현재 컬트 영화로 재평가받고 있다.

조 달레산드로의 ''플레쉬'' (1968) 장면, 폴 모리세이 연출


워홀이 감독한 영화 대부분은 그의 사후 한동안 대중에게 공개되지 않았다.[234] 1984년 휘트니 미술관과 현대미술관의 주도로 영화 필름 복원 작업이 시작되었고,[234] 이후 미술관 상영이나 영화제를 통해 간헐적으로 소개되었다.[234] 2022년에는 앤디 워홀 미술관이 자체 스트리밍 플랫폼인 'The Warhol TV'를 개설하여 워홀의 영화 일부를 온라인으로 감상할 수 있게 되었다.[235]

3. 4. 기타 작품 활동

앤디 워홀은 그림과 영화 외에도 다양한 매체를 통해 작품 활동을 펼쳤다.

'''드로잉'''

워홀은 상업 일러스트레이터로 경력을 시작했으며, 광고나 잡지 기사를 위해 "얼룩진 잉크" 스타일의 드로잉을 제작했다. 특히 신발 그림이 유명하다. 그는 음식(en), 크리스마스(en), 신발(en) 등을 주제로 한 드로잉을 모아 작은 책자로 직접 출판하기도 했다. 젊은 남성을 섬세하게 그린 드로잉으로 구성된 ''en''은 금박 장식 때문에 붙여진 이름으로, 예술적으로 높은 평가를 받는 드로잉 책 중 하나이다.[254] 2023년 ''아트넷'' 기사에 따르면, 워홀은 뛰어난 삽화가이자 데생가였으며, 드로잉은 그의 경력 전반에 걸쳐 중요한 부분을 차지했다. 초기 드로잉은 연속선과 블라인드 컨투어 기법과 유사성을 보이며 편안함과 즉각성을 부여한다. 상업 광고 분야에서는 종이에 연필 드로잉과 판화 제작 요소를 결합한 블로티드 라인 기법을 개척했다. 말년까지 드로잉 작업을 계속했으며, 후기 작품들은 오랜 경력에서 비롯된 숙련된 기술을 보여준다.[177] 2012년에는 워홀이 9~10세 때 그린 것으로 추정되는 1930년대 가수 루디 발리의 스케치가 발견되었으나,[255] 진위 여부에 대해서는 논란이 있다.[256]

'''조각'''

워홀의 가장 잘 알려진 조각 작품은 브릴로 상자이다. 이는 실제 브릴로 비누 패드 상자를 나무로 똑같이 만들고 실크스크린 잉크로 복제한 것이다.[257] 원래 브릴로 상자 디자인은 상업 예술가 제임스 하비가 만들었다. 브릴로 상자는 하인즈 케첩 상자, 캠벨 토마토 주스 상자 등을 포함하는 "식료품 상자" 시리즈의 일부이다.[258] 헬륨을 채운 은색 마일라 풍선인 ''en''도 유명하다. 이 작품은 1968-1969년 순회 전시회 ''en''에 포함되었고, 아방가르드 안무가 머스 커닝햄의 댄스 작품 ''en''(1968)에도 사용되었다.[259]

''Silver Clouds''는 파리 시립 현대 미술관에서 2015년 12월에 열린 워홀 언리미티드 전시회에 전시되었다.


'''음악 활동'''

1963년, 워홀은 뉴욕의 초기 개념 예술 및 미니멀리즘 예술 커뮤니티 멤버들과 함께 단명한 아방가르드 노이즈 음악 밴드 더 드루즈를 결성했다.[275]

1965년에는 밴드 벨벳 언더그라운드를 받아들여 멀티미디어 퍼포먼스 아트 쇼 ''익스플로딩 플라스틱 이네비터블''의 핵심 요소로 삼았다. 워홀은 폴 모리세이와 함께 밴드의 매니저 역할을 했고, 그의 요청으로 니코가 밴드와 함께 공연하게 되었다. 그는 밴드 멤버들에게 자신이 상영하는 영화 앞에서 공연할 때는 모두 검은색 옷을 입도록 했다.[236] 1966년에는 밴드의 첫 앨범 ''The Velvet Underground & Nico''를 "프로듀싱"하고 앨범 아트도 제공했지만, 실제 제작 참여는 스튜디오 비용 지불에 그쳤다.[237] 이후 밴드 리더 루 리드와 음악적 방향에 대한 의견 차이로 1967년 매니저에서 해고되었다.[238][239] 1989년, 리드와 존 케일은 워홀에게 헌정하는 앨범 ''Songs for Drella''를 함께 작업하며 1972년 이후 처음으로 재회했다.[240] 2019년에는 워홀의 1975년 저서 ''앤디 워홀의 철학''을 바탕으로 루 리드가 작곡한 미공개 음악 테이프가 앤디 워홀 미술관 아카이브에서 발견되기도 했다.[241]

워홀은 1950년대부터 여러 아티스트의 앨범 커버를 디자인했다. 대표적인 작품으로는 조 뉴먼 옥텟의 ''I'm Still Swinging'' (1955), 케니 버렐의 ''Blue Lights, Vols. 1 & 2'' (1958), 존 왈로위치의 ''en'' (1964), 롤링 스톤스의 ''Sticky Fingers'' (1971)와 ''Love You Live'' (1977), 존 케일의 ''The Academy in Peril'' (1972), 다이애나 로스의 ''Silk Electric'' (1982), 아레사 프랭클린의 ''Aretha'' (1986) 등이 있다.[242][243]

'''출판 활동 (책, 잡지)'''

워홀의 그림과 서명


워홀은 1950년대 초부터 자신의 작품을 묶지 않은 포트폴리오를 제작했다. 1954년에는 직접 출판한 첫 책 ''25 Cats Name Sam and One Blue Pussy''를 냈는데, 블롯 라인 기법을 사용한 석판화로 제작되었다. 초판 190권은 손으로 채색하고 번호를 매겨 주로 고객과 친구들에게 선물했다. 4호 원본은 2006년 경매에서 3.5만달러에 팔렸다.[246] 그 외 직접 출판한 책으로는 ''en'', ''en'', ''en'' 등이 있다. ''en''(1955)는 그의 "상업 예술가에서 갤러리 예술가로의 전환"을 보여주는 작품으로 평가받는다[247] (제목은 마르셀 프루스트의 ''잃어버린 시간을 찾아서''를 말장난한 것이다).[247]

유명세를 얻은 후에는 여러 권의 책을 상업적으로 출판했다.

  • ''A, a novel''(1968): 온딘과 워홀의 친구들이 팩토리에서 나눈 대화를 그대로 녹취하여 옮긴 책.[248]
  • ''앤디 워홀의 철학 (A에서 B로, 그리고 다시)''(1975): 팻 해킷이 워홀과의 전화 통화 및 녹음 테이프를 바탕으로 집필.[249][250]
  • ''Exposures''(1979): 워홀과 밥 콜라첼로가 공동 저술했으며, 워홀이 찍은 유명인 사진과 일화를 담았다.
  • ''팝아트: 워홀의 1960년대''(1980): 워홀과 팻 해킷이 공동 저술했으며, 1960년대와 팝 아트의 역할을 회고한다.
  • ''앤디 워홀 일기''(1989): 팻 해킷이 편집했으며, 워홀이 매일 전화로 해킷에게 받아쓰게 한 일기이다. 처음에는 지출 기록 목적으로 시작했으나 점차 개인적, 문화적 관찰을 담게 되었다.[249][251]


워홀은 패션 잡지 ''Interview''를 창간했으며, 이 잡지는 현재까지 발행되고 있다. 표지의 독특한 글씨체는 그의 필체이거나, 그의 어머니 줄리아 워홀라의 필체로 추정된다.[252] 또한 ''타임'', ''보그'' 등 여러 잡지의 표지를 디자인했다.[253]

'''오디오 및 타임 캡슐'''

워홀은 휴대용 녹음기를 항상 가지고 다니며 주변의 모든 것을 녹음했고, 이 녹음기를 자신의 "아내"라고 불렀다. 이 녹음 테이프들은 그의 문학 작품의 기초가 되기도 했다. 그의 오디오 작품 중 하나인 ''en''는 특정 공간에 들어서면 방범 알람이 울리도록 설치한 것이다. 또한 1973년부터는 편지, 신문, 기념품, 어린 시절 물건, 비행기 표, 음식물 등 일상의 물건들을 판지 상자에 담아 "타임 캡슐"로 봉인하기 시작했다. 그가 사망할 무렵에는 600개가 넘는 타임 캡슐이 만들어졌으며, 현재 앤디 워홀 미술관에 보관되어 있다.[262]

'''텔레비전 및 광고'''

1968년, 워홀은 뉴욕의 슈라프츠 레스토랑 아이스크림 광고를 제작했다.[263] 그는 '무(Nothing)'라는 주제로 ''en''이라는 제목의 TV 특집 프로그램을 만들고 싶어했다.[233] 후기에는 ''en'' (1979–80), ''en'' (1980–1983), MTV 시리즈 ''Andy Warhol's Fifteen Minutes'' (1985–87) 등 세 개의 텔레비전 쇼를 제작했다.[264]

1983년부터 1984년까지 일본 TDK의 비디오 카세트 테이프 CM에 출연했다. '지금 사람을 자극한다'[366]는 제목의 광고에서 그는 컬러바 영상이 나오는 텔레비전을 어깨에 메고 서툰 일본어로 "아카, 미도리, 아오, 군조이로(남색)…키데이(예뻐)"라고 말해 강렬한 인상을 남겼다.

'''패션'''

워홀은 "그림을 걸어두는 것보다 드레스를 사서 벽에 걸어두는 편이 더 좋겠다"고 말한 것으로 알려져 있다.[265] 그는 이브 생 로랑, 할스톤과 같은 패션 디자이너들과 교류했으며,[266][267] 실크스크린 드레스 제작, 런웨이 모델 활동, 패션 관련 책 저술 및 그림 그리기 등 패션 분야에서도 활동했다.[268] 워홀 자신도 현대의 댄디로 묘사되기도 했다.[269]

'''공연 예술 및 연극'''

워홀과 그의 동료들은 파티나 공공장소에서 음악, 영화, 슬라이드 쇼, 심지어 S&M 의상을 입고 채찍을 휘두르는 제라드 말랑가의 퍼포먼스까지 결합한 멀티미디어 해프닝을 연출했다. 1966년의 익스플로딩 플라스틱 이네비터블은 이러한 활동의 정점이었다.[270]

그의 연극 ''앤디 워홀의 포크(Andy Warhol's Pork)''는 브리짓 베를린과 워홀 사이의 녹음된 대화를 바탕으로 만들어졌으며, 1971년 뉴욕과 런던에서 공연되었다. 이 연극에는 제인 카운티와 체리 바닐라 등이 출연했다.[271] 1974년에는 마마스 앤 파파스의 존 필립스가 쓴 뮤지컬 ''맨 온 더 문''을 제작하기도 했다.

'''사진'''

1980년 실크스크린 초상화 촬영 당일 팩토리에서 앤디 워홀이 찍은 데비 해리의 사진


워홀은 실크스크린 작업을 위해 직접 사진을 찍거나 조수들에게 찍게 했다. 주로 폴라로이드의 빅 샷 모델을 사용했는데, 이 카메라는 폴라로이드사가 워홀을 위해 특별히 생산한 것이었다. 그의 스냅샷 스타일 사진 촬영 방식은 예술 사진에 큰 영향을 미쳤다. 그는 휴대용 카메라인 폴라로이드 SX-70도 즐겨 사용했으며,[272] 팩토리 방문객, 친구, 유명인들의 수많은 사진을 남겼다. 이 사진들 중 다수는 스탠퍼드 대학교가 소장하고 있다.[273][274]

'''컴퓨터 아트'''

워홀은 아미가 컴퓨터를 사용하여 디지털 아트 ''You Are the One''을 제작했다. 그는 이 작품의 디자인과 제작에 참여했으며, 데비 해리를 모델로 하여 컴퓨터 그래픽 시연을 하기도 했다.[276]

'''후기 활동 및 뮤직 비디오'''

1984년 워홀은 더 카스의 뮤직 비디오 "Hello Again"을 공동 연출하고 직접 바텐더로 출연했다.[244] 하지만 첫 번째 버전은 내용이 과격하다는 이유로 방송 금지 처분을 받았다. 1986년에는 Curiosity Killed the Cat의 뮤직 비디오 "Misfit"을 공동 연출하고 카메오로 출연했다.

4. 평가 및 유산

1970년대, 워홀의 원본 스크린과 필름 매트릭스가 유럽으로 옮겨져 '선데이 비 모닝(Sunday B Morning)'이라는 이름으로 워홀의 판화가 제작되었다. 워홀은 초기에 250개 판화 에디션에 서명하고 번호를 매겼으나, 이후 그의 허락 없이 서명되지 않은 버전들이 제작되었다.[178] 이는 워홀과 그의 뉴욕 스튜디오 직원들 간의 불화에서 비롯된 것으로, 이들은 브뤼셀로 가서 "선데이 비 모닝"과 "여기에 서명을 추가하십시오(Add Your Own Signature Here)"가 찍힌 작품을 만들었다.[179] 워홀은 초기 협업 과정에서 사진 네거티브와 색상 코드를 제공하여 정확한 복제를 도왔다.[180] 일부 무단 제작물에는 워홀이 직접 "이것은 나의 작품이 아니다, 앤디 워홀(This is not by me, Andy Warhol)"이라고 적기도 했다.[178] 가장 유명한 무단 복제품은 1967년 마릴린 먼로 포트폴리오의 스크린 프린트이며, 이 '선데이 비 모닝' 마릴린 먼로 판화는 2013년까지도 제작되었다.[181] 미술관과 딜러들은 ''꽃'', ''캠벨 수프 I'', ''캠벨 수프 캔 II'',''금색 마릴린 먼로'', 마오, 달러 지폐 판화 등 다른 스크린 프린트 작품의 '선데이 비 모닝' 재판본도 판매했다.[182] 초기 '선데이 비 모닝' 버전 뒷면에는 검은색 스탬프가 있었으나, 1980년대에는 파란색으로 변경되었다.[183]

1970년, 워홀의 그림 ''껍질이 벗겨지는 라벨이 있는 캠벨 수프 캔(Campbell's Soup Can With Peeling Label)''(1962)은 파크-베르넷 갤러리 경매에서 6만달러에 판매되어, 당시 생존 미국 예술가 작품 중 최고 경매가를 기록했다.[184] 1970년대 워홀의 초상화 의뢰 비용은 1점에 2.5만달러, 2점에 4만달러였다.[159][119]

워홀의 작품 가치는 1987년 그의 사망 이후 꾸준히 상승했다. 2014년에는 그의 작품이 경매에서 총 5.69억달러를 기록하며 세계 미술 시장의 6분의 1 이상을 차지하기도 했다.[185] 미술 딜러 도미니크 레비는 워홀 시장이 오르내림을 반복하지만 전반적으로 상승하는 추세를 보이며, 이는 다양한 시기에 새로운 수집가 그룹이 계속 유입되기 때문이라고 분석했다.[186] 주요 작품들의 높은 경매가 기록은 다음과 같다:


  • 1998년: ''오렌지 마릴린(Orange Marilyn)''(1964) - 1730만달러[187]
  • 2007년: ''리즈(컬러 리즈)(Liz (Colored Liz))''(1963) - 2370만달러[188][189] / ''터키석 마릴린(Turquoise Marilyn)''(1964) - 금융가 스티븐 A. 코헨에게 약 8000만달러에 개인 판매[190] / ''그린 카 크래시''(1963) - 7109.999999999999만달러[191] / ''레몬 마릴린(Lemon Marilyn)''(1962) - 2800만달러[191] / ''큰 캠벨 수프 캔(Large Campbell's Soup Can)''(1964) - 740만달러[192]
  • 2008년: ''여덟 엘비스''(1963) - 개인 구매자에게 1억달러에 판매[194] (워홀은 총 22점의 엘비스 초상화를 제작했으며, 11점은 박물관 소장[53])
  • 2009년: ''200달러 지폐(200 One Dollar Bills)''(1962) - 4380만달러[193]
  • 2010년: 패션 디자이너 톰 포드 소유의 보라색 자화상(1986) - 3260만달러[198] / 엘리자베스 테일러를 기반으로 한 ''그녀의 삶 속의 남자들''(1962) - 6340만달러[199] / ''코카콜라 (4)''(1962) - 3529.9999999999995만달러[200]
  • 2011년: 워홀의 첫 자화상(1963-64) - 3840만달러[201] / 붉은색 자화상(1986) - 2750만달러[201] / ''리즈 No. 5 (초기 컬러 리즈)(Liz No. 5 (Early Colored Liz))'' - 2690만달러[202] / 데니스 호퍼가 총탄 2발을 쏘아 구멍을 낸 마오쩌둥 초상화 - 30.25만달러 (워홀과 호퍼의 공동 제작으로 간주됨)[376]
  • 2012년: ''더블 엘비스(페러스 타입)(Double Elvis (Ferus Type))'' - 3700만달러[195][196]
  • 2013년: ''실버 카 크래시 (더블 디재스터)''(1963) - 1.054억달러 (당시 워홀 작품 최고가 기록)[203][204][374] / ''코카콜라 (3)''(1962) - 5730만달러[205]
  • 2014년: ''화이트 마릴린(White Marilyn)''(1962) - 4100만달러[206] / ''트리플 엘비스 (페러스 타입)'' - 8190.000000000001만달러[197] / 말론 브란도를 묘사한 ''포 말론스(Four Marlons)''(1964) - 6959.999999999999만달러[207]
  • 2015년: ''실버 리즈 (연작)(Silver Liz (diptych))''(1963) - 2800만달러[208] / ''컬러 모나리자''(1963) - 5620만달러[209]
  • 2017년: ''큰 캠벨 수프 캔 (오프너 포함) (채소)(Big Campbell's Soup Can With Can Opener (Vegetable))''(1962) - 2750만달러[210] / 억만장자 켄 그리핀이 ''오렌지 마릴린''을 개인적으로 약 2억달러에 구입[211]
  • 2022년: ''실버 리즈 (페러스 타입)(Silver Liz (Ferus Type))'' - 1889.9999999999998만달러 (23억 엔, 일본 경매 사상 최고가)[212] / ''샷 세이지 블루 마릴린''(1964) - 1.95억달러 (경매에서 판매된 미국 미술 작품 중 최고가 기록)[213][375]


슬로바키아 브라티슬라바에 있는 앤디 워홀 동상


부모님의 출신지 미코바 마을 입구에 설치된 표지판


1974년부터 1987년까지 워홀은 맨해튼 레녹스 힐 지역 57 E 66번가에 살았다. 1998년, 이 타운하우스는 문화 유산으로 지정되었다.


워홀은 유언을 통해 가족에게 일부 유산을 남기는 것 외에, 자신의 전 재산을 "시각 예술의 발전"을 위한 재단 설립에 사용하도록 했다.[309][367] 그의 소장품이 방대하여 소더비 경매에서 유산을 처분하는 데 9일이 걸렸고, 경매 수익은 2000만달러를 넘었다.[309] 이에 따라 1987년 앤디 워홀 시각 예술 재단(The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts)이 설립되었다.[310][368] 재단은 워홀의 유산을 관리하며, "혁신적인 예술 표현과 창의적인 과정을 육성"하고 "도전적이고 실험적인 작품을 지원"하는 것을 목표로 한다.[310] 재단은 워홀 작품의 저작권과 상표권을 바탕으로 기업 협업 등을 통해 재원을 마련하고, 시각 예술 연구 및 예술가 지원 활동을 하고 있다.[370] 예술가 권리 협회(Artists Rights Society)는 재단의 미국 내 저작권 대리인이며(워홀 영화 스틸 제외),[311] 영화 스틸의 저작권 대리인은 피츠버그의 워홀 미술관이다.[312] 재단은 또한 이미지 아카이브 계약을 통해 워홀의 디지털 이미지는 브랜디드 엔터테인먼트 네트워크(Corbis)가, 투명 이미지 자료는 Art Resource가 관리하도록 했다.[313] 재단은 회화 및 조각 작품 목록(catalogue raisonné)을 여러 권에 걸쳐 정리하고 있으며,[315] 미국 시각 예술 분야의 주요 지원 기관 중 하나로 남아 있다.[316]

1991년 9월, 워홀의 가족과 슬로바키아 문화부는 그의 부모 출신지인 메질라보르체에 앤디 워홀 현대 미술관(Múzeum moderného umenia Andyho Warhola)을 개관했다(1996년 명칭 변경).[299][371] 이는 1970년대부터 워홀에게 관심을 가진 현지 교사의 조사로 부모의 고향과 친척이 밝혀지고, 워홀 사후 형 존 워홀라가 방문한 것을 계기로 벨벳 혁명 이후 실현되었다. 미술관은 작품 160여 점과 가족 관련 사료를 전시하며, 2001년부터는 프레쇼우 현 정부가 운영한다. 부모의 출신지인 미코바 마을에서는 1992년부터 매년 여름 '앤디 워홀 기념 미코우스키 페스티벌'이 열리고 있다.

1994년 5월, 워홀의 고향인 피츠버그에 앤디 워홀 미술관이 개관했다.[301][372] 카네기 재단 등이 참여하여 설립된 이 미술관은 카네기 박물관의 분관 중 하나이며, 회화, 인쇄물, 영상 등 1만 점 이상의 작품을 소장하여 단일 예술가 미술관으로는 미국 최대 규모이다.[299] 재단은 이 미술관에 3,000점 이상의 작품을 기증했다.[317]

이 외에도 워홀을 기리는 다양한 활동이 이루어졌다.

  • 1992년: 워홀 유산 관리 재단은 몬탁에 있는 15에이커의 토지를 자연 보호 협회에 기증하여 '앤디 워홀 보존 지역'으로 지정되었다.[300]
  • 1998년: 워홀이 거주했던 맨해튼 어퍼 이스트 사이드의 타운하우스(57 E 66th St)가 문화 유산으로 지정되었다.[302]
  • 2002년: 미국 우편국은 워홀의 '자화상, 1964'를 도안으로 한 18센트 기념 우표를 발행했다.[303][304]
  • 2011년: 워홀과 그의 폴라로이드 카메라를 형상화한 크롬 동상이 뉴욕 유니언 스퀘어에 설치되었다.[305]
  • 2012년: 수성의 분화구 하나가 '워홀'로 명명되었다.[306]
  • 2013년: 워홀의 85번째 생일을 기념하여 앤디 워홀 미술관과 EarthCam이 협력하여 그의 묘지를 실시간으로 보여주는 웹캠 프로젝트 ''피그먼트(Figment)''를 시작했다.[307][308]


워홀은 만년에 컴퓨터 아트에도 관심을 가졌으며, 2014년에는 플로피 디스크에 저장된 미발표 디지털 작품 28점이 발견되기도 했다.[377] 또한 그는 수줍음 때문에 공식 석상에 자신을 대신할 로봇 제작을 의뢰하기도 했다. 1960년대에는 대학 영화 상영회 질의응답에 친구를 자신으로 변장시켜 보낸 적도 있다. 1980년대 뉴욕에서 활동한 사진작가 도이 고스케는 파티에서 자주 만난 워홀이 카메라를 들이대면 언제나 기꺼이 포즈를 취해주었다고 회상했다.[378]

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