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사이키델릭 음악

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목차

1. 개요

사이키델릭 음악은 LSD의 효과를 모방하여 시간 해체, 탈개인화, 역동성을 특징으로 하는 다양한 스타일의 음악을 포괄한다. 동양 악기, 복잡한 곡 구조, 초현실적인 가사, 스튜디오 효과 등을 특징으로 하며, 1960년대 미국과 영국에서 록 음악과 포크 음악을 중심으로 발전했다. 사이키델릭 음악은 록, 팝, 소울/힙합, 일렉트로닉 등 다양한 하위 장르로 확산되었으며, 현재는 칠웨이브, 하이퍼나고직 팝과 같은 새로운 스타일로도 나타난다. 사이키델릭 음악은 사이키델릭 치료에도 활용된다.

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사이키델릭 음악
기본 정보
"음악과 시각의 시각적 표현"
음악 스타일
어원영어: Psychedelic music
문화적 기원LSD, 비트 제너레이션
일반적 악기전자 기타
베이스 기타
드럼
키보드
신시사이저
테이프 루프
샘플러
시타르
오르간
멜로트론
보컬
파생 형태애시드 록
사이키델릭 팝
프로그레시브 록
사이키델릭 포크
뉴 사이키델리아
칠웨이브
트립 합
사이키델릭 트랜스
사이키델릭 힙합
하위 장르관련 장르 참조
추가 정보
관련 주제특징 참조

2. 특징

"사이키델릭"이라는 용어는 형용사로 자주 오용되며, 많은 음악가들이 다양한 스타일로 연주한다. 저자 마이클 힉스(Michael Hicks)는 이를 인정하며, 음악을 "사이키델릭"하게 만드는 요소로 LSD의 세 가지 근본적인 효과인 시간 해체, 탈개인화, 역동화를 제시한다.[4]


  • 시간 해체: 약물 사용자가 시간의 관습적인 인식에서 벗어난다.
  • 탈개인화: 사용자가 자아를 잃고 "미분화된 통일성에 대한 인식"을 얻는다.
  • 역동화: 모든 것이 구부러져 보이며, "익숙한 형태는 움직이고 춤추는 구조로 녹아든다".


진정으로 "사이키델릭"한 음악은 이 세 가지 효과를 모방한다.[4]

사이키델릭 음악에는 다음과 같은 특징들이 나타난다.

  • 시타르와 타블라 등 동양 악기의 사용이 일반적이다.[5]
  • 현대 팝 음악보다 단절적인 곡 구조, 조표 및 박자표 변화, 선법 멜로디, 드론을 갖는 경우가 많다.[4]
  • 초현실적, 기발하고, 난해하거나 문학적인 영감을 받은 가사가 자주 사용된다.[6][7]
  • 긴 기악 부분이나 잼에 강한 중점을 둔다.[8]
  • 1960년대에는 전자 오르간, 하프시코드, 멜로트론 등 키보드가 두드러지게 사용되었다.[9]
  • 거꾸로 된 테이프, 스테레오 트랙의 한쪽에서 다른 쪽으로 음악을 패닝, 전자 페이징의 "웅웅거리는" 소리 사용, 긴 딜레이 루프 및 극심한 리버브 등 정교한 스튜디오 효과가 사용된다.[10]
  • 1960년대에는 초기 신시사이저 및 테레민과 같은 전자 악기가 사용되었다.[11][12]
  • 이후 전자 사이키델리아 형태는 반복적인 컴퓨터 생성 비트를 사용하기도 했다.[13]


페이저 효과

3. 역사

1960년대 말, LSD 사용이 미국과 영국에서 불법화되고[36] 찰스 맨슨 관련 살인 사건이 반(反) 히피 정서에 영향을 주면서,[37] 사이키델릭 음악은 쇠퇴하기 시작했다. 1969년 알타몬트 무료 콘서트에서 일어난 메러디스 헌터 살해 사건은 사이키델릭 음악 씬에 대한 부정적 인식을 더했다.[38]

브라이언 윌슨, 브라이언 존스, 피터 그린, 시드 바렛 등은 "LSD의 희생자"로 여겨졌고, 이들이 속했던 밴드들은 음악적 방향을 전환하거나 해체되었다.[134][135] 지미 헨드릭스, 재니스 조플린, 짐 모리슨 등의 죽음은 사이키델릭 음악의 쇠퇴를 가속화했다.[136]

이후 많은 밴드들이 루츠 록으로 회귀하거나, 프로그레시브 록, 헤비 메탈, 글램 록 등 다양한 장르로 발전했다.[137] 1970년대 후반 포스트 펑크 씬에서 네오 사이키델리아라는 이름으로 사이키델릭 록이 다시 등장하기도 했다.[151]

3. 1. 1960년대: 사이키델릭 음악의 탄생

티모시 리어리, 1960년대 LSD 사용을 주요 옹호한 인물, 1989년 촬영


1950년대 후반부터 윌리엄 버로스, 잭 케루악, 앨런 긴즈버그와 같은 비트 세대 작가들은 대마초와 암페타민 같은 약물을 복용하고 이에 관해 글을 쓰면서 인지도를 높이고 사용을 대중화하는 데 기여했다.[1] 1960년대 초, LSD와 다른 사이키델릭 물질의 사용은 티모시 리어리, 앨런 왓츠, 올더스 헉슬리, 아서 쾨슬러와 같은 의식 확장의 새로운 옹호자들에 의해 옹호되었으며, 로렌스 베이시에 따르면, 이들은 새로운 세대의 청년들의 사고방식에 깊은 영향을 미쳤다.[16][17][18]

사이키델릭 라이프스타일은 1960년대 중반까지 캘리포니아, 특히 샌프란시스코에서 이미 발전해 있었고, 오즐리 스탠리에 의해 최초의 주요 지하 LSD 공장이 설립되었다.[19] 1964년부터, 소설가 켄 키지를 중심으로 발전한 느슨한 그룹인 메리 프랭크스터즈는 애시드 테스트를 후원했는데, 이는 스탠리가 공급한 LSD를 복용하고, 라이트 쇼, 필름 프로젝션과 그레이트풀 데드(스탠리가 자금 지원)의 불협화음적이고 즉흥적인 음악, 즉 ''사이키델릭 심포니''로 알려진 음악을 동반하는 일련의 행사였다.[20][21][22] 프랭크스터즈는 사이키델릭하게 장식된 개조된 스쿨 버스를 타고 미국 전역을 여행하며 약물을 배포하고 비트 운동의 주요 인물들과 만나고, 톰 울프의 ''전기 쿨에이드 애시드 테스트''(1968)와 같은 활동에 대한 출판물을 통해 LSD 사용을 대중화하는 데 기여했다.[23]

샌프란시스코에는 인근 버클리의 학생들과 도시에 모여든 자유 사상가들을 위한 포크 클럽, 커피 하우스 및 독립 라디오 방송국이 있는 음악 씬이 부상하고 있었다.[24] 이미 재즈와 블루스 음악가들 사이에서 약물 사용 문화가 있었고, 1960년대 초에는 대마초, 페요테, 메스칼린, LSD를 포함한 약물 사용이 포크 및 록 음악가들 사이에서 증가하기 시작했다.[26] 포크 씬에서 "사이키델릭"이라는 용어를 처음으로 음악적으로 사용한 것은 1964년 뉴욕을 기반으로 한 포크 그룹 홀리 모달 라운더스가 리드 벨리의 "망설임의 블루스"를 커버한 것이었다.[27] 포크/아방가르드 기타리스트 존 페이는 1960년대 초에 거꾸로 된 테이프, 플루트와 시타르를 포함한 새로운 기악 반주를 포함한 특이한 녹음 기법을 실험한 여러 곡을 녹음했다.[28] 그의 19분짜리 "The Great San Bernardino Birthday Party"는 "신경질적인 즉흥 연주와 이상한 기타 튜닝으로 사이키델리아의 요소를 예견했다".[28] 마찬가지로, 포크 기타리스트 샌디 불의 초기 작품은 "포크, 재즈, 인도 음악 및 아랍 음악의 영향을 받은 드론적인 모드 요소를 통합했다".[29] 그의 1963년 앨범 ''기타와 밴조를 위한 환상곡''은 다양한 스타일을 탐구하며 "가장 초기의 사이키델릭 레코드 중 하나로 정확하게 묘사될 수도 있다".[30]

곧 음악가들은 (처음에는 간접적으로, 나중에는 명시적으로) 약물을 언급하기 시작했으며, 사이키델릭 미술, 문학 및 영화에 반영된 것처럼 LSD 복용 경험을 재현하거나 반영하려고 시도했다.[31] 이러한 추세는 미국과 영국에서 병행적으로 진행되었으며, 상호 연결된 포크와 록 씬의 일부였다.[32] 팝 음악이 사이키델릭 사운드를 통합하기 시작하면서, 이 장르는 주류이자 상업적인 세력으로 부상했다.[33] 사이키델릭 록은 1960년대 말에 절정에 달했다.[7] 1967년부터 1968년까지, 그것은 변덕스러운 영국 변형이나 더 거친 미국 서부 해안 애시드 록으로 록 음악의 주류 사운드였다. 미국에서, 1967년 사랑의 여름은 휴먼 비-인 행사로 예고되었고 몬터레이 국제 팝 페스티벌에서 절정에 달했다.[34] 이러한 추세는 1969년 우드스톡 페스티벌에서 절정에 달했는데, 여기에는 지미 헨드릭스, 재니스 조플린, 제퍼슨 에어플레인, 산타나를 포함한 대부분의 주요 사이키델릭 밴드의 공연이 있었다.[35]

3. 2. 1970년대 이후: 다양한 장르로의 확산

1960년대 말, 많은 록 음악가들이 록앤롤의 기원인 '루츠'로 돌아갔다. 바니 호스킨스는 이것을 "퇴행적이고 포스트 사이키델릭 음악"의 발전이라고 불렀다. 그는 컨트리 록과 롤링 스톤스, 더 밴드, 딜레이니 & 보니, 반 모리슨, 레온 러셀의 블루스/소울에서 영감을 받은 음악을 예로 들었다.[39] 음악학자 프랭크 호프만에 따르면, 포스트 사이키델릭 하드 록은 다양한 록 씬에서 출현했으며, 레드 제플린, 블랙 사바스, 로빈 트라우어의 음악과 같이 더 "영화적인 기타 스타일과 연상시키는 가사 이미지"로 구분된다.[40] 음악 학자 에드워드 매캔은 새롭게 등장한 "포스트 사이키델릭 하드 록/헤비 메탈 스타일"이 "히피 정신과 약한 연관성"을 가지고 있으며 "블루스 진행을 강하게 강조"했다고 언급한다.[41] 사이키델릭 록은 왜곡된 기타 사운드, 긴 솔로, 그리고 모험적인 작곡으로 블루스 지향의 록과 나중에 등장한 메탈 사이의 중요한 가교 역할을 했다. 야드버즈의 전 기타리스트였던 제프 벡과 지미 페이지는 각각 새로운 블루스 록-헤비 메탈 장르의 핵심 행위인 제프 벡 그룹과 레드 제플린을 결성하기 위해 옮겨갔다.[42] 헤비 메탈 장르의 다른 주요 선구자들은 블랙 사바스, 딥 퍼플, 유다스 프리스트, UFO를 포함하여 블루스 기반의 사이키델릭 밴드로 시작했다.[42][43]

미국 학자 크리스토프 덴 탄트에 따르면, 포스트 사이키델릭 시대의 많은 음악가들은 핑크 플로이드의 컨셉 앨범과 에머슨, 레이크 & 파머와 예스의 뛰어난 기악 연주에서 나타나듯, 엄격한 전문 의식과 클래식 음악의 요소를 채택했다. 그는 "1970년대 초의 포스트 사이키델릭 록은 소규모 또는 중규모 구조에서 시작되었다"고 덧붙이며, 버진 레코드, 아일랜드 레코드, 옵스큐어 레코드와 같은 음반 레이블을 언급했다.[49] 사이키델리아를 수용한 많은 영국 음악가와 밴드들은 1970년대에 프로그레시브 록 장르를 만드는 데 뛰어들었다. 킹 크림슨의 앨범 ''In the Court of the Crimson King''(1969)은 사이키델리아와 프로그레시브 록 사이의 중요한 연결고리로 여겨졌다.[44] 호크윈드와 같은 일부 밴드들은 1970년대까지 명백한 사이키델릭 노선을 유지했지만, 대부분의 밴드들은 더 광범위한 실험에 착수하기 위해 사이키델릭 요소를 버렸다.[45] 사이키델릭 운동의 독일 밴드들이 사이키델릭 뿌리에서 벗어나 전자 기악에 점점 더 많은 비중을 두면서, 크라프트베르크, 탠저린 드림, 캔 및 파우스트를 포함한 이 그룹들은 "크라우트록"으로 알려진 독특한 브랜드의 전자 록을 개발했다.[46] 브라이언 이노가 록시 뮤직에서 키보드 연주를 통해 탐구한 음악 스타일과 함께 전자 신디사이저의 채택은 이후 전자 록 발전에 큰 영향을 미쳤다.[47] 소프 머신과 캔과 같은 밴드의 음악에 재즈 스타일을 통합한 것도 콜로세움과 같은 밴드의 신흥 재즈 록 사운드의 발전에 기여했다.[48]

포스트 사이키델릭 시대의 또 다른 발전은 앨범 아트워크와 같이 아티스트와 그들의 레코드 마케팅에 대한 더 많은 자유였다. 탄트는 레코드 슬리브 디자인을 통해 아티스트에 대한 정보나 레코드에 대한 정보를 제한함으로써 경제 시장에서 녹음 아티스트의 익명성에 대한 선호를 파악한다. 그는 1970년대 초 핑크 플로이드 앨범, 비틀즈의 1968년 앨범(비공식적으로 ''The White Album''으로 알려짐) 및 레드 제플린의 1971년 앨범을 예로 들며, 이 앨범의 경우 "오늘날까지 제목에 대한 합의가 없다"고 말한다. 그에 따르면, 브라이언 이노와 로버트 프립과 같은 포스트 사이키델릭 음악가들은 아티스트와 그들의 작품 또는 스타덤 사이의 이러한 단절을 "명시적으로 옹호"했다. 그는 "그렇게 함으로써" 1970년대 후반 포스트 펑크의 중심 경향을 위한 토대를 마련했으며, 이는 더 큐어의 처음 4개의 앨범 (밴드 멤버들의 흐릿한 사진이 특징)과 팩토리 레코드의 일련 번호가 있는 어두운 색상의 커버에서 입증된다고 덧붙였다.[49]

1970년대 중반에 이르러, 포스트 사이키델릭 음악은 음악성에 대한 강조가 탄트가 묘사한 바와 같이 "자신을 아이콘 파괴적인 반란에 노출시켰다": "1970년대 중반의 펑크 록은 음악적 조악함에 대한 진정한 또는 가장된 정신으로 10년 전에 개발된 것과 반대되는 문화적 수단을 통해 록의 자율성을 재각인했다."[49] 포스트 사이키델릭 시대의 음악은 그것에 앞서 있었던 사이키델릭, 포크 록, 그리고 영국 리듬 앤 블루스 스타일과 함께 나중에 클래식 록 범주와 관련되었다.[49]

스토너 록은 헤비 메탈 및/또는 둠 메탈의 요소와 사이키델릭 록 및 애시드 록을 결합한 록 음악 퓨전 장르이다.[53] 이 장르는 1990년대 초에 등장했으며 몬스터 매그넷과 캘리포니아 밴드 푸 만추, 카이서스[58] 및 슬립이 선구적으로 개척했다.[59][60]

네오 사이키델리아는 1970년대 영국 포스트 펑크 장면에서 파생된 다양한 스타일의 음악이다.[61] The Soft Boys, The Teardrop Explodes, Echo & the Bunnymen을 포함한 이 장면의 일부 밴드는 네오 사이키델리아의 주요 인물이 되었다.[62] 1980년대 초 페이즐리 언더그라운드 운동은 네오 사이키델리아를 따랐다.[62]

2012년 밀라노 공연에서의 The Stone Roses


매드체스터는 1980년대 후반 잉글랜드 북서부의 맨체스터 지역에서 발달한 음악 및 문화 장면이다.[64][65] 가장 유명한 그룹으로는 The Stone Roses, Happy Mondays, Inspiral Carpets, The Charlatans, 808 State가 있다. 레이브의 영향을 받은 이 장면은 특히 엑스터시(MDMA)와 같은 약물의 영향을 많이 받은 것으로 널리 알려져 있다.[67]

올뮤직은 "1980년대 초 페이즐리 언더그라운드 운동과 1990년대 후반의 엘리펀트 6 컬렉티브를 제외하고, 이후의 대부분의 네오 사이키델리아는 응집력 있는 장면이 아닌 고립된 괴짜와 부활주의자들로부터 나왔다"라고 언급했다. 그들은 더 눈에 띄는 아티스트로 간주되는 The Church, Nick Saloman의 Bevis Frond, Spacemen 3, Robyn Hitchcock, Mercury Rev, The Flaming Lips, Super Furry Animals 등을 언급했다.[62]

《The Atlantic》의 작가 르웰린 힝케스 존스는 부드러운 비트, 빈티지 신시사이저, 로우파이 멜로디를 특징으로 하는 2000년대의 다양한 음악 스타일을 확인했으며, 여기에는 칠웨이브, '''글로-파이''', 하이퍼나고직 팝이 포함된다.[72]

"칠웨이브"라는 용어는 2009년 7월 Hipster Runoff 블로그에서 만들어졌다.[70] 2009년 8월, "하이퍼나고직 팝"은 저널리스트 데이비드 키넌에 의해 2000년대 로파이와 포스트-노이즈 음악의 발달하는 트렌드를 지칭하기 위해 만들어졌다.[71]

2010년까지 아리엘 핑크와 Neon Indian의 앨범은 《피치포크》와 《The Wire》와 같은 간행물에서 정기적으로 호평을 받았다. "하이퍼나고직 팝", "칠웨이브", "글로-파이"라는 용어는 곧 이러한 아티스트들의 진화하는 사운드를 설명하기 위해 채택되었다.[72]

3. 3. 한국에서의 사이키델릭 음악

제공된 원문은 주로 영미권, 특히 영국과 미국의 사이키델릭 음악 씬에 대한 내용이며, 한국에서의 사이키델릭 음악에 대한 직접적인 언급은 없습니다. 따라서 해당 섹션에 원문을 기반으로 작성할 내용은 없습니다.

4. 하위 장르

"사이키델릭"은 형용사로 자주 오용되며, 많은 음악가들이 다양한 스타일로 연주한다. 저자 마이클 힉스(Michael Hicks)는 이를 인정하며, LSD의 세 가지 근본적인 효과인 시간 해체, 탈개인화, 역동화를 통해 진정으로 "사이키델릭"한 음악은 이 세 가지 효과를 모방한다고 설명한다.[4]

사이키델릭 음악에는 다수의 특징이 있다. 시타르와 타블라를 선호하는 동양 악기의 사용이 일반적이다.[5] 노래는 현대 팝 음악보다 단절적인 곡 구조, 조표 및 박자표 변화, 선법 멜로디, 드론을 갖는 경우가 많다.[4] 초현실적, 기발하고, 난해하거나 문학적인 영감을 받은 가사가 자주 사용된다.[6][7] 긴 기악 부분이나 잼에 강한 중점을 둔다.[8] 1960년대에는 전자 오르간, 하프시코드, 멜로트론과 같은 키보드가 두드러지게 사용되었다.[9]

거꾸로 된 테이프, 스테레오 트랙의 한쪽에서 다른 쪽으로 음악을 패닝, 전자 페이징, 긴 딜레이 루프, 극심한 리버브등의 정교한 스튜디오 효과가 종종 사용된다.[10] 1960년대에는 초기 신시사이저 및 테레민과 같은 전자 악기가 사용되었다.[11][12] 이후 전자 사이키델리아 형태는 반복적인 컴퓨터 생성 비트를 사용하기도 했다.[13]

사이키델릭 음악은 다양한 하위 장르로 발전했다.


  • 사이키델릭 포크: 1964년 뉴욕을 거점으로 활동하는 포크 그룹 The Holy Modal Rounders가 레드베리의 「망설임의 블루스」 커버를 발표했을 때 처음으로 사이키델릭이라는 단어가 음악 분야에서 사용되었다.[111] 1960년대 중반 사이키델릭 뮤직은 급속도로 미국 서부 해안과 동부 해안의 비트 포크 신으로 퍼졌다.[112] 샌프란시스코에서는 칼레이도스코프, 잇츠 어 뷰티풀 데이, 피넛 버터 컨스피러시, H. P. 러브크래프트 등의 뮤지션과 밴드가 등장했고, 뉴욕 그리니치 빌리지에서는 제이크 & 더 패밀리 쥬얼스, 캣 마더 & 더 올 나이트 뉴스보이스[112], 플로리다에서는 펄스 비포 스와인이 등장했다. 1965년 버즈가 포크 록으로 전향한 것을 계기로 많은 사이키델릭 밴드들이 뒤를 이었고, 그레이트풀 데드, 제퍼슨 에어플레인, 캡틴 비프하트 앤 히즈 매직 밴드, 컨트리 조 앤 더 피쉬, The Great Society, 퀵실버 메신저 서비스와 같은 밴드가 생겨났다.[113]

  • 네오 사이키델리아: 1970년대 후반 포스트 펑크 씬에서 수지 앤 더 밴시즈[151], 티어드롭 익스플로즈(The Teardrop Explodes), 에코 앤 더 배니멘, 처치, 더 소프트 보이즈(Soft Boys)[154]와 같은 밴드들이 등장하며 사이키델릭 록이 부활했다. 1980년대 초 미국에서는 페이즐리 언더그라운드(Paisley Underground)를 중심으로 더 드림 신디케이트(The Dream Syndicate), 뱅글스, 레인 퍼레이드(Rain Parade)와 같은 밴드들이 등장했다.[152] 1990년대에는 엘리펀트 6 소속 밴드들과 스페이스멘 3 등이 활동했다. 2000년대에도 테임 임팔라[163], 에섹스 그린(The Essex Green)[164]과 같은 밴드들이 1960년대 사운드를 재현하며 네오 사이키델리아의 열기를 이어갔다.

  • 스토너 록: 1990년대 초반, 사이키델릭 록, 블루스 록, 둠 메탈을 융합한 듯한 스토너 록이 등장했다. 이 장르는 느린 템포, 베이스의 낮고 묵직한 사운드,[155] 멜로디컬한 보컬, "레트로"한 특징을 지닌다.[156] 캘리포니아의 밴드 카이아스[157]와 슬립[158]이 이 장르를 개척했다.

4. 1. 록

사이키델릭 록은 1960년대에 록 음악과 전자 음악, 동양의 영향 등이 합쳐진 록앤롤 무브먼트의 여파로 성장했다. 대마초, 메스칼린, LSD 등의 환각제를 복용하여 얻은 영감으로 전통적인 록 음악을 무너뜨리고 사이키델릭 메탈과 실험적인 록 장르의 근원이 되었다. 미국에서는 13th 플로어 엘리베이터스가 그레이트풀 데드나 제퍼슨 에어플레인 등에 대표되는 장르와 연결되는 '사이키델릭'이라는 단어를 처음 사용했다. 비틀즈는 엄밀히는 사이키델릭 록으로 여겨지지 않았지만, 1965년부터 1967년에 걸쳐 "투모로우 네버 노우즈"나 "루시 인 더 스카이 위드 다이아몬즈"와 같은 곡을 제작했다. 크림과 창립자 시드 배럿이 이끈 핑크 플로이드는 사이키델릭 음악을 받아들여 처음으로 진정한 사이키델릭 밴드가 되었다.

한 곡을 제작하는 데 집중하며, '사이키델릭한' 영향 아래 실험적인 레코딩을 하여 초현실적인 음악을 만들어내는 뮤지션도 있었다. 이 과정을 보여주는 작품으로 컨트리 조 앤 더 피시가 1966년에 제작한 'Bass Strings'는 거친 재그 밴드에 영향을 받은 양식에 대한 대항으로, 경쾌하고 템포가 빠른 공격적인 것이 되었다. 1967년, 상업적인 히트를 노릴 만한 것에서 LSD의 영향을 받아 만들어진 실험적인 음악으로 다시 태어났다. 'Bass Strings'에서 더 느린 템포로 늦춘 보컬, 반향 추가, 역재생으로 수록한 심벌, 전자 오르간, 사막을 여행하는 내용의 가사, 끊임없이 이어지는 듯한 블루스 기타 솔로를 조합한 결과 사이키델릭한 곡이 탄생했고, 컨트리 조 앤 더 피시의 첫 번째 앨범 'Electric Music for the Mind and Body'도 그렇게 되었다. 제퍼슨 에어플레인의 웹사이트에는 "(앨범) 'After Bathing at Baxter's'는 사이키델릭한 실험이 어떤 음악을 만들어내고, 어떻게 내면에서 느끼게 하는지, 그 감각을 잡고 싶어서 만들어졌다"고 쓰여 있다. 지미 헨드릭스 또한 자신의 기타와 재능으로 사이키델릭하고 실험적인 음악을 만들어왔다.

사이키델릭 음악에서 크라프트록을 만들어내는 데 중요한 역할을 한 크라프트베르크


과거 사이키델릭적인 요소를 도입했던 영국의 많은 뮤지션과 밴드는 1970년대에 들어서면서 핑크 플로이드나 소프트 머신, 예스처럼 프로그레시브 록이라는 새로운 영역의 형성에 이행해 갔다. 킹 크림슨의 앨범 『크림슨 킹의 궁전』(1969년)은 사이키델릭 록에서 프로그레시브 록으로의 이행기를 상징하는 기념비적인 작품으로 알려져 있다.[141] 호크윈드와 같은 밴드는 1970년대에 사이키델릭 음악의 요소를 도입했지만, 대부분 더 광범위한 실험 속에서 사이키델릭 요소를 버렸다.[142] 크라프트베르크, 탠저린 드림, 칸, 파우스트와 같은 밴드는 자신들의 음악 근본에서 사이키델릭적인 요소를 제거하고, 전자 악기의 사용에 특화된 결과 "kosmische musik"으로 알려진 일렉트로닉 록, 즉 영국의 잡지에서 말하는 크라프트록이라는 장르를 확립해 갔다.[143] 포폴 부가 1970년에 신시사이저를 사용하기 시작한 이래 신시사이저의 도입은 1972년에 록시 뮤직의 신시사이저 연주자로 데뷔한 브라이언 이노의 활약도 더해져 신스 록이라는 새로운 장르 개척에 한몫했다.[144] 칸과 소프트 머신이 재즈 요소를 도입함에 따라 콜로세움과 같은 재즈 록 밴드가 결성되었다.[145]

사이키델릭 록에서의 디스토션이 걸린 기타 사운드, 솔로 강조, 대담한 구성과 같은 요소는 블루스 기원의 록에서 훗날 헤비 메탈로 이어지는 중요한 가교로 여겨진다. 1960년대에 야드버즈에 소속되었던 기타리스트 제프 벡과 지미 페이지는 장르를 이동하여 각각 제프 벡 그룹과 레드 제플린을 결성했다.[146] 블루스 기원의 사이키델릭 록 밴드에서 장르를 개척해 나간 밴드로는 블랙 사바스, 딥 퍼플, 주다스 프리스트, UFO가 있다.[146][147]

사이키델릭 음악은 글램 록의 탄생에도 영향을 주었다. 마크 볼란은 사이키델릭 포크 듀오였던 티라노사우루스 렉스를 1970년 말에 T. 렉스로 발전시켜 세계 최초의 글램 록 스타로서 큰 성공을 거두었다.[148] 데이비드 보위는 1971년에 사이키델릭한 사운드에서 전향하여 지기 스타더스트라는 또 다른 인격을 내세우고, 프로로서의 성격과 퍼포먼스를 독자적인 것으로 만들어갔다.[149]

4. 2. 팝

비틀즈의 영향으로 사이키델릭 요소는 주류 및 상업 음악계로 퍼져나갔고, 팝스 업계는 사이키델릭 음악의 영향을 받아 시타르나 디스토션이 걸린 기타 사운드, 테이프 효과를 히피 패션과 함께 도입했다[117]. 비치 보이스의 히트 싱글 "굿 바이브레이션"은 테레민을 다루기 쉽게 만든 악기인 타네린(Tannerin)을 사용했으며, 사이키델릭한 가사와 사운드를 팝스에 도입한 곡 중 하나로 꼽힌다[118][119]. 일렉트릭 프룬스, 스트로베리 알람 클락, 블루스 머거스 등은 이러한 유행을 탄 미국의 팝스 밴드이다[120]. 몬키스나 레몬 파이퍼스(The Lemon Pipers)와 같은 초기 버블검 팝 밴드나 뮤지션에게서도 사이키델릭 사운드를 찾아볼 수 있었다[121]. 스코틀랜드의 포크 싱어인 도노반은 1966년 "선샤인 슈퍼맨"으로 히트하며 일렉트릭 사운드로 전환했는데[137], 이 곡은 초기의 사이키델릭 팝 레코드 중 하나로 꼽힌다[137].

호주와 뉴질랜드에서도 더욱 팝적인 사이키델릭 뮤직 밴드가 결성될 정도로 인기를 끌었다. 시드니에서 결성된 이지비츠(The Easybeats)는 런던에서 『Friday on My Mind』(1966년)를 레코딩하여 세계적인 히트를 기록한 후 런던에 머물며 1970년 해산할 때까지 사이키델릭적인 팝 작품을 계속 만들어갔다[122]. 퀸즐랜드주브리즈번에서 결성된 비 지스도 이지비츠와 비슷한 길을 걸으며 호주를 떠나 런던에서 앨범 『Bee Gees 1st』(1967년)을 레코딩했고, 이후에도 3개의 히트 싱글을 발표했다[123]. 그들의 사운드는 포크와 록을 포함했지만 비틀즈의 영향을 강하게 받은 사이키델릭한 요소도 있었다[123]. 애들레이드에서 결성된 더 트와일라이츠(The Twilights)도 런던으로 가서 소소하게나마 몇 개의 히트곡을 레코딩했고, 사이키델릭 뮤직 씬에 대해 배운 뒤 귀국하여 시타르를 사용한 비틀즈의 커버곡을 제작했으며, 컨셉 앨범 『Once upon a Twilight』(1968년)를 발표했다[124]. 가장 성공했다고 여겨지는 뉴질랜드 밴드 는 오스카 와일드의 동명의 아동 문학을 소재로 한 사이키델릭 팝 앨범 『The Happy Prince』(1968년)를 발표했지만 영국 및 전 세계에서 히트를 기록하지는 못했다[125].

4. 3. 소울/힙합

1960년대 후반 지미 헨드릭스의 작업 이후, 사이키델리아는 아프리카계 미국인 음악가들에게 광범위한 영향을 미치기 시작했다.[75] 슬라이 앤 더 패밀리 스톤과 같은 흑인 펑크 아티스트들은 와 와 페달, 퍼즈 박스, 에코 챔버, 보컬 디스토터와 같은 사이키델릭 록 음악의 기술과 블루스 록 및 재즈의 요소를 차용했다.[76] 그 후 몇 년 동안 퍼러먼트-펑카델릭과 같은 그룹들은 신시사이저와 록 지향적인 기타 작업을 개방형 펑크 잼에 사용하여 이러한 감성을 이어갔다.[77][76] 프로듀서 노먼 휘트필드는 템테이션스의 "Cloud Nine"(1968)과 마빈 게이의 "I Heard It Through the Grapevine"(1969)과 같은 인기 있는 모타운 레코딩에서 이 사운드를 활용했다.[77]

시민권 운동의 영향을 받은 사이키델릭 소울은 많은 사이키델릭 록보다 어둡고 정치적인 면이 있었다.[75] 슬라이 앤 더 패밀리 스톤은 "I Want to Take You Higher"(1969)와 같은 곡을 선보였고, 템테이션스는 "Cloud Nine", "Runaway Child, Running Wild"(1969) 및 "Psychedelic Shack"(1969)를 발표하며 사이키델릭 소울을 개척했다.[78]

사이키델릭 랩은 힙합 음악과 사이키델리아를 융합한 마이크로장르이다.[79] 선구자로는 데 라 소울, 정글 브라더스, 어 트라이브 콜드 퀘스트가 이끄는 뉴욕의 네이티브 텅스 콜렉티브와 쇼크 G가 있다.[79][80] 트립 합의 "트립"은 사이키델리아보다는 덥 음악과 더 관련이 있었지만,[81] 이 장르는 사이키델릭 록과 힙합을 결합했다.[82]

4. 4. 일렉트로닉

애시드 하우스 탄생의 계기가 된 롤랜드 TB-303


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애시드 하우스는 1980년대 중반 DJ 피에르, 아도니스, Farley Jackmaster Funk|퍼리 잭마스터 펑크영어, 퓨쳐와 같은 시카고 DJ들에 의해 하우스 음악에서 파생되었다. 특히 퓨쳐는 『Acid Trax』(1987년)라는 작품으로 처음 "Acid"라는 단어를 사용했다.[165] 애시드 하우스는 롤랜드 TB-303에서 만들어진 깊은 베이스라인과 꼬르륵거리는 듯한 사운드가 합쳐진 음악이다. 영국에서 이 장르의 싱글이 발매되자, 그러한 사운드가 다시 만들어졌고, 1986년부터 1987년까지 런던에서는 작은 창고에서 댄스 파티가 열렸다. 1988년 세컨드 서머 오브 러브 동안, 애시드 하우스는 영국 음악 업계에서 히트하여 수천 명의 클럽 애호가들이 대규모 레이브 파티를 열었다. M/A/R/R/S, S'Express, Technotronic과 같은 뮤지션들의 작품이 영국 음악 차트에 올랐지만, 1990년대에 들어서면서 애시드 하우스는 트랜스에 그 인기를 빼앗겼다.[165]

트랜스는 1990년대 초 독일의 테크노와 하드코어 테크노 씬에서 탄생했다. 이 장르의 음악은 신시사이저의 짧은 멜로디 반복과 변화가 적은 리듬, 때때로 들어가는 신시사이저 노이즈를 조합하여 듣는 이를 트랜스 상태에 빠진 듯한 기분으로 만든다. 애시드 하우스와 테크노에서 파생된 이 장르는 네덜란드와 독일에서 발전하여 조이 벨트람의 "Energy Flash"나 CJ 볼랜드의 "The Ravesignal"과 같은 싱글이 나왔으며, Robert Leiner, 선 일렉트릭, 에이펙스 트윈 등이 작품을 발표했다. 하드플로어의 "Acperience 1"(1992년)으로 유명한 테크노/트랜스 레이블인 하트하우스도 영향력을 행사했다. 1990년대 초 영국에서 인기를 얻었던 트랜스는 트립 합이나 정글과 같은 새로운 장르가 등장하면서 쇠퇴했다. 하지만 1990년대 후반부터 다시 인기가 급상승하여 미국에서는 폴 오켄폴드, 피트 통, 토니 데 비트, 대니 램플링, 사샤, 저지 줄스 등과 크리스토퍼 로렌스나 Kimball Collins와 같은 DJ들이 클럽에서 인기를 얻었다. 트랜스는 세분화되어 프로그레시브 트랜스, 애시드 트랜스, 유로 트랜스, 고어 트랜스, 사이키델릭 트랜스, 하드 트랜스, 업리프팅 트랜스와 같은 다양한 장르가 파생되었다.[166]

뉴 레이브의 상징인 형광 상품


2000년대 영국에서는 인디 록과 댄스 펑크를 혼합한 새로운 레이브가 클락슨스에 의해 개척되었고, 『NME』지가 이를 확산시켰다. 트래시 패션, 뉴 영 포니 클럽, 하도켄!, 레이트 오브 더 피어, 테스트 아이시클즈,[169] 싯 디스코[170] 등의 밴드가 뉴 레이브라는 단어를 사용했다.[170] 이 장르의 음악은 초기의 레이브처럼 장면에 맞는 미학이 사용되었으며, 케미컬 라이트나 네온사인과 같은 형광 상품을 이용한 시각 효과에도 중점을 두고 있어, 참가자들도 눈부신 색상의 옷이나 형광 페인트를 사용한 옷을 입었다.[170][171]

5. 사이키델릭 음악 치료

셋 앤드 세팅은 정신과 시설 및 사이키델릭 보조 심리치료 방식 설계에 매우 중요하다.[93] 연구에 따르면 큐레이션된 음악 플레이리스트가 긍정적인 환경을 조성하는 데 기여할 수 있다.[94][95][96]

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