고전주의 음악
"오늘의AI위키"의 AI를 통해 더욱 풍부하고 폭넓은 지식 경험을 누리세요.
1. 개요
고전주의 음악은 18세기 중반 유럽에서 시작된 음악 양식으로, 형식, 질서, 명확성을 강조하며 단순성을 추구했다. 이는 신고전주의의 영향을 받아 고대 그리스의 이상을 모방하려는 경향과, 뉴턴의 자연 철학 발전에 따른 구조적 명료성에 대한 선호가 반영된 결과이다. 소나타 형식의 발전과 교향곡, 현악 사중주, 협주곡 등의 장르가 이 시기에 확립되었으며, 하이든, 모차르트, 베토벤 등이 주요 작곡가로 활동했다. 고전주의 음악은 19세기 초 낭만주의 음악으로의 전환을 이끌었으며, 20세기 초에는 신고전주의로 계승되었다.
더 읽어볼만한 페이지
- 고전주의 음악 - 갈랑 양식
갈랑 양식은 18세기 음악에서 복잡한 바로크 시대를 벗어나 단순하고 우아한 멜로디, 간결한 화성, 명확한 독주와 반주 구분을 특징으로 하며, 요한 크리스티안 바흐와 텔레만 등이 대표적인 작곡가로 고전주의 음악으로 전환하는 데 기여했다. - 고전주의 음악 - 만하임 악파
만하임 악파는 18세기 중엽 독일 만하임에서 활동하며 관악기 처리, 크레센도 기법, 소나타 형식 발전에 기여하고 클라리넷을 도입하는 등 고전 교향곡 발전에 영향을 미친 음악 유파이다. - 클래식 음악 - 바로크 음악
바로크 음악은 1600년부터 1750년경 유럽에서 번성한 양식으로, 과도한 장식을 뜻하는 용어에서 유래, 이탈리아에서 시작하여 유럽 전역으로 확산, 바흐, 헨델, 비발디 등의 작곡가와 오페라, 협주곡 등의 새로운 형식 발전, 통주저음 사용이 특징이며 현대 음악에도 영향을 주고 있다. - 클래식 음악 - 낭만주의 음악
낭만주의 음악은 18세기 후반 유럽에서 시작되어 자연, 선율, 웅장한 오케스트라를 특징으로 하며, 베토벤, 쇼팽 등이 주요 작곡가이고, 민족주의 음악 발전에 영향을 주어 20세기 근대주의 음악으로 이어진다. - 음악에 관한 - 음악가
음악가는 작곡, 편곡, 연주, 지휘 등 음악 관련 활동을 하는 사람을 통칭하며, 작곡가, 연주자, 가수, 지휘자, 음반 프로듀서 등으로 분류된다. - 음악에 관한 - 합창
합창은 여러 명이 함께 노래하는 음악 형식으로, 작곡가가 가사와 인간 목소리를 고려하여 작곡하며, 서양 음악사에서 중요한 위치를 차지하고, 지휘자의 지휘 아래 여러 성부로 구성되어 악기 반주 또는 아카펠라로 노래하며, 종교 음악과 세속 음악 등 다양한 장르에서 활용된다.
| 고전주의 음악 | |
|---|---|
| 고전주의 음악 | |
 | |
| |
| |
| 시대적 배경 | |
| 시기 | 1730년경 ~ 1820년경 |
| 특징 | |
| 일반적 특징 | 명료함 균형 간결함 형식미 |
| 조성 | 화성적 기능에 의한 조성 체계 확립 |
| 선율 | 짧고 명확한 악구, 대칭적 구조 |
| 리듬 | 규칙적이고 단순한 리듬 |
| 형식 | 소나타 형식 교향곡 협주곡 실내악 발달 |
| 악기 편성 | 관현악 편성 확대, 피아노의 발달 |
| 주요 작곡가 | |
| 음악 형식 | |
| 기악 형식 | 소나타 교향곡 협주곡 현악 사중주 피아노 삼중주 세레나데 디베르티멘토 |
| 성악 형식 | 오페라 미사 오라토리오 가곡 |
| 영향 | |
| 이전 시대 | 바로크 음악 |
| 이후 시대 | 낭만주의 음악 |
2. 용어
"고전"이라는 용어는 서양 문화·예술에 사용되며, 영어의 클래식(classic)의 번역어이다. "계급"을 나타내는 라틴어 "class" (클래스)에서 파생된 classicus (원래 "시민의 6개 계급 중 최상급"을 의미)는 "일류·최고 수준"을 의미한다.[13] 이 용어는 고대 그리스·로마의 뛰어난 저작을 가리키는 말로 오랫동안 사용되었으며, 르네상스의 고전 부흥 혁신 운동에서 고대 그리스·로마의 인간 중심적인 관점과 사고방식을 〈규범으로 삼아야 할 제일급의 걸작〉이라는 의미로 〈classic〉이라고 부른 것에서 시작되었다.[14]
18세기 중엽, 바흐와 헨델에 의해 완성된 바로크 음악 시대에서 하이든과 모차르트에 의해 새로운 정점이 이룩되기까지인 1720년부터 1780년경의 시기는 전고전파 또는 초기 고전파로 불리며 과도적인 성격이 뚜렷하게 나타난다. 이 시기에는 소나타가 교향곡이나 실내악에서 알레그로－안단테－미뉴에트－알레그로의 4악장 구성으로 점차 고정되었다. 제1악장은 소나타 형식의 성장과 함께 비중이 커졌고, 제3악장에는 미뉴에트가 자리 잡았다. 오케스트라 분야에서는 쳄발로가 없어지고 현악기를 주체로 하는 근대적인 2관편성 형식이 형성되었다. 이에 따라 합주 기술, 음량 변화, 악기법 등에서 새로운 표현이 개발되었다. 건반음악에서는 쳄발로나 클라비코드보다 피아노의 사용이 늘었다. 또한 이 시기에는 갈랑 양식(Gallant style), 감정 과다양식, 슈투름 운트 드랑과 같은 새로운 양식들이 나타났으며, 이탈리아, 오스트리아, 만하임, 베를린, 파리, 런던 등에서 널리 발전했다.
고전주의는 고대 그리스·로마의 예술을 규범으로 삼고 조화와 보편성을 지향하는 예술 운동으로, 17세기 무렵부터 문학과 미술에서 시작되었다.[15] 음악에서의 고전파는 고전주의 운동의 직접적인 영향을 받거나 고전을 부흥하려는 의식이 있었던 것은 아니었지만,[15] 거의 동시대 독일 문학에서 괴테를 중심으로 한 고전주의와의 유사성 때문에 명명되었고,[12] 논리적이고 조화로운 형식이 확립되었다는 공통점을 가진다.[15]
3. 역사적 배경
18세기 중반에 유럽은 건축, 문학 및 예술에서 신고전주의로 알려진 새로운 스타일로 나아가기 시작했다.[4] 이 스타일은 고대 그리스의 이상을 모방하려 했다.[5] 고전주의 음악은 형식성과 질서, 위계를 강조하고, 부분 간의 명확한 구분, 더 밝은 대비와 "음색"을 사용하는 "더 명확하고", "깨끗한" 스타일을 사용했다. 바로크 시대의 풍성하게 레이어링된 음악과 달리, 고전주의 음악은 복잡성보다는 단순성을 추구했다. 오케스트라의 규모가 커지면서,[5] 오케스트라는 더 강력한 사운드를 갖게 되었다.
아이작 뉴턴의 고전 역학은 구조가 공리에 잘 기반해야 하며, 잘 표현되고 질서정연해야 한다는 자연 철학 사상의 발전에 영향을 주었다. 이러한 구조적 명료성에 대한 취향은 음악에도 영향을 미쳐, 다성 음악에서 호모포니 스타일로 이동했다.[5] 이러한 움직임은 화음이 단일 파트의 멜로디 부드러움을 방해하더라도 음악의 조성적 구조가 더 잘 들리게 되는 결과를 가져왔다.
18세기가 지나면서 귀족들은 기악 음악의 주요 후원자가 되었고, 대중의 취향은 점점 더 가볍고 재미있는 희극 오페라를 선호했다. 이는 음악 연주 방식의 변화로 이어졌는데, 가장 중요한 것은 표준 기악 그룹으로의 이동과 ''바소 콘티누오''의 중요성이 감소한 것이었다. 1800년까지 바소 콘티누오는 사실상 사라졌다.
경제적 변화는 음악가의 가용성과 품질의 균형을 변화시켰다. 바로크 후기에는 주요 작곡가가 한 마을의 모든 음악적 자원을 활용할 수 있었지만, 귀족 사냥 오두막이나 작은 궁정에서 사용할 수 있는 음악적 전력은 더 작고 능력 수준이 고정되어 있었다. 또한 새로운 음악의 지속적인 공급에 대한 청중의 욕구는 바로크 시대에서 이어졌다. 이는 작품이 기껏해야 한두 번의 리허설로 연주 가능해야 함을 의미했다. 1790년 이후에도 모차르트는 "리허설"에 대해 쓰고 있으며, 이는 그의 콘서트가 단 한 번의 리허설만 있을 것임을 암시한다.
단일 멜로디 라인에 대한 강조가 커지면서, 다이내믹과 프레이징에 대해 해당 라인을 표기하는 데 더 많은 강조가 있었다. 고전 시대에는 작곡가가 트릴이나 턴과 같은 장식을 연주자에게 어디서 연주하고 싶은지 표시하는 것이 더 일반적이었다. 질감의 단순화는 이러한 기악적 세부 사항을 더 중요하게 만들었고, 특징적인 리듬의 사용을 단일 악장의 톤을 설정하고 통일하는 데 더 중요하게 만들었다.
고전 시대는 소나타 형식의 점진적인 발전을 보였다.[6] 소나타는 솔로 및 실내악의 주요 형식이 되었고, 고전 시대 후반에는 현악 사중주가 두드러진 장르가 되었다. 오케스트라를 위한 교향곡 형식은 이 시대에 만들어졌다. 바로크 시대에 매우 인기 있는 형식인 ''합주 협주곡''은 ''솔로 협주곡''으로 대체되기 시작했다. 작곡가들은 특정 솔리스트의 능력에 더 많은 중요성을 두기 시작했다.
찰스 로젠은 저서 ''고전주의 양식''에서 1755년부터 1775년까지 작곡가들이 더 효과적인 드라마성을 추구하는 새로운 양식을 모색했다고 주장한다. 바로크 시대에는 드라마틱한 표현이 개별적인 ''정념''의 묘사로 제한되었다. 작곡가들은 단일 악장이나 등장인물 내에서 여러 감정을 동시적 또는 점진적으로 묘사하고자 했다.[7]
음악적으로 이러한 "드라마틱 액션"은 더 많은 음악적 다양성을 필요로 했다. 바로크 음악은 개별 악장 내에서 매끄러운 흐름과 대체로 균일한 텍스처가 특징이었던 반면, 고 바로크 시대 이후의 작곡가들은 텍스처, 다이내믹, 화성 또는 템포의 갑작스러운 변화로 이러한 흐름을 방해하려 했다. 고 바로크 시대 이후의 양식 발전 중에서 가장 극적인 것은 ''엠핀트자머카이트''였으며, 이 양식의 가장 잘 알려진 실천자는 카를 필립 엠마누엘 바흐였다. 이탈리아 작곡가 도메니코 스카를라티는 이러한 발전을 더욱 발전시켰다. 위대한 고전 작곡가들(하이든, 모차르트, 베토벤)의 뛰어난 업적은 이러한 극적인 놀라움을 논리적으로 동기 부여된 것처럼 보이게 했다.[7]
J. S. 바흐가 사망하고 하이든과 모차르트가 성숙하기까지 (대략 1750–1770년) 작곡가들은 새로운 아이디어들을 실험했다. 요한 크리스티안 바흐는 ''로코코'' 양식을 개발했는데, 이는 더 단순한 텍스처와 화성으로 구성되어 있었다. 카를 필립 엠마누엘 바흐는 드라마를 증가시키려 했고, 빌헬름 프리데만 바흐는 바로크 전통을 관용적이고 인습에 얽매이지 않는 방식으로 확장했다.[8]
처음에는 새로운 양식이 바로크 형식, 즉 3부분 형식의 ''다 카포 아리아'', ''신포니아'' 및 ''협주곡''을 차지했지만, 바로크 시대에 흔했던 즉흥적인 장식이 아닌 더 단순한 파트, 더 많은 표기된 장식, 그리고 곡을 더 강조하여 구획하는 방식으로 작곡되었다. 그러나 시간이 지남에 따라 새로운 미학은 곡을 구성하는 방식에 급격한 변화를 가져왔고, 기본 형식 레이아웃이 변경되었다. 이 시대의 작곡가들은 극적인 효과, 인상적인 멜로디, 더 명확한 텍스처를 추구했다. 텍스처의 큰 변화 중 하나는 호모포니로의 전환이었다.
바로크 음악은 명확한 음악적 구절에 대한 강조가 덜했다. 고전 시대에는 화성이 더 단순해졌다. 그러나 악곡의 구조, 구절, 작은 멜로디 또는 리듬 동기는 바로크 시대보다 훨씬 더 중요해졌다.
크리스토프 빌리발트 글루크는 오페라를 근본적으로 개편하여 많은 레이어링과 즉흥적인 장식을 제거하고 조바꿈과 전환 지점에 집중했다. 그는 화성이 변화하는 이러한 순간에 더 집중함으로써 음악의 감정적 색채에 강력한 드라마틱한 변화를 가능하게 했다. 이러한 전환을 강조하기 위해 그는 기악법(오케스트레이션), 멜로디, 선법의 변화를 사용했다. 가장 성공적인 작곡가 중 한 명인 글루크는 안토니오 살리에리를 포함한 많은 추종자들을 낳았다. 그들의 접근성에 대한 강조는 오페라, 그리고 노래, 오라토리오, 합창과 같은 다른 성악 음악에서 엄청난 성공을 거두었다.
바로크 시대와 고전 시대의 부상 사이의 시기(약 1730년)는 다양한 경쟁적인 음악 양식의 본거지였다. 예술적 경로의 다양성은 요한 세바스찬 바흐의 아들들에게서 나타난다. 음악 문화는 갈림길에 놓여 있었다. 이전 양식의 거장들은 기교를 갖추었지만, 대중은 새로운 것을 갈망했다. 이것이 C. P. E. 바흐가 그렇게 높은 평가를 받은 이유 중 하나이다.
1750년대 후반에는 이탈리아, 빈, 만하임, 파리를 중심으로 새로운 양식이 번성했고, 수십 곡의 교향곡이 작곡되었으며, 음악 극장과 관련된 연주가들이 있었다. 오페라 또는 관현악 반주가 있는 다른 성악 음악이 대부분의 음악 행사의 특징이었으며, 협주곡과 교향곡(서곡에서 비롯됨)은 오페라와 교회 예배를 위한 기악 간주곡 및 소개로 사용되었습니다. 고전 시대 동안 교향곡과 협주곡은 발전하여 성악 음악과 별개로 연주되었다.
관악기를 보충한 현악기로 구성된 "일반적인" 오케스트라 앙상블과 특정 리듬 특성을 가진 악장들은 1750년대 후반에 빈에서 확립되었다. 그러나 곡의 길이와 비중은 여전히 바로크적인 특징을 가지고 설정되었다. 개별 악장은 여전히 하나의 "정서"에 집중하거나, 단 하나의 뚜렷하게 대조되는 중간 부분을 가졌으며, 길이는 바로크 악장보다 크게 길지 않았다. 새로운 양식으로 작곡하는 방법에 대한 명확한 이론은 아직 없었습니다. 획기적인 발전이 있을 때였다.
이 양식의 첫 번째 위대한 거장은 작곡가 요제프 하이든이었다. 1750년대 후반에 그는 교향곡을 작곡하기 시작했고, 1761년에는 '아침', '정오', '저녁'으로 구성된 삼부작을 작곡했다. 악장으로서 그의 작품은 확장되었다. 그는 1760년대에만 40곡 이상의 교향곡을 작곡했다. 그의 명성이 높아짐에 따라 그의 오케스트라가 확장되고 그의 작품이 복사되어 배포되었지만, 그의 목소리는 수많은 목소리 중 하나에 불과했다.
일부 학자들은 하이든이 나중에 모차르트와 베토벤에게 가려졌다고 주장하지만, 하이든은 새로운 양식, 따라서 서양 예술 음악 전체의 미래에 중심적인 역할을 했다. 하이든은 기존의 아이디어를 가져와서 그것들이 작동하는 방식을 근본적으로 바꾸어 "교향곡의 아버지"와 "현악 사중주의 아버지"라는 칭호를 얻었다.
그가 앞으로 나아가도록 이끈 원동력 중 하나는 낭만주의의 시작, 즉 ''질풍노도'' 또는 "폭풍과 긴장" 단계였다. 이에 따라 하이든은 더 극적인 대비와 더 감성적인 멜로디를 원했고, 그의 작품에 특징과 개성을 부여했다. 이 시기는 음악과 문학에서 사라졌지만, 그 이후에 일어난 일에 영향을 미쳤다.
고별 교향곡 F# 단조 45번은 하이든이 새로운 양식의 다양한 요구 사항을 통합한 것을 보여주는 예이다. 1772년에 하이든은 그의 6개의 현악 사중주 세트인 작품 20번을 완성했는데, 여기에서 그는 이전 바로크 시대에서 수집한 대위법 기법을 사용하여 그의 멜로디 아이디어를 결합할 수 있는 구조적 일관성을 제공했다. 어떤 사람들에게 이것은 "성숙한" 고전 양식의 시작을 알리는 것이었다.
"고전"이라는 용어는 서양 문화·예술에 사용되며, 영어의 클래식 (classic)의 번역어이다. "계급"을 나타내는 라틴어 "class" (클래스)의 파생어 classicus ("시민의 6개 계급의 최상급"의 의미)에서 유래하여 원래는 "일류·최고 수준"의 의미였다.[13] 고대 그리스·로마의 뛰어난 저작을 가리키는 말로 오래전부터 사용되었으며, 르네상스의 고전 부흥 혁신 운동에서 고대 그리스·로마의 인간 중심적인 관점과 사고방식을 〈규범으로 삼아야 할 제일급의 걸작〉이라는 의미로 〈classic〉이라고 부른 것에서 시작되었다.[14]
고대 그리스·로마의 예술을 규범으로 삼고, 조화와 보편성을 지향하는 예술 운동인 고전주의는 17세기 무렵부터 문학과 미술에서 시작되었다.[15] 음악에서의 고전파는 직접적으로 고전주의 운동의 영향을 받은 것도 아니고 고전을 부흥하려는 의식이 있었던 것도 아니었으며[15], 거의 동시대의 독일 문학에서의 괴테를 중심으로 한 고전주의와의 유사성에서 명명되었지만[12], 논리적이고 조화로운 형식이 확립된 점은 공통된다.[15]
이 시대 유럽 사회는 절대 왕정으로 상징되는 봉건제에서 근대 민주주의로 이행하는 격동의 시기였다.[15]。 고전파 초기에는 음악가들이 바로크 시대와 마찬가지로 왕후 귀족에게 고용되어 그들을 위해 작곡하고 연주하는 것이 일반적이었다.[15]。 그러나 시민 계급의 대두와 함께, 일반 시민에게 음악을 가르치거나, 악보를 판매하거나, 연주회를 개최하여 정해진 직업 없이 프리랜서 음악가로 생계를 꾸리는 것도 가능해졌다.[15]。
이성을 중시하는 계몽 시대를 배경으로[18], 악곡의 균제감과 합리적인 전개가 중시되었고, 소나타 형식이 발전했다. 17세기에 성립된 기능 화성 및 조성에 의한 기능 화성적 조성은 18세기에는 중심적인 어법이 되었고, 으뜸음조와 가까운 조 사이의 전조가 가져다주는 긴장-이완이라는 조 관계는 악곡 구성의 기본이 되었지만[16], 하나의 주 멜로디와 충족된 화성이라는 호모포니에 의한 작곡이 주류가 된 것과 아마추어 연주가가 증가하여 즉흥 능력이 전체적으로 감퇴한 것에 의해 통주 저음은 폐지되었다[17]。 이 시대의 대표적인 악곡 형식으로, 앞서 언급한 소나타 형식을 포함하는 교향곡과 협주곡, 피아노 소나타와 현악 사중주 등이 활발히 작곡되었다[12]。
고전파 음악의 성기는 바로크 음악과 낭만주의 음악 사이에 위치하지만, 실제로는 고전파 음악의 시작은 바로크 음악의 종말과, 고전파 음악의 끝은 낭만주의 음악의 발흥과 병행하고 있다. 고전파의 흐름은 1730년경 프랑스의 갤런트 양식에서 시작하지만[18], 바로크 음악을 대표하는 요한 제바스티안 바흐와 게오르크 프리드리히 헨델은 아직 생존해 활동하고 있었다.[18]。 또한, 루트비히 판 베토벤의 죽음(1827년)을 고전파의 종말로 보는 견해도 있지만[18], 낭만파로 여겨지는 프란츠 슈베르트와 카를 마리아 폰 베버도 거의 같은 시기에 사망했다.[18]。
고전파 음악의 시대 구분에 대해서는 여러 설이 있지만, 다음과 같이 분류하는 예가 있다.[19]
전고전파는 바로크 후기와 하이든, 모차르트 등으로 대표되는, 이른바 '고전파' 사이에 위치하며, 그 양쪽 모두와 겹치는 18세기 중엽의 음악 활동을 총괄적으로 지칭하는 말이다.[24] 갤런트 양식, 감정 과다 양식, [https://kotobank.jp/word/%E3%83%99%E3%83%AB%E3%83%AA%E3%83%B3%E6%A5%BD%E6%B4%BE-130858 베를린 악파], 만하임 악파, 글루크의 오페라 등, 빈 고전파를 준비하는 역사적 위치에 있는 양식, 악파, 작곡가가 있으며, 이들이 전고전파에 포함된다.[25]
여기에서는 갤런트 양식의 탄생을 출발점으로 하여, 경우에 따라 일반적으로 바로크로 간주되는 작곡가도 포함하여, 빈 고전파에 이르는 흐름을 묘사하고자 한다. 개요에 있는 구분으로 말하자면, '전고전파, 갤런트 양식'과 '초기 고전파, 감정 과다 양식'에 걸쳐 있는 시기이다.
유럽 각국의 궁정에서는 17세기 중엽 이후 프랑스 취미가 유행하여 각 궁정의 건축, 정원, 의상, 머리 모양, 가발 형태, 몸가짐 및 오락 등을 변화시켰다.[26] 각국에서는 15세기 후반부터 16세기 말까지 이탈리아 취미가 유행했고, 그것이 사라진 것은 아니었지만, 프랑스는 루이 14세 이래 모범적인 궁정과 파리라는 모범적인 도시를 갖추고, 과학, 문예, 철학에서 유럽 정신의 엘리트적인 존재가 되었다.[27] 베르사유 궁전을 본뜬 건조물이 각지에 조성되었으며[28], 그곳에서는 사람들이 프랑스어를 사용하고, 프랑스풍 의상을 입고, 프랑스 작가, 파리에서 온 서신, "문예 통신"을 읽고, 철학자, 예술가, 요리사, 양복점을 프랑스에서 초빙했다.[27]
궁정 문화는 기본적으로 스펙터클의 문화이며, 학문이나 문예의 "문자의 문화"와 오랫동안 대립 관계에 있었지만, 17세기 말부터 18세기 초에 걸쳐 살롱과 아카데미라는 병행된 활동 덕분에 대립이 해소되기 시작했다.[29] 이들 조직에서는 궁정 사람들이 학자와 만나고, 과학과 고증의 문화가 시각적·문학적인 문화와 공존할 수 있었다.[29] 거기서 사전과 백과사전, 업적을 이해시키기 위한 연설, 학문의 요약과 발췌를 게재하는 정기 간행물의 유행이 생겨났고, 계몽적인 단편 작품이 이를 보충했다.[29] 이렇게 탄생한 엘리트 문화는 18세기에 개화하여 프리메이슨과 결합하여 유럽 전역으로 퍼져 1820년대까지 존속했다.[29]
나폴리 학파의 오페라는 결국 아리아에서의 성악 기교 과시에 빠져, 극과 음악의 관련성이 사라지는 경우마저 생겨났다[47]。 프랑스 궁정의 오페라에 대해서도, 비현실적인 주제나 양식화된 무대에 불만을 품는 사람들이 나타났다[47]。 이리하여 18세기 중엽, 각국에 오페라 부파(이탈리아), 오페라 코미크(프랑스), 징슈필(독일), 발라드 오페라(영국), 토나디야(스페인)가 나타난다[47]。 이들은 모두 소재와 음악 모두 가볍고, 젠체하는 면이나 특별한 교양 없이 즐길 수 있는 것이었으며, 오페라 부파를 제외하고, 노래 사이를 레치타티보가 아닌 일상어의 대사로 연결하는 것을 원칙으로 했다[47]。
이러한 가운데, 말로 전달되는 오페라의 의미나 내용, 감정을 음악으로도 표현한다는 오페라 본래의 목적을 회복하려 하고, 한편으로는 새로운 양식의 개발에 힘썼던 크리스토프 빌리발트 글루크는, 시인 카르차비지를 만나 이상적인 대본을 제공받을 수 있었고, 62년에 빈에서 초연된 "오르페오와 에우리디체"에서 그 이상을 실현하여, 초연되자마자 대성공을 거두었다[53]。
글루크가 시작한 오페라 개혁에 대해, 맹렬히 반론하는 움직임이 생겨, 1774~81년에는 파리에서 글루크 지지파와 나폴리 출신의 니콜로 피치니를 옹호하는 그룹 사이에서 전면적인 논쟁이 펼쳐졌다.[53]。 하지만, 경연에서 글루크가 승리했고, 그에 의해 확립된 다양한 원칙은, 모차르트, 케루비니, 베토벤, 바그너 등 후세의 많은 작곡가들에게 영향을 미치게 되었다[53]。
18세기 중반에는 프랑스에서 "왕의 24 바이올린(Les Vingt-quatre Violons du Roi)"이 1761년에 재정상의 이유로 해체되었고[55], 오스트리아에서는 마리아 테레지아가 국력 충실을 위한 철저한 경비 절감의 일환으로 오페라와 오라토리오의 대규모 상연을 금지하여[56], 예산이 대폭 삭감되면서 궁정 악단의 인원이 대폭 감소했다[57][58]는 등, 대국에서의 궁정 음악 축소가 잇따랐다. 한편, 1765년 바흐-아벨 연주회의 발족이나 콩세르 스피리튀엘의 융성 등, 궁정 밖에서의 음악 활동 확대가 시작되었으며, 음악의 주체가 시민으로 옮겨가고 있었음을 보여준다. 프랑스에서는 이윽고 혁명으로 궁정 문화가 종말을 맞이하지만, 독일과 오스트리아에서는 반세기 정도 상황이 늦어지면서, 궁정과 교회에 보호받는 음악은 아직 성행했다[59]。
18세기 말 이후, 프랑스 혁명과 그 후의 나폴레옹 전쟁으로 유럽 각지에서 귀족 사회가 붕괴되었고[61], 독일에서는 많은 궁정이 폐쇄되어 거기에 고용되었던 음악가들은 거리로 내몰리게 되었다[62]。그러나 오스트리아 제국의 수도 빈에서는 나폴레옹에 포위되는 등 위기적인 상황이었지만, 하이든과 베토벤이 귀족 문화의 마지막 화려함을 구가했다[62]。
오스트리아 관련해서는, 1780년에 마리아 테레지아가 사망하고, 요제프 2세의 단독 통치가 시작되었다[63]。 이듬해인 1781년에는 요제프 2세의 계몽 전제주의에 기초한 적극적인 근대화 정책 (종교 관용령・[https://www.y-history.net/appendix/wh1001-143_2.html 농노 해방령]・언어 통일령・상공업의 보호 등)이 발표되었지만, 성직자나 귀족의 저항이 강했고, 90년에 요제프 2세가 급사한 일도 있어 개혁은 정체되었다[64]。 뒤를 이은 레오폴트 2세는 반혁명 입장을 내세우고, 92년에 프랑스 혁명 정부와 전쟁을 벌이게 되었다[64]。 프랑스 혁명군과의 전쟁은 처음에는 우세했지만, 프랑스 국민군의 편제・나폴레옹의 등장・이탈리아 원정군에의 패배・나폴레옹 전쟁・[https://www.y-history.net/appendix/wh1103_2-004.html#wh1103_2-020 나폴레옹의 황제 즉위]・아우스터리츠 전투에서의 패배로 사태가 진행되면서[64], 빈은 여러 차례 프랑스군에게 위협을 받았고, 귀족 계급의 피난과 몰락이 두드러지게 되었다[78]。 1806년의 라인 동맹 결성으로 프란츠 2세가 신성 로마 황제를 퇴위하고, 신성 로마 제국은 소멸했다[64]。 1809년에는 빈이 나폴레옹에게 점령되는 사태가 발생했다[65]。 1812년에 나폴레옹은 러시아 원정에서 대패했고, 1814~15년의 빈 회의에서 오스트리아의 메테르니히의 주도로 빈 체제가 탄생했지만, 반동적인 체제였고, 수많은 반발을 낳게 되었다[66]。 모차르트의 빈 도착 (1781년)부터 베토벤의 중기 말 (1815년)까지는 이러한 격동의 시대였다.
빈 고전파에 이르러 소나타 형식은 3부분 구성으로 자리 잡았으며, 선율 소재의 성격이 더욱 강조되고, 선율과 조(調) 사이의 긴밀한 관계가 더욱 중요하게 여겨지게 되었다.[51] 제1 부분에서는 성격이 뚜렷하게 다른 두 개의 주제군이 나타나는데, 하나는 으뜸조(主調)로 힘차고 적극적인 성격을 띠고(제1 주제), 다른 하나는 딸림조(屬調)로 더욱 서정적인 성격을 띤다(제2 주제)
4. 주요 특징
고전주의 음악은 바로크 음악의 화려함과 복잡함에서 벗어나, 간결하고 명확한 구조와 균형미를 추구했다. 주요 특징은 다음과 같다.
- 기능 화성 확립: 주요 3화음을 중심으로 하는 기능 화성이 확립되어, 곡의 조성적 안정감과 통일성을 높였다.
- 호모포니 중심 짜임새: 바로크 시대의 다성 음악(폴리포니)과 달리, 주선율과 이를 뒷받침하는 화음 반주로 이루어진 호모포니 양식이 주를 이루었다. 이는 알베르티 베이스와 같은 분산 화음 반주 형태에서 잘 드러난다.
- 명확한 악곡 구조: 소나타 형식을 비롯한 명확한 형식이 사용되어, 각 부분의 기능과 역할이 분명하게 구분되었다. 특히 제1주제와 제2주제의 조성적, 성격적 대비가 두드러졌다.
- 주제 가공 기법 발전: 주제 재료를 유기적으로 전개하는 주제노작 원리가 확립되어, 곡 전체의 통일성과 응집력을 높였다.
- 오케스트라 편성 변화: 쳄발로가 오케스트라에서 사라지고, 현악기를 중심으로 하는 근대적인 2관 편성이 확립되었다. 클라리넷을 비롯한 목관악기 군이 독립된 섹션으로 편성되어 음색의 다양성이 증대되었다.
- 피아노 부상: 건반악기 분야에서는 쳄발로나 클라비코드보다 피아노의 사용이 늘어났다.
이러한 특징들은 이탈리아의 오페라와 기악 음악, 영국의 헨델의 작품, 그리고 빈을 중심으로 활동한 하이든, 모차르트, 베토벤의 작품에서 잘 나타난다.
크리스토프 빌리발트 글루크는 가수 중심의 오페라에서 벗어나 음악과 극의 조화를 추구하는 오페라 개혁을 시도하여, 후대 작곡가들에게 큰 영향을 미쳤다.
고전주의 음악은 갈랑 양식, 감정과다 양식, 슈투름 운트 드랑 등 다양한 양식을 포괄하며 발전했다. 이러한 양식들은 이탈리아, 오스트리아, 만하임, 베를린, 파리, 런던 등 유럽 각지에서 나타났다.
협주곡은 리토르넬로 형식이 점차 소나타 형식으로 대체되고, 반주 악기 편성이 확대되는 변화를 겪었다. 바로크 시대의 합주 협주곡 대신 독주 악기 중심의 솔로 협주곡이 인기를 얻었다.
실내악은 바로크 시대의 트리오 소나타 중심에서 현악 사중주 중심으로 변화했다. 하이든에 의해 확립된 현악 사중주는 모차르트와 베토벤에 의해 예술적 정점에 도달했다.
4. 1. 소나타 형식
소나타 형식은 소나타의 제1악장에서 발전해온 형식으로[50], 소나타를 비롯하여 교향곡, 협주곡, 실내악 등 기악곡의 제1악장에서 폭넓게 사용되었다[48]。 바로크 시대의 무곡에 많이 나타났던, 양 부분이 반복되는 이부 형식 (｜으뜸음조―딸림음조｜딸림음조―으뜸음조｜)에서 기원한다[43]。 전 고전파 초기에는 이와 유사하게 균등한 규모의 두 부분으로 구성되었고, 선율은 1~2개의 동기 또는 주제로 이루어져 있었다[51]。 시간이 지나면서 딸림음조가 아닌 나란한조가 더 선호되었다[48]。전체적으로 규모가 커지면서 으뜸음조에서 대립조로의 조바꿈이 복잡해지고, 동기를 넣어 나타내면 (｜A 으뜸음조―α조적 이행―B 대립조｜A 대립조―β전조―B 으뜸음조｜)라는 형태(D. 스카를라티 등)가 되었다. 더 나아가 3부분 구조나 주제 회귀를 갖는 론도 형식이나 리토르넬로 형식의 영향을 받아 (｜A 으뜸음조―α조적 이행―B 대립조｜｛A 대립조―β전조｝―｛A 으뜸음조―B 으뜸음조｝｜)라는 형태(C.P.E. 바흐의 건반 소나타와 만하임 악파 및 빈 전 고전파의 교향곡 등)로 발전하였다[43]。
선율 소재를 주제로서 통일성을 갖도록 노력했고, 결국 복수 주제(제1주제와 제2주제)의 형태를 띠기 시작했다[43]。 B부분에 작은 종지를 도입하여 선율적인 통일성을 부여하거나, 제2주제와 작은 종지 사이에 또 다른 선율 소재를 도입하기도 하였는데, 이는 제3주제의 맹아 또는 다소재화 경향으로 볼 수 있다[43]。
이처럼 성기 고전파 소나타 형식에 나타나는 재료가 모두 갖춰졌지만, 이를 모두 겸비한 작곡가는 18세기 중반에는 없었다. 1770~80년대 하이든, 모차르트, C.P.E. 바흐, J.C. 바흐에 이르러 소나타 형식은 고전적 완성을 이루었다는 것이 많은 연구자들의 의견이다[43]。
전 고전파 소나타 작곡가로는 삼마르티니, 알베르티, 보케리니, D. 스카를라티, 솔레르, 바겐자일, J. 슈타미츠, W.F. 바흐, C.P.E. 바흐, 뮈텔, 쇼베르트, J.C. 바흐, 클레멘티가 유명하다[52]。
이 중 특히 주목할 만한 인물은 다음과 같다.
- 도메니코 알베르티(1710/17~49) 베네치아 출생[80]。 귀족 출신 아마추어 음악가로 로티에게 배웠다[80]。 약 40곡의 쳄발로 소나타를 통해[80] 전기 고전파 이탈리아 소나타의 정형을 만들었다[69]。 쳄발로 소나타에 자주 사용된 왼손 분산 화음은 "알베르티 베이스"라는 이름으로 불린다[80]。
- 요한 쇼베르트(1720/40~67) 독일 출생, 파리에서 활동[80]。 초기 고전파 음악의 갈랑 양식에 의한 협주곡・실내악을 남겼다[69]。 전 고전파 클라비어 소나타 형성에 기여했으며, 소년 모차르트에게 큰 영향을 주었다[80]。
- 요한 고트프리트 뮈텔(1728~88) 대 바흐의 마지막 제자[69]。 하세, C.P.E. 바흐, 텔레만에게도 배웠다[80]。 리가의 오르가니스트 등을 맡았으며, 전기 고전파 양식의 쳄발로 곡을 남겼다[69]。 음악상의 "슈투름 운트 드랑"을 대표하는 작곡가로 여겨진다[80]。
- 안토니오 솔레르(1729~83) 카탈루냐 출생[80]。 마드리드에서 D. 스카를라티에게 배우고, 그의 쳄발로 소나타 양식에 큰 영향을 받았다[69]。 에스코바르 수도원의 승려로, 오르가니스트와 합창장을 맡아 오르간곡, 쳄발로곡을 남겼다[69]。 마르티니와 서신 왕래를 하기도 했다[80]。
5. 주요 작곡가
고전주의 음악은 주로 기악 분야에서 발전했으며, 소나타는 교향곡이나 실내악에서 4악장 구성으로 점차 고정되었다. 제1악장은 소나타 형식의 성장과 함께 비중이 커졌고, 제3악장에는 미뉴에트가 자리 잡았다. 쳄발로가 없어지고 현악기를 중심으로 하는 근대적인 2관 편성이 형성되었으며, 건반 음악에서는 피아노의 사용이 늘었다.
고전주의 음악을 형성하는 세 가지 기본적 표현 양식은 갈랑 양식, 감정 과다 양식, 슈투름 운트 드랑이다. 이러한 새로운 양식은 이탈리아, 오스트리아, 만하임, 베를린, 파리, 런던 등에서 널리 발전했다.
전고전파의 업적을 바탕으로 빈을 중심으로 하이든, 모차르트, 베토벤에 의해 고전주의 음악이 절정을 이루었다. 주요 3화음을 중심으로 하는 기능 화성의 확립, 소나타 형식에서 두 주제의 대비, 주제노작 원리의 확립, 2관 편성에 의한 오케스트레이션의 완성이 특징이다. 교향곡 외에 협주곡, 실내악도 크게 발전했다.
새로운 고전파 양식의 주요 특징으로는 이탈리아의 오페라, 오페라 심포니아, 합주곡 및 클라비어 음악을 들 수 있다. 욤멜리는 오페라의 표정 풍부한 성악 양식을 관현악에 사용했고, 페르골레시는 부드러운 선율법을, 사마르티니는 소나타 형식에서 두 주제의 대조성을 부여했다.
오스트리아는 하이든과 모차르트와 밀접한 관계를 맺으며, 몬은 미뉴에트를 포함한 4악장 교향곡을 작곡했고, 바겐자일, 가스만 등도 교향곡 발전에 기여했다. 만하임 악파도 활동했다.
북부 독일 악파는 프리드리히 대왕의 궁정을 중심으로 활약했다. 칼 필립 엠마누엘 바흐는 클라비어 음악을 작곡했고, 쿠반츠, 그라운 형제 등도 기악곡 분야에서 활동했다. 슐츠, 라이하르트, 첼터는 피아노 반주 가곡을 작곡했다.
프랑스에서는 슈타미츠의 교향곡이 연주되었고, 고세크도 활동했다. 런던에서는 요한 크리스티안 바흐가 클라비어 음악과 교향곡의 대표적인 작곡가였으며, 아벨도 바흐-아벨 연주회로 알려져 있다.
헨델은 영국에서 이탈리아 오페라 대표자로 활동했지만, 기존 형식을 활용하여 정점을 쌓았다. 그의 오페라는 아리아에서 각 기분을 묘사하고, 이탈리아풍 벨칸토 양식과 독일풍 내면 묘사를 결합했다. 18세기 이탈리아에서는 나폴리파가 오페라 전성기를 맞았고, 레치타티보와 아리아 스타일이 분리되었다. 크리스토프 빌리발트 글루크는 음악은 시를 따라야 한다고 주장하며, 가수의 기교 과시를 배제하고 극적 효과를 높이려 했다.
베를린 가곡 악파는 크라우제의 <송가와 멜로디>로 시작되었다. 크반츠, 엠마누엘 바흐 등이 있었고, 크라우제는 민요를 바탕으로 한 리트 창작을 주장했다. 제2기 베를린 악파에서는 슐츠, 요한 프레데릭 라이히아르트, 첼터 등이 대표적이며, 크로프슈토크, 괴테, 실러 등의 시에 곡을 붙였다.
실내악은 통주저음 양식이 쇠퇴하면서 트리오 소나타에서 현악 4중주로 중심이 바뀌었다. 이 형식은 하이든에 의해 확립되었다. 모차르트는 현악 5중주나 피아노를 포함한 중주에서 독특한 형태를 보였다. 베토벤은 후기 현악 4중주곡에 변주곡, 푸가, 코랄 수법까지 흡수하여 형식적 통일을 꾀하고, 깊은 주관적 세계에 이르렀다.
5. 1. 요제프 하이든 (1732-1809)
요제프 하이든은 18세기 후반 빈 고전파의 중심 인물 중 한 명으로, 주로 교향곡과 현악 사중주 등 기악 형식의 완성에 공헌하였다. 만년에는 2개의 오라토리오와 미사곡에서도 뛰어난 업적을 남겼다.[69]하이든은 1750년대 후반부터 교향곡을 작곡하기 시작했다. 1761년에는 당시 유행하던 방식으로 '아침', '정오', '저녁'으로 구성된 삼부작을 작곡했다. 부악장을 거쳐 악장으로 재직하며 작품 활동을 넓혔고, 1760년대에만 40곡 이상의 교향곡을 작곡했다. 그의 명성이 높아짐에 따라 오케스트라도 확장되고 작품이 복사, 배포되었으나, 그의 영향력은 당대 여러 작곡가 중 하나에 불과했다.[71]
하이든은 100곡 이상의 교향곡을 작곡하여 장르를 성숙시켰고,[71] 교향곡의 지위를 확고하게 했다.[72] 1760~70년대에 걸쳐 교향곡에 미뉴에트를 도입하여 4악장 구성을 전형으로 만들었고, 제1악장 시작 부분에 완만한 서주를 두는 경우가 많았다.[72] 1793~95년에 작곡한 런던 세트의 마지막 6개 교향곡에서는 플루트, 오보에, 클라리넷, 바순, 호른, 트럼펫 각 2개, 팀파니와 5부 현악 합주를 편성하여 교향곡의 고전적 편성, 즉 2관 편성을 완성했다.[72] 이 때문에 "교향곡의 아버지"로 불린다.[72] 또한 68곡의 현악 사중주로 이 장르의 선구자가 되었다.[73]
하이든은 성 슈테판 대성당의 소년 합창단에서 음악을 배웠고, 작센 선제후의 궁정 악장을 지낸 니콜라 포르포라에게 가르침을 받았다.[69] 보헤미아의 모르친 백작의 악장을 거쳐, 1761년에 에스테르하지 후작의 부악장, 1766년에 악장이 되어 이후 25년간 재직했다.[69] 1779년 계약에 따라 자신의 작품을 악보 출판업자에게 판매할 자유를 얻었는데, 이는 당시로서는 놀라운 대우였다.[70] 이 덕분에 하이든의 작품은 널리 알려졌고, 명성은 유럽 전역으로 퍼져나갔다.[70] 1790년 후작 사망으로 악단이 해산되자 오히려 자유롭게 작곡할 수 있게 되었고, 잘로몬 콘서트를 위해 두 차례 영국을 방문하여 큰 성공을 거두었다.[69]
하이든의 작품은 방대하지만 유형에 빠지지 않고 독자성을 유지한다.[70] 단순한 멜로디나 주제를 예상치 못한 형태로 복잡하게 발전시키는 혁신적인 수법을 사용했다.[70] 예상을 뒤엎는 전개, 유머러스한 효과, 민요풍 멜로디를 선호하는 것이 특징이다.[70] 에스테르하지 가문의 궁정 악장을 오래 역임했지만, 악보 출판과 신작 콘서트를 통해 귀족 사회 음악가에서 근대 시민 사회 음악가로 변모했다.[74]
일부 학자들은 하이든이 모차르트와 베토벤에게 가려졌다고 주장하지만, 그가 새로운 양식과 서양 예술 음악의 미래에 중심적인 역할을 했다는 점은 과장하기 어렵다. 당시 모차르트나 베토벤만큼 명성이 높지 않았고, 요한 제바스티안 바흐는 주로 건반 음악 전문가들에게 알려졌을 때, 하이든은 바로크 시대 게오르크 프리드리히 헨델을 제외하면 모든 작곡가보다 높은 음악적 위치에 있었다. 그는 기존 아이디어를 근본적으로 바꾸어 "교향곡의 아버지", "현악 사중주의 아버지"라는 칭호를 얻었다.
하이든의 원동력 중 하나는 낭만주의의 시작, 즉 예술에서 명확하고 극적인 감정주의를 선호하는 짧은 시기인 ''질풍노도''(폭풍과 긴장)였다. 그는 더 극적인 대비와 감성적인 멜로디를 추구하며 작품에 특징과 개성을 부여했다.
고별 교향곡 F# 단조 45번은 하이든이 새로운 양식의 요구 사항을 통합한 예시로, 놀라운 급전환과 긴 느린 아다지오로 마무리되는 것이 특징이다. 1772년 완성된 6개의 현악 사중주 세트 작품 20번에서는 이전 바로크 시대의 대위법 기법을 사용하여 멜로디 아이디어를 결합, 구조적 일관성을 제공했다. 이는 "성숙한" 고전 양식의 시작을 알리는 것으로, 후기 바로크의 복잡성에 대한 반발이 바로크와 고전적 요소의 통합으로 이어지는 과도기였다.
5. 2. 볼프강 아마데우스 모차르트 (1756-1791)
볼프강 아마데우스 모차르트는 요제프 하이든보다 24세나 젊었지만, 하이든과 대등한 위치에서 서로 영향을 주고받았다. 모차르트는 교향곡, 현악 사중주 등 순수 기악곡뿐만 아니라 기악, 성악, 종교, 세속 등 모든 분야에서 뛰어난 작품을 남겼다. 그는 천재적인 피아니스트였기 때문에 피아노 분야에서 작곡을 시작하여 평생 피아노를 사랑했다. 당시 클라비어는 구식 건반 악기에서 새로운 피아노로 넘어가는 과도기였는데, 모차르트는 갤런트 양식부터 베토벤적인 강력한 에너지를 담은 작품까지 폭넓은 표현을 개척했다.
당시 왕후 귀족의 오락으로 인기가 있었던 세레나데나 디베르티멘토와 같은 기회 음악에서도 훌륭한 작품을 남겼다. 하이든이 추구했던 교향곡이나 실내악과 같은 순수 기악 분야에서도 중요한 업적을 남겼다. 모차르트는 형식 면에서 혁명가는 아니었지만, 특히 빈 시대의 6곡, 그 중에서도 마지막 3대 교향곡(제39, 40, 41번 <주피터>)에서 고전 교향곡의 완성을 이끌어 베토벤의 길을 열었다.
모차르트의 다양한 재능이 발휘된 분야는 오페라였다. 빈에 정착한 후 작곡한 <후궁으로부터의 도주>에서 <마술 피리>에 이르는 오페라 부파와 징슈필에서 폭넓은 인간 표현과 깊이 있는 독자적인 표현을 확립했다.
예술 세계의 창조자는 형식이나 어법에서 새로운 경지를 개척하는 혁명가와 이러한 형식, 어법을 적용하고 순응하는 데서 독창적인 정력을 발휘하는 두 가지 유형이 있다. 18세기 고전파의 쌍벽인 하이든이 전자에 속한다면 모차르트는 후자의 전형이라고 할 수 있다.
모차르트는 하이든의 아이디어에 자신의 천재성을 더하여 오페라와 비르투오소 협주곡에 적용했다. 하이든이 평생 궁정 작곡가로 보낸 반면, 모차르트는 도시의 콘서트 생활에서 대중을 위해 연주하며 성공을 원했다. 그래서 오페라를 쓰고 비르투오소 작품을 쓰고 연주해야 했다. 하이든은 국제적인 순회 수준의 비르투오소는 아니었고, 많은 청중 앞에서 여러 밤 동안 연주할 수 있는 오페라 작품을 만들려고 하지도 않았다. 모차르트는 이 두 가지를 모두 달성하고자 했다.
모차르트는 더 많은 반음계 화음(그리고 더 큰 화성 언어의 대비), 하나의 작품에서 많은 멜로디를 만드는 것, 음악에서 더 이탈리아적인 감성을 추구했다. 그는 하이든의 음악과 요한 제바스티안 바흐의 대위법 연구에서 자신의 예술적 재능을 단련하고 풍요롭게 할 수단을 찾았다.
모차르트는 하이든의 주목을 받았고, 하이든은 이 새로운 작곡가를 환영하고 그의 작품을 연구했으며, 젊은이를 음악에서 자신의 유일한 진정한 동료로 여겼다. 모차르트에게서 하이든은 더 넓은 범위의 악기 구성, 극적인 효과 및 멜로디 자원을 발견했다. 이러한 학습 관계는 양방향으로 이루어졌다. 모차르트 또한 나이가 많고 경험이 풍부한 작곡가에 대해 큰 존경심을 가지고 있었고, 그에게서 배우려고 노력했다.
1780년 모차르트가 비엔나에 도착하면서 고전주의 스타일의 발전이 가속화되었다. 그곳에서 모차르트는 지난 20년 동안 끓어오르던 이탈리아식 화려함과 게르만식 응집력의 융합을 흡수했다. 화려한 광채, 리듬감 있는 복잡한 멜로디와 악구, 긴 칸틸레나 멜로디, 그리고 비르투오소 기교에 대한 그의 취향은 형식적인 일관성과 내부적인 연결성에 대한 감상과 결합되었다.[40] 이때 전쟁과 경제 인플레이션으로 인해 대규모 오케스트라 추세가 중단되었고 많은 극장 오케스트라가 해산되거나 축소되었다. 이것은 고전주의 스타일을 안으로 압박했다. 즉, 더 큰 앙상블과 기술적인 도전을 추구하는 방향으로 나아갔다. 예를 들어 멜로디를 목관 악기에 분산시키거나 3도 화음으로 조화된 멜로디를 사용하는 것이다. 이러한 과정은 실내악이라고 하는 소규모 앙상블 음악에 프리미엄을 부여했다. 또한 더 많은 공개 공연 추세로 이어져 현악 4중주 및 기타 소규모 앙상블 그룹에 더욱 활력을 불어넣었다.
1780년대 대중의 취향은 하인과 모차르트가 높은 수준의 작곡에 도달했다는 것을 점점 더 인식하기 시작했다. 1781년 25세의 모차르트가 도착했을 때, 비엔나의 지배적인 스타일은 1750년대 초의 초기 고전주의 스타일의 출현과 분명하게 연결되었다. 1780년대 말까지 연주 관행의 변화, 기악과 성악 음악의 상대적 지위, 음악가에 대한 기술적 요구, 그리고 양식적 통일성이 모차르트와 하이든을 모방한 작곡가들 사이에서 확립되었다. 이 10년 동안 모차르트는 그의 가장 유명한 오페라, 장르를 재정의하는 데 기여한 그의 6개의 후기 교향곡, 그리고 이 형식의 정점에 있는 일련의 피아노 협주곡을 작곡했다.
5. 3. 루트비히 판 베토벤 (1770-1827)
베토벤(1770~1827)은 플랑드르 출신으로, 동명의 조부가 본으로 이주하여 쾰른 선제후의 궁정 악장을 역임했고, 아버지도 같은 지역의 궁정 가수였다.[69] 아버지는 아들을 위대한 음악가로 만들려고 어릴 때부터 혹독한 피아노 연습을 시켰다.[69] 베토벤은 14세에 궁정 오르가니스트로 채용되었고,[69] 1781년부터 궁정 오르가니스트인 크리스티안 고틀로프 네페(1748~1798)에게 사사했으며,[75] 이때부터 작곡도 시작했다.[69] 1787년에 한 번 빈을 방문하여 모차르트를 만났다.[69] 그 후 브로이닝 가문의 후원을 받아 본 대학교 청강생이 되는 등 프랑스 혁명의 기운을 느끼며 자유에 대한 동경을 마음에 새겼다고 한다.[69] 1792년에 페르디난트 폰 발트슈타인 백작이 후원자가 되어 빈으로 갔고,[69]하이든[69]과 슈테판 대성당 악장이었던 요한 게오르크 알브레히츠베르거(1736~1809),[69] 그리고 쉥크[75]와 살리에리에게[69] 작곡을 배웠다.
빈에서는 페르디난트 폰 발트슈타인 백작의 소개로 사교계에 쉽게 데뷔했고,[75] 여러 명의 후원자를 얻었다.[69] 피아노 연주자로서 성공했으며, 여러 악보 출판업자와 계약하여 그 조건도 해마다 유리해져, 프리랜서 음악가로서 충분히 생활할 수 있었다.[70] 오늘날 가장 유명한 베토벤의 작품은 1803~1812년의 10년 동안 쓰여졌지만,[70] 바로 그 무렵 청각 장애가 악화되어 1814년을 마지막으로 공개 연주회를 열지 않게 되었고,[70] 1818년에는 필담 수첩을 사용하지 않으면 안 되었으며, 1824년의 교향곡 9번 초연 때는 청중의 갈채에도 알아차리지 못했다고 한다.[75] 교제하는 상대는 극히 제한적으로 변해갔다.[70] 그러나 명성은 여전히 높았고, 만년의 병상에는 문병품과 편지가 산더미처럼 쏟아졌다.[70] 장례 행렬은 수만 명의 시민이 지켜봤다.[70]
초기에는 고전파 선배들의 영향을 강하게 받았으며,[69] 빈에서는 C.P.E. 바흐의 감정 과잉 양식과 빈 청중에게는 너무 세련되었던 모차르트의 양식의 중간적인 작풍을 취했다.[70] 중기에는 그 관심이 하이든과 모차르트가 남긴 표현 기법을 세련시키는 데로 향했고,[70] 선배 두 사람이 완성한 고전파 양식을 최고의 경지로 세련시키면서[78], 대담한 기법으로 정열적이고 힘찬 표현을 획득하여, 다가올 낭만주의 음악의 선구자가 되었다.[69] 후기에는 나폴레옹 몰락과 반동 체제의 시대에 자기 자신에 대한 침잠과 인류적 이상에 대한 희구,[69] 개별 작품의 경이로운 독자적인 개성에 이르렀다.[70]
베토벤은 교회나 귀족의 주문에 따라 음악을 쓰는 것이 아니라 자신의 창작 의욕에 따라 작곡을 했고,[79] 자작품 출판에 의한 수익을 경제적 생활 기반으로 삼았으며, 음악사상 처음으로 〈자율적인 음악가〉라고 불렸다.[78] 그 때문에 낭만주의가 이상으로 삼았던 영웅적인 예술가상을 체현한 음악가로서, 19세기에 유난히 높이 솟아오른 음악가가 되었다.[70] 하지만 그의 직접적인 영향 아래 음악을 쓴 작곡가는 제한적이었고, 요하네스 브람스(1833~1897)나 리하르트 바그너(1813~1883)를 기다려야 했으며, 게다가 베토벤의 교향곡의 이상이 발전의 최종 단계를 보이는 것은 19세기 말의 안톤 브루크너(1824~1896)와 구스타프 말러(1860~1911) 시대였다.[70]
6. 고전파 음악의 영향
베토벤, 프란츠 슈베르트, 칼 마리아 폰 베버, 요한 네포무크 훔멜, 존 필드는 펠릭스 멘델스존과 함께 "원-낭만주의자" 세대에 속한다. 이들의 형식 감각은 고전주의 양식의 영향을 크게 받았으며, 하이든, 모차르트, 클레멘티 등의 작품에 직접적으로 반응했다. 이들이 오케스트라에서 사용할 수 있었던 기악 전력은 숫자와 다양성 면에서 매우 "고전적"이었고, 이는 고전 작품과의 유사성을 보여준다.[47]
고전주의 양식의 지배력을 끝낼 운명이었던 세력들은 위의 작곡가들, 특히 베토벤의 작품에서 힘을 얻었다. 가장 흔히 언급되는 것은 화성적 혁신이며, 지속적이고 리듬적으로 균일한 반주 형상을 갖는 것에 대한 관심이 높아지는 것도 중요하다. 베토벤의 월광 소나타는 수백 개의 후기 작품의 모델이 되었으며, 리듬형의 변화하는 움직임은 작품의 드라마와 흥미의 많은 부분을 제공하는 반면, 멜로디는 그 위를 흐른다. 작품에 대한 더 많은 지식, 더 뛰어난 기악적 전문성, 악기의 증가하는 다양성, 콘서트 협회의 성장, 그리고 강철 현, 무거운 주철 프레임 및 공명하는 현의 사용과 같은 기술 개발을 통해 더욱 대담하고 더 큰 음색을 얻은 더욱 강력한 피아노의 멈출 수 없는 지배력은 모두 정교한 음악을 위한 거대한 청중을 창출했으며, 이 모든 경향은 "낭만주의" 양식으로의 전환에 기여했다.[47]
두 스타일 사이의 경계를 긋는 것은 매우 어렵다. 모차르트 후기 작품의 일부는 단독으로 80년 후에 쓰여진 음악과 화성 및 오케스트레이션에서 구별할 수 없으며, 일부 작곡가는 20세기 초까지 규범적인 고전 양식으로 계속 작곡했다. 베토벤이 죽기 전에도 루이 슈포어와 같은 작곡가들은 스스로 낭만주의자라고 칭하며, 작품에 더 화려한 반음계를 포함했다(예: 작품의 화음 진행에서 반음계 화음 사용). 반대로, 슈베르트의 교향곡 5번과 같은 작품은 고전 시대의 종말과 낭만 시대의 시작에 쓰여졌으며, 수십 년 전의 작곡 스타일을 되돌아보는 의도적으로 시대착오적인 예술적 패러다임을 보여준다.[47]
1820년대 후반 베토벤과 슈베르트의 죽음으로 촉발된 오케스트라 작곡을 위한 가장 중요한 음악 센터로서 비엔나의 몰락은 고전주의 양식의 최종적인 쇠퇴와, 한 작곡가가 다른 작곡가와 밀접하게 배우는 지속적인 유기적 발전의 종말을 의미했다. 프란츠 리스트와 프레데리크 쇼팽은 젊었을 때 비엔나를 방문했지만, 이후 다른 도시로 이주했다. 칼 체르니와 같은 작곡가들은 베토벤의 영향을 깊이 받았지만, 그들이 살았던 음악적 표현과 공연의 더 큰 세계를 담을 새로운 아이디어와 새로운 형식을 찾았다.[47]
18세기 고전 음악의 형식적 균형과 절제에 대한 관심이 다시 높아지면서 20세기 초에 소위 신고전주의 스타일이 개발되었으며, 스트라빈스키와 프로코피예프가 적어도 경력의 특정 시점에서 그 지지자였다.[47]
7. 한국에서의 고전파 음악
나폴리 악파의 오페라에서는 신포니아it라고 불린 서곡이 종종 작곡되었다[31]。 이것은 오페라 본체와는 음악적으로나 연극적으로 관련성이 없는 기악곡으로, 당시 흥륭하기 시작한 시민 대상의 콘서트에서 종종 단독으로 연주되었지만, 이윽고 서곡과 같은 음악 구조의 기악곡이 독립적으로 작곡되게 되었다[31]。 이 형식은 빠름-느림-빠름의 템포를 가지는 3악장으로 구성되어, 각 악장 내에서의 악상의 전개 방식은 훗날의 소나타 형식을 예고하는 것이었다[31]。
이러한 신포니아가 확립되자, [https://kotobank.jp/word/%E3%82%A6%E3%82%A3%E3%83%BC%E3%83%B3%E6%A5%BD%E6%B4%BE-33628 빈 악파][49]나 만하임 악파를 시작으로 하는 독일 계통의 작곡가들이 곧바로 이 아이디어를 이어받아 수많은 독창적인 연구를 더해, 소나타 형식을 확립해 감과 동시에, 다양한 음악 형식·장르·표현 형태를 만들어냈다 (교향곡, 소나타, 협주곡, 현악 사중주 등)[31]。
| 작곡가 | 설명 |
|---|---|
| 조반니 바티스타 삼마르티니(1701~75) | 성 암브로시오 대성당을 시작으로 밀라노의 여러 교회의 악장을 역임. 종교 음악 외의 분야에서도 지휘자·작곡가로서 활약, 글루크를 지도했다. 오페라의 서곡이 아닌 독립적인 신포니아를 시도한 최초의 인물로 여겨지며[80], 교향곡의 역사에 큰 발자취를 남겨 하이든 등에게 영향을 주었다[75]。 |
| 게오르크 크리스토프 바겐자일(1715~77) | 오스트리아의 궁정 작곡가[69]。 교향곡에서의 소나타 악장의 3부 구조를 통해 고전파 소나타의 성립에 기여했다[69]。 18세기 중반 무렵부터 점차 갤런트 양식을 보이기 시작하여, [https://kotobank.jp/word/%E3%82%A6%E3%82%A3%E3%83%BC%E3%83%B3%E6%A5%BD%E6%B4%BE-33628 빈의 전고전파]의 중요한 작곡가 중 한 사람으로서, 하이든과 모차르트에게 적지 않은 영향을 주었다[75]。 |
| 마티아스 게오르크 몬(1717~50) | 빈 성 카를 교회의 오르간 연주자[80]。 바겐자일과 함께 [https://kotobank.jp/word/%E3%82%A6%E3%82%A3%E3%83%BC%E3%83%B3%E6%A5%BD%E6%B4%BE-33628 빈 전고전파]를 대표하는 작곡가 중 한 사람[80]。 그의 교향곡은 뚜렷한 전개부와 으뜸조에 의한 재현부를 가지며, 교향곡에서의 소나타 형식을 예고하고 있다[80]。 |
참조
[1]
서적
A Performer's Guide to the Music of the Classical Period
Associated Board of the Royal Schools of Music
2002
[2]
간행물
A Comprehensive Study on Classical Music and Comparison with Other Music Styles, Types and Genres
https://www.research[...]
2018
[3]
서적
Classic and Romantic Music: A Comprehensive Survey
W. W. Norton
1970
[4]
웹사이트
Overview of the Classical Era of Music
https://courses.lume[...]
[5]
서적
Music: An Appreciation
McGraw Hill
2008
[6]
서적
The analysis of music
Prentice-Hall
1976
[7]
서적
The Classical Style
W. W. Norton & Company
1998
[8]
서적
The Classical Style
W. W. Norton & Company
1998
[9]
간행물
Classical
[10]
웹사이트
The Classical Period (1775-1825)
http://cmed.faculty.[...]
University of Kansas
2024-03-20
[11]
서적
An Annotated Bibliography of Guitar Methods, 1760–1860
Pendragon Press
2010
[12]
웹사이트
コトバンク「古典派音楽」
https://kotobank.jp/[...]
2023-10-12
[13]
문서
ライトハウス英和辞典
研究社
1984
[14]
서적
世界大百科事典「古典古代」の項
平凡社
[15]
서적
MicrosoftEncarta2005「古典派（音楽）」の項
Microsoft
[16]
서적
世界大百科事典「調性」の項
平凡社
[17]
서적
世界大百科事典「通奏低音」の項
平凡社
[18]
서적
図解音楽事典
白水社
1989
[19]
서적
図解音楽事典
白水社
1989
[20]
문서
[21]
문서
[22]
문서
[23]
문서
[24]
서적
大音楽事典「前古典派」の項
平凡社
[25]
서적
世界大百科事典「古典派音楽」
平凡社
[26]
서적
ヨーロッパとは何か
平凡社
[27]
서적
ヨーロッパとは何か
平凡社
[28]
문서
[29]
서적
ヨーロッパとは何か
平凡社
[30]
서적
世界大百科事典「ロココ音楽」の項
平凡社
[31]
서적
MicrosoftEncarta2005「西洋音楽」の項
Microsoft
[32]
서적
ものがたり西洋音楽史
岩波書店
[33]
문서
[34]
서적
ものがたり西洋音楽史
岩波書店
[35]
웹사이트
Das forschende orchestre by Mattheson, Johann, 1681-1764
https://archive.org/[...]
2023-11-07
[36]
서적
音楽大事典「フリードリヒ2世」の項
平凡社
[37]
문서
[38]
서적
クラシック音楽作品名辞典「ベルリン楽派」の項
三省堂
[39]
서적
大音楽事典「ベルリン楽派」の項
平凡社
[40]
서적
西洋音楽史
中央公論社
[41]
문서
[42]
웹사이트
コトバンク「ベルリン楽派」
https://kotobank.jp/[...]
2023-11-09
[43]
서적
大音楽事典、該当事項の項
平凡社
[44]
서적
クラシック音楽作品名辞典の該当項目の項
三省堂
[45]
서적
大音楽事典「マンハイム楽派」の項
平凡社
[46]
서적
ヨーロッパ音楽の歴史
音楽之友社
[47]
서적
大音楽事典「オペラ」の項
平凡社
[48]
서적
世界大百科事典、該当事項の項
平凡社
[49]
문서
[50]
웹사이트
コトバンク「ソナタ形式」
https://kotobank.jp/[...]
2023-11-12
[51]
서적
MicrosoftEncarta2005「ソナタ」の項
Microsoft
[52]
서적
世界大百科事典「ソナタ」の項
平凡社
[53]
서적
MicrosoftEncarta2005「グルック」の項
Microsoft
[54]
서적
大音楽事典「ブフォン戦争」の項
平凡社
[55]
웹사이트
Les Institutions Musicales Versaillaises de Louis XIV à Louis XVI
https://musebaroque.[...]
https://musebaroque.fr/
2023-10-11
[56]
서적
音楽史を学ぶ
教育芸術社
[57]
서적
ハプスブルクの音楽家たち
音楽之友社
[58]
문서
[59]
서적
音楽史を学ぶ
教育芸術社
[60]
서적
音楽大事典「ウィーン古典派」の項
平凡社
[61]
서적
音楽史を学ぶ
教育芸術社
[62]
서적
音楽史を学ぶ
教育芸術社
[63]
웹사이트
世界史の窓「ヨーゼフ2世」
https://www.y-histor[...]
2023-11-04
[64]
웹사이트
世界史の窓「神聖ローマ帝国」
https://www.y-histor[...]
2023-11-04
[65]
서적
世界大百科事典「ナポレオン戦争」の項
平凡社
[66]
웹사이트
世界史の窓「ウィーン体制」
https://www.y-histor[...]
2023-11-04
[67]
서적
音楽史を学ぶ
教育芸術社
[68]
서적
世界大百科事典「オペラ」の項
平凡社
[69]
서적
クラシック音楽作品名辞典、該当人名の項
三省堂
[70]
서적
MicrosoftEncarta2005、該当人名の項
Microsoft
[71]
서적
世界大百科事典「交響曲」の項
平凡社
[72]
서적
音楽史を学ぶ
教育芸術社
[73]
서적
世界大百科事典「弦楽四重奏」の項
平凡社
[74]
서적
世界大百科事典「ハイドン」の項
平凡社
[75]
서적
世界大百科事典、該当人名の項
平凡社
[76]
서적
MicrosoftEncarta2005「モーツァルト」の項。
Microsoft
[77]
서적
世界大百科事典「モーツァルト」の項
平凡社
[78]
서적
世界大百科事典「ベートーベン」の項
平凡社
[79]
서적
MicrosoftEncarta2005「ベートーベン」の項
Microsoft
[80]
서적
大音楽事典、該当人名の項
平凡社
[81]
웹사이트
世界史の窓「七年戦争」
https://www.y-histor[...]
2023-11-04
[82]
웹사이트
世界史の窓「バイエルン」
https://www.y-histor[...]
2023-11-04
[83]
웹사이트
世界史の窓「ザクセン人／ザクセン」
https://www.y-histor[...]
2023-11-04
[84]
웹사이트
世界史の窓「ハノーヴァー朝／ハノーファー」
https://www.y-histor[...]
2023-11-04
[85]
웹사이트
世界史の窓「ライン同盟」
https://www.y-histor[...]
2023-11-04
[86]
웹사이트
世界史の窓「ドイツ連邦」
https://www.y-histor[...]
2023-11-04
[87]
문서
[88]
웹사이트
コトバンク「ツェルター」
https://kotobank.jp/[...]
2023-11-04
[89]
문서
[90]
서적
世界大百科事典「チェコ」の項
平凡社
[91]
서적
世界大百科事典「ポーランド音楽」の項
平凡社
[92]
웹사이트
世界史の窓「イタリアの統一／リソルジメント」
https://www.y-histor[...]
2023-11-04
[93]
서적
世界大百科事典「イタリア音楽」の項
平凡社
[94]
서적
大音楽事典「フランス」の項
平凡社
[95]
서적
世界大百科事典「フランス音楽」の項
平凡社
[96]
서적
音楽史を学ぶ
教育芸術社
[97]
서적
世界大百科事典「スペイン音楽」の項
平凡社
[98]
서적
世界大百科事典「ポルトガル」の項
平凡社
[99]
웹사이트
Encycropedia.com, Carvalho, Joâo De Sousa
https://www.encyclop[...]
2023-11-12
[100]
서적
世界大百科事典「イギリス音楽」の項
平凡社
[101]
서적
音楽史を学ぶ
教育芸術社
[102]
서적
ヨーロッパ音楽の歴史
音楽之友社
[103]
문서
[104]
서적
世界大百科事典「ポーランド音楽」の項
平凡社
[105]
문서
[106]
문서
Wikipediaの該当記事に言及があるが出典がない。英語版には出典が示されているので、間違いではないと思われる。
[107]
서적
世界大百科事典「ロシア・ソビエト音楽」の項
平凡社
[108]
서적
ものがたり西洋音楽史
岩波書店
[109]
서적
音楽の歴史
白水社
[110]
서적
西洋音楽史
中央公論社
[111]
서적
音楽史を学ぶ
教育芸術社
[112]
서적
音楽史を学ぶ
教育芸術社
[113]
서적
世界大百科事典「ロマン派音楽」の項
平凡社
[114]
서적
音楽史を学ぶ
教育芸術社
[115]
문서
홍정수 외, 1997, p.20.
[116]
문서
미술사에서 고전은 [[빙켈만]]이 고대 그리스의 미술을 지칭하던 말로써 음악에 적용되었는데, 다른 예술 분야와 달리 음악의 고전 개념은 옛 고대의 규범을 따르지 않는다. 홍정수 외, 1997, p.20.
[117]
문서
홍정수 외, 1997, p.21.
본 사이트는 AI가 위키백과와 뉴스 기사,정부 간행물,학술 논문등을 바탕으로 정보를 가공하여 제공하는 백과사전형 서비스입니다.
모든 문서는 AI에 의해 자동 생성되며, CC BY-SA 4.0 라이선스에 따라 이용할 수 있습니다.
하지만, 위키백과나 뉴스 기사 자체에 오류, 부정확한 정보, 또는 가짜 뉴스가 포함될 수 있으며, AI는 이러한 내용을 완벽하게 걸러내지 못할 수 있습니다.
따라서 제공되는 정보에 일부 오류나 편향이 있을 수 있으므로, 중요한 정보는 반드시 다른 출처를 통해 교차 검증하시기 바랍니다.
문의하기 : help@durumis.com